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Johannes Brahms, dessen Biografie dieser Artikel gewidmet ist, ist ein talentierter Komponist und Musiker, Autor vieler ausgezeichneter Kompositionen, die für eine Vielzahl von Orchesterinstrumenten geschaffen wurden.

Er ging als Vertreter der Romantik in die Kunstgeschichte ein, die sich durch die Darstellung starker Leidenschaften und Charaktere auszeichnete, die von der Annäherung an die heilende Natur inspiriert waren.

Wer war dieser Mann – Johannes Brahms (auf Deutsch Johannes Brahms)? Was ist bemerkenswert an seinen kreativen Suchen und Arbeiten? Welchen Beitrag leistete er zur Musikkunst seiner Zeit? Antworten auf diese und viele weitere Fragen finden Sie in diesem Artikel, der sich mit dem persönlichen Leben und der Schaffensbiografie von Brahms befasst.

Einfluss der Eltern

Die Biographie von Brahms war zunächst unauffällig und gewöhnlich. Ein gewöhnliches Kind aus einer armen Familie, das in einem Armenviertel in einer kleinen, ungemütlichen Wohnung lebt.

Johannes, im Frühjahr 1833 in der deutschen Stadt Hamburg geboren, war der zweite Sohn eines Kontrabassmusikers, der im Stadttheater diente - Jakob Brahms und seiner Frau Christiane Nissen, die als Haushälterin in einem Mietshaus arbeitete.

Brahms' Vater war ein starker und willensstarker Mensch, ein begabter Interpret, seit seiner Kindheit in die Musik verliebt. Er musste seine kreative Berufung vor unnachgiebigen Eltern verteidigen, die ihren Sohn überhaupt nicht Blasinstrumente spielen sehen wollten.

Jakob Brahms wusste, was hinter dem Unverständnis und der Starrheit der Eltern steckte, und wollte nicht, dass seine Jungs so etwas jemals erleben sollten.

Daher hat der Vater seinen Söhnen von Kindheit an die Liebe zur Musik und die Fähigkeit, ihre Meinung zu verteidigen, beigebracht. Wie froh war er, als er in seinem Jüngsten die wahren Neigungen eines großen Musikers sah!

Zunächst unterrichtete das Familienoberhaupt seinen Sohn persönlich und half ihm, alle Arten von Musikinstrumenten zu beherrschen. Dabei hat er dem kleinen Johannes nicht nur die richtige Spieltechnik beigebracht, sondern auch versucht, ihm dabei zu helfen, den Rhythmus zu spüren, die Melodie zu lieben und die Kunst der Musik zu verstehen.

Der Sohn machte Fortschritte und begann bereits, das Wissen seines Vaters zu vermissen.

Ausbildung durch erfahrene Handwerker

Im Alter von sieben Jahren wurde der Junge von dem Freund seiner Eltern, dem begabten Pianisten Kossel, zum Lernen geschickt. Er brachte dem Kind nicht nur das richtige Klavierspielen bei, sondern half auch, die Theorie der Komposition zu verstehen und in das Wesen der Musikkunst einzudringen.

Dank Otto Kossel begann der kleine Brahms, bei öffentlichen Konzerten aufzutreten und talentierte Kompositionen - Beethoven und Mozart - aufzuführen. Hätte jemand gedacht, dass aus diesem begnadeten Pianistenjungen bald der große Komponist Johannes Brahms selbst werden würde!

Das Publikum bemerkte den talentierten Künstler und er wurde zu einer Tournee durch Amerika eingeladen. Unter Berücksichtigung des Alters und der Gesundheit des jungen Pianisten überredete sein Lehrer seine Eltern jedoch, eine so riskante, aber gut bezahlte Idee aufzugeben, und riet dem Kind dringend, sein Studium bei dem Komponisten und pädagogischen Pianisten Eduard Marksen fortzusetzen.

Der berühmte Musiker legte in seinem Unterricht besonderes Augenmerk auf das Studium der Werke von Bach und Beethoven und entwickelte auch bei dem Jungen individuelle kreative Gedanken und Impulse.

Seit Johannes bei Marxen zu studieren begann (übrigens nahm er kein Geld von einem talentierten Studenten), begann er abends in schmutzigen Bars und Tavernen in der Nähe des Hafens Musikinstrumente zu spielen. Eine solche undenkbare Belastung wirkte sich bedauerlich auf den ohnehin schon schlechten Gesundheitszustand des Kindes aus.

Die Bildung von Kreativität

Mit vierzehn Jahren gab Johannes Brahms sein erstes Soloorchester als Pianist. Sein talentiertes Spiel und die klare Ausführung komplexer Kompositionen faszinierten das Ohr und fesselten die Fantasie.

Ungefähr zu dieser Zeit begann der Musiker jedoch zu verstehen, dass er sich nicht nur auf die brillante Darbietung der Kompositionen anderer Menschen beschränken konnte. Er wollte selbst Musik schreiben, um seine inneren Emotionen und Gefühle zu vermitteln, um das Publikum zum Weinen und zur Sorge zu bringen, in Erwartung der Fortsetzung erstarrend.

Der junge Mann hatte recht mit seinem Schaffensdrang. Sehr bald wird die Musik von Brahms populär und berühmt werden, sie wird bewundert und gescholten werden, sie wird die Zuhörer in Ekstase applaudieren und vor Verwirrung pfeifen lassen - sie wird niemanden gleichgültig lassen.

Die Entstehung von Brahms' Werk wurde stark von nützlichen Kontakten beeinflusst, die sich im Leben eines jungen Mannes im Jahr 1853 ergaben. Wenige Monate vor diesem Datum schrieb Johannes sein erstes Werk, eine Sonate. Wenig später wurden Scherzos für Klavier geschrieben (und 1854 veröffentlicht), sowie Klavierlieder und kurze Stücke.

Kreatives Dating

Trotz seiner Distanziertheit und Ungeselligkeit, oder vielleicht gerade wegen dieser Eigenschaften, gewann Johannes Brahms die Gunst vieler begabter, origineller Persönlichkeiten. Unter seinen Freunden, die dem jungen Mann Stütze, Stütze und Inspiration wurden, sind unbedingt die ungarischen Geiger Remenyi und Josef Joachim zu erwähnen (mit letzterem pflegte Johannes über mehr als ein Jahrzehnt herzliche enge Beziehungen). Welche Rolle spielten diese Menschen im Leben und in der Musik von Brahms?

Dank der Empfehlungen von Joachim lernten Rémenyi und Brahms Franz Liszt und Robert Schumann kennen. Der erste war begeistert von den Werken Brahms' und lud ihn ein, seiner Gemeinschaft beizutreten, die unter dem Namen "Neue Deutsche Schule" in die Musikgeschichte einging. Johannes blieb jedoch dem Werk und der Aufführung des berühmten Komponisten und Lehrers gleichgültig. Musik und Kunst betrachtete er anders.

Die Bekanntschaft mit Schumann war ein bedeutender Meilenstein in der Biographie von Brahms. Der aufgeweckte Romantiker galt als herausragender Komponist und Musikkritiker. Er schrieb seine Werke im Geiste demokratischer und realistischer Tendenzen, eng verbunden mit den Traditionen der deutschen klassischen Musik.

Robert Schumann mochte wie seine Frau Clara die kühnen und hellen Kompositionen von Brahms. Er lobte ihn sogar auf den Seiten seiner Musikzeitung.

Die Bekanntschaft mit dem bekannten Pianisten und einflussreichen Lehrer hatte einen großen Einfluss auf das gesamte spätere kreative und persönliche Leben von Brahms. Er bewunderte die Frau und war in sie verliebt, er schrieb für sie und widmete ihr viele seiner Werke, sie spielte seine Kompositionen und machte seine Kreationen bei ihren Konzerten und Aufführungen populär.

Eine wichtige Episode in der Schaffensbiographie von Brahms ist auch seine Bekanntschaft mit dem Pianisten Hans von Bülow, der im März 1854 als einer der ersten das Werk des jungen Johannes bei seinem nächsten Konzert öffentlich aufführte.

Leben außerhalb der Heimatstadt

Berühmt geworden, wollte Brahms bei seinen Eltern sesshaft werden, um ihnen zu helfen und sie zu unterstützen. Das Leben hat jedoch anders entschieden. In seiner Heimatstadt Hamburg hatte man es nicht eilig, einen Prominenten zur Arbeit einzuladen, also musste der angehende Komponist in Wien nach Anerkennung suchen.

Das Leben in dieser Großstadt wirkte sich positiv auf die berufliche und finanzielle Situation des Musikers aus. Er arbeitete als Kapellmeister an der Singing Academy sowie als Dirigent an der Philharmonie, wo er später als künstlerischer Leiter fungierte.

Öffentliche Ämter brachten Johannes jedoch keine Befriedigung. Er wollte etwas erschaffen, also widmete er seiner Arbeit viel Zeit und Mühe. Die Uraufführungen seiner musikalischen Schöpfungen versammelten volle Häuser und steigerten den bereits anerkannten Ruhm des Komponisten.

