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Die Ursprünge des Begriffs „Böhmen“ liegen in der unglaublichen Popularität des sogenannten Zigeunermythos in Frankreich der 30-40er Jahre, dessen Grundlage der abenteuerliche und wandernde Lebensstil der jungen Bewohner der Straßen von Paris war von den Normen der öffentlichen Moral. Aus dem wohlklingenden Wort „Böhmen“ entstanden lange Zeit ausschließlich kriminelle, keinesfalls künstlerische oder künstlerische Assoziationen. Kartenschärfer, Clochards und Diebe – die trugen stolz den Namen „Bohemian“.

Der Sohn des Hausmeisters, Journalisten und Schriftstellers Henri Murger hat das Leben der Pariser Bohème gedichtet und verschönert. Murgers „Homer der Pariser Bohème“ schuf eine ehrfürchtige Legende über das Talent und den Adel der Bewohner des Quartier Latin. Hungrige Ragamuffins und schlampige, ordinäre Mädchen verwandelte er in ruhelose Träumer und charmante Charmeurinnen. „Szenen aus dem böhmischen Leben“ (1851), die den Namen Murger in ganz Europa verherrlichten, lockten im „lateinischen Land“ Wahrheits- und Abenteuersucher, die aus dem engen Rahmen eines ehrbaren Lebens ausbrachen, nicht nur, sondern inspirierten auch mehr als eine Generation von Künstlern und Schriftstellern, um ihr kreatives Temperament zu testen.

1893 beschlossen zwei Komponisten, Ruggero Leoncavallo und Giacomo Puccini, eine Oper zu schreiben, die auf einer Geschichte aus Murgers Roman basiert. Puccini, der seine dürftige, aber fröhliche Studentenjugend besingen wollte, erwies sich als agiler und kam als Erster ins Ziel. Die Uraufführung seiner „La Boheme“ fand am 1. Februar 1896 statt (die mühsame Arbeit der Librettisten zog die Sache dennoch sehr in die Länge). Der Maestro war unzufrieden mit der Wahl der Stadt Turin für die Uraufführung: Schließlich habe es im Turiner Theater Del Reggio, erklärte er seinem Freund und Verleger Giulio Riccordi, nicht nur keine gute Akustik, sondern es seien auch Zugaben verboten. Zu Zugaben kam es nach Turin nicht. Das Publikum begrüßte Puccinis neue Komposition mit höflichem Applaus, die Kritik mit wütenden Artikeln.

„La Boheme“ wurde ein kurzes Schicksal vorausgesagt, dem Komponisten wurde geraten, seine Fehler zu verstehen und auf den Weg der wahren Kunst zurückzukehren, wohin ihn „Manon Lescaut“ vor drei Jahren führte. Puccini hatte Pech mit den Künstlern: Der Darsteller der Rolle des Künstlers Marseille erwies sich als schrecklicher Schauspieler, und der Darsteller der Rolle des Dichters Rudolph erwies sich als wertloser Sänger. Aber an diesem Abend stand der achtundzwanzigjährige Arturo Toscanini am Dirigentenpult. „Nach der Premiere von La bohème“, erinnerte sich Puccini, „drängten sich Traurigkeit und Melancholie in mir, ich wollte weinen … Ich verbrachte eine schreckliche Nacht, und am Morgen wurde ich mit einem boshaften Gruß aus den Zeitungen begrüßt.“ Die Kritik änderte ihre Meinung ziemlich schnell. Bereits im April des Folgejahres wurde die Oper in Palermo mit einem Paukenschlag aufgeführt.

Ludmilla Daniltschenko

Bolschoi-Theater „La Boheme“.

Ein Jahr nach der Uraufführung in Turin (1896) war La bohème in Moskau zu hören, aufgeführt von den Künstlern der Privatoper von Savva Mamontov, unter denen Nadezhda Zabela (Mimi) und Fyodor Chaliapin (Shonard) auftraten.

Und es wurde 1911 dank der Bemühungen von Leonid Sobinov in das Repertoire des Bolschoi-Theaters aufgenommen, der eine neue Übersetzung ins Russische in Auftrag gab und nicht nur die Rolle des Rudolf aufführte, sondern zum ersten Mal auch als Regisseur fungierte. Die Aufführung wurde von den Chorsängern des Theaters unterstützt (die Uraufführung war eine Benefizaufführung des Chores), blieb aber nicht im Repertoire.

Anders als bei den ersten europäischen Inszenierungen dieses berühmten Opernmelodramas (im Londoner Stadtteil Covent Garden fand von 1897 bis 1974 dieselbe Aufführung statt, in der Pariser Oper Comic von 1898 bis 1972), war im Bolschoi La Bohème anders. Nicht vor der Revolution, nicht danach. Obwohl die erste "sowjetische" Produktion nur vier Jahre nach dem siegreichen 17. Oktober durchgeführt wurde.

