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Zweites Viertel des 18. Jahrhunderts - die Zeit der Entwicklung einer solchen Kunstform wie einer Skulpturentour. Der größte russische Bildhauer war Bartolomeo Carlo Rastrelli, der Vater des oben genannten Architekten. Das bekannteste Werk dieses Autors ist die monumentale Gruppe "Anna Ioannovna mit dem kleinen Arapcheon".

Anna Ioannovna mit Arapchon

Dieses skulpturale Werk spiegelt sowohl die für den Barock charakteristische feierliche und dekorative Pracht als auch die erstaunliche Wahrhaftigkeit und Ausdruckskraft des Bildes wider. Eine Hermelinrobe, ein luxuriöses, mit Perlen und Diamanten besetztes Kleid, ein kostbares Zepter – alles zeugt vom Reichtum der Kaiserin. Ihre majestätische Pose symbolisiert die souveräne Macht und Stärke des Imperiums. Für mehr Überzeugungskraft verwendet Rastrelli eine beliebte Bar-Rocco-Technik - eine kontrastierende Gegenüberstellung der Figuren einer mächtigen Kaiserin und eines kleinen anmutigen kleinen Arapchons.

Etienne Maurice Falcone

Etienne Maurice Falconet (1716-1791), der Autor des berühmtesten in St. Petersburg errichteten Denkmals - "Der bronzene Reiter", wurde der berühmteste der ausländischen Meister. Der Bildhauer wollte den Menschen "ein wunderbares Bild eines Gesetzgebers zeigen, der seine rechte Hand über das Land streckt".

Bronzener Reiter

Am 7. August 1782 strömten Tausende von Petersburgern auf den Senatsplatz. Dort stand ein mit Schilden bedecktes Denkmal, um das sich Truppen aufstellten. Die Menge summte vor Ungeduld. Schließlich flog eine Rakete in den Himmel. Die Holzschilde brachen zusammen. Kanonen feuerten von den Festungen Peter und Paul und der Admiralität, von den Schiffen, die auf der Newa stationiert waren. Die Musik des Orchesters donnerte. In der Hauptstadt wurde ein Denkmal für Peter I. des französischen Bildhauers Falconet enthüllt.

Skulptur des 18. Jahrhunderts

"Bronze Reiter". Der Bildhauer E. M. Falke.

Merkmale der Skulptur des 18. Jahrhunderts.

Im 18. Jahrhundert, insbesondere in der zweiten Hälfte, begann die Blütezeit der Entwicklung der russischen Bildhauerei.

Die Hauptrichtung ist der Klassizismus.

Weit verbreitete Verwendung weltlicher Motive.

Die Bildhauer verbanden die Ideen der Bürgerschaft und des Patriotismus, die erhabenen Ideale der Antike.

Im männlichen Bild versuchten die Bildhauer, die Züge einer heroischen Persönlichkeit und im weiblichen - die Ideale von Schönheit, Harmonie und Perfektion zu verkörpern.

Charakteristisch ist eine Vielzahl von skulpturalen Formen: monumental, architektonisch und dekorativ, Staffeleiskulptur (dh dreidimensional), viele Büsten prominenter Persönlichkeiten wurden geschaffen.

Der Klassizismus verlangte ein strenges System der Anordnung der Kreationen an der Fassade des Gebäudes: im zentralen Teil des Gebäudes, am Hauptportikus, in den Seitenrisaliten oder das Gebäude wurde gekrönt und verschmolz mit dem Himmel.

Die Skulptur des 18. Jahrhunderts zeichnet sich durch eine Kombination, eine Verschmelzung von Merkmalen von Barock und Klassizismus aus.

Das Porträtgenre in der Bildhauerei ist vor allem mit dem Namen F.I. Shubin verbunden. Er schuf eine umfangreiche Porträtgalerie, die prominente Persönlichkeiten seiner Zeit in Marmor darstellt und sowohl das individuelle als auch das gesellschaftliche Erscheinungsbild dieser Menschen vermittelt.

Für Gordeev F.G. die Schaffung monumentaler - dekorativer Skulpturen ist charakteristisch. Die Komplexität von Silhouetten, Dynamik, Ausdruck, allegorischen Figuren – all dies zeichnet sein Werk aus. Er schuf eine Reihe von Flachreliefs zu antiken Themen für Fassaden und Innenräume.

Das 18. Jahrhundert ist eine Zeit der Tätigkeit der talentierten Bildhauer K. Rastrelli, M. I. Kozlovsky. , Falcone E. Andere. Dies ist wirklich die Blütezeit der russischen Bildhauerei.

B.K. Rastrelli (1675-1744)

Skulpturales Porträt von Peter I. B. K. Rastrelli, 1723-1729, Russisches Museum.

Anna Ioannovna mit Arapchon, B.K. Rastrelli, 1741, RM.

Denkmal für Peter I. im Schloss Mikhailovsky in St. Petersburg, B.K. Rastrelli, 1800.

Büste n. Chr. Menschikow. Der Bildhauer B. K. Rastrelli, 1716-1717, Menschikow-Palast, St. Petersburg.

EM. Falke (1816-1891).

„Der bronzene Reiter“, E. M. Falcone, St. Petersburg, 1782

Winter. EM. Falcone, 1771, Eremitage.

M. I. Koslowski (1753-1802).

Relief "Prinz Izyaslav Mstislavovich auf dem Schlachtfeld", M.I. Koslowski, 1771.

Denkmal für A. V. Suworow. Der Bildhauer M. I. Koslowski, St. Petersburg, 1799-1801.

Simson zerreißt das Maul des Löwen. Der Bildhauer M. I. Koslowski, 1800, Peterhof.

Hinweis: Während des Großen Vaterländischen Krieges wurde Samson entführt, nach dem Krieg vom Bildhauer V.A. restauriert. Samsonov und an den alten Ort stellen.

F. G. Gordejew (1744-1810).

Prometheus, Bildhauer F.G. Gordeev, Gips, 1769, Tretjakow-Galerie.

F.I. Schubin (1740-1805).

Katharina II. - Gesetzgeber, F.I. Shubin. 1789-1890

Büste von Katharina II., F.I. Schubin, 1770.

Büste von Golizyn. F.I. Shubin, 1775. Für dieses skulpturale Porträt verlieh Katharina II. dem Meister eine goldene Schnupftabakdose.

Büste M. V. Lomonosov, Bildhauer F.I. Schubin, 1792.

Büste von Paul I., F.I. Schubin, 1800.

Notiz:

Die Skulptur stammt aus der Zeit des Heidentums, als Werke aus Holz geschaffen wurden. Nach der Christianisierung in Russland entwickelte sich die Bildhauerei jedoch schlecht. Dies war auf das Verbot des Götzendienstes zurückzuführen.

Der Beginn der Entwicklung der Bildhauerei wird mit der Ära Peter I. in Verbindung gebracht. Die Bildhauer übernahmen zunächst europäische Gattungen und Methoden. Und die Schöpfer selbst waren meist Ausländer. Im Laufe der Zeit erscheinen jedoch auch einheimische Meister. Die Skulptur erreichte im Goldenen Zeitalter von Katharina II. ein hohes Niveau. Darüber hinaus wurde seine Entwicklung fortgesetzt, verbessert und heute ist die Skulptur eine der beliebtesten Kulturgattungen.

Erstellt von: Vera Melnikova

Russische Skulptur des 18. Jahrhunderts

Im alten Russland fand die Skulptur im Gegensatz zur Malerei relativ wenig Verwendung, hauptsächlich als Dekoration für architektonische Strukturen. In der ersten Hälfte Xviii Jahrhundert beherrschte nach und nach alle Gattungen der Staffelei und der Monumentalplastik. Zunächst begannen sich monumentale und dekorative Kunststoffe zu entwickeln, die eng mit der Architektur verbunden waren. Unter der Leitung des Architekten I.P. Zarudny wurden weiße Steinschnitzereien für die Kirche des Erzengels Gabriel in Moskau (Menshikova-Turm) geschaffen. Die reichen Traditionen der alten russischen Skulptur wurden nicht vergessen - Holz- und Knochenschnitzereien, dekorative Plastik von Ikonostasen.

Die Besonderheiten der monumentalen und dekorativen Plastik der Petrinenzeit wurden in der Entstehung des Peterhof-Ensembles deutlich, das jedoch im Laufe des Jahrhunderts drastische Veränderungen erfuhr.

Das erste Viertel des 18. Jahrhunderts war nicht nur durch die Entstehung neuer Originalwerke, sondern auch durch das Interesse an den bildhauerischen Klassikern geprägt. Zum Beispiel wurde die berühmte antike Marmorstatue "Venus von Tauride" zu dieser Zeit in Italien gekauft. Die ersten Beispiele weltlicher Bildhauerei wurden aus europäischen Ländern mitgebracht, hauptsächlich Werke von Meistern des italienischen Barocks.