So fand im Bremer Dom die Uraufführung des unter dem Eindruck des Todes seines Freundes Schumann entstandenen „Deutschen Requiems“ statt und war ein voller Erfolg. Auch andere Uraufführungen bedeutender Werke von Brahms – die Erste Symphonie, die Vierte Symphonie und das Klarinettenquintett – wurden überfüllt und allgemein anerkannt.

Wir werden im Folgenden über andere herausragende Werke des Komponisten sprechen.

"Ungarische Tänze"

Diese Arbeit wurde erstmals 1869 veröffentlicht. Es ist zu einer Art Markenzeichen eines talentierten Komponisten geworden.

Wie hat Johannes Brahms „Ungarischer Tanz“ geschrieben? Er, durchdrungen von einer wahren Liebe zur farbenfrohen ungarischen Folklore, schuf seine Werke selbstlos und fleißig und schuf Stücke, die sich harmonisch in den allgemeinen Zyklus einfügten.

Brahms wurde durch seinen bereits in unserem Artikel erwähnten Freund Ede Remenyi in die traditionelle Musik des ungarischen Volkes eingeführt. Originale Volksmotive spielte er auf der Violine mit solcher Begeisterung, dass der junge und feine Johannes zu diesem Thema eigene Kreationen schaffen wollte.

Seine ersten Werke waren „Ungarische Tänze“ zu vier Händen am Klavier, später verarbeitete er gekonnt volkstümliche Motive zur gleichzeitigen Aufführung auf Klavier und Geige.

Das Publikum nahm die ungarische Folklore, die durch die klassischen Techniken des romantischen Komponisten geschliffen wurde, begeistert auf.

"Wiegenlied"

Auch eine der am weitesten verbreiteten Kompositionen des deutschen Musikers, die Teil seiner 1868 entstandenen Symphonie ist. Interessant ist, dass Brahms' „Wiegenlied“ in der ersten Fassung ohne verbale Begleitung auskam.

Als der Komponist später jedoch eine gewisse Bertha Faber kennenlernte, die ihrem neugeborenen Erstgeborenen eine zuvor nicht aufgeführte Komposition vorsingen wollte, schrieb Johannes persönlich eine gereimte Komposition zur Musik seines „Schlafliedes“. Brahms nannte dieses unkomplizierte, aber in seiner Schlichtheit schöne Lied „Guten Abend, gute Nacht“.

Seitdem hat diese Komposition weltweit an Popularität gewonnen. Es wird von berühmten Sängern und Künstlern der in- und ausländischen Bühne aufgeführt. Und obwohl die Variationen des Textes etwas vom Original abweichen können, vermitteln sie dennoch klar und unmissverständlich das expressive und sanfte Talent des deutschen Komponisten.

Sinfonie Nr. 3

Es wurde vom fünfzigjährigen Komponisten in Wiesbaden geschrieben. Symphonie Nr. 3 von Brahms verkörperte unerwartet und harmonisch die klassischen und romantischen Traditionen dieser Zeit. Die Dramaturgie dieses Werks ist originell: Von den verstörenden, aber hellen Motiven des ersten Teils führt der Komponist seine Zuhörer zu einem dramatischen, man könnte sogar sagen, traurigen Finale. Dieser Ansatz galt damals als Avantgarde und löste bei den Bewunderern des Musikers einen Sturm widersprüchlicher Gefühle und Emotionen aus.

Brahms' Symphonie Nr. 3 war seinem geliebten Freund Hans von Bülow gewidmet.

Andere bemerkenswerte Werke

Nachfolgend finden Sie weitere talentierte Kompositionen des Komponisten Johannes Brahms.

Klavier. Um auf diesem Musikinstrument zu spielen, schuf der deutsche Komponist so aufregend schöne Werke wie drei Intermezzi, zwei Rhapsodien, drei Sonaten, Variationen über ein Thema von R. Schumann, Walzer aller Art und andere.

Kompositionen für Orgel. Zu diesen Kompositionen gehören „Elf und auch zwei Präludien und zahlreiche Fugen.

für Orchester. Unter den Kompositionen für Orchesteraufführung schrieb Brahms vier Symphonien, zwei Serenaden, „Variationen über ein Thema von J. Haydn“, „Akademische Ouvertüre“, „Tragische Ouvertüre“ usw.

Vokal Aufsätze. Для сольного или хорового исполнения немецким музыкантом были сотворены такие композиции: "Триумфальная песня", "Немецкий реквием", "Кантата Ринальдо", "Песнь парок", "Песни Марии", а также множество обработок народных песен, семь мотетов, около двухсот романсов usw.

Das einzige, was Brahms nicht geschrieben hat, war eine Oper.

Privatleben des Komponisten

Mit vierzehn Jahren schlug in einem der Hamburger Kurorte das Herz eines begnadeten Darstellers beim Anblick der jungen Lizhen, seiner zufälligen Schülerin, zum ersten Mal höher.

Es folgte die Bekanntschaft mit der legendären und außergewöhnlichen Persönlichkeit Clara Schumann, die dreizehn Jahre älter war als Johannes. Trotz des Altersunterschieds und der Ehe der Frau (ihr Mann war ein guter Freund und Wohltäter von Brahms) korrespondierten die Liebenden zärtlich und trafen sich sogar heimlich in einer der Mietwohnungen.

Viele der Werke des Komponisten wurden für Clara geschrieben, darunter seine Vierte Symphonie. Ihre Beziehung endete jedoch auch nach dem Tod von Robert nie in der Ehe.

Die späteren Auserwählten des Komponisten waren die Sängerin Agatha von Siebold, Baronin Elisabeth von Stockhausen und die Sängerin Hermine Spitz. Allerdings endete auch diese Beziehung im Nichts.

Wie Johannes später selbst zugab, hing sein Herz nur einer Dame – der unvergleichlichen Musik.

Letzten Jahren

Gegen Ende seines Lebens wurde Brahms immer ungeselliger und verschlossener. Er wandte sich von vielen Freunden und Bekannten ab und wurde praktisch zum Einsiedler in seiner eigenen Wohnung. Vor seinem Tod schrieb der Komponist praktisch nicht, trat selten in der Öffentlichkeit auf und hörte sogar auf, seine Kompositionen aufzuführen.

Der große Musiker starb am frühen Morgen des 3. April 1897.

Sein Werk gilt bis heute als das beste Beispiel musikalischer Romantik des 19. Jahrhunderts. Die Werke von Brahms sind immer noch beliebt und werden in der modernen Gesellschaft wie in alten Zeiten aufgeführt.

Nur Brahms verstand es, Gesangsmelodien mit so nationalem Geist und Vorrat zu schaffen. Kein Wunder: Keiner der zeitgenössischen deutschen und österreichischen Komponisten hat sich so intensiv und nachdenklich mit der poetischen und musikalischen Kreativität ihres Volkes auseinandergesetzt.

Brahms hinterließ mehrere Sammlungen von Bearbeitungen deutscher Volkslieder (für Gesang und Klavier oder Chor, insgesamt über hundert Lieder). Sein geistliches Testament war eine Sammlung 49 deutsche Volkslieder (1894). Brahms hat noch nie so herzlich über seine eigenen Kompositionen gesprochen. An Freunde schrieb er: „Vielleicht bin ich zum ersten Mal zärtlich verbunden mit dem, was unter meiner Feder hervorkam …“. „Mit so viel Liebe, sogar Liebe, habe ich noch nie etwas erschaffen.“

Brahms näherte sich kreativ der Folklore. Empört widersetzte er sich jenen, die das lebendige Erbe der Volkskunst als archaische Antike interpretierten. Er war gleichermaßen begeistert von Liedern aus verschiedenen Zeiten – alten und neuen. Brahms interessierte nicht die historische Authentizität der Melodie, sondern die Ausdruckskraft und Integrität des musikalischen und poetischen Bildes. Mit großer Sensibilität behandelte er nicht nur die Melodien, sondern auch die Texte und suchte sorgfältig nach ihren besten Optionen. Nach Durchsicht vieler Folkloresammlungen wählte er aus, was ihm künstlerisch perfekt erschien, was zur Erziehung des ästhetischen Geschmacks von Musikliebhabern beitragen könnte.

Für das Musizieren zu Hause hat Brahms seine Sammlung "Deutsche Volkslieder für Singstimme und Klavier" zusammengestellt (die Sammlung besteht aus sieben Heften mit je sieben Liedern; im letzten Heft sind die Lieder in Bearbeitung für die Hauptrolle angegeben Sänger mit dem Chor). Viele Jahre lang hegte er den Traum, eine solche Sammlung herauszugeben. Etwa die Hälfte der darin enthaltenen Melodien hatte er zuvor für den Chor bearbeitet. Nun stellte sich Brahms eine andere Aufgabe: die Schönheit des Gesangsparts mit subtilen Strichen in einem einfachen Teil der Klavierbegleitung zu betonen und hervorzuheben (Balakirev und Rimsky-Korsakov taten dasselbe in ihren Bearbeitungen eines russischen Volksliedes):

Und er nahm oft volkstümliche Texte als Grundlage seiner eigenen Vokalkompositionen und beschränkte sich dabei nicht auf das Feld deutscher Schaffenskraft: Mehr als zwanzig Werke slawischer Dichtung inspirierten Brahms zu Liedern – Solo, Ensemble, Chor (Darunter solche Perlen der Brahms-Vokaltexte wie „Von ewiger Liebe“ op. 43 Nr. 1, „Der Weg zur Geliebten“ op. 48 Nr. 1, „Der Eid der Geliebten“ op. 69 Nr. 4.). Es gibt auch Lieder in ungarischen, italienischen, schottischen Volkstexten.

