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Vafina Oksana Nikolaevna

Arbeitsort, Position:

MOU "SOSH 28"

Region Belgorod

Ressourceneigenschaften

Bildungsstufen:

Grundlegende Allgemeinbildung

Klasse(n):

Produkte):

Literatur

Zielgruppe:

Lehrer (Lehrer)

Ressourcentyp:

Didaktisches Material

Kurze Beschreibung der Ressource:

Unterrichtsentwicklung

Integrierter Literatur- und MHC-Unterricht.

Thema: Künstlerische Symbole der Völker der Welt. "Im Land des Birkenchintz."

Ziele:1) Schüler mit den künstlerischen Symbolen der Völker der Welt vertraut zu machen, die Bedeutung des Bildes der russischen Birke in Poesie, Malerei und Musik zu offenbaren; um das brillante Originaltalent von Sergei Yesenin zu zeigen; die Fähigkeit zu bilden, figurative und expressive Sprachmittel zu finden, ihre Rolle in Texten zu bestimmen.

2) Verbessern Sie den Sprachsinn und die Fähigkeit zum ausdrucksstarken Lesen.

3) die Liebe zum poetischen Wort zu kultivieren, die Fähigkeit, beim Lesen poetischer Werke sorgfältig und nachdenklich auf das Wort zu reagieren, ein Gefühl der Liebe zum Mutterland, der Natur, fördern.

Während des Unterrichts

Ich kann mir Russland ohne Birke nicht vorstellen, -
so hell auf Slawisch ist sie,
das vielleicht in anderen Jahrhunderten
aus Birke - ganz Russland wurde geboren.
Oleg Shestinsky

1. Psychologische Haltung. (Das Lied "There was a birch in the field" wird gespielt)

2. Vermittlung des Themas und der Ziele des Unterrichts. Heute machen wir im Literaturunterricht und im Moskauer Kunsttheater eine kurze Reise um die Welt und lernen die künstlerischen Symbole der Völker der Welt kennen, spazieren durch das „Land des Birkenchintz“ und enthüllen die Bedeutung des poetischen Symbols Russlands in Poesie, Malerei und Musik.

3. Neues Material lernen.

Lehrer:Es gibt mehr als 250 Länder auf unserem Planeten, in denen mehrere tausend verschiedene Völker leben,jede von ihnen hat ihre eigenen Traditionen und Besonderheiten.Wahrscheinlich haben Sie solche Kombinationen mehr als einmal gehört.: "Deutsche Ordentlichkeit", "Französische Galanterie","Afrikanisches Temperament", "Kälte der Ang ."lychan “, „heißes Temperament der Italiener“, „ Gastfreundschaft der Georgier “ usw.Hinter jedem von ihnen stehen die Eigenschaften und Eigenschaften, die sich bei einer bestimmten Person im Laufe der Jahre entwickelt haben.

Nun, was ist mit der künstlerischen Kultur? Gibt es ähnlichestabile Bilder und Eigenschaften? Zweifellos. Jede Nation hat ihre eigene Sim-Ochsen, die künstlerische Vorstellungen von der Welt widerspiegeln.

Stellen Sie sich vor, Sie sind in ein fremdes Land gekommen. Was vor allemwird dich interessieren? Natürlich, welche Sprache wird hier gesprochen? Welche Attraktionen werden zuerst gezeigt? Was beten und glauben sie? Welche Legenden, Mythen und Legenden erzählen? Wie sie tanzenund singen? Und viele viele andere.

Was wird Ihnen beispielsweise angezeigt, wenn Sie Ägypten besuchen?

Student: D Eifersucht auf die Pyramide, die als eines der Weltwunder gilt und seit langemdie das künstlerische Symbol dieses Landes sind.

Student:Auf einem felsigen PlateauWüste, die seit mehr als vierzig Jahrhunderten klare Schatten auf den Sand wirftes gibt drei riesige geometrische Körper - makellos korrekttetraedrisch Pyramiden, Gräber der Pharaonen Cheops, Khafren und Mikerina. Ihre ursprüngliche Verkleidung ist seit langem verloren, geplündert vonRuderkammern mit Sarkophagen, aber weder Zeit noch Menschen konnten ihre vollkommen stabile Form brechen. Pyramidendreiecke im HintergrundBlauer Himmel ist von überall zu sehen, als Erinnerung an die Ewigkeit.

Lehrer: Wenn Sie ein Treffen mit Paris haben, möchten Sie sicherlich auf die Spitze der berühmten Eiffelturm, werden auch xy-ein künstlerisches Symbol dieser erstaunlichen Stadt. Was weißt du über sie?

Student:Baujahr 1889Jahr als Zierde der Weltausstellung erregte es zunächst die Empörung und Empörung der Pariser. Zeitgenossen wetteiferten miteinander und riefen:

„Wir protestieren gegen diese verschraubte Blechsäule, gegen diesen lächerlichen und schwindelerregenden Fabrikschornstein, der zu Ehren des industriellen Vandalismus errichtet wurde. Der Bau dieses nutzlosen und monströsen Eiffelturms im Zentrum von Paris ist nichts anderes als eine Entweihung ... "

Es ist interessant, dass dieser Protest von sehr berühmten Kulturpersönlichkeiten unterzeichnet wurde: dem Komponisten Charles Gounod, den Schriftstellern Alexandre Dumas, Guy de Maupassant ... Der Dichter Paul Verlaine sagte, dass dieser "skelettartige Seeotter nicht lange bestehen wird", aber seine düstere Vorhersage war nicht dazu bestimmt, wahr zu werden. Der Eiffelturm steht noch heute und ist ein Wunderwerk der Ingenieurskunst.

Student:Übrigens war es damals das höchste Bauwerk der Welt, seine Höhe betrug 320 Meter! Die technischen Daten des Turms verblüffen auch heute noch: Fünfzehntausend Metallteile, verbunden durch mehr als zwei Millionen Nieten, bilden eine Art „Eiserne Spitze“. Siebentausend Tonnen ruhen auf vier Stützen und üben nicht mehr Druck auf den Boden aus als eine Person, die auf einem Stuhl sitzt. Sie wollten es mehr als einmal abreißen, und es thront stolz über Paris und bietet die Möglichkeit, die Sehenswürdigkeiten der Stadt aus der Vogelperspektive zu bewundern ...

Lehrer:Und was sind die künstlerischen Symbole der USA, Chinas, Russlands?

Student:Die Freiheitsstatue für die USA, der Kaiserpalast der Verbotenen Stadt für China, der Kreml für Russland.

Lehrer:Aber viele Völker haben ihre eigenen besonderen, poetischen Symbole. Erzählen Sie uns von einem davon?

Student:Bizarr geschwungene Zweige aus untermaßiger Kirsche - Sakura - ein poetisches Symbol Japans.

Wenn du fragst:

Was ist die Seele?

Inseln von Japan?

Im Duft von Bergkirschen

In der Dämmerung.

Norinaga (Übersetzt von V. Sanovich)

Lehrer:Was fasziniert die Japaner so an Kirschblüten? Kann sein, die Fülle von weißen und blassrosa Sakura-Blütenblättern auf kahlen Ästen, die noch keine Zeit hatten, mit Grün bedeckt zu werden?

Student:Die Schönheit der Blumen verblasste so schnell!

Und die Schönheit der Jugend war so flüchtig!

Das Leben ist umsonst vergangen...

Ich starre auf den langen Regen

Und ich denke: Wie auf der Welt ist nicht alles ewig!

Komachi (Übersetzt von A. Gluskina)

Student:Der Dichter wird von der Schönheit der Vergänglichkeit, Zerbrechlichkeit und Flüchtigkeit des Lebens angezogen. Die Kirsche blüht schnell und die Jugend ist flüchtig.

Lehrer:Welche künstlerische Technik verwendet der Autor?

Student:Identitätswechsel. Für einen Dichter ist eine Sakura-Blume ein Lebewesen, das die gleichen Gefühle wie ein Mensch erleben kann.

Student:

Frühlingsnebel, warum hast du dich versteckt

Kirschblüten, die jetzt herumfliegen

An den Hängen der Berge?

Nicht nur Glanz liegt uns am Herzen,-

Und der verwelkende Moment ist bewundernswert!

Tsurayuki (Übersetzt von V. Markova)

Lehrer:Kommentieren Sie die Zeilen aus.

Student:Sakura-Blütenblätter welken nicht. Fröhlich wirbelnd fliegen sie zudie Erde vor dem kleinsten Windhauch und bedecke die Erde, ohne Zeit zu habenwelken Blumen. Der Moment selbst ist wichtig, die Zerbrechlichkeit der Blüte. Namenaber das ist die Quelle der Schönheit.

Lehrer:Belostvol ist zu einem künstlerischen poetischen Symbol Russlands gewordennaya Birke.

Ich liebe russische Birke,
Dieses Licht, dann traurig,
In einem gebleichten Sarafan,
Mit Taschentüchern in der Tasche
Mit hübschen Verschlüssen
Mit grünen Ohrringen.
Ich liebe sie schlau
Das klar, überschwänglich,
So traurig, weinen.
Ich liebe russische Birke.
Lehnt sich tief in den Wind
Und biegt sich, aber bricht nicht!
A. Prokofjew.

Lehrer:Wahrscheinlich wird das russische Herz nie aufhören, über die unerwartete und einheimische Schönheit der Birke zu staunen, die uns bekannt vorkommt. Schon im Erwachsenenalter sagte Igor Grabar: „Was gibt es Schöneres als die Birke, der einzige Baum in der Natur, dessen Stamm blendend weiß ist, während alle anderen Bäume der Welt dunkle Stämme haben. Fantastischer, übernatürlicher Baum, Märchenbaum. Ich habe mich leidenschaftlich in die russische Birke verliebt und lange Zeit fast nur sie geschrieben.

Eine Schülergeschichte über das Gemälde von I. Grabar „Februar Azure“.