Die ersten Projekte monumentaler Denkmäler entstanden in der Zeit des Petrus. Auf einem der zentralen Plätze von St. Petersburg sollte nach dem Plan von B.-K. Rastrelli. B.-K. Rastrelli(1675? -1744) war eigentlich der erste Meister der Bildhauerei in Russland. Als Italiener zog er 1716 auf Einladung Peters I. aus Frankreich und fand in Russland eine neue Heimat, da er nur in St. Petersburg reichlich Gelegenheit zur Kreativität erhielt. Bartolomeo-Carlo Rastrelli führte viele Werke der Porträt-, dekorativen und monumentalen Skulptur auf. Er genießt großen Ruhm Bronzebüste von Peter I(1723-1730, Abb. 40), die nicht nur die Ähnlichkeit, sondern auch den Charakter des herrischen und energischen Königs meisterhaft vermittelte.

Auch das Können von Rastrelli als Porträtmaler zeigte sich in der Büste von A. D. Menschikow durchgeführt in den Jahren 1716-1717, in der Statue von Anna Ioannovna mit einem kleinen Arapchon(1741). Monumentalität und exzellente Kenntnisse des Werkstoffs Bronze zeichnen das Werk des Bildhauers aus. Mit dem Porträt der langsam schreitenden Anna Ioannovna in einem schweren, mit Edelsteinen bestickten Kleid schuf Rastrelli ein ausdrucksstarkes Bild des "angstvollen Blicks der Königin", wie ihre Zeitgenossen sie nannten.

Rastrellis bedeutendstes Werk ist Reiterdenkmal Peter I. Es spiegelt die Eindrücke des Bildhauers von den Denkmälern der Antike, der Renaissance und des 17. Jahrhunderts wider. Petrus wird als triumphierender, feierlich auf einem Pferd reitender Mann in der Kleidung des römischen Kaisers dargestellt.

Das Schicksal dieses Denkmals ist bemerkenswert. Gegossen 1745-1746 nach dem Tod des Bildhauers unter der Leitung seines Sohnes, des Architekten F.-B. Rastrelli, er lag mehr als ein halbes Jahrhundert lang in der Scheune, von allen vergessen. Erst 1800 wurde es im Auftrag von Paul I. vor dem Ingenieurschloss in St. Petersburg aufgestellt und fügte sich organisch in das architektonische Ensemble ein.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. die wahre Blüte der russischen Bildhauerei beginnt. Es entwickelte sich langsam, aber das russische Aufklärungsdenken und der russische Klassizismus waren die größten Impulse für die Entwicklung der Kunst großer bürgerlicher Ideen, großer Probleme, die in dieser Zeit zu einem Interesse an der Bildhauerei führten. Shubin, Gordeev, Koslovsky, Shchedrin, Prokofjew, Martos- jeder für sich war der hellste Mensch, hat die Kunst geprägt. Sie alle aber verbindet gemeinsame gestalterische Prinzipien, die sie von Professor Nicolas Gillet erlernt haben, der von 1758 bis 1777 die Bildhauerklasse an der Akademie leitete. allgemeine Vorstellungen von Staatsbürgerschaft und Patriotismus, hohe Ideale der Antike. Ihre Ausbildung basierte in erster Linie auf dem Studium der antiken Mythologie, Abgüssen und Kopien aus Werken der Antike und der Renaissance in den Jahren des Ruhestands - den Originalwerken dieser Epochen. Sie streben danach, die Züge einer heroischen Persönlichkeit im männlichen Bild und im weiblichen Bild zu verkörpern - ein idealer, schöner, harmonischer, perfekter Anfang. Aber russische Bildhauer interpretieren diese Bilder nicht auf einer abstrakten und abstrakten Ebene, sondern auf ganz vitale Weise. Die Suche nach der verallgemeinerten Schönheit schließt das volle Verständnis des menschlichen Charakters und den Wunsch, seine Vielseitigkeit zu vermitteln, nicht aus. Dieses Streben ist in der monumentalen Zierplastik und Staffeleiskulptur der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, vor allem aber im Porträtgenre spürbar.

Seine höchsten Leistungen sind vor allem mit Kreativität verbunden. Fedot Ivanovich Shubin(1740–1805), ein Landsmann von Lomonosov, der als Künstler, der die Feinheiten der Knochenschnitzerei verstanden hatte, nach St. Petersburg kam. Nach dem Abschluss der Akademie in der Klasse von Gillet mit großer Goldmedaille geht Shubin zu einer Rentnerreise zunächst nach Paris (1767–1770), dann nach Rom (1770–1772), das ab Mitte des 20 Jahrhundert, aus den Ausgrabungen von Herculaneum und Pompeji, erneut Anziehungspunkt für Künstler aus ganz Europa. Shubins erste Arbeit zu Hause - Büste von A.M. Golizyn(1773, RM, Gips) zeugt bereits von der vollen Reife des Meisters. Die ganze Vielseitigkeit der Eigenschaften des Modells zeigt sich bei seiner kreisförmigen Untersuchung, obwohl es zweifellos den Hauptgesichtspunkt der Skulptur gibt. Intelligenz und Skepsis, spirituelle Anmut und Spuren geistiger Ermüdung, Klassenexklusivität und spöttische Selbstgefälligkeit – Shubin konnte in diesem Bild eines russischen Aristokraten die unterschiedlichsten Charakteraspekte vermitteln. Die außergewöhnliche Vielfalt der künstlerischen Medien trägt zu dieser mehrdeutigen Charakterisierung bei. Die komplexe Kontur und Drehung von Kopf und Schultern, die Interpretation der Oberfläche verschiedener Texturen (Mantel, Spitze, Perücke), die subtilste Modellierung des Gesichts (arrogant zusammengekniffene Augen, reinrassige Nasenlinie, kapriziöse Lippenmuster) und umso freier malerische Kleidung - alle ähneln den Stilmitteln des Barock. Aber als Sohn seiner Zeit interpretiert er seine Modelle nach den erzieherischen Vorstellungen eines verallgemeinerten Idealhelden. Dies ist typisch für alle seine Werke der 70er Jahre, weshalb man von Werken des frühen Klassizismus sprechen kann. Wir stellen jedoch fest, dass in den Techniken des Novizen Shubin nicht nur Züge des Barock, sondern sogar des Rokoko nachvollzogen werden können. Im Laufe der Zeit nehmen in den Bildern von Shubin Konkretheit, Vitalität und akute Spezifität zu.

Shubin wandte sich selten der Bronze zu, er arbeitete hauptsächlich in Marmor und verwendete immer die Form einer Büste. Und in diesem Material zeigte der Meister die ganze Vielfalt sowohl kompositorischer Lösungen als auch künstlerischer Verarbeitungsmethoden. In der Sprache der Plastik schafft er Bilder von außergewöhnlicher Ausdruckskraft, außergewöhnlicher Energie, die keineswegs nach ihrer äußeren Verherrlichung strebt ( Büste des Feldmarschalls Z.G. Tschernyschewa, Marmor, Tretjakow-Galerie). Er hat keine Angst davor, "zu erden" das Bild von Feldmarschall P.A. Rumjanzew-Zadunaisky, den Charakter seines keineswegs heroischen runden Gesichtes mit lächerlich nach oben gerichteter Nase (Marmor, 1778, Staatliches Kunstmuseum Minsk). Er hat kein Interesse nur am „Inneren“ oder nur am „Außen“. Ein Mensch erscheint in ihm in der ganzen Vielfalt seines Lebens und seiner geistigen Erscheinung. Das sind die meisterhaft ausgeführten Büsten von Staatsmännern, Militärführern, Beamten.

Von den Werken der 90er Jahre, der fruchtbarsten Periode in Shubins Werk, möchte ich das inspirierende, romantische hervorheben das Bild von P. V. Zavadovsky (die Büste ist nur in Gips erhalten, Tretjakow-Galerie). Die scharfe Drehung des Kopfes, der durchdringende Blick, die Askese des gesamten Erscheinungsbildes, die frei fließende Kleidung – alles spricht von einer besonderen Emotion, offenbart ein leidenschaftliches, herausragendes Wesen. Die Methode der Bildinterpretation lässt die Epoche der Romantik ahnen. Ein komplexes facettenreiches Merkmal ist gegeben in der Büste von Lomonosov, geschaffen für die Cameron Gallery, um dort neben den Büsten antiker Helden zu stehen. Daher eine etwas andere Verallgemeinerung und Antike als in anderen Werken des Bildhauers (Bronze, 1793, Cameron Gallery, Puschkin; Gips, RM; Marmor, Akademie der Wissenschaften; die letzten beiden sind früher). Shubin behandelte Lomonosov mit besonderer Ehrfurcht. Der geniale russische Autodidakt stand dem Bildhauer nicht nur als Landsmann nahe. Shubin schuf ein Bild ohne jegliche Formalität und Pracht. Ein lebendiger Geist, Energie, Kraft sind in seinem Aussehen zu spüren. Aber unterschiedliche Winkel geben unterschiedliche Akzente. Und in einer anderen Weise lesen wir im Gesicht des Models Traurigkeit und Enttäuschung und sogar einen Ausdruck der Skepsis. Dies ist umso überraschender, wenn wir davon ausgehen, dass das Werk nicht vollständig ist, Lomonosov starb 28 Jahre zuvor. In neueren Studien wird die Idee über die Möglichkeit von Skizzen in Originalgröße geäußert, die uns nicht überliefert sind.