1932 wurde die neue La bohème unter Berücksichtigung der Intimität dieser Oper auf die Bühne der Filiale geschickt, wo sie wiederum für sehr kurze Zeit lebte und wo sie durch die Bemühungen der nächsten Produktionsgruppe wiederbelebt wurde 1956. Mit der „La Boheme“ des 56. Jahres verbindet sich eine amüsante und für damalige Verhältnisse nicht ganz typische Geschichte. Mit dieser Produktion trat der bekannte Dirigent polnischer Herkunft Jerzy Semkov, Absolvent des Leningrader Konservatoriums, der am Bolschoi-Theater ausgebildet wurde, in die Opernwelt ein. (Drei Jahre nach dieser Premiere wurde er Chefdirigent des Warschauer Bolschoi-Theaters und zwei Jahre später ging er in den Westen.) Der junge Semkov, der sich durch eine stolze und unabhängige Art auszeichnete, hielt es für notwendig, auf Kritik zu reagieren (ausgewogen durch Lob) durch die Zeitung des Bolschoi-Theaters, Erklärung einzelner Fehlkalkulationen wenige Proben. Seiner weiteren Karriere tat dies jedoch keinen Abbruch.

Die aktuelle Produktion wurde 1996 anlässlich des 100. Jubiläums der Turiner Uraufführung ins Repertoire aufgenommen. Es war ein erfolgreiches Werk, ein Jahr bevor Peter Feranec zum Chefdirigenten des Orchesters des Bolschoi-Theaters ernannt wurde. Die Kritiker waren sich praktisch einig: Das von einem slowakischen Dirigenten geleitete Orchester vermittelte perfekt sowohl den transparenten Impressionismus der Musik als auch ihre Herbheit und erinnerte erneut daran, dass Puccini das 20 als Synonym für die Definition „modern“ wahrgenommen wird). Die damalige Wiener Stiftung des Bolschoi-Theaters, die die Produktion unterstützte, empfahl dem Theater den stark österreichischen Traditionalisten-Regisseur Federik Mirdita. Die bekannte St. Petersburger Künstlerin Marina Azizyan debütierte bei dieser Produktion im Bolschoi.

Von den Aufbewahrungsgegenständen im Zusammenhang mit La Bohème ist das Bolschoi-Museum besonders stolz auf die Erstausgabe des Claviers (neben den Bühnenskizzen von Konstantin Korovin und Fjodor Fedorovsky, die zu verschiedenen Zeiten die Produktionen dieser Oper entworfen haben). (Ricordi and Company, Mailand, 1896) , dekoriert mit dem Autograph des Komponisten selbst.

Natalja Schadrina

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über die Leistung

Die Oper La bohème von Giacomo Puccini ist eines seiner besten Werke. Zu einer Zeit wurde diese Kreation von Kritikern nicht akzeptiert, außerdem wurde ihm ein kurzer Ruhm vorausgesagt. Dennoch hat die Oper Jahrhunderte hinter sich und wird heute erfolgreich an den führenden Bühnen der Welt aufgeführt. Wer sich entscheidet, Tickets für die von Alexander Titel inszenierte Oper La Boheme im Stanislawski- und Nemirowitsch-Dantschenko-Theater zu buchen, kann sich von der Genialität von Puccinis Werk überzeugen.

Das Libretto zu La Bohème basiert auf dem gleichnamigen Roman von Henri Murger, doch in der Inszenierung wird die Geschichte nicht direkt erzählt, sondern als Erinnerung an das, was für immer vergangen ist. Im Allgemeinen basiert seine Handlung auf der Geschichte der Bewohner eines der ärmsten Viertel von Paris – Bohemiens, wie Studenten und arbeitslose Arme damals genannt wurden. Zwei Paare junger Menschen finden während der Aufführung die Beziehung zueinander heraus. Das Finale der Geschichte ist traurig – der Tod einer der Heldinnen, Mimi, um deren Körper ihr geliebter Rudolf weint.

Man kann ohne Übertreibung sagen, dass die Oper „La Boheme“ im Stanislawski- und Nemirowitsch-Dantschenko-Theater, für die unsere Vorverkaufsstelle Eintrittskarten anbietet, ein wahres Juwel und eine Zierde des Theaterrepertoires ist. Es hat alles, was den modernen Zuschauer begeistert - perfekte Musik, eine berührende Geschichte und ein großartiges Spiel der Schauspieler. Karten für diese Oper können online oder telefonisch bestellt werden.

Die Dauer der Aufführung beträgt 2 Stunden 20 Minuten (mit einer Pause).

Komponist Giacomo Puccini
Libretto von Luigi Illica und Giuseppe Giacosa
Musikalischer Leiter und Dirigent Volf Gorelik
Dirigent Felix Korobov
Regisseur Alexander Titel
Produktionsdesigner Yuri Ustinov
Kostümbildnerin Irina Akimova
Lichtdesigner Ildar Bederdinov
Genre Oper
Anzahl Akte 4
Gesprochene Sprache Italienisch
Originaltitel La Boheme
Dauer 2 Stunden 20 Minuten (eine Pause)
Erstaufführungsdatum 07.01.1996
Altersgrenze 12+
Die Aufführung wurde 1997 mit dem Russischen Nationaltheaterpreis "Goldene Maske" in 2 Kategorien ("beste Regiearbeit"; "beste weibliche Rolle" - Olga Guryakova) ausgezeichnet.

Ticketpreis: von 1500 bis 4000 Rubel.

