Biografie

Ashile Claude Debussy ist eine französische Komponistin. Führender Vertreter des musikalischen Impressionismus.

Debussy vor Impressionismus

Geboren am 22. August 1862 in Saint-Germain-en-Laye (einem Vorort von Paris) in der Familie eines kleinen Kaufmanns - Besitzer eines kleinen Geschirrladens. Als Claude zwei Jahre alt war, verkaufte sein Vater seinen Laden und die ganze Familie zog nach Paris, wo Debussy Sr. eine Stelle als Buchhalterin in einer Privatfirma annahm. Fast die gesamte Kindheit von Claude Debussy verging in Paris, mit Ausnahme der Zeit des Deutsch-Französischen Krieges, als die Mutter des zukünftigen Komponisten mit ihm weg von den Feindseligkeiten nach Cannes ging. In Cannes nahm der junge Claude 1870 seinen ersten Klavierunterricht; nach Paris zurückgekehrt, wurde der Unterricht unter der Leitung von Antoinette Maute de Flairville, der Schwiegermutter des Dichters Paul Verlaine, die sich auch Schülerin von Frederic Chopin nannte, fortgesetzt.

1872 trat Claude im Alter von zehn Jahren in das Pariser Konservatorium ein. In der Klavierklasse studierte er bei dem berühmten Pianisten und Lehrer Antoine Marmontel, in der elementaren Solfeggio-Klasse bei dem bedeutenden Traditionalisten Albert Lavignac und Cesar Frank selbst brachte ihm die Orgel bei. Am Konservatorium studierte Debussy recht erfolgreich, obwohl er als Student in nichts Besonderem glänzte. Erst 1877 würdigte die Professur Debussys Klaviertalent und verlieh ihm einen zweiten Preis für die Aufführung von Schumanns Sonate. In der Klasse für Harmonie und Begleitung von Emile Durand zu sein, führte zu einem offenen Konflikt zwischen Schüler und Lehrer. Getreu seinem Lehrbuch der Harmonie konnte Duran nicht einmal die bescheidensten Experimente seines Schülers bewältigen. Nicht zu vergessen seine Auseinandersetzungen mit dem Lehrer, schrieb Debussy viele Jahre später über diese Episode seines Studiums: "Harmonie, wie sie im Konservatorium gelehrt wird, ist eine hochtrabende Art, Töne zu sortieren."

Debussy begann erst im Dezember 1880 mit dem systematischen Kompositionsstudium bei dem Professor, Mitglied der Akademie der Schönen Künste, Ernest Guiraud. Sechs Monate vor Eintritt in die Klasse reiste Giraud Debussy als Hauspianist und Musiklehrer in die Schweiz und nach Italien in die Familie der wohlhabenden russischen Philanthropin Nadezhda von Meck. Den Sommer 1881 und 1882 verbrachte Debussy überhaupt in der Nähe von Moskau auf ihrem Gut Pleshcheyvo. Die Kommunikation mit der Familie von Meck und der Aufenthalt in Russland wirkten sich positiv auf die Entwicklung des jungen Musikers aus. In ihrem Haus lernte Debussy die neue russische Musik von Tschaikowsky, Borodin, Balakirev und ihnen nahestehenden Komponisten kennen. In einer Reihe von Briefen von Meck an Tschaikowsky wurde manchmal ein gewisser "süßer Franzose" erwähnt, der mit Bewunderung von seiner Musik sprach und die Partituren vorzüglich liest. Zusammen mit von Meck besuchte Debussy auch Florenz, Venedig, Rom, Moskau und Wien, wo er zum ersten Mal das Musikdrama "Tristan und Isolde" hörte, das ein Dutzend Jahre lang Gegenstand seiner Bewunderung und sogar Verehrung wurde. Diesen ebenso angenehmen wie gewinnbringenden Job verlor der junge Musiker durch eine unglücklich entdeckte Verliebtheit in eine der vielen Töchter von Meck.

Nach Paris zurückgekehrt, betrat Debussy auf der Suche nach Verdienst das Gesangsstudio von Madame Moreau-Senti, wo er die reiche Amateursängerin und Musikliebhaberin Madame Vanier traf. Sie erweiterte seinen Bekanntenkreis maßgeblich und führte Claude Debussy in die Kreise der Pariser Künstlerböhmen ein. Für Vanier komponierte Debussy mehrere exquisite Romanzen, darunter Meisterwerke wie "Mandoline" und "Under the Mute".

Gleichzeitig setzte Debussy sein Studium am Konservatorium fort und versuchte, bei seinen Kollegen, akademischen Musikern, Anerkennung und Erfolg zu erzielen. 1883 erhielt Debussy seinen zweiten Rom-Preis für die Kantate Gladiator. Damit blieb er nicht stehen, sondern setzte seine Bemühungen in dieser Richtung fort und erhielt ein Jahr später, 1884, den Großen Rom-Preis für die Kantate "Der verlorene Sohn" (fr. L'Enfant prodigue). Seltsamerweise so berührend wie unerwartet, war dies auf das persönliche Eingreifen und die wohlwollende Unterstützung von Charles Gounod zurückzuführen. Sonst hätte Debussy wohl nicht diese pappprofessionelle Krone aller Akademiker aus der Musik bekommen - "diesen originalen Herkunftsnachweis, Aufklärung und Authentizität ersten Grades", wie Debussy und sein Freund Eric Satie später scherzhaft untereinander nannten.

1885 ging Debussy jedoch mit äußerster Zurückhaltung und zwei Monaten Verspätung (was ein schwerer Verstoß war) auf die öffentliche Rechnung in Rom, wo er zusammen mit anderen Preisträgern für zwei Jahre in der Villa Medici leben und arbeiten sollte. Es war in einer so harten Dualität und inneren Widersprüche, dass die gesamte frühe Periode von Debussys Leben verging. Gleichzeitig widersetzt er sich der konservativen Akademie, will in ihre Reihen aufgenommen werden, strebt hartnäckig nach einem Preis, will ihn dann aber nicht ausarbeiten und „rechtfertigen“. Außerdem musste man sich für die zweifelhafte Ehre, als vorbildlicher Student gefördert zu werden, in jeder Hinsicht zurückhalten und mit akademischen Anforderungen rechnen. Im Gegensatz zu Romanen für Madame Vanier gingen Debussys Werke, die mit den Rompreisen ausgezeichnet wurden, im Allgemeinen nicht über die Grenzen des erlaubten Traditionalismus hinaus. Doch all die Jahre beschäftigte Debussy die Suche nach seinem ursprünglichen Stil und seiner Sprache. Diese Experimente des jungen Musikers gerieten unweigerlich in Konflikt mit der akademischen Scholastik. Mehr als einmal kam es zwischen Debussy und einigen Professoren des Konservatoriums zu scharfen Konflikten, die durch den hitzigen und rachsüchtigen Charakter des jungen Komponisten erschwert wurden.

Die Römerzeit wurde für den Komponisten nicht besonders fruchtbar, da ihm weder Rom noch italienische Musik nahe standen, aber hier lernte er die Poesie der Präraffaeliten kennen und begann mit einem Orchester ein Gedicht für Stimme zu komponieren "Die Dame". of the Chosen" (fr. La damoiselle élue) zu den Worten Gabriel Rossetti ist das erste Werk, in dem die Züge seiner schöpferischen Persönlichkeit skizziert wurden. Nachdem er die ersten Monate in der Villa Medici verbracht hatte, schickte Debussy seine erste römische Botschaft nach Paris - eine symphonische Ode an Züleima (nach Heine) und ein Jahr später - eine zweistimmige Suite für Orchester und Chor ohne Worte Spring (nach das berühmte Gemälde von Botticelli), das die berüchtigte offizielle Überprüfung der Akademie verursachte:

„Zweifellos sündigt Debussy nicht mit flachen Wendungen und Plattitüden. Im Gegenteil, er zeichnet sich durch einen deutlich geäußerten Wunsch aus, nach Fremdem und Ungewöhnlichem zu suchen. Er entdeckt einen übermäßigen Sinn für musikalischen Geschmack, der ihn manchmal die Bedeutung der Klarheit von Design und Form vergessen lässt. Er muss sich besonders vor dem vagen Impressionismus hüten, einem so gefährlichen Wahrheitsfeind in der Kunst.“

- (Leon Vallas, „Claude Debussy“, Paris, 1926, S.37.)

Diese Rezension zeichnet sich vor allem dadurch aus, dass sie bei aller akademischen Trägheit des Inhalts im Wesentlichen zutiefst innovativ ist. Dieses Papier von 1886 ging als erste Erwähnung des „Impressionismus“ in Bezug auf Musik in die Geschichte ein. Besonders hervorzuheben ist, dass der Impressionismus zu dieser Zeit als künstlerische Bewegung in der Malerei vollständig ausgebildet war, in der Musik (einschließlich Debussy selbst) jedoch nicht nur nicht existierte, sondern nicht einmal skizziert wurde. Debussy stand gerade am Anfang seiner Suche nach einem neuen Stil, und die verängstigten Akademiker erfassten mit sorgfältig gereinigter Stimmgabel die zukünftige Richtung seiner Bewegung – und warnten ihn ängstlich. Debussy selbst sprach mit eher ätzender Ironie über seine Zueleima: "Sie erinnert zu sehr an entweder Verdi oder Meyerbeer" ...

Doch die in der Villa Medici entstandene Kantate "Die Auserwählte" und die Suite "Frühling" riefen bei ihm keine so starke Selbstironie mehr hervor. Und als die Akademie, nachdem sie "Die Jungfrau" zur Aufführung in einem ihrer Konzerte akzeptiert hatte, "Frühling" ablehnte, stellte der Komponist ein scharfes Ultimatum und es folgte ein Skandal, der zur Verweigerung der Teilnahme am Konzert und Debussys völligem Bruch mit der die Akademie.