Ebenso vielseitig in dieser Vielseitigkeit – widersprüchlich vom Bildhauer geschaffen Bild von Paul I(Marmor, 1797, Bronze, 1798. Staatliches Russisches Museum; Bronze, 1800, Tretjakow-Galerie). Hier koexistiert Verträumtheit mit einem harten, fast grausamen Ausdruck, und hässliche, fast groteske Züge nehmen dem Bild keine Erhabenheit.

Shubin arbeitete nicht nur als Porträtmaler, sondern auch als Dekorateur. Er führte 58 ovale historische Porträts aus Marmor für den Chesme-Palast aus(befindet sich in der Waffenkammer), Skulpturen für den Marmorpalast und für Peterhof, eine Statue von Katharina II. der Gesetzgeberin(1789-1790). Es besteht kein Zweifel, dass Shubin das größte Phänomen der russischen Kunstkultur des 18. Jahrhunderts ist.

Ein französischer Bildhauer arbeitete mit russischen Meistern in Russland zusammen Etienne-Maurice Falcone(1716-1791; in Russland - von 1766 bis 1778), die am Denkmal für Peter I. auf dem Senatsplatz in St. Petersburg drückte sein Verständnis der Persönlichkeit von Peter, ihrer historischen Rolle im Schicksal Russlands aus. Falcone arbeitete 12 Jahre lang an dem Denkmal. Die erste Skizze entstand 1765, 1770 - ein lebensgroßes Modell und 1775-1777. eine Bronzestatue wurde gegossen und ein Sockel aus einem Steinfelsen hergestellt, der nach dem Schneiden etwa 275 Tonnen wog. Marie-Anne Collot half bei der Arbeit am Kopf von Peter Falcone. Die Eröffnung des Denkmals fand 1782 statt, als Falcone nicht mehr in Russland war, und schloss die Installation des Denkmals für Gordeev . ab... Falcone gab das kanonisierte Bild des siegreichen Kaisers, des römischen Cäsar, auf, umgeben von allegorischen Figuren der Tugend und Herrlichkeit. Er strebte danach, das Bild des Schöpfers, Gesetzgebers, Transformators zu verkörpern, wie er selbst in einem Brief an Diderot schrieb. Der Bildhauer rebellierte kategorisch gegen kalte Allegorien und sagte: "Dies ist eine elende Fülle, die immer Routine anprangert und selten ein Genie." Er hinterließ nur eine Schlange, die nicht nur semantische, sondern auch kompositorische Bedeutung hat. So entstand das Bildsymbol mit aller Natürlichkeit der Bewegung und Haltung von Pferd und Reiter. Auf einem der schönsten Plätze der Hauptstadt, auf seinem öffentlichen Forum, ist dieses Denkmal zu einem plastischen Bild einer ganzen Epoche geworden. Ein sich aufbäumendes Pferd wird von der festen Hand eines mächtigen Reiters beruhigt. Die Einheit des Augenblicks und des Ewigen, eingebettet in die Gesamtlösung, wird auch im Sockel nachgezeichnet, der auf einem sanften Aufstieg nach oben und einem steilen Abstieg aufgebaut ist. Das künstlerische Bild setzt sich aus einer Kombination verschiedener Blickwinkel, Aspekte und Standpunkte der Figur zusammen. „Das Idol auf einem bronzenen Pferd“ erscheint in seiner ganzen Macht, bevor man ihm ins Gesicht sehen kann, als D.Ye. Arkin, er agiert sofort mit seiner Silhouette, Geste, Kraft der plastischen Massen, und darin manifestieren sich die unerschütterlichen Gesetze der monumentalen Kunst. Daher die freie Improvisation in der Kleidung ("Dies ist ein heroisches Kleid", schrieb der Bildhauer), das Fehlen von Sattel und Steigbügeln, die es ermöglichen, Reiter und Pferd als eine einzige Silhouette wahrzunehmen. „Der Held und das Pferd verschmelzen zu einem schönen Zentauren“ (Diderot).

Auch der Reiterkopf ist ein völlig neues Bild in Peters Ikonographie, das sich vom brillanten Porträt Rastrellis und der ganz gewöhnlichen Büste von Collot unterscheidet. Im Bild von Falcone dominiert nicht die philosophische Kontemplation und Nachdenklichkeit des Marcus Aurelius, nicht die Angriffskraft des Condottiere Colleoni, sondern der Triumph der klaren Vernunft und des wirksamen Willens.

In der Verwendung eines Natursteins als Sockel kam das ästhetische Grundprinzip der Aufklärung des 18. Jahrhunderts zum Ausdruck. - Treue zur Natur.

„Dieses monumentale Skulpturwerk basiert auf der erhabenen Idee Russlands, seiner jugendlichen Kraft, seinem siegreichen Aufstieg entlang der Straßen und Steilhänge der Geschichte. Deshalb erzeugt das Denkmal im Betrachter viele Gefühle und Gedanken, nahe und ferne Assoziationen, viele neue Bilder, darunter das erhabene Bild eines heldenhaften Mannes und einer Heldennation, das Bild des Vaterlandes, seiner Macht, seines Ruhms, groß die historische Berufung dominiert immer "(Arkin D. E. E.-M. Falcone // History of Russian Art. M., 1961. T. VI. S. 38).

In den 70er Jahren arbeiteten eine Reihe junger Absolventen der Akademie neben Shubin und Falcone. Ein Jahr später machte Shubin seinen Abschluss und ging mit ihm in den Ruhestand Fedor Gordeevich Gordeev(1744–1810), dessen Schaffensweg eng mit der Akademie verbunden war (er war zeitweise sogar deren Rektor). Gordeev ist ein Meister der monumentalen und dekorativen Bildhauerei. In seinem Frühwerk sind die Grabsteine ​​von N.M. Golitsyna ist zu erkennen, wie tief russische Meister es verstanden, die Ideale der antiken, insbesondere griechischen, plastischen Kunst zu durchdringen. So wie sie im Mittelalter die Traditionen der byzantinischen Kunst schöpferisch aufgriffen, so verstanden sie im Klassizismus die Prinzipien der hellenistischen Skulptur. Es ist bezeichnend, dass für die meisten von ihnen die Beherrschung dieser Prinzipien und die Schaffung eines eigenen nationalen Klassizismus nicht reibungslos verliefen, und die Arbeit von fast jedem von ihnen kann als „Kampfarena“ zwischen Barock, manchmal Rocaille und neue, klassizistische Tendenzen. Darüber hinaus weist die Entwicklung der Kreativität nicht unbedingt auf den Sieg der letzteren hin. Also, das erste Werk von Gordeev "Prometheus"(1769, Gips, RM, Bronze - Ostankino Museum) und zwei Grabsteine ​​der Golitsyns(Feldmarschall A.M. Golitsyn, Hero Khotin, 1788, GMGS, St. Petersburg, und D.M. Golitsyn, der Gründer des berühmten Krankenhauses von Kazakov, 1799, GNIMA, Moskau) tragen Merkmale der barocken Tradition: Komplexität Silhouette, Ausdruck und Dynamik ("Prometheus"), Malerische der allgemeinen kompositorischen Gestaltung, pathetische Gesten allegorischer Figuren (Tugend und Kriegsgenie auf einem Grabstein, Trauer und Trost auf einem anderen).

Der Grabstein von N.M. Golitsyna ähnelt einer antiken griechischen Stele. Die Flachrelieffigur des Trauernden, weniger als in der Natur genommen, ist im Profil dargestellt, auf neutralem Hintergrund angeordnet und in ein Oval eingraviert. Die Majestät und Feierlichkeit des traurigen Gefühls vermitteln die langsamen Falten ihres Mantels. Ein Ausdruck edler Zurückhaltung geht von diesem Grabstein aus. Es ist absolut kein barockes Pathos darin. Aber es fehlt auch die abstrakte Symbolik, die in den Werken des klassizistischen Stils oft vorhanden ist. Trauer ist hier still und Traurigkeit ist rührend menschlich. Die Lyrik des Bildes, die verborgene, tief verborgene Trauer und damit die Intimität und Aufrichtigkeit werden zu den charakteristischen Merkmalen der russischen Klassik. Die Prinzipien des Klassizismus manifestierten sich noch deutlicher in den Basreliefs zu antiken Motiven für die Fassaden und Innenräume des Ostankino-Palastes (Moskau, 80-90er Jahre).

Im Werk eines bemerkenswerten russischen Bildhauers mit einer seltenen Vielfalt von Interessen Michail Iwanowitsch Koslowsky(1753–1802) kann man auch diesen ständigen "Kampf", eine Kombination von Merkmalen von Barock und Klassizismus, mit dem Übergewicht einiger Stilmittel gegenüber anderen in jedem einzelnen Werk nachverfolgen. Seine Arbeit ist ein klarer Beweis dafür, wie russische Meister alte Traditionen überarbeiteten, wie der russische Klassizismus Gestalt annahm. Im Gegensatz zu Shubin und Gordeev begann Kozlovskys Ruhestand direkt in Rom, und dann zog er nach Paris. Nach seiner Rückkehr in seine Heimat waren seine ersten Werke zwei Relief für den Marmorpalast, deren Namen: „Der Abschied des Regulus von den Bürgern Roms“ und „Camille, die Rom von den Galliern befreit“- sprechen vom großen Interesse des Meisters an der antiken Geschichte (Anfang der 80er Jahre).