I. Grabar schrieb sein "Februar Azure" im Winter - Frühjahr 1904, als er Freunde in der Region Moskau besuchte. Während eines seiner üblichen Morgenspaziergänge wurde er vom Feiertag des erwachenden Frühlings ergriffen und erzählte später, bereits ein ehrwürdiger Künstler, sehr anschaulich die Geschichte der Entstehung dieser Leinwand. „Ich stand in der Nähe eines wunderbaren Birkenexemplars, das in der rhythmischen Struktur seiner Zweige selten ist. Als ich sie ansah, ließ ich den Stock fallen und bückte mich, um ihn aufzuheben. Als ich von unten auf die Spitze der Birke schaute, von der Schneeoberfläche, war ich fassungslos über das Schauspiel von phantastischer Schönheit, das sich vor mir öffnete: einige Glockenspiele und Echos in allen Farben des Regenbogens, vereint durch die blaue Emaille vom Himmel. Es war, als würde die Natur ein beispielloses Fest des azurblauen Himmels, der Perlbirken, Korallenzweige und Saphirschatten auf dem lila Schnee feiern. Kein Wunder, dass die Künstlerin „mindestens ein Zehntel dieser Schönheit“ leidenschaftlich vermitteln wollte.

Lehrer: Leute, nicht nur Grabar wandte sich dem Bild einer schönen Birke zu, bevor Sie eine Ausstellung mit Werken von Künstlern sehen, bei der die Heldin dieser schöne Baum ist. Welche Stimmung atmen diese Reproduktionen von Künstlern?

Was können Sie zu den Gemälden der Künstler sagen?

Student:Sie sind fröhlich, lichtdurchflutet, die Birke in ihnen ist vergeistigt.

Student: Kuindzhi "Birch Grove" (1879), - durchdrungen von gesundem und fröhlichem Optimismus. Der Künstler hat die jubelnde, verregnete Natur in ihrer schönsten und luxuriösesten Sommersaison eingefangen. Die Komposition des Bildes ist originell, die Harmonie seiner reinen Farben ist erstaunlich.

Lehrer.Birke. Was ist das für ein Baum?

„Birke ist ein Baum mit weißer Rinde, hartem Holz und herzförmigen Blättern“, berichtet das Erklärende Wörterbuch der russischen Sprache leidenschaftslos.

Wahrscheinlich soll ein erklärendes Wörterbuch teilnahmslos sein.

Aber was die russische Sprache angeht, dann verdiente vielleicht kein Baum so viele Beinamen, Vergleiche, liebevolle Wendungen, paarte sich nicht mit so enthusiastischen Worten wie Birke. Dies lässt sich in der mündlichen Volkskunst und vor allem in der russischen Poesie verfolgen, wo sich die Birke vor langer Zeit fest und scheinbar für immer niedergelassen hat.

Das Yesenin "Land des Birkenchintz" ist einzigartig schön und liegt allen am Herzen. Ein Land, in dem man stundenlang durch einen Kiefernwald wandern und in einem weichen Teppich aus grauem Moos ertrinken kann. In einem Land, in dem hohe Wacholderdickicht wächst. Und auf den Moorhügeln leuchten Preiselbeeren und Preiselbeeren. Ein Land, in dem geheimnisvolle Seen in der Wildnis versteckt sind. Ein Land, in dem alles lebendig wird. Die Natur ist nicht nur mit Farben, Klängen, Bewegung gefüllt, sondern auch animiert.

Student: Guten Morgen

Goldene Sterne sind eingeschlafen,

Der Rückstauspiegel zitterte,

Das Licht dämmert auf den Backwaters des Flusses

Und erröte das Gitter des Himmels.

Verschlafene Birken lächelten

Seidenzöpfe zerzaust

Knisternde grüne Ohrringe

Und silberner Tau brennt.

Der Flechtzaun hat überwucherte Brennnesseln

Gekleidet in hellem Perlmutt

Und flüstert schaukelnd spielerisch:

"Guten Morgen!"

Lehrer: Welche Bilder hast du in dem Gedicht gesehen?

Student:Stern, Birke, Brennnessel.

Lehrer:Mit welchen Bild- und Ausdrucksmitteln entsteht das Bild einer Birke?

Student:Personifikation (Birken lächelten, zerzausten ihre Zöpfe), Beinamen (verschlafene Birken, Seidenzöpfe, Silbertau), Metaphern (Taubrand, zerzauste Zöpfe).

Lehrer:Die Farbmalerei ist eines der charakteristischen Merkmale von Yesenins Gedichten. Welche Farben verwendet Birke, um zu beschreiben? Wozu dienen „farbige Teile“?

Student:Silber, Grün, andere - Perlglanz. "Farbige Details" helfen, die Stimmung des Dichters zu verstehen, Gefühle und Gedanken zu schärfen, ihre Tiefe zu offenbaren.

Lehrer:Welche Stimmung hat das Gedicht?

Student:Romantisch, optimistisch, fröhlich, aufgeregt.

Lehrer:Im Gedicht "Grünes Haar". (1918) erreicht die Humanisierung des Aussehens der Birke in Yesenins Werk ihre volle Entwicklung.

Student:Ein Gedicht lesen

Lehrer: Von wem handelt das Gedicht? Wie sieht Birke aus?

Student: Die Birke wird wie eine Frau.

Grüne Frisur,

Mädchenhafte Brüste,

Oh dünne Birke,

Was hat in den Teich geschaut?

Lehrer: Womit wird die Birke in der russischen Poesie symbolisiert?

Student: Es ist ein Symbol für Schönheit, Harmonie, Jugend; sie ist hell und keusch.

Lehrer: In alten heidnischen Ritualen diente sie oft als "Maibaum", ein Symbol des Frühlings. Yesenin erwähnt bei der Beschreibung der Volksfrühlingsfeiertage eine Birke im Sinne dieses Symbols in den Gedichten "Trinity Morning ..." (1914) und "Das Schilf rauschte über dem Backwater ..." (1914)

Lehrer: Welcher Volksbrauch wird in dem Gedicht "Das Schilf raschelte über den Backwaters ..." erwähnt.

Student: Das Gedicht "Das Schilf raschelte über dem Altwasser" handelt von einer wichtigen und faszinierenden Aktion der Semytsa - Dreifaltigkeitswoche - Wahrsagerei auf Kränzen.

Das rote Mädchen schätzte auf sieben Uhr.

Die Welle löste einen Kranz von Doddern.

Die Mädchen machten Kränze und warfen sie in den Fluss. Mit einem Kranz, der weit wegsegelte, an Land gespült, gestoppt oder ertrunken war, richteten sie das Schicksal, das sie erwartete (Ferne oder nahe Ehe, Mädchenzeit, Tod der Verlobten).

Ah, heirate im Frühling kein Mädchen,

Er erschreckte sie mit Zeichen des Waldes.

Lehrer: Wie wird das Frühlingstreffen verdunkelt?

Lehrer: Welche Bilder werden verwendet, um das Unglücksmotiv zu verstärken?

Poetische Symbole der Länder der Welt

Flora und Fauna als Symbol der Länder

Füllen Sie das Diagramm aus

Der Name des Landes,

Kunstsymbol

Russland

Tragen

Birke

Birkenhain

Worüber bist du traurig, Birkenhain?

Welcher Gedanke belastet Sie?

Ich betrachte das Licht durch die dicken blühenden Kronen

Und ich höre auf dein grünes Rauschen.

Beunruhigt rauschst du mit den Blättern,

In Eile, meine ganze Seele wieder zu öffnen.

Und ich schüttle auch den Kopf,

Kann die bitteren Gedanken nicht beruhigen.

Hier in Russland sind der Trauer keine Grenzen gesetzt ...

Komm schweigend, Liebes, wir stehen auf.

Und alles was du erzählen wolltest

Ich werde es verstehen und so bin ich von deinen Tränen.

Byvshev Alexander

weiße Birke

Unter meinem Fenster

Mit Schnee bedeckt

Wie Silber.

Auf flauschigen Zweigen

Mit einer verschneiten Grenze

Bürsten blühten auf

Weißer Rand.

Und es gibt eine Birke

In der verschlafenen Stille

Und die Schneeflocken brennen

In einem goldenen Feuer.

Und die Morgendämmerung, faul

Herumlaufen

besprüht Zweige

Neues Silber.

Sergey Yesenin

Japan

Fujiyama

Sakura

Japanischer Kranich

Japanischer Fasan

Hokku (oder Haiku)

• Hokku (oder Haiku) ist eine besondere Art japanischer Gedichte, die aus einem Drei-Vers bestehen. Meistens ist es philosophisch und reimt sich nicht. Natürlich durfte ein Thema wie Kirschblüten nicht unbemerkt bleiben. Daher schlage ich vor, ein paar Hokku über Sakura zu lesen.

Ist sie traurig

Was ist nach der aufgehenden Sonne

Träume zärtlich unter der Sakura

Es gibt keine Fremden zwischen uns

Wir sind alle Brüder füreinander

Unter Kirschblüten

Die Frühlingsnacht ist vorbei

Die weiße Morgendämmerung hat sich umgedreht

Ein Meer aus Kirschblüten

China

Panda

Pion

Australien

Känguru

Kanada

Biber

Ahorn

Indien

Lotus

bengalischer Tiger

Pfau

England

ein Löwe

die Rose

Thailand

Indischer Elefant

Mongolei

Mongolisches Pferd

Vereinigte Staaten von Amerika

Weißkopfseeadler

Mustang

Arabische Emirate

Falke

Deutschland

Kornblume

Thema 2: MHC. Kunstsymbole (Folie 1)

Wir haben herausgefunden, dass Kultur in der Zivilisation geboren wird und auch außerhalb davon existieren kann.

