Uma contribuição significativa para a interpretação de Shakespeare no palco soviético foi a peça "Twelfth Night" no Moscow Art Theatre 2, que estreou em 26 de dezembro de 1933.
A performance foi encenada por S. V. Giatsintova e V. V. Gotovtsev. Artista - V. A. Favorsky, compositor - N. Rakhmanov. A. M. Azarin desempenhou o papel de Malvolio, V. V. Gotovtsev - o papel de Sir Toby.
“Foi uma apresentação animada e brilhante. Ainda mais suculentos e espessos do que na performance do Primeiro Estúdio em 1917, eles carregavam o tema do Shakespeare "puro" de SV Giatsintov no papel de Maria - "Maria carnal terrestre", como um dos críticos a chamou, e VV um personagem genuinamente Falstaffiano no papel do gay, dissoluto e exuberante Sir Toby Belch. M. A. Durasova, que interpretou os papéis de Viola e Sebastian, tinha muita poesia genuína. A performance estava imbuída de um amor apaixonado pela vida e uma diversão desenfreada, tão típica daquelas comédias solares que foram criadas por Shakespeare no primeiro período de sua carreira. E, no entanto, esse desempenho ainda sofria de graves vícios. Como na produção de 1917, por exemplo, toda a fala do "puritanismo" de Malvolio foi omitida do texto. Em vez de uma caricatura de um puritano, ou, mais amplamente, de um "respeitável" narcisista cavalheiro inglês, apareceu em cena uma espécie de efígie com lábios de macaco e um falsete penetrante, cheio de, nas palavras de um crítico, " o orgulho galo de um tolo." Embora A. M. Azarin tenha desempenhado o papel de Malvolio à sua maneira, a máscara primitiva que ele criou tinha pouco a ver com a imagem de Shakespeare. Também notamos que o Teatro de Arte de Moscou II reagiu sem a menor cerimônia ao texto de Shakespeare. Z.L. Troitsky chega à conclusão de que em vez de decifrar o texto, os lugares escuros foram simplesmente recortados e que "em geral, o texto era uma composição solta e heterogênea que tinha pouco em comum com o original de Shakespeare" ().
As canções líricas foram tiradas do Fest e dadas a Viola-Sebastian. O teatro, aparentemente, nem suspeitava que Festus fosse uma imagem complexa e significativa, semelhante a Touchstone, “atirando flechas de humor de sua capa”, bem como o bobo “doce” e ao mesmo tempo “amargo” de Rei Lear. No desempenho do Teatro de Arte de Moscou do Segundo Fest, havia apenas algum tipo de camarada alegre impessoal, embora esse papel tenha sido desempenhado por um mestre como S. V. Obraztsov. (M.M. Morozov. Artigos selecionados e traduções "Shakespeare no palco soviético", M., GIHL, 1954)

Das memórias de Olga Aroseva
Surpreendentemente, Vladimir Vasilyevich (Gotovtsev) lembrou-se do desempenho do Segundo Teatro de Arte de Moscou nos mínimos detalhes. Ele preservou a notável mise-en-scene com uma caneca de cerveja, quando em um dia quente de verão Maria, mergulhando o rosto na caneca, bebeu cerveja com prazer e riu alto em seu estrondo vítreo; ela riu alegremente, porque era jovem, saudável, cheia de força e porque seus amigos estavam por perto - companheiros alegres e pessoas travessas, e o velho Sir Toby, apaixonado, perdeu completamente a cabeça dela, e também porque o dia de verão do sul de o país mágico de Elyria floresce e brilha ao redor.

Estado atual

Desde 2006, a FIVB uniu 220 federações nacionais de vôlei, o vôlei é um dos esportes mais populares da Terra. Em agosto de 2008, o chinês Wei Jizhong foi eleito o novo presidente da FIVB.