1788 reiste Kozlovsky erneut nach Paris, jedoch bereits als Mentor von Rentnern, und fand sich inmitten revolutionärer Ereignisse wieder. 1790 trat er auf die Statue des Polykrates(RM, Gipsabdruck), in dem das Thema Leiden und der Drang zur Befreiung erbärmlich klingt. Gleichzeitig gibt es in der krampfhaften Bewegung des Polykrates, der Anstrengung seiner gefesselten Hand, dem Gesichtsausdruck des sterblichen Märtyrers einige Züge des Naturalismus.

Mitte der 90er Jahre, nach seiner Rückkehr in seine Heimat, beginnt die fruchtbarste Zeit im Werk von Kozlovsky. Das Hauptthema seiner Staffeleiarbeiten (und er arbeitete hauptsächlich in der Staffeleiskulptur) stammt aus der Antike. Seine "Hirte mit Hase"(1789, Marmor. Palastmuseum Pawlowsk), " Schlafender Amor"(1792, Marmor, RM), "Amor mit einem Pfeil"(1797, Marmor, Tretjakow-Galerie) und andere sprechen von einem subtilen und ungewöhnlich tiefen Eindringen in die hellenistische Kultur, entbehren aber gleichzeitig jeglicher äußerlicher Nachahmung. Dies ist eine Skulptur aus dem 18. Jahrhundert, und es ist Kozlovsky, der die Schönheit des jugendlichen Körpers mit feinem Geschmack und Raffinesse lobte. Seine "Mahnwache Alexanders des Großen"(zweite Hälfte der 80er Jahre, Marmor, RM) verherrlicht die heroische Persönlichkeit, jenes bürgerliche Ideal, das den moralisierenden Tendenzen des Klassizismus entspricht: Der Kommandant testet seinen Willen, widersetzt sich dem Schlaf; die Ilias-Rolle neben ihm zeugt von seiner Bildung. Aber die Antike war für den russischen Meister nie das einzige Studienobjekt. In der natürlichen Vermittlung des Zustandes der halben Schläfrigkeit, halben Schlaflosigkeit liegt eine lebhafte scharfe Beobachtung, in allem sieht man ein sorgfältiges Studium der Natur. Und vor allem gibt es keine alles verzehrende Herrschaft der Vernunft über das Gefühl, trockene Rationalität, und dies ist unserer Meinung nach einer der wesentlichen Unterschiede der russischen Klassik.

Der Klassiker Kozlovsky lässt sich natürlich vom Thema des Helden mitreißen und tritt auf mehrere Terrakotten nach der Ilias (Ajax mit dem Körper von Patroklos, 1796, RM). Der Bildhauer gibt seine eigene Interpretation einer Episode aus Peters Geschichte in der Statue von Yakov Dolgoruky, ein ungefährer Zar, empört über die Ungerechtigkeit eines Erlasses des Kaisers (1797, Marmor, RM). In der Statue von Dolgoruky verwendet der Bildhauer häufig traditionelle Attribute: eine brennende Fackel und eine Waage (ein Symbol für Wahrheit und Gerechtigkeit), eine besiegte Maske (Täuschung) und eine Schlange (Böse, Böse). Kozlovsky entwickelt ein heroisches Thema und wendet sich an zum Bild von Suvorov: Der Meister schafft zunächst ein allegorisches Bild des Herkules zu Pferd (1799, Bronze, RM) und dann ein Suworow-Denkmal, das als lebenslange Statue konzipiert ist (1799-1801, St. Petersburg). Das Denkmal hat keine direkte Porträtähnlichkeit. Es ist eher ein verallgemeinertes Bild eines Kriegers, eines Helden, in dem in einem Militäranzug Elemente der Waffen eines alten Römers und eines mittelalterlichen Ritters kombiniert werden (und nach neuesten Erkenntnissen - und Elemente der Form, die Paulus wollte, schaffte es aber nicht, einzuführen). Energie, Mut, Adel strahlen aus der gesamten Erscheinung des Kommandanten, aus seiner stolzen Kopfwendung, der anmutigen Geste, mit der er das Schwert hebt. Eine Lichtfigur auf einem zylindrischen Sockel bildet damit ein einziges plastisches Volumen. Das Bild von Suworow vereint Männlichkeit und Anmut und entspricht sowohl dem klassizistischen Anspruch des Heroischen als auch dem allgemeinen Verständnis des Schönen als einer für das 18. Jahrhundert charakteristischen ästhetischen Kategorie. Es schuf ein verallgemeinertes Bild eines Nationalhelden, und Forscher schreiben ihn zu Recht den vollkommensten Schöpfungen der russischen Klassik zu, zusammen mit Falconets "Bronzereiter" und dem Denkmal für Minin und Pozharsky Martos.

In diesen Jahren arbeitet Kozlovsky über der Statue von Samson - zentral in der Großen Kaskade von Peterhof(1800-1802). Zusammen mit den besten Bildhauern - Shubin, Shchedrin, Martos, Prokofjew - beteiligte sich Kozlovsky an der Erneuerung der Statuen der Peterhof-Brunnen und vollendete damit einen der wichtigsten Aufträge. In "Samson", wie es traditionell genannt wird, vereinen sich die Kraft des antiken Herkules (nach einigen neueren Studien ist dies Herkules) und der Ausdruck von Michelangelos Bildern. Das Bild eines Riesen, der einem Löwen das Maul zerreißt (das Bild eines Löwen wurde in das schwedische Wappen aufgenommen) verkörperte die Unbesiegbarkeit Russlands.

Während des Großen Vaterländischen Krieges wurde das Denkmal von den Nazis gestohlen. 1947 wurde der Bildhauer V.L. Simonov hat es anhand der erhaltenen Fotodokumente nachgebaut.

Kozlovskys Kollege war Fedos Fedorovich Shchedrin(1751-1825). Die gleichen Stationen der Ausbildung an der Akademie und Pensionierung durchlief er in Italien und Frankreich. Von ihm 1776 ausgeführt "Marsyas"(Gips, NIMAKH), ​​​​wie Gordeevs "Prometheus" und "Polykrates" von Kozlovsky, ist voller turbulenter Bewegung und einer tragischen Haltung. Wie alle Bildhauer der Epoche des Klassizismus ist Shchedrin fasziniert von antiken Bildern ( Schlafendes Endymion 1779, Bronze, RM; "Venus", 1792, Marmor, RM) und zeigt dabei ein besonders poetisches Eindringen in ihre Welt. Er beschäftigt sich auch mit der Schaffung von Skulpturen. für Peterhof-Brunnen ("Neva", 1804). Aber die bedeutendsten Werke Shchedrins gehören bereits zur Zeit des Spätklassizismus. 1811-1813. es funktioniert über dem Skulpturenkomplex der Admiralität Sacharow. Er hat sich erfüllt dreifigurige Gruppen von "Meeresnymphen", die eine Kugel tragen, - majestätisch und monumental, aber auch anmutig zugleich; Statuen von vier großen antiken Kriegern: Achilles, Ajax, Pyrrhus und Alexander der Große- an den Ecken des Dachbodens des zentralen Turms. Im Admiralitätskomplex gelang es Shchedrin, das dekorative Prinzip der monumentalen Synthese unterzuordnen und ein ausgezeichnetes Gespür für Architektur zu demonstrieren. Skulpturengruppen von Nymphen sind in ihrem Volumen vor dem Hintergrund glatter Wände deutlich sichtbar, und Kriegerfiguren vervollständigen die Architektur des zentralen Turms organisch. Von 1807 bis 1811 arbeitete auch Schtschedrin über dem riesigen Fries "Das Kreuz tragen" für die Muschel der südlichen Apsis der Kasaner Kathedrale.

Sein Zeitgenosse Ivan Prokofjewitsch Prokofjew(1758-1828) 1806-1807 ... schafft einen Fries in der Kasaner Kathedrale auf dem Dachboden der westlichen Passage der Kolonnade zum Thema "Die dreiste Schlange". Prokofjew ist ein Vertreter der zweiten Generation akademischer Bildhauer; in den letzten Jahren studierte er 1780–1784 bei Gordeev. studierte in Paris, ging dann nach Deutschland, wo er als Porträtmaler erfolgreich war (nur zwei Porträts von Prokofjew sind erhalten die Labzins, 1802, beide Terrakotta, RM). Eines seiner frühen Werke - "Aktäon"(1784, RM) zeugt vom Können eines bereits ausgereiften Künstlers, der gekonnt eine starke, flexible Bewegung vermittelt, einen elastischen Lauf eines jungen Mannes, der von Dianas Hunden verfolgt wird. Prokofjew ist vor allem ein Meister des Reliefs, der die besten Traditionen der antiken Reliefskulptur fortsetzt (eine Reihe von Gipsreliefs der Vorderseite und der gusseisernen Treppe der Akademie der Künste; das Haus der I.I. Zweijahresperiode). Dies ist eine idyllische Linie im Werk von Prokofjew. Aber auch die hohen dramatischen Töne waren dem Meister bekannt (der bereits erwähnte Fries der Kasaner Kathedrale "Die Kupferschlange"). Für Peterhof Prokofjew trat im Tandem mit Shchedrins "Neva" auf die Statue von "Volkhov" und die Gruppe "Tritonen".

