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Concord Orchestra ist ein junges Sinfonieorchester, das keine Angst vor Experimenten hat und aktiv auf seinen Erfolg hinarbeitet. Es wurde 2015 in St. Petersburg unter der Leitung des talentierten jungen Dirigenten aus Italien Fabio Pirola gegründet. Und schon jetzt können wir sagen, dass das Kollektiv seinen eigenen einzigartigen Stil hat, der es auszeichnet und möglicherweise eine eigene Nische im musikalischen Olymp zwischen Showbusiness und symphonischer Musik besetzen wird.

Das Symphonic Rock Hits Programm, mit dem die Geschichte des Orchesters beginnt.

Genau ein Jahr haben die Gründer des Orchesters mit der Auswahl eines Repertoires verbracht, das sich aus den legendären Kompositionen der Rockbands Metallica, Linkin Park, Rammstein, Scorpions, Survivor, The Beatles, Led zeppelin, Nirvana, Aerosmith, Depeche Mode, Europe, Steve Vai, Queen, Status Quo, Bon Jovi, Muse, Maroon 5, AC/DC und arrangierte Hits für klassisches Sinfonieorchester. Auch die Auswahl der Interpreten für das Concord Orchestra war schwierig. Tatsächlich braucht es neben exzellenten fachlichen Fähigkeiten für klassische Interpreten ungewöhnliche Qualitäten, nämlich die Fähigkeit, auf der Bühne zu tanzen, ohne Partituren zu spielen und vor allem Experimentierfreude, ein verrückter Tourneeplan und die Lust am etwas Neues schaffen. Es war keine leichte Aufgabe, und der junge Dirigent Fabio Pirola hat das hervorragend gemeistert.

Nach der letzten Vorbereitung des Symphonic Rock Hits-Programms begab sich das Concord Orchestra auf eine grandiose Tournee durch Russland. 43 russische Städte stehen auf ihrem Tourplan. Jeden Tag gibt das "Concord Orchestra" ein Konzert in einer neuen Stadt. Angesichts der Distanz kann man sich vorstellen, was für eine körperliche und emotionale Belastung das für Musiker bedeutet. Die russischen Zuschauer schätzten den innovativen Ansatz von Fabio Pirola bei der Kreation des Symphonic Rock Hits-Programms, denn jedes Konzert wird von tosendem Applaus und begeisterten Dankesworten in den sozialen Netzwerken begleitet.

Die Aufführung des Concord Orchestra kann kaum als Konzert bezeichnet werden. Es ist vielmehr eine ungewöhnliche und reizvolle Show, bei der das Spiel des Orchesters von dynamischen Lichteffekten begleitet wird, während die Musiker selbst und der Dirigent in ständiger Bewegung sind. Der kraftvolle Klang von Instrumenten in den Händen professioneller Musiker: Sanfte Geigen, harte Altklänge, die Kraft eines Kontrabasses, Jazz-Timbre von Saxophonen, Rock-n-Roll-Antrieb von Gitarren und Schlagzeug. In dem Moment, in dem Sie den Dirigentenauftritt von Fabio Pirola im Programm Symphonic Rock Hits sehen, haben Sie das Gefühl, etwas absolut Unglaubliches erlebt zu haben. Die Art und Weise, wie er die Produktion leitet, ist nicht nur außergewöhnliche Energie, Ausstrahlung und Musikalität, sondern auch die Verkörperung eines völlig neuen Dirigentenkonzepts. All dies hinterlässt einen bezaubernden Eindruck auf das Publikum. Einige der Kompositionen werden von Elementen theatralischer Aufführungen begleitet, was sie besonders einprägsam macht. Für mich waren das Coverversionen von "Behind blue eyes" von Limp Bizkit und "Enjoy the Silence" von Depeche Mode, gespielt vom "Concord Orchestra".

Symphonic Rock Hits ist nicht das einzige Programm des Orchesters. Astor Piazzollas Passionstango erscheint im Februar und ist allen Verliebten gewidmet, und Johann Strauss' Schneewittchenball fällt auf die Weihnachtsfeiertage.

Wir haben den Dirigenten des Concord Orchestra, Fabio Pirola, kontaktiert und er hat sich freundlicherweise bereit erklärt, unsere Fragen zu beantworten :

Beginnen wir mit Ihnen, Maestro, wie sind Sie als Mailänder nach Russland gekommen?

Das erste Mal kam ich als Tourist mit meiner Familie nach Russland und machte eine klassische einwöchige Tour: St. Petersburg, Moskau und die Städte des Goldenen Rings Russlands.

Später kam ich nach St. Petersburg für meinen ersten Dirigier-Meisterkurs bei Maestro Jorma Panula. Die Stadt hat mir sehr gut gefallen und ich habe in gewisser Weise gemerkt, dass ich hierher zurückkehren würde.

Haben Sie schon immer davon geträumt, Orchesterdirigent zu werden? Wie und wann haben Sie erkannt, dass dies Ihr Weg ist?

Ich habe nie davon geträumt, Orchesterdirigent zu werden. Es war eine bewusste, konsequente Wahl. Erst nach meinem Abschluss als Geiger und mehrjähriger Tätigkeit als Berufsmusiker wurde mir klar, dass ich mehr kann und ein Orchester zu leiten wirklich mein Weg ist.

Wie war die Idee, „Eintracht Orchester»Warum haben Sie diesen Namen gewählt?