Dirigent - Felix Korobov

Rudolph - Chingis Ayusheev, Nazhmiddin Mavlyanov, Artem Safronov
Mimi - Khibla Gerzmava, Elena Guseva, Natalia Petrozhitskaya
Marseille - Dmitry Zuev, Ilya Pavlov, Alexey Shishlyaev
Musetta - Irina Waschtschenko, Maria Pakhar
Schonar - Andrej Baturkin, Dmitri Stepanowitsch
Collen - Denis Makarov, Roman Ulybin, Dmitry Ulyanov
Benois / Altsindor - Vladimir Svistov, Dmitry Stepanovich
Parpignol - Thomas Baum, Vyacheslav Voinarovsky

Bolschoi-Theater von Russland In diesem Jahr beschloss er, seine Spielzeit mit einer Opernpremiere abzuschließen.

Und diese Premiere erwies sich als größer als sie selbst. Es scheint ein privater Misserfolg einer einzelnen Aufführung zu sein, aber es häuften sich am deutlichsten alle problematischen Punkte der Politik der gegenwärtigen Theaterleitung. Und alles andere als die rosigsten Aussichten wurden sehr eindeutig skizziert.

Also Böhmen.

Sie hatten kaum Zeit, die vorherige Produktion vom Plakat zu entfernen (übrigens, obwohl es buchstäblich das nächste Libretto war, aber ziemlich ästhetisch), als sie sofort ein neues präsentierten. Immerhin eine der bekanntesten und nicht zuletzt Kassenopern der Welt.

Regie führte die Produktion Jean Roman Vesperini. Ein junger Regisseur, gestern Assistent von Peter Stein. Arbeitete mit ihm, unter anderem an mehreren Projekten in Russland, darunter "Aida" im Theater von Stanislawski und Nemirowitsch-Dantschenko. Und offenbar zu tief in die russische Kulturlandschaft assimiliert.

Als unabhängiger Regisseur war Vesperini völlig hilflos.

Beim Zuschauen schien es, als ob ihn bei der Produktion nur das getrieben habe, Vergleiche mit Stein zu vermeiden. Und um sicher zu sein, beschloss er, alles von anderen zu leihen. Stempel auf Stempel, Klischee auf Klischee  – alles schon tausendmal gesehen, längst alt geworden und eines natürlichen Todes gestorben.

Das Ergebnis war nur eine riesige geschmacklose Hochzeitstorte aus Plattitüden und dem Fehlen jeder ausgeprägten eigenen Individualität.

Die Regie hier ist bildhauerisch.

Direkt aus dem letzten Jahrhundert. Alle Klischees, für die die Gattung Oper oft belächelt wird, werden zusammengeführt und ad absurdum geführt. Um die einfachsten Emotionen (Hustenanfall oder Überraschung) zu vermitteln, erstarren die Solisten plötzlich wie vor einem Schlaganfall, reißen mit aller Kraft die Augen hervor, klatschen schüchtern in die Wimpern und fassen sich mit einer malerischen Geste an die Brust. Ansonsten gehen alle einfach auf die Bühne, wenden sich dem Publikum zu und singen. Alles. Also zweieinhalb Stunden mit einer Pause.

Irgendwann entsteht das Gefühl, dass die einzige schauspielerische Aufgabe, die der Regisseur den Darstellern gestellt hat, darin bestand, auf die Bühne zu gehen, kurz zu den Partnern zu blicken, sich zum Publikum zu drehen und so viel wie möglich zu singen, am besten je lauter, desto besser es ganz zu vergessen. Und um wenigstens den Anschein von Aktion zu erwecken, befahl der Regisseur den Solisten, intensiv über die Bühne zu gehen - von rechts nach links, von oben nach unten, hin und her - und dieses Gehen immer damit zu begründen, dass mit einem nachdenklichen Sehen, fühlen Sie absolut alle Gegenstände, denen Sie unterwegs begegnen. Nur gelegentlich wird Künstlern Gelegenheit gegeben, sich an die Existenz des jeweils anderen zu erinnern.

Es klingt lustig, aber ich habe noch nie zuvor eine Aufführung gesehen, bei der die Charaktere die Requisiten und Kulissen um sie herum so intensiv und enthusiastisch greifen, berühren und reiben würden. Im Ernst, wenn Sie sich dennoch entscheiden, diese Produktion zu sehen, zögern Sie nicht lange, es besteht die ernsthafte Gefahr, dass der Premierenglanz, den Bühnenbildner Bruno de Lavener in dieser Aufführung aufgesetzt hat, sehr schnell gelöscht wird.

Es stellte sich als Lehrbuch heraus, buchstäblich, direkt und infolgedessen mit seiner Leere "La Boheme" klaffend - Penthouses, Restaurants, Kamine, unglückliche arme junge Leute aus kreativen Berufen und Karikatur dummer fetter wohlhabender Bourgeois.

Es ist nicht so, dass etwas Schreckliches passiert wäre.

Viele Opernhäuser der Welt (unter denen besonders die berühmte Metropolitan Opera hervorsticht) präsentieren jährlich mehr als eine Uraufführung mit solch "leerer" Regie... Aber hier stellt sich die Frage nach Zweckmäßigkeit und künstlerischer Planung.

Erstens ist La bohème in den letzten Jahrzehnten eine der meistgespielten Opern der Welt. Wenn jemand mindestens einmal in der Oper war, muss er in La Boheme gewesen sein. Und wörtlich ist für sie einfach kontraindiziert. Das Publikum ist einfach gelangweilt, wenn man im Voraus nicht nur genau vorhersagen kann, was als nächstes passieren wird, sondern auch, wie es aussehen wird.