Ivan Petrowitsch Martos(1754–1835) lebte ein sehr langes schöpferisches Leben, und seine bedeutendsten Werke entstanden bereits im 19. Jahrhundert. Aber auch die Grabsteine ​​von Martos, seiner Gedenkskulptur der 80er und 90er Jahre, in ihrer Stimmung und. plastische Lösung gehören zum 18. Jahrhundert. Martos schaffte es, aufgeklärte Bilder zu schaffen, angefacht von stillem Kummer, hohem lyrischem Gefühl, weiser Annahme des Todes, gespielt dazu mit seltener künstlerischer Perfektion ( Grabstein von M. P. Sobakina, 1782, GNIMA; Grabstein von E. S. Kurakina, 1792, GMGS).

Skulptur aus dem 18. Jahrhundert Kurznachricht und die beste Antwort bekommen

Antwort von Orbital Group [Guru]
Skulptur des 18. Jahrhunderts
In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts beginnt eine stetige Blüte
heimische Kunststoffe. Runde Skulptur entwickelte sich langsam vorher, C
schwere Überwindung von achthundert Jahre alten russischen Traditionen in Bezug auf
heidnischer "Idiot". Sie gab keinen einzigen großen russischen Meister in
die erste Hälfte des 18. Jahrhunderts , aber umso brillanter war ihr Start im nächsten
Zeitraum. Russischer Klassizismus als führende künstlerische Richtung dieser Zeit
war der größte Impuls für die Entwicklung der Kunst der großen bürgerlichen Ideen,
was in dieser Zeit zum Interesse an der Bildhauerei führte. F. I. Shubin, F. G. Gordeev,
M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Prokofjew, I. P. Martos - jeweils
er selbst war die hellste Individualität, er hinterließ seine eigene, nur ihm eigentümlich
Spuren in der Kunst. Aber sie alle waren durch gemeinsame kreative Prinzipien vereint, die
sie lernten noch an der Akademie in der Bildhauerklasse von Professor Nicolas Gillet.
Russische Künstler vereinten auch gemeinsame Ideen des Bürgertums und
Patriotismus, hohe Ideale der Antike.
Das Interesse an der „heroischen Antike“ beeinflusst die Wahl der Götter und Helden:
die Favoriten zu Peters Zeiten, Neptun und Bacchus, wurden durch Prometheus ersetzt,
Polykrates, Marsyas, Herkules, Alexander der Große, homerische Helden
Epos. Russische Bildhauer streben danach, Züge in einem männlichen Bild zu verkörpern
heroische Persönlichkeit, und im Weiblichen - idealerweise schön, harmonisch
klarer, perfekter Start. Dies lässt sich wie in einem monumentalen,
architektonische, dekorative und Staffelei-Kunststoffe.
Im Gegensatz zu den barocken, architektonischen und dekorativen Kunststoffen der Epoche
Der Klassizismus hat ein strenges Ortssystem an der Fassade des Gebäudes: hauptsächlich
im mittleren Teil, dem Hauptportikus und in den seitlichen Vorsprüngen oder Kronen
Gebäude gegen den Himmel gelesen.
Russische Skulptur der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts
Neben Shubins Ausnahmefigur steht eine Galaxie seiner herausragenden Zeitgenossen, wie er, die zur glanzvollen Blüte der russischen Bildhauerei in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts beigetragen haben.
Zusammen mit russischen Meistern wurde der Ruhm der russischen Bildhauerei durch den Bildhauer Etienne-Maurice Falcone (1716__1791, in Russland - von 1766 bis 1778), der Autor eines der besten Denkmäler des 18. auf dem Senatsplatz in St. Petersburg (Abb. 161). Die Unermesslichkeit der Aufgaben, die Höhe der ideologischen und ästhetischen Kriterien, die Spannung der kreativen Atmosphäre in der russischen Kunst jener Jahre ermöglichten dem Bildhauer die vollkommensten seiner Werke, die untrennbar mit seinem Geburtsland verbunden sind.
Die erste Skizze war bereits 1765 fertig. In St. Petersburg angekommen, machte sich Falcone an die Arbeit und fertigte 1770 ein lebensgroßes Modell an. An die Stelle des Denkmals wurde ein Steinfelsen geliefert, der nach dem teilweisen Schneiden etwa 275 Tonnen wog. 1775-1777 wurde die Statue aus Bronze gegossen, die Eröffnung des Denkmals erfolgte 1782. Falcones Assistent bei den Arbeiten am Denkmal war seine Schülerin Marie-Anne Collot (1748-1821), die den Kopf von Peter schuf. Nach der Abreise von Falconet überwachte der Bildhauer FG Gordeev die Installation des Denkmals.
Falcone war ein Ausländer, aber es gelang ihm, die Persönlichkeit von Peter und seine Rolle in der historischen Entwicklung Russlands so zu verstehen, dass das von ihm geschaffene Denkmal im Rahmen der russischen Kultur betrachtet werden sollte, die die gefühlvolle Interpretation des Bildes vorgab von Peter vom Bildhauer gegeben.

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Hallo! Hier eine Auswahl an Themen mit Antworten auf Ihre Frage: Skulptur des 18. Jahrhunderts Kurznachricht

I.M.Schmidt

Im Vergleich zur Architektur war die Entwicklung der russischen Bildhauerei im 18. Jahrhundert ungleichmäßiger. Die Errungenschaften, die die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts geprägt haben, sind unermesslich bedeutender und vielfältiger. Die relativ schwache Entwicklung der russischen bildenden Kunst in der ersten Hälfte des Jahrhunderts ist vor allem darauf zurückzuführen, dass es im Gegensatz zur Architektur keine so bedeutenden Traditionen und Schulen gab. Die Entwicklung der antiken russischen Skulptur, die durch die Verbote der christlich-orthodoxen Kirche eingeschränkt war, zeigte Wirkung.

Errungenschaften der russischen plastischen Kunst im frühen 18. Jahrhundert. fast ausschließlich mit dekorativer Skulptur verbunden. Vor allem die ungewöhnlich reiche skulpturale Dekoration der Dubrovitskaya-Kirche (1690-1704), des Menschikow-Turms in Moskau (1705-1707) und der Reliefs an den Wänden des Sommerpalastes von Peter I. in St. Petersburg (1714) sollten merken. Aufgeführt in den Jahren 1722-1726 Die berühmte Ikonostase der Peter-und-Paul-Kathedrale, die vom Architekten I.P. Zarudny von den Schnitzern I. Telegin und T. Ivanov entworfen wurde, kann im Wesentlichen als Ergebnis der Entwicklung dieser Art von Kunst angesehen werden. Die riesige geschnitzte Ikonostase der Peter-und-Paul-Kathedrale verblüfft mit ihrer feierlichen Pracht, der Virtuosität der Holzbearbeitung, dem Reichtum und der Vielfalt an dekorativen Motiven.

Während des gesamten 18. Jahrhunderts. Die volkstümliche Holzskulptur entwickelte sich vor allem im Norden Russlands erfolgreich weiter. Entgegen den Verboten der Synode für die russischen Kirchen des Nordens wurden weiterhin Werke der Kultskulptur geschaffen; Zahlreiche Holz- und Steinbildhauer, die zum Bau großer Städte führten, brachten die Traditionen und kreativen Techniken der Volkskunst mit.

Die bedeutendsten staatlichen und kulturellen Veränderungen während der Regierungszeit Peters I. eröffneten der russischen Bildhauerei Möglichkeiten, sie außerhalb des kirchlichen Ordens zu entwickeln. Das Interesse an runden Staffeleiskulpturen und Porträtbüsten ist groß. Eines der allerersten Werke der neuen russischen plastischen Kunst war die Neptunstatue, die im Peterhof-Park aufgestellt wurde. Es wurde 1715-1716 aus Bronze gegossen und ist immer noch dem Stil der russischen Holzskulpturen des 17.-18. Jahrhunderts nahe.

Ohne auf die allmähliche Bildung der Kader seiner russischen Meister zu warten, gab Peter die Anweisung, antike Statuen und Werke der modernen Bildhauerei im Ausland zu kaufen. Mit seiner tatkräftigen Hilfe wurde insbesondere eine wunderschöne Statue namens "Venus von Tauride" (jetzt in der Eremitage) erworben; verschiedene Statuen und skulpturale Kompositionen wurden für die Paläste und Parks von St. Petersburg, den Sommergarten, bestellt; ausländische Bildhauer wurden eingeladen.

