Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

Die Geschichte des mittelalterlichen Theaters ist ein kultureller Querschnitt einer ganzen Epoche (Mittelalter - die Epoche des Feudalsystems, V-XVII Jahrhundert), an dem das Bewusstsein einer mittelalterlichen Person studiert werden kann. In diesem Bewusstsein verbanden sich gesunder Menschenverstand und skurrilster Aberglaube, Glaubensinbrunst und Spott über kirchliche Dogmen, spontane Lebenslust, Sehnsucht nach der irdischen und strengen Askese, die von der Kirche eingepflanzt wurde, widersprüchlich. Oft gerieten volkstümliche, realistische Prinzipien in Konflikt mit idealistischen religiösen Vorstellungen und das „Irdische“ siegte über das „Himmlische“. Und das mittelalterliche Theater selbst wurde in den tiefen Schichten der Volkskultur geboren.

Noch am Ende des frühen Mittelalters tauchten auf den Plätzen und Straßen der Städte und in den lärmenden Wirtshäusern wandernde Vergnügungen - Histrions - auf. In Frankreich wurden sie Jongleure genannt, in England - Minnesänger, in Russland - Possenreißer. Der geschickte Histrion war ein Ein-Mann-Theater. Er war Zauberer und Akrobat, Tänzer und Musiker, er konnte eine Nummer mit einem Affen oder einem Bären zeigen, eine Comic-Szene spielen, ein Rad laufen oder eine erstaunliche Geschichte erzählen. In diesen Geschichten und Aufführungen lebte ein fröhlicher Kirmesgeist, ein freier Witz.

Noch unverschämter war die Kunst des Vagabunden. Hier herrschten Parodie und Satire. Vaganten oder „wandernde Kleriker“ sind Seminaristen, die ihr Studium nicht abgeschlossen haben, und Priester, die niedergemäht wurden. Zu Motiven von Kirchenliedern sangen sie Lobpreisungen auf "Bacchus den Alltrinkenden", parodierten Gebete und Gottesdienste. Die Theaterleute und Vagabunden, von der Kirche verfolgt, schlossen sich zu Bruderschaften zusammen und zogen die unterschiedlichsten Menschen an sich. Das war zum Beispiel die "Bruderschaft der sorglosen Jungs" in Frankreich, angeführt vom Prinzen der Narren. Die „Jungs“ spielten lustige „dumme“ Aktionen (sotí), bei denen jeder und alles lächerlich gemacht wurde, und die Kirche erschien in der Gestalt von Mutter Dureha.

Die Kirche verfolgte Schaulustige und Landstreicher, aber sie war machtlos, die Liebe des Volkes für Theateraufführungen zu zerstören. Um den Gottesdienst, die Liturgie, effektiver zu gestalten, begannen die Geistlichen, selbst theatralische Formen zu verwenden. Es entsteht ein liturgisches Drama, das auf Szenen aus der Heiligen Schrift basiert. Es wurde im Tempel gespielt und später auf der Veranda oder dem Kirchhof. Im XIII-XIV Jahrhundert. ein neues Genre der mittelalterlichen Theateraufführung erscheint - Miracl ("Wunder"). Die Wunderhandlungen sind den Legenden über die Heiligen und die Jungfrau Maria entlehnt. Einer der bekanntesten ist "Wunder von Théophile" des französischen Dichters des 13. Jahrhunderts. Ryutbef.

Der Höhepunkt des mittelalterlichen Theaters ist ein Mysterium.

Dieses Genre blühte im 15. Jahrhundert auf. Fast die gesamte Bevölkerung der Stadt nahm an den Mysterien teil: einige als Schauspieler (bis zu 300 und mehr Personen), andere als Zuschauer. Die Aufführung wurde zeitgleich mit dem Jahrmarkt zu einem feierlichen Anlass und eröffnet mit einem bunten Umzug von Stadtbewohnern jeden Alters und jeder Klasse. Die Handlung wurde der Bibel und dem Evangelium entnommen. Die Aufführungen dauerten mehrere Tage von morgens bis abends. Pavillons wurden auf einer Holzplattform gebaut, von denen jeder seine eigenen Veranstaltungen hatte. An einem Ende des Podiums befand sich ein reich verziertes Paradies, auf der gegenüberliegenden Seite die Hölle mit offenem Drachenmaul, Folterinstrumenten und einem riesigen Kessel für Sünder. Die Dekoration in der Mitte war äußerst lakonisch: Die Inschrift über dem Tor "Nazareth" oder der vergoldete Thron reichte aus, um die Stadt oder den Palast zu markieren. Propheten, Bettler, Teufel, angeführt von Luzifer, erschienen auf der Bühne ... Im Prolog stellten sie die himmlischen Sphären dar, in denen Gott der Vater saß, umgeben von Engeln und allegorischen Figuren - Weisheit, Barmherzigkeit, Gerechtigkeit usw. Dann bewegte sich die Aktion zur Erde und weiter - zur Hölle, wo Satan sündige Seelen röstete. Die Gerechten gingen in Weiß aus, Sünder - in Schwarz, Teufel - in roten Strumpfhosen, bemalt mit schrecklichen "Gesichtern".

Die erbärmlichsten Momente in den Aufführungen waren mit der trauernden Gottesmutter und dem Leiden Jesu verbunden. Die Mysterien hatten auch ihre eigenen komischen Charaktere: Narren, Bettler, Teufel, vor denen sie Angst hatten, aber oft zum Narren gehalten wurden. Das Pathetische und das Komische existierten nebeneinander, ohne sich zu vermischen. Ereignisse entwickelten sich mit größter Aufmerksamkeit und Intervention höherer und niedrigerer Kräfte. Himmel, Erde und Hölle bildeten eine riesige Welt, und der Mensch in dieser Welt war sowohl ein Sandkorn als auch ein Zentrum – schließlich kämpften Kräfte, die viel mächtiger waren als er selbst, um seine Seele. Am beliebtesten waren die Mysterien von Arnul Greban sowie eines der seltenen Werke zu einem weltlichen Thema - "Das Geheimnis der Belagerung von Orleans", das die Ereignisse des Hundertjährigen Krieges (1337-1453) zwischen England und Frankreich und die Leistung der Jungfrau von Orleans - Jeanne d "Arc, die den Kampf des französischen Volkes gegen die englischen Invasoren anführte und dann vom französischen König verraten wurde, dem sie den Thron zurückgab. Als Open-Air-Aktion angesprochen für ein Massenpublikum stellte das Mysterium sowohl das Volkstum, die irdischen Prinzipien als auch das System der religiösen und kirchlichen Ideen dar. Dieser innere Widerspruch der Gattung führte zu ihrem Niedergang und diente später als Grund für ihr Verbot durch die Kirche.

Moral war ein weiteres beliebtes Genre. Sie haben sich gewissermaßen vom Mysterium abgezweigt und wurden zu eigenständigen Theaterstücken mit erbaulichem Charakter. Es wurden Gleichnisse über "die Klugen und die Unvernünftigen", über die "Gerechten und die Feiernden" gespielt, wobei der erste Vernunft und Glaube zu seinen Gefährten nimmt, der zweite - Ungehorsam und Zerstreuung. In diesen Gleichnissen werden Leiden und Sanftmut im Himmel belohnt und Hartherzigkeit und Geiz führen in die Hölle.

Wir haben Moral auf der Bühne gespielt. Es gab so etwas wie einen Balkon, auf dem sie lebendige Bilder der himmlischen Sphären präsentierten - der Engel und des Heeresgottes. Allegorische Figuren, in zwei Lager geteilt, erschienen von gegenüberliegenden Seiten und bildeten symmetrische Gruppen: Vera - mit einem Kreuz in den Händen, Hope - mit einem Anker, Avarice - mit einem Goldbeutel, Pleasure - mit einer Orange und Blarney hatte ein Fuchsschwanz, mit dem sie Dummheit streichelte.

Moralite ist ein Streit in Gesichtern, der auf der Bühne ausgetragen wird, ein Konflikt, der sich nicht in Taten, sondern in einem Streit zwischen Figuren ausdrückt. Manchmal tauchte in den Szenen, die von Sünden und Lastern sprachen, ein Element der Farce auf, soziale Satire, der Atem der Menge und der "freie Geist des Platzes" (A. Puschkin) drangen in sie ein.

Das Open-Air-Theater, ob Mysterium, Moral, Soti- oder Histrion-Aufführungen, spiegelte die Lebenslust eines mittelalterlichen Mannes, seine heitere Unverschämtheit und seine Wunderdurst - den Glauben an den Sieg des Guten und der Gerechtigkeit.

Und es ist kein Zufall, dass im XX Jahrhundert. Das Interesse am mittelalterlichen Theater wächst. Dramatiker und Regisseure werden angezogen von der Anziehungskraft auf die Massen, der klaren Unterscheidung zwischen Gut und Böse, die dem Volksbewusstsein innewohnt, der "universellen" Berichterstattung über die Ereignisse, der Tendenz zum Gleichnis, einer leuchtenden "Plakat"-Metapher. Die Poetik dieser Folkshow nutzt V.E. Meyerhold bei der Inszenierung des Stücks von V.V. Mayakovsky "Mystery-Buff". In Deutschland wird das Spielgleichnis von B. Brecht genehmigt. An der Wende der 60-70er Jahre, während der Studentenprotestbewegung, inszenierte L. Ronconi in Italien L. Ariostos Wütender Roland auf dem Platz, und in Frankreich inszenierte A. Mnushkin Aufführungen der Großen Französischen Revolution (1789, 1791"). Die alte Theatertradition nimmt sozusagen ein neues Leben an und verbindet sich mit der Suche der modernen Theaterarbeiter.

- Da in der Frühphase des Feudalismus die Nationen noch nicht endgültig gebildet waren, kann die damalige Theatergeschichte nicht in jedem Land gesondert betrachtet werden. Dies sollte unter Berücksichtigung der Konfrontation zwischen religiösem und weltlichem Leben geschehen. Ritualspiele, Theateraufführungen, die ersten Experimente des weltlichen Dramas und die Marktfarce gehören beispielsweise zu einer Reihe von Genres des mittelalterlichen Theaters, und liturgisches Drama, Wunder, Mysterium und Moral gehören zu einer anderen. Diese Genres überschneiden sich oft, aber es gibt immer einen Aufprall zweier ideologischer und stilistischer Hauptrichtungen im Theater. In ihnen spürt man den Kampf der mit dem Klerus vereinten Adelsideologie gegen die Bauernschaft, aus der dann die städtischen Bourgeois und die Plebejer hervorgingen.

Es gibt zwei Epochen in der Geschichte des mittelalterlichen Theaters: die frühe (vom 5. bis 11. Jahrhundert) und die reife (vom 12. bis Mitte des 16. Jahrhunderts). So sehr die Geistlichkeit auch versuchte, die Spuren des antiken Theaters zu zerstören, sie scheiterten. Das antike Theater überlebte und passte sich der neuen Lebensweise der Barbarenstämme an. Die Geburt eines mittelalterlichen Theaters muss in den ländlichen Ritualen verschiedener Völker, im Leben der Bauern gesucht werden. Obwohl viele Völker das Christentum angenommen haben, hat sich ihr Bewusstsein noch nicht vom Einfluss des Heidentums befreit.

All diese ländlichen Tänzer und Hexen von gestern hatten auch eine Arbeitsteilung. Viele von ihnen sind zu professionellen Unterhaltungskünstlern geworden, dh zu Histrions. In Frankreich wurden sie "Jongleure", in Deutschland - "Spielmans", in Polen - "Dandies", in Bulgarien - "Kukers", in Russland - "Buffoons" genannt.

- Liturgisches und halbliturgisches Drama

Das Kirchendrama wurde zu einer anderen Form der Theaterkunst des Mittelalters. Die Geistlichkeit bemühte sich, das Theater für ihre eigenen Propagandazwecke zu nutzen, deshalb kämpfte sie gegen das antike Theater, die ländlichen Feste mit Volksspielen und Theaterstücken.

In diesem Zusammenhang entstand im 9. Jahrhundert eine theatralische Messe und eine Methode zum persönlichen Lesen der Legende vom Begräbnis Jesu Christi und seiner Auferstehung. Aus solchen Lesungen wurde das liturgische Drama der Frühzeit geboren. Mit der Zeit wurde es komplexer, die Kostüme abwechslungsreicher, die Bewegungen und Gesten besser einstudiert. Liturgische Dramen wurden von den Priestern selbst aufgeführt, daher hatten die lateinische Sprache, die Melodien der Kirchenrezitationen noch wenig Einfluss auf die Gemeindemitglieder. Die Geistlichkeit beschloss, das liturgische Drama näher zu bringen und von der Messe zu trennen. Diese Innovation führte zu ganz unerwarteten Ergebnissen. Elemente, die die religiöse Ausrichtung des Genres veränderten, wurden in die liturgischen Weihnachts- und Osterdramen eingeführt.

Das Drama hat eine dynamische Entwicklung erlangt, stark vereinfacht und aktualisiert. Jesus sprach zum Beispiel manchmal im lokalen Dialekt, die Hirten sprachen auch in der Alltagssprache. Außerdem änderten sich die Kostüme der Hirten, es erschienen lange Bärte und breitkrempige Hüte. Neben der Rede und den Kostümen veränderte sich auch das Schauspieldesign, Gesten wurden selbstverständlich.

Die Regisseure liturgischer Dramen hatten bereits Bühnenerfahrung und begannen, den Gemeindemitgliedern die Himmelfahrt Christi und andere Wunder aus dem Evangelium zu zeigen. Indem sie das Drama zum Leben erweckten und inszenierte Effekte einsetzten, zogen die Kirchenmänner die Herde nicht an, sondern lenkten sie vom Gottesdienst in der Kirche ab. Die Weiterentwicklung dieses Genres drohte es zu zerstören. Dies war die andere Seite der Innovation.

Die Kirche wollte die Theateraufführungen nicht aufgeben, sondern versuchte, das Theater zu unterwerfen. In dieser Hinsicht wurden liturgische Dramen nicht in der Kirche, sondern auf der Veranda aufgeführt. So entstand in der Mitte des 12. Jahrhunderts halbliturgisches Drama ... Danach geriet das Kirchentheater trotz der Autorität des Klerus unter den Einfluss der Menge. Sie begann ihm ihren Geschmack zu diktieren und zwang ihn, nicht an den kirchlichen Feiertagen, sondern an den Jahrmärkten aufzutreten. Außerdem war das Kirchentheater gezwungen, auf eine für das Volk verständliche Sprache umzustellen.

Um das Theater weiterhin zu leiten, kümmerten sich die Priester um die Auswahl der Alltagsthemen für die Aufführungen. Daher waren die Themen für das halbliturgische Drama hauptsächlich biblische Episoden, die auf der Ebene des Alltags interpretiert wurden. Am beliebtesten beim Volk waren Teufelsszenen, die sogenannte Diablerie, die dem allgemeinen Inhalt der gesamten Aufführung widersprachen. In dem sehr berühmten Drama "The Action about Adam" zum Beispiel inszenierten die Teufel, nachdem sie Adam und Eva in der Hölle getroffen hatten, einen fröhlichen Tanz. Gleichzeitig hatten die Teufel einige psychologische Eigenschaften und der Teufel sah aus wie ein mittelalterlicher Freidenker.

Nach und nach wurden alle biblischen Legenden einer poetischen Verarbeitung unterzogen. Nach und nach wurden einige technische Neuerungen in die Aufführungen eingeführt, dh das Prinzip der gleichzeitigen Dekoration wurde umgesetzt. Dadurch wurden mehrere Szenen gleichzeitig gezeigt, zudem stieg die Zahl der Tricks. Trotz all dieser Neuerungen blieb das halbliturgische Drama jedoch eng mit der Kirche verbunden. Es wurde auf dem Kirchenportal inszeniert, die Mittel für die Produktion wurden von der Kirche bereitgestellt und das Repertoire bestand aus dem Klerus. Aber die Teilnehmer der Aufführung waren neben den Priestern auch weltliche Schauspieler. In dieser Form existierte das Kirchendrama schon lange.

Weltliches Drama

Die ersten Erwähnungen dieser Theatergattung beziehen sich auf den im französischen Arras geborenen Trouver oder Troubadour Adam de La Halle (1238-1287). Dieser Mann liebte Poesie, Musik und alles, was mit Theater zu tun hatte. Anschließend zog La Hal nach Paris und dann nach Italien an den Hof von Karl von Anjou. Dort wurde er sehr bekannt. Die Leute kannten ihn als Dramatiker, Musiker und Dichter.

1285 schrieb und inszenierte de la Halle in Italien ein Theaterstück mit dem Titel Das Spiel von Robin und Marion. In diesem Werk des französischen Dramatikers ist der Einfluss provenzalischer und italienischer Lyrik deutlich sichtbar. La Hal fügte diesem Stück auch ein Element der Gesellschaftskritik hinzu.

Im Werk des französischen Troubadours wurde der volkspoetische Anfang sehr organisch mit dem satirischen verbunden. Dies waren die Anfänge des zukünftigen Theaters der Renaissance. Und doch fand das Werk von Adam de La Alle keine Nachfolger. Die Fröhlichkeit, der Freigeist und der Volkswitz in seinen Stücken wurden durch kirchliche Strenge und die Prosa des Stadtlebens unterdrückt.

In Wirklichkeit wurde das Leben nur in Farcen gezeigt, wo alles in einem satirischen Licht dargestellt wurde. Die Charaktere der Farce waren Jahrmarktsschreier, Scharlatane, zynische Blindenführer usw. Fars erreichte im 15. Jahrhundert seinen Höhepunkt, während im 13. Jahrhundert jeder Komödienstrom durch das Wundertheater, das hauptsächlich religiöse Theaterstücke inszenierte, ausgelöscht wurde Fächer.

Wunder

Das Wort „Wunder“ bedeutet in der Übersetzung aus dem Lateinischen „Wunder“. Und tatsächlich enden alle Ereignisse, die in solchen Produktionen stattfinden, dank des Eingreifens höherer Mächte glücklich. Im Laufe der Zeit, obwohl in diesen Stücken ein religiöser Hintergrund bewahrt wurde, tauchten immer mehr Verschwörungen auf, die die Willkür der Feudalherren und die niederen Leidenschaften zeigten, die edle und mächtige Leute besaßen.

Geheimnis

Im XV-XVI Jahrhundert kam die Zeit der schnellen Entwicklung der Städte. Gesellschaftliche Widersprüche haben sich in der Gesellschaft verschärft. Die Städter haben sich der feudalen Abhängigkeit fast entledigt, sind aber noch nicht unter die Herrschaft einer absoluten Monarchie geraten. Diesmal war die Blütezeit des Mystery-Theaters. Das Mysterium wurde zu einem Spiegelbild des Wohlstands der mittelalterlichen Stadt, der Entwicklung ihrer Kultur. Dieses Genre entstand aus den alten mimischen Mysterien, dh Stadtumzügen zu Ehren religiöser Feiertage oder des feierlichen Einzugs von Königen. Aus solchen Feiertagen formte sich nach und nach ein Open-Air-Mysterium, das die Erfahrungen des mittelalterlichen Theaters sowohl in der literarischen als auch in der Regiearbeit zugrunde legte.

Die Aufführungen der Mysterien wurden nicht vom Klerus, sondern von den städtischen Zünften und Gemeinden durchgeführt. Die Autoren der Mysterien waren Dramatiker einer neuen Art: Wissenschaftler, Theologen, Ärzte, Rechtsanwälte usw. Das Mysterium wurde zu einer Amateurkunst unter freiem Himmel, obwohl die Aufführungen von der Bourgeoisie und dem Klerus geleitet wurden. Die Aufführungen wurden in der Regel von Hunderten von Menschen besucht. In dieser Hinsicht wurden volkstümliche (weltliche) Elemente in religiöse Fächer eingeführt. Das Mysterium existiert in Europa, insbesondere in Frankreich, seit fast 200 Jahren. Diese Tatsache veranschaulicht deutlich den Kampf zwischen religiösen und säkularen Prinzipien.

Das bekannteste Mysterium der Frühzeit ist das "Geheimnis des Alten Testaments", bestehend aus 50.000 Versen und 242 Zeichen. Es hatte 28 separate Episoden und die Hauptfiguren waren Gott, Engel, Luzifer, Adam und Eva.

Moral

Im 16. Jahrhundert entstand in Europa eine Reformationsbewegung oder Reformation. Es war von Natur aus antifeudal und bekräftigte das Prinzip der sogenannten persönlichen Kommunikation mit Gott, das heißt das Prinzip der persönlichen Tugend. Die Bürger machten die Moral zu einer Waffe sowohl gegen die Feudalherren als auch gegen das Volk. Der Wunsch des Bürgers, seiner Weltanschauung mehr Heiligkeit zu verleihen und gab den Anstoß zur Schaffung einer anderen Gattung des mittelalterlichen Theaters - Moral.