Zweitens präsentieren Welttheater ähnliche Aufführungen mit einem transparenten und umsichtigen Ziel - in dem weltberühmte Stars zu Solopartien eingeladen werden. Oft sehr unterschiedlich. Und es bedarf einer punktuellen, minimalistischen Regie, damit ein Gastdarsteller ohne allzu große Kopfschmerzen schnell in die Rolle springen und seine persönlichen Errungenschaften auf die Bühne bringen kann. Und oft geht es gut aus, denn in der Regel haben alle großen Weltnamen eine gut entwickelte künstlerische Begabung. Sie singen nicht nur, sondern können ihren Gesang auch dramatisch dem Publikum vermitteln. Sonst wären sie nicht solche Stars geworden. Hier sind alle Solisten jung. Jemand hat mehr Perspektiven, jemand hat weniger, jemand hat bereits stattgefunden, jemand beginnt gerade, aber im Allgemeinen gibt es noch keine Entwicklungen. Und sie erfüllen brav alle Aufgaben des Regisseurs. Fleißig und bedingungslos.

Und das ist der größte Ärger und Groll von diesem "Premier".

Tatsache ist, dass die Oper selbst ein sehr lebendiges und äußerst geistreiches Libretto hat. Puccini versuchte sein Bestes, um diese Geschichte in sein Lieblingsmelodram zu formen, und drückte fast gewaltsam eine Träne heraus, aber glücklicherweise erlag ihm das Ausgangsmaterial nicht vollständig. Und vielleicht liegt in diesem Umstand das Geheimnis einer solchen Massenbeliebtheit, Leichtigkeit und Zugänglichkeit für den Zuschauer von "La Boheme".

Tatsächlich sind alle Dialoge und Wendungen in dieser Oper im Geiste einer guten Serien-Sitcom arrangiert. Eine Sitcom über das Leben junger Menschen. Über die erste Begegnung mit Liebe, Eifersucht und Tod. Aber zuerst einmal über eine starke Freundschaft, egal was passiert. Darüber, wie man nicht nur mit der hellen, sondern auch mit der dunklen Seite eines Menschen befreundet ist. Über die Fähigkeit, einem engen Freund Schwächen zu vergeben und in schwierigen Zeiten da zu sein. Auch in der Schlussszene von Mimis Tod steht nicht ihre berühmte Sterbearie im Vordergrund, sondern wie Rudolfs Freunde nicht die Kraft finden, ihrem Freund die tragische Nachricht zu überbringen. Während er sie der Reihe nach verwirrt ansieht und die Frage stellt: „Warum guckst du mich so an?“, innerlich schon verstehend „warum“.

Jugend, die erste Prüfung starker Gefühle und starker Erschütterungen -  ist genau das, was diese Oper lebendig und interessant macht. Und oft, selbst wenn Superstars mit herausragenden Stimmen in den Hauptrollen singen und der berühmteste Regisseur Regie führt, scheitert alles an jugendlichem Enthusiasmus – jenem heiligen Feuer, das ein gutes Drama entfacht.

Aber hier das ganze Team der Aufführung - Regisseur, Solisten, Dirigent - sehr junge Leute. Und sie sollen sich einfach entzünden, einen Funken schlagen, aus dem eine Flamme auflodert. Und sie nehmen und setzen 2018 genau so einen Dinosaurier ein. Und mit schlecht verstecktem Fleiß. Und statt zu sehen, wie junge Talente mutig und mutig die Zukunft gestalten, sieht man, wie sie versuchen, sich in der Vergangenheit niederzulassen und selbst in aufgewirbelten Staubwolken zu ersticken.

Natürlich versuchen manche Darsteller ihre jugendliche Leichtigkeit nicht zu verlieren. Das gelingt vor allem in der Männerbesetzung (in verschiedenen Besetzungen treten Zhilikovsky und Todua in der Rolle des Marseille auf. Ich glaube wirklich an Ersteres – ich habe es oft gehört, er hat immer versucht, Plattitüden zu vermeiden. Der Zweite hat heute die Nebenrolle gedreht in die Hauptfigur). Bei Frauen ist alles viel bescheidener. Ich war in der zweiten Reihe und zum ersten Mal ertappte ich mich bei dem Gedanken, dass ich noch nie in meinem Leben so lange darauf gewartet hatte, dass Mimi endlich starb. Gerüchten zufolge ist im ersten nicht alles besser. Ich habe Angst, mir das vorzustellen und möchte es definitiv nicht überprüfen.

Aber die Hauptgeisel dieser "Premiere" war der Dirigent Evan Rogister.

Wem tut es wirklich leid. Trotz einiger Rauheit und auch solider Verwendung von Plattitüden (anscheinend handelt es sich um ein sehr ansteckendes Bakterium) gelang es ihm, das Orchester des Bolschoi-Theaters aufzumischen, das in letzter Zeit leider für seinen Snobismus und seine überschätzte Selbstherrlichkeit berüchtigt ist vieler seiner Musiker, wodurch sich das Theaterorchester unabhängig von Dirigent und Aufführungsstoff immer wieder auf ein vorgegebenes Thema einspielt. Ich vermute, dass das Geheimnis dieses Erfolgs Rogisters natürlicher Charme und sein ansteckendes, gutmütiges Lächeln sind. Dadurch behält er als einziger in dieser Aufführung sein junges Alter und bringt zumindest etwas Frische mit, wodurch selbst die abgedroschensten Tricks eher als jugendliche Naivität wahrgenommen werden, was dieser Oper sehr gut steht.