Der Kreis der Dichter, die sich in den Vokaltexten von Brahms widerspiegeln, ist groß. Der Komponist liebte die Poesie und war ihr anspruchsvoller Kenner. Aber es ist schwierig, seine Sympathie für irgendeine literarische Bewegung zu erkennen, obwohl romantische Dichter quantitativ überwiegen. Bei der Textauswahl spielte weniger der individuelle Stil des Autors als vielmehr der Inhalt des Gedichts die Hauptrolle, denn Brahms war um solche volkstümlichen Texte und Bilder besorgt. Zu poetischen Abstraktionen, Symbolik, Merkmalen des Individualismus in der Arbeit einer Reihe zeitgenössischer Dichter war er scharf ablehnend.

„Lieder“ oder „Gesänge“ für Gesang mit Klavierbegleitung nannte Brahms seine Vokalkompositionen. (Einzige Ausnahme ist „Romances from L. Tick’s „Magelona““ op. 33 (der Zyklus enthält fünfzehn Stücke); diese Romanzen haben einen ähnlichen Charakter wie eine Arie oder eine Solokantate.). Mit diesem Namen wollte er die führende Rolle der Gesangsstimme und die untergeordnete der Instrumentalstimme betonen. In dieser Hinsicht agierte er als direkter Nachfolger der Liedtraditionen von Schubert. Das Festhalten an den Schubert-Traditionen zeigt sich auch darin, dass Brahms dem Gesangsanfang den Vorrang vor dem Deklamatorischen einräumt und die strophische (Couplet-)Struktur dem „Durch“ vorzieht. Eine andere Strömung deutscher Kammermusik wird in den Werken Schumanns präsentiert und von den großen Meistern dieser Gattung – Robert Franz – weiterentwickelt (Der deutsche Komponist Robert Franz (1815-1892) ist Autor von etwa zweihundertfünfzig Liedern.) in Deutschland und Hugo Wolff in Österreich. Die grundlegenden Unterschiede liegen darin, dass Schubert und Brahms, ausgehend von der eigentümlichen Art des Volksliedes, eher davon ausgegangen sind Allgemeines Inhalt und Stimmung des Gedichts vertieften sich weniger in seine psychologischen und bildhaft-bildnerischen Nuancen, während Schumann und mehr noch Wolf die konsequente Entwicklung der poetischen Bilder, die expressiven Details des Textes musikalisch zu verkörpern suchten, und verwendete daher deklamatorische Momente in größerem Umfang. Entsprechend nahm bei ihnen der Anteil der Instrumentalbegleitung zu, und beispielsweise nannte Wolf seine Vokalwerke bereits nicht „Lieder“, sondern „Gedichte“ für Singstimme und Klavier.

Allerdings sollte man diese beiden Traditionen nicht als sich gegenseitig ausschließend betrachten: Es gibt deklamatorische Momente bei Brahms (oder Schubert) sowie liedhafte Momente bei Schumann. Wir sprechen über den vorherrschenden Wert des einen oder anderen Prinzips. Dennoch hat Grieg recht, wenn er feststellt, dass Schumann in seinen Liedern mehr ist Dichter, während Brahms - Musiker.

Die erste veröffentlicht Romanze von Brahms „Treue in der Liebe“ op. 3 Nr. 1 (1853). Hier ist vieles charakteristisch für die Arbeit des Komponisten und vor allem das eigentliche Thema des philosophischen Lagerhauses (das Bild einer gebrochenen, aber wahren und standhaften Liebe). Die allgemeine Stimmung wird treffend eingefangen und in den "müden" Triolen der Begleitung zu den gemessenen Seufzern der Melodie eingefangen. Ein ähnlicher Vergleich in der Gleichzeitigkeit verschiedener Rhythmen (Duoli oder Quartoli mit Triolen usw.) sowie die Synkopierung sind Brahms' Lieblingstricks:

Brahms sagte, dass man durch die Anordnung der Pausen einen wahren Meister der Vokalmusik von einem Amateur unterscheiden kann. Brahms selbst war ein solcher Meister: Seine Art, die Melodie „auszusprechen“, ist unverwechselbar. Meist prägt sich bereits in der anfänglichen Rhythmus-Intonation, wie im Embryo, das Thema des Liedes ein. Charakteristisch ist dabei das kurze Motiv, das in der analysierten Romanze zunächst in den Bass übergeht und die Stimmpartie durchdringt. Überhaupt ist die subtile und sensible Führung des Basses typisch für Brahms („der Bass gibt der Melodie Charakter, verdeutlicht und vervollständigt sie“, lehrte der Komponist). Darin spiegelt sich auch seine Neigung zu kontrapunktischen Transformationen des Themas wider.

Dank solcher Techniken wird eine bemerkenswerte Einheit des Ausdrucks der Gesangsmelodie und der Klavierbegleitung erreicht. Dies wird auch durch die motivische Verbindung erleichtert, die durch Wiederholungen und Appelle, freie thematische Entwicklung oder Verdoppelung der Melodie in der Klavierstimme durchgeführt wird. Als Beispiel nennen wir: "The Secret" op. 71 Nr. 3, "Der Tod ist eine helle Nacht" op. 96 Nr. 1, „Wie Melodien mich anziehen“ op. 105 Nr. 1, „Tiefer ist mein Schlummer“ op. 105 Nr. 2.

Diese Werke gehören zur quantitativ bedeutendsten, wenn auch ungleichen Gruppe der Romanzen von Brahms. Meistens sind das traurige, aber farblich leuchtende Reflexionen – nicht so sehr aufgeregte Monologe (die ihm selten gelingen), sondern herzliche Gespräche über spannende Lebensthemen. Bilder traurigen Verwelkens und Todes nehmen in solchen Reflexionen manchmal zu viel Raum ein, und dann bekommt die Musik eine monotone düstere Farbe, verliert ihre Unmittelbarkeit des Ausdrucks. Brahms schafft jedoch, wenn er sich auf dieses Thema bezieht, wunderbare Werke. Dies sind die Vier strengen Melodien op. 121 ist seine letzte Kammermusikkomposition (1896). Es ist eine Art Solokantate für Bass und Klavier, die Mut und Standhaftigkeit im Angesicht des Todes verherrlicht, ein allumfassendes Gefühl der Liebe. Der Komponist wendet sich an die „Armen und Leidenden“. Um spannende, zutiefst menschliche Inhalte zu vermitteln, setzt er die Techniken des Rezitativs, des Arios, des Gesangs organisch ein. Besonders beeindruckend sind die lyrisch erleuchteten Seiten des zweiten und dritten Stücks.

Eine andere Bildsphäre und dementsprechend andere künstlerische Mittel sind charakteristisch für Brahms' Lieder, getragen vom volkstümlichen Geist. Es gibt auch viele von ihnen. Es gibt zwei Arten von Liedern in dieser Gruppe. Zum Erste Charakteristisch ist der Appell an Bilder von Freude, mutiger Kraft, Spaß, Humor. Beim Übertragen dieser Bilder werden Merkmale deutlich sichtbar Deutsch Volkslied. Insbesondere wird die Bewegung der Melodie entlang der Töne des Dreiklangs verwendet; die Begleitung hat ein Akkordlager. Beispiele sind "Schmied" op. 19 Nr. 4, „Trommlerlied“ op. 69 Nr. 5, Der Jäger op. 95 Nr. 4, „Ein Haus steht in grünen Linden“ op. 97 Nr. 4 und andere.

Solche Songs treffen oft ein eben Größe; ihre Bewegung wird durch den Rhythmus eines flotten Schritts, manchmal eines Marschs, organisiert. Ähnliche Bilder von Spaß und Freude, aber mit einer persönlicheren, intimeren Farbgebung, erscheinen in smooth drei Viertel Lieder, deren Musik von Intonationen und Rhythmen durchdrungen ist österreichisch Volkstänze - Landler, Walzer ( "Oh liebe Wangen" op. 47 Nr. 4, „Der Eid der Geliebten“ op. 69 Nr. 4, „Liebeslied“ op. 71 Nr. 5). Brahms gibt diese tänzerischen Genrebilder oft in einer kunstlos einfachen Brechung wieder - entweder mit einem Hauch von Verschlagenheit oder versteckter Traurigkeit. Die wärmsten, herzlichsten Töne der Musik von Brahms sind hier eingefangen. Seine Melodie erhält eine flexible Plastizität und jene natürliche Entwicklung, die für Volksmelodien charakteristisch ist. Zu diesen Liedern gehören (in der Regel sind sie in Volkstexten geschrieben, insbesondere in Tschechisch): "Sonntag" op. 47 Nr. 3, „Der Weg zum Geliebten“ op. 48 Nr. 1, „Schlaflied“ op. 49 Nr. 4.