Der prominenteste von ihnen war Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744), der 1716 nach Russland kam und hier bis zu seinem Lebensende blieb. Er ist vor allem als Autor der bemerkenswerten Büste von Peter I. bekannt, die 1723-1729 ausgeführt und in Bronze gegossen wurde. (Einsiedelei).

Das von Rastrelli geschaffene Bild Peters I. zeichnet sich durch realistische Porträts und gleichzeitig außergewöhnliche Feierlichkeit aus. Peters Gesicht drückt die unbeugsame Willenskraft und Entschlossenheit des großen Staatsmannes aus. Schon zu Lebzeiten Peters I. nahm Rastrelli eine Maske vom Gesicht, die ihm sowohl zur Anfertigung einer mit Wachs bekleideten Statue, der sogenannten "Wachsperson", als auch zu einer Büste diente. Rastrelli war ein typisch westeuropäischer Meister des Spätbarocks. Unter den Bedingungen des Russlands Peters des Großen waren jedoch die realistischen Aspekte seiner Arbeit am weitesten entwickelt. Von Rastrellis Spätwerken ist die Statue der Kaiserin Anna Ioannovna mit kleinem Arapchon (1741, Bronze; Leningrad, Russisches Museum) weithin bekannt. In dieser Arbeit fällt einerseits die aufgeschlossene Wahrhaftigkeit des Porträtisten auf, andererseits die grandiose Pracht der Lösung und Monumentalisierung des Bildes. Überwältigend mit ihrer feierlichen Schwerfälligkeit, gekleidet in die edelsten Gewänder und Gewänder, wird die Figur der Kaiserin noch imposanter und imposanter neben der kleinen Figur eines kleinen Arap-Jungen wahrgenommen, deren Bewegungen mit ihrer Leichtigkeit ihre Schwere noch zusätzlich betonen und Repräsentativität.

Rastrellis hohes Talent manifestierte sich nicht nur in der Porträtarbeit, sondern auch in monumentalen und dekorativen Plastiken. Er beteiligte sich insbesondere an der Schaffung einer dekorativen Peterhof-Skulptur, arbeitete am Reiterdenkmal von Peter I. (1723-1729), das erst 1800 vor dem Schloss Michailowski aufgestellt wurde.

Im Reiterdenkmal Peters des Großen setzte Rastrelli auf seine Weise zahlreiche Lösungen für Reiterstandbilder um, die vom antiken Marcus Aurelius bis zum typisch barocken Berliner Denkmal des großen Kurfürsten Andreas Schlüter reichen. Die Besonderheit von Rastrellis Lösung zeigt sich in der zurückhaltenden und strengen Art des Denkmals, in der Bedeutung des ohne übertriebenen Pomp betonten Bildes von Petrus selbst sowie in der großartig gefundenen räumlichen Ausrichtung des Denkmals.

Wenn die erste Hälfte des 18. Jahrhunderts. geprägt von einer relativ geringeren Entwicklung der russischen Bildhauerei, ist die zweite Hälfte dieses Jahrhunderts die Zeit des Aufstiegs der Bildhauerkunst. Es ist kein Zufall, dass die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. und das erste Drittel des 19. Jahrhunderts. das "goldene Zeitalter" der russischen Skulptur genannt. Eine brillante Galaxie von Meistern, vertreten durch Shubin, Kozlovsky, Martos und andere, ist unter den größten Vertretern der Weltskulptur nominiert. Besonders herausragende Erfolge wurden auf dem Gebiet der skulpturalen Porträtmalerei, der monumentalen und monumentalen dekorativen Kunststoffe erzielt. Letzteres war untrennbar mit dem Aufstieg der russischen Architektur, des Siedlungs- und Städtebaus verbunden.

Die Gründung der St. Petersburger Akademie der Künste spielte eine unschätzbare Rolle in der Entwicklung der russischen bildenden Kunst.

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts in der europäischen Kunst - die Zeit der Hochentwicklung der Porträtkunst. Auf dem Gebiet der Bildhauerei waren Houdon und F.I.Shubin die größten Meister der psychologischen Porträtbüste.

Fedot Ivanovich Shubin (1740-1805) wurde in einer Bauernfamilie in der Nähe von Khol-mogor am Ufer des Weißen Meeres geboren. Seine Fähigkeit zur Bildhauerei manifestierte sich zuerst in der Knochenschnitzerei, einem im Norden weit verbreiteten, beliebten Handwerk. Wie sein großer Landsmann MV Lomonosov ging Shubin als Jugendlicher nach Petersburg (1759), wo seine Fähigkeit zur Bildhauerei die Aufmerksamkeit von Lomonosov auf sich zog. 1761 gelang es Shubin mit Hilfe von Lomonosov und Schuwalow, die Akademie der Künste zu wählen. Nach dem Abitur (1766) erhielt Shubin das Recht, ins Ausland zu reisen, wo er hauptsächlich in Paris und Rom lebte. In Frankreich trifft Shubin J. Pigalle und nutzt seinen Rat.

Nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg im Jahr 1773 schuf Shubin im selben Jahr eine Gipsbüste von A. M. Golitsyn (ein Marmorexemplar in der Tretjakow-Galerie aus dem Jahr 1775; siehe Abbildung). Die Büste von A. M. Golitsyn verherrlichte sofort den Namen des jungen Meisters. Das Porträt bildet ein typisches Bild eines Vertreters der höchsten Aristokratie zu Katharinas Zeit nach. In einem leicht gleitenden Lächeln auf den Lippen, in einer energischen Drehung des Kopfes, in dem klugen, wenn auch eher kalten Ausdruck von Golitsyns Gesicht spürt man die weltliche Kultiviertheit und zugleich die innere Sättigung eines vom Schicksal verwöhnten Menschen.

1774 wurde Shubin für die hingerichtete Büste von Katharina II. in die Akademie gewählt. Er wird buchstäblich mit Befehlen bombardiert. Eine der fruchtbarsten Phasen der Arbeit des Meisters beginnt.

In den 1770er Jahren. eines der besten weiblichen Porträts von Shubin gehört zur Büste von MR Panina (Marmor; Tretjakow-Galerie), die der Büste von AM Golitsyn ziemlich nahe kommt: wir haben auch ein Bild eines Mannes, der aristokratisch raffiniert und gleichzeitig müde ist und satt. Shubin interpretiert Panina jedoch mit etwas größerer Sympathie: Der Ausdruck einer etwas vorgetäuschten Skepsis, der sich in Golitsyns Gesicht bemerkbar macht, wird in Paninas Porträt durch einen Anflug von lyrischer Nachdenklichkeit und sogar Traurigkeit ersetzt.

Shubin konnte das Bild einer Person nicht in einem, sondern in mehreren Facetten offenbaren, die es ermöglichten, tiefer in die Essenz des Modells einzudringen und die Psychologie der porträtierten Person zu verstehen. Er war in der Lage, den Gesichtsausdruck einer Person scharf und genau zu erfassen, Mimik, Blick, Drehung und Position des Kopfes zu vermitteln. Man kann nicht umhin, darauf zu achten, welche unterschiedlichen Gesichtsausdrücke der Meister aus verschiedenen Blickwinkeln offenbart, wie geschickt er ihm Gutherzigkeit oder kalte Grausamkeit, Steifheit oder Einfachheit, innere Sinnhaftigkeit oder selbstgerechte Leere eines Menschen fühlen lässt.

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts war die Zeit der glänzenden Siege der russischen Armee und Marine. Die prominentesten Kommandanten seiner Zeit sind in mehreren Büsten von Shubin verewigt. Die Büste von Z. G. Chernyshev (Marmor, 1774; Tretjakow-Galerie) zeichnet sich durch großen Realismus und bescheidene Einfachheit des Bildes aus. Ohne nach einer spektakulären Lösung für die Büste zu streben, weigerte er sich, Vorhänge zu verwenden, und richtete die gesamte Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Gesicht des Helden - mutig offen, mit großen, leicht unhöflichen Zügen, nicht ohne Spiritualität und inneren Adel. Das Porträt von P.A.Rumyantsev-Zadunaisky (Marmor, 1778; Russisches Museum) ist auf andere Weise wiedergegeben. Es stimmt, auch hier greift Shubin nicht darauf zurück, das Gesicht des Helden zu idealisieren. Ungleich eindrucksvoller ist jedoch die Gesamtentscheidung der Büste gegeben: Der stolz erhobene Kopf des Feldmarschalls, der nach oben gerichtete Blick, das auffallend breite Band und die prachtvoll gerenderte Draperie verleihen dem Porträt Züge von feierlicher Pracht.

Nicht umsonst galt Shubin an der Akademie als der erfahrenste Spezialist für Marmorbearbeitung – seine Technik ist erstaunlich frei. „Seine Büsten sind lebendig; der Körper in ihnen ist ein perfekter Körper ... ", schrieb 1826 einer der ersten russischen Kunstkritiker V. I. Grigorovich. Die lebendige Ehrfurcht und Wärme eines menschlichen Gesichtes perfekt zu vermitteln, hat Shubin ebenso gekonnt und überzeugend inszeniert Accessoires: Perücken, leichte oder schwere Kleiderstoffe, zarte Spitzen, weiches Fell, Schmuck und Orden der Porträtierten. Das Wichtigste für ihn waren jedoch immer menschliche Gesichter, Bilder und Charaktere.