Nehmen wir jedoch an, dass all dies nicht wesentlich ist und eine solche detaillierte Unzufriedenheit nicht wert ist. Am Ende scheitert jedes Theater. Jeder hat das Recht zu scheitern und zu verpassen.

Aber hier geht es nicht mehr um eine einzelne Aufführung, sondern um das Klima im gesamten Theater.

Vor nicht allzu langer Zeit war das Bolschoi eines der führenden und vielversprechendsten Opernhäuser der Welt. Menschen aus der ganzen Welt strömten zu Tschernjakows „Ruslan und Ljudmila“. Spezialisierte Agenturen entstanden, um dem Opernpublikum Kulturtourismus ausschließlich zum Besuch der Opernpremiere des Theaters anzubieten.

Nun beweist das Theater, dass es auf ein willkürliches Publikum abzielt, fernab vom Genre Oper, das hinter dem Kronleuchter weiterpilgert. Und auch ausländische Gäste, wenn sie sich treffen, haben sich stark verändert. Busse mit chinesischen Touristen kommen jetzt am Bolschoi an.

Und jetzt, wo eine weitere ohnehin schon leblose Opernsaison mit einer solchen Premiere endet, scheint das Theater seinen freiwilligen Verzicht auf den Titel Welttheater zu unterzeichnen und den Status eines Provinztheaters zu akzeptieren. Offen eingestehen, dass das Bolschoi auch in diesem Status kein Opern- und Balletttheater mehr ist. Jetzt nur noch Ballett. Und noch dazu, mit einer sehr seltenen angenehmen Ausnahme, meist klassisch. Und idealerweise die Wiederbelebung der Klassiker der Sowjetzeit, damit Beamte einen Platz haben, um ausländische Delegationen der Nomenklatura zu betreten.

Es ist sehr schmerzhaft, diese Wiedergeburt zu spüren. Die Wände sind die gleichen wie bei den jüngsten "Rodelinda", "Billy Budd", "Eugene Onegin", "Carmen" Pountney ... Aber außer den Wänden war nichts mehr übrig. Nun, hier ist so eine Balsamico-Kammer.

Aber auch abgesehen von einem bestimmten Theater zeigte das „neue“ La Boheme ein viel größeres und interessanteres Merkmal.

In den letzten Jahrzehnten gab es unter Opernfans heftige Auseinandersetzungen um Inszenierungen mit ausgeprägtem Regieblick und das Lesen von Opernhandlungen. Und in der Regel war der Grad der Empörung der Gegner der sogenannten "Rezhopera" immer von einem abweisenden Satz gekennzeichnet: "Ich gehe hinunter, ich höre mit geschlossenen Augen zu."

Und so wurde für solche Konservativen eine eigene Produktion geboren - fast die Quintessenz ihrer Ideale. Sorgfältig und akribisch gesammelte Anthologie der Regie "große Geste".

Doch die allermeisten Zuschauer in der Halle schließen nun von alleine die Augen. Langeweile.

Sogar gelegentliche Zuschauer, die wie durch ein Wunder mit der Handlung von La Boheme nicht vertraut waren, fingen an, leise darüber zu flüstern, wie die Dinge bei der Arbeit und mit Freunden laufen. Oder sie kicherten alle über die gleichen Klischees über die Oper, wo der Held 10 Minuten hintereinander in einer fremden Sprache singt, während er stirbt.

Gleichzeitig ertönte Applaus nicht nach erfolgreicher Aufführung von Arien, sondern nach einer lauten. Viele, die zum ersten Mal in die Oper kamen, waren sich sicher, dass es so sein sollte. Und zufrieden mit dieser Anerkennung, der Übereinstimmung ihrer Ideen mit der Realität, haben sie die Langeweile irgendwie durch körperliche Aktivität beseitigt - Klatschen.

Selbst beim Schlussapplaus (und dies ist die letzte Show der Saison!) gingen die stürmischsten Ovationen nicht an die Hauptdarsteller, sondern an den Zirkushund (nicht fragen, aufgeben – da ist ein Zirkushund in der Aufführung). ). Nur der Dirigent schaffte es, an diesen Erfolg heranzukommen.

Nach der Aufführung blieb ich am Ausgang der Halle stehen. Ich schaute gezielt hinaus, sah aber niemanden mit einem tränenüberströmten Gesicht oder zumindest leicht feuchten, nachdenklichen Augen. Und es ist auf "Bohemia"! Vielleicht hat er natürlich an der falschen Stelle gesucht, aber normalerweise findet man solche Leute bei Puccini ohne große Schwierigkeiten. Es ist nur so, dass diese Show nicht real ist. Allgemein. Wie bei jeder historischen Rekonstruktion ist alles, was passiert, falsch und Possen, die längst ihre Bedeutung verloren und ihr eigentliches Wesen vergessen haben. Und niemand hat dieses Gefühl. Auch für diejenigen, die zum ersten Mal mit Puccini „Zwiebeln schneiden“.

Und in diesem Phänomen steckt eine interessante Moral: Nicht alles, was Ihnen persönlich richtig und angenehm erscheint, hat Zukunft.