Nach Rom besuchte Debussy Bayreuth und erlebte erneut den stärksten Einfluss Richard Wagners. Eines der vielleicht wagnerischsten Werke ist der Vokalzyklus "Fünf Gedichte von Baudelaire" (fr. Cinq Poèmes de Baudelaire). Doch mit Wagner allein nicht zufrieden, interessiert sich Debussy all die Jahre aktiv für alles Neue und sucht überall seinen eigenen Stil. Schon früher führte ein Besuch in Russland zu einer Leidenschaft für das Werk Mussorgskis. Nach der Weltausstellung 1889 in Paris wandte sich Debussy exotischen Orchestern zu, insbesondere Javanesen und Annamiten. Die endgültige Stilbildung des Komponisten erfolgt jedoch erst drei Jahre später bei ihm.

In dem Versuch, sich bei einem bedeutenden Komponisten zu bewerben, begann Debussy 1890 mit der Arbeit an der Oper Rodrigue et Chimène nach dem Libretto von Catulia Mendes. Diese Arbeit gab ihm jedoch kein Vertrauen in seine eigenen Fähigkeiten und wurde zwei Jahre später unvollendet aufgegeben.

In den späten 1880er Jahren näherte sich Debussy Ernest Chausson, einem Amateurkomponisten, Sekretär des National Council of Music und einfach einem sehr reichen Mann, auf dessen Hilfe und Unterstützung er hoffte. Prominente wie die Komponisten Henri Duparc, Gabriel Fauré und Isaac Albéniz, der Geiger Eugene Isaye, die Sängerin Pauline Viardot, der Pianist Alfred Corto-Denis, der Schriftsteller Ivan Turgenev und der Maler Claude Monet besuchten jede Woche den brillanten Kunstsalon von Chaussons. Dort lernte Debussy den symbolistischen Dichter Stephane Mallarmé kennen und wurde zunächst regelmäßiger Besucher seines Poesiekreises, dann ein enger Freund. Gleichzeitig las Debussy erstmals die Romane von Edgar Poe, der bis zu seinem Lebensende zu Debussys Lieblingsautor wurde.

Das vielleicht wichtigste Ereignis dieser Zeit war jedoch die unerwartete Bekanntschaft im Jahr 1891 mit dem Pianisten der Taverne in Clou (französisch Auberge du Clou) in Montmartre, Eric Satie, der als zweiter Pianist fungierte. Debussy wurde zunächst von den harmonisch frischen und ungewöhnlichen Improvisationen des Café-Begleiters angezogen, dann von seinem Urteil über Musik, frei von Stereotypen, Originalität des Denkens, eigenständigem, rohem Charakter und bissigem Witz, der keine Autoritäten verschonte. Außerdem erregte Satie das Interesse von Debussys mit seinen innovativen Klavier- und Gesangskompositionen, die mit einer kühnen, wenn auch nicht ganz professionellen Hand geschrieben wurden. Die unbehagliche Freundschafts-Feindschaft dieser beiden Komponisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts das Gesicht der französischen Musik prägten, hielt fast ein Vierteljahrhundert an. Dreißig Jahre später beschrieb Eric Satie ihr Treffen wie folgt:

„Als wir uns zum ersten Mal trafen, war er wie ein Löscher, durchnässt von Mussorgsky und mühsam auf der Suche nach seinem eigenen Weg, den er nicht finden und ertasten konnte. Gerade in dieser Sache habe ich ihn bei weitem übertroffen: Weder der Römerpreis ... noch die „Preise“ anderer Städte dieser Welt belasteten meinen Gang, und ich musste sie weder auf mir noch auf dem Rücken schleppen.. In diesem Moment schrieb ich "Son of the Stars" - nach dem Text von Joseph Peladan; und oft hat Debussy die Notwendigkeit für uns Franzosen erklärt, uns endlich von dem überwältigenden Einfluss Wagners zu befreien, der unseren natürlichen Neigungen völlig widerspricht. Aber gleichzeitig ließ ich ihn wissen, dass ich überhaupt kein Antiwagnerist war. Die Frage war nur, dass wir unsere eigene Musik haben sollten – und wenn möglich ohne deutsches Sauerkraut.

Aber warum nicht für diese Zwecke dieselben Bildmittel verwenden, die wir seit langem bei Claude Monet, Cézanne, Toulouse-Lautrec und anderen kennen? Warum überweisen Sie diese Gelder nicht in die Musik? Es könnte nicht einfacher sein. Ist das nicht wirklich Ausdruckskraft?“

- (Eric Satie, aus Claude Debussy, August 1922.)

Bereits 1886-1887 veröffentlichte Sati seine ersten impressionistischen Werke (für Klavier und Singstimme und Klavier). Zweifellos hat die Kommunikation mit dieser unabhängigen und freien Person, die sich außerhalb aller Fraktionen und Akademien befindet, die Bildung des endgültigen (reifen) Debussy-Stils erheblich beschleunigt. Auch Debussys Überwindung des Wagnerschen Einflusses war ungewöhnlich scharf und stürmisch. Und wenn bis 1891 seine Bewunderung für Wagner (nach eigenem Bekunden) "den Punkt erreichte, an dem man die Regeln des Anstands vergisst", dann stimmte Debussy nur zwei Jahre später zu, jede Bedeutung Wagners für die Kunst vollständig abzulehnen: "Wagner hat nie gedient" Musik, er hat nicht einmal Deutschland gedient!" Viele seiner engen Freunde (einschließlich Chausson und Émile Vuyermo) waren nie in der Lage, diese plötzliche Veränderung zu verstehen und zu akzeptieren, die auch in persönlichen Beziehungen zu einer Erschütterung führte.

Nachdem Debussy die Komposition der Oper "Rodrigue und Jimena" auf das Libretto (in den Worten von Satie) "dieser erbärmlichen Wagnerist Katul Mendes" geworfen hatte, begann 1893 eine lange Komposition der Oper auf der Grundlage des Dramas von Maeterlinck "Pelléas und Melisande ". Ein Jahr später, aufrichtig inspiriert von Mallarmés Ekloge, schrieb Debussy ein symphonisches Vorspiel namens Prélude à l'Après-midi d'un faune, das zu einer Art Manifest einer neuen musikalischen Bewegung werden sollte: des Impressionismus in der Musik.

Schaffung

Den Rest seines Lebens hatte Debussy mit Leiden und Armut zu kämpfen, aber er arbeitete unermüdlich und sehr fruchtbar. Ab 1901 begann er in Zeitschriften mit witzigen Rezensionen über Ereignisse des aktuellen Musiklebens zu erscheinen (nach Debussys Tod wurden sie in der 1921 erschienenen Sammlung Monsieur Croche - antidilettante gesammelt). Im gleichen Zeitraum erschienen die meisten seiner Klavierwerke.

Auf zwei Bilderserien (1905-1907) folgte die Kinderecke (1906-1908), die der Tochter des Komponisten Shusha gewidmet war.

Debussy unternahm mehrere Konzertreisen, um seine Familie zu unterstützen. Seine Kompositionen dirigierte er in England, Italien, Russland und anderen Ländern. Zwei Notizbücher mit Präludien für Klavier (1910-1913) demonstrieren die Entwicklung der ursprünglichen klang-visuellen Schreibweise, die für den Klavierstil des Komponisten charakteristisch ist. 1911 schrieb er die Musik zum Mysterium von Gabriele d'Annunzio Das Martyrium des Heiligen Sebastian, die Partitur stammt vom französischen Komponisten und Dirigenten A. Caplet. 1912 erschien der Orchesterzyklus Bilder. Debussy fühlte sich seit langem vom Ballett angezogen und komponierte 1913 Musik für das Ballett Die Spiele, das von Sergej Pawlowitsch Diaghilews Truppe Russische Jahreszeiten in Paris und London gezeigt wurde. Im selben Jahr begann der Komponist mit der Arbeit am Kinderballett "Spielzeugkiste" - dessen Instrumentierung nach dem Tod des Autors von Kaplet vervollständigt wurde. Diese stürmische Schaffenstätigkeit wurde durch den Ersten Weltkrieg vorübergehend eingestellt, doch schon 1915 erschienen zahlreiche Klavierwerke, darunter Zwölf Etüden zum Andenken an Chopin. Debussy begann eine Reihe von Kammersonaten, die sich gewissermaßen am Stil der französischen Instrumentalmusik des 17. und 18. Jahrhunderts orientierten. Es gelang ihm, drei Sonaten aus diesem Zyklus zu vervollständigen: für Violoncello und Klavier (1915), für Flöte, Bratsche und Harfe (1915), für Violine und Klavier (1917). Debussy erhielt von Giulio Gatti-Casazza von der Metropolitan Opera einen Auftrag für eine Oper nach dem Roman Der Untergang des Hauses Usher von Edgar Allan Poe, an der er in seiner Jugend zu arbeiten begann. Er hatte noch die Kraft, das Opernlibretto zu überarbeiten.

Aufsätze

Das vollständige Werkverzeichnis Debussys wurde von François Lesure (Genf, 1977; überarbeitet: 2001) zusammengestellt.

