Gemälde europäischer Künstler des 19. Jahrhunderts. Ausländische Künstler des 19. Jahrhunderts: die klügsten Persönlichkeiten der bildenden Kunst und ihr Erbe
Das 19. Jahrhundert hat in allen Kunstformen unauslöschliche Spuren hinterlassen. Dies ist eine Zeit sich ändernder gesellschaftlicher Normen und Anforderungen, kolossaler Fortschritte in Architektur, Bau und Industrie. In Europa werden Reformen und Revolutionen aktiv vorangetrieben, Banken und Regierungsorganisationen werden geschaffen, und all diese Veränderungen wirken sich direkt auf die Künstler aus. Ausländische Künstler des 19. Jahrhunderts brachten die Malerei auf ein neues, moderneres Niveau und führten nach und nach Strömungen wie Impressionismus und Romantik ein, die viele Prüfungen durchlaufen mussten, bevor sie von der Gesellschaft anerkannt wurden. Künstler vergangener Jahrhunderte hatten es nicht eilig, ihre Charaktere mit heftigen Emotionen auszustatten, sondern stellten sie mehr oder weniger zurückhaltend dar. Aber der Impressionismus hatte in seinen Zügen eine ungezügelte und kühne Fantasiewelt, die mit romantischem Mysterium hell kombiniert wurde. Im 19. Jahrhundert begannen Künstler, über den Tellerrand zu schauen und die akzeptierten Muster vollständig abzulehnen, und diese Stärke überträgt sich in die Stimmung ihrer Werke. In dieser Zeit arbeiteten viele Künstler, deren Namen wir noch heute für großartig halten und deren Werke unnachahmlich sind.
Frankreich
Spanien
Die Iberische Halbinsel hat uns auch viele berühmte Namen gegeben, darunter:
Niederlande
Vincent Van Gogh ist einer der herausragendsten Niederländer. Van Gogh litt bekanntlich an einer schweren psychischen Störung, die jedoch seinem inneren Genie keinen Abbruch tat. In einer ungewöhnlichen Technik hergestellt, wurden seine Gemälde erst nach dem Tod des Künstlers populär. Die bekanntesten: "Sternennacht", "Iris", "Sonnenblumen" sind in der Liste der teuersten Kunstwerke der Welt enthalten, obwohl Van Gogh keine spezielle Kunstausbildung hatte.
Norwegen
Edvard Munch stammt aus Norwegen und ist berühmt für seine Malerei. Das Werk von Edvard Munch zeichnet sich stark durch Melancholie und eine Art Rücksichtslosigkeit aus. Der Tod seiner Mutter und seiner eigenen Schwester im Kindesalter sowie die gestörten Beziehungen zu den Damen beeinflussten die Malweise des Künstlers stark. Zum Beispiel das bekannte Werk "Scream" und nicht weniger populär - "Sick Girl" tragen Schmerz, Leid und Unterdrückung.
Vereinigte Staaten von Amerika
Kent Rockwell ist einer der bekanntesten amerikanischen Landschaftsmaler. Seine Werke verbinden Realismus und Romantik, was die Stimmung des Dargestellten sehr genau wiedergibt. Man kann stundenlang seine Landschaften betrachten und jedes Mal die Symbole anders interpretieren. Nur wenigen Künstlern ist es gelungen, die Winternatur so darzustellen, dass der Betrachter die Kälte wirklich erlebt. Farbsättigung und Kontrast sind der erkennbare Stil von Rockwell.
Das 19. Jahrhundert ist reich an herausragenden Schöpfern, die einen großen Beitrag zur Kunst geleistet haben. Ausländische Künstler des 19. Jahrhunderts öffneten die Türen zu mehreren neuen Richtungen wie dem Post-Impressionismus und der Romantik, was sich in der Tat als entmutigende Aufgabe herausstellte. Die meisten von ihnen haben der Gesellschaft unermüdlich bewiesen, dass ihre Arbeit eine Existenzberechtigung hat, aber viele haben es leider erst nach dem Tod geschafft. Ihr ungezügelter Charakter, Mut und Kampfbereitschaft werden mit außergewöhnlicher Begabung und Leichtigkeit kombiniert, was ihnen das volle Recht gibt, eine wesentliche und bedeutsame Zelle zu besetzen.
Die Pluralität künstlerischer Strömungen im 19. Jahrhundert war eine Folge des Modernisierungsprozesses. Das künstlerische Leben der Gesellschaft wurde nun nicht nur vom Kirchendiktat und der Mode höfischer Kreise bestimmt. Mit dem Wandel der Gesellschaftsstruktur änderte sich auch die Wahrnehmung von Kunst in der Gesellschaft: Es entstehen neue soziale Schichten von wohlhabenden und gebildeten Menschen, die in der Lage sind, Kunstwerke eigenständig zu bewerten und sich nur auf das Bedürfnis des Geschmacks zu konzentrieren. Im 19. Jahrhundert begann die Massenkultur Gestalt anzunehmen; Zeitungen und Zeitschriften von Ausgabe zu Ausgabe lange Romane mit unterhaltsamer Handlung gedruckt, wurden zum Prototyp der Fernsehserien in der Kunst des 20. Jahrhunderts.
In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts entfaltete sich in Europa eine in ihrer Tragweite beispiellose Stadtplanung. Die meisten europäischen Hauptstädte - Paris, St. Petersburg, Berlin - haben ihr charakteristisches Aussehen erhalten; in ihren architektonischen ensembles hat die rolle der öffentlichen gebäude zugenommen. Der berühmte Eiffelturm, der 1889 zur Eröffnung der Weltausstellung erbaut wurde, wurde zum Wahrzeichen von Paris. Der Eiffelturm demonstrierte die technischen Möglichkeiten eines neuen Materials – Metall. Die ursprüngliche künstlerische Lösung wurde jedoch nicht sofort erkannt, der Turm wurde zum Abriss aufgerufen, monströs genannt.
Neoklassizismus in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts erlebte eine späte Blütezeit, jetzt bekommt es den Namen Empire (vom französischen "Empire"), dieser Stil drückte die Größe des von Napoleon geschaffenen Imperiums aus. Mitte des Jahrhunderts wurde die Suche nach Stil zum Hauptproblem der europäischen Architektur. Infolge der romantischen Faszination für die Antike versuchten viele Meister, die Traditionen der Architektur der Vergangenheit wiederzubeleben - so entstanden Neugotik, Neorenaissance, Neobarock. Die Bemühungen der Architekten führten oft zum Eklektizismus - der mechanischen Kombination von Elementen verschiedener Stile, alt mit neu.
Im künstlerischen Leben der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts herrschte die Romantik vor, die Enttäuschung über die Ideologie der Aufklärung widerspiegelte. Die Romantik ist zu einer besonderen Weltanschauung und Lebensweise geworden. Das romantische Ideal einer von der Gesellschaft nicht verstandenen Person prägt das Verhalten ihrer oberen Schichten. Die Romantik zeichnet sich durch den Gegensatz zweier Welten aus: real und imaginär. Die Wirklichkeit wird als geistlos, unmenschlich, menschenunwürdig und ihm entgegengesetzt angesehen. Der "Prosa des Lebens" der realen Welt wird die Welt der "poetischen Wirklichkeit", der Welt der Ideale, Träume und Hoffnungen gegenübergestellt. Die Romantik sieht die Welt der Laster in der zeitgenössischen Realität und versucht, einen Ausweg für eine Person zu finden. Dieser Ausstieg ist zugleich ein Abschied von der Gesellschaft in unterschiedlichen Versionen: Der Held begibt sich in seine eigene Innenwelt, über die Grenzen des realen Raums hinaus, und der Aufbruch in eine andere Zeit. Die Romantik beginnt, die Vergangenheit, insbesondere das Mittelalter, zu idealisieren und sieht darin eine Raureif-Realität, Kultur und Werte.