O voleibol é o esporte mais desenvolvido em países como Rússia, Brasil, China, Itália, EUA, Japão, Polônia. A atual campeã mundial entre os homens é a Seleção Brasileira (2006), entre as mulheres - a Seleção Russa (2006).

Desenvolvimento do vôlei na Rússia

Conforme observa a publicação "All About Sports" (1978), o vôlei nasceu no exterior, mas no início era um enteado no continente americano. “Nosso país se tornou sua verdadeira pátria. Foi na União Soviética que o vôlei adquiriu suas notáveis ​​qualidades. Tornou-se atlético, rápido, ágil, como o conhecemos hoje.

O vôlei pré-guerra na URSS era chamado de brincadeira de "o jogo dos atores". De fato, em Moscou, as primeiras quadras de vôlei apareceram nos pátios dos teatros - Meyerhold, Chamber, Revolution, Vakhtangov. Em 28 de julho de 1923, a primeira partida oficial ocorreu na rua Myasnitskaya, na qual as equipes das Oficinas Superiores de Teatro Artístico (VKHUTEMAS) e da Escola Estadual de Cinematografia (GShK) se encontraram. A partir deste encontro, está sendo conduzida a cronologia do nosso vôlei. Os pioneiros do novo esporte foram os mestres das artes, os futuros Artistas do Povo da URSS Nikolai Bogolyubov, Boris Shchukin, Anatoly Ktorov e Rina Zelyonaya, os futuros artistas famosos Georgy Nissky e Yakov Romas. O nível de habilidade dos atores na época não era inferior ao esportivo - o clube "Rabis" (sindicato dos trabalhadores da arte) venceu o time da sociedade esportiva "Dynamo" (Moscou).

Em janeiro de 1925, o Conselho de Educação Física de Moscou desenvolveu e aprovou as primeiras regras oficiais para competições de vôlei. De acordo com essas regras, os campeonatos de Moscou são realizados regularmente desde 1927. Um evento importante no desenvolvimento do vôlei em nosso país foi o campeonato disputado durante o primeiro All-Union Spartakiad em 1928 em Moscou. Estiveram presentes equipes masculinas e femininas de Moscou, Ucrânia, Norte do Cáucaso, Transcaucásia, Extremo Oriente. No mesmo ano, um painel permanente de juízes foi estabelecido em Moscou.

Para o desenvolvimento do voleibol, as competições de massa realizadas nos locais dos parques de cultura e recreação em muitas cidades da URSS foram de grande importância. Esses jogos se tornaram uma boa escola para convidados estrangeiros - no início dos anos 30, as regras da competição foram publicadas na Alemanha sob o nome de "Vôlei - um jogo folclórico russo".

Na primavera de 1932, uma seção de vôlei foi criada sob o Conselho de Cultura Física da União Soviética. Em 1933, durante uma sessão do Comitê Executivo Central no palco do Teatro Bolshoi, uma partida de exibição entre as equipes de Moscou e Dnepropetrovsk foi disputada na frente dos líderes do partido no poder e do governo da URSS. E um ano depois, os campeonatos da União Soviética, oficialmente chamados de "All-Union Volleyball Holiday", são realizados regularmente. Tendo se tornado os líderes do vôlei doméstico, os atletas de Moscou tiveram a honra de representá-lo na arena internacional, quando os atletas afegãos foram convidados e rivais em 1935. Apesar do fato de os jogos terem sido realizados de acordo com as regras asiáticas, os jogadores de vôlei soviéticos conquistaram uma vitória convincente - 2:0 (22:1, 22:2).