Oper

Pelléas und Melisande (1893-1895, 1898, 1900-1902)

Ballett

Kamma (1910-1912)
Spiele (1912-1913)
Spielzeugkiste (1913)

Werke für Orchester

Symphonie (1880-1881)
Suite "Triumph des Bacchus" (1882)
Suite "Frühling" für Frauenchor und Orchester (1887)
Fantasie für Klavier und Orchester (1889-1896)
Präludium "Nachmittag eines Fauns" (1891-1894). Es gibt auch eine Autorenbearbeitung für zwei Klaviere aus dem Jahr 1895.
"Nocturnes" - programmiertes symphonisches Werk, das 3 Stücke umfasst: "Clouds", "Festivities", "Sirens" (1897-1899)
Rhapsodie für Altsaxophon und Orchester (1901-1908)
Das Meer, drei symphonische Skizzen (1903-1905). Es gibt auch eine Autorenbearbeitung für Klavier zu vier Händen aus dem Jahr 1905.
Zwei Tänze für Harfe und Streicher (1904). Es gibt auch eine Autorenbearbeitung für zwei Klaviere aus dem Jahr 1904.
"Bilder" (1905-1912)

Kammermusik

Klaviertrio (1880)
Nocturne und Scherzo für Violine und Klavier (1882)
Streichquartett (1893)
Rhapsodie für Klarinette und Klavier (1909-1910)
Syringa für Soloflöte (1913)
Sonate für Cello und Klavier (1915)
Sonate für Flöte, Harfe und Viola (1915)
Sonate für Violine und Klavier (1916-1917)

Werke für Klavier

A) für Klavier zu zwei Händen
Zigeunertanz (1880)
Zwei Arabesken (um 1890)
Mazurka (um 1890)
"Träume" (um 1890)
Bergamas-Suite (1890; bearbeitet 1905)
"Romantischer Walzer" (um 1890)
Notturno (1892)
"Bilder", dreiteilig (1894)
Walzer (1894; Noten verloren)
Stück "Für Klavier" (1894-1901)
"Bilder", 1. Theaterserie (1901-1905)
I. Reflet dans l'eau // Spiegelungen im Wasser
II. Hommage a Rameau // Widmung an Rameau
III.Bewegung // Bewegung
Suite "Drucke" (1903)
Pagoden
Abend in Grenada
Gärten im Regen
"Insel der Freude" (1903-1904)
"Masken" (1903-1904)
Theaterstück (1904; nach der Skizze zur Oper "Teufel auf dem Glockenturm")
Suite "Kinderecke" (1906-1908)

Doktor Gradus ad Parnassum // Doktor "Gradus ad Parnassum" oder Doktor "Weg nach Parnassum". Der Titel ist mit dem berühmten Etüdenzyklus von Clementi verbunden - systematische Übungen, um die Höhe der darstellerischen Fähigkeiten zu erreichen.

Elefanten-Wiegenlied
Serenade Puppe
Schnee tanzt
Kleiner Hirte
Puppenkuchen-Spaziergang
"Bilder", 2. Reihe von Theaterstücken (1907)
Cloches à travers les feuilles // Glocken läuten durch das Laub
Et la lune descend sur le Temple qui fut // Tempelruine bei Mondschein
Poissons d`or // Goldfisch
Hommage an Haydn (1909)
Präludien. Buch 1 (1910)
Danseuses de Delphes // Delphische Tänzer
Voiles // Segel
Le vent dans la plaine // Wind auf der Ebene
Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir // Klänge und Düfte steigen in der Abendluft auf
Les collines d'Anacapri // Anacapri Hills
Des pas sur la neige // Schritte im Schnee
Ce qu'a vu le vent de l'ouest // Was der Westwind sah
La fille aux cheveux de lin // Mädchen mit flachsfarbenem Haar
La sérénade interrompue // Serenade unterbrochen
La cathédrale engloutie // Versunkene Kathedrale
La danse de Puck // Pok Dance
Spielleute // Spielleute
Mehr als langsam (Walzer) (1910)
Präludien. Buch 2 (1911-1913)
Brouillards // Nebel
Feuilles mortes // Totes Laub
La puerta del vino // Tore der Alhambra
Les fées sont d'exquises danseuses // Feen sind schöne Tänzer
Bruyères // Heidekraut
General Levine - exzentrisch // General Levine (Lyavin) - exzentrisch
La Terrasse des Audiences du clair de lune // Moonlight Date Terrace (Terrasse mit Mondschein)
Ondine // Ondine
Hommage und S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C. // Hommage an S. Pickwick, Esq.
Baldachin // Canopa
Les tierces alternées // Abwechselnde Terzen
Feux d'artifice // Feuerwerk
Heroisches Wiegenlied (1914)
Elegie (1915)
Etüden, zwei Bücher mit Theaterstücken (1915)
B) für Klavier zu vier Händen
Andante (1881; unveröffentlicht)
Aufteilung (1884)
"Kleine Suite" (1886-1889)
"Sechs antike Epigraphen" (1914). Es gibt eine Autorenadaption des letzten von sechs Stücken für Klavier zu zwei Händen aus dem Jahr 1914.
B) für 2 Klaviere
"Schwarz und Weiß", dreiteilig (1915)

Verarbeitung fremder Werke

Zwei Hymnopädien (1. und 3.) von E. Satie für Orchester (1896)
Drei Tänze aus P. Tschaikowskys Ballett „Schwanensee“ für Klavier zu vier Händen (1880)
"Introduction and Rondo Capriccioso" von C. Saint-Saens für 2 Klaviere (1889)
Symphonie Nr. 2 von C. Saint-Saens für 2 Klaviere (1890)
Ouvertüre zur Oper "Der fliegende Holländer" von R. Wagner für 2 Klaviere (1890)
"Sechs Etüden in Form eines Kanons" von R. Schumann für 2 Klaviere (1891)

Skizzen, verlorene Werke, Ideen

Oper "Rodrigo und Jimena" (1890-1893; unvollständig). Rekonstruiert von Richard Langham Smith und Edison Denisov (1993)
Oper "Der Teufel auf dem Glockenturm" (1902-1912 ?; Skizzen). Rekonstruiert von Robert Orledge (Uraufführung 2012)

Oper "Der Untergang des Hauses Usher" (1908-1917; nicht abgeschlossen). Es gibt mehrere Rekonstruktionen, darunter Juan Allende-Blin (1977), Robert Orledge (2004)

Oper "Crimes of Love (Gallant Festivities)" (1913-1915; Umriss)
Oper "Salambo" (1886)
Musik zum Theaterstück "Satans Hochzeiten" (1892)
Oper "Ödipus in Colon" (1894)
Drei Nocturnes für Violine und Orchester (1894-1896)
Ballett "Daphnis und Chloe" (1895-1897)
Ballett "Aphrodite" (1896-1897)
Ballett "Orpheus" (um 1900)
Oper "Wie es euch gefällt" (1902-1904)
Lyrische Tragödie "Dionysos" (1904)
Oper "Die Geschichte von Tristan" (1907-1909)
Oper "Siddhartha" (1907-1910)
Oper "Oresteia" (1909)
Ballett "Masken und Bergamascus" (1910)
Sonate für Oboe, Waldhorn und Cembalo (1915)
Sonate für Klarinette, Fagott, Trompete und Klavier (1915)

Briefe

Monsieur Croche - antidillettante, P., 1921
Artikel, Rezensionen, Gespräche, trans. aus dem Französischen, M.-L., 1964
Favoriten Briefe, L., 1986.

Ich versuche, neue Realitäten zu finden ... Narren nennen es Impressionismus.
K. Debussy

Der französische Komponist C. Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Ton, jeder Akkord, jede Tonalität auf eine neue Weise zu hören ist, sie ein freieres, bunteres Leben führen können, als würden sie ihren eigenen Klang genießen, seine allmähliche, mysteriöse Auflösung in der Stille. Debussy hat mit dem malerischen Impressionismus wirklich viel gemeinsam: die autarke Brillanz flüchtiger, fließend-bewegter Momente, die Liebe zur Landschaft, das luftige Zittern des Raumes. Nicht umsonst gilt Debussy als Hauptvertreter des Impressionismus in der Musik. Er bewegte sich jedoch weiter als die impressionistischen Maler von traditionellen Formen, seine Musik ist viel tiefer in unser Jahrhundert gerichtet als die Gemälde von C. Monet, O. Renoir oder C. Pissarro.

Debussy glaubte, dass Musik der Natur mit ihrer Natürlichkeit, unendlichen Variabilität und Formenvielfalt ähnlich ist: „Musik ist eben jene Kunst, die der Natur am nächsten ist … Nur Musiker haben den Vorteil, die ganze Poesie von Tag und Nacht, Erde und Himmel, um ihre Atmosphäre nachzubilden und ihr immenses Pulsieren rhythmisch zu vermitteln." Natur und Musik empfindet Debussy als Mysterium und vor allem als Mysterium der Geburt, als unerwartete, einzigartige Gestaltung des kapriziösen Zufallsspiels. Daher ist die skeptische und ironische Haltung des Komponisten gegenüber allen möglichen theoretischen Klischees und Bezeichnungen in Bezug auf das künstlerische Schaffen verständlich, die unwillkürlich die lebendige Realität der Kunst schematisiert.

Debussy begann im Alter von 9 Jahren mit dem Musikstudium und trat bereits 1872 in die Juniorabteilung des Pariser Konservatoriums ein. Bereits in den Konservatoriumsjahren zeigte sich die Unkonventionalität seines Denkens, die zu Auseinandersetzungen mit den Harmonielehrern führte. Wahre Befriedigung fand der Anfänger jedoch in den Klassen von E. Guiraud (Komposition) und A. Mapontel (Klavier).

1881 begleitete Debussy als Hauspianistin den russischen Philanthropen N. von Meck (einen großen Freund von P. Tschaikowsky) auf einer Europareise und besuchte dann auf ihre Einladung hin zweimal Russland (1881, 1882). So begann Debussys Bekanntschaft mit russischer Musik, die die Bildung seines eigenen Stils stark beeinflusste. „Die Russen werden uns neue Impulse geben, um uns aus dem lächerlichen Zwang zu befreien. Sie ... öffneten ein Fenster mit Blick auf die Weite der Felder.“ Debussy war fasziniert von der Brillanz der Klangfarben und der subtilen Darstellung, der malerischen Musik von N. Rimsky-Korsakov, der Frische der Harmonien bei A. Borodin. Er nannte M. Mussorgsky seinen Lieblingskomponisten: „Niemand hat sich mit größerer Zärtlichkeit und größerer Tiefe dem Besten zugewandt, was wir haben. Er ist einzigartig und wird dank seiner Kunst ohne weit hergeholte Techniken, ohne austrocknende Regeln einzigartig bleiben." Die Flexibilität der vokalen und sprachlichen Intonation des russischen Erneuerers, die Freiheit von vorgegebenen, "administrativen", in Debussys Worten, Formen, die der französische Komponist auf seine eigene Weise umgesetzt hat, wurde zu einem festen Bestandteil seiner Musik. „Geh, hör auf Boris. Der ganze Pelléas ist drin“, sagte Debussy einmal über die Ursprünge der Musiksprache seiner Oper.