Kultur ist in National und Welt unterteilt. (Folie 2)

Heute werden wir überlegen, was der Begriff der künstlerischen Weltkultur umfasst. (Folie 3)

Weltkunst- es ist eine Vielzahl von Kulturen der Völker der Welt, die sich während der historischen Entwicklung der menschlichen Zivilisation in verschiedenen Regionen entwickelt haben.

Kunstkultur wird am häufigsten in Kunstwerken repräsentiert, die die Realität in künstlerischen Bildern kreativ wiedergeben. (Folie 4)

Ein Künstler ist ein besonderer Mensch, er erschafft die Welt nach seinen persönlichen Vorstellungen. Gefühle, Gedanken und Erfahrungen, gebrochen in seinem Kopf, lassen einzigartige künstlerische Bilder entstehen.

Sie entstehen durch Reflexionen, Einschätzungen, Auswahl des notwendigen Materials aus der Vielzahl des Gesehenen und Gehörten. Der Künstler betrachtet das Leben voreingenommen, er sucht in ihm das, was fähig ist, in der menschlichen Seele wechselseitige Gefühle und Erfahrungen zu erwecken. Seiner Fantasie sind keine Grenzen gesetzt, sie kann Wunder vollbringen ...

Im 15. Jahrhundert lebte der Künstler Hieronymus Bosch in den Niederlanden. (Folie 5)

Kinder lesen

1. Was immer er sich für seine Bilder ausgedacht hat! (klicken)In ihnen agieren die unglaublichsten Kreaturen: Tiere mit Vogelköpfen und menschlichen Beinen, manche sogar mit Schmetterlingsflügeln. Die Helden seiner Werke sind Menschen mit einem menschlichen Kopf, der aus Stamm und Ästen eines Baumes oder aus der leeren Schale einer geheimnisvollen Frucht besteht. (Klick klick)In solch einem fantastischen Kopf schlemmen kleine Leute eine Flasche Wein.

2. Hier ist alles auf die unglaublichste Weise gemischt, durcheinander geraten, verzerrt. Aber gleichzeitig scheint es eine schreckliche Wahrheit zu sein, wie aus der Natur kopiert. (Klick klick)Vielleicht war alles genau so? Im Leben gesehen und dann nach den Gesetzen der Vorstellungskraft des Künstlers neu gedacht? Offenbar mochte Bosch seine Zeit und die bösen Sitten der Gesellschaft nicht. Aber er verstand es, liebevoll, schön und der Realität entsprechend zu schreiben. (Klick klick)Nur seine Liebe schenkte er der Natur, den endlosen Weiten der Ebenen, der Oberfläche von Seen, hügeligen Weiten. Dort fand er Ruhe und Trost für sich.

Über herausragende Werke der künstlerischen Weltkultur - unser Hauptgespräch während des Studiums zum Thema des MHC.

Jede Nation hat ihre eigenen künstlerischen Symbole.

Es gibt mehr als 250 Länder auf unserem Planeten, in denen mehrere tausend Völker leben, von denen jedes seine eigenen Traditionen und Besonderheiten hat. Sie haben wahrscheinlich Wortkombinationen wie "deutsche Genauigkeit", "französische Galanterie", "chinesische Zeremonien", "afrikanisches Temperament", "Kälte der Engländer", "heißes Temperament der Italiener", "Gastfreundschaft der Georgier" usw. gehört Hinter jedem von ihnen stehen Eigenschaften und Eigenschaften, die sich im Laufe der Jahre bei einer bestimmten Person entwickelt haben.

-Nun, aber in der künstlerischen Kultur?

- Existieren in ihr solche stabilen Bilder und Charakterzüge?

Zweifellos. Jede Nation hat ihre eigenen Symbole, die künstlerische Vorstellungen von der Welt widerspiegeln.

Stellen Sie sich vor, Sie sind in ein fremdes Land gekommen.

Was wird dich vor allem interessieren?

Natürlich, welche Sprache wird hier gesprochen? Welche Sehenswürdigkeiten werden zuerst gezeigt? Was beten und glauben sie? Welche Legenden, Mythen und Legenden erzählen? Wie tanzen und singen sie? Und viele viele andere.

Was wird Ihnen beispielsweise angezeigt, wenn Sie Ägypten besuchen?

Natürlich die alten Pyramiden (Folie 6)) gilt als eines der Weltwunder und ist längst zu einem künstlerischen Symbol dieses Landes geworden.

Kinder lesen

3. Auf dem felsigen Plateau der Wüste, das klare Schatten auf den Sand wirft, gibt es seit mehr als vierzig Jahrhunderten drei riesige geometrische Körper - makellos regelmäßige tetraedrische Pyramiden, die Gräber der Pharaonen Cheops, Khafren und Mi-Kerin. (klicken)

4. Ihre ursprüngliche Verkleidung ist seit langem verloren, Grabkammern mit Sarkophagen wurden geplündert, aber weder Zeit noch Menschen konnten ihre ideal stabile Form aufbrechen. Die Dreiecke der Pyramiden vor dem blauen Himmel sind von überall zu sehen, als Erinnerung an die Ewigkeit.

Wenn Sie ein Treffen mit Paris haben, werden Sie sicherlich den berühmten Eiffelturm erklimmen wollen, (Folie 7) wurde auch zu einem künstlerischen Symbol dieser erstaunlichen Stadt.

Kinder lesen

5. Erbaut 1889 als Dekoration der Weltausstellung, entworfen von Alexandre Gustave Eiffel (klicken)zunächst erregte es die Empörung und Empörung der Pariser. Zeitgenossen wetteiferten miteinander und riefen:

„Wir protestieren gegen diese verschraubte Blechsäule, gegen diesen lächerlichen und schwindelerregenden Fabrikschornstein, der zu Ehren des industriellen Vandalismus errichtet wurde. Der Bau dieses nutzlosen und monströsen Eiffelturms im Zentrum von Paris ist nichts anderes als eine Entweihung ... " (Folie 8)

5. Es ist interessant, dass dieser Protest von sehr berühmten Kulturschaffenden unterzeichnet wurde: dem Komponisten Charles Gounod, den Schriftstellern Alexandre Dumas, Guy de Maupassant ... Der Dichter Paul Verlaine sagte, dass dieser "skelettartige Wachturm nicht lange bestehen wird", aber seine düstere Vorhersagen waren nicht dazu bestimmt, wahr zu werden. Der Eiffelturm steht noch heute und ist ein Wunderwerk der Ingenieurskunst. (klicken)Übrigens war es damals das höchste Bauwerk der Welt, seine Höhe betrug 320 Meter!

6. Die technischen Daten des Turms verblüffen auch heute noch: fünfzehntausend Metallteile, (klicken)durch mehr als zwei Millionen Nieten verbunden, bilden sie eine Art "Eiserner Spitze". Siebentausend Tonnen ruhen auf vier Stützen und üben nicht mehr Druck auf den Boden aus als eine Person, die auf einem Stuhl sitzt. (klicken)Sie wollten es mehr als einmal abreißen, und es thront stolz über Paris und bietet die Möglichkeit, die Sehenswürdigkeiten der Stadt aus der Vogelperspektive zu bewundern ... (klicken)

Die Freiheitsstatue für die USA ist längst zu denselben künstlerischen Symbolen geworden, (Folie 9 + 2 Klicks) Himmelstempel und Chinesische Mauer für China (Folie 10) Kreml für Russland. (Folie 11 + 5 Klicks)

Aber viele Völker haben ihre eigenen besonderen, poetischen Symbole.

Aufwändig geschwungene Zweige der untergroßen Kirsche - Sakura (Folie 12) ist ein poetisches Symbol Japans.

Wenn du fragst:

Was ist die Seele?

Inseln von Japan?(klicken)

Im Duft von Bergkirschen

In der Dämmerung.(klicken)

Norinaga (Sanovitscha)

Was fasziniert die Japaner so an Kirschblüten? (Folie 13) Vielleicht die Fülle an weißen und blassrosa Sakura-Blütenblättern auf kahlen Ästen, die noch keine Zeit hatten, mit Grün bedeckt zu werden? Nein, sie werden von der Schönheit der Vergänglichkeit, der Zerbrechlichkeit und Flüchtigkeit des Lebens angezogen. (klicken) Die Sakura-Blume ist ein Lebewesen, das die gleichen Gefühle wie ein Mensch erleben kann.

Ist die Schönheit der Blumen so schnell verblasst?

Und die Schönheit der Jugend war so flüchtig!

Das Leben ist umsonst vergangen...

Ich starre auf den langen Regen

Und ich denke: Wie um alles in der Welt ist nicht alles für immer!(klicken)

Komachi (Gluskin)

Sakura-Blütenblätter welken nicht. (Folie 14) Fröhlich wirbelnd, fliegen sie bei der kleinsten Brise zu Boden und bedecken den Boden mit noch nicht verwelkten Blumen. Der Moment selbst ist wichtig, die Zerbrechlichkeit der Blüte. Dies ist die Quelle der Schönheit. (klicken)

Frühlingsnebel, warum hast du dich versteckt

Kirschblüten, die jetzt herumfliegen

An den Hängen der Berge?

Nicht nur Glanz liegt uns am Herzen,-

Und der verwelkende Moment ist bewundernswert!(klicken)

Tsurayuki (Markova)

-Künstlerisches poetisches Symbol Russlands?

wurde weiße Birke (Folie 15) Aber wächst er nicht in den Ausläufern des Kaukasus und in den Alpen, im nebligen England und im fernen Kanada? Es wächst natürlich. Aber nur in Russland wurde die Birke geliebt und auf besondere Weise, ehrfürchtig und mit Inspiration gesungen. (klicken)

Künstler I. Grabar () (Folie 16) gesprochen:

„Was gibt es Schöneres als eine Birke,(klicken)der einzige Baum in der Natur, dessen Stamm blendend weiß ist, während alle anderen Bäume der Welt dunkle Stämme haben.(klicken)Fantastischer, übernatürlicher Baum, Märchenbaum. Ich habe mich leidenschaftlich in die russische Birke verliebt und lange Zeit fast nur sie geschrieben.(klicken)

Und er ist nicht allein. Das berühmte Gemälde von Kuindzhi (Folie 17)"Birkenhain" (klicken) Viele Künstler, Dichter und Komponisten komponierten Werke zu Ehren der Birke. Sie ist zu einer wahren Verkörperung und einem Symbol Russlands geworden. (Folie 18)

Mein Russland, ich liebe deine Birken,

Von den ersten Jahren an habe ich mit ihnen gelebt und bin aufgewachsen,

Deshalb kommen Tränen

Auf Augen entwöhnt von Tränen!