Eugene Delacroix (1798-1863) sollte der Kopf der französischen Romantik in der Malerei werden. Die unerschöpfliche Vorstellungskraft dieses Künstlers schuf eine ganze Welt von Bildern, die noch immer mit ihrem intensiven Leben, voller Kampf und Leidenschaften, auf der Leinwand leben. Delacroix zog häufig Motive aus den Werken von William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott und wandte sich den Ereignissen der Französischen Revolution und anderen Episoden der nationalen Geschichte ("Die Schlacht von Poitiers") zu. Delacroix machte zahlreiche Bilder von Menschen des Ostens, hauptsächlich Algeriern und Marokkanern, die er während seiner Afrikareise sah. In dem Werk "Massaker auf der Insel Chios" (1824) reflektierte Delacroix den Kampf der Griechen gegen die türkische Herrschaft, der dann ganz Europa erschütterte. Eine Gruppe leidender griechischer Gefangener im Vordergrund des Bildes, darunter eine vor Trauer verstörte Frau und ein Kind, das an die Brust einer toten Mutter kriecht, stellt sich der Künstlerin den hochmütigen und grausamen Figuren der Bestrafer entgegen; in der Ferne ist eine brennende, zerstörte Stadt zu sehen. Das Gemälde beeindruckte die Zeitgenossen sowohl mit der atemberaubenden Kraft menschlichen Leidens als auch mit seiner ungewöhnlich kräftigen und klangvollen Farbe.
Die Ereignisse der Julirevolution von 1830, die mit der Niederlage der Revolution und der Wiederherstellung der Monarchie endeten, inspirierten Delacroix zu dem bekannten Gemälde Liberty on the Barricades (1830). Die Frau, die das Trikolore der Französischen Republik hisste, steht für Freiheit. Das Bild der Freiheit auf den Barrikaden 0 ist die Verkörperung des Kampfes.
Der Vertreter der weltberühmten Romantik war der spanische Künstler Francisco Goya (1746-1828), der sich erst relativ spät zu einem bedeutenden Künstler entwickelte. Seinen ersten bedeutenden Erfolg brachten ihm zwei Serien (1776-1791) zahlreicher Wandteppiche, die für die Königliche Manufaktur Santa Barbara in Madrid angefertigt wurden (Umbrella, Blind Guitarist, Crockery Seller, Blind Man's Buff, Wedding). In den 90er Jahren. Im 18. Jahrhundert nehmen in Goyas Werk Züge der Tragödie und Feindseligkeit gegenüber dem feudal-klerikalen Spanien der "alten Ordnung" zu. Die Hässlichkeit seiner moralischen, spirituellen und politischen Grundlagen enthüllt Goya in einer grotesk-tragischen Form, die sich aus folkloristischen Quellen speist, in einer großen Radierungsserie "Caprichos" (80 Blätter mit Künstlerkommentaren); die kühne Neuheit der künstlerischen Sprache, die scharfe Ausdruckskraft von Linien und Strichen, Licht- und Schattenkontraste, die Verbindung von Groteske und Realität, Allegorie und Fantasie, Gesellschaftssatire und nüchterne Realitätsanalyse eröffneten neue Wege für die Entwicklung des europäischen Kupferstichs . In den 1790er - frühen 1800er Jahren blühte Goyas Porträtmalerei auf, in der ein beunruhigendes Gefühl der Einsamkeit (Porträt von Senora Bermudez), mutiger Konfrontation und Herausforderung an die Umwelt (Porträt von F. "And" Maha Nude ") herrscht. Mit erstaunlicher Denunziationskraft hat der Künstler in dem Gruppenporträt „Die Familie Karls IV.“ die Arroganz, die körperliche und seelische Armut des Königshauses eingefangen. Goyas große Gemälde, die dem Kampf gegen die französische Intervention gewidmet sind ("Der Aufstand am 2. Mai 1808 in Madrid", "Erschießung der Rebellen in der Nacht zum 3. Radierungen "Die Katastrophe des Krieges" (82 Blätter, 1810-1820).
Francisco Goya "Caprichos"
Wenn in der Literatur die Subjektivität der Wahrnehmung des Künstlers Symbolik offenbart, dann wird in der Malerei eine solche Entdeckung durch den Impressionismus gemacht. Impressionismus (von französischer Impression - Impression) ist ein Trend in der europäischen Malerei, der Mitte des 19. Jahrhunderts in Frankreich entstand. Die Impressionisten mieden jedes Detail in der Zeichnung und versuchten, den Gesamteindruck dessen einzufangen, was das Auge in einem bestimmten Moment sieht. Diesen Effekt erreichten sie mit Hilfe von Farbe und Textur. Dem künstlerischen Konzept des Impressionismus lag der Wunsch zugrunde, die Welt in ihrer Wandelbarkeit natürlich und natürlich einzufangen und ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln. Einen fruchtbaren Boden für die Entwicklung des Impressionismus bereiteten die Künstler der Barbizon School: Sie waren die ersten, die Skizzen aus der Natur schrieben. Der Grundsatz „das Gesehene in Licht und Luft zu schreiben“ bildete die Grundlage der Freilichtmalerei der Impressionisten.
In den 1860er Jahren versuchten die jungen Genremaler E. Manet, O. Renoir, E. Degas, Frische und Unmittelbarkeit der Beobachtung des Lebens, das Bild augenblicklicher Situationen, die Instabilität und Unausgewogenheit von Formen und Kompositionen, ungewöhnliche Blickwinkel und Blickwinkel einzuatmen in die französische Malerei ... Die Arbeit im Freien trug dazu bei, auf den Leinwänden das Gefühl von funkelnden Schnee, den Reichtum natürlicher Farben, die Auflösung von Objekten in der Umgebung, die Schwingung von Licht und Luft zu erzeugen. Besonderes Augenmerk legten die impressionistischen Künstler auf die Beziehung des Objekts zur Umgebung, die Erforschung der Farb- und Tonveränderung des Objekts in einer sich verändernden Umgebung. Anders als Romantiker und Realisten neigten sie nicht mehr dazu, die historische Vergangenheit darzustellen. Ihr Interessengebiet war die Moderne. Das Leben kleiner Pariser Cafés, belebter Gassen, malerischer Ufer der Seine, Bahnhöfe, Brücken, die unscheinbare Schönheit ländlicher Landschaften. Künstler wollen drängende gesellschaftliche Themen nicht mehr ansprechen.
Das Werk von Edouard Manet (1832-1883) nahm eine neue Richtung in der Malerei vorweg - den Impressionismus, aber der Künstler selbst schloss sich dieser Bewegung nicht an, obwohl er unter dem Einfluss der Impressionisten seinen kreativen Stil etwas änderte. Manet erklärte sein Programm: "Lebe deine Zeit und stelle dar, was du vor dir siehst, und entdecke die wahre Schönheit und Poesie im täglichen Leben." Gleichzeitig gab es in den meisten Werken Manets keine Handlung, nicht einmal eine minimale Handlung. Paris wurde zu einem ständigen Motiv von Manets Arbeit: die Menge der Städte, Cafés und Theater, die Straßen der Hauptstadt.
Edouard Manet "Bar im Folies Bergères"
Edouard Manet "Musik in den Tuilerien"
Der Name des Impressionismus verdankt seinen Ursprung der Landschaft von Claude Monet (1840-1926) „Impression. Sonnenaufgang".
In Monets Werk erlangte das Element Licht die führende Bedeutung. Bis in die 70er Jahre. XIX Jahrhundert. Der herrliche Boulevard des Capucines, auf dem Pinselstriche auf die Leinwand geworfen werden, vermittelt die Perspektive einer belebten Straße, die in die Ferne führt, und des endlosen Stroms von Kutschen, die sich darauf bewegen, und einer fröhlichen, festlichen Menge. Er malte viele Bilder mit dem gleichen, aber unterschiedlich beleuchteten Beobachtungsgegenstand. Zum Beispiel ein Heuhaufen am Morgen, Mittag, Abend, Mondschein, Regen und so weiter.
Viele Errungenschaften des Impressionismus sind mit dem Werk von Pierre Auguste Renoir (1841-1919) verbunden, der als "Maler des Glücks" in die Kunstgeschichte einging. Er hat in seinen Bildern wirklich eine besondere Welt von bezaubernden Frauen und heiteren Kindern, fröhlicher Natur und wunderschönen Blumen geschaffen. Zeit seines Lebens malte Renoir Landschaften, aber seine Berufung blieb das Bild einer Person. Er liebte es, Genrebilder zu malen, in denen er mit erstaunlicher Lebendigkeit das Treiben der Pariser Straßen und Boulevards, den Müßiggang von Cafés und Theatern, die Lebendigkeit von Spaziergängen außerhalb der Stadt und Open-Air-Feiern nachbildete. Alle diese im Freien gemalten Gemälde zeichnen sich durch die Klangfülle der Farbe aus. Das Gemälde "Moulin de la Galette" (Volksball im Garten des Tanzsaals Montmartre) ist ein Meisterwerk des Renoir-Impressionismus. Darin wird der lebendige Rhythmus des Tanzes erraten, das Aufflackern junger Gesichter. Es gibt keine abrupten Bewegungen in der Komposition und das Gefühl von Dynamik wird durch den Rhythmus von Farbflecken erzeugt. Interessant ist die räumliche Gliederung des Bildes: Der Vordergrund wird von oben gezeigt, die sitzenden Figuren verdecken die Tänzer nicht. Zahlreiche Porträts werden von Kindern und jungen Mädchen dominiert, in diesen Porträts zeigte sich sein Können: „Junge mit Katze“, „Mädchen mit Fächer“.