Nach seinem Abschluss am Konservatorium im Jahr 1884 nimmt Debussy an Wettbewerben um den Großen Rom-Preis in der Villa Medici teil, der ihn zu einer vierjährigen Verbesserung in Rom berechtigt. Während der Jahre in Italien (1885-87) studierte Debussy die Chormusik der Renaissance (J. Palestrina, O. Lasso), und die ferne Vergangenheit (wie die Originalität der russischen Musik) brachte einen neuen Strom, erneuerte seine harmonische Denken. Die für den Bericht nach Paris geschickten symphonischen Werke ("Zuleima", "Frühling") entsprachen nicht dem Geschmack der konservativen "Herrscher der musikalischen Schicksale".

Debussy kehrte vorzeitig nach Paris zurück und wandte sich an den Kreis symbolistischer Dichter um S. Mallarmé. Die Musikalität symbolistischer Poesie, die Suche nach mysteriösen Zusammenhängen zwischen dem Seelenleben und der Natur, deren gegenseitige Auflösung – all dies hat Debussy sehr angezogen und seine Ästhetik maßgeblich geprägt. Es ist kein Zufall, dass die originellsten und vollkommensten frühen Werke des Komponisten Romanzen nach Worten von P. Verdun, P. Bourget, P. Louis und auch C. Baudelaire waren. Einige davon ("Wonderful Evening", "Mandoline") sind während des Studiums am Konservatorium entstanden. Auch das erste ausgereifte Orchesterwerk, das Vorspiel "Nachmittag eines Fauns" (1894), wurde von den Bildern der symbolistischen Poesie inspiriert. In dieser musikalischen Illustration von Mallarmés Ekloge hat sich Debussys unverwechselbarer, subtil nuancierter Orchesterstil entwickelt.

Der Einfluss des Symbolismus kam in der einzigen Oper von Debussy "Pelléas und Melisande" (1892-1902) am deutlichsten zum Ausdruck, die auf dem Prosatext des Dramas von M. Maeterlinck geschrieben wurde. Dies ist eine Liebesgeschichte, in der die Charaktere, so der Komponist, "nicht überlegen, sondern ihr Leben und ihr Schicksal durchleben". Debussy argumentiert hier sozusagen kreativ mit R. Wagner - dem Autor von Tristan und Isolde, er wollte sogar seinen eigenen Tristan schreiben - obwohl er in seiner Jugend Wagners Oper sehr liebte und auswendig kannte. Statt der offenen Leidenschaft von Wagners Musik ist hier der Ausdruck eines raffinierten Klangspiels voller Andeutungen und Symbole. „Musik existiert für das Unaussprechliche; Ich möchte, dass sie aus der Dunkelheit herauskommt und in wenigen Augenblicken in die Dunkelheit zurückkehrt; damit sie immer bescheiden war“, schrieb Debussy.

Debussy ist ohne Klaviermusik nicht vorstellbar. Der Komponist selbst war ein talentierter Pianist (sowie ein Dirigent); „Er spielte fast immer in ‚Halbtönen', ohne jede Härte, aber mit solcher Fülle und Klangdichte, wie Chopin spielte“, erinnert sich der französische Pianist M. Long. Aus Chopins Luftigkeit, der Weitläufigkeit des Klangs des Klavierstoffs machte Debussy den Anfang seiner koloristischen Suche. Aber es gab noch eine andere Quelle. Die Zurückhaltung, Gleichmäßigkeit des emotionalen Tons von Debussys Musik brachte sie unerwartet der alten vorromantischen Musik - insbesondere den französischen Cembalisten des Rokoko (F. Couperin, J. F. Rameau) - näher. Antike Genres aus der Bergamas Suite und Suite für Klavier (Präludium, Menuett, Passpier, Sarabande, Toccata) repräsentieren eine Art "impressionistische" Version des Neoklassizismus. Debussy greift überhaupt nicht auf Stilisierungen zurück, sondern schafft sich ein eigenes Bild der Alten Musik, eher einen Eindruck davon als ihr "Porträt".

Das Lieblingsgenre des Komponisten ist die Programmsuite (Orchester und Klavier), eine Art Bilderserie unterschiedlicher Charaktere, in der die Statik von Landschaften durch schnell bewegte, oft tanzbare Rhythmen unterstrichen wird. Dies sind die Suiten für Orchester Nocturnes (1899), The Sea (1905) und Images (1912). Für das Klavier entstanden "Prints", 2 Notizbücher "Obraz", "Children's Corner", die Debussy seiner Tochter widmete. In "Prints" versucht der Komponist erstmals, sich an die musikalischen Welten verschiedener Kulturen und Völker zu gewöhnen: das Klangbild des Ostens ("Pagoden"), Spaniens ("Evening in Grenada") und eine Landschaft voller Bewegung , Licht- und Schattenspiel mit französischem Volkslied ("Gardens in the rain").

Suite "Meer" besteht aus drei Teilen: "Auf See von Morgengrauen bis Mittag", "Spiel der Wellen" und "Gespräch des Windes mit dem Meer". Die Bilder des Meeres haben schon immer die Aufmerksamkeit von Komponisten verschiedener Richtungen und nationaler Schulen auf sich gezogen. Es gibt zahlreiche Beispiele für programmatische symphonische Werke zu "Meer"-Themen westeuropäischer Komponisten (Ouvertüre "Fingals Höhle" von Mendelssohn, symphonische Episoden aus "Der fliegende Holländer" von Wagner usw.). Die lebendigste und vollständigste Verkörperung der Bilder des Meeres fand sich jedoch in der russischen Musik, insbesondere in Rimsky-Korsakov (Sinfoniebild "Sadko", gleichnamige Oper, Suite "Scheherazade", Pause zum zweiten Akt der Oper "Das Märchen vom Zaren Saltan"),

Im Gegensatz zu den Orchesterwerken von Rimsky-Korsakov stellt Debussy in seinem Werk keine Handlung, sondern nur bildhafte und koloristische Aufgaben. Er ist bestrebt, den Wechsel von Lichteffekten und Farben auf dem Meer zu unterschiedlichen Tageszeiten, unterschiedlichen Seegangszuständen - ruhig, aufgewühlt und stürmisch - mittels Musik zu vermitteln. In der Wahrnehmung der Meeresbilder gibt es in der Wahrnehmung des Komponisten absolut keine Motive, die ihrer Farbe ein zwielichtiges Geheimnis verleihen könnten. Debussy wird von hellem Sonnenlicht und satten Farben dominiert. Der Komponist verwendet mutig sowohl Tanzrhythmen als auch weite epische Bilder, um musikalische Reliefbilder zu vermitteln.

Im ersten Teil entfaltet sich das Bild des langsam-ruhigen Erwachens des Meeres im Morgengrauen, der trägen wogenden Wellen, der Blendung der ersten Sonnenstrahlen darauf. Besonders farbenprächtig ist der orchestrale Beginn dieses Satzes, wo vor dem Hintergrund des "Raschelns" der Pauken, "tropfenden" Oktaven zweier Harfen und "eingefrorener" Tremolo-Violinen in hohen Lagen kurze melodische Phrasen der Oboe erscheinen, wie die Blendung der Sonne auf den Wellen. Das Aufkommen eines Tanzrhythmus bricht nicht den Charme vollkommener Ruhe und verträumter Kontemplation.

Der dynamischste Teil der Arbeit ist der dritte - "A Conversation of the Wind with the Sea". Aus dem regungslosen, erstarrten Bild einer ruhigen See am Anfang des Teils, der dem ersten ähnelt, entfaltet sich ein Bild eines Sturms. Für eine dynamische und intensive Entwicklung nutzt Debussy alle musikalischen Mittel – melodisch-rhythmisch, dynamisch und vor allem orchestral.

Zu Beginn des Satzes erklingen kurze Motive, die sich in Form eines Dialogs zwischen Celli mit Kontrabässen und zwei Oboen vor dem Hintergrund des gedämpften Klangs von Großtrommel, Pauken und Tomtam abspielen. Neben der sukzessiven Anbindung neuer Orchestergruppen und einer gleichmäßigen Steigerung der Klangfülle nutzt Debussy hier das Prinzip der rhythmischen Entwicklung: Er führt immer mehr Tanzrhythmen ein, durch eine flexible Kombination mehrerer rhythmischer Muster sättigt er das Gefüge des Stücks .

Das Ende des gesamten Werkes wird nicht nur als wucherndes Meereselement wahrgenommen, sondern als begeisterte Hymne an das Meer, die Sonne.

Viel in der fantasievollen Struktur von "The Sea" bereiteten die Prinzipien der Orchestrierung das Erscheinen des symphonischen Stücks "Iberia" vor - eines der bedeutendsten und originellsten Werke von Debussy. Es verblüfft mit seiner engsten Verbindung mit dem Leben des spanischen Volkes, seiner Gesangs- und Tanzkultur. In den 900er Jahren wandte sich Debussy mehrmals Spanien-bezogenen Themen zu: "Ein Abend in Grenada", die Vorspiele "Das Tor zur Alhambra" und "Die unterbrochene Serenade". Aber "Iberia" gehört zu den besten Werken von Komponisten, die aus den unerschöpflichen Quellen der spanischen Volksmusik schöpften (Glinka in "Aragonese Jota" und "Nights in Madrid", Rimsky-Korsakov in "Spanish Capriccio", Bizet in "Carmen", Ravel in „Bolero“ und dem Trio, ganz zu schweigen von den spanischen Komponisten de Falla und Albeniz).