N. Rubtsov

Und die berühmte Poesie von Sergei Yesenin, (Folie 19) kommt dir bestimmt auch bekannt vor (klicken)

Kinder lesen.

7. Frauen mit weißem Rüssel und blonden Haaren verliebten sich in mehr als eine festliche Schönheit. (Folie 20) Birke für die Russen. Seit der Antike ist sie eine Baumfreundin. (klicken)Körbe, Schachteln, Bastschuhe wurden von Bauern aus Birkenrinde hergestellt. (klicken)Die Rinde einer Birke (Birkenrinde) war das Hauptmaterial in Russland, das verwendet wurde, um die Umrisse von Buchstaben zu lernen, Briefe zu schreiben ... (Folie 21)

8. Nach einem langen Winter erwachte die Birke als erste, (Folie 22) und wurde daher als Symbol für Schönheit und blühende Natur wahrgenommen. In Russland glaubten sie, dass Birke (klicken)kann vor Hexerei-Verleumdung retten, um die Dreifaltigkeit (Folie 23) machte Birkenornamente, die vor dem bösen Blick schützen. Zwei Tage vor Trinity, an Semik - einem Mädchenurlaub - wurden die Häuser mit Birkenzweigen geschmückt und Kränze auf den Zweigen im Wald gekräuselt, (klicken)sie flochten ihre Zöpfe mit Bändern, banden die Spitzen zweier Birken so zusammen, dass ein Tor entstand - ein symbolischer, magischer Kreis. (klicken)Im Schatten der Birken tanzten sie im Kreis, sangen Lieder, spielten, warfen Birkenkränze ins Wasser und rieten damit. Wo der Kranz schwebt, wird das Mädchen dort heiraten. In Volkssprichwörtern, Liedern, Tänzen, Werken der dekorativen und angewandten Kunst wandten sie sich besonders oft diesem poetischen Bild zu.

Produkte aus Birkenrinde und Birkenholz. (Folie 24 + 19 Klicks)

(Folie 25) Hausaufgaben:

Erzählen Sie uns von den künstlerischen Symbolen der Völker der Welt, die in unserer Lektion nicht erwähnt wurden.

Eine wesentliche Variation oder semantische Modifikation eines künstlerischen Bildes, aber auch sein spiritueller Kern ist künstlerisches Symbol, Handeln in der Ästhetik einer der bedeutenden Kategorien. Im Inneren des Bildes ist es diese wesentliche Komponente, die auf analytischer Ebene schwer zu isolieren ist, die gezielt eingesetzt wird richtet sich auf Empfängergeist zu spirituelle Realität, nicht im Kunstwerk selbst enthalten. In den bereits erwähnten "Sonnenblumen" von Van Gogh zum Beispiel bildet sich das eigentliche künstlerische Bild zunächst einmal um das visuelle Bild eines Sonnenblumenstraußes in einem Keramikkrug, auf den er sich für die Mehrheit der Betrachter beschränken kann Dies. Auf einer tieferen Ebene der künstlerischen Wahrnehmung beim Rezipienten mit erhöhter künstlerischer und ästhetischer Sensibilität beginnt sich dieses Primärbild zu einem künstlerischen Symbol zu entfalten, das sich gar nicht verbal beschreiben lässt, aber er ist es, der dem Geist der die Tore öffnet Betrachter zu einigen anderen Realitäten, völlig erkennen Ereignis der ästhetischen Wahrnehmung dieses Bildes. Das Symbol als tiefe Vollendung des Bildes, sein wesentlicher künstlerischer und ästhetischer (non-verbalisierter!) Inhalt zeugt von der hohen künstlerischen und ästhetischen Bedeutung des Werkes, der hohen Begabung oder gar Genialität des Meisters, der es geschaffen hat. Unzählige Kunstwerke der mittleren (wenn auch soliden) Ebene haben in der Regel nur ein künstlerisches Bild, kein Symbol. Sie führen den Empfänger nicht zu den höchsten Ebenen der spirituellen Realität, sondern sind auf die emotional-psychologischen und sogar physiologischen Ebenen der Psyche des Empfängers beschränkt. Fast die meisten Werke realistischer und naturalistischer Strömungen, Komödie, Operette, alle Massenkunst sind auf diesem Niveau - sie haben künstlerische Bilder, aber keine künstlerische Symbolik. Es ist nur charakteristisch für hoch Kunst jeglicher Art und heilig und kult Werke von hoher künstlerischer Qualität.

Daneben gibt es in der Weltkunst ganze Klassen von Kunstwerken (und manchmal ganze riesige Epochen - zum Beispiel die Kunst des alten Ägyptens), in denen das künstlerische Bild praktisch auf Symbolik reduziert wird. Gotische Architektur, byzantinisch-russisch Symbol die Zeit seiner Blütezeit (XIV-XV Jahrhundert für Russland) oder die Musik von Bach. Sie können viele andere spezifische Kunstwerke aus fast allen ihren Arten und Epochen zitieren, in denen symbolisches künstlerisches Bild, oder Kunstsymbol. Hier ist er eine konkret geformte sinnlich wahrgenommene Wirklichkeit, gerichteter als ein Bild, das den Rezipienten im Prozess der nicht-utilitaristischen, spirituell aktiven Betrachtung des Werkes auf die geistige Wirklichkeit verweist. Im Prozess der ästhetischen Kommunikation mit einem Symbol entsteht eine einzigartige superdichte figurativ-semantische Substanz des ästhetischen Seinsbewusstseins, die sich in eine andere Realität entfalten will, in einen integralen spirituellen Raum, in eine im Grunde unverbalisierte Mehrebenensemantik Raum, ein Bedeutungsfeld für jeden Rezipienten, Eintauchen, das ihm ästhetisches Vergnügen, spirituelle Freude, ein Gefühl der Freude aus dem Gefühl einer tiefen, unverschmelzten Verschmelzung mit diesem Feld gibt, sich darin auflöst, unter Wahrung des persönlichen Selbstbewusstseins und der intellektuellen Distanz.

Im künstlerischen und semiotischen Bereich liegt das Symbol irgendwo zwischen dem künstlerischen Bild und dem Zeichen. Ihr Unterschied zeigt sich in den Graden der Isomorphie und der semantischen Freiheit, in der Orientierung an unterschiedlichen Wahrnehmungsebenen des Rezipienten, in der spirituellen und ästhetischen Energie. Der Grad der Isomorphie betrifft hauptsächlich die äußere Form der entsprechenden semantischen Strukturen und nimmt von der mimetischen (im engeren Sinne des Wortes) ab Mimesis) künstlerisches Bild (hier erreicht sie die höchste Grenze dessen, was als Ähnlichkeit)über ein künstlerisches Symbol zu einem konventionellen Zeichen, das in der Regel gegenüber dem Bezeichneten keine Isomorphie aufweist. Der Grad der semantischen Freiheit ist der höchste für ein Symbol und wird in vielerlei Hinsicht durch eine gewisse „Identität“ (Schelling), „Gleichgewicht“ (Losev) der „Idee“ und das äußere „Bild“ des Symbols bestimmt. In einem Zeichen und einem künstlerischen Bild ist es niedriger, denn in einem Zeichen (= in einem philosophischen Symbol, und auf der Ebene der Kunst - in einem identischen Zeichen in Funktionen Allegorien) sie ist wesentlich begrenzt durch eine abstrakte, abstrakte Idee, die das Bild überwiegt, und im künstlerischen Bild - umgekehrt. Mit anderen Worten, im Zeichen (gleichbedeutend mit Allegorie) schränkt die rationale Idee und in den Bildern der (klassischen) Kunst ein hinreichend hoher Isomorphismus mit dem Prototyp die semantische Freiheit dieser semiotischen Gebilde gegenüber dem künstlerischen Symbol ein.

Dementsprechend konzentrieren sie sich auf verschiedene Wahrnehmungsebenen: das Zeichen (Allegorie) – auf das rein Rationale, und das künstlerische Bild und Symbol – auf das Geistige und Ästhetische. In diesem Fall das Symbol (überall, wie im Fall des Bildes, sprechen wir über künstlerisch Symbol) hat einen schärferen Fokus auf die höheren Ebenen der spirituellen Realität als das Bild, dessen künstlerisches und semantisches Feld viel breiter und vielfältiger ist. Schließlich ist das Niveau der spirituell-ästhetischen (meditativen) Energie des Symbols höher als das des Bildes; es sammelt sich irgendwie an Energie des Mythos, eine der Ausstrahlungen davon erscheint in der Regel. Das Symbol richtet sich eher an Empfänger mit erhöhter spiritueller und ästhetischer Sensibilität, die von den Theoretikern des Symbolismus und russischen religiösen Denkern des frühen 20 verweile auch hier.

Das Symbol enthält in aufgerollter Form in sich und enthüllt dem Bewusstsein etwas, das an sich für andere Formen und Methoden der Kommunikation mit der Welt, die sich in ihr befindet, unzugänglich ist. Sie lässt sich daher in keiner Weise auf Vernunftbegriffe oder andere (von sich selbst verschiedene) Formalisierungsmethoden reduzieren. Der Sinn im Symbol ist von seiner Form untrennbar, er existiert nur in ihm, scheint durch ihn hindurch, entfaltet sich aus ihm, denn nur in ihm, in seiner Struktur, wird etwas organisch Eigenes (zum Wesen gehörendes) symbolisiert. Oder als A. F. Losev, „der Signifikant und das Signifikat sind hier wechselseitig umkehrbar. Die Idee ist konkret, sinnlich gegeben, klar ist nichts drin, was nicht im Bild wäre, und umgekehrt“276.