Durante a Grande Guerra Patriótica, o voleibol continuou a ser cultivado nas unidades militares. Já em 1943, as quadras de vôlei na retaguarda começaram a ganhar vida. Desde 1945, os campeonatos da URSS foram retomados e o vôlei se tornou um dos esportes mais populares em nosso país. O número de pessoas envolvidas no voleibol foi estimado em 5-6 milhões (e de acordo com algumas fontes, várias vezes mais). Como observa o lendário treinador Vyacheslav Platonov em seu livro The Equation with Six Known Ones, “naqueles dias, aqueles anos são inimagináveis ​​sem o vôlei. Uma bola voando através de uma rede esticada entre dois pilares (árvores, estantes) tinha um efeito mágico nos adolescentes, nos meninos e nas meninas, nos bravos guerreiros que voltavam do campo de batalha, naqueles que eram atraídos uns pelos outros. E então todos foram atraídos um pelo outro. O voleibol era jogado em pátios, parques, estádios, nas praias... Junto com amadores, mestres reconhecidos como Anatoly Chinilin, Anatoly Eingorn, Vladimir Ulyanov não hesitou em ir para a rede. Graças a um personagem tão grande, os alunos que pegaram a bola nas mãos pela primeira vez rapidamente se transformaram em verdadeiras estrelas do vôlei soviético e mundial.

As competições para o campeonato da URSS eram realizadas exclusivamente em áreas abertas, na maioria das vezes após partidas de futebol nas proximidades dos estádios, e grandes competições, como a Copa do Mundo de 1952, eram realizadas nos mesmos estádios com arquibancadas lotadas.

Em 1947, os jogadores de vôlei soviéticos entraram na arena internacional. No primeiro Festival Mundial da Juventude em Praga, realizou-se um torneio de voleibol, no qual participou a equipa de Leningrado, reforçada, como era então habitual, pelos moscovitas. A seleção nacional foi liderada pelos lendários treinadores Alexei Baryshnikov e Anatoly Chinilin. Nossos atletas venceram 5 partidas com placar de 2:0, e apenas as últimas 2:1 (13:15, 15:10, 15:7) contra os anfitriões, a seleção da Tchecoslováquia. A primeira partida "feminina" ocorreu em 1948 - a equipe metropolitana "Lokomotiv" foi para a Polônia, complementada por colegas do "Dínamo" e "Spartak" de Moscou e da equipe Leningrad Spartak. No mesmo 1948, a Seção All-Union Volleyball tornou-se membro da Federação Internacional de Voleibol (e não americana, mas nossas regras do jogo formaram a base das internacionais), e em 1949, nossos jogadores participaram de competições internacionais oficiais pela primeira vez. A estreia acabou sendo "de ouro" - a equipe feminina da URSS conquistou o título de campeã europeia e a equipe masculina venceu o campeonato mundial. Em 1959, a Federação de Voleibol da URSS foi formada.

Nossa seleção masculina também se tornou a primeira campeã olímpica em Tóquio 1964. Ela também ganhou as Olimpíadas na Cidade do México (1968) e em Moscou (1980). E a equipe feminina quatro vezes (1968, 1972, 1980 e 1988) conquistou o título de campeã olímpica.

Os jogadores de vôlei soviéticos são 6 vezes campeões mundiais, 12 vezes campeões europeus, 4 vezes campeões da Copa do Mundo. A equipe feminina da URSS venceu 5 Campeonatos Mundiais, 13 Campeonatos Europeus e 1 Copa do Mundo.

A Federação Russa de Voleibol (VVF) foi fundada em 1991. O presidente da federação é Nikolay Patrushev. A equipe masculina russa é a vencedora da Copa do Mundo de 1999 e da Liga Mundial de 2002. A equipe feminina venceu o Campeonato Mundial de 2006, o Campeonato Europeu (1993, 1997, 1999, 2001), o Grande Prêmio (1997, 1999, 2002), a Copa dos Campeões do Mundo de 1997.

Sob os auspícios da FIVB

Os Jogos Olímpicos são realizados a cada 4 anos. O Campeonato Mundial também é realizado a cada 4 anos. A Copa dos Campeões do Mundo é realizada a cada 4 anos. A Liga Mundial é realizada uma vez por ano. O Grande Prêmio é realizado uma vez por ano. Sob os auspícios do CEV, o Campeonato da Europa é realizado a cada 2 anos.