Im Laufe der Jahre gibt Shubin eine tiefere und manchmal strengere psychologische Charakterisierung der Bilder, zum Beispiel in der Marmorbüste des berühmten Diplomaten A. A. Marmor, 1792; Russisches Museum), in deren Bild Shubin eine unhöfliche, innerlich beschränkte Person. Das auffälligste Werk Shubins ist in dieser Hinsicht die Büste Pauls I. (Marmor im Russischen Museum; Abb., Bronzetöne im Russischen Museum und in der Tretjakow-Galerie), die Ende der 1790er Jahre entstand. Die kühne Wahrhaftigkeit grenzt darin ans Groteske. Die Büste von MV Lomonosov wird als von großer menschlicher Wärme durchdrungen wahrgenommen (sie ist uns in Gips überliefert - Russisches Museum, Marmor - Moskau, Akademie der Wissenschaften, sowie in einer Bronzetönung, die auf 1793 datiert ist - die Cameron-Galerie).

Als hauptsächlich Porträtmaler arbeitete Shubin in anderen Bereichen der Bildhauerei, schuf allegorische Statuen, monumentale dekorative Reliefs für architektonische Strukturen (hauptsächlich für den Innenraum) sowie für Landschaftsparks. Die bekanntesten sind seine Statuen und Reliefs für den Marmorpalast in St. Petersburg sowie die Bronzestatue der Pandora, die im Ensemble der Großen Brunnenkaskade in Peterhof (1801) aufgestellt wurde.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Einer der bedeutendsten französischen Meister, der von Diderot hoch angesehen wurde, Etienne Maurice Falconet (1716-1791), der von 1766 bis 1778 in St. Petersburg lebte, arbeitete in Russland. Der Russland-Besuch Falconets diente dazu, Peter I. ein Denkmal zu setzen, an dem er zwölf Jahre lang arbeitete. Das Ergebnis langjähriger Arbeit war eines der berühmtesten Monumente der Welt. Wenn Rastrelli in dem oben erwähnten Denkmal für Peter I. seinen Helden als einen Kaiser präsentierte - beeindruckend und herrisch, dann konzentrierte sich Falcone darauf, das Bild von Peter als dem größten Reformator seiner Zeit, einem wagemutigen und mutigen Staatsmann, nachzubilden.

Diese Idee liegt der Idee von Falcone zugrunde, der in einem seiner Briefe schrieb: „... Ich werde mich auf eine Heldenstatue beschränken und ihn nicht als großen Kommandanten und Sieger darstellen, obwohl er es natürlich war beide. Die Persönlichkeit des Schöpfers, des Gesetzgebers ist viel höher ... „Das tiefe Bewusstsein des Bildhauers für die historische Bedeutung Peters I. hat sowohl die Gestaltung als auch die gelungene Lösung des Denkmals maßgeblich vorbestimmt.

Peter wird im Moment eines rasanten Anstiegs auf einem Felsen präsentiert - einem natürlichen Steinblock, behauen wie eine riesige Meereswelle, die aufgegangen ist. Er stoppt das Pferd im vollen Galopp und streckt seine rechte Hand nach vorne aus. Je nach Standpunkt des Denkmals verkörpert die ausgestreckte Hand des Petrus entweder zähes Festhalten, dann einen weisen Befehl, dann schließlich ruhige Beschwichtigung. Bemerkenswerte Integrität und plastische Perfektion erreichte der Bildhauer in der Figur des Reiters und seines mächtigen Pferdes. Beide sind untrennbar zu einem Ganzen verschmolzen, sie entsprechen einem bestimmten Rhythmus, der Gesamtdynamik der Komposition. Unter den Füßen des galoppierenden Pferdes windet sich eine von ihm zertrampelte Schlange, die die Mächte des Bösen und der Täuschung verkörpert.

Die Frische und Originalität des Denkmalkonzepts, die Ausdruckskraft und Aussagekraft des Bildes (bei der Erstellung des Porträtbildes von Peter Falcone half sein Schüler M.-A. Collot), die starke organische Verbindung von Reiterfigur und Sockel , die Sichtbarkeit und das ausgezeichnete Verständnis der räumlichen Umgebung des Denkmals auf einer weiten Fläche - all diese Tugenden machen Falcones Schöpfung zu einem wahren Meisterwerk der monumentalen Bildhauerei.

Nachdem Falconet Russland verlassen hatte, wurde der Abschluss der Arbeiten (1782) am Bau des Denkmals für Peter I. von Fjodor Gordejewitsch Gordejew (1744-1810) überwacht.

1780 schuf Gordeev den Grabstein von N.M. Golitsyna (Marmor; Moskau, Architekturmuseum der Akademie für Bauingenieurwesen und Architektur der UdSSR). Dieses kleine Flachrelief erwies sich als wegweisendes Werk der russischen Gedenkskulptur - aus dem Relief von Gordeev sowie aus den ersten Grabsteinen von Martos entwickelt sich eine Art russischer klassischer Gedenkskulptur des späten 18. - frühen 19. Jahrhunderts. (Werke von Kozlovsky, Demut-Malinovsky, Pimenov, Vitali). Gordeevs Grabsteine ​​unterscheiden sich von den Werken von Martos weniger durch die Prinzipien des Klassizismus, den Pomp und die "Pracht" der Kompositionen und die weniger klare und ausdrucksstarke Anordnung der Figuren. Als monumentaler Bildhauer achtete Gordeev hauptsächlich auf skulpturale Reliefs, von denen die bekanntesten die Reliefs des Ostankino-Palastes in Moskau sowie die Reliefs der Portiken der Kasaner Kathedrale in St. Petersburg sind. In ihnen hielt Gordeev an einem viel strengeren Stil fest als in den Grabsteinen.

Die Kreativität von Mikhail Ivanovich Kozlovsky (1753-1802) erscheint uns hell und vollblütig, der wie Shubin und Martos ( Das Werk von I.P. Martos wird im fünften Band dieser Ausgabe betrachtet.) ist ein bemerkenswerter Meister der russischen Bildhauerei.

Im Werk von Kozlovsky sind zwei Linien recht deutlich umrissen: Einerseits sind dies seine Werke wie "Hirte mit Hase" (bekannt als "Apollo", 1789; Russisches Museum und Tretjakow-Galerie), "Schlafender Amor" (Marmor, 1792; Russisches Museum), Amor mit einem Pfeil (Marmor, 1797; Tretjakow-Galerie). Eleganz und Raffinesse der plastischen Form manifestieren sich in ihnen. Eine andere Linie - Werke eines heroischen und dramatischen Plans ("Polykrates", Gips, 1790, Abb., Und andere).

Ganz am Ende des 18. Jahrhunderts, als große Arbeiten an der Rekonstruktion des Ensembles der Peterhof-Brunnen begannen und die baufälligen Bleistatuen durch neue ersetzt wurden, M.I. Löwe.

Die in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts aufgestellte Statue von Samson war direkt den Siegen Peters I. über die schwedischen Truppen gewidmet. Der neu aufgeführte "Samson" von Kozlovsky, der im Prinzip die alte Komposition wiederholt, wird in einem erhabener heroischen und figurativ bedeutsamen Plan gelöst. Samsons titanischer Bau, eine starke räumliche Umkehrung seiner Figur, aus verschiedenen Blickwinkeln kalkuliert, die Spannung des Kampfes und zugleich die Klarheit seines Ausganges - all das vermittelte Kozlovsky mit echter Meisterschaft in der kompositorischen Lösung. Die temperamentvolle, äußerst energische Bildhauerei des Meisters passte am besten zu diesem Stück.

Kozlovskys Samson ist eines der bemerkenswertesten Werke der monumentalen und dekorativen Skulptur im Park. Zwanzig Meter hoch stürzte ein Wasserstrahl, der aus dem Löwenmaul schlug, herab, wurde bald zur Seite getragen und brach in Tausenden von Spritzern auf die vergoldete Oberfläche der Bronzefigur. "Samson" zog schon von weitem die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich, war ein wichtiger Meilenstein und zentraler Punkt der Komposition der Grand Cascade ( Dieses wertvollste Denkmal wurde während des Großen Vaterländischen Krieges 1941-1945 von den Nazis abtransportiert. Nach dem Krieg wurde "Samson" aus den erhaltenen Fotografien und dokumentarischen Materialien des Leningrader Bildhauers V. Simonov nachgebaut.).

"Herkules zu Pferd" (Bronze, 1799; Russisches Museum) ist als ein Werk zu betrachten, das der Schaffung des Denkmals für A. V. Suworow unmittelbar vorausgeht. Im Bild von Herkules, einem nackten jungen Reiter, unter dessen Füßen Felsen, ein Bach und eine Schlange (ein Symbol eines besiegten Feindes) dargestellt sind, verkörperte Kozlovsky die Idee von A. V. Suvorovs unsterblicher Überquerung der Alpen.