Es gibt keine kirchlichen Komplotte in Moralstücken, da die Moralisierung das einzige Ziel solcher Aufführungen ist. Die Hauptfiguren des Moraltheaters - allegorische Helden, die jeweils menschliche Laster und Tugenden, Naturgewalten und kirchliche Dogmen verkörpern. Charaktere haben keinen individuellen Charakter, in ihren Händen werden sogar reale Dinge zu Symbolen. Zum Beispiel ging Nadezhda mit einem Anker in den Händen auf die Bühne, Selbstliebe schaute ständig in den Spiegel usw. Konflikte zwischen den Helden entstanden aufgrund des Kampfes zwischen zwei Prinzipien: Gut und Böse, Geist und Körper. Die Auseinandersetzungen der Charaktere wurden in Form der Opposition zweier Figuren dargestellt, die gute und böse Prinzipien darstellten, die auf eine Person einwirken.

Der Grundgedanke der Moral war in der Regel: Vernünftige Menschen folgen dem Weg der Tugend, und die Unvernünftigen werden Opfer des Lasters.

1436 wurde die französische Moral "Umsichtig und unvernünftig" geschaffen. In dem Stück wurde gezeigt, dass der Kluge der Vernunft vertraut und der Unvernünftige dem Ungehorsam anhängt. Auf dem Weg zur ewigen Glückseligkeit traf der Kluge auf Almosen, Fasten, Gebet, Keuschheit, Mäßigung, Gehorsam, Fleiß und Geduld. Aber das Unvernünftige auf dem gleichen Weg wird von Armut, Verzweiflung, Diebstahl und Bad End begleitet. Allegorische Helden beenden ihr Leben auf ganz unterschiedliche Weise: einer im Himmel und der andere in der Hölle.

Die Schauspieler, die an dieser Performance teilnehmen, agieren als Rhetoriker, die ihre Haltung zu bestimmten Phänomenen erklären. Der Schauspielstil in der Moral war zurückhaltend. Dies erleichterte die Aufgabe für den Schauspieler erheblich, da eine Transformation in ein Bild nicht erforderlich war. Der Charakter war für den Zuschauer durch bestimmte Details des Theaterkostüms verständlich. Ein weiteres Merkmal der Moral war die poetische Rede, der viel Aufmerksamkeit geschenkt wurde.

Die in diesem Genre tätigen Dramatiker waren Frühhumanisten, einige Professoren mittelalterlicher Schulen.

Mit der Entwicklung der Gattung der Moral hat sie sich allmählich von der streng asketischen Moral befreit. Der Einfluss neuer sozialer Kräfte gab den Anstoß, realistische Szenen in der Moral zu zeigen. Die Widersprüche in diesem Genre deuteten darauf hin, dass die Theateraufführungen immer näher an das wirkliche Leben heranrückten. Einige Stücke enthielten sogar gesellschaftskritische Elemente.

1442 wurde das Theaterstück "Handel, Handwerk, Hirte" geschrieben.

Spiele, fernab von Politik, gegen Laster, richteten sich gegen die Moral der Enthaltsamkeit. Im Jahr 1507 wurde die Moral "Verdammung von Festen" geschaffen, in der die Charaktere-Damen Delikatesse, Völlerei, Outfits und Charaktere-Herren Pugh-für-Ihre-Gesundheit und Pugh-gegenseitig herausgebracht wurden. Am Ende des Spiels sterben diese Helden im Kampf gegen Apoplexie, Lähmung und andere Leiden.

Obwohl in diesem Stück menschliche Leidenschaften und Feste kritisch beleuchtet wurden, zerstörte ihre Darstellung in Form eines heiteren Maskenspektakels die Idee, alle Arten von Exzessen zu verurteilen. Moralite wurde zu einer frechen, malerischen Szene mit einer lebensbejahenden Haltung.

Die allegorische Gattung, der die Moral zuzuschreiben war, brachte strukturelle Klarheit in die mittelalterliche Dramatik, das Theater sollte hauptsächlich typische Bilder zeigen.

Farce

Von ihrer Gründung bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts war die Farce ein plebejischer Marktplatz. Und erst dann, nach einem langen, verborgenen Entwicklungsweg, entstand daraus ein eigenständiges Genre.

Der Name "Farce" kommt vom lateinischen Wort farsa, was "Füllung" bedeutet. Dieser Name entstand, weil bei der Vorführung der Mysterien Farcen in ihre Texte eingefügt wurden. Laut Theaterexperten liegen die Ursprünge der Farce viel weiter. Es entstand aus Theateraufführungen und Karnevalskarnevalsspielen. Die Histrions gaben ihm die Richtung des Themas und der Karneval - die Spielessenz und den Massencharakter. Im Mysterium wurde die Farce weiterentwickelt und stach als eigenständiges Genre heraus.

Von Anfang an sollte die Farce die Feudalherren, Bürger und den Adel im Allgemeinen kritisieren und lächerlich machen. Eine solche Gesellschaftskritik spielte eine wichtige Rolle bei der Geburt der Farce als Theatergenre. Ein besonderer Typus lässt sich durch skurrile Darstellungen unterscheiden, in denen Parodien auf die Kirche und ihre Dogmen geschaffen wurden.

Faschingsaufführungen und Volksspiele waren der Anstoß zur Entstehung der sogenannten verrückten Konzerne. Darunter befanden sich untergeordnete Justizbeamte, Gelehrte, Seminaristen usw. Im 15. Jahrhundert verbreiteten sich solche Gesellschaften in ganz Europa.

Die weltlichen und kirchlichen Behörden reagierten auf diese Angriffe mit der Verfolgung der Teilnehmer an den Farcen: Sie wurden aus den Städten vertrieben, inhaftiert usw. Neben Parodien wurden auch Farcen gespielt satirische Szenen-soti (sotie - "Dummheit"). In diesem Genre gab es keine Alltagsfiguren mehr, sondern Narren, Narren (zum Beispiel ein eitler Narrensoldat, ein Narrenbetrüger, ein Schreiber-Bestechungstäter). Die Erfahrung der Allegorien der Moral ist im Soti verkörpert. Das Soti-Genre erreichte an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert seine größte Blüte. All dies gab Franz I. einen Grund, die Aufführung von Farce und Soti zu verbieten.

Da die Aufführungen der Soti bedingter Maskerade-Natur waren, gab es in diesem Genre nicht diese Vollblut-Nationalität, Massencharakter, freidenkende und alltagsspezifische Charaktere. Daher im 16. Jahrhundert mehr effektive und alberne Farce wurde zum Mainstream-Genre. Sein Realismus manifestierte sich darin, dass in ihm menschliche Charaktere vorhanden waren, die jedoch etwas schematischer gegeben wurden.

Praktisch alle Farce-Plots basieren auf reinen Alltagsgeschichten, das heißt, die Farce mit all ihrem Inhalt und ihrer Kunst ist völlig real. Die Szenen machen sich über marodierende Soldaten, Ablassmönche, arrogante Adlige und habgierige Kaufleute lustig. Die scheinbar unkomplizierte Farce "On the Miller", die einen lächerlichen Inhalt hat, enthält tatsächlich ein böses Volksgrinsen. Das Stück erzählt von einem dummen Müller, der von einem jungen Müller und einem Priester zum Narren gehalten wird. In der Farce werden die Charakterzüge präzise festgehalten und dem Publikum ein satirisches, lebensechtes Material gezeigt.

Doch die Autoren der Farce machen sich nicht nur über Priester, Adlige und Beamte lustig. Auch die Bauern stehen nicht daneben. Der wahre Held der Farce ist der abtrünnige Städter, der mit Geschick, Witz und Einfallsreichtum Richter, Kaufleute und allerlei Dummköpfe besiegt. Über einen solchen Helden wurden Mitte des 15. Jahrhunderts mehrere Farzen geschrieben. (über Rechtsanwalt Patlen) .

Die Stücke erzählen von allerlei Abenteuern des Helden und zeigen eine ganze Reihe sehr bunter Charaktere: einen pedantischen Richter, einen dummen Kaufmann, einen eigennützigen Mönch, einen knauserigen Kürschner, einen dummen Hirten, der sich tatsächlich umdreht Patlen selbst. Farcen über Patlen erzählen farbenprächtig vom Leben und Brauchtum einer mittelalterlichen Stadt. Sie erreichen zeitweise den höchsten Komikgrad der damaligen Zeit.

Der Charakter dieser Farce-Reihe (sowie Dutzende anderer in verschiedenen Farcen) war ein echter Held, und alle seine Possen sollten die Sympathie des Publikums hervorrufen. Immerhin brachten seine Trickser die Mächtigen dieser Welt in eine dumme Position und zeigten den Vorteil des Verstandes, der Energie und der Geschicklichkeit des einfachen Volkes. Aber die direkte Aufgabe des Farce-Theaters war immer noch nicht dies, sondern die Verleugnung des satirischen Hintergrundes vieler Aspekte der feudalen Gesellschaft. Die positive Seite der Farce wurde primitiv entwickelt und verkam zur Behauptung eines engen, spießbürgerlichen Ideals.

Dies zeigt die Unreife des von der bürgerlichen Ideologie beeinflussten Volkes. Dennoch galt die Farce als Volkstheater, fortschrittlich und demokratisch. Das Hauptprinzip des Schauspiels für Farcer (Farce-Schauspieler) war der Charakter, der manchmal auf eine parodistische Karikatur reduziert wurde, und die Dynamik, die die Fröhlichkeit der Darsteller selbst ausdrückte.

Die Farcen wurden von Amateurvereinen inszeniert. Die bekanntesten Comicvereinigungen in Frankreich waren der Gerichtsvollzieherkreis „Bazosh“ und der Verein „Carefree Guys“, der im späten 15. und frühen 16. Jahrhundert seine höchste Blütezeit erlebte. Diese Gesellschaften versorgten die Theater mit semiprofessionellen Schauspielern. Zu unserem großen Bedauern können wir keinen einzigen Namen nennen, da sie in historischen Dokumenten nicht überliefert sind. Ein einziger Name ist bekannt - der erste und berühmteste Schauspieler des mittelalterlichen Theaters, der Franzose Jean de l'Espina, genannt Pontale. Diesen Spitznamen erhielt er vom Namen der Pariser Brücke, an der er seine Bühne einrichtete. Später trat Pontale der Carefree Boys Corporation bei und wurde der Hauptorganisator sowie der beste Darsteller von Farce und Moral.

Sehr beliebt waren die satirischen Gedichte von Pontale, in denen der Hass auf Adelige und Priester deutlich zu erkennen war.

So viele Leute wussten um das komische Talent von Pontale und sein Ruhm war so groß, dass der berühmte F. Rabelais, der Autor von "Gargantua und Pantagruel", ihn für den größten Meister des Lachens hielt. Der persönliche Erfolg dieses Schauspielers deutete darauf hin, dass eine neue berufliche Periode in der Entwicklung des Theaters bevorstand.

Die monarchische Obrigkeit war zunehmend unzufrieden mit dem städtischen Freidenkertum. In dieser Hinsicht war das Schicksal der schwulen Comic-Amateurfirmen am bedauerlichsten. Ende des 16. - Anfang des 17. Jahrhunderts hörten die größten Farcer-Korporationen auf zu existieren.

Die Farce, obwohl sie immer verfolgt wurde, hatte großen Einfluss auf die weitere Entwicklung des Theaters in Westeuropa. In Italien zum Beispiel hat sich die Commedia dell'arte aus einer Farce entwickelt; in Spanien - das Werk des "Vaters des spanischen Theaters" Lope de Rueda; in England schrieb John Gaywood seine Werke als Farce; in Deutschland - Hans Sachs; in Frankreich nährten Farce-Traditionen die Kreativität des Comedy-Genies Moliere. So wurde die Farce zum Bindeglied zwischen dem alten und dem neuen Theater.

Mittelalterliche Farce

Anders als die Mysterien und die Moral, die durch die Bemühungen einzelner geschaffen wurden, entstand die Farce ganz spontan, wie von selbst, nur kraft der natürlichen Anziehungskraft des Volksgeschmacks, das Leben darzustellen.

Das Wort "Farce" selbst bedeutet ein verzerrtes lateinisches Wort "farta" (Füllung), das in der vulgären Sprache in Farsa umgewandelt wird. Die Farce erhielt ihren Namen, weil sie wie Hackfleisch in den ungesäuerten Teig von Mystery-Aufführungen aufgenommen wurde.

Aber es wäre falsch zu glauben, dass die Farce aus dem Mysterium stammt. Die Ursprünge der Farce reichen bis in die weiter zurückliegenden Epochen des mittelalterlichen Theaters zurück – in die Aufführungen von Histrions und in den Faschingsspielen. In den Mysterien jedoch bekommen diese realistischen Tendenzen nur einen festeren und bestimmten Charakter.

Schichten von urkomischen theatralischen Geschichten wurden oft zusammen erzählt, und so entstanden aus eigenem Antrieb kleine dramatische Szenen. Die Geschichte "Über einen Hund, der weint" ist in englischer und französischer Fassung bekannt.

In die Geschichten der Histrions fielen verschiedenste Fakten aus dem Stadtleben, Klatsch und Anekdoten, die leicht zum Handlungskern komischer Szenen wurden.

Somit lässt sich feststellen, dass die Quelle der Farce, die ihr thematisches Material und ihr strukturelles Prinzip allgemein definierte, die dialogisierten theatralischen Erzählungen waren. Eine weitere Quelle der Farce, die seinen effektvollen, spielerischen Charakter und bundesweit bestimmt hat, sind Stadtkarnevalsspiele.

Ländliche Zeremonien in den XIV-XV Jahrhunderten begannen sich stark in den Städten auszubreiten. Stadtbewohner erinnern sich noch an ihre ländliche Vergangenheit und unterhalten sich gerne mit den gleichen Spielen wie ihre bäuerlichen Vorfahren. Karnevalsumzüge finden normalerweise während der Fastnachtswoche statt. Die wichtigsten Fastnachtsfeierlichkeiten waren die Schlachtszenen zwischen Fastnacht und Fastenzeit. Ein Gemälde des flämischen Künstlers Bruegel ist erhalten geblieben, das einen der Momente dieser Schlacht darstellt. in zwei Parteien geteilt.

Besonders lebhaft waren die Maslenitsa-Spiele in Nürnberg. Der Hauptepisode der Schlacht wurde eine ganze Reihe sehr unterschiedlicher Szenen hinzugefügt. Es gab Hochzeitsspiele aus dem Landleben, satirisch dargestellte Fälle des Stadtlebens und antiklerikale Stücke. All diese verschiedenen Szenen wurden "fastnachtspiel" genannt, was wörtlich bedeutet - Faschingsspiel. Manchmal erreichte das Fastnacht-Spiel beachtliche Ausmaße mit einer großen Anzahl von Charakteren und vielen verschiedenen Episoden (zB "Das Spiel um Neitgart", das 2.100 Verse enthält). In seiner Weiterentwicklung wird das Fastnachtspiel von einem Karnevalsspiel zu einer bestimmten literarischen Gattung, deren Schöpfer die deutschen Handwerker Rosenplut, Voltz und insbesondere Hans Sachs, der Kopf der Nürnberger Meistersinger, sind.

Aber die Maskeradenaufführungen bereiteten in sich nicht nur die Saat einer neuen dramatischen Gattung vor, sie ließen auch das für die Spektakel des frühen Mittelalters so charakteristische Prinzip des parodischen Komödienspiels entstehen.

Es wurden spezielle "dumme Korporationen" organisiert, die durch ihre innere Struktur exakt die kirchliche Hierarchie kopierten. An der Spitze der Korporation stand der Papst oder die Narrenmutter, die von den "Dummköpfen" gewählt wurde, die ihre eigenen Bischöfe, Schatzmeister und Zeremonienmeister hatten. Bei den Treffen der "Narren" wurden Predigten gelesen, die sogenannten Predigten Joyeux, in denen die traditionelle Form der Liturgie mit humorvollen und obszönen Reimen gefüllt war. Die älteste Narrengesellschaft wurde 1381 in Kleve gegründet und hieß "Narrenorden". Im 15. Jahrhundert verbreiteten sich Clownsgesellschaften in ganz Europa. Die Losung der dummen Konzerne war der lateinische Aphorismus "Sultorum numerus est infinitus" ("die Zahl der Narren ist unendlich")

Die dummen Witze hatten ihre eigene Tiefe: Jeder ist dumm - Höflinge, Priester, Liebende und Dichter. Die ganze Welt wird von Narren regiert, also lohnt es sich, der Gesellschaft der Narren beizutreten und Dummheit zu preisen

Narrenorganisationen spielten neben Parodieszenen alltägliche Episoden aus, aus denen eine neue Komödie entstand Genre - Soti - und Farce... Sotie (sotie - Dummheit) waren die Lieblingsszenen verrückter Konzerne. Soti zeichnete sich dadurch aus, dass in ihnen meist "Narren" handelten. Das Soti-Genre zeichnet sich durch eine ausgeprägte politische Tendenz aus. In einigen Fällen waren Sotis ein Instrument in den Händen der Regierung, in anderen ein Mittel zur harschen Kritik an der Gesellschaftsordnung. unter Franz I. verschwinden die Sotis bereits, die Farce wird zur ungeteilt dominierenden Gattung.

Mittelalterliche Farzen sind meist namenlos, ihre Autoren sind unbekannt, da Farcen oft kollektiv komponiert wurden und das Ergebnis der Kreativität nicht einer Person, sondern einer ganzen Vereinigung von Komikern waren.

Im Mysterium gereift, erlangte die Farce im 15. Jahrhundert ihre Selbständigkeit und wurde im nächsten Jahrhundert zur dominierenden Gattung, die den Tendenzen des Volkstheaters, das moderne Leben realistisch darzustellen, eine klare literarische Form gab. Das neue Genre enthält alle Hauptmerkmale volkstümlicher Ideen - Massencharakter, alltägliche Konkretheit, satirische Freidenkkunst, Effizienz und Possenreißer.

Das literarische Hauptmerkmal der Farce ist die Unmittelbarkeit bei der Darstellung der Realität. Alltägliche Ereignisse werden direkt auf die Bühne übertragen und werden zum Thema der Farce, und die Kollisionen der Farce laufen fast immer auf eine geschichtengetriebene Anekdote hinaus. Die Unmittelbarkeit der Reflexion des Lebens wird nicht zur passiven Beschreibung des Alltags, denn die Seele der Farce war Spott, eine aktive satirische Haltung gegenüber der Welt. Damit war das Prinzip der Possenreißerübertreibung geboren, das sich sowohl auf die Dramatik der Farce als auch auf ihre Bühneninterpretation auswirkte.

Farce wurde für Aufführungen geschaffen und war im Wesentlichen eine literarische Fixierung des Bühnenstücks. Trotz ihrer äußerlichen Nachlässigkeit war die Farce eine sehr scharfe ideologische Waffe in den Händen des handwerklichen Kleinbürgertums. Diese militante Farce war in politischen Szenen am ausgeprägtesten. In der Farce "Neues Volk" wurden die Stadtsoldaten "ein Haufen Schurken, Faultiere und Diebe" genannt, in der Farce "Drei Ritter und Philipp" trat ein feiger, prahlerischer Krieger auf. Als er Gegner um sich herum sah, rief er abwechselnd: „Es lebe Frankreich! Es lebe England! Es lebe Burgund!" Und völlig ratlos rief er: "Es lebe der Stärkste von euch!"

Dennoch war es riskant, die feudalen Autoritäten lächerlich zu machen. Viel lustiger und sicherer war es, die verhasste Geistlichkeit, die zur Zeit der Reformation ihre frühere politische Kraft und Autorität verloren hatte, satirisch darzustellen. Im Englischen, Französischen, Italienischen und Deutschen werden Farcen, Ablassverkäufer, Mönche, die heilige Reliquien wie ein Fragment der Himmelsmauer oder einen Nagel am Kreuz Jesu anbieten, ständig verspottet.

In der Farce „Wie die Frauen ihre Männer übergießen wollten“ baten zwei junge Frauen, die mit ihren alten Männern unzufrieden waren, den Gießer, die Jungen aus ihnen auszugießen. Der Gießer hat ihren Wunsch erfüllt, jetzt haben die Frauen junge Ehemänner, aber was ist mit der einstigen Ruhe passiert - die tapferen Jungs tun nichts anderes, als alles aus dem Haus zu schleppen, zu trinken und ihre Frauen zu verprügeln.