O nome completo é o Teatro Acadêmico Estadual Bolshoi da Rússia (GABT).

História da ópera

Um dos mais antigos teatros musicais russos, o principal teatro russo de ópera e balé. O Teatro Bolshoi desempenhou um papel de destaque no estabelecimento das tradições nacionais realistas da ópera e da arte do balé, na formação da escola russa de música e teatro. O Teatro Bolshoi tem sua história desde 1776, quando o promotor provincial de Moscou, Príncipe P. V. Urusov, recebeu o privilégio do governo de "ser o dono de todas as apresentações teatrais em Moscou ...". A partir de 1776, foram realizadas apresentações na casa do Conde R. I. Vorontsov em Znamenka. Urusov, juntamente com o empresário M. E. Medoks, construiu um edifício especial de teatro (na esquina da Rua Petrovka) - o Teatro Petrovsky, ou Opera House, onde foram encenadas apresentações de ópera, drama e balé em 1780-1805. Foi o primeiro teatro permanente em Moscou (queimou em 1805). Em 1812, outro prédio do teatro também foi destruído pelo fogo - no Arbat (arquiteto K. I. Rossi) e a trupe se apresentou em instalações temporárias. Em 6 (18) de janeiro de 1825, o Teatro Bolshoi (projetado por AA Mikhailov, arquiteto OI Bove), construído no local do antigo Petrovsky, foi inaugurado com o prólogo "O Triunfo das Musas" com música de AN Verstovsky e AA Alyabyev. A sala - a segunda maior da Europa depois do teatro La Scala em Milão - foi significativamente reconstruída após o incêndio de 1853 (arquiteto A.K. Cavos), as deficiências acústicas e ópticas foram corrigidas, o auditório foi dividido em 5 níveis. A inauguração ocorreu em 20 de agosto de 1856.

O teatro encenou as primeiras comédias musicais populares do cotidiano russo - "Melnik - um feiticeiro, enganador e casamenteiro" de Sokolovsky (1779), "São Petersburgo Gostiny Dvor" de Pashkevich (1783) e outros. O primeiro balé de pantomima, The Magic Shop, foi exibido em 1780 no dia da abertura do Teatro Petrovsky. Entre as apresentações de balé, prevaleceram performances espetaculares mitológicas de fantasia condicionais, mas também foram encenadas performances, incluindo danças folclóricas russas, que foram um grande sucesso de público (“Village Holiday”, “Village Picture”, “The Capture of Ochakov”, etc.). O repertório inclui também as óperas mais significativas de compositores estrangeiros do século XVIII (J. Pergolesi, D. Cimarosa, A. Salieri, A. Grétry, N. Daleyrak, entre outros).

No final do século 18 e início do século 19, cantores de ópera tocavam em performances dramáticas e atores dramáticos atuavam em óperas. A trupe do Teatro Petrovsky era frequentemente reabastecida com talentosos atores e atrizes servos e, às vezes, grupos inteiros de teatros de servos, que a administração do teatro comprava dos proprietários de terras.

A trupe do teatro incluía os atores servos de Urusov, os atores das trupes de teatro de N. S. Titov e a Universidade de Moscou. Entre os primeiros atores estavam V. P. Pomerantsev, P. V. Zlov, G. V. Bazilevich, A. G. Ozhogin, M. S. Sinyavskaya, I. M. Sokolovskaya, e mais tarde E. S. Sandunova e outros. bailarinos - alunos do Orfanato (no qual uma escola de balé foi fundada em 1773 sob a direção do coreógrafo I. Valberkh) e servos dançarinos das trupes de Urusov e EA Golovkina (entre eles: A. Sobakina, D. Tukmanov, G. Raikov, S. Lopukhin e outros).

Em 1806, muitos atores servos do teatro receberam sua liberdade, a trupe foi colocada à disposição da Diretoria dos Teatros Imperiais de Moscou e transformada em um teatro da corte, diretamente subordinado ao Ministério da Corte. Isso determinou as dificuldades no desenvolvimento da arte musical russa avançada. O repertório doméstico foi inicialmente dominado por vaudevilles, que eram muito populares: Alyabyev's Village Philosopher (1823), Teacher and Student (1824), Troublemaker and Caliph's Fun (1825) de Alyabyev e Verstovsky e outros. Nos anos 1800, óperas de AN Verstovsky (desde 1825 inspetor de música dos teatros de Moscou) foram encenados no Teatro Bolshoi, marcado por tendências românticas nacionais: Pan Tvardovsky (1828), Vadim, ou as Doze Virgens Adormecidas (1832), Túmulo de Askold "(1835), que há muito tem sido no repertório do teatro, "Sickness for the Motherland" (1839), "Churova Valley" (1841), "Thunderbolt" (1858). Verstovsky e o compositor A. E. Varlamov, que trabalhou no teatro em 1832-44, contribuíram para a educação de cantores russos (N. V. Repina, A. O. Bantyshev, P. A. Bulakhov, N. V. Lavrov e outros). O teatro também recebeu óperas de compositores alemães, franceses e italianos, incluindo Don Giovanni e As Bodas de Fígaro de Mozart, Fidelio de Beethoven, O atirador mágico de Weber, Fra Diavolo, Fenella e The Bronze Horse de Auber, Robert the Devil de Meyerbeer, The Barber of Sevilha de Rossini, Anna Bolena de Donizetti e outros. Encenada em 1842, a ópera de Glinka A Life for the Tsar (Ivan Susanin) transformou-se em uma apresentação luxuosa em feriados solenes da corte. Com a ajuda dos artistas da Companhia de Ópera Russa de São Petersburgo (transferida para Moscou em 1845-50), esta ópera foi apresentada no palco do Teatro Bolshoi em uma produção incomparavelmente melhor. A ópera de Glinka Ruslan e Lyudmila foi encenada na mesma performance em 1846, e Esmeralda de Dargomyzhsky em 1847. Em 1859, o Teatro Bolshoi encenou A Sereia. A aparição no palco do teatro de ópera de Glinka e Dargomyzhsky marcou uma nova etapa em seu desenvolvimento e foi de grande importância na formação dos princípios realistas da arte vocal e cênica.

Em 1861, a Diretoria dos Teatros Imperiais alugou o Teatro Bolshoi para uma trupe de ópera italiana, que se apresentava de 4 a 5 dias por semana, deixando efetivamente a ópera russa 1 dia. A competição entre os dois grupos trouxe certos benefícios aos cantores russos, obrigando-os a aprimorar obstinadamente suas habilidades e emprestar alguns dos princípios da escola vocal italiana, mas a negligência da Diretoria dos Teatros Imperiais em estabelecer o repertório nacional e os privilegiados A posição dos italianos dificultou o trabalho da trupe russa e impediu que a ópera russa ganhasse reconhecimento público. O novo teatro de ópera russo só poderia nascer na luta contra a mania italiana e as tendências do entretenimento pela afirmação da identidade nacional da arte. Já nas décadas de 1960 e 1970, o teatro foi forçado a ouvir as vozes de figuras progressistas da cultura musical russa, às demandas de um novo público democrático. As óperas Rusalka (1863) e Ruslan e Lyudmila (1868) foram retomadas e se firmaram no repertório do teatro. Em 1869, o Teatro Bolshoi apresenta a primeira ópera de P. I. Tchaikovsky "Voevoda", em 1875 - "Oprichnik". Em 1881, Eugene Onegin foi encenado (a segunda produção, 1883, foi fixada no repertório do teatro).

A partir de meados dos anos 80 do século XIX, iniciou-se um ponto de virada na atitude da direção do teatro em relação à ópera russa; foram encenadas performances de obras marcantes de compositores russos: Mazepa (1884), Cherevichki (1887), A Dama de Espadas (1891) e Iolanta (1893) de Tchaikovsky, apareceu pela primeira vez no palco do Teatro de Ópera Bolshoi dos compositores de The Poderoso Punhado - "Boris Godunov" de Mussorgsky (1888), "A Donzela da Neve" de Rimsky-Korsakov (1893), "Príncipe Igor" de Borodin (1898).

Mas a principal atenção no repertório do Teatro Bolshoi nesses anos ainda foi dada às óperas francesas (J. Meyerbeer, F. Aubert, F. Halevi, A. Thomas, C. Gounod) e italianas (G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi) compositores. Em 1898, Carmen de Bizet foi encenado pela primeira vez em russo, e em 1899, Trojans de Berlioz em Cartago. A ópera alemã é representada pelas obras de F. Flotov, "Magic Shooter" de Weber, produções únicas de "Tannhäuser" e "Lohengrin" de Wagner.

Entre os cantores russos de meados e 2ª metade do século XIX estão E. A. Semyonova (o primeiro intérprete de Moscou das partes de Antonida, Lyudmila e Natasha), A. D. Aleksandrova-Kochetova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov (que criou imagens de Onegin e the Demon), BB Korsov, MM Koryakin, LD Donskoy, MA Deisha-Sionitskaya, NV Salina, NA Preobrazhensky e outros, mas também como produções e interpretações musicais de óperas. Em 1882-1906 o maestro chefe do Teatro Bolshoi era I. K. Altani, em 1882-1937 o maestro chefe era U. I. Avranek. P. I. Tchaikovsky e A. G. Rubinshtein conduziram suas óperas. Uma atenção mais séria é dada ao design decorativo e à cultura de encenação das performances. (Em 1861-1929 K. F. Waltz trabalhou como decorador e mecânico no Teatro Bolshoi).

No final do século XIX, a reforma do teatro russo estava se formando, sua virada decisiva para a profundidade da vida e a verdade histórica, para o realismo das imagens e dos sentimentos. O Teatro Bolshoi está entrando em seu apogeu, ganhando fama como um dos maiores centros de cultura musical e teatral. O repertório do teatro inclui as melhores obras de arte do mundo, enquanto a ópera russa ocupa um lugar central em seu palco. Pela primeira vez, o Teatro Bolshoi encenou produções das óperas de Rimsky-Korsakov The Maid of Pskov (1901), Pan Voyevoda (1905), Sadko (1906), The Tale of the Invisible City of Kitezh (1908), The Golden Cockerel ( 1909), bem como Stone Guest de Dargomyzhsky (1906). Ao mesmo tempo, o teatro encenou obras tão significativas de compositores estrangeiros como A Valquíria, O Holandês Voador, Tannhäuser de Wagner, Troianos em Cartago de Berlioz, Os Pagliacci de Leoncavallo, Honra Rural de Mascagni, La Boheme de Puccini e outros.

O apogeu da escola cênica de arte russa veio após uma longa e intensa luta pelos clássicos da ópera russa e está diretamente relacionado ao profundo desenvolvimento do repertório russo. No início do século 20, uma constelação de grandes cantores apareceu no palco do Teatro Bolshoi - F. I. Chaliapin, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova. Cantores de destaque se apresentaram junto com eles: E. G. Azerskaya, L. N. Balanovskaya, M. G. Gukova, K. G. Derzhinskaya, E. N. Zbrueva, E. A. Stepanova, I. A. Alchevsky, A V. Bogdanovich, AP Bonachich, GA Baklanov, IV Gryzunov, VR Petrov, GS Pirogov, LF Savransky . Em 1904-06 SV Rachmaninov conduziu no Teatro Bolshoi, dando uma nova interpretação realista dos clássicos da ópera russa. Desde 1906 V. I. Suk tornou-se o maestro. O coro sob a direção de U. I. Avranek alcança a maestria perfeita. Artistas proeminentes A. M. Vasnetsov, A. Ya. Golovin, K. A. Korovin estão envolvidos na concepção de performances.