Ein aktiver Teilnehmer an allen Ausstellungen, Edgar Degas (1834 - 1917), war weit entfernt von allen Prinzipien der Impressionisten: Er war ein Gegner des Freilichts, malte nicht nach dem Leben, versuchte nicht, die Natur verschiedener Staaten einzufangen von Natur. Einen bedeutenden Platz im Werk von Degas nimmt eine Reihe von Gemälden ein, die einen nackten weiblichen Körper darstellen. Viele seiner Bilder der letzten Jahre sind der „Frau auf der Toilette“ gewidmet. In vielen seiner Arbeiten zeigt Degas das charakteristische Verhalten und Erscheinungsbild von Menschen, erzeugt durch die Eigenheiten ihres Lebens, enthüllt den Mechanismus einer professionellen Geste, Körperhaltung, Bewegung eines Menschen, seine plastische Schönheit ("Ironers", "Washerwomen with Leinen"). In der Behauptung der ästhetischen Bedeutung des Lebens der Menschen, ihrer alltäglichen Aktivitäten, spiegelt sich eine Art Humanismus von Degas' Werk. Degas' Kunst zeichnet sich durch eine Kombination aus Schönem, manchmal Fantastischem und Prosaischem aus: in vielen Ballettszenen (Ballettstar, Ballettschule, Tanzstunde) die festliche Stimmung des Theaters zu vermitteln.
Der Postimpressionismus umfasst den Zeitraum von 1886, als die letzte Ausstellung der Impressionisten stattfand, in der erstmals die Werke der Neoimpressionisten präsentiert wurden, bis in die 1910er Jahre, die mit den Formen des Kubismus die Geburt einer völlig neuen Kunst einläuteten und Fauvismus. Der Begriff "Post-Impressionismus" wurde von dem englischen Kritiker Roger Fry geprägt und drückte den allgemeinen Eindruck der von ihm 1910 in London organisierten Ausstellung zeitgenössischer französischer Kunst aus, auf der Werke von Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cézanne und andere Künstler wurden vorgestellt.
Post-Impressionisten, von denen viele zuvor dem Impressionismus angehört hatten, begannen, nach Methoden zu suchen, um nicht nur das Momentane und Vergängliche auszudrücken - sie begannen jeden Moment, die langfristigen Zustände der Welt um sie herum zu verstehen. Der Postimpressionismus zeichnet sich durch verschiedene kreative Systeme und Techniken aus, die die spätere Entwicklung der bildenden Kunst beeinflussten. Van Goghs Werke nahmen das Aufkommen des Expressionismus vorweg, Gauguin ebnete den Weg für die Moderne.
Vincent Van Gogh (1853-1890) schuf die lebendigsten künstlerischen Bilder durch die Synthese (Kombination) von Muster und Farbe. Van Goghs Technik ist Punkte, Kommas, senkrechte Striche, durchgezogene Punkte. Seine Wege, Betten und Furchen verlaufen wirklich in die Ferne, und die Büsche brennen auf dem Boden wie Freudenfeuer. Er porträtierte nicht einen eingefangenen Moment, sondern die Kontinuität von Momenten. Er stellte nicht diesen Effekt eines vom Wind gebogenen Baumes dar, sondern das Wachsen eines Baumes aus dem Boden ... Van Gogh wusste alles Zufällige in den Raum zu übersetzen. Van Goghs Seele verlangte nach hellen Farben, er beschwerte sich ständig bei seinem Bruder über die unzureichende Stärke selbst seiner leuchtend gelben Lieblingsfarbe.
Sternennacht war nicht Van Goghs erster Versuch, den Nachthimmel darzustellen. 1888 schrieb er in Arles The Starry Night over the Rhone. Van Gogh wollte die sternenklare Nacht als Beispiel für die Kraft der Vorstellungskraft darstellen, die eine erstaunlichere Natur schaffen kann, als wir sie in der realen Welt wahrnehmen können.
Eine erhöhte Realitätswahrnehmung und ein mentales Ungleichgewicht führen Van Gogh zu einer psychischen Erkrankung. Gauguin kommt, um Arles zu besuchen, doch kreative Differenzen sorgen für Streit. Van Gogh wirft dem Künstler ein Glas auf den Kopf und stürzt sich, nachdem Gauguin seine Absicht angekündigt hat, zu gehen, mit einem Rasiermesser auf ihn zu. In einem Wahnsinnsanfall schneidet der Künstler am Abend desselben Tages sein Ohr ab ("Selbstbildnis mit verbundenem Ohr").
Das Werk von Paul Gauguin (1848-1903) ist untrennbar mit seinem tragischen Schicksal verbunden. Das Wichtigste in Gauguins Stilkonzept war sein Farbverständnis. Auf ungefähr. Tahiti, das der Künstler 1891 verließ, malte er, beeinflusst von den primitiven Formen der polynesischen Kunst, Bilder, die sich durch Dekorativität, flache Formen und außergewöhnlich reine Farben auszeichneten. "Exotisches" Gemälde von Gauguin - "Bist du eifersüchtig?" Die Besonderheit von Gauguins Malstil besteht in einer ausgeprägten Dekorativität, dem Wunsch, große Flächen der Leinwand mit einer Farbe zu übermalen, in der Liebe zur Ornamentik, die sowohl auf Stoffen, Kleidern, auf Teppichen als auch auf einem landschaftlichen Hintergrund vorhanden war.
Paul Gauguin "Wann zu heiraten" "Frau hält eine Frucht"
Die wichtigste kulturelle Errungenschaft des 19. Jahrhunderts. ist die Entstehung der Kunst der Fotografie und des Designs. Die erste Kamera der Welt wurde 1839 von Louis Jacques Mandé Daguerre hergestellt.
Daguerres frühe Versuche, eine brauchbare Kamera zu bauen, waren erfolglos. 1827 lernte er Joseph Niepce kennen, der ebenfalls versuchte (und inzwischen etwas mehr Erfolg hatte), die Kamera zu erfinden. Zwei Jahre später wurden sie Partner. Niepce starb 1833, aber Daguerre arbeitete weiter hart. 1837 war er schließlich in der Lage, ein praktisches Fotografiesystem namens Daguerreotypie zu entwickeln. Das Bild (Daguerreotypie) wurde auf einer mit Joddampf behandelten Silberplatte erhalten. Nach 3-4 Stunden Belichtung wurde die Platte in Quecksilberdampf entwickelt und mit einer heißen Lösung von Natriumchlorid oder Hyposulfit fixiert. Die Daguerreotypien waren von sehr hoher Bildqualität, aber es konnte nur eine Aufnahme gemacht werden.
1839 veröffentlichte Daguerre seine Erfindung, meldete aber kein Patent an. Als Reaktion darauf gewährte die französische Regierung ihm und Niepces Sohn lebenslange Renten. Die Ankündigung von Daguerres Erfindung erregte großes Aufsehen. Daguerre wurde zum Helden des Tages, Ruhm fiel auf ihn und die Daguerreotypie-Methode fand schnell breite Anwendung.
Die Entwicklung der Fotografie führte zu einer Überarbeitung der künstlerischen Prinzipien von Grafik, Malerei, Skulptur, Kunst- und Dokumentarkunst, die in anderen Kunstgattungen nicht erreichbar ist. Der Entwurf basierte auf der Internationalen Industrieausstellung in London 1850. Sein Entwurf markierte die Konvergenz von Kunst und Technologie und legte den Grundstein für eine neue Art von Kreativität.
Louis Daguerre, Nicefort Niepce und Niepces Camera Obscura
Joseph Nicephorus Niepce. Das weltweit erste Foto mit einer Zinn-Blei-Legierung, 1826.