Unterscheidet sich ein künstlerisches Symbol auf semantischer Ebene von einem philosophischen Symbol (= Zeichen), so unterscheidet es sich von kulturellen, mythologischen, religiösen Symbolen teilweise wesentlich oder inhaltlich. Ein künstlerisches oder ästhetisches Symbol ist ein dynamischer, kreativer Mittler zwischen dem Göttlichen und dem Menschlichen, Wahrheit und Erscheinung (Erscheinung), Idee und Phänomen auf der Ebene der spirituellen und ästhetischen Erfahrung, des ästhetischen Bewusstseins (d.h. auf der Ebene der Bedeutung). Im Lichte eines künstlerischen Symbols werden dem Bewusstsein integrale geistige Welten offenbart, sie werden nicht erforscht, nicht offenbart, nicht ausgesprochen oder auf andere Weise beschrieben.

Darüber hinaus besitzen religiöse und mythologische Symbole (oder allgemein kulturelle, archetypische) erheblich oder zumindest Energie Gemeinschaft mit dem Symbolisierten. Das christliche Denken hat sich dem Wesen eines solchen Symbolverständnisses seit der Zeit des Patrismus angenähert, am deutlichsten wurde es jedoch von P. Pawel Florenski, stützte sich einerseits auf die Erfahrung der Patristik und auf die Theorie seiner Zeitgenossen-Symbolisten, insbesondere seines Lehrers Vyach. Ivanova andererseits.

Er war überzeugt, dass „im Namen – dem Benannten, im Symbol – dem Symbolisierten, im Bild – die Wirklichkeit des Dargestellten“ gegenwärtig, und deshalb das Symbol Es gibt symbolisiert durch "277. In seinem Werk" Imeslav als philosophische Prämisse "gab Florensky eine der umfassendsten Definitionen eines Symbols, die seine zweifache Natur zeigt:" Sein, das größer ist als es selbst, ist die Hauptdefinition von a Symbol Ein Symbol ist etwas, das ist, dass er nicht er selbst ist, größer als er, und doch im Wesentlichen durch ihn erklärt wird , aufgelöst mit der Energie eines anderen, in dieser Hinsicht wertvolleren Wesens, trägt also diese letzte ”278.

Das Symbol ist laut Florensky im Grunde antinomisch jene. vereint Dinge, die sich aus der Sicht des eindimensionalen diskursiven Denkens gegenseitig ausschließen. Daher ist seine Natur für einen Menschen der neuen europäischen Kultur schwer zu verstehen. Für das Denken der alten Menschen bereitete das Symbol jedoch keine Schwierigkeiten, da es oft das Hauptelement dieses Denkens war. Diese Personifikationen der Natur in der Volkspoesie und in der Dichtung der Antike, die heute als Metaphern wahrgenommen werden, sind keineswegs solche, - betrachtet Florensky, - genau das ist Symbole im obigen Sinne keine "Ausschmückungen und Würze des Stils", keine rhetorischen Figuren. "... Für den antiken Dichter war das Leben der Elemente kein stilistisches Phänomen, sondern ein sachlicher Ausdruck des Wesens." Für einen modernen Dichter, nur in Momenten besonderer Inspiration, „durchbrechen diese tiefen Schichten des geistigen Lebens die Kruste der ihnen fremden Weltanschauung unserer Zeit, und der Dichter spricht zu uns in verständlicher Sprache von einem Leben, das ist“ undeutlich für uns mit der ganzen Schöpfung unserer eigenen Seele“ 279.

Symbol, im Verständnis von Fr. Paulus hat "zwei Schwellen der Empfänglichkeit" - eine obere und eine untere, innerhalb derer er immer noch ein Symbol bleibt. Der obere schützt das Symbol vor "Übertreibung der natürlichen Mystik der Materie", vor "Naturalismus", wenn das Symbol vollständig mit dem Archetypus identifiziert wird. Die Antike verfiel oft in dieses Extrem. Für die Neue Zeit ist es charakteristisch, die untere Grenze zu überschreiten, wenn die Objektverbindung zwischen Symbol und Archetyp unterbrochen wird, ihre gemeinsame Substanz-Energie ignoriert wird und das Symbol nur als Zeichen des Archetyps wahrgenommen wird und nicht ein materiell-energetischer Träger.

Das Symbol, davon ist Florensky überzeugt, ist „ein Phänomen außerhalb des innersten Wesens“, die Entdeckung des Seins selbst, seiner Verkörperung in der äußeren Umgebung. In diesem Sinne ist die Kleidung beispielsweise in der sakralen und weltlichen Symbolik ein Symbol des Körpers. Nun, das ultimative Phänomen eines solchen Symbols in der Kunst ist nach Florensky und den alten Kirchenvätern, Symbol als ideales heiliges und künstlerisches Phänomen, ausgestattet mit der Energie des Archetyps.

Das Ergebnis auf dem Gebiet der philosophischen Suche nach dem Verständnis des künstlerischen Symbols in einer Reihe von Arbeiten zusammengefasst A. F. Losev, genau wie Florensky, der sich selbst betrachtete Symbolist. In der Dialektik der künstlerischen Form zeigt er, wie wir gesehen haben, die Ontologie der Entfaltung der expressiven Reihe von der Ersten Einheitlichen bis zur eidos – Mythos – Symbol – Persönlichkeit usw. Das Symbol erscheint daher im frühen Losev als Emanation, oder Ausdruck, Mythos. "Endlich unter Symbol Ich verstehe die andere Seite in Mythos, was ist speziell ausdrücken. Das Symbol ist die semantische Ausdruckskraft des Mythos, oder äußerlich enthülltes Gesicht des Mythos"280. Mit Hilfe des Symbols gelangt der Wesensausdruck erst auf die Ebene der äußeren Manifestation. Der Mythos als Grundlage und tiefes Leben des Bewusstseins manifestiert sich außen im Symbol und bildet tatsächlich seine (Symbol-)Lebensgrundlage, seine Bedeutung, Losev spürt diese Dialektik von Mythos und Symbol zutiefst und versucht sie auf der verbalen Ebene so genau wie möglich zu fixieren. „Das Symbol ist das Eidos des Mythos, der Mythos als Eidos, das Gesicht des Lebens des Symbols, - das Element des Lebens, das sein Gesicht und seine äußere Erscheinung hervorruft." 281 So fand im Mythos die wesentliche Bedeutung oder das Eidos eine tiefe Verkörperung im "Element des Lebens" und im gefundenen Symbol ein externes Ausdruck, jene. manifestierte sich tatsächlich in künstlerische Realität.

Losev beschäftigte sich zeitlebens mit dem Problem des Symbols. In einem seiner späteren Werke, The Problem of Symbol and Realistic Art (1976), gibt er folgende detaillierte Zusammenfassung seiner Forschungen:

„1) Das Symbol eines Dings ist wirklich seine Bedeutung. Es ist jedoch eine solche Bedeutung, die es konstruiert und in einem Modell erzeugt. Es ist unmöglich, sich darauf einzulassen, dass das Symbol eines Dings sein Spiegelbild ist, oder darauf, dass das Symbol eines Dings das Ding selbst erzeugt. In beiden Fällen geht die Spezifität des Symbols verloren und seine Beziehung zum Ding wird im Stil des metaphysischen Dualismus oder Logizismus interpretiert, der längst in die Geschichte eingegangen ist eines Dings ist seine Reflexion jedoch nicht passiv, nicht tot, sondern eine, die Kraft und Macht der gleichen Realität trägt, da einmal die empfangene Reflexion im Bewusstsein verarbeitet, in Gedanken analysiert, von allem Zufälligen und Unwesentlichen gereinigt wird und zu sich kommt nicht nur die sinnliche Oberfläche der Dinge widerspiegeln, sondern ihre innere Regelmäßigkeit. "Erzeugt" bedeutet in diesem Fall "versteht dasselbe objektive Ding, aber in seiner inneren Regelmäßigkeit und nicht im Chaos zufälliger Haufen". Geburt ist nur ein Eindringen in die tiefe und regelmäßige Grundlage der Dinge selbst, dargestellt in sinnlicher Reflexion, nur auf sehr vage, unbestimmte und chaotische Weise.

2) Das Symbol einer Sache ist ihre Verallgemeinerung. Diese Verallgemeinerung ist jedoch nicht tot, nicht leer, nicht abstrakt und nicht fruchtlos, sondern eine, die es erlaubt oder vielmehr befiehlt, zu verallgemeinerten Dingen zurückzukehren und ihnen eine semantische Regelmäßigkeit einzuführen. Mit anderen Worten, die im Symbol vorhandene Gemeinsamkeit, implizit, enthält bereits alles, was symbolisiert wird, auch wenn es unendlich ist.

3) Das Symbol einer Sache ist ihr Gesetz, aber ein Gesetz, das die Dinge semantisch erzeugt und ihre empirische Konkretheit intakt lässt.

4) Das Symbol eines Dings ist eine regelmäßige Ordnung eines Dings, jedoch gegeben in Form eines allgemeinen Prinzips der semantischen Konstruktion, in Form eines sie erzeugenden Modells.

5) Das Symbol einer Sache ist ihr innerlich-äußerer Ausdruck, aber - geformt nach dem allgemeinen Prinzip ihrer Konstruktion.

6) Das Symbol einer Sache ist ihre Struktur, aber nicht einsam oder isoliert, sondern aufgeladen mit einer endlichen oder unendlichen Anzahl entsprechender individueller Manifestationen dieser Struktur.