Concord leitet sich vom Wort "concordia" ab, was Harmonie und Harmonie bedeutet. So unterstreicht das Wort Concord im Titel, dass das Sinfonieorchester jedes Repertoire, auch Rock, spielen kann. ich denke, dass

Der Gedanke der Zustimmung ist in unserer turbulenten und turbulenten historischen Zeit sehr wichtig.

In welchem ​​Jahr wurde gebildet " Eintracht Orchester»?

Die zweite Saison des Orchesters geht nun zu Ende. Die ersten Konzerte fanden im Frühjahr 2016 statt, es folgte die erste Saison (2016/2017) und dann ein schwindelerregendes und erfolgreiches Crescendo von Musik und Beschäftigung.

Ihr Orchester besteht aus einer relativ großen Anzahl von Musikern, die neben einer hervorragenden Beherrschung ihres Instruments auch eine gewisse tänzerische Vertrautheit mitbringen müssen, sich auf der Bühne bewegen können: Eigenschaften, die für Musiker eines klassischen Sinfonieorchesters nicht charakteristisch sind. Was sind die Auswahlkriterien für Ihre Teammitglieder?

Derzeit gibt es in Russland sowie auf der ganzen Welt keine solchen Musiker. Deshalb wähle ich beim Casting talentierte Musiker aus, die solche Auftritte lieben und eine natürliche Veranlagung haben.

Anschließend arbeite ich nicht nur als Orchesterdirigent, sondern auch als Psychologe, Trainer, Choreograf und enthülle in Musikern immer mehr kinästhetische und empathische Wahrnehmung, die für diese Art von Show grundlegend ist.

Ihre Russland-Rundreise ist wirklich sehr beschäftigt: Jeden Tag gibt es eine neue Seite, und ich habe gelesen, dass die Reise mit einem Bus stattfindet. Welche Städte oder Orte haben Sie am meisten beeindruckt? Und wie unterscheidet sich das Publikum?

Dies ist zunächst die Stadt Rossosh, in der ich das Museum des Großen Vaterländischen Krieges besucht habe. Ich war gerührt, die Artefakte der Alpini-Armee zu sehen, die an die 100.000 Italiener erinnern, die in Russland starben.

Nie werde ich das Denkmal im Zentrum der Stadt vergessen, das den Soldaten von Alpini gewidmet ist und eine Gedenkinschrift trägt: „Von der tragischen Vergangenheit zur Freundschaft der Gegenwart und zur brüderlichen Zusammenarbeit der Hinterbliebenen“! Es befindet sich gegenüber einem Kindergarten, der von Italienern gebaut und an russische Kinder gespendet wurde.

Das Publikum in Provinzstädten ist sehr emotional und warmherzig, während es in Großstädten sehr streng und anspruchsvoll ist. Wirklich anders.

Wie schaffst du es, dich beim Touren zu konzentrieren?

Im Jahr 2000 nahm ich in Italien an meiner ersten Ausbildung "Musikerpädagogik" teil, die von Professor Marco Brazzo geleitet wurde. Seitdem habe ich immer versucht, neben der musikalischen Ausbildung auch eine psychologische Ausbildung zu praktizieren. Dies ist besonders wichtig, wenn das Tempo des Lebens so hektisch und stressig wird.

Bitte beschreiben Sie Ihren typischen Tag.

Aufstehen um 7 Uhr, 8 Uhr Frühstück, 5-6 Stunden Bustransfer, Mittagessen, Soundtuning, Probe, Vorstellung, Abendessen, Transfer zum Hotel.

Wie schwierig ist es, die Arbeit eines so großen Teams zu koordinieren? Gibt es Anspannungen im Alltagsstress oder herrscht allgemeiner Konsens?

Natürlich gibt es viele angespannte, nervöse Momente, aber das bedeutet nur, dass die Gruppe aus lebenden Menschen besteht.

Sie müssen diese Energie nur in eine konstruktive Richtung lenken, indem Sie grundlegendes psychologisches Training anwenden.

Ich glaube, dass jedes Theater seine eigene Akustik, Ausstattung, seinen eigenen Bühnenraum hat: Gab es unerwartete Situationen, die den Erfolg der Show beeinträchtigen könnten?

Natürlich müssen wir in der Lage sein, den Raum anzupassen und zu optimieren. Darüber hinaus ist die Entwicklung kinästhetischer und empathischer Empfindungen grundlegend. Nur in diesem Fall ist es möglich, jede Situation ohne Panik zu meistern.

Aus technischer Sicht gibt es auch andere Situationen, aber erfahrene Techniker arbeiten bei uns.

Was hat Sie in Russland am meisten beeindruckt?

Schöne Mädchen! Und wenn sie dir bei Konzerten Blumen schenken!

Außerdem liebe ich die Natur. Die Weiten Russlands zu sehen, ist für mich etwas Besonderes.

In welcher russischen Stadt würden Sie gerne leben und welche würden Sie als Tourist empfehlen?

Ich möchte noch lange in St. Petersburg leben und leben. Für Touristen würde ich raten, ins russische Outback zu fahren und natürlich mit der Transsibirischen Eisenbahn zu reisen.

In welcher russischen Stadt waren Sie noch nie? (was angesichts des Tempos Ihrer Tour unmöglich erscheint)?