Foto von Daguerre "Künstleratelier", 1837
In den 1870er Jahren entwickelten die beiden Erfinder Elijah Gray und Alexander Graham Bell unabhängig voneinander Geräte, die Sprache durch Elektrizität übertragen konnten, die später als Telefon bezeichnet wurden. Beide schickten ihre jeweiligen Patente an die Patentämter, wobei der Unterschied bei der Einreichung nur wenige Stunden betrug. Allerdings erhielt Alexander Graham Bell) das Patent zuerst.
Telefon und Telegraf sind elektrische Systeme, die auf Drähten basieren. Der Erfolg von Alexander Bell bzw. seinen Erfindungen war ganz natürlich, denn durch die Erfindung des Telefons versuchte er, den Telegraphen zu verbessern. Als Bell begann, mit elektrischen Signalen zu experimentieren, wurde der Telegraph bereits seit etwa 30 Jahren als Kommunikationsmittel verwendet. Trotz der Tatsache, dass der Telegraf ein ziemlich erfolgreiches Informationsübertragungssystem auf der Grundlage des Morsecodes mit seiner Anzeige von Buchstaben mit Punkten und Strichen war, bestand das große Minus des Telegrafen darin, dass die Informationen auf das Empfangen und Senden einer Nachricht gleichzeitig beschränkt waren .
Alexander Bell spricht im ersten Telefonmodell
Das erste Telefon, das von Alexander Graham Bell entwickelt wurde, war ein Gerät, durch das die Laute einer Person mit Hilfe von Elektrizität übertragen wurden (1875). Am 2. Juni 1875 entdeckte Alexander Graham Bell beim Experimentieren mit seiner Technik, die er "harmonischer Telegraph" nannte, dass er Töne durch einen Draht hören konnte. Es war das Geräusch einer Uhr.
Bells größter Erfolg kam am 10. März 1876. Beim Telefonieren mit seinem Assistenten Thomas Watson, der im Nebenzimmer war, sprach Bell die Worte, die heute jedem bekannt sind: „Mr. Watson - komm her - ich will dich sehen “(Mr. Watson - komm her - ich will dich sehen). Zu dieser Zeit wurde nicht nur das Telefon geboren, sondern auch der Mehrfachtelegraf starb. Das Potenzial der Kommunikation, zu demonstrieren, dass es möglich ist, durch Elektrizität zu sprechen, war ganz anders als das, was der Telegraph mit seinem System der Informationsübertragung mit Punkten und Strichen bieten konnte.
Das Konzept des Kinos tauchte zum ersten Mal in seiner französischen Version auf - "cinematography", was das von den Brüdern Louis Jean und Auguste Lumière entwickelte System zum Erstellen und Vorführen eines Films bedeutete. Der erste Film wurde vom Franzosen Louis Aimé Augustin Le Pringy (1842-1890) im November 1888 in Großbritannien mit einer Filmkamera gedreht und bestand aus zwei Fragmenten: der erste - 10-12 Bilder pro Sekunde, der zweite - 20 Bilder pro Sekunde. Es wird jedoch offiziell angenommen, dass das Kino am 28. Dezember 1895 entsteht. An diesem Tag fand im indischen Salon "Gran Cafe" am Boulevard des Capucines (Paris, Frankreich) eine öffentliche Vorführung des "Cinematograph of the Lumiere Brothers" statt. 1896 machten die Brüder mit ihrer Erfindung eine Weltreise und besuchten London, New York, Bombay.
Louis Jean Lumière absolvierte eine Industrieschule, war Fotograf und arbeitete in einer Fotomaterialfabrik seines Vaters. 1895 erfand Lumière die Filmkamera zum Aufnehmen und Projizieren von „bewegten Fotografien“. Sein Bruder Auguste Lumiere beteiligte sich aktiv an seinen Arbeiten zur Erfindung des Kinos. Das Gerät wurde patentiert und als Kinematographie bezeichnet. Die ersten Filmprogramme von Lumiere zeigten vor Ort gedrehte Szenen: „Arbeiter verlassen die Lumiere-Fabrik“, „Ankunft eines Zuges“, „Frühstück eines Kindes“, „Watered waterer“ und andere. Interessanterweise bedeutet das Wort Lumiere auf Französisch "Licht". Vielleicht ist dies ein Unfall, oder vielleicht war das Schicksal der Filmemacher im Voraus entschieden.
 |
Der deutsche Maler Franz Xaver Winterhalter ist vor allem für seine Porträts schöner Damen des 19. Jahrhunderts bekannt. Er wurde 1805 in Deutschland geboren, zog aber nach einer Berufsausbildung nach Paris, wo er zum Hofmaler am königlichen Hof ernannt wurde. Eine ganze Reihe von Porträts einer High-Society-Familie machten den Künstler unglaublich beliebt. Und er wurde besonders bei weltlichen Damen beliebt, da er die Porträtähnlichkeit gekonnt mit der Fähigkeit verband, den Gegenstand seiner Arbeit zu "präsentieren". Kritiker behandelten ihn jedoch sehr, sehr kühl, was ihn jedoch nicht daran hinderte, bei den Damen der High Society nicht nur in Frankreich, sondern auf der ganzen Welt immer beliebter zu werden. Alexander Dumas sagte das über ihn
Damen aus Russland sind einem solchen Schicksal nicht entgangen. |
Zu seinen bekanntesten Werken zählen Porträts von Kaiserin Eugenia (dies ist sein Lieblingsmodell).
und Kaiserin Elisabeth von Bayern (1865).
Hier müssen Sie anhalten und pausieren ...
Wie alles in dieser Welt verbunden ist! Das Leben der Habsburger und Elisabeths, ihre Beziehung zu ihrer Schwiegermutter, das Schicksal ihres Sohnes Rudolph und der Film Mayerling, die Geschichte Österreich-Ungarns und die Rolle der Ava Gardner, und ich, eine kleine Provinzfrau, die Porträts sammelt von Franz und starrte aufmerksam auf einen Computermonitor ...
Ich las in der Enzyklopädie über das Leben von Sissy, über ihre Kinder, erinnerte mich an den Film und sah mir Porträts und Fotografien an ...
Tatsächlich ist die Malerei ein Fenster zur irdischen Welt und zur Welt des Wissens ...
Franz Xaver Winterhalter wurde am 20. April 1805 in dem kleinen Dorf Mensenschwad im badischen Schwarzwald geboren. Er war das sechste Kind in der Familie des Bauern und Harzproduzenten Fidel Winterhalter und seiner Frau Eva Meyer, die aus der alten Familie Menzenschwand stammte. Von den acht Geschwistern von Franz überlebten nur vier.
Sein Vater, obwohl er bäuerlicher Herkunft war, prägte das Leben des Künstlers maßgeblich.
Winterhalter stand zeitlebens in engem Kontakt zu seiner Familie, insbesondere zu seinem Bruder Hermann (1808-1891), der ebenfalls Künstler war.
Nach dem Schulbesuch im Benediktinerkloster Blazin 1818 verlässt der dreizehnjährige Winterhalter Mentzenschwand, um Zeichnen und Gravieren zu studieren.
Er studierte Lithographie und Zeichnen in Freiburg im Atelier von Karl Ludwig Schuler (1785-1852). 1823, als er 18 Jahre alt war, ging er mit Unterstützung des Industriellen Barons von Eichtal nach München.
1825 erhielt er ein Stipendium des Großherzogs von Baden und begann ein Studium an der Münchner Akademie der Künste unter der Leitung von Peter Cornelius, doch seine Lehrmethoden gefielen dem jungen Künstler nicht, und Winterhalter konnte einen anderen Lehrer finden, der konnte ihm weltliche Porträtmalerei beibringen, und das war Joseph Stieler.
Gleichzeitig verdient Winterhalter seinen Lebensunterhalt als Lithograph.
Winterhalters Eintritt in höfische Kreise erfolgte 1828 in Karlsruhe, als er Zeichenlehrer der Gräfin Sophia von Baden wurde. Eine günstige Gelegenheit, sich fernab von Süddeutschland zu deklarieren, bot dem Künstler 1832, als er mit Unterstützung des Großherzogs Leopold von Baden nach Italien (1833-1834) reisen konnte.
In Rom malte er Gemälde des romantischen Genres im Stil Louis-Leopold Roberts und kam dem Direktor der französischen Akademie Horace Vernet nahe.
Nach seiner Rückkehr nach Karlsruhe malte Winterhalter Porträts des Großherzogs Leopold von Baden und seiner Frau und wurde hofherzoglicher Maler.