Die herausragendste Schöpfung von Kozlovsky war das Denkmal für den großen russischen Kommandanten A. V. Suworov in St. Petersburg (1799-1801). Bei der Arbeit an diesem Denkmal stellte sich der Bildhauer die Aufgabe, keine Porträtstatue, sondern ein verallgemeinerndes Bild des weltberühmten Kommandanten zu schaffen. Ursprünglich wollte Kozlovsky Suworow in Form von Mars oder Herkules präsentieren. In der endgültigen Entscheidung sehen wir jedoch immer noch keinen Gott oder einen antiken Helden. Voller Bewegung und Energie stürmt die schnelle und leichte Figur eines Kriegers in Rüstung mit jener unbezähmbaren Geschwindigkeit und Furchtlosigkeit vorwärts, die die Heldentaten und Heldentaten der von Suworow geführten russischen Armeen auszeichnet. Dem Bildhauer gelang es, dem unvergänglichen militärischen Ruhm des russischen Volkes ein inspiriertes Denkmal zu setzen.

Wie fast alle Werke von Kozlovsky zeichnet sich die Suworow-Statue durch eine hervorragend gefundene Raumstruktur aus. Um den Kommandanten besser zu charakterisieren, verlieh Kozlovsky seiner Figur sowohl Gelassenheit als auch Dynamik; die gemessene Kraft des Heldengangs wird mit dem Mut und der Entschlossenheit des Schwungs der rechten Hand, die das Schwert hält, kombiniert. Die Figur des Kommandanten entbehrt jedoch nicht der charakteristischen Skulptur des 18. Jahrhunderts. Anmut und Bewegungsfreiheit. Die Statue ist perfekt mit einem hohen Granitsockel in Form eines Zylinders verbunden. Die bronzene Basreliefkomposition, die die Genies von Ruhm und Frieden mit den entsprechenden Attributen darstellt, wurde vom Bildhauer FG Gordeev geschaffen. Ursprünglich wurde das Denkmal für A. V. Suvorov in den Tiefen des Marsfeldes, näher am Schloss Mikhailovsky, errichtet. 1818-1819. das Denkmal für Suworow wurde verlegt und in der Nähe des Marmorpalastes aufgestellt.

Kozlovsky arbeitete auch auf dem Gebiet der Gedenkskulptur (Grabsteine ​​von P. I. Melissino, Bronze, 1800 und S. A. Stroganova, Marmor, 1801–1802).

Ende des 18. Jahrhunderts. schnell entstanden eine Reihe bedeutender Bildhauer, deren schöpferische Tätigkeit auch fast das gesamte erste Drittel des 19. Jahrhunderts andauerte. Zu diesen Meistern gehören FF Shchedrin und IP Prokofjew.

Feodosia Fedorovich Shchedrin (1751-1825), Bruder des Malers Semyon Shchedrin und Vater des berühmten Landschaftsmalers Sylvester Shchedrin, wurde 1764 gleichzeitig mit Kozlovsky und Martos in die Akademie aufgenommen. Mit ihnen wurde er nach Abschluss seines Studiums nach Italien und Frankreich (1773) geschickt.

F Schtschedrin). Sowohl in ihrem Inhalt als auch in der Art ihrer Aufführung sind dies völlig unterschiedliche Werke. Die in Todesqualen rastlose Figur des Marsyas ist mit großer Dramatik ausgeführt. Die ultimative Anspannung des Körpers, die hervortretenden Muskelhaufen, die Dynamik der gesamten Komposition vermitteln das Thema des Leidens eines Menschen und seines leidenschaftlichen Befreiungsdrangs. Im Gegenteil, die im Schlaf versunkene Figur des Endymion atmet idyllische Ruhe und Gelassenheit. Der Körper des jungen Mannes ist relativ verallgemeinert geformt, mit unbedeutender Schwarz-Weiß-Ausarbeitung, die Konturen der Figur sind glatt und melodisch. Die Entwicklung des Gesamtwerks von F. Shchedrin fiel mit der Entwicklung der gesamten russischen Bildhauerei in der zweiten Hälfte des 18. - frühen 19. Jahrhunderts zusammen. Dies zeigt sich am Beispiel von Werken des Meisters wie der Venusstatue (1792; Russisches Museum), der allegorischen Figur der Newa für den Peterhof-Brunnen (Bronze, 1804) und schließlich den monumentalen Karyatidengruppen für die Admiralität in St. Petersburg (1812). Wenn das erste der genannten Werke Shchedrins, seine Marmorstatue der Venus, ein typisches Werk eines Bildhauers des 18. Ganz am Anfang des 19. Jahrhunderts sehen wir in der Newa-Statue zweifellos eine große Einfachheit in der Auflösung und Interpretation des Bildes, Klarheit und Strenge in der Modellierung der Figur und in ihren Proportionen.

Ein interessanter, origineller Meister war Ivan Prokofjewitsch Prokofjew (1758-1828). Nach seinem Abschluss an der Akademie der Künste (1778) wurde I.P. Prokofjew nach Paris geschickt, wo er bis 1784 lebte. Für das der Pariser Akademie der Künste vorgelegte Werk erhielt er mehrere Auszeichnungen, insbesondere eine Goldmedaille für das Relief "Die Auferstehung der Toten auf den Knochen des Propheten Elisa" (1783). Ein Jahr zuvor, 1782, führte Prokofjew die Morpheus-Statue (Terrakotta; Russisches Museum) auf. Prokofjew gibt die Gestalt des Morpheus in kleinem Maßstab. In diesem frühen Werk des Bildhauers manifestiert sich sein realistischer Anspruch, ein einfacher, nicht so raffinierter Stil (im Vergleich zum Beispiel mit dem frühen Kozlovsky). Es wird vermutet, dass Prokofjew in "Morpheus" mehr danach strebte, das wahre Bild einer schlafenden Person als ein mythologisches Bild nachzubilden.

Im Jahr seiner Rückkehr nach St. Petersburg führte IP Prokofjew innerhalb kürzester Zeit eines seiner besten Werke der runden Skulptur auf - die Komposition "Aktäon" (Bronze, 1784; Russisches Museum und Tretjakow-Galerie). Die Figur eines schnell rennenden jungen Mannes, verfolgt von Hunden, wird von einem Bildhauer mit hervorragender Dynamik und außergewöhnlicher Leichtigkeit der räumlichen Auflösung ausgeführt.

Prokofjew war ein hervorragender Zeichen- und Kompositionsmeister. Und es ist kein Zufall, dass er dem skulpturalen Relief so viel Aufmerksamkeit schenkte – in diesem Bereich der Kreativität kommt dem Wissen über Komposition und Zeichnung eine besondere Bedeutung zu. 1785 - 1786 Prokofjew schafft einen umfangreichen Reliefzyklus (Gips), der für das Haupttreppenhaus der Akademie der Künste bestimmt ist. Die Reliefs von Prokofjew für den Bau der Akademie der Künste sind ein ganzes System thematischer Werke, in denen die Vorstellungen vom pädagogischen Wert der "Wissenschaften und schönen Künste" umgesetzt werden. Dies sind die allegorischen Kompositionen "Malerei und Skulptur", "Zeichnung", "Kifared und die drei edlen Künste", "Mercy" und andere. Der Art ihrer Aufführung nach sind dies typische Werke des frühen russischen Klassizismus. Der Wunsch nach ruhiger Klarheit und Harmonie verbindet sich in ihnen mit einer sanften, lyrischen Bildinterpretation. Die Heroisierung des Menschen erlangt noch nicht jene gesellschaftliche und bürgerliche Pathos und Strenge wie in der Zeit des reifen Klassizismus im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts.

Bei der Gestaltung seiner Reliefs hat der Bildhauer auf subtile Weise die Besonderheiten des Ortes, der unterschiedlichen Formate und Sichtbarkeitsbedingungen berücksichtigt. In der Regel bevorzugte Prokofjew ein Flachrelief, aber in den Fällen, in denen eine monumentale Komposition mit erheblicher Distanz zum Betrachter geschaffen werden musste, verwendete er kühn die Darstellungsweise des Hochreliefs und verstärkte die Licht- und Schattenkontraste stark. Dies ist das kolossale Relief "Die Kupferschlange", das sich über dem Durchgang der Kolonnade der Kasaner Kathedrale befindet (Pudozh-Stein, 1806-1807).

Zusammen mit den führenden Meistern der russischen Bildhauerei des späten 18. - frühen 19. Jahrhunderts. Prokofjew beteiligte sich an der Schaffung von Werken für das Brunnenensemble von Peterhof (Statuen von Alcides, Wolchow, eine Gruppe von Tritonen). Er wandte sich auch der Porträtskulptur zu; insbesondere besitzt er zwei nicht würdige Terrakottabüsten von A. F. und A. E. Labzin (Russisches Museum). Ganz am Anfang des 19. Jahrhunderts entstanden, stehen beide jedoch in ihrer Tradition eher den Werken Shubins als den Porträts des russischen Klassizismus des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts.