England wird als das „unmusikalischste“ Land Europas bezeichnet. Kunsthistorikern zufolge reicht die Entstehungsgeschichte der englischen Musik bis ins ferne IV. Jahrhundert zurück, als keltische Stämme auf dem Territorium der britischen Inseln lebten. In den überlieferten Liedern und Balladen dieser Zeit beschrieben Sänger und Barden militärische Feldzüge, Heldentaten, romantische Legenden und die Liebe zu ihrem Heimatland. Eine neue Etappe in der Entwicklung der englischen Kultur fällt erst im 6. Jahrhundert, mit der Annahme des Christentums begann sich die Musikkunst schnell zu entwickeln: zuerst unter der Kirchenleitung, dann unter dem Staat.

Englische Komponisten sind heute nicht mehr so ​​berühmt wie ihre europäischen Kollegen, dann ist es schwierig, sich schnell an ihre Namen oder Werke zu erinnern. Aber wenn man sich die Geschichte der Weltmusik anschaut, kann man feststellen, dass das Vereinigte Königreich der Welt so große Komponisten wie Edward Elgar, Gustav Leinwand,Ralph Vaughan Williams und Benjamin Britten.

Während der Regierungszeit von Königin Victoria blühte die Musikkultur in Großbritannien auf. 1905 entstand in England die erste Sinfonie, deren Autor Edward Elgar... Das Oratorium "Der Traum des Gerontius" aus dem Jahr 1900 und "Variationen über ein mysteriöses Thema" brachten dem jungen Komponisten universelle Anerkennung. Elgar wurde nicht nur von England, sondern von ganz Europa anerkannt, und der berühmte Österreicher Johann Strauss bemerkte sogar, dass Elgars Schöpfungen der Gipfel der englischen Romantik auf dem Gebiet der Musik sind.

Gustav Leinwand Ist ein weiterer berühmter englischer Komponist, der im neunzehnten Jahrhundert lebte. Er wird als der originellste und ungewöhnlichste Schöpfer klassischer Musik bezeichnet - eine solche Anerkennung erhielt er für die Siuta namens "Planets". Diese Arbeit besteht aus sieben Teilen und beschreibt die Planeten unseres Sonnensystems.

Der nächste auf der Liste der großen Komponisten ist der Begründer der Schule der "English Musical Renaissance", der Großneffe von Charles Darwin - Ralph Vaughan Williams... Neben dem Komponieren von Musik engagierte sich Williams auch aktiv in sozialen Aktivitäten und sammelte englische Folklore. Zu seinen bekanntesten Werken zählen drei Norfolk-Rhapsodien, eine Tallis-Fantasien für ein Doppelstreichorchester, sowie Sinfonien, drei Ballette, mehrere Opern und Volksliedbearbeitungen.

Unter den zeitgenössischen Komponisten Englands ist der Baron hervorzuheben Edward Benjamin Brithenna... Britten schrieb Werke für Kammer- und Sinfonieorchester, Kirchen- und Vokalmusik. Dank ihm gab es in England eine Wiederbelebung der Oper, die zu dieser Zeit im Niedergang stand. Eines der Hauptthemen von Brittens Werk war der Protest gegen die Manifestation von Gewalt und Krieg zugunsten von Frieden und Harmonie in den menschlichen Beziehungen, der am deutlichsten in dem 1961 verfassten „War Requiem“ zum Ausdruck kam. Auch Edward Benjamin besuchte oft Russland und schrieb sogar Musik zu den Worten von Alexander Puschkin.

Einführung

Das Schicksal der englischen Musik erwies sich als komplex und paradox. Vom 15. Jahrhundert bis zum Ende des 17. Jahrhunderts, während der Entstehung und Blüte der englischen klassischen Musiktradition, war ihre Entwicklung kontinuierlich. Dieser Prozess verlief intensiv durch die Belehnung an die Folklore, die früher als in anderen Kompositionsschulen definiert wurde, sowie durch die Bildung und Bewahrung eigentümlicher, national charakteristischer Gattungen (Hymne, Maske, Halboper). Alte englische Musik gab der europäischen Kunst wichtige Impulse, darunter Polyphonie, Variations- und figurative Entwicklungsprinzipien und eine Orchestersuite. Gleichzeitig brach sie ursprünglich von außen kommende Reize.

Im 17. Jahrhundert finden Ereignisse statt, die der englischen Musikkultur einen gewaltigen Schlag versetzen. Dies ist erstens der während der Revolution von 1640-1660 etablierte Puritanismus mit seinem fanatischen Wunsch, die bisherigen spirituellen Werte und die alten Typen und Formen der säkularen Kultur abzuschaffen, und zweitens die Wiederherstellung der Monarchie (1660 .). ), die die allgemeine kulturelle Ausrichtung des Landes stark veränderte und den externen Einfluss (aus Frankreich) stärkte.