Trotzdem verließ er Baden und zog nach Frankreich,
wo bei der Ausstellung von 1836 auf sein Genrebild "Il dolce Farniente" aufmerksam wurde,
und ein Jahr später wurde auch "Il Decameron" geehrt. Beide Werke sind akademische Gemälde im Stil Raffaels.
Auf dem Salon von 1838 wurde ihm ein Porträt des Fürsten von Wagram mit seiner kleinen Tochter überreicht.
Die Gemälde waren ein Erfolg, und Franzs Karriere als Porträtmaler war gesichert.
In einem Jahr schreibt er an Louise-Marie von Orleans, Königin von Belgien mit ihrem Sohn.
Vielleicht dank dieses Gemäldes wurde Winterhalter Maria Amalia von Neapel, Königin von Frankreich, Mutter der belgischen Königin, bekannt.
So kam Winterhalter in Paris schnell in Mode. Er wurde zum Hofmaler des französischen Königs Louis-Philippe ernannt, der ihn mit der Erstellung individueller Porträts seiner großen Familie betraute. Winterhalter hatte mehr als dreißig Aufträge für ihn zu erfüllen.
Dieser Erfolg brachte dem Künstler einen Ruf als Kenner der dynastischen und aristokratischen Porträtmalerei ein: Gekonnt kombinierte er die Genauigkeit der Porträtähnlichkeit mit subtiler Schmeichelei und porträtierte Staatspomp auf lebendige moderne Weise. Bestellungen folgten nacheinander ...
In Künstlerkreisen wurde Winterhalter jedoch anders behandelt.
Kritiker, die in einer Ausstellung im Salon 1936 sein Debüt lobten, wandten sich von ihm als nicht ernst zu nehmenden Künstler ab. Diese Haltung hielt sich durch Winterhalters Karriere hindurch und unterschied sein Werk in der Hierarchie der Malerei.
Winterhalter selbst betrachtete seine ersten Regierungsaufträge als Zwischenstation, bevor er sich wieder der Objektmalerei zuwandte und die akademische Autorität wieder herstellte; er war ein Opfer seines eigenen Erfolgs, und zu seiner eigenen Beruhigung musste er fast ausschließlich im Porträtgenre arbeiten. Auf diesem Gebiet war er nicht nur ein Kenner und erfolgreich, sondern wurde auch reich.
Aber Winterhalter erlangte internationalen Ruhm und die Schirmherrschaft des Königshauses.
Königin Victoria gehörte zu seinen vielen königlichen Vorbildern. Winterhalter besuchte erstmals 1842 England und kehrte mehrmals dorthin zurück, um Victoria, Prinz Albert und ihre wachsende Familie zu porträtieren und für sie insgesamt etwa 120 Werke zu schaffen. Die meisten Gemälde befinden sich in der Royal Collection, die im Buckingham Palace und anderen Museen ausgestellt werden kann.
Winterhalter malte auch mehrere Porträts von Vertretern des englischen Adels, von denen die meisten dem höfischen Kreis angehörten.
Der Sturz Louis Philippes im Jahr 1848 tat dem Ruf des Künstlers keinen Abbruch. Winterhalter zog in die Schweiz und bearbeitete Aufträge in Belgien und England.
Paris bleibt die Heimatstadt des Künstlers: Eine Unterbrechung des Auftragseingangs für Porträts in Frankreich ermöglichte es ihm, zur thematischen Malerei zurückzukehren und sich spanischen Legenden zuzuwenden.
So entstand das Gemälde Florinda (1852, Metropolitan Museum, New York), das die weibliche Schönheit freudig zelebriert.
Im selben Jahr schlug er vor, ihn zu heiraten, wurde jedoch abgelehnt; Winterhalter blieb ein seiner Arbeit gewidmeter Junggeselle.
Nach der Thronbesteigung Napoleons III. nahm die Popularität des Künstlers merklich zu. Von dieser Zeit an wurde Winterhalter zum wichtigsten Porträtmaler der kaiserlichen Familie und des französischen Hofes.
Die schöne Französin Kaiserin Eugenie wurde sein Lieblingsmodell und behandelte den Künstler wohlwollend.
1855 malte Winterhalter sein Meisterwerk "Kaiserin Eugenie umgeben von Ehrendamen", wo er sie in ländlicher Umgebung beim Blumensammeln mit ihren Trauzeuginnen darstellt. Das Gemälde wurde gut angenommen, öffentlich ausgestellt und ist bis heute das vielleicht berühmteste Werk des Meisters.
1852 reist er nach Spanien, um an Königin Isabella II. zu schreiben, die für die portugiesische Königsfamilie arbeitet. Auch Vertreter des russischen Adels, die nach Paris kamen, freuten sich über ihr Porträt des berühmten Meisters.
Als königlicher Künstler war Winterhalter an den Höfen Großbritanniens (seit 1841), Spaniens, Belgiens, Russlands, Mexikos, Deutschlands und Frankreichs ständig gefragt.
Der Klassizismus des 18. - frühen 19. Jahrhunderts (in der ausländischen Kunstgeschichte wird er oft als Neoklassizismus bezeichnet), der zu einem gemeinsamen europäischen Stil wurde, bildete sich auch hauptsächlich im Schoß der französischen Kultur unter dem stärksten Einfluss der Ideen der Aufklärung. In der Architektur wurden neue Typen eines exquisiten Herrenhauses, eines zeremoniellen öffentlichen Gebäudes, eines offenen Stadtplatzes (Gabrielle Jacques Ange und Soufflot Jacques Germain) definiert, die Suche nach neuen, geordneten Formen der Architektur, der Wunsch nach strenger Einfachheit in der Arbeit von Ledoude Claude Nicolas nahm die Architektur des späten Klassizismus vorweg – den Empire-Stil. Zivilpathos und Lyrik kombiniert in Plastik (Pigalle Jean Baptiste und Houdon Jean Antoine), dekorative Landschaften (Robert Hubert). Die mutige Dramatik von Historien- und Porträtbildern ist den Werken des Kopfes der französischen Klassik, des Malers Jacques Louis David, inhärent. Im 19. Jahrhundert verkommt die klassizistische Malerei trotz der Aktivitäten einzelner großer Meister wie Jean Auguste Dominique Ingres zu einer offiziellen apologetischen oder prätentiösen erotischen Salonkunst. Rom wurde zum internationalen Zentrum des europäischen Klassizismus des 18. - frühen 19. Jahrhunderts, wo vor allem die Traditionen des Akademismus mit ihrer charakteristischen Kombination von Formenadel und kalter Idealisierung dominierten (deutscher Maler Anton Raphael Mengs, Bildhauer: Italiener Canova Antonio und Däne Thorvaldsen Bertel ). Die Architektur des deutschen Klassizismus ist geprägt von der strengen Monumentalität der Bauten Karl Friedrich Schinkels, für die kontemplativ-elegische Malerei und Plastik - Porträts von August und Wilhelm Tischbein, Skulptur von Johann Gottfried Schadov. Im englischen Klassizismus werden die antiken Bauten von Robert Adam, die Palladianer in Spirit Park Estates von William Chambers, die exquisit strengen Zeichnungen von J. Flaxman und die Keramiken von J. Wedgwood ausgezeichnet. Eigene Versionen des Klassizismus entwickelten sich in der künstlerischen Kultur Italiens, Spaniens, Belgiens, der skandinavischen Länder, der USA; einen herausragenden Platz in der Geschichte der Weltkunst nimmt der russische Klassizismus der 1760er – 1840er Jahre ein.
Am Ende des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts verblasste die führende Rolle des Klassizismus fast überall, er wurde von verschiedenen Formen des Architektureklektizismus abgelöst. Die künstlerische Tradition des Klassizismus lebt im Neoklassizismus des späten 19. - frühen 20. Jahrhunderts wieder auf.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Französischer Künstler, anerkannter Führer des europäischen Akademismus im 19. Jahrhundert.
Im Werk von Ingres - die Suche nach reiner Harmonie.
Studium an der Akademie der Schönen Künste in Toulouse. Nach seinem Abschluss an der Akademie zog er nach Paris, wo er 1797 Schüler von Jacques-Louis David wurde. 1806-1820 studierte und arbeitete er in Rom, dann zog er nach Florenz, wo er weitere vier Jahre verbrachte. 1824 kehrte er nach Paris zurück und eröffnete eine Malschule. 1835 kehrte er als Direktor der französischen Akademie nach Rom zurück. Von 1841 bis zu seinem Lebensende lebt er in Paris.