In Gesangsduetten und -quartetten werden verschiedene Seiten des Inhalts dargestellt. Aber auch hier finden sich für Brahms charakteristische Züge sowohl in der philosophischen Lyrik als auch in der Lyrik des Alltags. Die besten Beispiele für Letzteres sind in op. 31 und in zwei Heften „Lieder der Liebe“ op. 52 und 65(der Komponist nannte sie „Walzer für vier Stimmen und für Klavier zu vier Händen“; insgesamt dreiunddreißig Stücke). In diesen bezaubernden Miniaturen, die eine Art Parallele zu den berühmten „Ungarischen Tänzen“ von Brahms bilden, verschmelzen Gesang und Tanz miteinander. Jedes Stück hat seine eigene lakonische Handlung, die von den Freuden und Leiden der Liebe erzählt. Kurios ist die Entwicklung des Vokalensembles: Die Stimmen werden entweder kontrapunktisch kombiniert oder dialogisch kontrastiert. Die dialogische Form wurde übrigens auch von Brahms in seinen Sololiedern verwendet.

Ähnliche Bilder finden sich in Chormusik: Neben Vokalwerken mit Instrumentalbegleitung hinterließ Brahms viele Stücke für Frauenchor oder gemischten Chor a cappella. (Für die männliche Zusammensetzung des Ganzen fünf Chöre op. 41, konzipiert im Geiste von Soldatenliedern mit patriotischem Inhalt). Am vollkommensten in Bezug auf Inhaltstiefe und Entwicklung sind fünf Lieder für gemischten Chor op. 104. Die Sammlung beginnt mit zwei Nocturnes, die der gemeinsame Titel „Night Watch“ vereint; Ihre Musik zeichnet sich durch feines Soundwriting aus. Wunderbare Soundeffekte im Nebeneinander von Ober- und Unterstimme werden im Song „ Letztes Glück»; ein besonderer modaler Geschmack ist dem Spiel inhärent " Verlorene Jugend»; die letzte Nummer fällt durch ihre dunklen, düsteren Farben auf - “ Herbst».

Brahms schrieb auch eine Reihe von Werken für Chor (teilweise mit Solistenbeteiligung) und Orchester. Ihre Namen sind symptomatisch und erinnern wiederum an den Liedstrom im Werk von Brahms: „Schicksalslied“ op. 54(Text von F. Hölderlin), „Triumphlied“ op. 55, „Trauriges Lied“ op. 82(Text von F. Schiller), „Lied der Parks“ op. 89(Text von W. Goethe).

„Deutsches Requiem“ op. 55 ist das bedeutendste Werk dieser Reihe.

Brahms' Zeitgenossen und spätere Kritiker betrachteten den Komponisten sowohl als Erneuerer als auch als Traditionalisten. Seine Musik zeigte in ihrer Struktur und Kompositionstechnik Kontinuität mit den Werken von Bach und Beethoven. Obwohl Zeitgenossen die Werke des deutschen Romantikers als zu akademisch empfanden, erregten sein Können und sein Beitrag zur Entwicklung der Musikkunst die Bewunderung vieler herausragender Komponisten nachfolgender Generationen. Sorgfältig durchdacht und tadellos strukturiert, wurde Brahms' Werk zum Ausgangspunkt und zur Inspiration für eine Generation von Komponisten. Doch hinter dieser äußerlichen Gewissenhaftigkeit und Kompromisslosigkeit verbarg sich die wahrhaft romantische Natur des großen Komponisten und Musikers.

Kurze Biografie Johannes Brahms und viele interessante Fakten über den Komponisten lesen Sie auf unserer Seite.

Kurzbiographie von Brahms

Äußerlich ist die Biographie von Johannes Brahms unauffällig. Das zukünftige Tonkunstgenie wurde am 7. Mai 1833 in einem der ärmsten Viertel Hamburgs in der Familie des Musikers Johann Jakob Brahms und der Haushälterin Christiane Nissen geboren.

Der Familienvater wurde einst gegen den Willen seiner Eltern Berufsmusiker in der Klasse der Streich- und Blasinstrumente. Vielleicht war es die Erfahrung elterlicher Missverständnisse, die ihn dazu veranlasste, den musikalischen Fähigkeiten seiner eigenen Söhne – Fritz und Johannes – große Aufmerksamkeit zu schenken.

Unaussprechlich erfreut über das musikalische Talent, das sich schon früh in seinem jüngsten Sohn zeigte, stellte der Vater Johannes seinem Freund, dem Pianisten Otto Friedrich Kossel, vor, als der Junge erst 7 Jahre alt war. Kossel lehrte Johannes die Technik des Klavierspiels und weckte in ihm den Wunsch, das Wesen der Musik zu lernen.

Nach drei Jahren Studium wird Johannes zum ersten Mal in seinem Leben mit einem Quintett öffentlich auftreten Beethoven und Mozart Klavierkonzert . Aus Sorge um die Gesundheit und Begabung seines Schülers widersetzt sich Kossel der angebotenen Amerika-Tournee des Jungen. Er macht den jungen Johannes mit dem besten Musiklehrer Hamburgs, Edward Marksen, bekannt. Als Marksen das talentierte Spiel des zukünftigen Komponisten hörte, bot er an, ihn kostenlos zu trainieren. Damit war das in ihrer Notlage berechtigte finanzielle Interesse der Eltern von Johannes vollkommen befriedigt und veranlasste sie, die Idee mit Amerika aufzugeben. Der neue Lehrer von Johannes lernte bei ihm in der Klavierklasse, wobei er besonderes Augenmerk auf das Studium der Musik legte Bach und Beethoven und war der einzige, der seine Neigung zum Schreiben sofort unterstützte.

Gezwungen, wie sein Vater, sich abends in den verrauchten Räumlichkeiten der Hafenkneipen und Tavernen ein Stück Brot zu verdienen, arbeitete Brahms tagsüber mit Edward Marksen. Eine solche Belastung des unreifen Körpers von Johannes wirkte sich schlecht auf seine ohnehin angeschlagene Gesundheit aus.

Kreatives Dating

Sein Auftreten hebt Brahms von seinesgleichen ab. Er zeichnete sich nicht durch die vielen schöpferischen Naturen innewohnende Verhaltensfreiheit aus, im Gegenteil, der junge Mann wirkte losgelöst von allem, was um ihn herum geschah, und ganz in die innere Kontemplation versunken. Die Leidenschaft für Philosophie und Literatur machte ihn im Hamburger Bekanntenkreis noch einsamer. Brahms beschließt, seine Geburtsstadt zu verlassen.

In den Folgejahren lernte er viele prominente Persönlichkeiten der damaligen Musikwelt kennen. Der ungarische Geiger Eduard Remenyi, der 22-jährige Geiger und Leibbegleiter des hannoverschen Königs Josef Joachim, Franz Liszt und schließlich Robert Schumann – diese Menschen traten nacheinander in nur einem Jahr in das Leben des jungen Johannes ein, und jeder von ihnen spielte eine wichtige Rolle, um Komponist zu werden.

Joachim wurde für den Rest seines Lebens ein enger Freund von Brahms. Auf seine Empfehlung hin besuchte Johannes 1853 Düsseldorf, Schuman . Als er das Spiel des letzteren hörte, führte der begeisterte Brahms, ohne auf eine Einladung zu warten, mehrere seiner Kompositionen vor ihm auf. Johannes wurde ein gern gesehener Gast im Haus von Robert und Clara Schumann, die von Brahms sowohl als Musiker als auch als Mensch schockiert waren. Zwei Wochen der Kommunikation mit dem kreativen Paar wurden zu einem Wendepunkt im Leben des jungen Komponisten. Schumann tat sein Bestes, um seinen Freund zu unterstützen und sein Werk in den höchsten Musikkreisen jener Zeit bekannt zu machen.

Einige Monate später kehrte Johannes von Düsseldorf nach Hamburg zurück, half seinen Eltern und erweiterte seinen Bekanntenkreis in Joachims Haus. Hier lernte er Hans von Bülow kennen, einen damals berühmten Pianisten und Dirigenten. Am 1. März 1854 führte er Brahms' Werk öffentlich auf.

Im Juli 1856 starb Schumann, der lange Zeit an einer Geisteskrankheit litt. Die Erfahrung des Verlustes eines hochgeschätzten Freundes weckt in Brahms' Seele den Wunsch, sich musikalisch auszudrücken: Er beginnt mit der Arbeit am berühmten Deutschen Requiem.

Kein Prophet im eigenen Land

Brahms träumte von einem guten Platz in Hamburg, um in seiner Geburtsstadt zu leben und zu arbeiten, aber nichts wurde ihm angeboten. 1862 entschloss er sich dann, nach Wien zu gehen, in der Hoffnung, das Hamburger Publikum zu beeindrucken und mit seinen Erfolgen in der Welthauptstadt der Musik zu punkten. In Wien erlangte er schnell allgemeine Anerkennung und war damit durchaus zufrieden. Aber seinen Hamburger Traum hat er nie vergessen.

Später stellte er fest, dass er für eine lange Routinearbeit in einer Verwaltungsposition nicht gemacht war, was ihn von der Kreativität ablenkte. Tatsächlich blieb er nirgendwo länger als drei Jahre, sei es als Leiter der Chorkapelle oder als Leiter der Gesellschaft der Musikfreunde.

In den rückläufigen Jahren

1865 erreichte ihn in Wien die Nachricht vom Tod seiner Mutter, Brahms war sehr erschüttert über den Verlust. Als wahrhaft kreativer Mensch übersetzte er jeden emotionalen Schock in die Sprache der Noten. Der Tod seiner Mutter veranlasste ihn, das Deutsche Requiem fortzusetzen und zu vollenden, das später zu einem besonderen Phänomen der europäischen Klassik wurde. An Ostern 1868 präsentierte er seine Schöpfung zum ersten Mal im Bremer Hauptdom, der Erfolg war überwältigend.

1871 mietete Brahms eine Wohnung in Wien, die für den Rest seines Lebens sein relativ ständiger Wohnsitz wurde. Man muss zugeben, dass Johannes Brahms angesichts seiner im Laufe der Jahre zunehmenden Egozentrik ein seltenes Talent hatte, Menschen abzustoßen. In den letzten Jahren seines Lebens verdarb er die Beziehungen zu vielen neuen Bekannten und entfernte sich von alten. Auch sein enger Freund Joachim brach alle Beziehungen zu ihm ab. Brahms setzte sich für seine Frau ein, die er des Hochverrats verdächtigte, was die eifersüchtige Ehefrau sehr beleidigte.

Der Komponist verbrachte seine Sommer gerne in Kurorten und fand dort nicht nur heilende Luft, sondern auch Inspiration für neue Werke. Im Winter gab er Konzerte in Wien als Interpret oder als Dirigent.

In den letzten Jahren ging Brahms tiefer in sich hinein, wurde düster und düster. Er schrieb keine großen Werke mehr, sondern fasste sein Werk gleichsam zusammen. Zuletzt trat er öffentlich mit seiner Vierten Symphonie auf. Im Frühjahr 1897 starb Brahms und hinterließ der Welt unsterbliche Partituren und die Society of Music Lovers. Am Tag der Beerdigung wurden die Flaggen auf allen Schiffen im Hamburger Hafen auf Halbmast gehisst.

"... verschluckt von dem grenzenlosen Streben tödlicher selbstloser Liebe"

„Ich denke nur in Musik, und wenn das so weitergeht,
Ich werde mich in einen Akkord verwandeln und im Himmel verschwinden.

Aus einem Brief von I. Brahms an Clara Schumann.

In der Biographie von Brahms steht die Tatsache, dass der 14-jährige Johannes im Sommer 1847 in den Südosten Hamburgs ging, um seine Gesundheit zu verbessern. Hier unterrichtet er die Tochter von Adolf Giezmann am Klavier. Mit Lizhen beginnt eine Reihe romantischer Hobbys im Leben des Komponisten.

Clara Schumann nahm im Leben von Brahms einen besonderen Platz ein. Nachdem er diese erstaunliche Frau 1853 zum ersten Mal getroffen hatte, trug er sein ganzes Leben lang strahlende Gefühle für sie und tiefe Ehrfurcht vor ihrem Ehemann. Die Tagebücher der Schumanns waren voll von Hinweisen auf Brahms.

Clara, die Mutter von sechs Kindern, war 14 Jahre älter als Johannes, aber das hinderte ihn nicht daran, sich zu verlieben. Johannes bewunderte ihren Mann Robert und vergötterte seine Kinder, sodass von einer Romanze zwischen ihnen keine Rede sein konnte. Ein Sturm der Gefühle und ein Schwanken zwischen Leidenschaft für eine verheiratete Frau und Respekt vor ihrem Mann resultierten in der Musik zur alten schottischen Ballade „Edward“. Nach vielen Prüfungen blieb die Liebe von Johannes und Clara platonisch.

Vor seinem Tod litt Schumann stark unter einer psychischen Störung. Wie Brahms sich in dieser für Clara schwierigen Zeit um sie kümmerte und sich wie ein Vater um ihre Kinder kümmerte, war die höchste Liebesbekundung, zu der nur ein Mensch mit edler Seele fähig ist. Er schrieb an Clara:

„Ich will dir immer nur von der Liebe erzählen. Jedes Wort, das ich dir schreibe, das nicht von Liebe spricht, lässt mich bereuen. Du hast mir beigebracht und lehrst mich jeden Tag, zu bewundern und zu lernen, was Liebe, Zuneigung und Hingabe sind. Ich möchte dir immer so berührend wie möglich darüber schreiben, wie aufrichtig ich dich liebe. Ich kann Sie nur bitten, sich auf mein Wort zu verlassen …“

Um Clara zu trösten, schrieb er 1854 Variationen über ein Thema von Schumann für sie.

Der Tod von Robert führte entgegen den Erwartungen anderer nicht zu einer neuen Etappe in der Beziehung zwischen Clara und Brahms. Er korrespondierte viele Jahre mit ihr, half ihren Kindern und Enkelkindern auf jede erdenkliche Weise. Später nannten Claras Kinder Brahms als einen von ihnen.

Johannes überlebte Clara um genau ein Jahr, als wollte er bestätigen, dass diese Frau die Quelle des Lebens für ihn war. Der Tod seiner Geliebten erschütterte den Komponisten so sehr, dass er mit der Vierten Symphonie eines seiner bedeutendsten Werke komponierte.

Diese Herzensleidenschaft war jedoch die stärkste und nicht die letzte im Leben von Brahms. Freunde luden den Maestro ein, den Sommer 1858 in Göttingen zu verbringen. Dort lernte er die charmante Besitzerin einer seltenen Sopranistin Agatha von Siebold kennen. In diese Frau leidenschaftlich verliebt, schrieb Brahms gerne für sie. Jeder war sich ihrer bevorstehenden Hochzeit sicher, aber die Verlobung wurde bald beendet. Danach schrieb er an Agatha: „Ich liebe dich! Ich muss dich wiedersehen, aber ich kann keine Ketten tragen. Bitte schreib mir ... kann ich ... wiederkommen, um dich in meine Arme zu nehmen, dich zu küssen und dir zu sagen, dass ich dich liebe. Sie sahen sich nie wieder und Brahms gestand später, dass Agatha seine "letzte Liebe" war.

Nach 6 Jahren wird Brahms 1864 in Wien Baronin Elisabeth von Stockhausen Musik unterrichten. Ein schönes und begabtes Mädchen wird zu einer weiteren Leidenschaft des Komponisten, und wieder wird diese Beziehung nicht keimen.

Im Alter von 50 Jahren lernte Brahms Hermine Spitz kennen. Sie besaß den schönsten Sopran und wurde später die Hauptdarstellerin seiner Lieder, insbesondere Rhapsodien. Beflügelt von einer neuen Leidenschaft schuf Brahms viele Werke, aber auch die Affäre mit Hermine hielt nicht lange an.

Bereits im Erwachsenenalter erkennt Brahms, dass sein Herz immer seiner einzigen Lady gehörte und immer gehören wird – der Musik. Kreativität war für ihn der organisierende Kern, um den sich sein Leben drehte, und alles, was diesen Menschen davon abhielt, musikalische Werke zu schaffen, musste aus seinen Gedanken und seinem Herzen gerissen werden: sei es ein respektabler Posten oder eine geliebte Frau.

Interessante Fakten

• Brahms hat sich in seiner Meisterschaft des Kontrapunkts selbst übertroffen. Seine komplexesten Formen wurden zu natürlichen Mitteln, um die Emotionen des Komponisten auszudrücken.
• Seine erste Sinfonie war ein wahrhaft episches Werk. Er begann 1854, es zu schreiben, und führte es 22 Jahre später zum ersten Mal auf, während er die ganze Zeit über streng redigierte.
• Der sogenannte Krieg der Romantiker war größtenteils ein musikalischer Disput zwischen den Vertretern der radikalen Bewegung in der Musik Wagner und Liszt einerseits und den Konservativen Brahms und Clara Schumann andererseits. In der Folge galt Brahms den Zeitgenossen als hoffnungslos überholt, doch mittlerweile erfreut er sich heute großer Beliebtheit.
• Brahms hat kein anderes Werk so lange geschrieben wie das Deutsche Requiem. Es wurde auch das längste Werk des Komponisten. Für seinen Text hat Brahms persönlich Zitate aus der lutherischen Bibel ausgewählt. Es sollte beachtet werden, dass das kanonische Requiem aus Fragmenten der liturgischen Messe zusammengesetzt sein sollte, aber dies ist nicht das Hauptmerkmal der Textkomponente von Brahms' Werk. Keines der ausgewählten Zitate enthält den Namen Jesus Christus, was absichtlich so gemacht wurde: Als Antwort auf Einwände sagte Brahms, dass er den Text für eine größere Universalität und Inklusivität sogar in „Das menschliche Requiem“ umbenennen könnte.