Heute ist die Gattung Oper der galligen Debatte um „Regisseur“ und „Dirigoper“ weit voraus. Der erste ist fast 100 Jahre alt. Das zweite - so allgemein ein natürliches Fossil. Und je aktiver wir gegen die Bewegung der Rolltreppe anlaufen, desto schneller finden wir uns ganz unten wieder.

Aus tiefstem Herzen wünsche ich dem Bolschoi-Theater aufrichtig, dass es dies versteht, aufhört, es allen recht machen zu wollen, und den Kurs radikal korrigiert. Nicht um mit dem einheimischen Zuschauer zu flirten, ihn mit erschwinglichen Eintrittskarten auf Coupons und Passkontrollen am Eingang zu füttern, sondern um die Landschaft und das musikalische Niveau im Land zu entwickeln. Jemand, aber das Bolschoi-Theater hat alle Ressourcen dafür.

Bald werde ich zum Beispiel eine schöne und lehrreiche Geschichte erzählen, wie ein viel bescheideneres Theater in unserem Land dank gutem Geschmack und vernünftiger Managementplanung bereits still und leise an einem wichtigen Projekt arbeitet, das unsere kulturelle Zukunft auf Jahre hinaus bestimmen wird Kommen Sie.

Inzwischen demonstriert die nächste Opernpremiere im Bolschoi, die besonders schwer zu demontieren ist, weil es einfach nichts zu klammern gibt, das bereits etablierte System. Das System dessen, was passiert, wenn die Theaterleitung zu leicht Kompromisse eingeht. Diese Kompromisse bewegen sich in der Hierarchie nach unten. Und als Ergebnis wird die gesamte Atmosphäre vergiftet.

In diesem Zusammenhang möchte ich als beste Warnung vor der Destruktivität der Kunst, mit Kompromissen zu kokettieren, den Künstlern und dem Management unserer anderen Theater sehr wünschen, dass sie das „neue“ La Boheme des Bolschoi sehen. Und zuallererst natürlich an Sergei Wassiljewitsch Zhenovach. Viele Fehler lassen sich vermeiden. Vieles wird klar. Statt tausend Worte.

p.s.

Völlig verstört zurückgekehrt, schaltete ich die Aufnahme von „La Boheme“ ein, die mir schon seit langem von sehr guten Leuten empfohlen wurde. Erst kürzlich gab er zu, der hässlichen „Bohemia“ noch nie begegnet zu sein. Keine der Darbietungen hat mich getroffen. Nicht, dass er nicht brüllte, aber er verspürte einfach keine anderen Emotionen als Gereiztheit. Und ich dachte schon, dass bei der Premiere von „Big“ das Problem eher in mir und meinem Protest liegt, dem Publikum mit billigen Methoden die Tränen auszupressen.

Aber die Aufnahme ist eingeschaltet. Und noch nie habe ich bei La Boheme so selten geblinzelt. Ein absolutes Meisterwerk. Die bisher beste Leistung. Musik, die mehr als 100 Mal gehört wird, klingt völlig anders. Und die gesungene Darbietung ist absolut brillant. Ja, ein solches "Böhmen" gibt es! Wir haben lange auf sie gewartet und sie wurde gefunden!

Geduld ... Ich werde an Stärke gewinnen und den Fund definitiv teilen. Zur Zeit…

Liebe, Liebe wird leider kein Brennholz für uns ersetzen ...

- Uraufführung Wladislaw Schuwalow der Puccinis Inszenierung hoffnungslos feierlich fand.

Gegen Ende der 242. Spielzeit präsentierte das Bolschoi-Theater Puccinis Oper „ Böhmen» beim Lesen der internationalen Zusammensetzung von Regisseuren und Künstlern. Die vorherige Produktion des Bolschoi aus dem Jahr 1996 unter der Regie des Österreichers Federik Mirditta und unter der Leitung des Slowaken Peter Feranec lief über 110 Aufführungen (die letzte fand ein Jahr vor der neuen Premiere statt). Die Präsenz der Oper im Repertoire des Bolschoi ist seit der ersten Produktion von La Bohème im Jahr 1911 eine Routinegeschichte. Aber auch erfolgreiche Plots müssen gelegentlich aktualisiert werden. Tatsächlich hat sich herausgestellt, dass sich die bisherige Produktion im Wesentlichen kaum von der jetzigen unterscheidet, abgesehen von einem ästhetischeren Bühnenbild und der historischen Tatsache, dass Regisseur, Dirigent und Sänger in der Neuauflage von La Boheme junge Leute sind. In Anbetracht ihres Alters hätte ihnen ein wachsamerer Umgang mit dem Material zugemutet werden müssen.