Überraschenderweise treten parallel zu den offensichtlichen Symptomen der Krise Phänomene auf, die vom höchsten Aufstieg der Musikkunst zeugen. In einer für die englische Musik schwierigen Zeit trat Henry Purcell (1659-1695) auf, dessen Werke die Blütezeit der nationalen Kompositionsschule markierten, ohne jedoch einen direkten Einfluss auf das Werk nachfolgender Generationen zu haben. Der in England tätige Georg Friedrich Händel (1685-1759) bestätigte mit seinen Oratorien den Primat der Chortradition im Genrespektrum der englischen Musik, der ihre weitere Entwicklung unmittelbar beeinflusste. Zur gleichen Zeit wurde The Beggar's Opera von Gay und Pepusch (1728), deren parodistischer Charakter vom Beginn einer Ära des kulturellen Wandels zeugte, zum Vorläufer vieler Beispiele der sogenannten Balladeoper.

Es war einer der Höhepunkte der Theaterkunst in England und zugleich Zeugnis des Umsturzes der Musikkunst bzw. der Übertragung ihrer "kulturschaffenden Energie" (A. Schweitzer) - vom professionellen in der Amateur.

Die musikalische Tradition setzt sich aus vielen Faktoren zusammen, wie zum Beispiel dem Komponieren, der Aufführung, der Art des Musiklebens. Geregelt durch ideologische, ästhetische, allgemeine künstlerische Einstellungen, agieren diese Faktoren nicht immer in einer koordinierten Einheit, oft ist ihr Zusammenspiel unter bestimmten historischen Bedingungen gestört. Dies kann durch eine Jahrhunderte alte Periode von etwa der Mitte des 18. Jahrhunderts bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts in England bestätigt werden.

Musik aus England

Das hohe Leistungsniveau, die weite Verbreitung und die tiefe Verwurzelung im Alltag verschiedener Formen des Musizierens - Instrumental, Vokalensemble und Chor - schufen dann einen fruchtbaren Boden für ein helles, groß angelegtes Konzertleben in London, das kontinentale Musiker anzog die Hauptstadt des Reiches: Chopin, Berlioz, Tschaikowsky, Glasunow ... Den frischen Wind der Moderne trugen auch deutsche Musiker mit sich, deren Weg auf die Britischen Inseln seit dem Beitritt der Hannoveraner (von 1714 bis 1901), - erinnern wir uns zum Beispiel an die wöchentlichen Konzerte von Bach - Abel und die Konzerte von Haydn - Zalomon ... England beteiligte sich also am intensiven Entstehungsprozess der vorklassischen und klassischen Sinfonie, leistete aber keinen gestalterischen Beitrag dazu. Im Allgemeinen war damals der auf dem Kontinent relevante Zweig der nationalen Kreativität in den Genres Oper und Sinfonie unentwickelt, in anderen Genres (zB im Oratorium) wurde der Kanal manchmal flach. Es war diese Ära, die England den heute wenig überzeugenden Namen "ein Land ohne Musik" gab.

Es ist ironisch, dass die "Ära der Stille" auf die sogenannte viktorianische Ära fiel - während der Regierungszeit von Königin Victoria (von 1837 bis 1901). Der Staat stand auf dem Höhepunkt seiner Stärke und seines Ruhms. Die mächtige Kolonialmacht, die „Werkstatt der Welt“, verlieh ihrer Nation ein selbstbewusstes Selbstbewusstsein und die Überzeugung, dass „sie dazu bestimmt ist, bis ans Ende ihrer Tage den ersten Platz in der Welt zu besetzen“ (J. Aldridge). Die viktorianische Ära war die Blütezeit aller Bereiche der englischen Kultur: ihrer Prosa und Poesie, Drama und Theater, Malerei und Architektur und schließlich der Ästhetik - und eine Zeit des spürbaren Niedergangs im Bereich des Komponierens.

Gleichzeitig häuften sich gerade ab Mitte des 19. manifestierte sich an der Wende des 19. und 20. Jahrhunderts.

Der Chorsatz, sowohl Amateur- als auch Berufschor, erweiterte und erweiterte sich. Die Chortradition wurde als wahrhaft national wahrgenommen. Englische Meister schworen ihr: Hubert Perry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederic Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).

Parallel dazu entwickelte sich eine Folklorebewegung, deren führende Figur Cecil J. Sharp (1859-1924) war. Es beinhaltete wissenschaftliche Ausrichtung (Feldsammlung, theoretisches Verständnis) und praktische (Einführung in Schule und Alltag). Dies ging einher mit einer kritischen Neubewertung der Assimilation von Folkloregattungen im Unterhaltungssalon und der Durchdringung des Volksmaterials in das Werk des Komponisten. All diese Aspekte der Folklorebewegung wirkten aufeinander ein – sie ergänzten sich und standen sich manchmal widersprüchlich gegenüber.