• Die meisten Werke von Brahms sind kurze Werke angewandter Natur. Der einflussreiche amerikanische Kritiker B. Heggin argumentierte, dass Brahms besonders gut in kleinen Genres sei, zu denen er Ungarische Tänze, Walzer für Klavierduett und Walzer der Liebe für Vokalquartett und Klavier sowie einige seiner vielen Lieder, insbesondere " Wiegenlied“.
• Das Hauptthema im Finale der Ersten Symphonie ist eine Reminiszenz an das Hauptthema des Finales von Beethovens Neunter Symphonie. Als einer der Kritiker dies bemerkte und Brahms mit seiner Beobachtung prahlte, antwortete er, dass jeder Esel es bemerken könne.
• In der Biografie von Brahms wird vermerkt, dass der Komponist im Alter von 57 Jahren das Ende seiner Schaffenskarriere ankündigte. Danach jedoch, weil er einfach nicht mehr aufhören konnte zu komponieren, schenkte er der Welt einige wirklich unglaublich schöne Kompositionen: die Klarinettensonate, das Trio und das Quintett.
• 1889 wurde eine Audioaufnahme von Brahms gemacht, der einen seiner ungarischen Tänze aufführte. Es gibt viele Kontroversen darüber, wessen Stimme auf der Platte zu hören ist, aber die donnernde Darbietung gehört zweifellos Brahms selbst.

• 1868 schrieb Brahms das bekannte, auf Volkstexten basierende „Wiegenlied“. Er komponierte es eigens für den Geburtstag seines Sohnes Bertha Faber, seines guten Freundes.
• Brahms war in früher Kindheit Musiklehrer des berühmten Filmkomponisten Max Steiner.
• Sein Wohnhaus in der Kleinstadt Lichtental, Österreich, wo Brahms an den Kammermusikwerken der mittleren Periode und vielen seiner Hauptwerke, darunter das Deutsche Requiem, arbeitete, ist bis heute als Museum erhalten.

Schwerer Charakter

Berühmt wurde Johannes Brahms durch seine Düsternis, Missachtung aller weltlichen Verhaltensnormen und Konventionen. Er war sogar mit engen Freunden ziemlich hart, sie sagen, dass er sich einmal, als er eine Art Gesellschaft verließ, entschuldigte, dass er nicht alle beleidigt hatte.

Als Brahms und sein Freund, der Geiger Rémeigny, sich ein Empfehlungsschreiben sicherten, kamen sie in Weimar an Franz Liszt, dem König der deutschen Musikwelt, blieb Brahms Liszt und seinem Werk gegenüber gleichgültig. Der Maestro war empört.

Schumann versuchte, die Aufmerksamkeit der Musikwelt auf Brahms zu lenken. Er schickte den Komponisten mit einem Empfehlungsschreiben zum Verlag nach Leipzig, wo er zwei Sonaten aufführte. Eine davon widmete Brahms Clara Schumann, die andere Joachim. Er hat auf den Titelseiten nichts über seinen Gönner geschrieben ... kein Wort.

1869 kam Brahms auf Anregung eines Neiders nach Wien Wagner stieß auf heftige Zeitungskritik. Gerade das schlechte Verhältnis zu Wagner erklärt Forschern das Fehlen von Opern im Nachlass von Brahms: Er wollte nicht in das Revier seines Kollegen eindringen. Laut vielen Quellen bewunderte Brahms selbst Wagners Musik zutiefst und zeigte nur gegenüber Wagners Theorie der dramatischen Prinzipien eine Ambivalenz.

Brahms, der sich selbst und seinem Werk gegenüber äußerst anspruchsvoll war, zerstörte viele seiner frühen Werke, darunter auch die Werke, die in seiner Zeit vor Schumann aufgeführt wurden. Der Eifer des großen Perfektionisten erreichte den Punkt, dass er sich nach vielen Jahren 1880 in einem Brief an Eliza Giezmann mit der Bitte richtete, Manuskripte seiner Musik für den Chor zu schicken, damit er sie verbrennen könne.

Der Komponist Hermann Levi hat einmal die Meinung geäußert, Wagners Opern seien besser als die von Gluck. Brahms verlor die Beherrschung, erklärte, es sei unmöglich, die beiden Namen zusammen auszusprechen, und verließ das Treffen sofort, ohne sich auch nur von den Eigentümern des Hauses zu verabschieden.

Alles passiert zum ersten Mal...

• 1847 trat Brahms erstmals als Solist auf und spielte Sigismund Thalbergs Fantasie auf dem Klavier.
• Sein erster vollständiger Konzertabend 1848 bestand aus einer Aufführung von Bachs Fuge sowie Werken von Marxen und seinem Zeitgenossen, dem Virtuosen Jakob Rosenstein. Das Konzert, das stattfand, hob den 16-jährigen Jungen nicht unter den einheimischen und ausländischen Künstlern hervor. Dies bestärkte Johannes in der Vorstellung, dass die Rolle des Interpreten nicht seine Berufung war, und veranlasste ihn, sich gezielt mit dem Komponieren musikalischer Werke zu beschäftigen.
• Brahms' Erstlingswerk, die fis-moll-Sonate (opus 2), entstand 1852.
• Seine Schriften veröffentlichte er erstmals 1853 unter seinem eigenen Namen in Leipzig.
• Die Ähnlichkeit der Werke von Brahms mit dem späten Beethoven wurde bereits 1853 von Albert Dietrich bemerkt, was er in einem Brief an Ernst Naumann erwähnte.
• Die erste hohe Stellung im Leben von Brahms: 1857 wurde er ins Königreich Detmold eingeladen, um Prinzessin Frederika Klavierspiel zu lehren, den Hofchor zu leiten und als Pianist Konzerte zu geben.
• Die Uraufführung des ersten Klavierkonzerts am 22. Januar 1859 in Hamburg wurde sehr kühl aufgenommen. Und beim zweiten Konzert wurde er ausgebuht. Brahms schrieb an Joachim, sein Spiel sei brillant und entscheidend ... ein Fehlschlag.
• Im Herbst 1862 besuchte Brahms erstmals Wien, das später zu seiner zweiten Heimat wurde.
• Brahms' erste Symphonie wurde 1876 veröffentlicht, aber er begann sie in den frühen 1860er Jahren zu schreiben. Als dieses Werk zum ersten Mal in Wien aufgeführt wurde, wurde es sofort Beethovens Zehnte Symphonie genannt.

Quellen der Inspiration

Rémeigny führte Brahms in die Volksmusik der Zigeuner von Czardas ein. Ihre Motive bildeten später die Grundlage seiner beliebtesten Werke, darunter „ Ungarische Tänze».

Die gemeinsame Arbeit mit Joachim in Göttingen, wo er Studentenlieder aufnahm, wurde ausgestellt und wurde zur Grundlage für seine "Akademische Ouvertüre". Zur gleichen Zeit schrieb er seine ehrgeizige Erste Klaviersonate.

Als Brahms von Schumanns Nervenzusammenbruch erfuhr, eilte er nach Düsseldorf, um seine Familie zu unterstützen. Während dieser Zeit schrieb er seine frühen Meisterwerke, darunter das Erste Klaviertrio.

Am Hof ​​von Detmold ruhte der große Komponist nach den sorgenvollen Jahren in Düsseldorf. Diese helle geistige Stimmung übertrug sich auf die in Detmold entstandenen Orchesterserenaden in H-Dur und D-Dur.

Die vorgelegte Liste ist bei weitem nicht vollständig, sondern enthält nur die bekanntesten Filme, in denen Ausschnitte aus den angegebenen Werken des Komponisten erklingen.

Filme über Brahms und sein Werk

Unter den Filmen, die über das Leben und Werk von I. Brahms erzählen, sind die bedeutendsten:

• Dokumentarfilm „Wer ist wer. Berühmte Komponisten: Brahms (2014), USA. Geschrieben, produziert und inszeniert von M. Hossik. Der 25-minütige Film erzählt vom Leben und Schaffen des großen Komponisten, führt die Zuschauer an die Orte, an denen er aufgewachsen, gelebt und gearbeitet hat.
• Die Programmreihe des Autors von A. Vargaftik "Die Partituren brennen nicht" (2002-2010), Russland. Dies ist eine Geschichte über den "bärtigen Onkel", seine Werke und wenig bekannte Details seines persönlichen Lebens. Anschaulich und interessant spricht der Autor der Sendungen über Brahms und umgeht akademische Klischees. Der Film zeigt die Musik des Komponisten und zeigt Orte, die mit seinem Leben in Verbindung stehen.
• Der einzigartige Musical-Dokumentarfilm „Schumann. Klara. Brahms“ (2006), Deutschland. Mehr Aufmerksamkeit schenkten die Autoren des Films dem Schicksal und Werdegang von Robert und Clara Schumann. Da ihr Leben über viele Jahre eng mit Brahms verbunden war, erzählt der Film auch von ihm. Dies ist nicht nur eine Geschichte über ein herausragendes Trio, es gibt Episoden der großartigen Darbietung ihrer Musik durch Helen Grimaud, Albrecht Mayer, Truls Merck und Anna Sophie von Otter, außerdem teilen die vorgestellten Musiker ihre Erfahrungen mit dem Lernen der Schumanns und Brahms, ihre Vision ihrer schwierigen Schicksale.