„Iberia“ besteht aus drei Teilen: „Auf den Straßen und Straßen Spaniens“, „Düfte der Nacht“ und „Morgen eines festlichen Tages“. Der zweite Teil enthüllt Debussys malerische Lieblingsbilder der Natur, gefüllt mit einem besonderen, würzigen Aroma der spanischen Nacht, "geschrieben" mit der subtilen Gegenständlichkeit des Komponisten, einem schnellen Wechsel von flackernden und verschwindenden Bildern. Der erste und dritte Teil malen Bilder des spanischen Volkslebens. Besonders bunt ist der dritte Satz, der eine Vielzahl verschiedener spanischer Gesangs- und Tanzmelodien enthält, die sich schnell durch ein lebendiges Bild eines bunten Volksfestes ersetzen. Der größte spanische Komponist de Falla sagte über „Iberia“: „Das Echo des Dorfes in Form des Hauptmotivs des ganzen Werkes („Sevillana“) scheint in der klaren Luft oder in einem zitternden Licht zu flattern. Der berauschende Zauber andalusischer Nächte, die Lebendigkeit der festlichen Menge, die zu den Akkorden der "Gang" aus Gitarristen und Bandura-Spielern tanzt ... Die ständig wache Phantasie wird von den kraftvollen Tugenden einer ausdrucksstarken Musik mit ihren reichen Nuancen geblendet.

Das letzte Jahrzehnt in Debussys Leben war bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs von einer unaufhörlichen schöpferischen und darstellenden Tätigkeit geprägt. Konzertreisen als Dirigent nach Österreich-Ungarn machten den Komponisten im Ausland bekannt. In Russland wurde er 1913 besonders herzlich aufgenommen. Die Konzerte in St. Petersburg und Moskau waren ein großer Erfolg. Debussys persönliche Kontakte zu vielen russischen Musikern stärkten seine Verbundenheit mit der russischen Musikkultur zusätzlich.

Der Ausbruch des Krieges löste in Debussy einen Anstieg der patriotischen Gefühle aus. In gedruckten Statements nennt er sich nachdrücklich: "Claude Debussy ist ein französischer Musiker." Eine Reihe von Werken dieser Jahre sind vom patriotischen Thema inspiriert: "Heroic Lullaby", das Lied "Christmas of Homeless Children"; in Suite für zwei Klaviere

Der französische Komponist Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Ton, jeder Akkord, jede Tonalität auf eine neue Weise zu hören ist, sie ein freieres, bunteres Leben führen können, ihren eigenen Klang genießen können, seine allmähliche, geheimnisvolle Auflösung in der Stille.

Claude Debussy wurde am 22. August 1862 in Saint-Germain-en-Laye bei Paris geboren. Sein Vater war Marine und später Mitbesitzer eines Fayence-Ladens. Die ersten Lektionen des WeiterspielensKlavierDebussy wurde von Antoinette-Flora Moté (Schwiegermutter des Dichters Verlaine) gegeben.

1873 trat Claude Debussy in das Pariser Konservatorium ein, wo er 11 Jahre lang bei Marmontel (Klavier), Lavignac, Durand, Basil (Musiktheorie) studierte. 1876 ​​komponierte er seine ersten Romanzen zu den Versen von T. de Banville und Bourget.

Von 1879 bis 1882 verbrachte Debussy seine Sommerferien als<домашний пианист>- zuerst im Schloss Chenonceau, dann bei Nadezhda von Meck - in ihren Häusern und Gütern in der Schweiz, Italien, Wien, Russland. Während dieser Reisen eröffneten sich ihm neue musikalische Horizonte, und es war ihm besonders wichtig, die Werke russischer Komponisten der St. Petersburger Schule kennenzulernen.Junge Debussy,verliebt in die Poesie von de Banville (1823-1891) und Verlaine, unruhig und experimentierfreudig (vor allem im Bereich der Harmonie),genoss den Ruf eines Revolutionärs. Dies hinderte ihn nicht daran, 1884 den Rom-Preis für die Kantate des verlorenen Sohnes zu erhalten.

Debussy verbrachte zwei Jahre in Rom. Dort lernte er die Poesie der Präraffaeliten kennen und begann ein Gedicht für Stimme und Orchester Die Dame der Auserwählten nach dem Text von G. Rossetti zu komponieren. Er hinterließ bei seinen Besuchen in Bayreuth tiefe Eindrücke, Wagners Einfluss spiegelte sich in seinem Vokalzyklus Fünf Gedichte von Baudelaire wider. Zu den anderen Hobbies des jungen Komponisten zählen exotische Orchester, Javanese und Annamite, die er 1889 auf der Pariser Weltausstellung hörte; die Werke Mussorgskis, die damals allmählich nach Frankreich vordrangen; melodische Ornamentik des gregorianischen Gesangs.

1890 begann Debussy mit der Arbeit an der Oper Rodrigue und Jimena nach dem Libretto von Mendes, ließ das Werk jedoch zwei Jahre später unvollendet (das Manuskript galt lange Zeit als verschollen, dann wurde es gefunden; das Werk wurde von den Russen instrumentiert Komponist Denisov und in mehreren Theatern inszeniert). Etwa zur gleichen Zeit wurde der Komponist regelmäßiger Gast im Kreis des symbolistischen Dichters S. Mallarmé und las zuerst Edgar Poe, der Debussys Lieblingsautor wurde. 1893 begann er mit der Komposition einer Oper nach Maeterlincks Drama Pelléas und Melisande und vollendete ein Jahr später, inspiriert von Mallarmés Ekloge, das symphonische Vorspiel Fauns Nachmittagsruhe.

Von Jugend an war Debussy mit den wichtigsten Persönlichkeiten der Literatur dieser Zeit vertraut, zu seinen Freunden zählten die Schriftsteller Louis, Gide und der Schweizer Sprachwissenschaftler Godet. Der Impressionismus in der Malerei zog seine Aufmerksamkeit auf sich. Das erste Konzert, das ganz der Musik von Debussy gewidmet war, fand 1894 in Brüssel in einer Kunstgalerie statt<Свободная эстетика>- vor dem Hintergrund neuer Leinwände von Renoir, Pissarro, Gauguin, ... Im selben Jahr begannen die Arbeiten an drei Nocturnes für Orchester, die ursprünglich als Violinkonzert für den berühmten Virtuosen E. Izaya konzipiert waren. Der Autor verglich den ersten der Nocturnes (Wolken) mit<живописным этюдом в серых тонах>.

Am EndeIm 19. Jahrhundert umfasste Debussys Werk, das als Analogie zum Impressionismus in der bildenden Kunst und zum Symbolismus in der Poesie galt, ein noch breiteres Spektrum poetischer und visueller Assoziationen. Zu den Werken dieser Zeit gehören das Streichquartett g-Moll (1893), das die Begeisterung für die östlichen Tonarten widerspiegelt, der Vokalzyklus Lyrische Prosa (1892-1893) nach eigenen Texten, Lieder der Bilitis nach Gedichten von P Louis, inspiriert vom heidnischen Idealismus des antiken Griechenlands, und Ivnyak, unvollendeter Zyklus für Bariton und Orchester nach Versen von Rossetti.

1899, kurz nach der Heirat mit dem Model Rosalie Texier, verlor auch Debussy sein kleines Einkommen: Sein Verleger Artmann starb. Von Schulden belastet, fand er dennoch die Kraft, noch im selben Jahr die Nocturnes fertigzustellen, und zwar 1902 die zweite Ausgabe der fünfaktigen Oper von Pelléas und Melisande.

Geliefert in einem Pariser<Опера-комик>Am 30. April 1902 sorgte Pelléas für Furore. Dieses in vielerlei Hinsicht bemerkenswerte Werk (es verbindet tiefe Poesie mit psychologischer Raffinesse, die Instrumentierung und Interpretation der Singstimmen besticht durch seine Neuheit) gilt als die größte Errungenschaft der Operngattung seit Wagner. Das nächste Jahr brachte den Estampa-Zyklus – ein für Debussys Klavierwerk charakteristischer Stil nahm darin bereits Gestalt an.

1904 ging Debussy ein neues Familienbündnis ein - mit Emma Bardak, das fast zum Selbstmord von Rosalie Texier führte und eine gnadenlose Veröffentlichung bestimmter Umstände des Privatlebens des Komponisten verursachte. Dies hinderte jedoch nicht die Vollendung von Debussys bestem Orchesterwerk – drei symphonischen Skizzen von Moret (uraufgeführt 1905), sowie wunderbaren Vokalzyklen – Three Songs of France (1904) und dem zweiten Notizbuch von Gallant Festivities über Verlaines Verse (1904).

Den Rest seines Lebens hatte Debussy mit Leiden und Armut zu kämpfen, aber er arbeitete unermüdlich und sehr fruchtbar. Ab 1901 begann er in Zeitschriften mit witzigen Rezensionen über Ereignisse des aktuellen Musiklebens zu erscheinen (nach Debussys Tod wurden sie in der 1921 erschienenen Sammlung Monsieur Croche - antidilettante gesammelt). Im gleichen Zeitraum erschienen die meisten seiner Klavierwerke.

Auf zwei Bilderserien (1905-1907) folgte die Suite Children's Corner (1906-1908), die der Tochter des Komponisten gewidmet warShushu(Sie wurde 1905 geboren, aber Debussy konnte ihre Ehe mit Emma Bardak nur drei Jahre später formalisieren).

Debussy unternahm mehrere Konzertreisen, um seine Familie zu unterstützen. Seine Kompositionen dirigierte er in England, Italien, Russland und anderen Ländern. Zwei Notizbücher mit Präludien für Klavier (1910-1913) zeigen die Entwicklung einer eigentümlichen<звукоизобразительного>für den Klavierstil des Komponisten charakteristische Schreibweise. 1911 schrieb er Musik zum Mysterium von G. d "Annunzio Martyrium des Hl. Sebastian, die Partitur stammt von dem französischen Komponisten und Dirigenten A. Caplet.