Akademismus (fr. Academisme) - ein Trend in der europäischen Malerei des XVII-XIX Jahrhunderts. Die akademische Malerei entstand während der Entwicklung der Kunstakademien in Europa. Die stilistische Grundlage der akademischen Malerei zu Beginn des 19. Jahrhunderts war der Klassizismus, in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts der Eklektizismus.
Der Akademismus wuchs mit den äußeren Formen der klassischen Kunst auf. Anhänger charakterisierten diesen Stil als Argumentation über die Kunstform der antiken Antike und der Renaissance.
Ingres. Porträts der Familie Riviere. 1804-05
Romantik
Romantik- ein vom bürgerlichen System erzeugtes Phänomen. Als Weltanschauung und künstlerischer Schaffensstil spiegelt sie ihre Widersprüche wider: die Kluft zwischen Notwendigem und Seiendem, Ideal und Wirklichkeit. Das Bewusstsein um die Unverwirklichkeit der humanistischen Ideale und Werte der Aufklärung führte zu zwei alternativen Weltanschauungspositionen. Die Essenz der ersten besteht darin, die niedere Realität zu verachten und sich in die Hülle reiner Ideale einzuschließen. Das Wesen des zweiten besteht darin, die empirische Realität anzuerkennen, alle Überlegungen zum Ideal zu verwerfen. Ausgangspunkt der romantischen Weltanschauung ist eine offene Ablehnung der Realität, die Erkenntnis einer unüberwindbaren Kluft zwischen Idealen und wirklichem Leben, der Unzumutbarkeit der Dingwelt.Sie zeichnet sich durch eine negative Einstellung zur Realität, Pessimismus, Interpretation historischer Kräfte außerhalb der realen Alltagsrealität, Mystifizierung und Mythologisierung aus. All dies führte zu einer Suche nach einer Lösung von Widersprüchen nicht in der realen Welt, sondern in der Fantasiewelt.
Die romantische Sichtweise umfasste alle Bereiche des spirituellen Lebens – Wissenschaft, Philosophie, Kunst, Religion. Es wurde in zwei Versionen ausgedrückt:
Erstens schien die Welt darin eine endlose, gesichtslose, kosmische Subjektivität zu sein. Die schöpferische Energie des Geistes wirkt hier als der Anfang, der Weltharmonie schafft. Diese Version des romantischen Weltbildes ist geprägt von einem pantheistischen Weltbild, Optimismus und erhabenen Gefühlen.
Die zweite - darin wird die menschliche Subjektivität individuell und persönlich betrachtet, sie wird als die innere, sich vertiefende Welt eines Menschen im Konflikt mit der Außenwelt verstanden. Diese Haltung ist geprägt von Pessimismus, einer lyrisch traurigen Haltung gegenüber der Welt.
Das ursprüngliche Prinzip der Romantik war "Dual World": Vergleich und Gegensatz der realen und der imaginären Welt. Der Ausdruck dieser Doppelwelt war Symbolik.
Die romantische Symbolik stellte eine organische Verbindung der illusorischen und der realen Welt dar, die sich in Metaphern, Übertreibungen und poetischen Vergleichen manifestierte. Die Romantik war trotz ihrer engen Verbindung zur Religion von Humor, Ironie und Verträumtheit geprägt. Die Romantik erklärte die Musik zum Vorbild und zur Norm für alle Bereiche der Kunst, in denen nach Ansicht der Romantiker das Element des Lebens, das Element der Freiheit und der Triumph der Gefühle erklang.
Der Aufstieg der Romantik wurde durch eine Reihe von Faktoren angetrieben. Erstens gesellschaftspolitisch: die Französische Revolution von 1769-1793, die Napoleonischen Kriege, der Krieg um die Unabhängigkeit Lateinamerikas. Zweitens wirtschaftlich: die industrielle Revolution, die Entwicklung des Kapitalismus. Drittens entstand sie unter dem Einfluss der klassischen deutschen Philosophie. Viertens entwickelte es sich auf der Grundlage und im Rahmen bestehender literarischer Stile: Aufklärung, Sentimentalität.
Die Blütezeit der Romantik fällt in die Zeit 1795-1830. - Die Periode der europäischen Revolutionen und der nationalen Befreiungsbewegungen und der Romantik manifestierte sich besonders deutlich in der Kultur Deutschlands, Englands, Russlands, Italiens, Frankreichs, Spaniens.
Die romantische Tendenz hatte einen großen Einfluss im humanitären Bereich und die positivistische Tendenz in den Naturwissenschaften, technischen und praktischen.
Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Für kurze Zeit ein Schüler, K. Vernet (1808-1810), dann P. Guerin (1810-1811), der sich über seine Methoden der Übertragung der Natur, die nicht den Prinzipien der Schule von Jacques-Louis David . entsprach, aufregte und Abhängigkeit von Rubens, aber später erkannte Rationalitätsbestrebungen von Gericault.
In den königlichen Musketieren diente Gericault hauptsächlich Schlachtszenen, aber nachdem er 1817-19 nach Italien gereist war. er malte das große und komplexe Gemälde "Das Floß der Medusa" (im Louvre, Paris), das zu einer vollständigen Ablehnung der davidischen Richtung und zu einer beredten Predigt des Realismus wurde. Die Neuheit der Handlung, die tiefe Dramatik der Komposition und die lebendige Wahrheit dieses meisterhaft geschriebenen Werkes wurden nicht sofort gewürdigt, aber bald wurde es sogar von Anhängern des akademischen Stils anerkannt und machte den Künstler als talentierten und mutigen Erneuerer bekannt.
Tragische Spannung und Dramatik 1818 arbeitete Gericault an dem Gemälde "Das Floß der Medusa", das den Beginn der französischen Romantik markierte. Delacroix, der für seinen Freund posierte, wurde Zeuge der Geburt einer Komposition, die alle üblichen Ideen der Malerei durchbricht. Später erinnerte sich Delacroix daran, dass er, als er das fertige Bild sah, "vor Freude wie ein Verrückter rannte und nicht bis zu Hause aufhören konnte".
Die Handlung des Bildes basiert auf einem realen Vorfall, der sich am 2. Juli 1816 vor der Küste Senegals ereignete. Dann wurde die Fregatte "Medusa" auf der Argen-Untiefe, 40 Meilen von der afrikanischen Küste entfernt, zerstört. 140 Passagiere und Besatzungsmitglieder versuchten zu fliehen, indem sie das Floß bestiegen. Nur 15 von ihnen überlebten und wurden am zwölften Tag ihrer Wanderung von der Argus-Brigge abgeholt. Die Einzelheiten des Segelns der Überlebenden schockierten die moderne öffentliche Meinung, und das Wrack selbst wurde aufgrund der Inkompetenz des Schiffskapitäns und der fehlenden Rettungsversuche zu einem Skandal der französischen Regierung.
Bildliche Lösung
Die riesige Leinwand besticht durch ihre Ausdruckskraft. Gericault gelang es, ein lebendiges Bild zu schaffen, das Tote und Lebende, Hoffnung und Verzweiflung in einem Bild vereint. Der Malerei ging eine riesige Vorarbeit voraus. Gericault führte zahlreiche Studien über die Sterbenden in Krankenhäusern und die Leichen der Hingerichteten durch. Das Floß der Medusa war das letzte von Gericaults vollendeten Werken.
1818, als Gericault an dem Gemälde "Das Floß der Medusa" arbeitete, das den Grundstein für die französische Romantik legte, erlebte Eugene Delacroix, der für seinen Freund posierte, die Geburt einer Komposition, die alle gängigen Ideen der Malerei durchbricht. Später erinnerte sich Delacroix daran, dass er, als er das fertige Bild sah, "vor Freude wie ein Verrückter rannte und nicht bis zu Hause aufhören konnte".
Öffentliche Reaktion
Als Gericault 1819 im Salon "Das Floß der Medusa" ausstellte, erregte das Bild öffentliche Empörung, da der Künstler entgegen den damaligen akademischen Normen kein so großes Format verwendete, um ein heroisches, moralisierendes oder klassisches Sujet abzubilden .
Das Gemälde wurde 1824 erworben und befindet sich derzeit im 77. Raum im 1. Stock der Denon Gallery im Louvre.
Eugene Delacroix(1798 - 1863) - Französischer Maler und Grafiker, Kopf der romantischen Bewegung in der europäischen Malerei.