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Gesangstexte nehmen einen besonderen Platz in der Kreativität ein. Das Interessengebiet dieses Komponisten änderte sich im Laufe der Zeit: In seiner Jugend zog es ihn zur Klaviermusik und zu kammerinstrumentalen Ensembles, zur Zeit der Schaffensreife zu vokal-orchester- und symphonischen Werken, in seinen späteren Jahren wieder zu Klavier- u Kammermusik, aber das Engagement für kammergesangliche Genres bleibt ihm während seiner gesamten Karriere erhalten. Die Anzahl solcher geschriebener Werke nähert sich vierhundert - das sind Lieder, Gesangsduette und Quartette. Die Vokalmusik ist für ihn zu einem besonderen kreativen Labor geworden, aus ihr stammen Merkmale seines instrumentalen Schaffens wie die Länge und der Wohlklang von Melodien, die Struktur des musikalischen Gewebes, in dem Stimmen „ihr eigenes Leben leben“.

Das Musikleben der damaligen Zeit war bekannt – immerhin leitete er die Gesangsvereine. Auf dem Gebiet der Vokalmusik kann er als direkter Schubert-Erbe bezeichnet werden – wie bei diesem Komponisten weisen die Liedmelodien ausgeprägte nationale Merkmale auf: eine sich entlang von Akkordtönen bewegende Melodie, ein akkordisches Begleitlager, eine gleichmäßige Taktart – das sind z B. die Lieder „Jäger“, „Schmied“, „Das Haus steht in grünen Linden“. In anderen Liedern ("Eid der Geliebten", "Oh, liebe Wangen") tauchen die Rhythmen dreiteiliger österreichischer Tänze - Landler und Walzer - auf.

Das folkloristische Interesse des Komponisten trug zur Umsetzung des nationalen Prinzips in der Musik bei: Für Chor oder Gesang mit Klavier verarbeitete er über hundert Volkslieder und eine Sammlung von neunundvierzig deutschen Volksliedern, die zu einer Art geistlichem Testament wurden, er schuf, in seinen Worten, „mit Liebe, sogar Liebe“. Das Volkslied war für ihn kein archaisches "totes Denkmal" - er fand und wählte sorgfältig die besten Möglichkeiten aus, interessierte sich nicht nur für alte Volkslieder, sondern auch für moderne.

In Bezug auf poetische Texte war er ein feinsinniger und anspruchsvoller Kenner, bei unterschiedlicher Interessensbreite. Als einer der Bewunderer des Werkes des Komponisten 1898 eine Sammlung vertonter Gedichte veröffentlichte, entstand eine ganze Anthologie deutscher Lyrik - allerdings sehr eigentümlich. Es umfasste Dutzende von Dichtern, aber die Arbeit jedes einzelnen von ihnen wurde sehr selektiv angegangen. Gedichte von Johann Wolfgang Goethe vertonte er selten, weil er sie für so perfekt hielt, dass Musik überflüssig wäre. Bei jedem Dichter schätzte er die Musikalität der poetischen Rede, die Aufrichtigkeit, die Einfachheit der Form, die Folkloremustern nahe kommt, und lehnte übertriebene Raffinesse ab. Zwei Dichter standen ihm am nächsten: - Klaus Groth, ein (wie er selbst) gebürtiger Holsteiner, ein Kenner der Volksdichtung, der in bäuerlicher nordischer Mundart schrieb, und Georg Daumer, der in seinen Gedichten die poetischen Motive verschiedener Nationen frei übersetzte .

Neben dem nationalen Beginn macht ein weiteres Merkmal die vokale Kreativität mit Schubert verwandt - das Vorherrschen der Melodie, die den allgemeinen Inhalt des Textes ausdrückt, gegenüber deklamatorischen Elementen, die seine Details vermitteln. Dennoch forderte der Komponist seine Schüler auf, nicht zu vergessen, dass „in einem Lied nicht nur die erste Strophe, sondern das ganze Gedicht vertont wird“. Er selbst folgte immer diesem Prinzip und griff auf Variationen der Strophe zurück. Dies wird durch den Klavierpart erleichtert, in dem alle Stimmen leben und sich entwickeln, bis hin zum Bass (nicht umsonst riet er seinen Schülern, nicht nur auf die Melodie, sondern auch auf den „gesunden, kräftigen Bass“ zu achten ). Duolis oder Quartoli in der Textur der Begleitung können mit Triolen kombiniert werden, was ihr einen besonderen „lebendigen Atem“ verleiht. Im Klavierpart können Motive entstehen, die dann den Gesangspart durchziehen – so zum Beispiel in der Romanze „Treue in der Liebe“.

Johannes Brahms definierte sie als „Walzer für vier Stimmen und Klavier zu vier Händen“. Gesang wird darin mit Tanz kombiniert, und das Stimmverhältnis erscheint entweder als dialogisches Nebeneinander oder als kontrapunktische Kombination.

Musik Jahreszeiten

Johannes Brahms (1833-1897) ist ein herausragender deutscher Komponist der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, einer Zeit, in der mit Hector Berlioz, Franz Liszt, Richard Wagner die künstlerische Richtung der Romantik ihren Höhepunkt erreichte.

Brahms' Werk umfasst alle bekannten Genres, außer Oper und Ballett. Er hat insgesamt 120 Orus.

Zu den symphonischen Werken von Brahms gehören: vier Sinfonien (op. 68 in c-moll, op. 73 in D-dur, op. 90 in F-dur, op. „Tragisch“ (op. 81)), Variationen über ein Thema von Haydn (op. 56) und zwei frühe Serenaden (op. 11 D-dur und op. 16 A-dur).

Im Vokalchor-Genre schrieb Brahms etwa zweihundert Werke, darunter Romanzen, Lieder, Balladen und Chöre (Männer-, Frauen- und gemischte).

Wie Sie wissen, war Brahms ein wunderbarer Pianist. Natürlich hat er eine Vielzahl von Werken für Klavier geschrieben: ein Scherzo (op. 4 es-moll), drei Sonaten (op. 1 C-dur, op. 2 fis-moll, op. 5 f-moll), Variationen über ein Thema von Schumann (op. 9), Paganini (op. 35), Variationen über ein ungarisches Thema (op. 21), Variationen und Fuge über ein Thema von Händel (op. 24), 4 Balladen (op. 10) , 4 Capriccios und 4 Intermezzi (op. 76), 2 Rhapsodien (op. 79), Fantasien (op. 116), viele Theaterstücke.

Unter den Soloklavierwerken von Brahms sind zwei Rhapsodien op. 79, geschrieben 1880, bei Interpreten und Zuhörern sehr beliebt. Brahms war nicht der erste, der diese Gattung in der Klaviermusik verwendete. Es ist bekannt, dass der tschechische Komponist V.Ya. Tomaszek bereits 1815 gab es Werke in diesem Genre. Aber trotz dieser Tatsache ist die Blütezeit der Rhapsodie zu Recht mit dem Namen des herausragenden ungarischen Komponisten Franz Liszt verbunden. Weltweite Berühmtheit erlangten seine 19 ungarischen Rhapsodien, die der Komponist in der Zeit von 1840 bis 1847 komponierte, von denen bekannt ist, dass sie fast alle echte Volkslied- und Tanzmelodien verwenden. Die zweiteilige Struktur von Liszts Rhapsodien ist auch auf die Volkstradition des Gegensatzes von Gesang und Tanz zurückzuführen. Die Binnenentwicklung von Liszts Rhapsodien ist recht frei, improvisatorisch, basiert auf dem Wechsel einzelner großer Abschnitte nach dem Prinzip einer durch- oder kontrastverbundenen Form. Aber das wichtigste Merkmal von Liszts Rhapsodien liegt in ihrem tiefen ungarischen Nationalkolorit.

Ganz anders aber sind Brahms' zwei Rhapsodien op. 79, die ein ziemlich vollständiges Bild vom figurativen Gehalt der Musik des Komponisten, den Hauptverdiensten seines Talents und Stilmerkmalen geben.

Insbesondere die Rhapsodie op. 79 Nr. 2 in g-moll ist ein lyrisch-dramatisches Werk, das in voller Sonatenform geschrieben ist.

Die Zweite Rhapsodie basiert auf vier ausdrucksstarken, scharf charakteristischen Themen, die in ihrem Wechsel eine Exposition der Sonatensatzform bilden. Jedes dieser Themen hat sein eigenes „Gesicht“. Sie sind gattungsspezifisch und vor allem strukturell definiert, was typisch für Brahms als deutschen Komponisten ist.

Das erste der vier Themen (das Hauptthema der Sonatenform) ist aufgeregt impulsiv, romantisch strebend, mit einer typisch deutschen pathetischen Romantik. Die Ausdrucksmittel (Melodie, Modus und Tonalität, Harmonie, Rhythmus, Textur, Form) darin zielen darauf ab, die stürmische Erregung menschlicher Gefühle auszudrücken. Genremäßig ist das Hauptthema heterogen: Die einstimmige Melodie in der rechten Hand ist eindeutig ein Lied; Triolen in der Mittelstimme sind ein charakteristisches Merkmal der romantischen Begleitung, und die jambischen Oktavbässe in der linken Hand verleihen dem Thema Marschcharakter. Als Ergebnis wird eine dreischichtige Genretextur geschaffen, die den reichen, komplexen und intensiven figurativen Inhalt des Hauptthemas zum Ausdruck bringt. Die Form des Hauptthemas ist eine einfache Periode des Wiederaufbaus, wobei jeder der beiden Sätze eine viertaktige Welle mit Anstieg und Abfall ist.