Bis Mitte des 19. Jahrhunderts, so mag es auf den ersten Blick seltsam erscheinen, schafften es englische Lieder selbst selten in Sammlungen - viel seltener als Lieder aus Schottland, Wales und vor allem Irland. Nicht ohne Ironie schrieb Ralph Vaughan Williams im einleitenden Essay zum Buch des größten Folkloristen des Landes Cecil Sharpe "English Folk Song": "Aus maßgeblichen Quellen wussten wir noch, dass Volksmusik "entweder schlecht oder irisch" war.

Die Bewegung zur Wiederbelebung der Alten Musik - Purcell, Bach, englische Madrigalisten und Virginelisten - trug dazu bei, das tiefe Interesse von Interpreten, Herstellern von Musikinstrumenten und Wissenschaftlern (wie A. Dolmetch mit seiner Familie) sowie Komponisten zu wecken

Das "goldene Zeitalter" der englischen Berufsschule. Das Erbe des 15.-17. Jahrhunderts, belebt durch Aufführungspraxis, gepriesen durch kritisches Denken, repräsentierte die vergeistigende Kraft des nationalen unverwechselbaren Handwerks.

Diese zunächst subtilen Tendenzen gewannen allmählich an Stärke und sprengten, aufeinander zueilend, Ende des 19. Jahrhunderts den Boden. Ihre Vereinigung markierte den Beginn einer neuen musikalischen Renaissance in England. Nach langer Pause trat dieses Land nicht durch einzelne schöpferische Persönlichkeiten, sondern als nationale Schule in die europäische Musikkultur ein. Zu dieser Zeit war auf dem Kontinent von englischen Komponisten die Rede; Brahms sagte der englischen Musik eine interessante Zukunft voraus, R. Strauss unterstützte sie in der Person von E. Elgar. Die Intensität seiner Entwicklung an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert war groß.

Die Tradition der österreichisch-deutschen Romantik hat in England längst fruchtbaren Boden gefunden. Dieser historisch bedingte Einfluss, unterstützt durch das System der musikalischen Ausbildung und die Praxis, junge Komponisten in deutschen Städten zu verbessern, beeinflusste den Stil (vor allem bei Perry, Stanford, Elgar). Englische Musiker verstanden, dass die Behauptung der nationalen Identität die Befreiung von solch herrischen Einflüssen voraussetzte. Im Gegensatz zu Erklärungen war dieser Prozess jedoch langsam und kreativ, da die führenden Genres selbst - einschließlich solcher konzeptueller wie Symphonie oder sinfonische Dichtung - auf die fruchtbaren Erfahrungen der österreichisch-deutschen Schule vertrauten. Dementsprechend diente das Maß des deutschen Einflusses und der Grad seiner Überwindung als Kriterium für die nationale Originalität und Bedeutung des Werkes des Komponisten. Beispielsweise sind solche Einschätzungen eines der englischen Kritiker bezeichnend: "Während die Musik von Parry und Stanford Deutsch mit englischem und irischem Akzent sprach ... Elgars Musik sprach Englisch mit deutschem Akzent."

Um die Jahrhundertwende bestand der Drang, eine musikalische Sprache zu schaffen, die der zeitgenössischen Ästhetik in Großbritannien wie in ganz Europa entsprach. Das "neue Wort" kam aus Frankreich. Das bei den englischen Musikern aufgekommene Interesse am Orient veranlasste sie, auf die Errungenschaften des französischen Impressionismus zu achten. Besonders deutlich wurde dies in den Arbeiten von Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) und Gustav Holst. Für Scott und Bantok berührt die Welt der orientalischen Bilder und Stimmungen zwar nicht die Grundlagen des Denkens des Komponisten. Ihr Bild vom Osten ist bedingt, und es ist leicht, viele traditionelle Merkmale in seiner Verkörperung zu finden.

Die Umsetzung dieses Themas im Werk des zur indischen Kultur hingezogenen Holst erreichte eine andere Ebene. Er strebte nach einem tieferen, spirituellen Kontakt zwischen westlichen und östlichen Kulturen, der allgemein für die Kunst des 20. Jahrhunderts charakteristisch ist. Und er erfüllte diesen Wunsch auf seine Weise, nicht einverstanden mit dem, was sein älterer Zeitgenosse Debussy tat. Gleichzeitig fanden die Entdeckungen des Impressionismus, verbunden mit einem neuen Konzept von musikalischem Raum, Klangfarbe, Dynamik, mit einer neuen Einstellung zum Klang, Eingang in die Palette der Ausdrucksmittel der Komponisten Englands - der Heimat der "Landschaft und Seelandschaft" ( C. Nodier).