Die Regisseure von La bohème interpretieren die Tonalität des Bohème-Publikums oft als eine Atmosphäre demonstrativer Sentimentalität und alberner Fröhlichkeit, als hätten sie Angst, vom Stereotyp abzuweichen. Inzwischen bietet das moderne Theater verschiedene Lesarten an. Klaus Guth hat im vergangenen Jahr an der Pariser Nationaloper die phantasievolle Galerie von La bohème radikal umgestürzt: Die verarmte künstlerische Gesellschaft, die von der Unordnung des Lebens im frühen 19. Jahrhundert auf einen kalten Dachboden getrieben wurde, wurde von Gut buchstäblich in eine Raumschiffkapsel gesperrt Pflügen die kalten Weiten des Universums. Einsame Astronauten wurden entweder aus einem gesteigerten Gefühl des nahenden Endes oder aus Sauerstoffmangel von künstlerischen Visionen eines vergangenen oder nie existierenden Lebens heimgesucht.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

Vergangenheit und Zukunft sind von ihren Zeitgenossen gleich weit entfernt, so erweisen sich die Vorstellungen der Traditionalisten von der Bohème des vorletzten Jahrhunderts als nicht weniger utopisch als die von Gut. Auch aufgrund allzu sentimentaler Illusionen über den Urlaub der unbeschwerten Jugend. Gleichzeitig waren Balzac und Hugo in den Skizzen der Bilder von Böhmen, wie Sie wissen, zunächst realistischer. Henri Murger, der Autor von "Szenen aus dem böhmischen Leben", mit Betonung auf seine eigene Biografie, beschrieb eine Geschichte über eine neue Gesellschaftsschicht, die es so noch nie gab und die es sonst nirgendwo gibt, deren Freiheit der Kreativität und der Beziehungen anständig gefürchtet war Kreise, während sie sie gleichzeitig bewundern. Nachbarin Mimi, die sich in den Dichter Rudolph verliebte, wurde der Legende nach von Murgers Geliebter abgeschrieben, die von ihm auf sehr unwürdige Weise allein in den Tod geworfen wurde. Freiheitskämpfer Luigi Illica war als Frondeur bekannt, beteiligte sich an der Organisation radikaler Zeitschriften und lieferte sich Duelle, der zweite Libretist Giuseppe Giacosa diente als Puffer in Gefechten zwischen den heißen Naturen von Puccini und Illika.

Der rebellische Geist kreativer Persönlichkeiten wurde auf die Spielregeln des Genres reduziert, und nur wenige wagten es in der Folge, die ungemein romantische Oper für alle Zeiten zu modernisieren. Die Regisseure wagten es nicht, die Charaktere der Figuren etwas Lebendigerem und Unvollkommenerem näher zu bringen, und richteten ihre Bemühungen stets darauf, das Publikum zu berühren: anspruchslose Komödie und aufgezeichnete Romantik im ersten Akt, grenzenloser Karneval im zweiten, lyrische Melasse mit traurigem Ende das Letzte. Jean Roman Vesperini, Regisseur der neuen La bohème, der einige Erfahrungen mit Schauspiel- und Opernproduktionen in Frankreich hat, arbeitet nicht zum ersten Mal in Russland. Er war Assistent von Peter Stein in "Aida", die glänzend einging, und in Berlioz' dramatischer Legende "Die Verurteilung des Faust", die Stein vor zwei Jahren am Bolschoi-Theater inszenierte. Wahrscheinlich hat sich Vesperini in dieser Zeit eine Meinung über die russische Öffentlichkeit und die Erwartungen des Kunden gebildet. Immer wieder sprach er die Aufgabe aus, Puccinis Oper im Stile des Filmmusicals "" zu ästhetisieren, was aus den Lippen eines Opernregisseurs, wenn auch ehrlich, an sich schon etwas seltsam klingt.

Die ästhetische Wette ist ebenso opportunistisch wie wenig verfehlt: In Russland liebt man nach wie vor alles Glitzernde mit Anspruch auf Glamour, obwohl seit dem Erscheinen von Luhrmanns bestem Film "" die Handschrift des Australiers, wenn auch nicht hoffnungslos, dann sicher veraltet. Darüber hinaus widerspricht das glamouröse Design dem Wesen des Bohème-Images - Kreise mittelloser Künstler und im Allgemeinen Randarbeiter der Kunst um der Kunst willen, nah an glamourösen Charakteren, vielleicht mit einem hohen Maß an Frechheit bei der Darstellung künstlerischer Fähigkeiten. Viel wichtiger ist, dass der schwindelerregende Stil des australischen Postmodernisten seinen Anhängern vor allem ein tadelloses Gespür für Montagerhythmus und Perfektionismus in der Gestaltung von Details abverlangt, was sich auf dem eingeschlagenen Weg der zügellosen Ästhetisierung als kein Segen erweisen mag für den Direktor, aber ein Schritt.

Traditionell entfaltet sich "La Boheme" in drei Szenerien: einem Dachboden mit einem breiten Fenster - einer Straße im Quartier Latin - dem Außenposten d'Anfer. Szenografie Bruno de Lavanera- die prägendste Komponente der Produktion. Der Dachboden wird von ihm als dreigeschossiger Baukörper präsentiert, der nur ein Drittel der Bühne einnimmt und die Aufgabe eines begrenzten Raums erfüllt, in dem sich die Bohemiens – ein Dichter, Maler, Philosoph und Musiker – schwer, aber fröhlich zusammenkauern. Der Rest der Bühne, rechts und links vom „Dachgeschoss“, ist mit einem Vorhang verhängt. Auf den Vorhang wird ein Bild von Dächern mit Schornsteinen und Schornsteinen projiziert. Die Sänger traten in den ersten Akt ein und befanden sich auf der zweiten Ebene des Bücherregals, wo sich der Tisch und der berühmte Ofen befanden, an den sich die ersten Trankopfer der am Heiligabend eingefrorenen Künstler wenden. Die Auftritte der Sänger in der Höhe ermöglichten eine bessere Sichtbarkeit des Geschehens von der Galerie und den Rängen aus, erschwerten jedoch den Kontakt zwischen den Künstlern und dem Orchester. Die Hände des amerikanischen Dirigenten Evan Rogerster schwebten hin und wieder über den Orchestergraben. Übrigens, die Sänger kamen nur einmal in den dritten Stock ihres eigenen Dachbodens.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