Interessanterweise gibt es nach der Präsentation des Hauptthemas keinen erweiterten Verbindungsteil (der im Prinzip charakteristisch für die Sonatenformen deutscher klassischer Komponisten war), sondern einen plötzlichen, abrupten Wechsel zu einem hellen, unabhängigen, sehr lakonischen verbindendes Thema. Im übertragenen Sinne ist es intrakontrastierend: Mutig-entschlossene Ausrufe werden durch scherzo-fliegende Elemente ersetzt. Akkord-Oktav-Textur, laute (f)-Dynamik und das ganze Thema durchdringende Pausen verleihen der Musik einen aufgeregt-willensstarken, strebenden Charakter. Formal stellt das Verbindungsthema eine einfache Periode wiederholter, aber nicht quadratischer Struktur dar, wie das Hauptthema. Und maßstabsmäßig noch kürzer, „unvollendet“, verkürzt, bedarf es (aufgrund der Offenheit der Zeit) einer Fortsetzung.

Ein neues, kontrastierendes, höchst lyrisches Bild der Exposition entsteht mit dem Aufkommen eines Nebenthemas. Die Melodie basiert auf einem scharf ausdrucksstarken, ergreifenden Triolenmotiv, das die Quinte von d-Moll mit einer verminderten Terz singt, mit einem akzentuierten Stopp auf der vierten erhöhten Stufe, die im gleichen Takt durch die vierte natürliche Stufe „aufgehoben“ wird. Als Ergebnis des ununterbrochenen, pausenlosen Gesangs der Melodie, in Verbindung mit den weit auseinander liegenden Figurationen der Begleitung, entsteht ein Gefühl von Angst, verborgenem seelischen Schmerz und schmerzhaften Seufzern. Leidenschaftliches Ungestüm bringt Brahms Schumann näher. In Chopins Melodie scheint es über dem Rest der Textur des Themas zu schweben.

Das Seitenthema führt zu einem stolzen, dramatischen Schlussthema. Es klingt zunächst sehr geheimnisvoll, sogar düster. Im ersten Satz der einfachen Periode erzeugt dieselbe wiederholte Note in der rechten Hand ein fantastisches Gefühl des Zwanges, des Wartens auf eine Art Zusammenbruch, eines heftigen Ausbruchs von Emotionen. Die Oktavbässe in der linken Hand scheinen geduckte Schritte darzustellen, und die Triolen in der Mittelstimme, die während der gesamten Präsentation des Themas pulsieren, verleihen dem Thema noch mehr Spannung und Spannung. Im zweiten Satz klingt die Musik selbstbewusster, ausdauernder, sogar marschierender. Sie endet (übrigens erstmals in der Exposition der Sonatenform) auf der erweiterten reinsten Tonika in d-Moll.

Die psychologische und künstlerische Wirkung dieses Tonikums ist verblüffend: Nach all dem Aufruhr, der Aufregung und den Zweifeln der Seele ist endlich eine gewisse Gewissheit, eine Gewissheit über den emotionalen Zustand eines Menschen, durch eine Willensanstrengung erreicht worden.

In Anlehnung an die Tradition der Wiener Klassik wiederholt Brahms die Exposition der Sonatenform. Zwingt Sie, die scharfen Stimmungsschwankungen, die für romantische Helden charakteristisch sind, noch einmal zu erleben. Interessant ist zugleich, dass Brahms den rein romantischen Inhalt aller vier Themen der Exposition in klassisch klaren, prägnanten Formen einer einfachen Periode mit jeweils unterschiedlicher Binnenstruktur verkörpert: Das Hauptthema ist eine einfache Periode mit quadratischer Struktur (4 + 4), ein Verbindungsthema ist eine einfache Periode einer nicht quadratischen Struktur (3 + 2), das sekundäre Thema ist eine Periode einer einzelnen Struktur, das Schlussthema ist eine einfache Periode wiederholter Struktur mit einer Erweiterung von der zweite Satz (4 + 8). Überraschenderweise haben sie bei aller figurativen und gattungsmäßigen Gegensätzlichkeit der Themen vieles gemeinsam: Im Vordergrund steht überall eine ausdrucksstarke Melodie, ein alle Themen verbindender Triolenrhythmus und eine dreischichtige Textur. Insgesamt entwickeln sich die musikalischen Bilder der Exposition schnell, aktiv und in einem äußerst komprimierten Maßstab: Die Exposition umfasst nur 32 Takte.

In der Durchführung betont Brahms das widersprüchliche, dramatische Wesen seiner Rhapsodie, indem er ausschließlich Haupt- und Schlussthema entwickelt, also das aufgeregt impulsivste und mutig stolzeste aller Themen der Exposition. Die Ausarbeitung ist ziemlich detailliert (53 Takte gegenüber 64 Takten Exposition) und besteht aus drei Abschnitten: Das Hauptthema entwickelt sich im ersten und dritten Abschnitt, und das Schlussthema entwickelt sich in der Mitte. Im Zusammenhang mit diesem thematischen Gehalt wird die Durchführung als großangelegte dreistimmige Form mit kontrastierender Mittel- und Dynamikreprise wahrgenommen. Im ersten Durchführungsabschnitt (20 Takte) verschärft Brahms die emotionale Erregung, die Verwirrung des Klangs des Hauptthemas und verkompliziert seine modale und tonale Entwicklung extrem, einschließlich des Wechsels entfernter Tonarten (F, f, gis, e, h ), dargestellt durch ihre Dominanten, die im Prinzip in der Präsentation des Hauptthemas in der Exposition festgelegt wurden. Im Mittelteil erklingt das Schlussthema entweder ängstlich heimlich (p mezzo voce) oder wütend zornig (ff), auch mit scharfen bundtonalen Brüchen von h-moll zu G-dur, g-moll und d-moll. Der dritte Abschnitt wird als riesiges, spannungsgeladenes Vorspiel zur Reprise der Sonatenform empfunden, basierend auf mehreren Ostinaten, ungestüm aufsteigenden, vom Hauptthema isolierten beschwörenden Motiven, die auch die dynamische Spannung erhöhen (von pp bis ff). Die gesamte Durchführung Ein blubbernder Triolenrhythmus in der Mittelstimme verbindet eine Dreischichtigkeit Nach einer solchen gezielten entwicklungsdramatischen Intensivierung wird die Reprise der Sonatenform als „Insel der Erlösung“ aus erlebten Stürmen empfunden, obwohl es selbstverständlich ist baut auf den gleichen vier kontrastierenden Themen auf wie die Exposition: - d-moll, und Brahms behielt in der Reprise sowohl die Struktur als auch die Tonleiter aller Themen bei und fügte nur eine kurze (8 Takte) Coda mit einem pulsierenden und ausklingenden Triolenrhythmus hinzu das Ende.

Rhapsody zeichnet ein Porträt von Brahms – einem leidenschaftlichen Träumer mit stürmischem Temperament und rebellischen Gefühlen.

Die Form der Rhapsodie zeichnet sich durch Harmonie und Raffinesse aus, der Komponist kombiniert auf geniale Weise die Merkmale einer Sonate und einer dreistimmigen Komposition. Die zweite Rhapsodie ist ein großartiges Beispiel für Brahms' Konzertpianismus.

Die Durchführung ist, wie bei Brahms üblich, komprimiert und intensiv. Die Hauptthemen transformierend, legt er in der Durchführung den Konfliktgehalt des Dramas frei. Drama und figurative Konflikte werden mit äußerster Lakonie offenbart.

Brahms ist der letzte große Vertreter der deutschen Romantik des 19. Jahrhunderts. Es gelang ihm, seinen eigenen originellen kreativen Stil zu kreieren. Seine Musiksprache ist geprägt von individuellen Zügen: typische Intonationen der deutschen Volksmusik (Bewegungen entlang von Dreiklangsklängen mit plagalen Wendungen in der Melodie und Plagalität in der Harmonik); charakteristisches "Flimmern" von Dur-Moll; charakteristische unerwartete Abweichungen, modale Variabilität, melodisches und harmonisches Dur.

Um den Reichtum der inhaltlichen Schattierungen auszudrücken, wird Rhythmus verwendet: die Einführung von Triolen, gepunktete Linien, Synkopen. Themen sind oft offen, was den Weg für die weitere Entwicklung des Denkens öffnet.

Die Verwendung von seit der Wiener Klassik etablierten Strukturen hatte für Brahms einen zutiefst individuellen Charakter: Brahms wollte beweisen, dass alte Formen die moderne Gedanken- und Gefühlsstruktur vermitteln können. Andererseits halfen ihm klassische Formen, die aufgeregten, ängstlichen, rebellischen Gefühle zu „zähmen“, die ihn überwältigten.

Die Pluralität der Bilder ist ein typisches Merkmal der Musik von Brahms. Er verband die freie Meinungsäußerung in Sonatensatzform mit der klassischen, rationalen Entwicklungslogik.

Brahms hat ein komplexes und widersprüchliches Werk geschrieben, das Stil und Sprache seiner Zeit widerspiegelt.

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