Über Sibirien weiß ich leider nicht viel, aber für Frühjahr 2019 ist eine Tournee mit dem Orchester geplant. Ich kann diese Zeit kaum erwarten!

Wie geht es dir mit der russischen Sprache?

Ich verstehe fast alles, aber ich möchte besser sprechen, Fälle verwenden und Verben richtig deklinieren. Dies wird noch etwas Zeit in Anspruch nehmen.

Dein Hobby?

Ich liebe das Meer und das Segeln.

Was sind die größten Unterschiede zwischen Italien und Russland in Ihrer Nähe?

Auf dem Gebiet der Musik in Russland gibt es immer noch die Begeisterung, die in Italien in den 70er-80er Jahren war. Überall hat man das Gefühl, dass sich alles schnell verändert.

Ich hoffe wirklich, dass sie hier in Russland wissen, wie man den tiefgreifenden Veränderungen, die uns in den kommenden Jahren erwarten, mit Bedacht entgegentritt.

Glauben Sie, es wäre schwierig, einem italienischen Publikum das gleiche Programm an Aufführungen anzubieten?

Ja, das ist richtig! Sie sagen, dass der Geschmack des italienischen Publikums der komplexeste und launischste der Welt ist. Alle Produzenten und Agenten, mit denen ich kommuniziere, und sogar Italiener, hatten in den letzten Jahren erhebliche Schwierigkeiten, in Italien zu arbeiten.

Aus Ihrem Lebenslauf kann ich entnehmen, dass Sie auf der ganzen Welt gearbeitet haben. Neben Russland sind dies Deutschland, USA, Großbritannien, Bulgarien und sogar Oman. Welche dieser Erfahrungen ist am hilfreichsten?

Auf Bildungsebene denke ich, dass Russland, insbesondere St. Petersburg, zweifellos die bedeutendste Stadt ist. Es lohnt sich auf jeden Fall, dort ein paar Jahre zu leben!

Was würden Sie einem jungen Mann raten, der eine Karriere als Dirigent anstrebt?

Es ist ein Eliteberuf für wenige und wird in den kommenden Jahren tiefgreifende Veränderungen erfahren.

Sie müssen ein großes Verlangen und große Willenskraft haben.

Was sind deine Pläne für die Zukunft?

Neue Aufführungen, eine Tournee durch Europa, China. Daumen drücken und hoffen, dass alles gut geht.

Am 10. November wurde "" veröffentlicht - ein Album mit größtenteils zuvor veröffentlichten Songs von Evanescence, neu arrangiert und unter Beteiligung des Orchesters aufgenommen. Und an diesem Tag ist genau ein halbes Jahrhundert vergangen seit der Veröffentlichung von „Days Of Future Passed“ – dem allerersten Rock-Album überhaupt in Form einer Sinfonie. Im letzten halben Jahrhundert sind solche Werke fast alltäglich geworden, und doch können viele von ihnen selbst anspruchsvolle Musikliebhaber begeistern und überraschen. Die Site erinnert an einige der berühmtesten und erfolgreichsten Beispiele für die Kombination von High Classics mit Rockmusik.

The Moody Blues – „Days of Future Passed“

(1967)

Der Legende nach begann die Geschichte des ersten einer Reihe von Orchester-Rock-Alben, das vor genau 50 Jahren veröffentlicht wurde, im September 1967, als eine aktiv tourende weiße R&B-Gruppe angeblich gebeten wurde, ihre Version von "Symphony No. 9" aufzunehmen " von Antonin Dvorak, um die Möglichkeiten der Aufnahmetechnik des neuen Labels Deram Records zu demonstrieren. Die Band stimmte zu, aber anstatt die Klassiker aufzunehmen, beschlossen sie, sich auf ihr eigenes Album zu konzentrieren, basierend auf ihrer damaligen Live-Show.

Toningenieur Derek Varnals, der an dem Album mitgearbeitet hat, behauptet jedoch, dass dies nur Gerüchte seien: Zu diesem Zeitpunkt hatte das Label bereits mindestens sechs Platten mit Orchester veröffentlicht, im Fall von Moody Blues versuchte „Decca Records“ gerade erst um das Interesse an seiner neuen Sparte zu wecken und den Sound einer Popgruppe und eines Orchesters nach dem überwältigenden Erfolg von „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band." Umso überraschender, dass es dieses Album war, das den Grundstein für den zukünftigen Art-Rock-Sound der Gruppe legte und auf diesem zum ersten Mal ihr Haupthit erklang. „Nights In White Satin“ wurde von Justin Hayward ein paar Jahre vor der Aufnahme geschrieben: Grund dafür waren die Satinlaken, die er geschenkt bekam. Ein paar weitere Songs, darunter der zweite Hit des Albums "Tuesday Afternoon", wurden ebenfalls lange vor den Aufnahmen geschrieben, und die Gruppe musste dies alles nur zu einem Ganzen vereinen, nachdem sie nicht nur eines der hellsten Orchesteralben, aber auch eine der ersten wirklich konzeptuellen Leinwände.