Das bedeutendste Werk des Possentheaters ist der berühmte Rechtsanwalt Patlen, der Mitte des 15. Jahrhunderts im Kreis der Blazos-Beamten entstand. Diese kleine Komödie zeigt anschaulich das Leben und die Bräuche einer mittelalterlichen Stadt. Es gibt einen bankrotten Anwalt, der in Betrug verwickelt ist, einen rustikalen, aber bösen Kaufmann, einen pedantischen, widerlichen Richter und einen abtrünnigen Hirten. Typische Züge sind in jedem Bild der Farce deutlich zu spüren und gleichzeitig hat jede Figur ihren eigenen, hell individualisierten Charakter.

Aber die demokratische Masse der Großstädter befand sich selbst noch in der Sphäre spießbürgerlicher Lebensvorstellungen und nahm die Farce daher ganz bedingungslos wahr. Farce Darbietungen waren ein beliebter Anblick. Der Kontakt zwischen den Schauspielern und dem Publikum war perfekt. Es gab Zeiten, in denen die Aktion inmitten der Basarmenge begann.

Der Text der Farce wurde aufgenommen, aber die Schauspieler, die oft die Autoren dieser Farce waren, erlaubten sich frei in Wort und Tat zu improvisieren. Daher wurde die gleiche Farce in vielen Versionen angetroffen. Verschiedene Volksdialekte drangen spontan in Farzen ein, besonders oft wurde in Frankreich und Italien eine Sprachmischung beobachtet. In vielen Possen wiederholten sich die gleichen Typen: der bäuerliche Gatte, die zänkische Frau, der arrogante Soldat, der listige Diener, der üppige Mönch, der dumme Bauer. Entsprechend dieser Rollen, muss man meinen, wurden Schauspielrollen geschaffen. Die Hauptdarsteller der Farcen waren die oben genannten Vereine. Aber das Schicksal dieser fröhlichen Gewerkschaften wurde von Jahr zu Jahr bedauerlicher. Der in vielen europäischen Ländern stattfindende Prozess der monarchischen Zentralisierung führte, wie bereits erwähnt, zur Verfolgung jeglicher Form des freien Denkens. Ende des 16. und Anfang des 17. Jahrhunderts wurden lustige komische Vereinigungen in ganz Europa verboten und hörten auf zu existieren. Aber im Sterben hinterließen die Schöpfer des Farce-Theaters einen Kader professioneller Schauspieler. Zusammen mit dem Mittelalter verließen Laienaufführungen lange Zeit das Theater.

In der Entwicklung des westeuropäischen mittelalterlichen Theaters, das sich über zehn Jahrhunderte erstreckt, gibt es zwei Perioden: das frühe (V-XI Jahrhundert) und das reife (XII-XIV Jahrhundert). In dieser kulturgeschichtlichen Zeit wurden alle bisherigen Eroberungen des Theaters zunichte gemacht. Säkulare Theater hörten auf zu existieren. Das Theater galt als Ketzerei und wurde von den Kirchenvätern verfolgt. Die Kultur des Mittelalters wurde unter neuen Bedingungen geformt, daher musste das Theater, wie auch andere Kunstgattungen, von vorne beginnen.

Das mittelalterliche Theater wurde in rituellen Spielen geboren. Trotz der Annahme des Christentums war der heidnische Glaube noch lebendig. Themen und Handlungen unterschieden sich radikal von den alten. Häufiger wurden Jahreszeitenwechsel, Naturphänomene, Ernte usw. dargestellt. Auch das Publikum konnte an der Aufführung teilnehmen, all diese Aktion endete mit einem grandiosen Umzug. Später wurden die Grundstücke religiösen Feiertagen und Helden gewidmet. Die Wiederbelebung des Theaterlebens begann im 10. Jahrhundert, als sich eine ritterliche Kultur entwickelte, die neue literarische und dramatische Gattungen bildete.

Straßen und Plätze waren Schauplätze für Aufführungen. In der Regel fielen die Aufführungen auf Feiertage oder Feiern zusammen, aus denen die rituelle Bedeutung allmählich verschwand. Aber die Hauptsache ist, dass sie einen neuen Maßstab erhielten: Manchmal dauerten diese hellen, lustigen und unterhaltsamen Aufführungen mehrere Tage, Dutzende und manchmal nahmen Hunderte von Bürgern daran teil. Sehr oft wurden auf Jahrmärkten Brillen abgehalten.

Mit der Entwicklung des Handels, der Subsistenzwirtschaft und des Feudalismus verstärkt sich der Wunsch nach einem neuen Leben - Bauern ziehen in die Städte, verschiedene Handwerke werden entwickelt, eine Vielzahl von Nomaden taucht auf, die ihren Lebensunterhalt mit Spiel und Unterhaltung der Städter bestreiten. Schrittweise histrions - wandernde "Volks"-Künstler: Akrobaten, Jongleure, Trainer, Rezitatoren und Geschichtenerzähler, Musiker und Sänger - werden nach Typen unterschieden. Histrions wurden wegen der satirischen Ausrichtung ihrer Aufführungen verfolgt, aber sie sammelten ein großes Gepäck an schauspielerischen Fähigkeiten, daher wird das Auftreten von Farce-Schauspielern, Dramen und weltlichen Dramen mit Histrions in Verbindung gebracht.

Das Theater war lange Zeit verboten. Trotzdem wurden Improvisationsszenen inszeniert, traditionelle Elemente ritueller Aufführungen bewahrt. Das Schicksal der Schauspieler im Mittelalter war schwierig: Sie wurden verfolgt, verflucht und durften nach dem Tod nicht beigesetzt werden.

Religiöse Feiertage wurden von primitiven Dramatisierungen mit Dialogen begleitet. Das Kirchendrama wurde im frühen Mittelalter zu einer der Theaterformen. Zuweisen liturgisch und halbliturgisches Drama. Die ersten liturgischen Dramen bestanden aus der Inszenierung einzelner Episoden des Evangeliums. Kostüme, Texte, Bewegungen wurden komplexer und verbessert. Die Aufführungen fanden unter den Gewölben des Tempels statt, aber im Laufe der Zeit verließ das halbliturgische Drama den Tempel und zog auf die Veranda, sodass die Anzahl der Szenen zunahm. Die Laien waren an der Organisation und Teilnahme an der Aktion beteiligt - ihnen wurde die Rolle von Teufeln oder Alltagsfiguren zugewiesen.

Die Popularität halbliturgischer Dramen wuchs schnell. Manchmal konnte die Veranda nicht mehr alle aufnehmen. So entstand eine neue Form - Geheimnis, die in allen europäischen Ländern entwickelt wurde. Hunderte von Menschen nahmen an den Mysterien teil, alle Aufführungen fanden in lateinischer Sprache statt, die mit umgangssprachlicher Sprache vermischt wurde. Die Autoren der Mysterien waren Theologen, Juristen, Ärzte. Später werden die Mysterien von den Gemeinden organisiert, d.h. sie wurden weltlicher. Dies erklärt die Tatsache, dass die Handlung der Mysterien nicht mehr auf religiöse Themen beschränkt war, die Folklore begann, eine spürbare Rolle zu spielen, die Mysterien wurden mit Elementen der Volkslachkultur angereichert.

Vor dem Aufkommen der Mysterien war das Drama in drei Zyklen unterteilt: Altes Testament (biblische Legenden), Neues Testament (Erzählen von der Geburt und Auferstehung Christi), apostolisch (Leben der Heiligen). Mystery hat das Themenspektrum der Werke erheblich erweitert. Die Aufführungen wurden auf unterschiedliche Weise organisiert. Manchmal passierte alles auf einem fahrenden Karren, irgendwo waren es stationäre Plätze auf Plätzen und Straßen der Stadt.

Eine andere Form des mittelalterlichen Spektakels war Wunder (aus dem Lateinischen - "Wunder"). Die religiösen Ansichten der Gesellschaft wurden in einer neuen Form verkörpert. Die Hauptidee all dieser Theateraufführungen bestand darin, Konflikte durch das Eingreifen übernatürlicher Kräfte auf wundersame Weise zu lösen. Später begann die ursprüngliche Bedeutung zu verschwimmen: Immer häufiger spiegeln sich Probleme sozialer Natur und Kritik an religiösem Wissen in Wundern wider. Die Handlungen basierten auf alltäglichen Beispielen aus dem wirklichen Leben, aber es gab immer die Anwesenheit von "dunklen Mächten" - jenseitige Kontakte mit dem Teufel, Engeln, dem Teufel, in die Hölle zu kommen. Mirakli wurden auf der Vorhalle der Kathedrale aufgeführt. Die Manifestation von Wundern wurde von besonderen Menschen mit Hilfe von Technologie organisiert. Das bekannteste ist das Wunder des Theophilus. Der Autor Rütbef bediente sich einer mittelalterlichen Sage.

Das Recht auf Leben im XIII Jahrhundert. erhielt auch weltliches Drama. Troubadour Adam de la Halle gilt als erster mittelalterlicher Dramatiker, doch die ersten Ansätze des Renaissance-Theaters tauchen bereits in seinen Werken auf.

Es entstanden die ersten weltlichen Zirkel, bei deren Zusammenkünften weltliche Theaterstücke geschrieben wurden, von denen jedoch nur wenige geschrieben wurden und sich aufgrund der in der Gesellschaft verwurzelten religiösen Weltanschauung nicht durchsetzten.

Eine andere Form der Theaterentwicklung im Mittelalter war Moral, der Titel der Regie spiegelt das Wesen der Stücke wider, in denen die Moral zur Hauptantriebskraft und Waffe des Kampfes gegen die Feudalherren wurde. Moralite versuchte, sich von religiösen Themen zu befreien, der Allegorismus wurde zum wichtigsten charakteristischen Element: Laster wurden in den Charakteren personifiziert (und verurteilt). Alle Konflikte zwischen den Figuren des Stücks entstanden auf der Grundlage des Kampfes zwischen zwei Prinzipien: Gut und Böse, Geist und Materie. Dies führte dazu, dass die Helden frei von individuellen Charakteren waren, aber die Moral als Genre große Popularität erlangte. Die Autoren der Moral waren Vertreter der Wissenschaft, die den Sinn der Moral in der Annäherung an das wirkliche Leben sahen, das Thema Religion wurde so gut wie nie erwähnt, aber das Thema wurde um eine politische Ausrichtung bereichert. Regelmäßig fanden Wettbewerbe oder Olympiaden unter den Autoren der Moral statt.

Schließlich war eine der beliebtesten Sehenswürdigkeiten Farce (von lat. farsa - Füllung), die laut den Forschern aus französischen Spielen stammt (jeux), bereits im XII Jahrhundert bekannt., wurde schließlich im XV Jahrhundert gebildet. in Italien und verbreitete sich in ganz Europa. Die Farce nahm die Elemente früherer Spektakel auf, unterschied sich aber durch ihren Inhalt von ihnen - meist waren es alltägliche Szenen mit Streitereien und Kämpfen, die den Familienverrat, Betrüger von Dienstboten und Kaufleuten, ungerechten Richtern usw. lächerlich machten. Eine besondere Art der Aufführung zielte auf eine Parodie auf kirchliche Stiftungen und Gottesdienste. Comicszenen waren für den Ruf der Kirche unsicher, daher wurden sowohl Schauspieler als auch Organisatoren von ihren Geistlichen verfolgt. Es stellte sich jedoch als schwierig heraus, die Farce auszurotten - sie wurde vom Publikum so gefordert, dass sogar regelmäßig Paraden mit Farce-Aufführungen abgehalten wurden.

Im Mittelalter existierte das Theater also in verschiedenen Formen. In der Anfangsphase wurde er zu einer Art "Bibel für Analphabeten", die biblische Geschichten nacherzählte. Theateraufführungen des Mittelalters wurden zu den Vorläufern der Entwicklung des Theaters der Renaissance.

THEATER DES MITTELALTERS

Der Feudalismus Westeuropas ersetzte die Sklaverei des Römischen Reiches. Neue Klassen entstanden, und die Leibeigenschaft nahm allmählich Gestalt an. Jetzt war der Kampf zwischen Leibeigenen und Feudalherren. Daher spiegelt das Theater des Mittelalters mit seiner gesamten Geschichte den Zusammenprall zwischen Volk und Geistlichen wider. Die Kirche war praktisch das wirksamste Werkzeug der Feudalherren und unterdrückte alles Irdische, Lebensbejahende und predigte Askese und Verzicht auf weltliche Genüsse, auf ein aktives, vollwertiges Leben. Die Kirche bekämpfte das Theater, weil sie kein menschliches Streben nach fleischlichem, freudvollem Leben akzeptierte. In dieser Hinsicht zeigt die Theatergeschichte dieser Zeit einen intensiven Kampf zwischen diesen beiden Prinzipien. Das Ergebnis der Stärkung der antifeudalen Opposition war der allmähliche Übergang des Theaters von einem religiösen zu einem säkularen Inhalt.

Da in der Frühphase des Feudalismus die Nationen noch nicht endgültig gebildet waren, kann die damalige Theatergeschichte nicht in jedem Land gesondert betrachtet werden. Dies sollte unter Berücksichtigung der Konfrontation zwischen religiösem und weltlichem Leben geschehen. Ritualspiele, Theateraufführungen, die ersten Experimente des weltlichen Dramas und die Marktfarce gehören beispielsweise zu einer Reihe von Genres des mittelalterlichen Theaters, und liturgisches Drama, Wunder, Mysterium und Moral gehören zu einer anderen. Diese Genres überschneiden sich oft, aber es gibt immer einen Aufprall zweier ideologischer und stilistischer Hauptrichtungen im Theater. In ihnen spürt man den Kampf der mit dem Klerus vereinten Adelsideologie gegen die Bauernschaft, aus der dann die städtischen Bourgeois und die Plebejer hervorgingen.

Es gibt zwei Epochen in der Geschichte des mittelalterlichen Theaters: die frühe (vom 5. bis 11. Jahrhundert) und die reife (vom 12. bis Mitte des 16. Jahrhunderts). So sehr die Geistlichkeit auch versuchte, die Spuren des antiken Theaters zu zerstören, sie scheiterten. Das antike Theater überlebte und passte sich der neuen Lebensweise der Barbarenstämme an. Die Geburt eines mittelalterlichen Theaters muss in den ländlichen Ritualen verschiedener Völker, im Leben der Bauern gesucht werden. Obwohl viele Völker das Christentum angenommen haben, hat sich ihr Bewusstsein noch nicht vom Einfluss des Heidentums befreit.

Die Kirche verfolgte die Menschen, weil sie das Ende des Winters, die Ankunft des Frühlings und die Ernte feierten. Die Fröhlichkeit, Lieder und Tänze spiegelten den Glauben der Menschen an die Götter wider, die für sie die Naturgewalten verkörperten. Diese Feierlichkeiten legten den Grundstein für Theateraufführungen. In der Schweiz zum Beispiel porträtierten Männer Winter und Sommer, einer trug ein Hemd und der andere einen Pelzmantel. In Deutschland wurde die Ankunft des Frühlings mit einem Karnevalsumzug gefeiert. In England bestand das Frühlingsfest aus überfüllten Spielen, Liedern, Tänzen, Sportveranstaltungen zu Ehren des Mais sowie zu Ehren des Nationalhelden Robin Hood. Die Frühlingsfeierlichkeiten in Italien und Bulgarien waren sehr spektakulär.

Dennoch konnten diese Spiele, die einen primitiven Inhalt und eine primitive Form hatten, kein Theater hervorbringen. Sie enthielten nicht die bürgerlichen Ideen und poetischen Formen, die in den antiken griechischen Festen waren. Diese Spiele enthielten unter anderem Elemente eines heidnischen Kultes, für den sie ständig von der Kirche verfolgt wurden. Aber wenn es den Priestern gelang, die freie Entfaltung des Volkstheaters, das mit Folklore verbunden war, zu verhindern, wurden einige ländliche Feste zur Quelle neuer spektakulärer Aufführungen. Dies waren die Handlungen von Histrions.

Das russische Volkstheater entstand in der Antike, als es noch keine Schriftsprache gab. Die Aufklärung gegenüber der christlichen Religion verdrängte die heidnischen Götter und alles, was mit ihnen zusammenhing, nach und nach aus dem Bereich der geistigen Kultur des russischen Volkes. Zahlreiche Zeremonien, Volksfeste und heidnische Rituale bildeten die Grundlage der dramatischen Kunst in Russland.

Aus der primitiven Vergangenheit kamen rituelle Tänze, in denen eine Person Tiere darstellte, sowie Szenen einer Person, die wilde Tiere jagte, während sie ihre Gewohnheiten nachahmte und auswendig gelernte Texte wiederholte. In der Ära der entwickelten Landwirtschaft wurden nach der Ernte Volksfeste und Feste abgehalten, bei denen speziell gekleidete Menschen alle Aktionen rund um das Pflanzen und den Anbau von Brot oder Flachs darstellten. Feiertage und Rituale, die mit dem Sieg über den Feind, der Wahl von Führern, der Beerdigung der Toten und Hochzeitszeremonien verbunden sind, nahmen einen besonderen Platz im Leben der Menschen ein.

Eine Hochzeitszeremonie kann bereits in ihrer Farbe und Sättigung mit dramatischen Szenen mit einer Aufführung verglichen werden. Das jährliche Volksfest der Frühlingserneuerung, bei dem die Gottheit der Pflanzenwelt zuerst stirbt und dann auf wundersame Weise wieder aufersteht, ist in der russischen Folklore wie bei vielen anderen europäischen Völkern notwendig. Das Erwachen der Natur aus dem Winterschlaf wurde in den Köpfen der alten Menschen mit der Auferstehung eines Menschen von den Toten identifiziert, der eine Gottheit und seinen gewaltsamen Tod darstellte und nach bestimmten rituellen Handlungen auferstand und seine Rückkehr ins Leben feierte. Die Person, die diese Rolle spielte, trug spezielle Kleidung und das Gesicht wurde mit mehrfarbigen Farben bemalt. Alle rituellen Handlungen wurden von lauten Gesängen, Tänzen, Gelächter und allgemeinem Jubel begleitet, denn man glaubte, dass Freude jene magische Kraft ist, die wieder zum Leben erweckt und die Fruchtbarkeit fördert.

Die ersten Wanderschauspieler in Russland waren Possenreißer. Es gab jedoch auch sesshafte Possenreißer, die sich jedoch kaum von den gewöhnlichen Menschen unterschieden und nur an Feiertagen und Feiertagen verkleidet waren. Im Alltag waren dies gewöhnliche Bauern, Handwerker und kleine Händler. Umherziehende Schauspieler-Buffons waren beim Volk sehr beliebt und hatten ihr eigenes spezielles Repertoire, das Volksmärchen, Epen, Lieder und verschiedene Spiele umfasste. Die Kunst der Possenreißer, die sich in den Tagen der Volksunruhen und der Verschärfung des nationalen Befreiungskampfes intensivierte, drückte das Leid und die Hoffnungen der Menschen auf eine bessere Zukunft aus, eine Schilderung der Siege und des Todes von Nationalhelden.

Histrions

Im 11. Jahrhundert wurde in Europa die Naturwirtschaft durch Warengeld ersetzt, das Handwerk wurde von der Landwirtschaft getrennt. Städte wuchsen und entwickelten sich schnell. So vollzog sich allmählich der Übergang vom frühen Mittelalter zum entwickelten Feudalismus.

Immer mehr Bauern zogen in die Städte, in die sie vor der Unterdrückung der Feudalherren flohen. Gemeinsam mit ihnen zogen Dorfunterhalter in die Städte. All diese ländlichen Tänzer und Hexen von gestern hatten auch eine Arbeitsteilung. Viele von ihnen sind zu professionellen Unterhaltungskünstlern geworden, dh zu Histrions. In Frankreich wurden sie "Jongleure", in Deutschland - "Spielmans", in Polen - "Dandies", in Bulgarien - "Kukers", in Russland - "Buffoons" genannt.

Im 12. Jahrhundert gab es nicht mehr Hunderte solcher Entertainer, sondern Tausende. Sie brachen schließlich mit der Landschaft und nahmen das Leben einer mittelalterlichen Stadt, laute Jahrmärkte, Szenen auf den Straßen der Stadt als Grundlage ihrer Kreativität. Zuerst sangen und tanzten sie, erzählten Märchen und spielten verschiedene Musikinstrumente und machten viele andere Tricks. Aber später schichtete sich die Kunst des Theaters in schöpferische Zweige. Komiker, Possenreißer, Geschichtenerzähler, Sänger, Jongleure und Troubadours traten auf, die Gedichte, Balladen und Tanzlieder komponierten und aufführten.