Bei allen individuellen stilistischen Unterschieden verband englische Komponisten damals den Wunsch, die folkloristischen Grundlagen ihrer Musik zu stärken. Die Entdeckung der bäuerlichen Folklore und die Arbeit der Meister der Old English School als zwei miteinander verbundene Quellen gehören G. Holst und R. Vaughan Williams. Die Hinwendung zum Erbe des "goldenen Zeitalters" der englischen Kunst war die einzige Möglichkeit, die nationale Tradition wiederzubeleben. Folklore und alte Meister, Verbindungen zur zeitgenössischen europäischen Musikkultur - das Zusammenspiel dieser Strömungen in der Kunst von Holst und Vaughan Williams brachte eine lang ersehnte Erneuerung der englischen Musik des 20. Jahrhunderts. Die Themen, Handlungen und Bilder der englischen Prosa, Poesie und Dramatik dienten als wichtige Stütze bei der Durchsetzung nationaler Ideale. Für Musiker erhalten die ländlichen Balladen von Robert Burns und die gottlosen Gedichte von John Milton, die pastoralen Elegien von Robert Herrick und die von leidenschaftlicher Spannung durchdrungenen Gedichte von John Donne einen modernen Klang; wurde von William Blake wiederentdeckt. Ein immer tieferes Verständnis der nationalen Kultur ist zu einem wichtigen Faktor bei der Entstehung und Blüte der englischen Komponistenschule des 20. Jahrhunderts geworden, bei der Bildung des ästhetischen Ideals von Komponisten.

Die ersten großen Vertreter des neuen englischen Musical-Revivals waren Hubert Parry (1848-1918) und Charles Stanford (1852-1924). Komponisten, Wissenschaftler, Interpreten, Staus und Lehrer, sie waren wie die Gründer vieler nationaler Schulen herausragende Persönlichkeiten, deren facettenreiche Arbeit selbstlos darauf abzielte, eine neue nationale Kompositionsschule zu schaffen, die in der Lage ist, die Tradition der glorreichen Vergangenheit der englischen Musik wiederzubeleben. Ihre eigene soziale und schöpferische Tätigkeit diente Zeitgenossen und englischen Komponisten der nächsten, jüngeren Generation als hohes Vorbild.

Die Entstehung der neuen englischen Kompositionsschule fand während der langen Regierungszeit (1837-1901) von Königin Victoria statt. Während dieser Ära entwickelten sich verschiedene Bereiche der englischen Kultur vollständig. Besonders reich und "fruchtbar" war die große nationale literarische Tradition. Wenn Perry und Stanford mit ihren Aktivitäten eng verbunden sind, relativ gesehen die Proto-Renaissance-Periode der betreffenden Epoche, dann eröffnet der Name Elgar die eigentliche Schaffensperiode einer neuen Wiederbelebung.

Wie ihre Zeitgenossen sah sich die englische Kompositionsschule zunächst mit den Problemen der europäischen Musikromantik in ihrer ganzen Tragweite konfrontiert. Und natürlich rückte Wagners Kunst in den Mittelpunkt. Der herrische Einfluss von Wagners Musik in England kann nur mit seinem damaligen Einfluss in Frankreich oder mit dem Einfluss Händels im England des 18. Jahrhunderts verglichen werden.

Schon um die Jahrhundertwende versuchten englische Komponisten beharrlich, sich aus dem Einfluss der deutschen klassisch-romantischen Traditionen zu befreien, die auf englischem Boden so tief verwurzelt waren. Denken Sie daran, dass Perry - im Gegensatz zu Mendelssohns - eine nationale Art von philosophischem Oratorium schaffen wollte. Elgars Trilogie kleiner Kantaten The Spirit of England (1917) war eine große Leistung.

Der erste echte Komponist Englands seit Purcells Zeiten heißt Edward Elgar (1857-1934). War sehr eng mit der englischen provinziellen Musikkultur verbunden. In der Anfangsphase seines Schaffens war er als Komponist und Arrangeur für das Orchester seiner Heimat Worcester tätig, schrieb auch für die Musiker von Birmingham und arbeitete für lokale Chorvereine. Seine frühen Chorlieder und Kantaten stehen im Mainstream der großen englischen Chortradition der 80er und 90er Jahre. XIX Jahrhundert. - also genau zu dem Zeitpunkt, als Elgar seine frühen Chorwerke schuf, - bis zur Krönungsphase. Elgars Oratorium The Dream of Gerontius (1900), das die englische Musik auf dem Kontinent berühmt machte, war eine so bedeutende Leistung des Komponisten, dass es zugegebenermaßen Mendelssohns Elijah verdrängte und nach Händels Messias zum zweitliebsten Oratorium des englischen Publikums wurde.