DerNizza - "Fünf Brücken"

(1970)

Am 10. Oktober 1969 wurde Keith Emersons symphonisches Werk Five Bridges beim Newcastle Arts Festival uraufgeführt, aufgeführt vom Orchester unter der Leitung von Joseph Eger. Die fünfteilige Suite erhielt ihren Namen "Five Bridges" durch die Anzahl der Brücken in der Stadt, in der die Uraufführung stattfand, und ihr Stil wurde nicht nur von klassischer Musik beeinflusst, sondern auch von einem ganz bestimmten Interpreten - dem österreichischen Pianisten Friedrich Gulda , der Jazzelemente in eine streng klassische Form verwob. Die zweite Seite der Platte, die als Ergebnis der Aufführung erschien, enthielt zwei weitere Werke, die mit dem Eger Orchester aufgenommen wurden - die Karelia Suite von Jan Sibelius und einen Teil von Tschaikowskys Pathetique Symphony, in dem das Orchester im klassischen Stil gegen den Hintergrund der Rock-Rhythmus-Sektion und der charakteristischen Orgelpassagen von Emerson. Und eine weitere Nummer auf dieser CD ist eine Mischung aus Bob Dylans "Country Pie" mit Bachs 6. Brandenburgischem Konzert. All dies führte leider nicht zu dem von der Band erwarteten Ergebnis: Kritiker bewerteten die Suite als mittelmäßig, aber die Fans halten sie für den Höhepunkt der Kreativität der direkten Vorgänger Emerson, Lake und Palmer. Abgesehen davon, wer weiß, hätte es ohne Emersons Versuche, klassische und zeitgenössische Musik nicht zu "verheiraten", vielleicht nicht viel berühmtere "Bilder einer Ausstellung" gegeben?

Deep Purple – „Konzert für Gruppe und Orchester“

(1970)

„Diese Idee kam mir, als ich bei The Artwoods spielte“, erinnert sich der Autor des damals ehrgeizigsten Projekts der Band, John Lord. - Damals war ich beeindruckt von der Platte „Bernstein Plays Brubeck Plays Bernstein“. Es war Musik, die speziell für Orchester und Jazzquartett geschrieben wurde. Es klang sehr interessant und ich fragte mich – würde eine Rockband, die zusammen mit einem Sinfonieorchester spielt, nicht origineller klingen?“ Um die Suite der Öffentlichkeit zu präsentieren, sorgte Manager Tony Edwards für Pressewerbung und arrangierte einige Monate im Voraus ein Konzert in der Londoner Royal Albert Hall, bei dem Lord als Letzter davon erfuhr.

„Es ist eine Sache – Pläne, eine ganz andere – eine Aufführung in einem so maßgeblichen Saal: Ein Fiasko würde nicht nur den Zusammenbruch meiner individuellen Karriere bedeuten, sondern auch eine Rockgruppe, die mit mir auftreten würde. Und ich hatte natürlich vor, mit Deep Purple zu spielen. Und es blieb nichts anderes übrig, als an die Arbeit zu gehen. Ich arbeitete von Juli bis August, meistens nach Konzerten, von spät abends bis morgens. Ein großes Glas starken Kaffee hat mich vor dem Schlaf gerettet “, erinnerte sich Lord.

Für die Orchestermusiker war dieses Projekt nicht weniger ein Schock: Als sich wenige Tage vor dem Konzert alle zu einer gemeinsamen Probe versammelten, sagte eine der Cellistinnen, sie mache keinen Abschluss am Konservatorium, um mit einigen Anhängern von The . zu spielen Beatles in einer so würdigen Halle. Nach der Probe entschuldigte sich das Mädchen jedoch und sagte, dass ihr dieses Experiment gefiel. Ein weiteres Problem ergab sich bei Ian Gillan, der die Worte für das Werk des Herrn schreiben musste.

„Aus irgendeinem Grund habe ich die Texte nicht rechtzeitig vorbereitet“, erinnert sich Ian, „während der Auditions mit meiner Teilnahme schnurrte ich etwas leise, und niemand bemerkte, dass ich Unsinn sang. Und nur zwei Stunden vor der Vorstellung, als wir in einem Café saßen, fragte John: "Ian, gestehe, du hast den Text?" Infolgedessen schrieb der unordentliche Rocker die Worte direkt im Café auf eine Serviette und sang beim Konzert mit Blick auf ein am Boden befestigtes Blatt Papier.

Das Konzert selbst, das am 24. September 1969 stattfand, war nicht ohne Überlagerungen: Die Gruppe spielte lauter als das Orchester, und Blackmore dehnte das eineinhalbminütige Solo auf eine unvorstellbare Länge. Dennoch gab es am Ende der Aufführung stehende Ovationen vom Publikum, und die Orchestermitglieder, die die "Bande der langhaarigen Hippies" bei den Proben offensichtlich vernachlässigten, spielten mit sichtlichem Enthusiasmus den gesamten dritten Akt als Zugabe. Auch die Pressestimmen waren widersprüchlich: Während Chris Welsh von Melody Maker das Konzert als „ein kühnes und revolutionäres Stück“ bezeichnete, empfahl der britische Klassik-Kolumnist Noel Goodwin eine „einvernehmliche Scheidung“ für die Klassik/Popular-Allianz. Und der berühmte DJ John Peel nannte das Konzert "schrecklich", also weigerte er sich, die Gruppe zu seiner Abendshow einzuladen. Wie dem auch sei, das Konzert wurde zu einem Meilenstein für die Gruppe und für die gesamte populäre Musik im Allgemeinen.