Der Übergang vom ersten zum zweiten Akt erforderte nicht die übliche Pause für einen Szenenwechsel. Die Struktur des Dachbodens teilte sich effektiv in verschiedene Richtungen und enthüllte die begehrte Weite des Bühnenraums, mit der sich der Betrachter langweilen konnte. Die Fröhlichkeit des Weihnachtsabends in der Aufführung wurde einfach durch das feierliche Treiben des Quartier Latin ersetzt: Fünfzig Statisten strömten auf die Bühne des Bolschoi - müßige Nachtschwärmer. Die Rückseite wurde mit zufällig gekreuzten LED-Streifen verziert, die eine skurrile geometrische Figur hervorbrachten, als wäre sie zufällig aus den zukünftigen Zeiten der „nicht-figurativen Kunst“ geflogen. In der Ferne waren die integrierten Flügel der Moulin Rouge-Mühle zu sehen.

Die Kostüme von Statisten und Chorsängern, die nach den Mustern von Kleidern aus unverständlichen Epochen angefertigt wurden, weckten außerdem knallige Farben - Flieder, Hellgrün, Lila, Kirsche, Türkis, Zitrone - ein unerbittliches Gefühl entweder einer übereifrigen Maskerade oder einer Kindermatinee . Der Auftritt des Spielzeugverkäufers Parpignol in einem brennenden scharlachroten Anzug (Tenor Marat Gali auf dem Fahrrad), untermalt von einem Chor aus Kinderstimmen, sowie der Darbietung der "Dame mit Hund". Musetta ( Damiana Mizzi) erschien in Begleitung eines weißen Pudels, hervorragend ausgebildet, und verschaffte dem Künstler zweifelsohne einen Anteil an der Zärtlichkeit des Publikums. Unter den gewagten Bildern, die man von einer jungen Produktion erwarten würde (die aber kaum Geiz hervorrufen), erinnere ich mich an einen Gardisten, der seine Armeehose abwirft, unter der sich ein Ballettröckchen befand.

Wenn der zweite Akt im Stil einer Varieté-Show präsentiert wurde, in der das Momus-Café elegant mit einem Glühbirnenbogen bemalt war, der offensichtlich an die Hintergrundbeleuchtung einer Kabarettbühne erinnert, dann der dritte Akt nach dem Prinzip des dramatischen Kontrasts von Vesperini bekennt, wurde umgekehrt entschieden. Die Kulisse des Außenpostens d'Anfer am Stadtrand von Paris bestand aus drei in einem spitzen Winkel angeordneten Abschnitten - einer Treppe, einem Zaun aus Stangen und einer Ziegelmauer. Eine altmodische Laterne ragte in einer Öffnung in der Wand auf, und von oben ergossen sich Ströme von diffusem Nebellicht über die gesamte Szenerie, wie eine melancholische Skizze im Geiste der Impressionisten.

Die stilistische Dissonanz der Gestaltung wurde durch die stets hellen Männerstimmen der zweiten Besetzung der Oper unterstützt. Tenor David Giusti(den Rudolf hat er übrigens schon bei Himmelmann-Currentzis gesungen) und Bariton Aluda Todua nutzten die lyrische Seite ihrer Charaktere gnadenlos so aus, dass man an die Dramatik des Finales kaum glauben konnte. Die Erlaubnis kam erneut aus dem Bereich Szenografie. In der letzten Episode von Mimis Tod wurde die Struktur des Dachbodens auseinandergerissen, was die traurige Bedeutung des Moments verstärkte: Alle lebenden Helden blieben auf der einen Seite der offenen Struktur und auf der anderen Seite das Bett mit Mimi, die starb allein entschwebte in die Ewigkeit.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

Am Rande gab es Vorwürfe an das Orchester, das mit der ausgesprochen emotionalen Interpretation nicht Schritt hielt Evan Roger– ein junger, lächelnder Dirigent in Schwarz, der auch mit Peter Stein gearbeitet und bereits zwei La Bohemes inszeniert hat. Rogerster selbst gab zu, dass er nach einer klanglichen Analogie für die heftige Emotionalität der Charaktere suchte, obwohl es vernünftiger wäre anzunehmen, dass das Orchester die Sänger selbstbewusst einschränkte und dirigierte, einschließlich Maria Mudryak, die ihr ganzes Temperament in die Rolle der Mimi legte und die offensichtlichen und imaginären Missgeschicke ihrer Heldin auskostete.

Mit festlicher Stimmung und unwiderstehlich eintönigem Charme erregte die Aufführung beim Publikum einen erwartungsgemäß positiven Eindruck. Der klassische Charakter der Oper über malerische Vagabunden und schwindsüchtige Schönheiten, in der leicht karikierte Tragödie mit frontaler Erhebung koexistiert, hat sich wieder erhalten. Der Repertoire-Hit hat stattgefunden und wird voraussichtlich noch 20 Jahre in den traditionellen Begriffen von „La Boheme“ bleiben.

Foto: Pressedienst des Bolschoi-Theaters

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