Die Schauspielkunst wurde sowohl von den Behörden als auch von den Kirchenmännern verfolgt und verboten. Aber weder Bischöfe noch Könige konnten der Versuchung widerstehen, die fröhlichen und aufrührerischen Darbietungen der Histrions zu sehen.

Anschließend begannen sich Histrions in Gewerkschaften zu vereinen, was zu Kreisen von Laienschauspielern führte. Unter ihrer direkten Beteiligung und unter ihrem Einfluss entstanden im XIV.-XV. Jahrhundert viele Amateurtheater. Einige der Histrions traten weiterhin in den Palästen der Feudalherren auf und nahmen an den Mysterien teil, indem sie Teufel in ihnen darstellten. Histrions waren die ersten, die versuchten, menschliche Typen auf der Bühne darzustellen. Sie gaben den Anstoß zur Entstehung von Farce-Schauspielern und weltlichen Dramen, die im 13. Jahrhundert in Frankreich kurzzeitig herrschten.

Liturgisches und halbliturgisches Drama

Das Kirchendrama wurde zu einer anderen Form der Theaterkunst des Mittelalters. Die Geistlichkeit bemühte sich, das Theater für ihre eigenen Propagandazwecke zu nutzen, deshalb kämpfte sie gegen das antike Theater, die ländlichen Feste mit Volksspielen und Theaterstücken.

In diesem Zusammenhang entstand im 9. Jahrhundert eine theatralische Messe und eine Methode zum persönlichen Lesen der Legende vom Begräbnis Jesu Christi und seiner Auferstehung. Aus solchen Lesungen wurde das liturgische Drama der Frühzeit geboren. Mit der Zeit wurde es komplexer, die Kostüme abwechslungsreicher, die Bewegungen und Gesten besser einstudiert. Liturgische Dramen wurden von den Priestern selbst aufgeführt, daher hatten die lateinische Sprache, die Melodien der Kirchenrezitationen noch wenig Einfluss auf die Gemeindemitglieder. Die Geistlichkeit beschloss, das liturgische Drama näher zu bringen und von der Messe zu trennen. Diese Innovation führte zu ganz unerwarteten Ergebnissen. Elemente, die die religiöse Ausrichtung des Genres veränderten, wurden in die liturgischen Weihnachts- und Osterdramen eingeführt.

Das Drama hat eine dynamische Entwicklung erlangt, stark vereinfacht und aktualisiert. Jesus sprach zum Beispiel manchmal im lokalen Dialekt, die Hirten sprachen auch in der Alltagssprache. Außerdem änderten sich die Kostüme der Hirten, es erschienen lange Bärte und breitkrempige Hüte. Neben der Rede und den Kostümen veränderte sich auch das Schauspieldesign, Gesten wurden selbstverständlich.

Die Regisseure liturgischer Dramen hatten bereits Bühnenerfahrung und begannen, den Gemeindemitgliedern die Himmelfahrt Christi und andere Wunder aus dem Evangelium zu zeigen. Indem sie das Drama zum Leben erweckten und inszenierte Effekte einsetzten, zogen die Kirchenmänner die Herde nicht an, sondern lenkten sie vom Gottesdienst in der Kirche ab. Die Weiterentwicklung dieses Genres drohte es zu zerstören. Dies war die andere Seite der Innovation.

Die Kirche wollte die Theateraufführungen nicht aufgeben, sondern versuchte, das Theater zu unterwerfen. In dieser Hinsicht wurden liturgische Dramen nicht in der Kirche, sondern auf der Veranda aufgeführt. So entstand Mitte des 12. Jahrhunderts ein halbliturgisches Drama. Danach geriet das Kirchentheater trotz der Autorität des Klerus unter den Einfluss der Menge. Sie begann ihm ihren Geschmack zu diktieren und zwang ihn, nicht an den kirchlichen Feiertagen, sondern an den Jahrmärkten aufzutreten. Außerdem war das Kirchentheater gezwungen, auf eine für das Volk verständliche Sprache umzustellen.

Um das Theater weiterhin zu leiten, kümmerten sich die Priester um die Auswahl der Alltagsthemen für die Aufführungen. Daher waren die Themen für das halbliturgische Drama hauptsächlich biblische Episoden, die auf der Ebene des Alltags interpretiert wurden. Am beliebtesten beim Volk waren Teufelsszenen, die sogenannte Diablerie, die dem allgemeinen Inhalt der gesamten Aufführung widersprachen. In dem sehr berühmten Drama "The Action about Adam" zum Beispiel inszenierten die Teufel, nachdem sie Adam und Eva in der Hölle getroffen hatten, einen fröhlichen Tanz. Gleichzeitig hatten die Teufel einige psychologische Eigenschaften und der Teufel sah aus wie ein mittelalterlicher Freidenker.

Nach und nach wurden alle biblischen Legenden einer poetischen Verarbeitung unterzogen. Nach und nach wurden einige technische Neuerungen in die Aufführungen eingeführt, dh das Prinzip der gleichzeitigen Dekoration wurde umgesetzt. Dadurch wurden mehrere Szenen gleichzeitig gezeigt, zudem stieg die Zahl der Tricks. Trotz all dieser Neuerungen blieb das halbliturgische Drama jedoch eng mit der Kirche verbunden. Es wurde auf dem Kirchenportal inszeniert, die Mittel für die Produktion wurden von der Kirche bereitgestellt und das Repertoire bestand aus dem Klerus. Aber die Teilnehmer der Aufführung waren neben den Priestern auch weltliche Schauspieler. In dieser Form existierte das Kirchendrama schon lange.

Weltliches Drama

Die ersten Erwähnungen dieser Theatergattung beziehen sich auf den im französischen Arras geborenen Trouver oder Troubadour Adam de La Halle (1238-1287). Dieser Mann liebte Poesie, Musik und alles, was mit Theater zu tun hatte. Anschließend zog La Hal nach Paris und dann nach Italien an den Hof von Karl von Anjou. Dort wurde er sehr bekannt. Die Leute kannten ihn als Dramatiker, Musiker und Dichter.

Das erste Stück - "Playing in the Gazebo" - schrieb La-Hal, als er noch in Arras lebte. 1262 wurde es von Mitgliedern des Theaterkreises seiner Heimatstadt inszeniert. In der Handlung des Stücks lassen sich drei Linien unterscheiden: lyrisch und alltäglich, satirisch-witzig und folkloristisch-phantastisch.

Der erste Teil des Stücks erzählt, dass ein junger Mann namens Adam im Begriff ist, nach Paris zu gehen, um dort zu studieren. Sein Vater, Maitre Henri, will ihn nicht gehen lassen, da er krank ist. Die Handlung des Stücks ist in die poetische Erinnerung Adams an seine bereits verstorbene Mutter eingewoben. Nach und nach kommt Satire in die Alltagsszene, dh ein Arzt erscheint, der den Meister Henri diagnostiziert - Geiz. Es stellt sich heraus, dass die meisten wohlhabenden Bürger von Arras an dieser Krankheit leiden.

Danach wird die Handlung des Stücks einfach fabelhaft. Man hört eine Glocke läuten, die die Ankunft der Feen ankündigt, die Adam zu einem Abschiedsessen eingeladen hat. Es stellt sich jedoch heraus, dass die Feen in ihrem Aussehen sehr an den Klatsch der Stadt erinnern. Und wieder wird das Märchen durch die Realität ersetzt: Betrunkene treten an die Stelle der Feen, die in einer Taverne zu einem allgemeinen Trinkgelage gehen. Diese Szene zeigt einen Mönch, der für heilige Reliquien wirbt. Aber eine Weile verging, der Mönch betrank sich und ließ die von ihm so eifrig bewachten heiligen Dinge in der Taverne zurück. Der Glockenklang war wieder zu hören und alle gingen hin, um die Ikone der Jungfrau Maria anzubeten.

Eine solche Genre-Inkonsistenz des Stücks lässt vermuten, dass das weltliche Drama noch ganz am Anfang seiner Entwicklung stand. Dieses gemischte Genre wurde "Pois Piles" genannt, was "zerstoßene Erbsen" bedeutet oder in der Übersetzung "ein bisschen von allem".

1285 schrieb und inszenierte de la Halle in Italien ein Theaterstück mit dem Titel Das Spiel von Robin und Marion. In diesem Werk des französischen Dramatikers ist der Einfluss provenzalischer und italienischer Lyrik deutlich sichtbar. La Hal fügte diesem Stück auch ein Element der Gesellschaftskritik hinzu:

die idyllische Pastoral des verliebten Hirten Robin und seiner Geliebten, der Hirtin Marion, wird durch die Szene der Entführung des Mädchens ersetzt. Es wurde vom bösen Ritter Aubert gestohlen. Doch die schreckliche Szene dauert nur wenige Minuten, denn der Entführer erlag der Überredung des Bettlers und ließ sie gehen.

Tänze, Volksspiele, Singen, in denen ein salziger Bauernhumor steckt, beginnen wieder. Der Alltag der Menschen, ihr nüchterner Blick auf die Welt um sie herum, wenn die Schönheit des Kusses der Liebenden gesungen wird mit dem Geschmack und Geruch der Speisen, die für das Hochzeitsfest zubereitet werden, sowie der Volksdialekt, der gehört wird in poetischen Strophen - all dies verleiht diesem Stück einen besonderen Reiz und Reiz. Darüber hinaus fügte der Autor 28 Volkslieder in das Stück ein, die die Nähe von La Al's Werk zu Volksspielen perfekt zeigten.

Im Werk des französischen Troubadours wurde der volkspoetische Anfang sehr organisch mit dem satirischen verbunden. Dies waren die Anfänge des zukünftigen Theaters der Renaissance. Und doch fand das Werk von Adam de La Alle keine Nachfolger. Die Fröhlichkeit, der Freigeist und der Volkswitz in seinen Stücken wurden durch kirchliche Strenge und die Prosa des Stadtlebens unterdrückt.

In Wirklichkeit wurde das Leben nur in Farcen gezeigt, wo alles in einem satirischen Licht dargestellt wurde. Die Charaktere der Farce waren Jahrmarktsschreier, Scharlatane, zynische Blindenführer usw. Fars erreichte im 15. Jahrhundert seinen Höhepunkt, während im 13. Jahrhundert jeder Komödienstrom durch das Wundertheater, das hauptsächlich religiöse Theaterstücke inszenierte, ausgelöscht wurde Fächer.

Wunder

Das Wort „Wunder“ bedeutet in der Übersetzung aus dem Lateinischen „Wunder“. Und tatsächlich enden alle Ereignisse, die in solchen Produktionen stattfinden, dank des Eingreifens höherer Mächte glücklich. Im Laufe der Zeit, obwohl in diesen Stücken ein religiöser Hintergrund bewahrt wurde, tauchten immer mehr Verschwörungen auf, die die Willkür der Feudalherren und die niederen Leidenschaften zeigten, die edle und mächtige Leute besaßen.

Die folgenden Wunder können als Beispiel dienen. 1200 entstand das Theaterstück "Das Spiel um den Heiligen Nikolaus". Nach der Handlung des Werkes wird einer der Christen von den Heiden gefangen genommen. Nur die göttliche Vorsehung rettet ihn vor diesem Unglück, dh der heilige Nikolaus greift in sein Schicksal ein. Die historische Kulisse der damaligen Zeit wird im Wunder nur am Rande gezeigt, ohne Details.

Aber in dem 1380 entstandenen Stück "Wunder über Robert den Teufel" gab der Autor ein allgemeines Bild des blutigen Jahrhunderts des Hundertjährigen Krieges von 1337-1453 und malte auch ein Porträt eines grausamen Feudalherren. Das Stück beginnt damit, dass der Herzog der Normandie seinen Sohn Robert wegen Ausschweifung und ungerechtfertigter Grausamkeit ausschimpft. Dazu erklärt Robert mit einem dreisten Grinsen, dass ihm dieses Leben gefällt und er auch in Zukunft rauben, töten und ausschweifen wird. Nach einem Streit mit seinem Vater raubten Robert und seine Bande das Haus des Bauern aus. Als dieser anfing, sich darüber zu beschweren, antwortete Robert ihm: "Sag danke, dass wir dich noch nicht getötet haben." Dann verwüsteten Robert und seine Freunde das Kloster.

Die Barone kamen mit einer Beschwerde über seinen Sohn zum Herzog der Normandie. Sie sagten, dass Robert ihre Schlösser zerstört und verwüstet, Frauen und Töchter vergewaltigt und Diener tötet. Der Herzog schickte zwei seiner Gefolgsleute zu Robert, damit sie seinem Sohn ein Gewissen geben konnten. Aber Robert sprach nicht mit ihnen. Er befahl jedem von ihnen, sich das rechte Auge auszustechen und den Unglücklichen zu ihrem Vater zurückzuschicken.

Am Beispiel von nur einem Robert im Wunder wird die reale Situation von damals gezeigt: Anarchie, Raub, Willkür, Gewalt. Aber die Wunder, die nach den Grausamkeiten beschrieben werden, sind völlig unwirklich und werden von einem naiven Verlangen nach Moral erzeugt.

Roberts Mutter erzählt ihm, dass sie lange Zeit unfruchtbar war. Da sie unbedingt ein Kind haben wollte, wandte sie sich an den Teufel, denn weder Gott noch alle Heiligen konnten ihr helfen. Bald hatte sie einen Sohn, Robert, der der Nachkomme des Teufels ist. Laut Mutter ist dies der Grund für das so grausame Verhalten ihres Sohnes.

Das Stück beschreibt weiter, wie Roberts Reue stattfand. Um Gott um Vergebung zu bitten, besuchte er den Papst, einen heiligen Einsiedler, und betete auch ständig zur Jungfrau Maria. Die Jungfrau Maria hatte Mitleid mit ihm und befahl ihm, so zu tun, als wäre er verrückt und mit dem König in einer Hundehütte zu leben, um Reste zu essen.

Robert der Teufel hat sich mit einem solchen Leben abgefunden und eine erstaunliche Stärke bewiesen. Als Belohnung dafür gab Gott ihm die Möglichkeit, sich im Kampf auf dem Schlachtfeld zu übertreffen. Das Stück endet fabelhaft. In dem verrückten Ragamuffin, der mit den Hunden aus derselben Schüssel aß, erkannten alle den tapferen Ritter, der zwei Schlachten gewann. Infolgedessen heiratete Robert eine Prinzessin und erhielt Gottes Vergebung.

Die Zeit ist schuld an der Entstehung eines so umstrittenen Genres wie dem Wunder. Das gesamte 15. Jahrhundert voller Kriege, Volksunruhen und Massaker erklärt die weitere Entwicklung von Miracl. Einerseits griffen die Bauern während der Aufstände zu Äxten und Mistgabeln, andererseits verfielen sie in einen frommen Zustand. Aus diesem Grund kamen in allen Stücken Elemente der Kritik und ein religiöses Gefühl auf.

Es gab noch einen weiteren Widerspruch in Wundern, der dieses Genre von innen zerstörte. Die Arbeiten zeigten reale Alltagsszenen. In dem Wunder "Das Spiel um den Nikolaus" zum Beispiel nahmen sie fast die Hälfte des Textes ein. Die Handlung vieler Stücke basierte auf Szenen aus dem Leben der Stadt ("Wunder über Gibour"), dem Leben des Klosters ("Die gerettete Äbtissin"), dem Leben der Burg ("Wunder über Bertha mit großen Beinen" ). In diesen Stücken werden auf interessante und verständliche Weise einfache Menschen dargestellt, die in ihrem Geist der Masse nahe stehen.

Die Tatsache, dass das Wunder ein duales Genre war, ist für die ideologische Unreife der urbanen Kreativität dieser Zeit verantwortlich. Die Weiterentwicklung des mittelalterlichen Theaters gab den Anstoß zur Schaffung eines neuen, universelleren Genres - des Mysteriums.

Geheimnis

Im XV-XVI Jahrhundert kam die Zeit der schnellen Entwicklung der Städte. Gesellschaftliche Widersprüche haben sich in der Gesellschaft verschärft. Die Städter haben sich der feudalen Abhängigkeit fast entledigt, sind aber noch nicht unter die Herrschaft einer absoluten Monarchie geraten. Diesmal war die Blütezeit des Mystery-Theaters. Das Mysterium wurde zu einem Spiegelbild des Wohlstands der mittelalterlichen Stadt, der Entwicklung ihrer Kultur. Dieses Genre entstand aus den alten mimischen Mysterien, dh Stadtumzügen zu Ehren religiöser Feiertage oder des feierlichen Einzugs von Königen. Aus solchen Feiertagen formte sich nach und nach ein Open-Air-Mysterium, das die Erfahrungen des mittelalterlichen Theaters sowohl in der literarischen als auch in der Regiearbeit zugrunde legte.

Die Aufführungen der Mysterien wurden nicht vom Klerus, sondern von den städtischen Zünften und Gemeinden durchgeführt. Die Autoren der Mysterien waren Dramatiker einer neuen Art: Wissenschaftler, Theologen, Ärzte, Rechtsanwälte usw. Das Mysterium wurde zu einer Amateurkunst unter freiem Himmel, obwohl die Aufführungen von der Bourgeoisie und dem Klerus geleitet wurden. Die Aufführungen wurden in der Regel von Hunderten von Menschen besucht. In dieser Hinsicht wurden volkstümliche (weltliche) Elemente in religiöse Fächer eingeführt. Das Mysterium existiert in Europa, insbesondere in Frankreich, seit fast 200 Jahren. Diese Tatsache veranschaulicht deutlich den Kampf zwischen religiösen und säkularen Prinzipien.

Mystery Drama kann in drei Perioden unterteilt werden: "Altes Testament", mit Zyklen biblischer Legenden; "Neues Testament", das von der Geburt und Auferstehung Christi erzählt; "Apostolisch", Anleihen aus dem "Leben der Heiligen" und Wunder über die Heiligen.

Das bekannteste Mysterium der Frühzeit ist das "Geheimnis des Alten Testaments", bestehend aus 50.000 Versen und 242 Zeichen. Es hatte 28 separate Episoden und die Hauptfiguren waren Gott, Engel, Luzifer, Adam und Eva.

Das Stück erzählt von der Erschaffung der Welt, der Rebellion Luzifers gegen Gott (dies ist eine Anspielung auf ungehorsame Feudalherren) und biblische Wunder. Auf der Bühne wurden sehr wirkungsvoll biblische Wunder vollbracht: die Erschaffung von Licht und Finsternis, Firmament und Himmel, Tieren und Pflanzen sowie die Erschaffung des Menschen, sein Fall und seine Vertreibung aus dem Paradies.

Es wurden viele Christus gewidmete Mysterien geschaffen, aber das berühmteste von ihnen ist das "Geheimnis der Leidenschaften". Dieses Stück wurde entsprechend der viertägigen Präsentation in 4 Teile unterteilt. Das Bild Christi ist von Pathos und Religiosität durchdrungen. Darüber hinaus enthält das Stück auch dramatische Figuren: die um Jesus trauernde Gottesmutter und den Sünder Judas.

In anderen Mysterien gesellt sich zu den beiden bestehenden Elementen ein drittes - karnevalssatirisches, dessen Hauptvertreter Teufel waren. Allmählich gerieten die Autoren der Mysterien unter den Einfluss des Geschmacks der Menge. So wurden in biblische Handlungsstränge reine Rummelfiguren eingeführt: Scharlatane-Ärzte, laute Schreier, eigensinnige Ehefrauen usw. In den Mysterienepisoden begann eine klare Missachtung der Religion zu erkennen, dh eine alltägliche Interpretation biblischer Motive entstand . Noah wird zum Beispiel als erfahrener Seemann dargestellt und seine Frau ist eine mürrische Frau. Nach und nach gab es mehr Kritik. In einem der Mysterien des 15. Jahrhunderts werden Joseph und Maria beispielsweise als arme Leute, Bettler dargestellt, und in einem anderen Werk ruft ein einfacher Bauer aus: "Wer nicht arbeitet, isst nicht!" Dennoch war es für Elemente des sozialen Protests schwierig, Fuß zu fassen und noch mehr in das Theater der damaligen Zeit einzudringen, das den privilegierten Schichten der städtischen Bevölkerung untergeordnet war.

Und doch fand der Wunsch nach einem realen Bild des Lebens seine Verkörperung. Nach der Belagerung von Orleans 1429 entstand das Stück "Das Geheimnis der Belagerung von Orleans". Die Charaktere dieses Werkes waren nicht Gott und Teufel, sondern die englischen Invasoren und französischen Patrioten. Patriotismus und Liebe zu Frankreich verkörpern die Hauptfigur des Stücks, die Nationalheldin Frankreichs Jeanne d'Arc.