Procol Harum - „Live: In Concert mit dem Edmonton Symphony Orchestra“

(1972)

Procol Harums Hit-Single „A Whiter Shade Of Pale“, die auf einem Werk von Bach basiert, wurde 1967 zum gleichen Symbol wie der bereits erwähnte „Sgt. Pepper“, so verwundert es nicht, dass ihnen früher oder später die Idee einer Aufnahme mit einem Orchester in den Sinn kommen musste. Und ich muss sagen, es geschah "früh": Dieses Konzertalbum wurde die erste Scheibe in der Geschichte der Rockmusik, auf der die Gruppe zusammen mit dem Orchester nicht fremde Werke oder eigens dafür geschriebene Kompositionen aufführte, sondern eigene Rocknummern den Hörern schon bekannt ... In diesem Sinne schuf Procol Harum, ohne es zu wissen, einen echten Prototyp vieler ähnlicher Rock-Orchester-Werke, die folgten (und mit alarmierender Häufigkeit weiterhin folgen) von Bands, die beschlossen, sich bequem auf ihren eigenen Lorbeeren auszuruhen.

Ursprünglich kam im August 1971 ein Angebot, mit dem Edmonton Orchestra aufzunehmen, aber der Weggang des Gitarristen Robin Trower und die Notwendigkeit, an vollständigen Orchestrierungen zu arbeiten, zwangen Bandleader Gary Brooker, das Projekt zu verschieben. Und als es soweit war, musste im letzten Moment noch einiges getan werden: Bereits eine Woche vor dem Konzert wurde die Vereinbarung getroffen, den Auftritt mit A&M Records aufzunehmen, und die Orchestrierung für den Song "Conquistador" musste auf dem Flugzeug auf dem Weg aus England, so dass das Orchester nicht einmal Zeit zum Proben hatte. Nichtsdestotrotz wurde genau diese zur Hitsingle, die fast auf den ersten Blick gespielt wurde und die Single auf Platz 16 der amerikanischen Charts und das Album selbst - in die Top 5 in Amerika - katapultierte.

Jethro Tull - „Ein klassischer Fall: Das London Symphony Orchestra spielt die Musik von Jethro Tull“

(1985)

Die achtziger Jahre waren nicht die erfolgreichste Zeit in Jethro Tulls Karriere, schon deshalb, weil zu dieser Zeit eine der bekanntesten und beliebtesten Art-Rock-Gruppen schließlich zur Begleitung ihres Chefs Ian Anderson wurde. Dennoch hatte die Gruppe noch etwas auf Lager, das die Fans überraschen könnte, wie dieses vom London Symphony Orchestra aufgenommene Album beweist: Es unterscheidet sich von anderen Projekten wie "The Orchestra Play Classic Rock" dadurch, dass es an der Aufnahme Anderson . mitgewirkt hat selbst, fester Gitarrist Martin Barr, sowie Mitglieder der neuen Besetzung - Bassgitarrist Dave Pegg und Keyboarder Peter-John Vittez. Die Rockhymnen „Aqualung“ oder „Locomotive Breath“, ganz zu schweigen von den „klassischeren“ Stücken wie „Bouree“, klingen in diesem Arrangement so harmonisch, als ob es sie schon immer gegeben hätte: Die Arrangements für das Projekt stammen von einem anderen Mitglied von die klassische Besetzung, Keyboarder David Palmer. In den USA erreichte das Album Platz 93 der Charts - ein schwaches Ergebnis für die Band, aber nicht schlecht für eine Sammlung von Orchester-Remakes.

Metallica - "S&M"

(1999)

Die Rede, dass die Patriarchen der Thrash-Musik ein Album mit Orchester aufnehmen wollten, entpuppte sich Anfang 1999 als Herausforderung an den Aufnahme- und Tourneealltag: Michael Kamen wurde als Arrangeur und Dirigent für das unvergessliche „Nothing Else Matters“ in das Projekt eingeladen. . „Wir wissen, dass sie spielen können, und sie wissen, dass wir spielen können. Sie müssen nur die Lautstärke des jeweils anderen richtig berechnen", sagte Bassist Jason Newsted in einem Interview.

Am 21. verkaufte sich sehr gut und die Komposition „The Call of Ktulu“ gewann einen Grammy für die beste Rock-Instrumental-Performance.

„Weißt du, über diese Orchestersache… es kam so cool heraus, teilweise weil es nicht zu viel war. Es macht keinen Sinn, hundert solcher Konzerte zu geben, - sagte Lars Ulrich im Interview mit MTV. - Ich war noch nie so gesammelt auf der Bühne: Ich wollte unseren Teil der Performance wirklich brillant aushalten, ihn nicht verderben und das Team nicht im Stich lassen. In einer Vierergruppe zusammenzuarbeiten ist wahrscheinlich eine Sache. Aber es ist anders, einhundertacht zu versagen ... Das ist es, was ich von diesen beiden Konzerten in Erinnerung habe: absolute Konzentration auf mein Spiel, keine Gedanken an die Beleuchtung oder ein hübsches Mädchen in der dritten Reihe. Das ist absolut wahr."

Skorpione -"MomentVonRuhm "

(2000)

Nach Metallica wurden auch andere Hardrocker von Orchesteralben angezogen, für die diese Art von Arbeit zu einem Versuch wurde, zu beweisen, dass Hardrock anständig klingen kann. Die Scorpions entgingen diesem Schicksal nicht und traten am 11. November 1999 anlässlich des zehnjährigen Jubiläums der deutschen Wiedervereinigung vor dem Brandenburger Tor auf. Höhepunkt der Aufführung war natürlich der berühmte „Wind of Change“, dargeboten von 166 Cellisten unter der Leitung von Mstislav Rostropovich.