1912 erschien der Orchesterzyklus Bilder. Debussy hatte sich schon lange zum Ballett hingezogen, und 1913 komponierte er Musik für die Ballettspiele, die von der Truppe gezeigt wurden<Русских сезонов>Sergej Diaghilew in Paris und London. Im selben Jahr begann der Komponist mit der Arbeit am Kinderballett "Toy Box" - dessen Instrumentierung nach dem Tod des Autors von Kaplet vervollständigt wurde. Diese stürmische Schaffenstätigkeit wurde durch den Ersten Weltkrieg vorübergehend eingestellt, doch schon 1915 erschienen zahlreiche Klavierwerke, darunter Zwölf Etüden zum Andenken an Chopin.

Debussy begann eine Reihe von Kammersonaten, die sich gewissermaßen am Stil der französischen Instrumentalmusik des 17. und 18. Jahrhunderts orientierten. Es gelang ihm, drei Sonaten aus diesem Zyklus zu vervollständigen: für Violoncello und Klavier (1915), für Flöte, Bratsche und Harfe (1915), für Violine und Klavier (1917).Debussyerhielt eine Bestellung von J. Gatti-Casazza von<Метрополитен-опера> zur Opernach dem Roman "Der Untergang des Hauses Eschers" von Edgar Poe,auf derdieerBegann mit der Arbeitnoch in seiner Jugend.Er hatte immer noch die Kraft, das Opernlibretto zu überarbeiten. 26. März 1918Jahre Claude Debussy starb in Paris.

Musik ist eben die Kunst, die der Natur am nächsten ist ... Nur Musiker haben den Vorteil, die ganze Poesie von Tag und Nacht, Erde und Himmel einzufangen, ihre Atmosphäre nachzubilden und ihr immenses Pulsieren rhythmisch zu transportieren.

Claude Debussy

In Bezug auf Talent und Bedeutung in der Geschichte der Musikkunst können sich nur wenige französische Komponisten mit Claude Debussy (1862-1918) messen. Ihm verdankt die zeitgenössische Musik viele ihrer Entdeckungen, insbesondere im Bereich der Harmonielehre und Orchestrierung. Die Zeit, in der der Komponist am intensivsten arbeitete und unmittelbar an der ideologischen und künstlerischen Bewegung seiner Zeit teilnahm, waren die letzten 15 Jahre des 19. und die ersten Jahre des 20. Jahrhunderts. Diese Zeit war ein Wendepunkt für das Schicksal der europäischen Kultur und Kunst. Zu dieser Zeit betraten die neuesten kreativen Trends immer selbstbewusster die künstlerische Arena. Als ungewöhnlich sensible und empfängliche Künstlerin nahm Debussy eifrig alles Neue auf, was in der zeitgenössischen Kunst geboren wurde. Seine Kreativität ist vielfältig. Einerseits spürt man ein starkes Vertrauen in die nationalen Traditionen der französischen Kunst, andererseits eine starke Faszination für die Kultur Spaniens und die kreativen Entdeckungen der "Mighty Handful", allen voran Mussorgsky, von dem Debussy hervorragendes schätzte Rezitation. Sein Interesse reichte bis in ferne Länder und umfasste die Musik Javas und des Fernen Ostens.

Im Lebens- und Schaffensweg des Komponisten werden 3 Hauptperioden klar unterschieden. Die Wendepunkte sind 1892 Jahr- das Entstehungsjahr von "Afternoon of a Faun" und Bekanntschaft mit Maeterlincks Drama "Pelléas und Melisande" und 1903 Jahr- das Jahr der Produktion von "Pelléas".

1 Periode

In der ersten Periode war Debussy, der viele verschiedene Einflüsse erlebt hatte - von Gounod und Massenet bis Wagner, Liszt und Mussorgsky - auf die Suche nach seiner eigenen Ausdrucksweise versunken. Eine Besonderheit seiner Suche ist eine breite Palette von Genres. Der Komponist versucht sich an romantischen Texten ("Forgotten Ariettes" von Verlaine, "Five Poems of Baudelaire") und im vokal-symphonischen Bereich (Kantaten "The Prodigal Son", "Frühling", "The Lady-Chosen") , und im Klavierbereich ("Little Suite", "Bergamas Suite").

Zu Beginn der 90er Jahre wird Debussys eigenes Konzept als Komponist, das der Ästhetik der französischen Symbolisten in vielerlei Hinsicht nahe steht, immer deutlicher. Er träumt davon, eine neue Art von Oper zu schaffen, in der es viel Understatement, Mysterium, "Subtext" geben würde. All dies fand der Komponist bei Maurice Maeterlinck.

2 zeitraum

Das Jahrzehnt 1892-1902 - die 2. Schaffensperiode - war vor allem von der Arbeit an der Oper "Pelléas und Melisande" geprägt. Zu dieser Zeit erreichte Debussy die volle Blüte seiner schöpferischen Kräfte. Seine Meisterwerke entstanden wie "Afternoon of a Faun" (von Zeitgenossen als Manifest des musikalischen Impressionismus gewertet), "Nocturnes", drei "Lieder von Bilitis" nach Louis-Versen.

3 zeitraum

Die dritte Periode, die mit den symphonischen Skizzen "Das Meer" eröffnet wurde, ist durch einige Abweichungen vom zuvor eingeschlagenen Weg zu neoklassischen Suchen gekennzeichnet. Die meisten der nach Pelléas entstandenen Werke zeigen den Wunsch, sich von übermäßiger Raffinesse hin zu stärkerer und mutigerer Kunst zu bewegen, hin zu größerer Materialität, rhythmischer Klarheit. Diese Orchestertrilogie "Bilder", der Klavierzyklus "Kinderecke" und zwei Notizbücher mit Präludien, Balletten "Spiele", "Kama" und "Kiste mit Spielzeug".

Das Ergebnis von Debussys Schaffenstätigkeit ist quantitativ relativ gering: eine Oper, drei einaktige Ballette, mehrere symphonische Partituren, mehrere Werke für Soloinstrumente und ein Orchester, 4 Kammermusikwerke (Streichquartett und drei Sonaten), Musik für Das Mysterium. Den größten Platz nehmen Klavier- und Gesangsminiaturen ein (über 80 Klavierstücke und ungefähr ebenso viele Lieder und Romanzen). Aber mit einem relativ bescheidenen quantitativen Ergebnis verblüfft Debussys Werk mit einer Fülle innovativer Entdeckungen auf verschiedenen Gebieten - Harmonie und Orchestrierung, Operndrama, in der Interpretation des Klaviers, im Einsatz von Stimm- und Sprachmitteln.

Impressionismus

Der Name Debussy ist als Name des Begründers des Musicals fest in der Kunstgeschichte verankert Impressionismus. Tatsächlich fand der musikalische Impressionismus in seinem Werk seinen klassischen Ausdruck. Debussy hat sich zu einer poetisch inspirierten Landschaft hingezogen, zur Übertragung subtiler Empfindungen, die entstehen, wenn man die Schönheit des Himmels, des Waldes, des Meeres (insbesondere seiner Geliebten) bewundert.

Musikalische Analogien der impressionistischen Malerei finden sich im Bereich der Ausdrucksmittel von Debussy, vor allem in Harmonie und Orchestrierung... Dies ist ein anerkannter Innovationsbereich für den Komponisten. Im Vordergrund steht magische Farbe und Raffinesse. Debussy war eine geborene Koloristin. Vielleicht ist dies der erste Komponist, dem die Klangerscheinung des Werkes besondere Aufmerksamkeit geschenkt hat. Seine Harmonie ist koloristisch, was schon durch den Klang anzieht - Klangfülle. Die funktionalen Zusammenhänge sind geschwächt, die Schwere der Töne und der einleitende Ton sind nicht signifikant. Einzelne Akkorde erlangen eine gewisse Autonomie und werden als bunte „Flecken“ wahrgenommen. Häufig verwendet werden stehende, gleichsam eingefrorene Harmonien, Akkordparallelismen, Wechsel unaufgelöster Dissonanzen, modale Modi, Ganzton, bitonale Überlagerungen.

V Textur Debussys Satz ist in Parallelkomplexen (Intervalle, Dreiklänge, Septakkord) von großer Bedeutung. Solche Schichten bilden in ihrer Bewegung komplexe polyphone Kombinationen mit anderen Texturelementen. Es gibt eine einzige Harmonie, eine einzige Vertikale.

Nicht weniger eigenartig Melodie und Rhythmus Debussy. In seinen Werken finden sich selten detaillierte, geschlossene Melodiekonstruktionen - es dominieren kurze Themen-Impulse, prägnante Phrasen-Formeln. Die melodische Linie ist sparsam, zurückhaltend und flüssig. Ohne weite Sprünge, scharfe "Aufschreie", beruft es sich auf die ursprünglichen Traditionen der französischen poetischen Deklamation. Die dem allgemeinen Stil entsprechenden Qualitäten haben sich erworben und Rhythmus- mit ständiger Verletzung metrischer Grundlagen, Vermeidung klarer Akzente, Tempofreiheit. Debussys Rhythmus ist geprägt von kapriziöser Unstetigkeit, dem Wunsch, die Kraft des Taktstrichs zu überwinden, betonte Rechteckigkeit (obwohl der Komponist in Bezug auf Folk-Genre-Themen die charakteristischen Rhythmen von Tarantella, Habokaer, Marschprozession bereitwillig angewendet).

Bezaubernder Charme, Zauber der Farben sind auch charakteristisch für Debussys Orchesterwerk. Davon überzeugt das allererste symphonische Werk des Komponisten - "Nachmittag eines Fauns" , erstellt in den Jahren 1892-94. Anlass seines Schreibens war ein Gedicht von Stephen Mallarmé, das von den Liebeserlebnissen des antiken griechischen Waldgottes Faun vor der Kulisse eines schwülen, genussvollen Sommertages erzählt.