Das Mysterium der Belagerung von Orleans zeigt deutlich den Wunsch der Künstler des Amateurstadttheaters, historische Fakten aus dem Leben des Landes zu zeigen, ein Volksdrama basierend auf modernen Ereignissen mit Elementen von Heroismus und Patriotismus zu schaffen. Aber die wirklichen Tatsachen wurden dem religiösen Konzept angepasst, gezwungen, der Kirche zu dienen und die Allmacht der göttlichen Vorsehung zu preisen. Damit hat das Mysterium etwas von seiner künstlerischen Würde verloren. In

Das Aufkommen des Mystery-Genres ermöglichte es dem mittelalterlichen Theater, seine thematische Bandbreite erheblich zu erweitern. Die Inszenierung dieser Art von Theaterstücken ermöglichte es, gute Bühnenerfahrungen zu sammeln, die später in anderen Genres des mittelalterlichen Theaters verwendet wurden.

Mysteriöse Darbietungen auf den Straßen und Plätzen der Stadt wurden mit verschiedenen Dekorationen geschmückt. Drei Optionen wurden verwendet: mobil, wenn Karren am Publikum vorbeifuhren, aus denen Mystery-Episoden gezeigt wurden; kreisförmig, wenn die Handlung auf einer hohen, in Abschnitte unterteilten kreisförmigen Plattform und gleichzeitig unten, auf dem Boden, in der Mitte des von dieser Plattform umrissenen Kreises stattfand (das Publikum stand an den Säulen der Plattform); Laube. In der letzteren Version wurden Pavillons auf einer rechteckigen Plattform oder einfach auf einem Quadrat gebaut und repräsentierten den Kaiserpalast, die Stadttore, den Himmel, die Hölle, das Fegefeuer usw.

In dieser Zeit steckte die dekorative Kunst praktisch in den Kinderschuhen und die Kunst der Bühneneffekte war gut entwickelt. Da die Mysterien voller religiöser Wunder waren, war es erforderlich, sie deutlich zu demonstrieren, denn die Natürlichkeit des Bildes war eine Voraussetzung für die Volksschau. So wurden zum Beispiel glühende Zangen auf die Bühne gebracht und ein Brandmal auf den Körper von Sündern gebrannt. Der Mord, der im Zuge des Mysteriums stattfand, war von Blutlachen begleitet. Die Schauspieler versteckten bullishe Blasen mit roter Flüssigkeit unter ihrer Kleidung, sie durchbohrten die Blase mit einem Messerschlag, und die Person würde bluten. Eine Bemerkung im Stück könnte einen Hinweis geben: „Zwei Soldaten knien gewaltsam nieder und nehmen eine Auswechslung vor“, das heißt, sie mussten einen Menschen geschickt durch eine Puppe ersetzen, die sie sofort enthaupteten. Wenn die Schauspieler Szenen darstellten, in denen die Gerechten auf glühende Kohlen gelegt, mit wilden Tieren in eine Grube geworfen, mit Messern erstochen oder an einem Kreuz gekreuzigt wurden, wirkte dies auf das Publikum viel stärker als jede Predigt. Und je heftiger die Szene war, desto stärker war die Wirkung.

In allen Werken dieser Zeit existierten die religiösen und realistischen Elemente der Lebensdarstellung nicht nur nebeneinander, sondern bekämpften sich auch. In Theaterkostümen überwogen Haushaltsbestandteile. Herodes zum Beispiel läuft in türkischer Kleidung mit einem Säbel an der Seite über die Bühne; Römische Legionäre tragen moderne Soldatenuniformen. Die Tatsache, dass die biblischen Helden darstellenden Schauspieler Haushaltskostüme trugen, zeigte den Kampf sich gegenseitig ausschließender Prinzipien. Sie prägte auch das Schauspiel der Schauspieler, die ihre Helden auf pathetische und groteske Weise präsentierten. Der Narr und der Dämon waren die beliebtesten Volksfiguren. Sie setzten die Mysterien in einen Strom von Volkshumor und Alltag um, was das Stück noch dynamischer machte. Sehr oft hatten diese Charaktere keinen vorgefertigten Text, sondern wurden während des Mysteriums improvisiert. Daher wurden in den Mysterientexten Angriffe auf die Kirche, die Feudalherren und die Reichen oft nicht verzeichnet. Und wenn solche Texte im Drehbuch des Stücks geschrieben wurden, wurden sie stark geglättet. Solche Texte können dem modernen Betrachter keine Vorstellung davon geben, wie kritisch diese oder jene Mysterien waren.

Neben Schauspielern nahmen auch gewöhnliche Städter an den Aufführungen der Mysterien teil. In separaten Episoden waren Mitglieder verschiedener Stadtwerkstätten beteiligt. Daran nahmen die Menschen gerne teil, da das Mysterium den Vertretern jedes Berufsstandes die Möglichkeit gab, sich in ihrer Gesamtheit auszudrücken. So wurde die Flutszene von Matrosen und Fischern gespielt, die Episode mit der Arche Noah von Schiffsbauern, die Vertreibung aus dem Paradies von Büchsenmachern.

Die Produktion der Mystery-Show wurde von einem Mann geleitet, der "Game Director" genannt wurde. Die Mysterien entwickelten nicht nur den Geschmack des Volkes für das Theater, sondern halfen auch, die Theatertechnik zu verbessern und gaben Impulse für die Entwicklung einiger Elemente des Renaissance-Dramas.

1548 wurde es verboten, die in Frankreich besonders verbreiteten Mysterien der Öffentlichkeit vorzuführen. Dies geschah aufgrund der Tatsache, dass die in den Mysterien vorhandenen komödiantischen Linien zu kritisch wurden. Der Grund für das Verbot liegt darin, dass die Mysterien von den neuen, fortschrittlichsten Gesellschaftsschichten nicht unterstützt wurden. Humanistisch gesinnte Menschen akzeptierten keine Theaterstücke mit biblischen Geschichten, und die quadratische Form und Kritik an Klerus und Behörden führten zu kirchlichen Verboten.

Als die königliche Regierung später alle Stadtrechte und Zunftvereinigungen verbot, verlor das Mysterientheater seinen Halt.

Moral

Im 16. Jahrhundert entstand in Europa eine Reformationsbewegung oder Reformation. Es war von Natur aus antifeudal und bekräftigte das Prinzip der sogenannten persönlichen Kommunikation mit Gott, das heißt das Prinzip der persönlichen Tugend. Die Bürger machten die Moral zu einer Waffe sowohl gegen die Feudalherren als auch gegen das Volk. Der Wunsch des Bürgers, seiner Weltanschauung mehr Heiligkeit zu verleihen, und gab den Anstoß zur Schaffung einer anderen Gattung des mittelalterlichen Theaters - der Moral.

Es gibt keine kirchlichen Komplotte in Moralstücken, da die Moralisierung das einzige Ziel solcher Aufführungen ist. Die Hauptfiguren des Moraltheaters sind allegorische Helden, von denen jeder menschliche Laster und Tugenden, Naturgewalten und kirchliche Dogmen verkörpert. Charaktere haben keinen individuellen Charakter, in ihren Händen werden sogar reale Dinge zu Symbolen. Zum Beispiel ging Nadezhda mit einem Anker in den Händen auf die Bühne, Selbstliebe schaute ständig in den Spiegel usw. Konflikte zwischen den Helden entstanden aufgrund des Kampfes zwischen zwei Prinzipien: Gut und Böse, Geist und Körper. Die Auseinandersetzungen der Charaktere wurden in Form der Opposition zweier Figuren dargestellt, die gute und böse Prinzipien darstellten, die auf eine Person einwirken.

Der Grundgedanke der Moral war in der Regel: Vernünftige Menschen folgen dem Weg der Tugend, und die Unvernünftigen werden Opfer des Lasters.

1436 wurde die französische Moral "Umsichtig und unvernünftig" geschaffen. In dem Stück wurde gezeigt, dass der Kluge der Vernunft vertraut und der Unvernünftige dem Ungehorsam anhängt. Auf dem Weg zur ewigen Glückseligkeit traf der Kluge auf Almosen, Fasten, Gebet, Keuschheit, Mäßigung, Gehorsam, Fleiß und Geduld. Aber das Unvernünftige auf dem gleichen Weg wird von Armut, Verzweiflung, Diebstahl und Bad End begleitet. Allegorische Helden beenden ihr Leben auf ganz unterschiedliche Weise: einer im Himmel und der andere in der Hölle.

Die Schauspieler, die an dieser Performance teilnehmen, agieren als Rhetoriker, die ihre Haltung zu bestimmten Phänomenen erklären. Der Schauspielstil in der Moral war zurückhaltend. Dies erleichterte die Aufgabe für den Schauspieler erheblich, da eine Transformation in ein Bild nicht erforderlich war. Der Charakter war für den Zuschauer durch bestimmte Details des Theaterkostüms verständlich. Ein weiteres Merkmal der Moral war die poetische Rede, der viel Aufmerksamkeit geschenkt wurde.

Die in diesem Genre tätigen Dramatiker waren Frühhumanisten, einige Professoren mittelalterlicher Schulen. In den Niederlanden war das Schreiben und Festlegen von Moral das Werk von Menschen, die gegen die spanische Vorherrschaft kämpften. Ihre Schriften enthielten viele verschiedene politische Anspielungen. Für solche Aufführungen wurden Autoren und Schauspieler ständig von den Behörden verfolgt.

Mit der Entwicklung der Gattung der Moral hat sie sich allmählich von der streng asketischen Moral befreit. Der Einfluss neuer sozialer Kräfte gab den Anstoß, realistische Szenen in der Moral zu zeigen. Die Widersprüche in diesem Genre deuteten darauf hin, dass die Theateraufführungen immer näher an das wirkliche Leben heranrückten. Einige Stücke enthielten sogar gesellschaftskritische Elemente.

1442 wurde das Theaterstück "Handel, Handwerk, Hirte" geschrieben. Es beschreibt die Beschwerden der einzelnen Charaktere, dass das Leben schwierig geworden ist. Dann erscheint Time, zuerst in ein rotes Kleid gekleidet, was Meuterei bedeutete. Danach erscheint Time in voller Rüstung und verkörpert den Krieg. Es erscheint dann in Bandagen und einem in Fetzen hängenden Umhang. Die Charaktere stellen ihm die Frage: "Wer hat dich so dekoriert?" Darauf antwortet die Zeit: Ich schwöre bei meinem Körper, du hast gehört, was für Menschen geworden sind, ich wurde so übel geschlagen, dass die Zeit für dich kaum zu erkennen ist.

Spiele, fernab von Politik, gegen Laster, richteten sich gegen die Moral der Enthaltsamkeit. Im Jahr 1507 wurde die Moral "Verdammung von Festen" geschaffen, in der die Charaktere-Damen Delikatesse, Völlerei, Outfits und Charaktere-Herren Pugh-für-Ihre-Gesundheit und Pugh-gegenseitig herausgebracht wurden. Am Ende des Spiels sterben diese Helden im Kampf gegen Apoplexie, Lähmung und andere Leiden.

Obwohl in diesem Stück menschliche Leidenschaften und Feste kritisch beleuchtet wurden, zerstörte ihre Darstellung in Form eines heiteren Maskenspektakels die Idee, alle Arten von Exzessen zu verurteilen. Moralite wurde zu einer frechen, malerischen Szene mit einer lebensbejahenden Haltung.

Die allegorische Gattung, der die Moral zuzuschreiben war, brachte strukturelle Klarheit in die mittelalterliche Dramatik, das Theater sollte hauptsächlich typische Bilder zeigen.

Farce

Von ihrer Gründung bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts war die Farce ein plebejischer Marktplatz. Und erst dann, nach einem langen, verborgenen Entwicklungsweg, entstand daraus ein eigenständiges Genre.

Der Name "Farce" kommt vom lateinischen Wort farsa, was "Füllung" bedeutet. Dieser Name entstand, weil bei der Vorführung der Mysterien Farcen in ihre Texte eingefügt wurden. Laut Theaterexperten liegen die Ursprünge der Farce viel weiter. Es entstand aus Theateraufführungen und Karnevalskarnevalsspielen. Die Histrions gaben ihm die Richtung des Themas und der Karneval - die Spielessenz und den Massencharakter. Im Mysterium wurde die Farce weiterentwickelt und stach als eigenständiges Genre heraus.

Von Anfang an sollte die Farce die Feudalherren, Bürger und den Adel im Allgemeinen kritisieren und lächerlich machen. Eine solche Gesellschaftskritik spielte eine wichtige Rolle bei der Geburt der Farce als Theatergenre. Ein besonderer Typus lässt sich durch skurrile Darstellungen unterscheiden, in denen Parodien auf die Kirche und ihre Dogmen geschaffen wurden.

Faschingsaufführungen und Volksspiele waren der Anstoß zur Entstehung der sogenannten verrückten Konzerne. Darunter befanden sich untergeordnete Justizbeamte, Gelehrte, Seminaristen usw. Im 15. Jahrhundert verbreiteten sich solche Gesellschaften in ganz Europa. Es gab 4 große "dumme Konzerne" in Paris, die sich regelmäßig komische Aufführungen ansahen. In solchen Vorführungen wurden Theaterstücke aufgeführt, in denen die Aufführungen von Bischöfen, das Gerede von Richtern, Zeremonien, mit großem Getöse, die Einzüge von Königen in die Stadt lächerlich gemacht wurden.

Die weltlichen und kirchlichen Behörden reagierten auf diese Angriffe mit der Verfolgung der Teilnehmer an den Farcen: Sie wurden aus den Städten vertrieben, inhaftiert usw. Neben Parodien wurden in Farcen satirische Szenen-soti (sotie - "Dummheit") gespielt. In diesem Genre gab es keine Alltagsfiguren mehr, sondern Narren, Narren (zum Beispiel ein eitler Narrensoldat, ein Narrenbetrüger, ein Schreiber-Bestechungstäter). Die Erfahrung der Allegorien der Moral ist im Soti verkörpert. Das Soti-Genre erreichte an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert seine größte Blüte. Schon der französische König Ludwig XII. nutzte das Volkstheater der Farce im Kampf gegen Papst Julius II. Satirische Szenen waren nicht nur für die Kirche, sondern auch für die weltlichen Autoritäten gefährlich, weil sie sowohl den Reichtum als auch den Adel lächerlich machten. All dies gab Franz I. einen Grund, die Aufführung von Farce und Soti zu verbieten.

Da die Aufführungen der Soti bedingter Maskerade-Natur waren, gab es in diesem Genre nicht diese Vollblut-Nationalität, Massencharakter, freidenkende und alltagsspezifische Charaktere. Daher wurde im 16. Jahrhundert eine effektivere und witzigere Farce zum vorherrschenden Genre. Sein Realismus manifestierte sich darin, dass in ihm menschliche Charaktere vorhanden waren, die jedoch etwas schematischer gegeben wurden.

Praktisch alle Farce-Plots basieren auf reinen Alltagsgeschichten, das heißt, die Farce mit all ihrem Inhalt und ihrer Kunst ist völlig real. Die Szenen machen sich über marodierende Soldaten, Ablassmönche, arrogante Adlige und habgierige Kaufleute lustig. Die scheinbar unkomplizierte Farce "On the Miller", die einen lächerlichen Inhalt hat, enthält tatsächlich ein böses Volksgrinsen. Das Stück erzählt von einem dummen Müller, der von einem jungen Müller und einem Priester zum Narren gehalten wird. In der Farce werden die Charakterzüge präzise festgehalten und dem Publikum ein satirisches, lebensechtes Material gezeigt.

Doch die Autoren der Farce machen sich nicht nur über Priester, Adlige und Beamte lustig. Auch die Bauern stehen nicht daneben. Der wahre Held der Farce ist der abtrünnige Städter, der mit Geschick, Witz und Einfallsreichtum Richter, Kaufleute und allerlei Dummköpfe besiegt. Über einen solchen Helden wurden Mitte des 15. Jahrhunderts mehrere Farzen geschrieben (über den Rechtsanwalt Patlen).

Die Stücke erzählen von allerlei Abenteuern des Helden und zeigen eine ganze Reihe sehr bunter Charaktere: einen pedantischen Richter, einen dummen Kaufmann, einen eigennützigen Mönch, einen knauserigen Kürschner, einen dummen Hirten, der sich tatsächlich umdreht Patlen selbst. Farcen über Patlen erzählen farbenprächtig vom Leben und Brauchtum einer mittelalterlichen Stadt. Sie erreichen zeitweise den höchsten Komikgrad der damaligen Zeit.

Der Charakter dieser Farce-Reihe (sowie Dutzende anderer in verschiedenen Farcen) war ein echter Held, und alle seine Possen sollten die Sympathie des Publikums hervorrufen. Immerhin brachten seine Trickser die Mächtigen dieser Welt in eine dumme Position und zeigten den Vorteil des Verstandes, der Energie und der Geschicklichkeit des einfachen Volkes. Aber die direkte Aufgabe des Farce-Theaters war immer noch nicht dies, sondern die Verleugnung des satirischen Hintergrundes vieler Aspekte der feudalen Gesellschaft. Die positive Seite der Farce wurde primitiv entwickelt und verkam zur Behauptung eines engen, spießbürgerlichen Ideals.

Dies zeigt die Unreife des von der bürgerlichen Ideologie beeinflussten Volkes. Dennoch galt die Farce als Volkstheater, fortschrittlich und demokratisch. Das Hauptprinzip des Schauspiels für Farcer (Farce-Schauspieler) war der Charakter, der manchmal auf eine parodistische Karikatur reduziert wurde, und die Dynamik, die die Fröhlichkeit der Darsteller selbst ausdrückte.

Die Farcen wurden von Amateurvereinen inszeniert. Die bekanntesten Comicvereinigungen in Frankreich waren der Gerichtsvollzieherkreis „Bazosh“ und der Verein „Carefree Guys“, der im späten 15. und frühen 16. Jahrhundert seine höchste Blütezeit erlebte. Diese Gesellschaften versorgten die Theater mit semiprofessionellen Schauspielern. Zu unserem großen Bedauern können wir keinen einzigen Namen nennen, da sie in historischen Dokumenten nicht überliefert sind. Ein einziger Name ist bekannt - der erste und berühmteste Schauspieler des mittelalterlichen Theaters, der Franzose Jean de l'Espina, genannt Pontale. Diesen Spitznamen erhielt er vom Namen der Pariser Brücke, an der er seine Bühne einrichtete. Später trat Pontale der Carefree Boys Corporation bei und wurde der Hauptorganisator sowie der beste Darsteller von Farce und Moral.

Es gibt viele Zeugnisse seiner Zeitgenossen über seinen Einfallsreichtum und seine großartige Improvisationsbegabung. Es gab so einen Fall. In seiner Rolle war Pontale ein Buckliger mit einem Buckel auf dem Rücken. Er ging auf den buckligen Kardinal zu, lehnte sich an seinen Rücken und sagte: "Aber noch kann ein Berg mit einem Berg zusammenlaufen." Sie erzählten auch eine Anekdote darüber, wie Pontale in seiner Nische eine Trommel schlug und so den Priester einer Nachbarkirche daran hinderte, die Messe zu feiern. Der wütende Priester kam zum Stand und schnitt mit einem Messer die Haut der Trommel auf. Dann legte Pontale eine Trommel mit Löchern auf den Kopf und ging in die Kirche. Wegen des Gelächters in der Kirche musste der Pfarrer den Gottesdienst abbrechen.

Sehr beliebt waren die satirischen Gedichte von Pontale, in denen der Hass auf Adelige und Priester deutlich zu erkennen war. Große Empörung ist in diesen Zeilen zu hören: Und jetzt ein gemeiner Edelmann! Er zerschmettert und vernichtet Menschen rücksichtsloser als Pest und Pest. Ich schwöre dir, wir müssen sie alle schnell wahllos aufhängen.

So viele Leute wussten um das komische Talent von Pontale und sein Ruhm war so groß, dass der berühmte F. Rabelais, der Autor von "Gargantua und Pantagruel", ihn für den größten Meister des Lachens hielt. Der persönliche Erfolg dieses Schauspielers deutete darauf hin, dass eine neue berufliche Periode in der Entwicklung des Theaters bevorstand.

Die monarchische Obrigkeit war zunehmend unzufrieden mit dem städtischen Freidenkertum. In dieser Hinsicht war das Schicksal der schwulen Comic-Amateurfirmen am bedauerlichsten. Ende des 16. - Anfang des 17. Jahrhunderts hörten die größten Farcer-Korporationen auf zu existieren.