Die Aufführung begeisterte die Rocker so sehr, dass sie für das nächste Projekt die Berliner Philharmoniker zur Mitarbeit einluden und für die nötige feierliche Stimmung ein Studio in Wien anmieteten. Auf dem Programm standen neben den charakteristischen Balladen ein Remake des Hits „Rock You Like A Hurricane“, genannt „Hurricane 2000“, der fast ausdrucksstärker klang als das Original, sowie eine wunderschöne Coverversion von Diana Warrens Song „Here In My Herz". Und der Titeltrack wurde eigens für die Ausstellung "EXPO 2000" geschrieben, die in der Heimat der Scorpions in Hannover stattfand. Eine weitere bemerkenswerte Nummer war die Instrumentalversion des Hits „Crossfire“, deren Einführung „Moscow Nights“ war. In den deutschen Charts erreichte das Album den dritten Platz, "leuchtete" auch in den Charts von Portugal, Frankreich, der Schweiz und Japan, dem Hardrock nicht gleichgültig. Im letzteren Fall erreichte die Scheibe allerdings nur den 100. Platz – aber wer sagt, dass die Qualität der Arbeit in erster Linie von den Plätzen in den Charts bestimmt wird?

Kuss - "Symphonie: Lebendig IV"

(2003)

Ursprünglich wollte die Gruppe ein viertes Live-Album in traditionellerer Form und in klassischer Besetzung veröffentlichen, doch Probleme mit Labels führten dazu, dass die Platte ins Regal gestellt wurde, aber die Gruppe selbst schaffte es, auf die Zug des abgehenden Modezuges. Am 28. Februar fand in Melbourne ein Konzert statt, bei dem die Band im ersten Teil 6 Songs in traditioneller Rockbesetzung aufführte, dann das Melbourne Symphony Ensemble auf die Bühne lud und die Show mit Hits wie „Beth . fortsetzte“ “ und „Sicher etwas wissen“. Mit jedem Akt steigerte sich die Intensität, bis sie im dritten Teil mit einem vollwertigen Sinfonieorchester ihren Höhepunkt erreichte: Das Wetter wurde nicht einmal dadurch getrübt, dass Tommy Thayer, der zuvor in Coverbands gearbeitet hatte, zum Gitarristen wurde in dieser Show statt des verstorbenen Veteranen Ace Friar. Um die Musiker effektiver zu machen, wurden die Musiker des Orchesters so bemalt, dass sie den Kiss-Teilnehmern ähneln: Dies hatte jedoch keinen Einfluss auf die Leistung der ersteren oder die Qualität der Show der letzteren. Und dies ist eines dieser Konzerte, die nicht weniger aufregend sind als das Zuhören – schließlich waren diese vier geschminkten Menschen seit jeher für die Qualität von Live-Auftritten bekannt.

Arie - "Klassische Arie"

(2016)

Die wichtigste Heavy-Band des Landes ignorierte die neue Mode nicht: 2001 wurde das Kollektiv zum Headliner des Nashestvie-Festivals, wo es ein Konzertprogramm mit dem Globalis Symphony Orchestra unter der Leitung von Konstantin Krimts präsentierte. Die Aufführung war so erfolgreich, dass die Musiker 2002 auf Sinfonie-Tournee gingen und am 29. November 2015 in der Moskauer Crocus City Hall im Rahmen des Aria Fest Festivals ein weiteres Konzert mit Globalis gespielt wurde unter der Leitung des schwedischen Dirigenten Ulf Wadenbrandt: Dieses Konzert wurde zur Grundlage für das später erscheinende Album.

Interessanterweise wird auf der Aufnahme nicht so sehr auf das Orchester selbst, das sich im Schatten des charakteristischen Heavy-Sounds der Band befand, aufmerksam gemacht, sondern auf den selbstbewussten Gesang von Mikhail Zhitnyakov, der Valery Kipelov und Artur Berkut als Sänger ersetzte. Natürlich erkennen echte Fans nur einen echten Sänger von "Aria", und ein solcher Wechsel ist nie schmerzlos, aber dies ist der Fall, als die Gruppe endlich ein Glücksticket herauszog. Und das betrifft vor allem nicht nur neue Songs, sondern auch solche, die jedem echten "Arier" bekannt sind.

Die Cranberries - "Etwas anderes"

(2017)

In den zwanziger Jahren des neuen Jahrhunderts scheint es manchmal, dass die Stars des vergangenen Jahrhunderts heimlich einem von jemandem gezeichneten Rezept folgen: Wenn es eine kreative Krise gibt, bereiten Sie ein Album mit Remakes oder Covern vor. Auf den ersten Blick beschlossen die wiedervereinigten The Cranberries, denselben Weg zu gehen, auf ihrem ersten Album seit fünf Jahren gibt es nur drei neue Songs, alles andere sind Versionen alter Hits, begleitet vom Irish Chamber Orchestra. Die Stimme von Dolores O'Riordan ist jedoch immer noch charmant, und die Gruppe selbst, obwohl sie in der Grunge-Ära in die Leute eindrang, zeichnete sich immer vor allem durch die Melodie aus, deren Wurzeln in der irischen Volksmusik liegen. Und wenn die meisten der in dieser Rezension vorgestellten Platten eine Art Duell zwischen Rock und Klassik sind, dann lassen sich The Cranberries oft im Klang des Orchesters auflösen und lassen Fans ihre Lieblingssongs nicht nur in einer ungewöhnlichen Version hören, sondern Hören Sie auch und schätzen Sie die Texte, die in der üblichen Gitarrenumgebung oft verloren gehen.