7) Das Symbol einer Sache ist ihr Zeichen, aber nicht tot und regungslos, sondern gebiert zahlreiche, vielleicht unzählige regelmäßige und individuelle Gebilde, die er allgemein als abstrakt vorgegebene ideologische Bilder bezeichnet.

8) Das Symbol einer Sache ist ihr Zeichen, das mit dem unmittelbaren Inhalt der hier angedeuteten Singularitäten nichts zu tun hat, sondern diese unterschiedlichen und gegensätzlich bezeichneten Singularitäten hier durch jenes allgemeine Konstruktionsprinzip bestimmt werden, das sie zu einem einzigen macht. separates Ganzes, auf eine bestimmte Weise gerichtet.

9) Das Symbol eines Dings ist Identität, die Durchdringung des bezeichneten Dings und der ideologischen Bildsprache, die es bedeutet, aber diese symbolische Identität ist eine einteilige Ganzheit, die durch das eine oder andere einzelne Prinzip bestimmt wird, das es erzeugt und in ein solches verwandelt eine endliche oder unendliche Reihe von verschiedenen natürlich erhaltenen Singularitäten, die in die allgemeine Identität des Prinzips oder Modells, das sie hervorgebracht hat, als eine Art Gemeinsames verschmelzen Grenze ". 282

In der Geschichte des ästhetischen Denkens wurde der vollständigste klassische Begriff des Symbols von den Symbolisten des späten 19. - frühen 20. Jahrhunderts entwickelt, wie wir bereits oben diskutiert haben. Im zwanzigsten Jahrhundert. Der Begriff des Symbols ist in der hermeneutischen Ästhetik prominent. Insbesondere, GG Gadamer glaubte, dass das Symbol in irgendeiner Weise identisch ist Spiel; er verweist den Wahrnehmenden nicht auf etwas anderes, wie viele Symbolisten glaubten, sondern er selbst verkörpert seine eigene Bedeutung, manifestiert seine eigene Bedeutung, wie ein darauf basierendes Kunstwerk, d.h. ist ein "Zuwachs des Seins". Damit markiert Gadamer die Zerstörung des traditionellen klassischen Symbolverständnisses und skizziert neue nichtklassische Zugänge dazu, auf deren semantischen Variationen die Ästhetik der Postmoderne und viele Kunstpraktiken der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts aufbauen werden.

In der nichtklassischen Ästhetik werden die traditionellen Kategorien künstlerischer Bild und Symbol werden oft durch den Begriff ersetzt und ersetzt Simulakrum- "Ähnlichkeit", die keinen Prototyp hat, Archetyp. Einige postmoderne Denker behalten die Konzepte von Symbol und Symbolik bei, sind aber im Geiste der strukturellen psychoanalytischen Theorie mit nicht-traditionellen Inhalten gefüllt. Insbesondere, J. Lacan begreift das Symbolische als ein primäres Universales in Bezug auf Sein und Bewusstsein und erzeugt das gesamte semantische Universum der symbolischen Sprache, als das einzige wirkliche und der menschlichen Wahrnehmung zugängliche, das durch den Akt seiner Benennung die Person selbst hervorbringt.

Kanon

Für eine Reihe von Epochen und Strömungen in der Kunst, in denen das künstlerische Symbol und nicht das Bild vorherrschte, spielten kanonisches künstlerisches Denken, die Standardisierung von Kreativität, die Kanonisierung des Systems bildhaft-ausdrucksvoller Mittel und Prinzipien eine herausragende Rolle im kreativen Prozess . Also zunächst auf der Ebene der impliziten Ästhetik Kanon wurde zu einer der wesentlichen Kategorien der klassischen Ästhetik und definierte eine ganze Klasse von Phänomenen der Kunstgeschichte. Gewöhnlich bedeutet es ein System von internen schöpferischen Regeln und Normen, die die Kunst in einer bestimmten historischen Periode oder in einer künstlerischen Richtung dominieren und die grundlegenden strukturellen und konstruktiven Gesetze bestimmter Kunstarten festlegen.

Kanonizität ist in erster Linie der antiken und mittelalterlichen Kunst inhärent. In der bildenden Kunst des alten Ägyptens wurde der Kanon der Proportionen des menschlichen Körpers etabliert, der von den antiken griechischen Klassikern neu interpretiert und vom Bildhauer Polykletus (5 die Statue "Dorifor", auch "Canon" genannt. Das von Polykletus entwickelte System der idealen Proportionen des menschlichen Körpers wurde für die Antike und mit einigen Änderungen für die Künstler der Renaissance und des Klassizismus zur Norm. Vitruv verwendete den Begriff "Kanon" auf ein Regelwerk architektonischer Kreativität. Cicero benutzte das griechische Wort "Kanon", um das Maß des Redestils zu bezeichnen. In Patristik Kanon bezeichnet eine Reihe von Texten der Heiligen Schrift, die von Kirchenräten legalisiert wurden.

In der bildenden Kunst des östlichen und europäischen Mittelalters, insbesondere im Kult, wurde der ikonographische Kanon etabliert. Entwickelt im Prozess einer jahrhundertealten künstlerischen Praxis, stammen die wichtigsten kompositorischen Schemata und die entsprechenden Elemente des Bildes bestimmter Charaktere, ihrer Kleidung, Posen, Gesten, Details der Landschaft oder Architektur bereits aus dem 9. Jahrhundert. wurden als kanonisch gefestigt und dienten bis ins 17. Auch das Lied und die Poesie von Byzanz gehorchten seinen Kanons. Insbesondere eine der komplexesten Formen der byzantinischen Hymnographie (8. Jahrhundert) wurde "Kanon" genannt. Es bestand aus neun Songs, von denen jeder eine bestimmte Struktur hatte. Die erste Strophe jedes Liedes (irmos) wurde fast immer nach Themen und Bildern aus dem Alten Testament komponiert, in den restlichen Strophen wurden die Themen von irmos poetisch und musikalisch entwickelt. In der westeuropäischen Musik des XII-XIII Jahrhunderts. unter dem namen "canon" wird eine spezielle polyphonie entwickelt. Seine Elemente überlebten in der Musik bis ins 20. Jahrhundert. (bei P. Hindemith, B. Bartok, D. Schostakowitsch und anderen). Bekannt ist die kanonische Normatisierung der Kunst in der Ästhetik des Klassizismus, die sich oft zu einem formalisierenden Akademismus entwickelt hat.

Erst im 20. Jahrhundert wurde das Problem des Kanons in der ästhetischen und kunsthistorischen Forschung auf die theoretische Ebene gebracht; am produktivsten in den Werken von P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu. Lotman und anderen russischen Wissenschaftlern. Florensky und Bulgakov betrachteten das Problem des Kanons in Bezug auf die Ikonenmalerei und zeigten, dass die jahrhundertealte spirituelle und visuelle Erfahrung der Menschheit (die konziliare Erfahrung der Christen) beim Eindringen in die göttliche Welt im ikonographischen Kanon verankert war, der als möglichst „die schöpferische Energie des Künstlers für neue Errungenschaften, für kreative Aufbrüche“ 283 ... Bulgakov sah im Kanon eine der wesentlichen Formen der "Kirchentradition".

Losev definierte den Kanon als „ein quantitativ-strukturelles Modell eines Kunstwerks eines solchen Stils, das als gewisser soziohistorischer Indikator als Konstruktionsprinzip einer bekannten Werkgruppe interpretiert wird“284. Lotman interessierte sich für den informationssemiotischen Aspekt des Kanons. Er glaubte, dass der kanonisierte Text nicht nach dem Vorbild einer natürlichen Sprache, sondern "nach dem Prinzip der musikalischen Struktur" organisiert ist und daher nicht so sehr als Informationsquelle, sondern als ihr verursachendes Agens fungiert. Der kanonische Text ordnet die Informationen, die dem Subjekt zur Verfügung stehen, auf eine neue Weise, „rekodiert seine Persönlichkeit neu“ 285.

Der Kanon im Prozess der historischen Existenz der Kunst spielt eine doppelte Rolle. Als Träger der Traditionen eines bestimmten künstlerischen Denkens und einer entsprechenden künstlerischen Praxis drückte der Kanon auf strukturell-konstruktiver Ebene das ästhetische Ideal einer bestimmten Epoche, Kultur, Menschen, künstlerischen Richtung usw. Dies ist ihre produktive Rolle in der Kulturgeschichte. Als sich mit dem Wandel der kulturhistorischen Epochen das ästhetische Ideal und das gesamte künstlerische Denken änderten, wurde der Kanon einer vergangenen Epoche zum Hemmschuh für die Entwicklung der Kunst, hinderte sie daran, die geistige und praktische Situation ihrer Zeit. Im kulturgeschichtlichen Entwicklungsprozess wird dieser Kanon durch neue schöpferische Erfahrungen überwunden. In einem bestimmten Kunstwerk ist das kanonische Schema nicht Träger der künstlerischen Bedeutung selbst, die auf seiner Grundlage (in den "kanonischen" Künsten - dank ihm) in jedem Akt künstlerischen Schaffens oder ästhetischer Wahrnehmung, im Prozess der die Gestaltung eines künstlerischen Bildes.

Die künstlerische und ästhetische Bedeutung des Kanons liegt darin, dass das irgendwie materiell fixierte oder nur im Bewusstsein des Künstlers (und in der Wahrnehmung der Träger dieser Kultur) existierende kanonische Schema die konstruktive Grundlage eines künstlerischen Symbols, als ob sie einen begabten Meister dazu provozieren wollte, sie in ihr durch das System der kaum wahrnehmbaren, aber künstlerisch bedeutsamen Abweichungen von ihr in den Nuancen aller Elemente der bildlich-ausdrucksvollen Sprache konkret zu überwinden. In der Psyche des Betrachters weckte das kanonische Schema einen stabilen, für seine Zeit und Kultur traditionellen Informationskomplex, und spezifische künstlerisch organisierte Variationen von Formelementen veranlassten ihn, tief in ein scheinbar vertrautes, aber immer wieder neu erscheinendes Bild zu blicken, um streben danach, in seine wesentlichen, archetypischen Gründe einzudringen, um einige noch unbekannte spirituelle Tiefen zu entdecken.