Die Bedeutung Elgars für die Geschichte der englischen Musik wird vor allem durch zwei Werke bestimmt: das Oratorium The Dream of Gerontius (1900, bei J. Newman) und die symphonischen Variationen über ein mysteriöses Thema (Enigma - Variationen (Enigma (lat.) - a riddle. ), 1899), das zum Höhepunkt der englischen Musikromantik wurde. Das Oratorium "The Dream of Gerontius" fasst nicht nur die langjährige Entwicklung der Kantaten-Oratorien-Gattungen im Werk Elgars selbst (4 Oratorien, 4 Kantaten, 2 Oden) zusammen, sondern in vielerlei Hinsicht den gesamten bisherigen Weg des englischen Chorals Musik. Ein weiteres wichtiges Merkmal der nationalen Renaissance spiegelte sich im Oratorium wider - das Interesse an der Folklore. Es ist kein Zufall, dass R. Strauss nach dem Hören von The Dream of Gerontius einen Toast „auf den Wohlstand und den Erfolg des ersten englischen Progressisten Edward Elgar, eines Meisters der jungen progressiven Schule englischer Komponisten“ aussprach. Anders als das Oratorium Enigma legten Variations den Grundstein für die Nationalsinfonie, die vor Elgar der anfälligste Bereich der englischen Musikkultur war. „Die Enigma-Variationen weisen darauf hin, dass das Land mit Elgar einen Orchesterkomponisten ersten Ranges erworben hat“, schrieb einer der englischen Forscher. Das "Geheimnis" der Variationen liegt darin, dass die Namen der Freunde des Komponisten darin verschlüsselt sind und das musikalische Thema des Zyklus vor den Augen verborgen bleibt. (Das alles erinnert an "Sphinxes" aus "Carnival" von R. Schumann.) Elgar besitzt auch die erste englische Sinfonie (1908).

Elgars Werk ist eines der herausragenden Phänomene der Musikromantik. In seiner Synthese nationaler und westeuropäischer, hauptsächlich österreichisch-deutscher Einflüsse, trägt es Züge lyrisch-psychologischer und epischer Strömungen. Der Komponist verwendet vielfach das Leitmotivsystem, in dem der Einfluss von R. Wagner und R. Strauss deutlich zu spüren ist.

Die Etablierung der neuen Positionen der englischen Musik kam zu einer Zeit der Wende im spirituellen Leben Großbritanniens. Das waren Jahre großer Prüfungen und Veränderungen. Der Erste Weltkrieg zwang viele Künstler dieses Landes, das sich als Hochburg der Unantastbarkeit in Europa betrachtete, sensibel auf die beispiellosen Widersprüche der umgebenden Realität zu reagieren. Die englische Musik der Nachkriegszeit wird von dem zentrifugalen Bedürfnis dominiert, die Welt mit einer weitreichenden Perspektive zu betrachten. Die jüngere Generation kam resolut in Kontakt mit den innovativen Suchen europäischer Meister - Strawinsky, Schönberg. Die Ursprünge von William Waltons "Facade" (1902-1983) sind kompositorische Ideen aus Schönbergs "Pierrot of the Moon", der Stil der Komposition orientiert sich jedoch an der von Strawinsky und den French Six proklamierten Antiromantik. Constant Lambert (1905-1951) überraschte seine Landsleute, von den ersten Schritten seiner Karriere an begann er, im Genre des Balletts zu arbeiten, dessen Traditionen in England in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts unterbrochen wurden; Tatsächlich war es ganz natürlich, dass der Komponist von diesem Genre angezogen wurde, das in Europa in den 1920er Jahren zum Symbol moderner künstlerischer Bestrebungen wurde. Lamberts Ballett Romeo und Julia (1925) war eine Art Antwort auf Strawinskys Pulcinella. Gleichzeitig reagierte Lambert mit seinem anderen Werk - Elegiac Blues for Small Orchestra (1927) - auf den Jazz, der die Europäer in Erstaunen versetzte. Alan Bush (1900-1995) verband seine Aktivitäten mit Eislers kreativer Position und der Arbeiterbewegung, er übernahm nicht nur die entsprechenden gesellschaftspolitischen und philosophischen Ideen, sondern entwickelte auch eine eigene Kompositionstechnik, die sich auf die Erfahrungen der Novovensky-Schule stützte, fruchtbar von Eisler gebrochen.

In der ersten Hälfte der 30er Jahre wurde der im vorangegangenen Jahrzehnt eingetretene Generationenwechsel der Komponisten endgültig festgestellt. 1934 verlor England drei seiner größten Meister - Elgar, Dilius, Holst. Von diesen hat nur Canvas bis in die letzten Tage aktiv gearbeitet. Nach einem Jahrzehnt des Schweigens wurde Elgar erst Anfang der 1930er Jahre für seine Kreativität zum Leben erweckt. Gleichzeitig von einer schweren Krankheit und Blindheit heimgesucht, ließ sich der in Frankreich lebende Dilius von dem unerwarteten Erfolg seiner Musik zu Hause, in London, wo 1929 sein Autorenfestival stattfand, inspirieren und diktierte seine neuesten Werke in ein Energieschub.