Zum ersten Mal in Deutschland! Eine atemberaubende Show "Symphonic Rock Hits", dargeboten vom Symphonieorchester "Concord Orchestra"!

Was ist die Originalität der Show und der konzertanten Aufführung dieser einzigartigen Gruppe?

1. Musiker sitzen nicht auf Stühlen - sie tanzen mit ihren Instrumenten und sorgen für Schwung auf der Bühne.
2. Einzigartige Videoinstallationen und Lichtshows – die Atmosphäre, die das Konzert unvergesslich macht.
3. Alle Bewegungen werden von professionellen Choreografen choreografiert.
4. Die Kostüme für die Show wurden von einer Gruppe von Designern entworfen und sind Teil der Marke Concord Orchestra.
5. Das Sinfonieorchester spielt alle Kompositionen zum Gedächtnis und ohne Notenständer auf der Bühne.
6. Die restlichen Elemente der Show und Aufführung bleiben streng vertraulich!

Sie werden legendäre Kompositionen hören Metallica, Linkin Park, Rammstein, Scorpions, Survivor, The Beatles, Led Zeppelin, Nirvana, Aerosmith, Depeche Mode, Europa, Steve Vai, Queen, Status Quo, Bon Jovi, Muse, Maroon 5, AC/DC... Musiker des Sinfonieorchesters "Concord Orchestra" werden Arrangements von Werken bekannter Rockbands aufführen, um Sie immer wieder mit dem ungewöhnlichen Sound von Rockhits zu überraschen!

Das Concord Orchestra Symphony Orchestra besteht aus virtuosen Musikern aus Russland und Europa unter der Leitung des berühmten italienischen Dirigenten Fabio Pirola. Beim Konzert finden Sie Kompositionen von Kultrockbands im frischen Sound eines Sinfonieorchesters. Eigens kreierte Videoeffekte mit einzigartigen Fotografien von Rockmusikern auf der Großleinwand sorgen für eine besondere Stimmung.

"Concord Orchestra" wird Sie mit seinem neuen Programm begeistern, das moderne und klassische Rockstücke umfasst. Dies ist ein kraftvoller Klang von Instrumenten in den Händen von Profis: der Reichtum der Geigen, der raue Klang von Bratschen, der Charme von Celli, die Kraft des Kontrabasses und der Rock'n'Roll-Antrieb des Schlagzeugs.

Die Energie legendärer Rockmusik kombiniert mit einer einzigartigen Show wird Sie begeistern! Beeilen Sie sich, um Tickets zu bestellen!

Symphonieorchester unter der Leitung von Wolf Gorelik (Zurück aus der UdSSR 2003)
Auf diesem Album spielt das Sinfonieorchester unter der Leitung von Wolf Gorelik Instrumentalversionen der Lieder russischer Rocker, die in den 80er und 90er Jahren populär waren. Russischer Rock ist im Gegensatz zum westlichen Rock in symphonischer Bearbeitung eher selten, oder besser gesagt, praktisch unmöglich zu hören. Mit der Veröffentlichung dieses Albums "Return from the UdSSR" wollten seine Schöpfer die Hörer noch einmal an die Zeit erinnern, als diese ikonischen Werke geschaffen wurden, die in den goldenen Fonds der russischen Rockmusik aufgenommen wurden. Konzert-Präsentation des Albums „Russian Rock in Classic. Rückkehr aus der UdSSR “wurde am 19. März 2003 abgehalten. im Kreml. Es gab nur wenige Leute, die bereit waren, den Klassikern des russischen Rocks, dargeboten von einem Sinfonieorchester, zu lauschen - der Vorhang öffnete sich vor den halbgefüllten Ständen. Das Orchester unter der Leitung von Wolf Gorelik nahm seinen Platz auf der Bühne ein, der Dirigent schwenkte seinen Zauberstab vor hundert Männern und Frauen in Frack und festlichen Abendkleidern, und das Konzert begann. Auf die fast nicht wiederzuerkennende Version des Liedes "Changes" von Viktor Tsoi folgte die Veröffentlichung der Moderatorin des Konzerts, Seva Novgorodtsev, die wiederum alle Teilnehmer des erstaunlichen Konzerts präsentierte. Das Recht, das Programm zu öffnen, fiel dem Anführer der "Zeitmaschine" Andrei Makarevich zu. In völliger Stille des Orchesters sang der Musiker, der zu seiner E-Gitarre spielte, zwei Lieder, die zum Zeitpunkt des Schreibens so weit wie möglich getrennt waren. Und dann, beiseite tretend, bewunderte er, wie Menschen mit Geigen, Kontrabässen und Flöten an seiner „Sunny Island“ arbeiteten. Konstantin Nikolsky, dessen Lieder nach Sevas Berechnungen alle Rekorde bei der Anzahl der Auftritte auf Studentenpartys brachen, bereitete drei Lieder vor: „Ich bin einer von denen“, „Veterok“ und „Musiker“. Das letzte Stück, komplett durch neue Instrumente verändert, wurde in seiner Fassung vom Orchester begleitet von „Bravo“- und „Schönen“-Rufen präsentiert. Da an diesem Tag nicht alle Musiker, die an den Aufnahmen zum Album "Russian Rock in Classic" beteiligt waren, in den Kreml kamen, verwandelte sich das Konzert nach und nach in den Wettbewerb "Guess the Melody". Glücklicherweise konnte das Publikum auf die Hilfe des Moderators hoffen, der mit Witzen und Witzen die Autoren der gespielten Komposition vorstellte. „Wenn Boris Grebenshchikov, der von langen Touren zurückgehalten wird, sieht, was sie mit seinem Lied „Der Himmel kommt näher!“ - Novgorodtsev half den Hörern, die vor einer scheinbar vertrauten Melodie erneut ratlos waren. Eine ähnliche Situation ereignete sich mit Vladimir Kuzmins Artikel „Mama, ich bin in Schwierigkeiten“. Der offensichtliche Favorit des Konzerts, an dem auch die Gruppen "Agatha Christie" und "Moral Code" teilnahmen, war der imposante ruhige Yuri Shevchuk. Mit einem Lächeln auf die Geständnisse "Yura, wir lieben dich!" Und dann, als er sich hinter der Bühne mit großer Aufregung zurückzog, von der später der allgegenwärtige Nowgorodtsev berichtete, hörte Shevchuk zu, wie der Harfenist den Klang der Tropfen aus dem gerade gespielten Lied reproduzierte.