Die Farce, obwohl sie immer verfolgt wurde, hatte großen Einfluss auf die weitere Entwicklung des Theaters in Westeuropa. In Italien zum Beispiel hat sich die Commedia dell'arte aus einer Farce entwickelt; in Spanien - das Werk des "Vaters des spanischen Theaters" Lope de Rueda; in England schrieb John Gaywood seine Werke als Farce; in Deutschland - Hans Sachs; in Frankreich nährten Farce-Traditionen die Kreativität des Comedy-Genies Moliere. So wurde die Farce zum Bindeglied zwischen dem alten und dem neuen Theater.

Das mittelalterliche Theater versuchte sehr, den Einfluss der Kirche zu überwinden, aber es gelang ihm nicht. Dies war einer der Gründe für seinen Niedergang, den moralischen Tod, wenn Sie so wollen. Obwohl im mittelalterlichen Theater keine nennenswerten Kunstwerke entstanden, zeigte der gesamte Verlauf seiner Entwicklung, dass der Widerstand des Lebensprinzips gegen das Religiöse immer stärker wurde. Das mittelalterliche Theater ebnete den Weg für die kraftvolle realistische Theaterkunst der Renaissance.

INHALTSVERZEICHNIS

EINLEITUNG
HISTORISCHE ENTWICKLUNGSBEDINGUNGEN

FORMEN DER THEATERENTWICKLUNG IM MITTELALTER
• Die Ursprünge des Theaters des Mittelalters
• Farce
• Histrions
• Kirchentheater.
• Liturgisches Drama
• Halbliturgisches Drama
• Wunder
• Geheimnis
• Moral
• Soti

FRAGEN
LITERATUR
GLOSSAR DER BEGRIFFE

EINLEITUNG

Merkmale des Studiums der Geschichte des mittelalterlichen Theaters. Thema und Methode der Theaterwissenschaft in Bezug auf die Geschichte des mittelalterlichen Theaters. Das Problem der mittelalterlichen Kultur in der modernen Mediävistik und der modernen Kunstgeschichte. Die Geschichte des mittelalterlichen Theaters in den Werken russischer Theaterexperten.

Historische Entwicklungsbedingungen.

Feudalgesellschaft in Westeuropa. Stadien seiner Entstehung: 1. Frühes Mittelalter - V-XI Jahrhundert; 2. Reifes Mittelalter - XII-XV Jahrhunderte; 3.Spätes Mittelalter - XVI - frühes XVII Jahrhundert.

Die Entwicklung der Städte in Westeuropa und die Bildung der urbanen Klasse. Die Blüte der Stadtkultur und ihr Einfluss auf die Entwicklung des mittelalterlichen Theaters.

Der kosmopolitische Charakter des mittelalterlichen Theaters.

Religiöses Bewusstsein in der mittelalterlichen Kultur, seine Merkmale. Heidentum und Christentum in der mittelalterlichen Kultur, ihre Wechselwirkung, das Konzept des „Volkschristentums“. Die Rolle des „Volkschristentums“ in der Entwicklung des Theaters im Mittelalter. Die spektakuläre Kultur des Mittelalters, ihre enge Verbindung mit der Entwicklung des mittelalterlichen Theaters. Die Linien des mittelalterlichen Theaters: Kirche, Volksplebejer, Bürger, ihr Zusammenspiel.

Stadien der Bildung und Entwicklung des mittelalterlichen Theaters. Eine Vielzahl von Genreformen des mittelalterlichen Theaters. Die Entsakralisierung von Theateraufführungen ist ein allgemeiner Trend in der Entwicklung des mittelalterlichen Theaters.

FORMEN DER THEATERENTWICKLUNG IM MITTELALTER

Die Ursprünge des Theaters des Mittelalters sind landwirtschaftliche Feste, Bauernspiele, heidnische Rituale, christliche Rituale.

Eine Zeremonie zu Ehren einer sterbenden und auferstandenen Gottheit ist die Quelle der ältesten Gattung des mittelalterlichen Theaters - der Farce.

Farce , der Name des Genres, seine semantische Bedeutung. Der Kampf der heiligen Doppelgänger; Täuschungsmotiv, Trick; verbale Duelle, Scharmützel; der Sieg des Charakters, der das „Leben“ verkörpert, über den, der den „Tod“ verkörpert, sind die Hauptmerkmale der Farce. Das Prinzip der Farce lautet: „Der Dieb wird ausgeraubt“. Der Ort, an dem die Farce gespielt wird, sind die Kulttische. Essen ist ein begleitender Bestandteil der komödiantischen Darbietung. Vorliterarische Zeit der Farce-Bildung.

Histrions - die ersten professionellen Darsteller von Farcen und die ersten professionellen Schauspieler des Mittelalters. Histrions in einer mittelalterlichen Stadt. Verschiedene Konzepte der Ursprünge der Kunst der mittelalterlichen Histrions. Städtische Unterhaltungsgeschichten gab es unter allen Völkern Europas: in Frankreich - Jongleure, in England - Spielleute, in Deutschland - Spielmänner, in Italien - Pantomimen usw. Der unaufhörliche Kampf der Kirche mit den mittelalterlichen Histrions.

Mittelalterliche Klassifikationen der Jongleurkunst: Buffon, Jongleur, Troubadour .

Elemente heidnischen Ursprungs in den Darbietungen der Jongleure: Masken (oder übertriebene Mehlschminke), geschickte Sprünge, Purzelbäume, die Fähigkeit, mit verschiedenen Stimmen zu sprechen, verschiedene Musikinstrumente zu spielen.

Über die Kunst des Jongleurs in der anonymen Legende des 13. Jahrhunderts "Der Jongleur Unserer Lieben Frau". Vereinigung von Histrions zu Gewerkschaften (Bruderschaft der Jongleure in Arras, 9. Jahrhundert)

Analyse der frühesten der literarisch aufgezeichneten Farce-Texte - "Der Junge und der Blinde" (13. Jh.) Merkmale der rituellen Vergangenheit der Farce in der Handlung. Die Bühnensprache der Farce.

Die Leere der Farce-Bühne. Zeit und Raum einer Farce-Show. Die wichtigsten Techniken der Farce-Präsentation: Possenreißer, übertriebene Geste, Dialogkunst, verbale Argumentation.

Die Entwicklung der Farce in einer mittelalterlichen Stadt. Die volkstümlichen Wurzeln der Farce und die Reflexion der Psychologie eines mittelalterlichen Städters darin. Der Farce-Konflikt und seine Entwicklung im mittelalterlichen Theater. Die Integration von Farce in Mystery-Performances. Die Popularität der Farce im mittelalterlichen Theater. Das Schicksal der Farce in der Renaissance. Einfluss der Farce auf das Comedy-Drama.

Nationale Farce-Sorten - fastnachtgpiel (Deutschland), Zwischenspiel (England).

Anonyme französische Farce "Anwalt Patlen" (15. Jahrhundert). Seine Analyse.

Basosh, ihre Aktivitäten. "Bazoshtsy" und Farce. Techniken zur Inszenierung von Farce unter den Bazoshiten. Amateurtheaterkreise in mittelalterlichen Städten. Migration von Farzentexten.

Farce und Typografie. Farce und Schriftkultur des 16. Jahrhunderts. Zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts - Anfang des 17. Jahrhunderts. - die Zeit der Improvisation von Farce-Plots.

Interaktion der Farce mit der Kultur der Renaissance.

Die Rolle der Farce in der Entwicklung der Komödie im 16. und 17. Jahrhundert.

Kirchentheater

Die frühesten erhaltenen Kirchendramen sind die einer deutschen Nonne des 10. Jahrhunderts. Grotswits von Gandersheim in der Sammlung "Anti-Terence".

Das Schicksal des antiken Theatererbes im Mittelalter. Die rhetorischen Ziele von Grotswits Komödien. Mittelalterliche Theatersprache ihrer Stücke. Gründung des Kirchentheaters.

Liturgisches Drama. Die Ursprünge christlicher Rituale sind bis zum Gottesdienst im 10. Jahrhundert noch nicht heiliggesprochen. Die Darsteller des liturgischen Dramas sind Priester, Aufführungsort ist der Altar der Kirche, die Sprache ist Latein.

Zeit und Raum im liturgischen Drama. Theatralisierung heiliger Texte als eines der wichtigsten Mittel zur Erklärung des Christentums. Anmerkungen im Text des liturgischen Dramas. Kanonisierte Gesten und Posen von Darstellern. Symbol und Zeichen sind die wichtigsten Theatertechniken des Kirchentheaters.

Weihnachts- und Osterzyklen des liturgischen Dramas.

Das Schicksal des liturgischen Dramas im Mittelalter. Stärkung des aktiven Elements im liturgischen Drama.

Gleichzeitigkeit des Handelns ist das Hauptprinzip der kirchlichen Leistung.

Liturgisches Drama in der Renaissance.

Halbliturgisches Drama

Entstehung im 12. Jahrhundert. Schauplatz ist das Kirchenportal. Einbeziehung der Basis, komödiantisches Element in die Theateraufführung, Säkularisierung der Handlung. Weiterentwicklung des Prinzips der Simultanwirkung.

Zeit und Raum in einem halbliturgischen Drama. Übergang vom Lateinischen in die Volkssprachen. Die Stadtbewohner sind Teufelsdarsteller in einem halbliturgischen Drama.

Die Dualität der Wahrnehmung des Merkmals durch einen mittelalterlichen Stadtbewohner. Das Kostüm der Darsteller der Teufel. Bildung von Elementen zukünftiger Mysteriendiablerien im halbliturgischen Drama.

Analyse des halbliturgischen Dramas "Aktion über Adam" (13. Jahrhundert). Die Bühnensprache dieses halbliturgischen Dramas.

Bildung des weltlichen Theaters des Mittelalters.

„Spiel im Pavillon“ und „Spiel über Robin und Marion“ aus dem Arras trouver aus dem 13. Jahrhundert von Adam de La Alle. Biographie von Adam de La-Alya, die Reflexion ihrer Eigenschaften in "Play in the Gazebo".

Arras Puy und seine Aktivitäten. "Spiel im Pavillon", seine Verbindung mit heidnischen Festen. Analyse von "Spiele im Pavillon", die Kombination von Alltags-, Märchen-, Folklore-, Possenreißer-Elementen. Zeit und Raum im "Spiel".

Bildung eines gemischten Genres - Pois Pilees - "Crushed Peas" ... Spielort, Spielteilnehmer, Theaterempfänge. Analyse des Robin- und Marion-Spiels. Einfluss provenzalischer Texte auf das Spiel von Robin und Marion. Theatralisches Element im "Spiel": Lieder und Tänze, Folklorespiele.

Die Verbindung von Adam de La'Ales „Spielen“ mit mittelalterlicher Stadtkultur.

Wunder - ein Genre, das sich im 13. Jahrhundert als Dramatisierung von Heiligenlegenden entwickelte.

"Wunder" der Jungfrau Maria. Das erste französische Wunder, das bis heute erhalten ist, ist das Spiel des Heiligen Nikolaus von Jean Bodelle (? - 1210), einem Mitglied der Arras Puy.

Analyse der Theatersprache von Mirakl. Zeit und Raum in Bodels Wunder. Erfüllungsort der ersten Wunder, darstellende Spielweise.

Analyse der Theatersprache des Wunders des Theophilus von Ruetbeuf (um 1230-1285).

Mittelalterliches groteskes Konzept. Seine Manifestationen in Wundern und anderen Genres des mittelalterlichen Theaters.

Weitere Blüte von Miracle in Frankreich während des Hundertjährigen Krieges (1337-1453). Pariser Sammlung von vierzig Wundern, die der Jungfrau Maria gewidmet sind. Stärkung des didaktischen und alltäglichen Elements im Wunder.

Geheimnis - die Krone des mittelalterlichen Theaters, einer Gattung, in der die Formen des kirchlichen, volkstümlichen und weltlichen Theaters des Mittelalters kombiniert wurden.

Die Blütezeit der Mysterienaufführungen im 15. - 1. Hälfte des 16. Jahrhunderts. Die Verbindung des Mysteriums mit der spektakulären Kultur der mittelalterlichen Stadt.

Die Organisatoren der Mysterien sind der Klerus und die Stadträte. Autoren von Mystery-Performances.

Teilnehmer der Mysterien, Rollenverteilung.

Mystery ist eine Volkstheateraufführung. Mysteriöse Parade. Kostüme für Teilnehmer an den Mysterien.

Der Anführer des Mysteriums, seine Kräfte. Der literarische Text des Mysteriums und das Improvisationsgewebe des Mysterienspiels. Der Aufführung ging kein Mysteriendrama voraus, sondern in den meisten Fällen die anschließende literarische Bearbeitung von Bühnentexten.

Literarische und szenische Formen des Mysterydramas. Kompositionelle Fragmentierung von Mysterientexten.

Entstehung der Mysterienzyklen des Alten Testaments und des Neuen Testaments.

Arnu Grebans „Mystery of the Passions“ ist eine klassische Art der Mystery-Performance.

Die Reihenfolge der Mystery-Performance. Mystery Parade, ihre organische Verbindung mit Stadtfesten.

Die Hierarchie der Teilnehmer der Mysterienparade spiegelt die Hierarchie der mittelalterlichen Menschenwelt wider. Entwicklung von Mystery-Aktionen.

Nationale Merkmale der Entwicklung des Mysteriums in Italien, Spanien, Frankreich, England, Deutschland. Anordnung der Bühnenbereiche für das Mysterientheater. Ring, Laube, mobile Arten der Präsentation der Mysterien.

Zeit und Raum in jeder Art von Mystery-Performance. Das groteske Prinzip der Mystery-Performance. Das komische Element im Mysterium. Ästhetische Prinzipien der Gotik im Mysterientheater.

Teufel in den Mysterien und Diableria. Dummköpfe, Krüppel, Narren. Die Einbindung von Farce in das Geheimnis.

Das Komische und das Dramatische im Mysterium. Die Nebenschauplätze des Narren im Mysterium. Eine Kombination verschiedener Theatergenres in einer Mystery-Performance. Die Entstehung der ersten semiprofessionellen Gewerkschaften, die die Mysterien ausführen.

"Die Bruderschaft der Passion Gottes" in Paris. Seine privilegierte Position im Vergleich zu anderen Theatervereinigungen. Entsakralisierung des Mystery Play. "Die Bruderschaft der Passion Gottes" im 15. und 16. Jahrhundert in Paris. Verbot der Aufführung der Mysterien in Paris.

Professionalisierung der Aktivitäten der "Brüder", eine Veränderung des Repertoires. Die Gründe für das Sterben des Mysterientheaters.

Mysterium und Reformation. Der Einfluss des Mysterientheaters auf die aufkommende Theatersprache des New Age in England, Spanien, Italien, Frankreich.

Moral - ein allegorisches Erbauungsdrama.

Entstehung und Blüte der Gattung, ihre Verbindung mit der Reformation, mit der Psychologie der mittelalterlichen Bürgerschaft.

Didaktik ist das Prinzip der Moral. Allegorien in der Moral.

Stil der Einheitsmoral. Französische Moral "Vernünftig und unvernünftig" (1436)

Theatersprache ist moralisch. Zeit und Raum in der Moral. Ort der Darstellung der Moral. Die Darsteller sind moralisch. Die Kostüme der Teilnehmer sind moralisch.

Wege der Genrebildung. Die Blütezeit des Genres in England und den Niederlanden. Die Kammern der Rhetoriker in den Niederlanden.

Moralize ist ein Mittel zur Bekämpfung des Katholizismus in England. Moralisieren Sie die vier Elemente. Allegorische Mittel der Moral im Renaissance-Drama.

Soti ... Sotis organische Verbindung mit den Spielen der Pancake Week und der Karnevalskultur dieser Zeit.

Karneval und das Aufkommen der "verrückten" Kultur im Mittelalter. Verrückter - Narr - Narr.

Der Ursprung des mittelalterlichen Narren, seine Tracht, Plastik, Mimik, Theatertechnik. Die Entstehung „verrückter Konzerne“ im Mittelalter. Gilden- und stadtweite dumme Bruderschaften.

"Frohe Predigten", Parodiedienste.

Feiertage der Narren. Narrenparaden. Ruf nach Dummköpfen.

Theateraufführungen von Narren. Entstehung des Soti-Genres. Französischer Sauti "Frieden und Missbrauch". "Das Spiel um den Narrenfürsten und die törichte Mutter" von Pierre Gringoire (1512) Schwierigkeiten bei der Genredefinition von Sauti.

Mischformen von Soti und Farce im 16. Jahrhundert. Verbot von Honigwaben.

Pariser Bruderschaft "Sorglose Jungs". Professionalisierung der Schauspielkunst der "Carefree Boys" und der Teilnehmer von "Bazoshi" im 16. Jahrhundert. Banning Bazoshi (1582) und Carefree Boys (1612).

Farce - die Grundlage des Repertoires der Bruderschaft der Passion Gottes in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Umzug "Brüder" in die Räumlichkeiten des Burgund Hotels.

Die Entstehung eines professionellen Theaters.

KONTROLLFRAGEN

THEMA 1: Methodische Merkmale des Studiums des mittelalterlichen Theaters
1. Allgemeine Merkmale des mittelalterlichen Theaters. Merkmale seiner Studie.
2. Historische und kulturelle Bedingungen für die Entstehung des mittelalterlichen Theaters.
3.Literatur- und theaterwissenschaftliche Konzepte zur Entstehung und Entwicklung mittelalterlicher Theaterformen.

THEMA 2: Die Ursprünge des mittelalterlichen Theaters
1. Der Ursprung der mittelalterlichen Jongleurkunst. Seine Rolle bei der Bildung des Theaters des 10.-13. Jahrhunderts.
2.Historien. Jongleure. Meme.
3. Die Ursprünge des mittelalterlichen Volkstheaters. Rituelle Feiertage. Karneval.
4. Die Ursprünge der Farce.

THEMA 3: Formen des Kirchentheaters
1. Grotswitha Gundersheim. Gründung des Kirchentheaters.
2.Liturgisches Drama. Seine Entwicklung im mittelalterlichen Theater.
3. Halbliturgisches Drama. Die Entwicklung des Genres im Mittelalter.
4. Das komische Basiselement im halbliturgischen Drama.

THEMA 4: Weltliches Theater im Mittelalter
1. Adam de la Halle. Theatersprache „Spiele im Pavillon“.
2. Adam de la Halle. Theatersprache „The Robin and Marion Games“.

THEMA 5: Semiprofessionelle Theatervereinigungen im Mittelalter
1. Wege zur Professionalisierung des mittelalterlichen Theaters.
2. Aktivitäten semiprofessioneller und professionell agierender Gewerkschaften und Burschenschaften im Mittelalter.
3. Das Konzept eines Schauspielers und Regisseurs im mittelalterlichen Theater.
4. „Genre“-Spezialisierung von Bazoshi und der Bruderschaft der Passion Gottes.

THEMA 6: Theater des reifen und späten Mittelalters
1. Wunder. Entstehung und Entwicklung des Genres im mittelalterlichen Theater.
2. Mystery ist die „Krone“ des mittelalterlichen Theaters.
3. Methoden der Raumorganisation in einem mittelalterlichen Theater.
4. Zeit und Raum im Mysterienspiel.
5. Das komische Element im Mysterium.
6. Diableries in den Mysterien.
7. Narren, Einfaltspinsel, Teufel in Mystery-Performances.
8. Fars in den Mysterien.
9. Schauspieler und Rollenverteilung im Mysterienspiel.
10.Direktor der Mystery-Aktion.
11. Die Gründe für das Verbot von Mysterienspielen.
12.Weit. Entstehung und Entwicklung des Genres im Mittelalter.
13. Die Seite der Farce. Die Grundprinzipien der Farce Performance.
14. Scharfseher. Techniken für die Schauspielerei. Kostüm. Bilden.
15. Das Schicksal der Farce im Theater der Renaissance.
16. Fars im Theater des 17. Jahrhunderts.
17. Seien Sie moralisch. Entstehung und Entwicklung des Genres. Nationale Merkmale des Genres der Moral.
18. Theatersprache der Moral.
19.Soti. Entstehung und Entwicklung des Genres im Mittelalter. Seine Verbindung mit der "verrückten" mittelalterlichen Kultur und dem Karneval.
20. Theaterstätten des Kirchentheaters. Zeit und Raum im Kirchentheater.
21. Theaterbühnen des Volkstheaters. Zeit und Raum im Volkstheater des Mittelalters.
22. Narr in Soti, Farce und Mysterien.
23. Entsakralisierung des Kirchentheaters im Mittelalter.
24.Entsakralisierung des Volkstheaters im Mittelalter.
25. Kostüm, Plastik und Geste im Kirchen- und Volkstheater des Mittelalters.
26. Traditionen des mittelalterlichen Theaters im 16.-17. Jahrhundert.
27. Die Bedeutung der mittelalterlichen Theaterkultur in der Geschichte des europäischen Theaters.