Ende der 30er Jahre tritt die Generation der Jungen in die Zeit der kreativen Reife ein. Die Zeit des Experimentierens ist vorbei, Grundinteressen werden ermittelt, Kreativität bewegt sich in Richtung etablierter Traditionen, Geschick und Genauigkeit in Bezug auf ihre Gestaltung treten auf. So schreibt William Walton ein monumentales biblisches Oratorium (The Feast of Belshazzar, 1931), gefolgt von bedeutenden Orchesterwerken (First Symphony, 1934; Violinkonzert, 1939). Michael Tippett (geb. 1905) lehnt seine frühen Werke ab; neue Kammermusikwerke (Erste Klaviersonate, 1937) und konzertante Orchesterkompositionen (Konzert für zwei Streichorchester, 1939; Fantasie über ein Händel-Thema für Klavier und Orchester, 1941) verkündet er den Beginn seiner Karriere, den ersten Höhepunkt war das Oratorium „Kind unserer Zeit“ (1941). In diesen Jahren arbeiteten Lambert (Maske "The Last Will and Testament of Summer" für Solist, Chor und Orchester, 1936), Berkeley (Erste Symphonie, 1940), Bush (Erste Symphonie, 1940) an groß angelegten Kompositionen.

Benjamin Britten sticht unter den vielen hellen und unverwechselbaren Künstlerpersönlichkeiten hervor, mit denen die englische Kompositionsschule des 20. Jahrhunderts reich ist. Er war es, der in seinem Werk ein harmonisches Zusammenspiel multidirektionaler (und für die vorherige Generation englischer Komponisten fast sich gegenseitig ausschließender) Tendenzen fand - die Verkörperung der Ideen der Moderne und die Umsetzung der Originalität der nationalen Kunst.

Britten Ensemble Vokalmusik machen

Der Begriff "Komponist" tauchte erstmals im 16. Jahrhundert in Italien auf und bezeichnet seitdem eine Person, die Musik komponiert.

Komponisten des 19. Jahrhunderts

Im 19. Jahrhundert wurde die Wiener Musikschule von einem so herausragenden Komponisten wie Franz Peter Schubert vertreten. Er führte die Traditionen der Romantik fort und beeinflusste eine ganze Komponistengeneration. Schubert hat über 600 deutsche Romanzen geschaffen und dieses Genre auf die nächste Stufe gehoben.

Franz Peter Schubert

Ein weiterer Österreicher, Johann Strauss, wurde berühmt für seine Operetten und leichten musikalischen Formen des Tanzcharakters. Er war es, der den Walzer zum beliebtesten Tanz in Wien machte, wo noch immer Bälle abgehalten werden. Darüber hinaus umfasst sein Vermächtnis Polkas, Quadrills, Ballette und Operetten.

Johann Strauß

Ein prominenter Vertreter der Moderne in der Musik des ausgehenden 19. Jahrhunderts war der Deutsche Richard Wagner. Seine Opern haben bis heute nicht an Aktualität und Popularität verloren.

Giuseppe Verdi

Wagner kann der majestätischen Gestalt des italienischen Komponisten Giuseppe Verdi gegenübergestellt werden, der der Operntradition treu geblieben ist und der italienischen Oper einen neuen Atemzug gab.

Peter Iljitsch Tschaikowsky

Unter den russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts sticht der Name Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky heraus. Er zeichnet sich durch einen einzigartigen Stil aus, der europäische symphonische Traditionen mit Glinkas russischem Erbe verbindet.

Komponisten des 20. Jahrhunderts

Sergei Wassiljewitsch Rahmaninow

Sergei Vasilievich Rachmaninov gilt zu Recht als einer der klügsten Komponisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Sein Musikstil orientierte sich an den Traditionen der Romantik und existierte parallel zu den Avantgarde-Bewegungen. Aufgrund seiner Individualität und seines Mangels an Analogien wurde seine Arbeit von Kritikern auf der ganzen Welt hoch geschätzt.

Igor Fedorovich Strawinsky

Der zweitbekannteste Komponist des 20. Jahrhunderts ist Igor Fedorovich Strawinsky. Russischer Herkunft, emigrierte er nach Frankreich und dann in die Vereinigten Staaten, wo er sein Talent voll unter Beweis stellte. Strawinsky ist ein Innovator und hat keine Angst, mit Rhythmen und Stilen zu experimentieren. In seinem Werk werden Einflüsse russischer Traditionen, Elemente verschiedener Avantgarde-Bewegungen und ein einzigartiger individueller Stil nachgezeichnet, für den er „Picasso in der Musik“ genannt wird.

Englische Komponisten haben uns, wie viele andere auch, etwas Wunderbares gegeben - Musik. Natürlich haben dies neben den englischen auch viele Komponisten getan, aber jetzt konzentrieren wir uns auf die englischen. Ihre Musik hat einen gewissen Charme, und jeder Komponist hat seine ganz eigene Herangehensweise an Werke.

Der Beginn der Entwicklung der Musik in England

Bis zum 4. Jahrhundert galt England aus Sicht der Kunstkritiker als eines der "am wenigsten musikalischen" Länder. Aufgrund dieser Tatsache können wir sagen, dass die Werke englischer Komponisten klassischer Musik, wie auch alle anderen, Kennern des Schönen nicht als etwas Besonderes und Respektswürdiges erschienen. Aber trotz der Meinung von Skeptikern und Kunstkritikern hatte und hat England große und talentierte Komponisten, deren Namen jedem bekannt sind und deren Melodien und Werke nicht nur im Land selbst, sondern auch im Ausland geschätzt werden.