Seit der Renaissance bewegt sich die Kunst des New Age aktiv weg vom kanonischen Denken hin zu einer persönlich-individuellen Kreativität. Die „konziliare“ Erfahrung wird ersetzt durch die individuelle Erfahrung des Künstlers, seine ursprüngliche persönliche Vision der Welt und die Fähigkeit, diese in künstlerischen Formen auszudrücken. Und nur in schnell-Kultur, beginnend mit Pop-Art, Konzeptualismus, Poststrukturalismus und Postmoderne, im System des künstlerischen und humanitären Denkens werden kanonische Prinzipien bejaht, einige Simulakra Kanon auf der Ebene der konventionellen Kreativitätsprinzipien, wenn es in den Bereichen der Kunstproduktion und ihrer verbalen Beschreibung (neueste Kunsthermeneutik) einzigartige kanonische Methoden und Arten der Schaffung von Kunstprodukten und deren verbale Unterstützung gibt. Man könnte heute von „Kanonen“ bzw. Quasi-Kanonen der Pop-Art, des Konzeptualismus, der „Neuen Musik“, der „fortgeschrittenen“ Kunstkritik, des philosophischen und ästhetischen Diskurses etc. sprechen, deren Bedeutung nur „Eingeweihten“ zugänglich ist “ in den „Regelspielen“ innerhalb dieser kanonisch-konventionellen Räume und geschlossen von allen anderen Mitgliedern der Gemeinschaft, egal auf welcher Ebene ihrer spirituell-intellektuellen oder ästhetischen Entwicklung sie sind.

Stil

Eine weitere bedeutende Kategorie in der Kunstphilosophie und in der Kunstgeschichte ist Stil. Tatsächlich ist es mehr kostenlos in Erscheinungsformen und einer Art Modifikation Kanon, etwas präziser - ziemlich stabil für einen bestimmten Zeitraum der Kunstgeschichte, eine bestimmte Richtung, einen Trend, eine Schule oder einen Künstler, schwer zu beschreiben ein mehrstufiges System von Prinzipien des künstlerischen Denkens, Methoden des figurativen Ausdrucks, bildlich-expressive Techniken, konstruktiv-formale Strukturen usw. Im XIX-XX Jahrhundert. Diese Kategorie wurde von vielen Kunsthistorikern und -theoretikern, Ästhetikern und Philosophen energisch entwickelt. Die Schule der Kunstkritiker G. Wölflin, A. Rigl und andere verstanden Stil als ein ziemlich stabiles System von formalen Zeichen und Elementen der Organisation eines Kunstwerks (Flachheit, Volumen, Malerische, grafische Qualität, Einfachheit, Komplexität, offene oder geschlossene Form). , etc.) und auf dieser Grundlage für möglich gehalten, die gesamte Kunstgeschichte als überindividuelle Stilgeschichte ("Kunstgeschichte ohne Namen" - Wölflin) zu betrachten. A. F. Losev definierte Stil als „das Prinzip, das gesamte Potenzial eines Kunstwerks auf der Grundlage seiner verschiedenen überbaulichen und außerkünstlerischen Aufgabenstellungen und seiner primären Vorbilder zu konstruieren, die jedoch in den künstlerischen Strukturen des Werkes selbst immanent spürbar sind. "

W. Spengler in "Der Untergang Europas" widmete er dem Stil als einem der wichtigsten und wesentlichen Merkmale der Kultur, ihren epochalen Etappen, besondere Aufmerksamkeit. Stil ist für ihn ein "metaphysischer Formsinn", der von der "Spiritualitätsatmosphäre" einer bestimmten Epoche bestimmt wird. Sie ist weder von Personen, noch von Material oder Kunstgattung, noch nicht einmal von Kunstströmungen abhängig. Als eine Art metaphysisches Element dieser Kulturstufe schafft der „große Stil“ selbst Persönlichkeiten, Strömungen und Epochen in der Kunst. Dabei versteht Spengler Stil in einem deutlich weitergehenden als künstlerischen und ästhetischen Sinn. „Stile folgen aufeinander, wie Wellen und Schläge eines Pulses. Mit der Persönlichkeit der einzelnen Künstler, ihrem Willen und ihrem Bewusstsein haben sie nichts gemeinsam. Im Gegenteil, es ist der Stil, der am meisten hervorbringt Art der Künstler. Stil ist wie Kultur ein Urphänomen im strengsten goetheanischen Sinne, er ist immer noch der Stil der Künste, der Religionen, des Denkens oder des Lebensstils selbst. Stil ist wie die "Natur" eine ewig neue Erfahrung eines wachen Menschen, seines Alter Egos und eines Spiegelbildes in der Welt um ihn herum. Daher kann es im allgemeinen historischen Bild jeder Kultur nur einen Stil geben - der Stil dieser Kultur" 287 . Gleichzeitig ist Spengler mit der in der Kunstkritik durchaus traditionellen Klassifikation der „großen Stile“ nicht einverstanden. Zum Beispiel glaubt er, dass Gotik und Barock keine unterschiedlichen Stile sind: "Dies ist Jugend und Alter von derselben Form: der reifende und gereifte Stil des Westens" 288. Zeitgenössischer russischer Kunstkritiker V.G. Vlassov definiert Stil als "die künstlerische Bedeutung der Form", wie Sensation„Der Künstler und der Betrachter der umfassenden Integrität des künstlerischen Gestaltungsprozesses in historischer Zeit und Raum. Stil ist ein künstlerisches Zeiterlebnis.“ Er versteht Stil als „eine Kategorie künstlerischer Wahrnehmung“ 289. Und diese Reihe ganz unterschiedlicher Stildefinitionen und Stilverständnisse lässt sich fortsetzen 290.

Jeder von ihnen hat etwas gemeinsam und etwas, das anderen Definitionen widerspricht, aber im Großen und Ganzen werden alle Forscher als völlig ausreichend empfunden Gefühl(innerlich verstehen) das tiefe Wesen dieses Phänomens, kann es aber nicht genau in Worte fassen. Dies zeugt einmal mehr davon, dass Stil, wie viele andere Phänomene und Phänomene der künstlerischen und ästhetischen Realität, eine relativ dünne Materie ist, so dass er mehr oder weniger adäquat und eindeutig definiert werden kann. Hier sind nur gewisse zirkuläre deskriptive Ansätze möglich, die letztendlich in der Wahrnehmung des Lesers eine ziemlich adäquate Vorstellung davon erzeugen, was tatsächlich diskutiert wird.

Auf der Ebene von Kulturepochen und Kunstströmungen sprechen Forscher über die Kunststile des alten Ägypten, Byzanz, Romanik, Gotik, Klassizismus, Barock, Rokoko und Jugendstil. In Zeiten der Verwischung der globalen Stile einer Epoche oder eines großen Trends sprechen sie von den Stilen einzelner Schulen (z Künstler (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman usw.).

In der Kunstgeschichte entstanden große Stile in der Regel in synthetischen Epochen, als die Hauptkünste gewissermaßen nach dem Prinzip einer Art Vereinigung um und auf der Grundlage der Leitkunst, die in der Regel die Architektur war, gebildet wurden. Malerei, Bildhauerei, angewandte Kunst und manchmal Musik wurden davon geleitet, d.h. über das System der Prinzipien der Arbeit mit Form und künstlerischem Bild (insbesondere Prinzipien der Raumorganisation), das in der Architektur auftaucht. Es ist klar, dass der Stil in der Architektur und in anderen Kunstgattungen (ebenso wie ein Lebensstil oder ein Denkstil - man sagt auch über solche Stile) historisch und intuitiv, außerbewusst, geformt wurde. Niemand hat sich je eine bestimmte Aufgabe gestellt: den einen oder anderen Stil zu kreieren, der sich durch diese und jene Merkmale und Eigenschaften auszeichnet. Tatsächlich ist der "große" Stil ein komplex vermitteltes Optimum künstlerische Darstellung und Ausdruck auf der Makroebene (der Ebene einer ganzen Epoche oder einer großen künstlerischen Richtung) bestimmter wesentlicher spiritueller, ästhetischer, ideologischer, religiöser, sozialer, objektpraktischer Merkmale einer bestimmten historischen Menschengemeinschaft, einer bestimmten ethnohistorischen Kulturstufe ; eine Art Makrostruktur künstlerischen Denkens, die einer bestimmten soziokulturellen, ethnohistorischen Gemeinschaft von Menschen angemessen ist. Spezifische Materialien der Kunst, Technik und Technologie ihrer Verarbeitung im Prozess der Kreativität können auch einen gewissen Einfluss auf den Stil haben.

Stil ist gewissermaßen ein materiell fixiertes, relativ bestimmtes System bildhaft-expressiver Prinzipien künstlerischen Denkens, das von allen Rezipienten, die über ein gewisses Maß an künstlerischem Flair, ästhetischem Feingefühl, „Stilgefühl“ verfügen, gut und ziemlich genau wahrgenommen wird; es ist eine Art mehr oder weniger deutlich wahrgenommene Tendenz zu einer ganzheitlichen künstlerischen Gestaltung, die tiefe spirituelle und plastische Intuitionen (kollektives künstlerisches Unbewusstes, plastische Archetypen, Vorformen, Domerfahrungen usw.) einer bestimmten Epoche, historischen Epoche, Richtung, Kreativität ausdrückt Persönlichkeit, die den Geist Ihrer Zeit spürt; es ist, im übertragenen Sinne, ästhetische Handschrift Epoche; optimal für eine bestimmte Epoche (Richtung, Schule, Persönlichkeit) ästhetisches Display-Modell(Kennliniensystem) Prinzipien der Organisation künstlerische Ausdrucksmittel und Ausdruckstechniken), intern vergeistigt unverbalisierte Prinzipien, Ideale, Ideen, kreative Impulse aus den höchsten Ebenen der Realität, die für diese Zeit lebenswichtig sind. Fehlt diese Spiritualität, verschwindet der Stil. Nur seine äußeren Spuren bleiben: Weise, System von Techniken.

Stil, bei aller Wahrnehmbarkeit eines hochentwickelten ästhetischen Empfindens seiner Präsenz in bestimmten Kunstwerken, ist auch für „große“ Stilphänomene nichts absolut Bestimmtes und „Reines“. Bei Vorhandensein und Vorherrschen eines integralen Satzes bestimmter dominanter stilistischer Merkmale enthält fast jedes Werk eines bestimmten Stils immer Elemente und Merkmale, die ihm zufällig und ihm fremd sind, was nicht nur den "Stil" nicht beeinträchtigt. eines Werkes, sondern steigert im Gegenteil dessen künstlerische Aktivität, seine spezifische Lebendigkeit als ästhetisches Phänomen dieses besonderen Stils. Zum Beispiel unterstreicht das Vorhandensein vieler romanischer Elemente in den Denkmälern der gotischen Architektur nur den Ausdruck der gotischen Originalität dieser Denkmäler.

Zum Abschluss des Gesprächs über den Stil werde ich versuchen, einen der "großen" Stile kurz zu beschreiben und gleichzeitig die Unzulänglichkeit einer solchen verbalen Beschreibung aufzuzeigen. Nehmen Sie zum Beispiel gotisch- einer der größten internationalen Stilrichtungen entwickelter europäischer Kunst (kurze Merkmale der Stilmerkmale) Klassizismus und Barock finden sich oben (Section One. Ch. I. § 1), wo sie als Beschreibungen der Merkmale des künstlerischen und ästhetischen Bewusstseins der entsprechenden Kunstrichtungen erscheinen.

Gotik (der Begriff stammt von den "Goten" - eine verallgemeinerte Benennung der Römer der europäischen Stämme, die das Römische Reich im 3.-5 auf die mittelalterliche Kunst in einem spöttisch abwertenden Sinne anwenden), die westeuropäische Kunst des XIII.-XV - im orthodoxen Gebiet - der byzantinische Stil, der in Byzanz und den Ländern seines spirituellen Einflusses blühte - besonders aktiv bei den südslawischen Völkern und im alten Russland). Es wurde hauptsächlich in der Architektur geformt und verbreitete sich auf andere Kunstformen, die hauptsächlich mit der christlichen Anbetung und dem Lebensstil der mittelalterlichen christlichen Städter in Verbindung gebracht wurden.

Die tiefe Bedeutung dieses Stils besteht im konsequenten künstlerischen Ausdruck des Wesens der christlichen Weltanschauung, die in der Behauptung des Vorrangs des geistigen Prinzips im Menschen und im Universum vor dem Materiellen mit einer inneren tiefen Achtung vor der Materie als Träger besteht des Geistigen, ohne und außerhalb dessen es auf Erden nicht existieren kann. In dieser Hinsicht hat die Gotik vielleicht das Beste in der christlichen Kultur erreicht. Die Überwindung von Materie, Materie, Dingheit durch Geist, Spiritualität wurde hier mit erstaunlicher Kraft, Ausdruck und Konsequenz verwirklicht. Dies war in der Steinarchitektur besonders schwierig umzusetzen, und hier erreichten die Meister der Gotik den Gipfel der Perfektion. Durch die akribische Arbeit vieler Generationen von Baumeistern, geleitet von einem einheitlichen kathedralenkünstlerischen Geist ihrer Zeit, wurde konsequent nach Methoden gesucht, um die schweren Steinstrukturen der Gewölbe des Tempels im Übergang vom Kreuzgewölbe zum das Kreuzrippengewölbe, in dem der Ausdruck konstruktiver Tektonik vollständig durch künstlerische Kunststoffe ersetzt wurde.

Dadurch werden die Schwere des Materials (Stein) und die Bautechniken zur Überwindung seiner physikalischen Eigenschaften vollständig vor dem Betreten des Tempels verborgen. Der gotische Tempel wurde mit rein künstlerischen Mitteln (durch die Organisation des inneren Raumes und der äußeren plastischen Erscheinung) in ein besonderes skulptural-architektonisches Phänomen der wesentlichen Transformation (Transformation) des irdischen Raum-Zeit-Kontinuums in einen ganz anderen Raum verwandelt - einen erhabeneren , extrem vergeistigt, irrational-mystisch in seiner inneren Ausrichtung ... Letztlich arbeiten hierfür alle wesentlichen künstlerischen und ausdrucksstarken (und es sind auch konstruktive und kompositorische) Techniken und Elemente, die den gotischen Stil in ihrer Gesamtheit ausmachen.

Dazu gehören dünne, anmutige, komplex profilierte Säulen (im Gegensatz zu massiven romanischen Säulen), die sich zu den durchbrochenen schwerelosen Spitzgewölben in eine fast unzugängliche Höhe erheben, die Vorherrschaft von Vertikaler über Horizontaler, Dynamik (Aufstieg, Errichtung) über Statik, Ausdruck über Frieden behaupten. Unzählige Spitzbögen und Gewölbe wirken in die gleiche Richtung, auf deren Grundlage der Innenraum des Tempels tatsächlich gebildet wird; riesige Lanzettenfenster, gefüllt mit farbigen Buntglasfenstern, die eine unbeschreibliche, ständig vibrierende und wechselnde helle surreale Atmosphäre im Tempel schaffen; langgestreckte Kirchenschiffe, die den Geist des Betrachters auf einem schmalen, visuell nach oben gerichteten und weit gerichteten Weg zum Altar führen (spirituell auch zum Aufstieg, zur Erhebung nach oben, in einen anderen Raum beitragen); geschnitzte mehrflügelige Abschlussaltäre mit gotischen Bildern zentraler evangelischer Ereignisse und Charaktere und filigranen Lanzettenaltarstrukturen - Retabel (französisches Retabel - hinter dem Tisch). In der gleichen lanzettförmigen Form sind die Sitze im Altar und im Tempel, Dienst- und Gebrauchsgegenstände sowie Tempelutensilien gefertigt.

Gotische Tempel von außen und von innen sind mit einer Fülle von Volumenplastiken gefüllt, die wie die gotische Malerei naturnah gestaltet sind, was auch im Mittelalter durch die realistische Farbgebung der Skulpturen betont wurde. So entstand eine Art Raum-Umwelt-Gegensatz zwischen der extrem irrationalen Architektur, die in mystische Distanzen strebt, und der irdischen Plastizität und Malerei, die organisch konstruktiv in sie einfliesst, ihr aber im Geiste gegenübersteht. Auf künstlerischer Ebene (und dies ist ein charakteristisches Merkmal der Gotik) wurde die wesentliche Antinomie des Christentums ausgedrückt: die Einheit der gegensätzlichen Prinzipien im Menschen und der irdischen Welt: Geist, Seele, Geist und Materie, Körper, Körper.

Gleichzeitig kann man nicht im wörtlichen Sinne vom Naturalismus der gotischen Bildhauerei und Malerei sprechen. Dies ist ein besonderer, künstlerisch inspirierter Naturalismus, gefüllt mit subtiler künstlerischer Materie, der den Geist des Wahrnehmenden in die spirituelle und ästhetische Welt erhebt. Mit einem eigentümlichen Naturalismus der Mimik und Gestik der scheinbar statuarischen Reihen gotischer Statuen verblüfft der Reichtum und die künstlerische Plastizität der Falten ihrer Kleidung, die einigen physisch unbedingten Kräften ausgesetzt sind; oder die exquisite Biegelinie der Körper vieler stationärer gotischer Figuren - die sogenannte gotische Kurve (S-förmige Biegung der Figur). Die gotische Malerei gehorcht einigen eigentümlichen Gesetzen des besonderen Farbformausdrucks. Viele fast naturalistisch (oder illusorisch-fotografisch) gemalte Gesichter, Figuren, Kleider in Altarbildern verblüffen mit ihrer überrealen überirdischen Kraft. Ein herausragendes Beispiel hierfür ist die Kunst des niederländischen Künstlers Rogier van der Weyden und einiger seiner Schüler.

Die gleichen Stilmerkmale sind charakteristisch für das äußere Erscheinungsbild gotischer Tempel: Skulpturalität, das Streben nach oben des gesamten Erscheinungsbildes durch die lanzettförmigen Bögen, Gewölbe, alle kleinen architektonischen Elemente, schließlich riesige Pfeile, die die durchbrochenen Tempel krönen, als ob gewebt aus Steinspitze, rein dekorative Türme architektonischen Zweck; geometrisch präzise Rosetten von Fenstern und dekorativen, unzähligen ornamentalen Verzierungen, die innerhalb eines einzigen architektonischen Gesamtorganismus kontrastieren mit semi-naturalistischen Skulpturen und häufigen floralen Ornamenten aus Zweigen mit Blättern. Organische Natur und eine mathematisch verifizierte und geometrisch vorgeschriebene Form im gotischen Stil bilden ein ganzheitliches hochkünstlerisches und hochspirituelles Bild, das den Geist eines Gläubigen oder ästhetischen Subjekts zu anderen Realitäten, zu anderen Bewusstseinsebenen (oder Seinsebenen) orientiert, lenkt, erhebt. . Wenn wir dazu die Klangatmosphäre (die Akustik in gotischen Kirchen sind ausgezeichnet) der Orgel und des Kirchenchores hinzufügen, die beispielsweise gregorianischen Gesang aufführen, dann wird das Bild einiger der wesentlichen Merkmale des gotischen Stils mehr oder weniger sein vollständig, wenn auch bei weitem nicht ausreichend.