Bereits Ende der 60er Jahre des letzten Jahrhunderts begannen sie, mit dem Orchester der Rockgruppe Konzerte zu geben. Deep Purple waren nicht die ersten, aber es war ihr Auftritt mit dem Royal Philharmonic Orchestra, der viele Bands dazu inspirierte, denselben Weg zu gehen.

Dimmu borgir

Egal, wie man die norwegische Black Metal Symphonic Band Dimmu Borgir hält, man kann nicht leugnen, dass ihre Live-Performance mit Orchester und Chor sehr beeindruckend aussieht. Das legendäre Sinfoniekonzert der Band fand 2011 mit dem Norwegian Radio Orchestra in Oslo statt. Dieses Konzert wurde sogar auf einem der lokalen Kanäle gezeigt. Beim Wacken Open Air trat Dimmu Borgir mit dem Czech National Symphony Orchestra auf.

Vergänglichkeit

Im November 2017 veröffentlichte Evanescence Synthesis, das orchestrierte Songs aus früheren Veröffentlichungen der Band enthält. Zur Unterstützung der Platte gab die Gruppe 81 Konzerte in Nordamerika, Europa und Australien. Mit Unterstützung von Eventation fanden zwei davon in Russland statt – im März 2018 in Moskau und St. Petersburg.

Das Orchester gab der Bi-2-Gruppe eine besondere Note. Es ist nicht das erste Jahr, in dem die Gruppe die Zuhörer mit ihrer Zusammenarbeit mit dem Dirigenten Felix Aranovsky, den Arrangeuren Sergei Gavrilov und Gennady Kornilov sowie Musikern des Sinfonieorchesters begeistert. Ihr Live-Auftritt wird dem Publikum noch lange in Erinnerung bleiben.

Skorpione

Die Scorpions taten sich erstmals 2000 mit dem Orchester auf der Weltausstellung EXPO 2000 zusammen. Ihre große Show mit den Berliner Philharmonikern wurde von den größten lokalen Fernsehsendern übertragen. Das Interesse an einer solchen Zusammenarbeit wurde jedoch ein Jahr zuvor geweckt, als sie mit einem Kollektiv von 166 Cellisten unter der Leitung von Rostropovich ihre berühmteste Komposition Wind Of Change aufführten. Die Scorpions mochten die Kombination ihrer Musik mit klassischen Instrumenten, daher fanden solche Konzerte mehr als einmal statt. In Moskau traten sie beispielsweise mit dem Präsidentenorchester auf dem Roten Platz auf.

2003 bot Kiss mit dem Melbourne Symphony Orchestra eine großartige Show. Während des Konzerts bemalten alle Musiker ihre Gesichter im Corporate Style der Band. Die Aufführung wurde auf CD und DVD veröffentlicht, die Kiss Symphony: Alive IV hießen.

Herr der Verlorenen

Auch die deutsche Bühne ist voll von Auftritten mit dem Orchester. In Deutschland gibt es sogar ein Festival namens Gothic meets Klassik, an dem viele interessante Musiker teilnahmen. Zum Beispiel hat Lord of the Lost mit dem Symphonieorchester von Zielona Góra eine erstaunliche Leistung erbracht.

Metallica

1999 spielten Metallica und das San Francisco Symphony Orchestra zwei Konzerte, bei denen sie Material für das Album S&M (Symphony and Metallica) aufgenommen haben. Die Veröffentlichung erfolgte im selben Jahr und erhielt Multi-Platin-Status.

Im Jahr 2017, Oomph! wurde einer der Teilnehmer des Festivals Gotic meets Klassik. Sie führten ihre Lieder zusammen mit dem polnischen Orchester The Zielona Gora Symphony Orchestra auf.

Im September 2018 wird die Gruppe zwei Sinfoniekonzerte in Russland geben – diesmal mit dem Globalis Orchestra.