LITERATUR

TEXTE

Grotswitha Gundersheim. Ein Auszug aus dem Drama "Abraham" // Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters, herausgegeben von S.S. Mokulsky, Bd. 1, Hg. 2., 1953

Grotswitha Gundersheim. Ein Auszug aus dem Drama "Dulcius" // Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters, herausgegeben von S.S. Mokulsky, Bd. 1, Hg. 2., 1953

„Weise Jungfrauen und törichte Jungfrauen“, liturgisches Drama des 11. Jahrhunderts // Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters, herausgegeben von S.S. Mokulsky, Bd. 1, Hg. 2., 1953

"Die Idee von Adam", ein halbliturgisches Drama des 12. Jahrhunderts // Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters, herausgegeben von S. S. Mokulsky, Bd. 1, Hg. 2., 1953

„Die Auferstehung des Erlösers“, ein halbliturgisches Drama des 12. Jahrhunderts // Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters, herausgegeben von S. S. Mokulsky, Bd. 1, Hg. 2., 1953

Adam de La-Hal "The Game of Robin and Marion" // Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters, herausgegeben von S. S. Mokulsky, Bd. 1, Hg. 2., 1953

Jean Bodel "The Game of St. Nicholas" // Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters, herausgegeben von S. S. Mokulsky, Bd. 1, Hg. 2., 1953

Rütboeuf „Die Aktion um Theophilus“ - Übersetzung von A.A. Block - in Sobr. Op. A. A. Blok, V. 7, L, 1932

Französisches Wunder des 14. Jahrhunderts "Bertha" - ein Auszug aus dem Buch: Pinus S. French Poets, St. Petersburg, 1914

Französisches Wunder des 14. Jahrhunderts "Amis und Amil" - prosaische Übersetzung im Buch: Reader zur Geschichte der allgemeinen Literatur von II. Gliwenko - P, 1915

"Mittelalterliche französische Farce". - M, Kunst, 1981

BILDUNGSWERKZEUGE

Andreev M. L. Mittelalterliches europäisches Drama: Ursprung und Entstehung (X-XIII Jahrhundert). - M, 1989

Bachtin M. M. Kreativität Francois Rabelais und die Volkskultur des Mittelalters und der Renaissance - jede Ausgabe

Boyadzhiev G. N. Theater des frühen Mittelalters // Dzhivelegov A.K. und Boyadzhiev G. N. Geschichte des westeuropäischen Theaters. Von seiner Gründung bis 1789. - M.-L., 1941, S. 7 - 49

Boyadzhiev G. N. Theater der Epoche der Entstehung und Blüte des Feudalismus // Geschichte des westeuropäischen Theaters. - M, 1953. - T. 1, p. 7 - 124

Boyadzhiev G. N. Zu den Ursprüngen des französischen realistischen Dramas (13. Jahrhundert) // Jahrbuch des Instituts für Kunstgeschichte. Theater. - M, 1955, p. 352 -376

Boyanus SK Mittelalterliches Theater // Aufsätze zur Geschichte des europäischen Theaters, hg. A. A. Gvozdeva und Smirnova A.A. - Ptg, 1923, p. 55-104

Gazo A. Narren und Possenreißer aller Zeiten und Völker. - SPb, 1896

A. A. Gvozdev Theater der Ära des Feudalismus // A.A. Gvozdev. und Piotrvosky A.I. Geschichte des europäischen Theaters.- M.-L., 1913, S. 333 -659

A. A. Gvozdev Massenfeste im Westen (Erfahrung eines historischen Rückblicks) // „Massenfeiern“, Sammlung der Kommission für Soziologische Kunststudien des Staatlichen Instituts für Kunstgeschichte. - L., 1926

Gurevich A.Ya. Probleme der mittelalterlichen Volkskultur. - M. Art, 1981

Dzhivelegov A.K. Folk Foundations of French Theatre // Jahrbuch des Instituts für Kunstgeschichte. Theater. –M, 1955, S. 318 –351

Ivanov Viach. Sonne. Aus Anmerkungen zu Aufbau und Funktion des Karnevalsbildes // Probleme der Poetik und Literaturgeschichte. - Saransk, 1973, S. 37-54

Ivanov Viach. Sonne. Raumstrukturen des frühen Theaters und die Asymmetrie des Bühnenraums // Theaterraum. Materialien der wissenschaftlichen Konferenz. (Vipper-Messwerte - 78). - M, 1979, p. 5-34

Ivanov K. A. Troubadours, Troubadours und Mennisatoren. - jede Ausgabe.

Mokulsky S.S. Prinzipien der Konstruktion der Geschichte des französischen Theaters // Jahrbuch des Instituts für Kunstgeschichte. Theater. - M, 1948, p. 119-142

Paushkin M. Mittelalterliches Theater (Spirituelles Drama). - M, 1913

Reutin M. Yu. Volkskultur Deutschlands. - M, 1996

Smirnov A. A. Mittelalterliches Drama // Geschichte der westeuropäischen Literatur. Frühmittelalter und Renaissance“, hg. V. M. Zhirmunsky - T. 1, 1947, Kapitel 17

GLOSSAR DER GESCHÄFTSBEDINGUNGEN

"Anwalt Patlen"- eine anonyme französische Farce des 15. Jahrhunderts, die vollkommenste in ihrer künstlerischen Form, das bemerkenswerteste Denkmal eines Farce-Theaters.

"Anti-Terence"- eine Sammlung von Kirchenstücken der deutschen Ordensschwester Grotswita Gandersheim aus dem 10.

"Sorglose Jungs"- eine Halb-Amateur-Bruderschaft, die im 14. Jahrhundert in Paris gegründet wurde, um Farcen und Soti aufzuführen. Die Carefree Boys setzten die mittelalterliche Tradition der Konzerne von „Narren“ fort. Die Carefree Boys wurden 1612 durch königlichen Erlass verboten.

"Bruderschaft der Passion Gottes"- eine mittelalterliche Theater-Halb-Amateur-Organisation, die Ende des XIV. Jahrhunderts in Paris gegründet wurde. 1402 erhielten die "Brüder" (wie ihre Zeitgenossen sie nannten) das Monopol auf die Aufführung der Mysterien in Paris. 1548 verbot das Pariser Parlament der Bruderschaft, Mysterienspiele zu geben, aber ihr Theatermonopol in Paris blieb bestehen. Die Aktivitäten der Bruderschaft wurden erst 1676 endgültig eingestellt.

"Der Jongleur Unserer Lieben Frau"- eine anonyme Legende aus dem 13. Jahrhundert, die hervorragend beschreibt, was ein guter Jongleur können sollte.

„Volkschristentum“- ein Konzept, das von A. Ya. Gurewich in die russische Mediävistik eingeführt wurde. Mit „Volkschristentum“ meint Gurewitsch die allseitige Wechselwirkung der Kirchenideologie mit der vorchristlichen (oder nichtchristlichen) Volkskultur des Mittelalters.

Basosh- eine Vereinigung von Gerichtsschreibern und Rechtsanwälten, die komische Amateuraufführungen organisierten. Sie entstand zu Beginn des XIV. Jahrhunderts in Paris, wurde dann aber sehr zahlreich und hatte neben der zentralen Pariser Union im Mittelalter zahlreiche Niederlassungen in der französischen Provinz. Die Bazosianer spezialisierten sich auf die Aufführung von Possen und die Organisation traditioneller mittelalterlicher Stadtfeste. 1582 wurden die Aktivitäten der Bazos endgültig verboten.

Wahnsinniger- Ich meine den „heiligen Wahnsinn“, der im alten heidnischen Agrarritus mit der Zeit des vorübergehenden Todes gleichgesetzt wurde. Im Laufe der Zeit verwandelt sich das Bild eines Verrückten (auf Französisch - fou) in das Bild eines Narren, eines Narren, einer der zentralen Figuren des französischen mittelalterlichen Theaters. Siehe Narr, Narr.

Burgund Hotel- das älteste Schauspielhaus in Paris. Es wurde 1548 gegründet, als die Bruderschaft der Passion des Herrn, nachdem sie vom Pariser Parlament ein Aufführungsverbot für die Mysterien erhalten hatte, das Gebäude des Burgunder Hotels kaufte und begann, in den neuen Räumlichkeiten Theaterstücke verschiedener Genres zu spielen . In den 40er Jahren des 17. Jahrhunderts wurde das Burgundy Hotel zur Hauptbühne des klassizistischen Theaters. 1680 wurde die Truppe des Burgunder Hotels per königlichem Dekret mit der Truppe von Moliere vereint, wodurch das erste Staatstheater Frankreichs, die Comédie Francaise, entstand.

Buffonade, Buffon- eine komödiantische Schauspieltechnik mit maximaler Betonung der äußeren charakteristischen Merkmale der Figur, scharfe Übertreibung, scharfe äußere Dynamik des Verhaltens der Figur. Das Wort kommt vom italienischen buffonata - Witz, Clownerie. Buffonade entstand in einem mittelalterlichen quadratischen Theater. Später wurde es im italienischen Maskentheater und später in der Komödie verwendet. Heutzutage ist Possenreißer bei den Aufführungen von Zirkusclowns üblich. Buffon ist derjenige, der Possenreißer zum wichtigsten Ausdrucksmittel der Schauspielerei macht.

Histrion(von lateinisch histrio) - 1. im antiken Rom Schauspieler, oft Nachkommen von Sklaven. Im Mittelalter waren es volkstümliche Wanderschauspieler. 2. Die Ursprünge der Schauspielkunst gehen auf ländliche Ritualspiele und Feiertage zurück. Mittelalterliche Autoren nannten alle halbprofessionellen Volksschauspieler Theaterstücke. Im 13. Jahrhundert wurden sie mit dem lateinischen Wort ioculatores - "Vergnügen" - bezeichnet. In Frankreich nahmen die Ioculatores die Form von Jogleor, Jogler an und etablierten sich schließlich als Jongleur - "Jongleur".

Gothic Style- der künstlerische Stil, der in der westeuropäischen Kunst im XIII-XV Jahrhundert vorherrschte. Die Gotik entstand auf der Grundlage der romanischen Kunst, und in ihr kam das christliche Weltbild des Mittelalters am besten zum Ausdruck. Der Begriff „Gotik“ tauchte während der italienischen Renaissance auf, um die Kunst des ausgehenden Mittelalters zu bezeichnen. Die Gotik drückte sich am stärksten in der Architektur und plastischen Plastik aus. Die Blütezeit der Gotik, der sogenannten "Hochgotik", fällt in die Regierungsjahre des Heiligen Ludwig IX. (1226-1270). In der gotischen Kunst wird ein Objekt, eine Form zu Symbolen der Idee der Unendlichkeit, die Idee der Bewegung wird zu einer künstlerischen Dominante. In der Blütezeit der Gotik begann sich die weltliche Kunst intensiv zu entwickeln. Künstlerische Ideen der Spätgotik des XIV-XV Jahrhunderts. vorbereitet und prägte die Kunst der Renaissance maßgeblich.

Bilden- die Kunst, das Aussehen eines Schauspielers mit Farben, einer Perücke und Aufklebern zu verändern. Die Entstehungsgeschichte geht auf Volksrituale zurück, Spiele, die eine äußere Transformation der Teilnehmer erforderten. Es ist kein Zufall, dass bei den ersten Make-ups Pflanzenfarben und Mehl verwendet wurden. Das Make-up eines mittelalterlichen Farcers ist ein mit Mehl gebleichtes Gesicht mit leuchtenden Pflanzenfarben, die auf weißem Hintergrund aufgetragen werden, um Mund, Augen und Nase zu betonen. Die bemalten Gesichter der Farcer standen dicht an der Maske und wurden wohl manchmal durch diese ersetzt.

Vorliterarische Zeit der Entstehung der Farce- die Zeit vor der literarischen Bearbeitung von Farce-Plots, die zuvor nach dem bekannten Farce-Schema improvisiert wurden. Die vorliterarische Zeit der Farce wurzelt in den agrarischen Riten des frühen Mittelalters und endet im 13. Jahrhundert. Die erste bis heute erhaltene Farce - "Der Junge und der Blinde" - entstand zwischen 1266 und 1282, wie das Lied der Figuren der Farce beweist, das dem Feldzug des sizilianischen Königs Karl von Anjou gewidmet ist. Mit der Entwicklung der urbanen Kultur erlebt die Farce eine Neugeburt und beginnt als eigenständiges, literarisches und schriftliches Werk zu entstehen.

Dummkopf- eine Figur des Volkscomics, Bühnenrolle eines mittelalterlichen Theaters. Es erschien in der Komödie verrückter Theater-Bruderschaften. Der „Narr“ trug einen speziellen gelbgrünen Anzug, der aus abwechselnden Streifen bestand, auf dem Kopf trug er einen Hut mit langen Eselsohren, in den Händen hielt er eine Rassel, die einen Narren darstellte, in die Erbsen gegossen wurden. Der "Narr" improvisierte immer seinen Text. Er war ein unverzichtbarer Teilnehmer bei Mystery-Performances. Als eigenständiger Charakter tritt er erstmals in den Stücken von Adam de La Alle auf. Das Bild des "Narren" in der mittelalterlichen Kultur ist genetisch eng mit dem Bild des "Wahnsinnigen" (siehe oben) verwandt. Eine Vielzahl von "Narren" ist der Narr.

Dumme Konzerne, Burschenschaften- semi-amateurische Theatervereine, die mit der Karnevalskultur des Mittelalters verbunden sind. Der älteste bekannte Verein "Narren" wurde 1381 in Kleve gegründet, er hieß Narrenorden - der Narrenorden. Am Ende des Mittelalters treten in jeder Stadt ähnliche Gesellschaften auf: in Cambrai - "Merry Abbey", in Chaumont - "Devils", in Aix - "Shaly", in Rouen - "Stag", in Reims - "Merry" , in Paris - "Sorglose Jungs" und so weiter. In "dummen" Konzernen wird das Genre des mittelalterlichen Theaters geboren - Soti.

Diableria- eine Comedy-Szene, an der die Mystery Devils teilnehmen. Diableria waren ein wesentlicher Bestandteil der Mystery-Performance. Sie wurden von den Darstellern während der Aufführung improvisiert. Diableria unterbrach die Handlung des Mysteriums am häufigsten an der ergreifendsten, erbärmlichsten Stelle, wenn die Emotionen des Publikums durch die tragischen Umstände der Aufführung aufgeheizt wurden. Die Diableries gaben der mysteriösen Darbietung eine scharf disharmonische, heitere Note.

Jongleur- ein halbprofessioneller Schauspieler des mittelalterlichen Theaters. Cm. Histrion.

Zwischenspiel- eine Art Farce in England, die sich Ende des Mittelalters und zu Beginn der Renaissance entwickelte. Es wurde während der Feierlichkeiten gespielt, wie der Name des Genres beweist: auf Lateinisch inter - between, ludus - game. In einigen Zwischenspielen spielten allegorische Charaktere, die für die Moral charakteristisch sind. Somit ist das Zwischenspiel eine dramatische Übergangsform von der Farce zur Moral.

Zwischenspiel- eine kleine Comedy-Szene, die zwischen den Hauptszenen der Mystery-Performance abgespielt wird. Intermedius im Lateinischen liegt in der Mitte. Sideshows in den Mysterien wurden schließlich von Farcen verdrängt. In Spanien entwickelten sich Sideshows zu einem eigenständigen Genre und wurden zwischen den Akten der Hauptaufführung im öffentlichen Theater der Stadt aufgeführt. Die Zwischenspiele der spanischen Renaissance werden durch die Zwischenspiele von Cervantes veranschaulicht.

Krüppel- eine Figur des Volkscomics, Bühnenrolle eines mittelalterlichen Theaters. Krüppel sind beliebte Charaktere in mittelalterlichen Farcen und Mystery-Zwischenspielen. Ihre Verstümmelung und ihr Elend erweisen sich oft als imaginär und dienen als Deckmantel für das Hauptziel - reich zu werden.

Kleriker- Geistlicher, Geistlicher.

Liturgisches Drama- eine Art mittelalterliches Kirchentheater. Im 9. Jahrhundert geboren, war es eine Inszenierung einzelner Episoden des Gottesdienstes. Das liturgische Drama entwickelte sich aus antiphonem Gesang (ein singender Dialog zwischen zwei Halbchorien) und Tropen (einer dialogischen Neuerzählung des Evangeliumstextes). Liturgische Dramen wurden in lateinischer Sprache aufgeführt und wurden von rituellen symbolischen Handlungen des Klerus begleitet, was es Gemeindemitgliedern, die Latein nicht beherrschten, erleichterte, die Ereignisse des Evangeliums zu verstehen.

Maske- mascus, masca - auf Lateinisch eine Maske. Diese "Maske" wurde aus Leder, Papier oder anderen Materialien hergestellt. Die Theatermaske wird über dem Gesicht getragen und bei Theateraufführungen verwendet. Die Geschichte der Theatermaske wurzelt in heidnischen Agrarriten. Im Mittelalter wurde die Maske von Histrions, Jongleuren und Farcern verwendet.

Mediävistik- aus dem Lateinischen medius - Mitte und aevum - Jahrhundert, Epoche. Ein Abschnitt der Geschichte, der die Geschichte Europas im Mittelalter untersucht.

Minnesänger- ein mittelalterlicher Sänger, Musiker, lustiger Mann, Dichter, im Dienste des Meisters. Anders als Jongleure orientiert sich die Kunst der Minnesänger am Geschmack der Aristokratie, der gebildeten Oberschicht der Gesellschaft.

Theaterforschungsmethode- eine wissenschaftliche Methode der Theater- und Schauspielanalyse, bei der das Theater als eigenständige Kunst und nicht als Teil der Literatur betrachtet wird. Die Methode der Theaterforschung wurde in den Werken der russischen Wissenschaftler A.A. Gvozdev, A. K. Dzhivelegova, S.S. Mokulsky, K. N. Derzhavin, S. S. Danilova, P. A. Markova, G. N. Boyadzhiev und andere.

Migration von Farzentexten- Im Mittelalter hatte jede Stadt ihre eigene Semi-Amateur-Truppe, die Theateraufführungen übte. So verspürten die Städter kein Bedürfnis nach den Tournee-Auftritten der Schauspieler. Aber Laienschauspieler haben bereits das Bedürfnis verspürt, ihr Repertoire zu aktualisieren. Sie kopierten die Texte von Farcen zunächst per Hand, und im späten Mittelalter wurden bereits Farcen in kleinen Büchern veröffentlicht. Die Texte der Farce „tourten“ zwischen den Städten, nicht aber deren Darsteller.

Mime- eine besondere Art der Aufführung im antiken Theater, das sind kleine satirische Alltagsszenen, in denen sich die poetische Form mit Prosa abwechselt. Anfänglich wurden Pantomimen auf der Straße und in den Häusern von Adeligen gespielt, später entwickelte sich Pantomime zu einem eigenständigen Theatergenre. Pantomime blüht in Rom im 1. Jahrhundert v. Chr. auf. Zu dieser Zeit beginnen Frauen, Zauberer und Akrobaten, an der Pantomime teilzunehmen. In der Zeit des Römischen Reiches entwickelt sich die Pantomime zu Stücken von bedeutendem Umfang mit einer komplexen unterhaltsamen Intrige, in der sich die spektakuläre Seite entwickelt. Mime hatte einen gewissen Einfluss auf die für ihn zeitgenössische Literatur der Antike. Der Einfluss der Pantomime breitete sich weiter aus, er ist in mittelalterlichen italienischen Farcen sowie in Aufführungen der Commedia dell'arte deutlich zu erkennen.