Historisch ist dieser Auftakt mit den Überlieferungen von Liszts symphonischen Dichtungen verbunden. Die Zeichen der klassischen Symphonie sind jedoch fast verschwunden: Es gibt keine Dynamik von figurativen Vergleichen, Konfliktentwicklung, thematischer Entwicklung. Stattdessen gibt es ein subtiles Spiel harmonischer und orchestraler Farben, weich und sauber. Dies ist der transparente Klang einer Flöte, dann einer Oboe, eines Englischhorns, Waldhörners. Die Atmosphäre von Liebessehnsucht, fesselnder Glückseligkeit wird durch das magische Timbre der Harfe und "antiken" Platten unterstrichen. Die Gesamtkomposition des Werkes besteht aus einer Reihe von Klangfarbenvariationen des ursprünglichen Flötenthemas (der Flötenmelodie eines träumenden Fauns).

In anderen Orchesterwerken von Debussy dominieren raffinierte, "zarte" Aquarelltöne. Sie enthalten selten massive Klänge, übermächtige Orchesterkompositionen (darin unterscheiden sich Debussys Partituren stark von denen Wagners). Der Komponist verwendet gerne instrumentale Soli ("reine Farben"), vor allem Holzblasinstrumente, liebt die Harfe, die gut zu Blechbläsern, Celestu, Pizzicato-Streichern passt, behandelt bei Bedarf menschliche Stimmen als Originalinstrumente (zB in Sirenen).

Das Nebeneinander von "reinen" (nicht gemischten) Klangfarben in Debussys Orchester spiegelt direkt die Maltechnik der impressionistischen Maler wider.

Der Einfluss der Ästhetik des Impressionismus findet sich bei Debussy und in der Wahl Gattungen und Formen. Er brauchte keine großformatigen Sonatenformen, um flüchtige Eindrücke einzufangen. In symphonischen Genres zog er die Suite an: Diese sind "Notturniere"(Sinfonisches Triptychon aus drei Orchesterstücken), "Meer"(Programmkomposition aus drei Orchesterskizzen), Orchestersuite bestehend aus drei Stücken "Bilder". In der Klaviermusik richtet sich Debussys Interesse auf einen Zyklus von Miniaturen, ähnlich einer Art bewegter Landschaften. Formen in Debussys Musik sind schwer auf klassische Kompositionsschemata zu reduzieren, sie sind so einzigartig. Der Komponist lehnt jedoch in seinen Werken die gestalterischen Grundgedanken keineswegs ab. Seine Instrumentalkompositionen berühren oft drei Stimmen und Variationen.

Gleichzeitig kann Debussys Kunst nicht nur als musikalische Analogie zur impressionistischen Malerei betrachtet werden. Er selbst widersprach seiner Aufnahme in die Impressionisten und war mit dieser Bezeichnung in Bezug auf seine Musik nie einverstanden. Er war kein Fan dieses Trends in der Malerei. Claude Monets Landschaften erschienen ihm "zu aufdringlich", "nicht mysteriös genug". Die Umgebung, in der die Persönlichkeit von Debussy geformt wurde, waren hauptsächlich die symbolistischen Dichter, die an den berühmten "Dienstags" von Stephen Mallarmé teilnahmen. Dies sind Paul Verlaine (zu dessen Texten Debussy zahlreiche Romanzen schrieb, darunter die jugendliche Mandoline, zwei Zyklen galanter Feste, der Forgotten Ariette-Zyklus), Charles Baudelaire (Romanzen, Vokalgedichte), Pierre Louis (Lieder der Bilitis).

Debussy schätzte die Poesie der Symbolisten sehr. Er wurde von ihrer inhärenten inneren Musikalität, ihrem psychologischen Subtext und vor allem ihrem Interesse an der Welt der raffinierten Fiktionen ("unerkennbar", "unaussprechlich", "unfassbar") inspiriert. Unter dem Deckmantel der lebendigen Pittoreske vieler Werke des Komponisten sind symbolische Verallgemeinerungen nicht zu übersehen. Seine Klanglandschaften sind immer von psychologischen Obertönen durchdrungen. In The Sea zum Beispiel bietet sich bei aller bildlichen Darstellung eine Analogie zu den drei Phasen des menschlichen Lebens an, beginnend mit der „Morgendämmerung“ und endend mit dem „Sonnenuntergang“. Im Zyklus "24 Präludien für Klavier" gibt es viele ähnliche Beispiele.

Oper "Pelléas und Melisande"

(Pelleas und Melisande)

Ohne Debussys innere Nähe zur künstlerischen Tradition des Symbolismus wäre sein Opernmeisterwerk Pelléas et Mélisande, das einzige vollständig realisierte Opernkonzept, kaum entstanden.

Der Komponist lernte 1892 das Drama des belgischen symbolistischen Dramatikers Maurice Maeterlinck "Pelléas et Melisande" kennen. Das Stück hat ihn begeistert. Sie entsprach genau dem Ideal des Dramas, von dem Debussy träumte, schien speziell für ihn "auf Bestellung" geschaffen zu sein. Es ist bekannt, dass der Komponist den idealen Librettisten als denjenigen betrachtete, „der, ohne ein Wort zu sagen, Charaktere erschafft, die außerhalb eines bestimmten Ortes und Raumes leben und handeln“. Alle Charaktere in Maeterlincks Stück haben keine wirkliche "Biographie". Auch der Schauplatz des Geschehens wird bedingt unterstrichen – ein düsteres Königsschloss und seine Umgebung in einem unbekannten Land. Es ist ein typisch symbolistisches Drama, gewoben aus fast unmerklichen Strichen und Andeutungen, das alles Klare vermeidet, bis zum Ende ausgesprochen wird und sich durch eine außergewöhnliche Subtilität der Vermittlung von Stimmungen auszeichnet.

Claude Debussy

Der französische Komponist, Pianist, Dirigent und Musikkritiker Claude Debussy wurde 1862 in einem Vorort von Paris geboren. Sein musikalisches Talent zeigte sich schon sehr früh, und schon im Alter von elf Jahren wurde er Schüler am Pariser Konservatorium, wo er Klavier bei A. Marmontel und Komposition bei E. Guiraud studierte. 1881 besuchte Debussy Russland als Pianist in der Familie von N. F. von Meck. Hier lernte er die bisher unbekannte Musik russischer Komponisten kennen.

1884 erhielt Debussy, ein Absolvent des Konservatoriums, den Rom-Preis für die Kantate des verlorenen Sohnes, dank dem er sein Studium in Italien fortsetzen konnte. In Rom schuf der Komponist, von neuen Strömungen mitgerissen, Werke, die bei akademischen Professoren in seiner Heimat, wohin Debussy seine Werke als Gutachten schickte, eine negative Reaktion auslösten.

Die kalte Begegnung, die der Musiker bei seiner Rückkehr nach Paris vorbereitet hatte, zwang ihn, mit den offiziellen Kreisen der französischen Musikkunst zu brechen.

Das brillante Talent des Komponisten, sein einzigartiger Stil, manifestierte sich bereits in seinen frühen Vokalwerken. Eine der ersten ist die Romanze "Mandoline" (um 1880), die auf einem Gedicht des französischen symbolistischen Dichters P. Verlaine geschrieben wurde. Obwohl das melodische Muster der Romanze lakonisch und einfach ist, ist jeder ihrer Klänge ungewöhnlich ausdrucksstark.

In den frühen 1890er Jahren war Debussy bereits der Autor so wunderbarer Werke wie Forgotten Songs to Verses von P. Verlaine, Five Poems to Words by Charles Baudelaire, Bergamas Suite für Klavier und einer Reihe anderer Werke. In dieser Zeit kam der Komponist dem symbolistischen Dichter S. Mallarmé und seinem Gefolge näher. Mallarmés Gedicht "The Afternoon of a Faun" inspirierte den Komponisten 1894 zu einem gleichnamigen Ballett. In Paris inszeniert, brachte es Debussy einen großen Erfolg.

Die besten Werke des Musikers entstanden in der Zeit von 1892 bis 1902. Darunter - die Oper "Pelléas und Melisande", "Nocturne" für Orchester, Stücke für Klavier. Diese Werke sind zu einem Vorbild für junge französische Komponisten geworden. Debussys Ruhm ging über die Grenzen seiner Heimat hinaus. Mit großer Freude wurde er vom Publikum in St. Petersburg und Moskau empfangen, wo er 1913 Konzerte gab.

L. Bakst. Faun. Kostümentwurf zum Ballett "Nachmittag eines Fauns" von C. Debussy

Wie die von Debussy hochgeschätzte Kunst von Rameau und Couperin zeichnet sich sein Werk durch Qualitäten wie Genremalerei, Ausdruckskraft des Klangs, klassische Klarheit der Formen aus. All dies steckt auch in seinen Werken, die im Geiste des Impressionismus geschrieben sind, mit dem Wunsch, kurzfristige, wechselhafte Eindrücke zu vermitteln. Debussy, der trotz seines kreativen Strebens über ein hochentwickeltes musikalisches Flair und einen subtilen künstlerischen Geschmack verfügte, schnitt gnadenlos alles Unnötige ab, das die Entstehung wirklich heller und ausdrucksstarker Musik verhinderte. Seine Werke begeistern durch Integrität, Vollständigkeit und sorgfältig ausgearbeitete Details. Dabei bedient sich der Komponist gekonnt nicht nur impressionistischer Mittel, sondern auch Genre-Elementen sowie Intonationen und Rhythmen alter Volkstänze.

Die großen russischen Komponisten Rimsky-Korsakov, Balakirev, Mussorgsky hatten großen Einfluss auf Debussy. Ihre Arbeit wurde für ihn zu einem Beispiel für die innovative Nutzung nationaler Musiktraditionen.