Die ersten berühmten Komponisten dieser Zeit

Berühmte englische Komponisten begannen im X-XV Jahrhundert zu erscheinen und zu verherrlichen. Natürlich tauchte dort Musik schon viel früher auf, aber die Werke waren nicht sehr berühmt, und die Namen der Komponisten sind bis heute nicht erhalten, ebenso wie ihre Werke. Englische Komponisten klassischer Musik traten erstmals im 11. Jahrhundert auf und wurden etwas berühmt. Die ersten Werke erschienen fast zur gleichen Zeit wie die europäischen. Englische Komponisten klassischer Musik vermittelten in ihren Werken Geschichten über die Kelten oder eben militärische Feldzüge. Die Werke beschreiben das Leben gewöhnlicher oder nicht ganz normaler Menschen, die auf den keltischen Inseln und Stämmen leben oder eine Verbindung zu ihnen haben.

Nach der Annahme des Christentums begannen die englischen Komponisten klassischer Musik Ende des 6. Jahrhundert, Haushalt und Staat. So wird deutlich, dass die englische Musik der Religion und verschiedenen militärischen Verdiensten des Landes gewidmet war.

Die Popularität englischer klassischer Komponisten in unserer Zeit

Wie Sie sehen, waren Musikkomponisten im 5. und 7. Jahrhundert nicht sehr beliebt, aber wie sehr werden heute ähnliche Komponisten bevorzugt? Natürlich schenken sie dieser Musik in unserer Zeit nicht die gebührende Aufmerksamkeit und oft passieren die neuesten musikalischen Neuheiten anstelle der Werke großer Komponisten. Aber die Musik berühmter englischer Komponisten ist in unserer Zeit zu hören - in Opernhäusern oder einfach durch das Auffinden eines wunderbaren musikalischen Phänomens im Internet. Heute lernen Sie einige der bekanntesten Komponisten kennen, deren Werke in vielen Ländern und auf vielen Kontinenten bekannt sind. Die Musik englischer Komponisten ist natürlich in England selbst und im Ausland weit verbreitet, hat aber nicht so viele Bewunderer wie damals.

Wer ist Edward Benjamin Britten?

Benjamin Britten ist ein britischer Komponist klassischer englischer Musik des 20. Jahrhunderts. Benjamin wurde 1913 in Lowestoft geboren. Benjamin ist nicht nur Komponist, sondern auch ein hervorragender Musiker, nämlich Dirigent und professioneller Pianist. Auch als Komponist probierte er viele Musikrichtungen aus, in seinem Repertoire fanden sich Gesangs- und Klavierstücke sowie Opernaufführungen. Übrigens war es das dritte Repertoire, das zu einem seiner grundlegendsten wurde. Wie jeder andere berühmte Komponist hat Edward Benjamin Britten viele verschiedene Meisterwerke der Opernmusik und Theaterstücke auf seinem Rücken.

Stücke von Benjamin Britten und seine Popularität

Das bekannteste Theaterstück unserer Zeit ist die Arche Noah. Dem Titel und auch der Handlung des Stückes nach zu urteilen, ist leicht zu verstehen, dass der Titel selbst die Tatsache bestätigt, dass viele Werke, die vor dem 20. Jahrhundert geschrieben wurden und zu Beginn oft ein religiöses Thema hatten. Apropos Benjamin, es ist unmöglich, seine Bedeutung unter den Komponisten der Mitte des 20. Jahrhunderts nicht zu erwähnen. Er war der berühmteste Komponist des 20. Jahrhunderts, man könnte sogar sagen, dass er die Bedeutung und Schönheit englischer Meisterwerke der Musik "in den Himmel" gehoben hat. Nach Edwards Tod "sah" England solche Talente lange Zeit nicht.

Wer ist Gustav Holst?

Gustav Holst ist einer der bekanntesten englischen Komponisten des 19. und 20. Jahrhunderts. Gustav wurde 1830 geboren und hat sich bis heute seine Popularität bewahrt, und seine Kreationen sind immer noch bei Liebhabern der Schönheit berühmt. Symphonien und Melodien von Gustav Holst sind heutzutage keine Seltenheit, sie sind heutzutage sehr leicht zu bekommen: Es gibt viele Werke in elektronischer Form im Internet, und eine CD mit einer Sammlung von Werken des großen Meisters zu kaufen ist kinderleicht Birnen.

Stücke und Werke von Gustav Holst, ihre Rolle in Kulturinstitutionen

Sie sagen: "Er war großartig und talentiert, aber ist er beliebt und sind seine Kreationen jetzt beliebt?" Es ist unmöglich, Ihre Frage eindeutig zu beantworten, denn wie jeder Musiker und insbesondere der berühmte englische Komponist dieser Zeit blieb er kein Publikumsliebling und die Leute zogen musikalische Neuheiten seinen Werken vor. Und egal wie berühmt und beliebt Gustav in der Öffentlichkeit ist, in unserer Zeit werden sich nur wenige Menschen an seinen Namen erinnern. Aber er kann nur in unsere Liste aufgenommen werden, denn einst war sein Beispiel das Ideal für beginnende englische Komponisten, die von Weltruhm und Ruhm träumen.