A Grande Revolução Socialista de Outubro abriu uma nova era no desenvolvimento do Teatro Bolshoi. Durante os anos difíceis da Guerra Civil, a trupe de teatro foi completamente preservada. A primeira temporada começou em 21 de novembro (4 de dezembro) de 1917 com a ópera Aida. Um programa especial foi preparado para o primeiro aniversário de outubro, que incluiu o balé "Stepan Razin" com a música do poema sinfônico de Glazunov, a cena "Veche" da ópera "A Donzela de Pskov" de Rimsky-Korsakov e a coreografia pintura "Prometheus" com música de AN Scriabin. Durante a temporada 1917/1918, o teatro deu 170 apresentações de ópera e balé. A partir de 1918, a Orquestra do Teatro Bolshoi deu ciclos de concertos sinfônicos com a participação de cantores solo. Paralelamente, ocorreram concertos instrumentais de câmara e concertos de cantores. Em 1919, o Teatro Bolshoi recebeu o título de acadêmico. Em 1924, uma filial do Teatro Bolshoi foi aberta nas instalações da antiga ópera privada de Zimin. Performances foram encenadas neste palco até 1959.

Na década de 1920, óperas de compositores soviéticos apareceram no palco do Teatro Bolshoi - "Trilby" de Yurasovsky (1924, 2ª produção em 1929), "Decembrists" de Zolotarev e "Stepan Razin" de Triodin (ambos em 1925), "Love for Three Oranges" Prokofiev (1927), Ivan, o Soldado de Korchmaryov (1927), O Filho do Sol de Vasilenko (1928), Zagmuk de Krein e Breakthrough de Pototsky (ambos em 1930), etc. Ao mesmo tempo, muito trabalho está sendo feito em clássicos da ópera. Novas produções das óperas de R. Wagner aconteceram: The Rhine Gold (1918), Lohengrin (1923), The Nuremberg Mastersingers (1929). Em 1921, o oratório de G. Berlioz "A Condenação de Fausto" foi apresentado. De fundamental importância foi a encenação da ópera de M. P. Mussorgsky Boris Godunov (1927), apresentada pela primeira vez na íntegra com cenas Pod Kromy e Basílio, o Bem-aventurado(este último, orquestrado por M. M. Ippolitov-Ivanov, já foi incluído em todas as produções desta ópera). Em 1925, ocorreu a estreia da ópera de Mussorgsky, A Feira de Sorochinskaya. Entre as obras significativas do Teatro Bolshoi desse período estão: A Lenda da Cidade Invisível de Kitezh (1926); As Bodas de Fígaro de Mozart (1926), assim como as óperas Salomé de R. Strauss (1925), Cio-Cio-san de Puccini (1925), e outras encenadas pela primeira vez em Moscou.

Eventos significativos na história criativa do Teatro Bolshoi na década de 1930 estão associados ao desenvolvimento da ópera soviética. Em 1935, a ópera de D. D. Shostakovich Katerina Izmailova (baseada no romance de N. S. Leskov “Lady Macbeth do Distrito de Mtsensk”) foi encenada, depois The Quiet Flows the Don (1936) e Virgin Soil Upturned (1937), de Dzerzhinsky, The Battleship "Potemkin "" de Chishko (1939), "Mother" de Zhelobinsky (depois de M. Gorky, 1939) e outros. Obras de compositores das repúblicas soviéticas - "Almast" de Spendiarov (1930), "Abesalom e Eteri" de Z. Paliashvili (1939) são encenados. Em 1939, o Teatro Bolshoi reviveu a ópera Ivan Susanin. A nova produção (libreto de S. M. Gorodetsky) revelou a essência heroica folclórica desta obra; as cenas corais de massa adquiriram um significado especial.