Aber der Louvre und die Kommunikation mit dem jungen Maler Theodore Gericault wurden für Delacroix zu den wahren Universitäten. Im Louvre war er fasziniert von den Werken der alten Meister. Damals waren dort viele Leinwände zu sehen, die während der Napoleonischen Kriege erbeutet und noch nicht an ihre Besitzer zurückgegeben wurden. Der aufstrebende Künstler wurde vor allem von den großen Koloristen angezogen - Rubens, Veronese und Tizian. Aber Theodore Gericault hatte den größten Einfluss auf Delacroix.
Im Juli 1830 revoltierte Paris gegen die bourbonische Monarchie. Delacroix sympathisierte mit den Rebellen, und dies spiegelte sich in seinem Werk "Liberty Leading the People" wider (in unserem Land ist dieses Werk auch als "Liberty on the Barricades" bekannt). Die 1831 im Salon ausgestellte Leinwand wurde von der Öffentlichkeit hochgelobt. Die neue Regierung kaufte das Gemälde, befahl aber gleichzeitig sofort, es zu entfernen, sein Pathos schien zu gefährlich.
Zur Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. beeinflusst von der Großen Französischen Revolution (1789-1799), dem Krieg mit Napoleon, dem Krieg mit Spanien. In dieser Zeit große Fortschritte in der Wissenschaft. Grundstile: Empire-Stil, Romantik, französischer Realismus.
In der Architektur der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts erlebte der Neoklassizismus seine letzte Blütezeit. Mitte des Jahrhunderts wurde die Suche nach Stil zum Hauptproblem der europäischen Architektur. Infolge der romantischen Faszination für die Antike versuchten viele Meister, die Traditionen der Architektur der Vergangenheit wiederzubeleben - so entstanden Neugotik, Neorenaissance und Neobarock. Die Bemühungen der Architekten führten oft zum Eklektizismus - der mechanischen Kombination von Elementen verschiedener Stile, alt mit neu. Die Architektur ist geprägt vom Bau von Fabriken, Büros, Wohnhäusern, Kaufhäusern, Ausstellungshallen, Bibliotheken, Bahnhöfen, Markthallen, Banken etc. Banken sind mit antiken griechischen Säulenhallen, Kaufhäusern – mit gotischen Spitzfenstern und Türmen geschmückt . Fabriken erhalten das Aussehen von Burgen.
19.1.1 Kunst Frankreichs
Die Architektur. In den Jahren der Großen Französischen Revolution wurde in Frankreich kein einziges dauerhaftes Bauwerk errichtet. Dies war die Ära der temporären Gebäude, meist aus Holz. Zu Beginn der Revolution wurde die Bastille zerstört, Denkmäler der Könige wurden abgerissen. 1793 wurden die königlichen Akademien einschließlich der Architekturakademie geschlossen. Stattdessen traten die Nationale Kunstjury und der Republican Art Club auf, deren Hauptaufgaben die Organisation von Massenfeiern und die Gestaltung von Pariser Straßen und Plätzen waren.
Auf der Place de la Bastille wurde ein Pavillon mit der Aufschrift: "Hier tanzen sie" errichtet. Place Louis XV wurde als Place of the Revolution bezeichnet und durch Triumphbögen, Freiheitsstatuen und Brunnen mit Emblemen ergänzt. Das Marsfeld wurde zu einem Ort öffentlicher Versammlungen mit dem Altar des Vaterlandes in der Mitte. Das Invalidenhaus und seine Kathedrale sind zu einem Tempel der Menschheit geworden. Die Straßen von Paris wurden mit neuen Denkmälern geschmückt.
Auch in den Jahren der Französischen Revolution wurde die Künstlerkommission gebildet, die sich für die Verbesserung der Stadt einsetzte und Veränderungen in ihrem Erscheinungsbild plante. Er spielte eine bedeutende Rolle in der Geschichte der Architektur.
Der Empire-Stil herrschte in der Kunst des napoleonischen Frankreichs vor. Das wichtigste Ereignis Napoleons auf dem Gebiet der Architektur war der Wiederaufbau von Paris: Er sollte die mittelalterlichen Viertel mit einem Alleensystem verbinden, das die Stadt entlang der "Ost-West"-Achse durchquerte. Gebaut wurden: Avenue Eseyskie Fields, Rue de Rivoli, eine Triumphsäule auf der Place Vendôme (1806-1810, Architekten Jean Baptiste Leper, Jacques Gondouin), das Eingangstor des Tuilerienpalastes (1806-1807, Architekten C. Persier .) , P. F. L. Fontaine), der Triumphbogen der Großen Armee (1806–1837, Architekten Jean François Chaalien und andere).
Gemälde. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. die französische Malereischule hat ihren Vorrang in der Kunst Westeuropas gefestigt. Frankreich ist anderen europäischen Ländern bei der Demokratisierung des künstlerischen Lebens voraus. Seit 1791 haben alle Autoren, unabhängig von ihrer Mitgliedschaft in den Akademien, das Recht, an den Ausstellungen des Louvre-Salons teilzunehmen. Seit 1793 sind die Säle des Louvre für die Öffentlichkeit zugänglich. Die staatliche akademische Ausbildung wurde durch die Ausbildung in privaten Werkstätten ersetzt. Die Behörden griffen zu flexibleren Methoden der Kunstpolitik: Die Vergabe von Großaufträgen für die Dekoration öffentlicher Gebäude erhielt einen besonderen Spielraum.
Vertreter der Malerei der französischen Romantik - David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.
Jacques Louis David (1748-1825) - der konsequenteste Vertreter des Neoklassizismus in der Malerei. Er studierte 1775-1779 an der Royal Academy of Painting and Sculpture. Italien besucht. 1781 wurde David als Mitglied der Royal Academy aufgenommen und erhielt das Recht, an ihren Ausstellungen - den Louvre Salons - teilzunehmen. 1792 wurde David in den Konvent gewählt, das höchste gesetzgebende und ausführende Organ der Ersten Republik.
Bereits 1776 wurde ein Regierungsprogramm entwickelt, das die Schaffung großer Gemälde förderte. David erhielt einen Auftrag für ein Gemälde über die Leistung von drei Brüdern aus einer Adelsfamilie der Horatier - "Eid der Horatier" (1784)... Die Handlung des Bildes entfaltet sich im Innenhof eines antiken römischen Hauses: Von oben ergießt sich ein Lichtstrahl auf die Helden des Bildes, um sie herum herrscht olivgraues Zwielicht. Die ganze Komposition basiert auf der Zahl drei: drei Bögen (in jedem der Bögen sind eine oder mehrere Figuren eingeschrieben), drei Figurengruppen, drei Söhne, ein Schießstand eines Schwertes, drei Frauen. Den fließenden Umrissen der Frauengruppe stehen die ziselierten Linien der Kriegerfiguren gegenüber.
1795-1799. David arbeitete mit seinen Schülern an dem Gemälde "Sabinerinnen stoppen den Kampf zwischen Römern und Sabinern"... Die Künstlerin wählte erneut eine der Moderne entsprechende Handlung: Die Legende von den Frauen, die den Krieg zwischen den Römern (ihren Männern) und den Sabinern (ihren Vätern und Brüdern) beendeten, erklang damals in Frankreich als Aufruf zum bürgerlichen Frieden. Doch das riesige, mit Zahlen überladene Bild sorgte beim Publikum nur für Spott.
1812 ging er nach Brüssel, wo er bis zu seinem Tod lebte. Er malte Porträts und arbeitet zu antiken Themen - "Tod von Marat" (1793), "Porträt der Madame Récamier" (1800)... Das Gemälde "Tod von Marat" wurde vom Künstler in weniger als drei Monaten fertiggestellt und in der Kongresshalle aufgehängt. Marat wurde in seiner Wohnung von einer Adligen namens Charlotte Corday erstochen. Zum Zeitpunkt seines Todes saß Marat in der Badewanne: Aufgrund einer Hautkrankheit musste er so arbeiten und Besucher empfangen. Die geflickten Laken und eine schlichte Holzkiste, die den Tisch ersetzte, sind keine Künstlererfindung. Marat selbst, dessen Körper durch Krankheit entstellt war, verwandelte sich jedoch unter Davids Bürste in einen edlen Athlet, wie ein alter Held. Die Schlichtheit des Schauplatzes verleiht dem Spektakel eine besondere tragische Feierlichkeit.