Zusammenfassend möchte ich sagen, dass, obwohl englische klassische Komponisten und ihre Musik jetzt nicht erfolgreich sind und fast niemand ein so großartiges Genre wie die Klassiker bevorzugt, Genres, Werke und ihre Autoren immer noch Bewunderer haben, deren Zahl unglaublich glücklich ist für Anfänger und nicht nur für klassische Komponisten. Und denken Sie daran: Die Klassiker sind ewig und unveränderlich, denn was sie viele Jahrhunderte lang geblieben sind, ist es jetzt.

Die weltbesten Komponisten aller Zeiten: Chronologische und alphabetische Listen, Referenzen und Werke

100 großartige Komponisten der Welt

Liste der Komponisten in chronologischer Reihenfolge

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567-1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henry Purcell (1658 -1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678 –1741)
9. Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Händel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685-1757)
12. Johann Sebastian Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 –1787)
14. Joseph Haydn (1732-1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770-1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778-1837)
20.Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791-1864)
22. Karl Maria von Weber (1786-1826)
23. Gioacchino Rossini (1792-1868)
24. Franz Schubert (1797-1828)
25. Gaetano Donizetti (1797-1848)
26. Vincenzo Bellini (1801-1835)
27. Hector Berlioz (1803-1869)
28. Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857)
29. Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847)
30. Frederic Chopin (1810-1849)
31. Robert Schumann (1810-1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869)
33. Franz Liszt (1811-1886)
34. Richard Wagner (1813-1883)
35. Giuseppe Verdi (1813-1901)
36. Charles Gounod (1818-1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819-1872)
38. Jacques Offenbach (1819-1880)
39. Alexander Nikolaevich Serov (1820-1871)
40. Cesar Franck (1822-1890)
41. Bedrich Smetana (1824-1884)
42. Anton Bruckner (1824-1896)
43. Johann Strauß (1825-1899)
44. Anton Grigorjewitsch Rubinstein (1829-1894)
45. Johannes Brahms (1833-1897)
46. ​​​​Alexander Porfirevich Borodin (1833-1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836-1891)
49. Miliy Alekseevich Balakirev (1837-1910)
50. Georges Bizet (1838-1875)
51. Modest Petrowitsch Mussorgski (1839-1881)
52. Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky (1840-1893)
53. Antonin Dvořák (1841-1904)
54. Jules Massenet (1842-1912)
55. Edward Grieg (1843-1907)
56. Nikolai Andrejewitsch Rimski-Korsakow (1844-1908)
57. Gabrielle Faure (1845-1924)
58. Leos Janáček (1854-1928)
59. Anatoly Konstantinovich Lyadov (1855 -1914)
60.Sergey Ivanovich Taneeev (1856-1915)
61. Ruggiero Leoncavallo (1857-1919)
62. Giacomo Puccini (1858-1924)
63. Hugo Wolff (1860-1903)
64. Gustav Mahler (1860-1911)
65. Claude Debussy (1862-1918)
66. Richard Strauss (1864-1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 -1956)
68. Alexander Konstantinowitsch Glasunow (1865-1936)
69. Jan Sibelius (1865-1957)
70. Franz Lehár (1870-1945)
71. Alexander Nikolajewitsch Skrjabin (1872-1915)
72.Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow (1873-1943)
73. Arnold Schönberg (1874-1951)
74. Maurice Ravel (1875-1937)
75. Nikolai Karlowitsch Medtner (1880 -1951)
76.Bela Bartok (1881-1945)
77. Nikolay Yakovlevich Myaskovsky (1881-1950)
78. Igor Fedorovich Strawinsky (1882-1971)
79. Anton Webern (1883-1945)
80. Imre Kalman (1882-1953)
81. Alban Berg (1885-1935)
82.Sergey Sergeevich Prokofjew (1891-1953)
83. Arthur Honegger (1892-1955)
84. Darius Millau (1892-1974)
85. Karl Orff (1895-1982)
86. Paul Hindemith (1895-1963)
87. George Gershwin (1898-1937)
88. Isaac Osipovich Dunaevsky (1900 -1955)
89. Aram Iljitsch Chatschaturjan (1903-1978)
90. Dmitry Dmitrievich Schostakowitsch (1906-1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (geboren 1913)
92. Benjamin Britten (1913-1976)
93. Georgy Wassiljewitsch Sviridov (1915 - 1998)
94. Leonard Bernstein (1918-1990)
95. Rodion Konstantinowitsch Schtschedrin (geboren 1932)
96. Krzysztof Penderecki (geboren 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 - 1998)
98. Bob Dylan (geboren 1941)
99. John Lennon (1940-1980) & Paul McCartney (geboren 1942)
100. Stachel (geboren 1951)

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