Debussys Kunst ist ungewöhnlich vielseitig. Er schuf poetische und lebendige Landschaftsskizzen (Stücke "Wind on the Plain", "Gardens in the Rain" etc.), Genrekompositionen (Orchestersuite "Iberia"), lyrische Miniaturen (Lieder, Romanzen), dithyrambische Gedichte ("Island of Joy"), symbolische Dramen (Pelléas und Melisande).

Zu den besten Werken von Debussy gehört "Afternoon of a Faun", in dem die koloristischen Fähigkeiten des Autors voll zum Ausdruck kamen. Das Werk ist vollgestopft mit ungewöhnlich subtilen Klangfarben, an deren Entstehung Holzblasinstrumente stark beteiligt sind. Der Hörer scheint in die Atmosphäre eines herrlichen Sommertages einzutauchen, der von heißen Sonnenstrahlen durchdrungen ist. The Afternoon of a Faun zeigt eine Variation der Symphonie, die für die meisten Werke Debussys charakteristisch ist. Die Musik des Komponisten ist geprägt von koloristischer Anmut, feinster Klangmalerei von Genreszenen und Naturbildern.

Von großem Interesse sind auch die Nocturnes (1897 - 1899), bestehend aus drei Teilen (Wolken, Festlichkeiten, Sirenen). Die impressionistischen "Clouds" spiegelten die Vorstellung des Musikers vom mit Gewitterwolken bedeckten Himmel über der Seine wieder, und "Festivities" wurden von Erinnerungen an Festlichkeiten im Bois de Boulogne inspiriert. Die Partitur des ersten Satzes von The Nocturne ist voll von koloristischen Nebeneinanderstellungen, die den Eindruck eines schimmernden Lichtscheins erwecken, der sich durch die Wolken bahnt. Im Gegensatz dazu malen die Bilder von "Festivities" dem Hörer eine heitere Szene voller in der Ferne erklingender Lieder- und Tänzemelodien, die mit den Klängen eines herannahenden Festzuges enden.

Aber die impressionistischen Prinzipien kamen im dritten Nocturne - "Sirenen" am besten zum Ausdruck. Das Gemälde zeigt das Meer im silbrigen Mondlicht, die sanften Stimmen der Sirenen aus der Ferne. Die Partitur dieses Stücks ist bunter als die der beiden vorherigen, aber es ist auch das statischste von ihnen.

1902 vollendete Debussy die Arbeit an der Oper Pelléas et Mélisande, die auf einem Stück des belgischen Dramatikers und symbolistischen Dichters M. Maeterlinck beruhte. Um die feinsten Nuancen menschlicher Erfahrungen zu vermitteln, baute der Komponist seine Werke auf subtilen Nuancen und ungewöhnlich leichten Akzenten auf. Er benutzte eine amüsant-rezitativische Melodie, ohne Kontraste, selbst in den dramatischsten Momenten, die nicht über die ruhige Erzählung hinausging. Musik zeichnet sich durch gleichmäßige Rhythmen und sanfte Bewegungen der Melodie aus, die dem Gesangsteil einen Hauch von Intimität verleihen.

Die Orchesterepisoden in der Oper sind klein, spielen aber dennoch eine bedeutende Rolle im Handlungsverlauf, als ob sie den Inhalt des vorherigen Bildes ergänzen und den Hörer auf das nächste vorbereiten. Die Orchestrierung verblüfft mit dem Reichtum an farbigen Überläufen, sie hilft, die richtige Stimmung zu erzeugen, subtilste Gefühlsbewegungen zu vermitteln.

Maeterlincks symbolistisches Drama ist von Pessimismus und Untergang geprägt. Das Stück vermittelt wie Debussys Oper die Stimmung einiger Zeitgenossen des Komponisten und Dichters. Dieses Phänomen wurde 1907 von R. Rolland charakterisiert: „Die Atmosphäre, in der sich Maeterlincks Drama entwickelt, ist ein müder Gehorsam, der der Kraft des Rock den Willen zum Leben gibt. Nichts kann etwas an der Reihenfolge der Ereignisse ändern. Entgegen den Illusionen des menschlichen Stolzes, der sich als Meister wähnt, bestimmen unbekannte und unwiderstehliche Kräfte die tragische Komödie des Lebens von Anfang bis Ende. Niemand ist verantwortlich für das, was er will, für das, was er liebt ... Sie leben und sterben, ohne zu wissen, warum. Dieser Fatalismus, der die Müdigkeit der spirituellen Aristokratie Europas widerspiegelt, wurde auf wundersame Weise durch die Musik von Debussy vermittelt, die ihr ihre eigene Poesie und ihren sinnlichen Charme hinzufügte, was sie noch ansteckender und unwiderstehlicher machte.

Debussys bestes Orchesterwerk ist The Sea, geschrieben 1903-1905 am Meer, wo der Komponist die Sommermonate verbrachte. Das Werk besteht aus drei symphonischen Skizzen. Debussy lehnte emotionale romantische Skizzen ab und schuf ein echtes "Lebens" -Bild, das auf der Tonaufnahme der Elemente des Meeres basiert. The Sea begeistert den Hörer mit seiner Farbenpracht und Ausdruckskraft. Auch hier wandte sich der Komponist wieder impressionistischen Mitteln zur Vermittlung direkter Eindrücke zu, und es gelang ihm, die Variabilität des Meereselementes, ruhig und still oder wütend und stürmisch, zu zeigen.

1908 schrieb Debussy die Partitur für Iberia, die in den dreiteiligen symphonischen Zyklus Images (1906 - 1912) aufgenommen wurde. Die anderen beiden Teile heißen "Sad Zhigi" und "Frühling Round Dances". Iberia spiegelte das Interesse des Musikers am spanischen Thema wider, das die Fantasie anderer französischer Komponisten anregte.

Die Partitur des Werkes besteht aus drei Teilen - "On the Streets and Roads", "Scents of the Night", "Morning of a Festive Day". Debussy verwendete dabei die Rhythmen und Intonationen der Volksmusikkunst. "Iberia" ist eines der fröhlichsten und lebensbejahendsten Werke des französischen Musikers.

In dieser Zeit schrieb der Komponist eine Reihe bemerkenswerter Vokalwerke, darunter Drei Balladen von François Villon (1910), das Geheimnis des Martyriums des Heiligen Sebastian (1911).

Einen bedeutenden Platz im Werk von Debussy nimmt die Musik für das Klavier ein. Im Grunde handelt es sich um kleine Stücke, die sich im Genre unterscheiden, malerisch und manchmal programmatisch sind. Bereits im frühen Klavierwerk des Musikers, Suite Bergamasque (1890), wo die Verbindung zu akademischen Traditionen noch spürbar ist, ist eine außergewöhnliche Farbigkeit spürbar – eine Eigenschaft, die Debussy von anderen Komponisten unterscheidet.

Besonders gut ist die Insel der Freude (1904), Debussys größtes Klavierwerk. Ihre lebendige, energiegeladene Musik lässt den Hörer den Gischt der Meereswelle spüren, fröhliche Tänze und festliche Prozessionen sehen.

1908 schrieb der Komponist das Album "Children's Corner", das eine Reihe leichter Stücke enthält, die nicht nur für Kinder, sondern auch für Erwachsene interessant sind.

Aber vierundzwanzig Präludien wurden zu einem wahren Meisterwerk der Klavierarbeit des Musikers (das erste Notizbuch erschien 1910, das zweite - 1913). Der Autor kombinierte darin Landschaften, Stimmungsbilder, Genreszenen. Ihre Namen verraten den Inhalt der Präludien: "Wind on the Plain", "Anacapri Hills", "Scents and Sounds Float in the Evening Air", "Interrupted Serenade", "Fireworks", "Girl with Flachs Hair". Debussy vermittelt meisterhaft nicht nur Naturbilder oder bestimmte Szenen wie Feuerwerkskörper, sondern malt auch korrekte psychologische Porträts. Die Präludien, die schnell in das Repertoire der berühmtesten Landschaftsmaler eingingen, sind auch deshalb interessant, weil sie Handlungsstränge und Fragmente aus anderen Werken des Komponisten enthalten.

1915 erschienen "Zwölf Etüden für Klavier" von Debussy, in denen der Autor den Interpreten neue Aufgaben stellt. Jede einzelne Skizze offenbart ein spezifisches technisches Problem.

Zum schöpferischen Erbe des Komponisten gehören auch mehrere Werke für das Kammerensemble.

Bis in die letzten Tage seines Lebens hat Debussy den Ruhm nicht verlassen. Der Musiker, der von seinen Zeitgenossen als der bedeutendste Komponist Frankreichs galt, starb 1918 in Paris.

Aus dem Buch Große Sowjetische Enzyklopädie (BU) des Autors TSB

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Claude Albert Claude Albert (* 23.8.1899, Longle), belgischer Biologe, Zytologe. Absolvent der Universität Lüttich. Er arbeitete am Rockefeller Institute for Medical Research (seit 1929). 1949-71 Direktor des J. Bordet Instituts in Brüssel, seit 1970 Leiter des Labors für Zellbiologie und

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Chappe Claude Chappe Claude (25.12.1763, Brulon, Département Sarthe, - 23.01.1805, Paris), französischer Mechaniker, Erfinder des optischen Telegraphen. 1793 erhielt er den Titel Telegrapheningenieur. 1794 baute er zusammen mit seinen Brüdern die erste optische Telegrafenlinie zwischen Paris und

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Claude Debussy (Debussy, Claude) Einmal fragte ein Lehrer am Konservatorium den jungen Debussy: „Was hast du, junger Mann, komponiert? Es verstößt gegen alle Regeln." Debussy antwortete ohne mit der Wimper zu zucken: „Für mich als Komponisten gibt es keine Regeln; was ich will, ist die regel. ”Und später