In einem großen Bild "Krönung von Napoleon I. und Kaiserin Josephine in der Kathedrale Notre-Dame am 2. Dezember 1804" (1807) David schuf einen weiteren Mythos - der Glanz des Altars und die Pracht der Kleidung der Höflinge wirken auf den Betrachter nicht schlimmer als die elenden Möbel und alten Laken von Marat.
Jean Auguste Dominique Ingres(1780-1867) war ein Anhänger der klassischen Ideale, ein origineller Künstler, der jeder Lüge, Langeweile und Routine fremd war. 1802 erhielt er den Rompreis und das Recht, nach Italien zu reisen. 1834 wurde er Direktor der Französischen Akademie in Rom. Erreichte die höchste Fähigkeit im Porträtgenre - "Porträt der Riviera".
Ingres versuchte in der Malerei die dekorativen Möglichkeiten verschiedener Arten der alten Kunst zu vermitteln, zum Beispiel die Ausdruckskraft der Silhouetten der antiken griechischen Vasenmalerei, - Ödipus und die Sphinx (1808) und Jupiter und Thetis (1811).
Auf einer monumentalen Leinwand "Gelübde Ludwigs XIII., Bitte um die Schirmherrschaft Unserer Lieben Frau für das Königreich Frankreich" (1824), er imitierte den Bildstil Raffaels. Das Gemälde brachte Ingres seinen ersten großen Erfolg. In dem Bild Odaliske und der Sklave (1839) wählte eine Komposition in der Nähe von "Algerische Frauen in ihren Kammern" von Delacroix und entschied sie auf seine Weise. Die bunte, vielfarbige Farbgebung der Leinwand entstand aus der Begeisterung des Künstlers für die orientalische Miniatur. 1856 vollendete Ingres das Gemälde "Eine Quelle", von ihm in den 20er Jahren konzipiert. in Italien. Der anmutig blühende Jungfrauenkörper verkörpert die Reinheit und Großzügigkeit der Natur.
Theodore Gericault(1791-1824) - Begründer der revolutionären Romantik in der französischen Malerei. Die erste im Salon ausgestellte Arbeit - "Offizier der Horse Rangers der kaiserlichen Garde im Angriff" ("Porträt des Leutnant R. Dieudonne", 1812)... Der schneidige Reiter posiert nicht auf der Leinwand, sondern kämpft: Die schnelle Diagonale der Komposition führt ihn tief ins Bild hinein, in die bläulich-violette Hitze des Gefechts. Zu dieser Zeit wurde die Niederlage der Armee von Napoleon Bonaparte in Russland bekannt. Die Gefühle der Franzosen, die die Bitterkeit der Niederlage kannten, spiegelten sich in dem neuen Gemälde des jungen Künstlers wider - „Der verwundete Kürassier verlässt das Schlachtfeld“ (1814).
1816-1817. Gericault lebte in Italien. Besonders fasziniert war der Künstler von den Bareback-Pferderennen in Rom. In einer Gemäldeserie "Freier Pferdelauf" (1817) sowohl ausdrucksstarke Genauigkeit der Berichterstattung als auch zurückhaltender Heroismus im neoklassischen Geist sind vorhanden. In diesen Arbeiten formte sich schließlich sein individueller Stil: kraftvolle, raue Formen werden durch große bewegte Lichtpunkte vermittelt.
Nach Paris zurückgekehrt, schuf der Künstler ein Gemälde "Floß" Medusa "" (1818-1819)... Im Juli 1816 lief in der Nähe der Kapverdischen Inseln das Schiff "Medusa" unter dem Kommando eines unerfahrenen Kapitäns, der einen Posten unter Schirmherrschaft erhielt, auf Grund. Dann segelten der Kapitän und sein Gefolge in Booten davon und überließen das Floß mit einhundertfünfzig Matrosen und Passagieren dem Schicksal, von dem nur fünfzehn Menschen überlebten. Auf dem Bild suchte Gericault die maximale Wahrscheinlichkeit. Zwei Jahre lang suchte er nach Menschen, die die Tragödie im Meer überlebten, fertigte Skizzen in Krankenhäusern und Leichenschauhäusern an und malte Skizzen des Meeres in Le Havre. Das Floß auf seinem Bild wird von einer Welle angehoben, der Betrachter sieht sofort alle Menschen, die sich darauf drängen. Im Vordergrund stehen die Figuren der Toten und Verstörten; sie sind in voller Größe geschrieben. Die Blicke der noch nicht Verzweifelten richten sich zum anderen Ende des Floßes, wo der Afrikaner auf einem wackeligen Fass dem Argus-Team ein rotes Taschentuch zuwinkt. Entweder Verzweiflung oder Hoffnung erfüllt die Seelen der Passagiere auf dem Meduza-Floß.
1820-1821. Gericault besuchte England. Beeinflusst von Constables Arbeit schrieb er Pferderennen in Epsom (1821)... Das Bild ist von Bewegung durchdrungen: Die Pferde rauschen, berühren kaum den Boden, ihre Figuren verschmolzen zu einer schnellen Linie; niedrige Wolken sind beweglich, ihre Schatten sind beweglich und gleiten über ein nasses Feld. Alle Konturen in der Landschaft sind unscharf, Farben sind unscharf. Gericault zeigte die Welt, wie sie ein Jockey auf einem galoppierenden Pferd sieht.
Eugene Deacroix(1798-1863) - Französischer Maler. Die Malerei von Delacroix basiert auf bunten Flecken, die eine harmonische Einheit bilden; jeder Fleck enthält zusätzlich zu seiner Farbe Schattierungen von benachbarten.
Delacroix schrieb sein erstes Gemälde über die Handlung von "The Divine Comedy" von Dante - Dante und Virgil (Dantes Boot) (1822)... Delacroix hat ein Gemälde geschaffen "Massaker von Chios" (1824) unter dem Einfluss der Ereignisse der Befreiungsrevolution in Griechenland 1821-1829. Im September 1821 vernichteten türkische Bestrafer die Zivilbevölkerung von Chios. Im Vordergrund stehen die Gestalten der dem Untergang geweihten Chianer in bunten Lumpen; im Hintergrund die dunklen Silhouetten bewaffneter Türken. Den meisten Gefangenen ist ihr Schicksal gleichgültig, nur Kinder bitten ihre Eltern vergeblich, sie zu beschützen. Der türkische Reiter, der die Griechin hinter sich herschleift, wirkt wie eine Art Symbol der Versklavung. Andere Figuren sind nicht weniger symbolisch: ein nackter verwundeter Grieche - sein Blut versickert, und ein zerbrochener Dolch und eine von Räubern verwüstete Tasche liegen in der Nähe.
Nach den Ereignissen im Juli 1830 in Paris schuf Delacroix ein Gemälde "Freiheit führt das Volk (28. Juli 1830)"... Einer einfachen Episode von Straßenschlachten verlieh der Künstler einen zeitlosen, epischen Sound. Die Rebellen erheben sich zur Barrikade, die von den königlichen Truppen zurückgeschlagen wurde, und die Freiheit selbst führt sie an. Kritiker sahen in ihr eine "Kreuzung zwischen einem Kaufmann und einer antiken griechischen Göttin". Der romantische Stil ist hier zu spüren: Die Freiheit wird in Form der Siegesgöttin dargestellt, sie hisst das Trikolore der französischen Republik; gefolgt von einer bewaffneten Menschenmenge. Jetzt sind sie alle Soldaten der Freiheit.
1832 begleitete Delacroix eine diplomatische Mission nach Algerien und Marokko. Nach seiner Rückkehr nach Paris schuf der Künstler ein Gemälde "Algerische Frauen in ihren Gemächern" (1833)... Die Frauenfiguren sind überraschend plastisch. Sanft umrissene goldbraune Gesichter, sanft geschwungene Arme, farbenfrohe Outfits heben sich hell vor dem Hintergrund samtiger Schatten ab.
Antoine Gros (1771-1835) - Französischer Maler, Porträtmaler. Gro gab klassische Handlungsstränge auf - er wurde von der modernen Geschichte angezogen. Erstellt eine Reihe von Gemälden, die der ägyptisch-syrischen Expedition der napoleonischen Armee (1798-1799) gewidmet sind - "Bonaparte besucht die Pest in Jaffa" (1804)... Andere Gemälde, die Napoleon gewidmet sind - "Napoleon auf der Arkol-Brücke" (1797), "Napoleon auf dem Schlachtfeld bei Eyau" (1808)... Gro beendete 1825 die Bemalung der Kuppel des Pantheons in Paris und ersetzte das Bild Napoleons durch die Figur Ludwigs XVIII.