Wunder- das Genre des mittelalterlichen Kirchentheaters, seine Handlung basiert auf einem "Wunder" (genauso wird der Name des Genres übersetzt - Miraculum in Latein bedeutet "Wunder"), das von der Heiligen oder der Jungfrau Maria aufgeführt wird. Miracle erschien im 13. Jahrhundert in Frankreich und verbreitete sich in ganz Westeuropa. In Mirakla wurde das irdische Leben als Zufluchtsort des Kummers und Leidens dargestellt. Erst das wundersame Eingreifen der himmlischen Mächte in das Schicksal der Menschen führte zum Triumph der Gerechtigkeit und zum Niedertreten des Lasters. Im Laufe der Zeit wurden Legenden und Apokryphen in Wundern verwendet. Die Blütezeit des Genres fällt in das XIV.-XV. Jahrhundert und ist mit den Ereignissen des Hundertjährigen Krieges verbunden. Im 15. Jahrhundert begann Mirakli, die Handlungen lateinischer Abenteuergeschichten, Fabeln und Gedichte zu verwenden. Zu diesem Zeitpunkt beginnt das religiöse Element allmählich durch das alltägliche Weltliche aus der Handlung zu verdrängen, und das Wunder beginnt in seinem Inhalt einem erbaulichen Alltagsdrama zu ähneln. Das christliche Prinzip ist jedoch nach wie vor die einzige Determinante der Logik des moralischen Komplotts. In England wurde das Wort "Moral" oft verwendet, um das Geheimnis zu beschreiben. In Spanien war die Moral nahe am Autogenre (Spanische und portugiesische Arten dramatischer Darbietungen in einem Akt auf einer biblischen Handlung. Anschließend entwickelten sich Autos im 16. . Miracle wurde in poetischer Form komponiert. Die Ausführenden der ersten Wunder waren ihre Schöpfer, und Wunder wurden in Puys gespielt. (Siehe Puy.) Allmählich tauchten Wunder aus den Mauern des Puis auf und wurden von halbamateurischen Schauspielern vor einem breiten Publikum aufgeführt. Während der Renaissance in Spanien wurden Wunder von den großen Schriftstellern der Renaissance zu „Heiligenspielen“. Im 17.-18. Jahrhundert war die kanonische Form der Wunder nur im Repertoire der Theater der Jesuitenschule erhalten.

Geheimnis- das Genre des mittelalterlichen Theaters. Die Entstehung des Mysteriums im 14. Jahrhundert wurde durch die bisherigen Formen des kirchlichen Theaters vorbereitet. Der Inhalt des Mysteriums bestand aus Geschichten aus der Bibel und aus dem Evangelium. Szenen religiöser Natur wechselten sich mit komödiantischen Einlagen, Diablerien und Farcen ab. So fand im Mysterium eine organische Verbindung des kirchlichen und volkstümlichen Theaters des Mittelalters statt. Die Organisation der Mysterien lag zunächst in der Verantwortung der Kirche, die die Gemeindemitglieder aktiv in die Aktion einbezog. Die Teilnahme am Mysterium wurde übrigens mit dem Erwerb von Ablass gleichgesetzt. Das Mysterium war eine Art „lebendige“ Bibel für die Analphabeten. Die intensive Entwicklung des Mysteriums war mit der Blüte der städtischen Kultur im XIV.-XV. Jahrhundert verbunden. Ende des 13. Jahrhunderts entstanden in mittelalterlichen Städten besondere Gewerkschaften, Bruderschaften, die sich auf die Aufführung von Mysterien und anderen Theateraufführungen spezialisierten. Mysteriöse Aufführungen wurden oft organisch in die großen städtischen Feste des Mittelalters einbezogen. Die Teilnehmer des Mysteriums waren mittelalterliche Handwerker und Städter. Ungefähr 400 Städter nahmen an einem Mysterium teil. Seine Blütezeit erreicht das Mysterium in Frankreich, wo die Mystery-Aufführungen in einigen Städten etwa 6 Monate im Jahr dauerten. Im 15. Jahrhundert ging die Organisation der Mysterien in die Hände der Stadtbehörden über. Das Mysteriendrama wurde in drei große Zyklen unterteilt: Altes Testament, Neues Testament und Apostolisches. Im 16. Jahrhundert wurden die Mysterien in England, Deutschland und den Niederlanden zunehmend in den erbitterten religiösen Kampf verwickelt, der sich zwischen Katholizismus und Protestantismus entfaltete. In diesen Ländern nahm das komödiantische und parodistische Element im Vergleich zur religiösen Haupthandlung erheblich zu. Simultanität (siehe Simultanität) war das Hauptprinzip der Raumorganisation im Mysterium. Es gab drei Möglichkeiten, eine Mystery-Performance zu präsentieren: kreisförmig, Laube, mobil. Sie beeinflussten gewissermaßen den Bühnenraum des Theaters des 16. und 17. Jahrhunderts. Die Produktion des Mysteriums wurde von "Spielmanagern" geleitet, von denen jeder seine eigene Spezialisierung hatte - literarisch, stoppend, technisch. Besonders hervorzuheben ist die High-Sham-Technik der Mystery-Performances. Geschickt gemachte "Wunder" in den Mysterien werden von bewundernden Zeitgenossen beschrieben.

Moral- Genre des mittelalterlichen Theaters, erbauendes allegorisches Drama. Das Genre blüht im 15.-16. Jahrhundert auf. Im Zentrum der Moral stand das Prinzip der christlichen Moral, doch gleichzeitig entfernt sich die Moral bereits von der Theatralisierung biblischer Themen (die für alle Genres des Kirchentheaters charakteristisch war) und wendet sich Situationen und Konflikten im wirklichen Leben zu. Die Hauptakteure der Moral waren Charaktere, die verschiedene Tugenden und Laster verkörperten und in den Kampf um die menschliche Seele eintraten. Diese Bilder waren frei von individuellen Zügen und Merkmalen und waren kollektive, verallgemeinernde Charaktere - Allegorien. Die Zuschauer in Kostüm, Make-up, Bühnendetails verstanden, was für eine Figur auf der Bühne erscheint. Zum Beispiel erschien Vera mit einem Kreuz in den Händen auf der Bühne, Nadezhda - mit einem Anker hielt Flattery einen Fuchsschwanz in den Händen und streichelte ihn Dummheit, die leicht an einer mit Eselsohren verzierten Mütze zu erkennen war. Diese allegorischen Charaktere gerieten in Konflikt miteinander, was das zentrale christliche Prinzip des ewigen Kampfes zwischen Gut und Böse, Geist und Körper widerspiegelte. Dieser Interessenkampf entwickelte sich hauptsächlich im Dialog und nicht im Handeln, die Darstellung von Leidenschaften wurde durch die verbale Äußerung einer christlichen Meinung über Leidenschaften ersetzt. Eine populäre moralische Verschwörung, die im 15.-16. Jahrhundert häufig anzutreffen war, war die Geschichte eines Mannes, zu dem der Tod kam. Im Angesicht des Todes durch Freundschaft, Reichtum, Verwandtschaft keine Unterstützung und Erlösung findend, erinnerte sich der Mensch an seine guten Taten, die ihn zu den Toren des Paradieses führten. Im 15. Jahrhundert tauchen in der Moral Echos ideologischer und politischer Konflikte auf. Politische und moralische Vorstellungen der Bürger verdrängen nach und nach nur noch christliche Inhalte aus der Moral. So wurden beispielsweise in Holland, das im 16. Jahrhundert gegen die spanischen Eingriffe in die Moral kämpfte, die Ideen der nationalen Unabhängigkeit aktiv eingeführt. In England wurde während der Reformation die Moral zu einem Mittel, um den Katholizismus zu bekämpfen. So entsteht nach und nach in den Tiefen des Genres ein moralisierendes Bürgerdrama. Am Ende des 16. Jahrhunderts hört die Moral fast vollständig auf zu existieren. Jedoch werden in frühhumanistischen Dramen traditionelle allegorische Charaktere aus der Moral gefunden.

Einfaltspinsel- eine Figur eines Volkskomödianten, eine Bühnenrolle eines mittelalterlichen Theaters, ein Darsteller der Rollen einfältiger, naiver, engstirniger (häufiger - scheinbar solcher) Menschen. Der Prototyp eines Einfaltspinsels ist „ein Narr“ (siehe Narr). Dummköpfe erscheinen zum ersten Mal in Farcen und werden dann zu Charakteren in Mysterien und später in der Moral. Aus dieser Rolle des mittelalterlichen Theaters kristallisierte sich später eine stabile Theaterrolle heraus, die in den Comedy-Genres des professionellen Theaters weit verbreitet war.

Puy- kommt aus dem Französischen "Puy", was einen Hügel bedeutet, eine kleine Bühne - das sind literarische und theatralische Laiengemeinschaften, die im Mittelalter an Kirchen und Abteien entstanden sind. In Puis lasen Priester und gebildete Gemeindemitglieder kirchliche Texte, sangen Kirchenlieder, schrieben Gedichte und Theaterstücke mit geistlichem Inhalt. Wissenschaftler führen das Erscheinen der ersten Puis in Frankreich auf das 11. Jahrhundert zurück. Das Wachstum der Städte und die Entwicklung der urbanen Kultur beeinflussten maßgeblich die Aktivitäten der puis, die weltliche Kultur dringt zunehmend in die Werke von Priestern und Dichtern ein. In Arras puy, das als "Bruderschaft der Jongleure" bezeichnet wurde, schuf Adam de La Alem eines der frühesten Werke des weltlichen mittelalterlichen Theaters - "Spielen im Pavillon". Die Puys waren einflussreich bei der Schaffung halbprofessioneller Theaterbrüderschaften im Mittelalter.

Reformation- eine breite soziale Bewegung, die im 16. Jahrhundert West- und Mitteleuropa erfasste und deren Inhalt hauptsächlich der Kampf gegen die römisch-katholische Kirche war. Die Bewegung begann in Deutschland mit einer Rede Martin Luthers. Während der Reformation wurden Thesen aufgestellt, die die Existenz der katholischen Kirche mit ihrer Hierarchie des Klerus, das Recht der Kirche auf irdische Reichtümer leugneten und eine „billigere“ Kirche forderten. Die einzige Quelle religiöser Wahrheit war die Verkündigung der Heiligen Schrift, die heilige Tradition des Katholizismus wurde abgelehnt. Unter dem ideologischen Banner der Reformation fanden in Deutschland der Bauernkrieg, in den Niederlanden und England bürgerliche Revolutionen statt. Die Reformation markierte den Beginn des Protestantismus.

Heiliges Doppel- ein Heldenpaar, das in den frühen Stadien der Entwicklung des Agrarritus auftaucht, einer der Helden verkörpert den Tod, ein anderes Leben. Der Sieg des einen über den anderen, das Leben über den Tod, ist die Grundlage der rituellen Handlung. Im Laufe der Evolution im mittelalterlichen Theater verlieren heilige Doppelgänger ihre rituellen Züge und werden zu Farcefiguren.

Weltliches Theater- eine der Theaterformen des Mittelalters, die im 13. Jahrhundert auftauchte. Als früheste Beispiele weltlichen Theaters gelten die Werke des Arras-Trouvers Adam de La'Ale „Spiel im Pavillon“ und „Das Stück über Robin und Marion“. Das weltliche Theater entstand und entwickelte sich im Mittelalter gleichzeitig mit dem Kirchentheater. Es gab eine Wechselwirkung und gegenseitige Beeinflussung der beiden Theaterformen aufeinander.

Säkularisierung- kommt vom lateinischen saecularis - weltlich, weltlich. Im westlichen Mittelalter ist dies der Übergang des Menschen von einem spirituellen in einen säkularen sowie die Befreiung des Bewusstseins des Menschen und der Kultur von religiösen Einflüssen.

Gleichzeitigkeit- kommt aus dem Französischen simultane - simultan. Das zentrale Prinzip aller mittelalterlichen Theaterformen, nach dem sich alle Schauplätze der Handlung gleichzeitig auf der Bühne befinden.

Soti- ein komödiantisch-satirisches Genre des französischen mittelalterlichen Theaters des 15.-16. Jahrhunderts. Der Name kommt vom französischen Wort sot - Dummkopf, Dummkopf. Das Genre entwickelte sich aus dem parodistisch-albernen Feiertag "Fools". Alle Charaktere in den Soti handeln wie Narren, gekleidet in die entsprechenden Clownkostüme. Zu jedem Kostüm wurde ein notwendiges Detail oder Attribut hinzugefügt, wodurch der Betrachter sofort verstand, wen die jeweilige Figur allegorisch darstellte. Soti wurden von speziellen Semi-Amateur-Gewerkschaften komponiert und gespielt, die sich Pläne ausdachten, die die wichtigsten politischen Ereignisse parodistisch nachahmen oder die modernen Sitten und Laster der Stadtbewohner lächerlich machten. Unter den Songwritern und Performern von Soti ist vor allem die Pariser Clownerie "Carefree Children" bekannt. Ende des 16. Jahrhunderts wurde Soti von den königlichen Behörden verboten.

Bühnensprache- In der Theaterwissenschaft bezeichnet dieser Begriff eine Reihe von künstlerischen Techniken und Ausdrucksmitteln, mit denen Regisseure ihre künstlerische Absicht offenbaren. Die Bühnensprache des Stücks ist nicht identisch mit dem Text des Stücks, auf dem es teilweise basiert.

Troubadour- Provenzalischer Dichter-Sänger im XI-XIII Jahrhundert Die Texte der Troubadours sangen höfische Liebe, die feinen Gefühle der Liebenden.

Truver- ein mittelalterlicher Hofdichter oder Sänger, Komponist mittelalterlicher Dramen. Die Kunst der Troubadours wurde von der Kunst der Troubadours beeinflusst, aber sie war rationaler.

Farce- eine Art mittelalterliches Volkstheater. Der Name kommt vom lateinischen farcio - ich stopfe. Es gibt viele Ansichten über den Ursprung der Farce. In der Theaterwissenschaft dominieren zwei: Die Farce entstand aus Komödienszenen, die in den Mysterien entstanden, die ihre geschmacklose Handlung „starteten“; Farce entwickelte sich als eigenständiges Genre und entstand aus den agrarisch-heidnischen Ritualen, die in die Stadt einwanderten. Nachdem es sich zu einem unabhängigen Genre entwickelt hatte, wurde es in die Handlung von Mystery-Produktionen einbezogen. Die Farce war voller Possenreißer und grobem Humor. Gegenstand des Bildes in der Farce sind am häufigsten die alltäglichen und familiären Aspekte des mittelalterlichen Stadtlebens. Farcen wurden auf primitiven Bühnentischen aufgeführt, die während Jahrmärkten und während der Ferien in der Stadt auf den Plätzen der Stadt aufgestellt wurden. Farce-Darsteller - Farcer - weit verbreitete Techniken des externen Comics (Kämpfe, Schläger, Klettern in ein Fass, eine Tasche, eine Truhe, Streitereien, Streitigkeiten usw.) Die Kostüme der Farce waren erkennbar und stammen aus dem modernen Leben. In Farzen werden stabile Bildermasken gebildet, die einem individuellen Prinzip entbehren: ein scharlatanischer Arzt, eine streitsüchtige Frau, ein einfältiger Ehemann, ein pedantischer Wissenschaftler, ein ausschweifender Mönch usw. Farce basiert immer auf Tricks, auf Täuschung. Die Moral der Farce: Der Dieb wird ausgeraubt. Das Farce-Drama blüht im 15. und 16. Jahrhundert auf. Das Drama der Frührenaissance machte ausgiebigen Gebrauch von Farce-Traditionen. Farce hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Entstehung des Komödientheaters in Frankreich, Italien, Spanien, England und Deutschland im 17. Jahrhundert. In ihren Ursprüngen mit Volksritualen und Spielen verbunden, hatte die Farce in jedem Land einen national unverwechselbaren Charakter. Farcen, Soti, Moral bildeten die Grundlage des Repertoires semiprofessioneller Theaterkonzerne des Mittelalters.

Fastnachtspiel- auf Deutsch Fastnachtspiel, wörtlich - ein Faschingsspiel. Dies ist Teil der Karnevalsaufführungen des XIV.-XV. Jahrhunderts. Farce kommt vom Fastnachtgpiel in Deutschland. Ursprünglich war das Fastnachtspiel nach dem Prinzip der Parodie des Spottes aufgebaut und war eine Szene mit alltäglichem Inhalt. Im 15.-16. Jahrhundert erfuhr das Fastnachtspiel eine literarische Bearbeitung, es begann, Handlungen der Ritterliteratur, Schvanks, zu verwenden. Während der Reformationszeit spiegelte sich die moderne religiöse Opposition im Fastnachtgpiel wider. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts wurden Karnevalsumzüge in Deutschland verboten und mit ihnen das Fastnachtspiel.

Kirchentheater- eine Theaterform des Mittelalters, die ihren Ursprung in der Kirche hat, in den Tiefen des Gottesdienstes. Kirchendiener waren die Schöpfer und Darsteller von Kirchendramen. Im Kirchentheater Westeuropas wurden zwei Arten von Dramen gebildet: liturgische und halbliturgische.

Spielmann- kommt aus dem Deutschen spielen - spielen und Mann - eine Person; in den Ländern der deutschen Sprache war es der Name wandernder mittelalterlicher Schauspieler-Musiker. Sie traten auf Stadtmärkten sowie auf Höfen auf. Sie waren gleichzeitig Dichter, Schauspieler, Sänger, Akrobaten, Musiker, Tänzer. Gleichzeitig mit dem Wachstum und der Entwicklung der Städte ließen sich die Spielmans nieder, gründeten Ladenorganisationen.

Narr- eine komische Figur des mittelalterlichen Theaters, sowie Jahrmarkt- und Showaufführungen der Spätzeit. Wahrscheinlich stammt der Narr vom Narren ab (siehe „Narr“), wie seine Tracht beweist. Der Narr ist in gelbgrüne Kleidung aus abwechselnd farbigen Stoffstreifen gekleidet, auf dem Kopf trägt er eine Mütze mit langen Eselsohren, an deren Enden Glöckchen angebracht werden können. In der Hand des Narren ist eine Rassel, die eine Figur oder ein Narrenkopf ist. Dem Erscheinen des Narren geht immer das Geräusch dieser Rassel voraus. Im mittelalterlichen Theater tritt der Narr auf, immer gegen die Handlung oder die Logik der Handlung, seine Darbietung steht in keinem Zusammenhang mit der Haupthandlung der Vorstellung. Seine Monologe sind in der Regel reine Improvisationen, in denen er sich bei jeder Gelegenheit zu Wort melden durfte. Das Lachen eines Narren im Mittelalter galt nicht als satirisch, verstörend, lächerlich machend, sein Lachen war ambivalent. Die Tradition eines solchen Narrenlachens ist in Shakespeares Renaissance-Komödien zu sehen. Der Narr ist ein obligatorischer Charakter in Mystery Acts. Als Charakter spielte er auch in der Moral, in der Soti, in der Farce eine Rolle.

Renaissance - (Renaissance)- aus der französischen Renaissance, was Renaissance bedeutet. Dieser Begriff wurde erstmals von dem italienischen Wissenschaftler und Schriftsteller G. Vasari in Bezug auf die schnellen Veränderungen in der italienischen Kunst im 15.-16. Jahrhundert verwendet. Die Renaissance erlebte jedoch nicht nur Italien, sondern alle Länder West- und Mitteleuropas. (Wenn wir der Idee von N. Konrad folgen - Konrad N. West und Ost. M: Wissenschaft, 1963 - dann haben alle Länder ihre Wiederbelebung erlebt.) Wiederbelebung ist eine Periode in der historischen und kulturellen Entwicklung der Länder des Westens und Mitteleuropa im Übergang vom Mittelalter zur Kultur der Neuzeit. In Italien im XIV-XVI Jahrhundert, in anderen Ländern - das Ende des XV - Anfang des XVI Jahrhunderts. Während der Renaissance kommt es zu radikalen Bewusstseinsverschiebungen und einem Wechsel von einem Wahrnehmungssystem und Weltbild zu einem anderen. Dies führte zur Entstehung neuer künstlerischer Trends, Trends, Stile und Schulen. Die Kultur der Renaissance zeichnet sich vor allem durch weltliche, antiklerikale, humanistische Züge aus, ein Appell an das kulturelle Erbe der Antike. Die Ideen von den unbegrenzten Möglichkeiten des Menschen, die Verleugnung der Askese, Scholastik, das Gefühl der Ganzheit und Harmonie des Universums, Schönheit und Harmonie der Wirklichkeit, in der der Mensch den zentralen Platz einnimmt, sind für alle Arten von Kunst bestimmend dieser Zeit. Das Theater nimmt unter den anderen Kunstgattungen eine Sonderstellung ein. Die Blütezeit des Theaters fällt in jene Periode der Renaissancekultur, in der das humanistische Ideal in eine Krise geraten ist, in der sich tiefe Widersprüche in der Renaissance-Idee der Gottesgleichheit offenbaren. Das Ausmaß des Konflikts der Epoche war die Grundlage für die Blütezeit des großen Dramas der Renaissance. Am Ende der Renaissance entstand in den europäischen Ländern ein großes Theater. Seine Entstehung fällt mit dem wichtigsten Prozess der Nationalsprachenbildung zusammen, der in der Renaissance begann. Die Theaterkunst tritt, ohne zunächst mit mittelalterlichen Bühnentraditionen zu brechen, in die Zeit ihrer letzten beruflichen Entwicklung ein. In europäischen Staaten treten öffentliche Stadttheater mit professionellen Ensembles auf, die regelmäßig Aufführungen aufführen.