Em 1937, o Teatro Bolshoi foi premiado com a Ordem de Lenin, e seus principais mestres receberam o título de Artista do Povo da URSS.

Nos anos 20-30, cantores notáveis ​​se apresentaram no palco do teatro - V. R. Petrov, L. V. Sobinov, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, K. G. Derzhinskaya, E. A. Stepanova, EK Katulskaya, VV Barsova, IS Kozlovsky, S. Ya. Lemeshev, AS Pirogov, MD Mikhailov, MO Reizen, NS Khanaev, E. D. Kruglikova, N. D. Shpiller, M. P. Maksakova, V. A. Davydova, A. I. Baturin, S. I. Migai, L. F. Savransky, N. N. Ozerov, V. R. Slivinsky e outros. , MM Ippolitov-Ivanov, NS Golovanov, AM Pazovsky, SA Samosud, Yu. Shteinberg, V. V. Nebolsin. As apresentações de ópera e balé do Teatro Bolshoi foram encenadas pelos diretores V. A. Lossky, N. V. Smolich; coreógrafo R. V. Zakharov; mestres de coro U. O. Avranek, M. G. Shorin; artista P.V. Williams.

Durante a Grande Guerra Patriótica (1941-45), parte da trupe do Teatro Bolshoi foi evacuada para Kuibyshev, onde em 1942 estreou a ópera Guilherme Tell, de Rossini. No palco da filial (o edifício principal do teatro foi danificado por uma bomba) em 1943, a ópera On Fire de Kabalevsky foi encenada. Nos anos do pós-guerra, a trupe de ópera voltou-se para a herança clássica dos povos dos países socialistas, foram encenadas as óperas The Bartered Bride de Smetana (1948) e Pebbles by Moniuszko (1949). As performances Boris Godunov (1948), Sadko (1949), Khovanshchina (1950) são conhecidas pela profundidade e integridade do conjunto musical e de palco. Os balés Cinderela (1945) e Romeu e Julieta (1946) de Prokofiev tornaram-se exemplos marcantes de clássicos do balé soviético.

Desde meados dos anos 40, o papel da direção vem crescendo na revelação do conteúdo ideológico e corporificação da intenção do autor da obra, na formação de um ator (cantor e bailarino) capaz de criar imagens profundamente significativas e psicologicamente verdadeiras. O papel do ensemble na resolução das tarefas ideológicas e artísticas do espetáculo torna-se mais significativo, o que se consegue graças à elevada competência da orquestra, coro e outros grupos teatrais. Tudo isso determinou o estilo de atuação do contemporâneo Teatro Bolshoi, trazendo-lhe fama mundial.

Nas décadas de 1950 e 1960, o trabalho do teatro em óperas de compositores soviéticos tornou-se mais ativo. Em 1953, a monumental ópera épica de Shaporin, The Decembrists, foi encenada. A ópera "Guerra e Paz" de Prokofiev (1959) entrou no fundo dourado do teatro musical soviético. Foram encenados - "Nikita Vershinin" de Kabalevsky (1955), "A Megera Domada" de Shebalin (1957), "Mãe" de Khrennikov (1957), "Jalil" de Zhiganov (1959), "O Conto de um Real Man" de Prokofiev (1960), "Fate Man" de Dzerzhinsky (1961), "Not Only Love" de Shchedrin (1962), "Outubro" de Muradeli (1964), "Soldado Desconhecido" de Molchanov (1967), "Otimista Tragédia" de Kholminov (1967), "Semyon Kotko" de Prokofiev (1970).

Desde meados da década de 1950, o repertório do Teatro Bolshoi foi reabastecido com óperas estrangeiras modernas. As obras dos compositores L. Janáček (Her Stepdaughter, 1958), F. Erkel (Bank-Ban, 1959), F. Poulenc (The Human Voice, 1965), B. Britten (A Midsummer Dream) foram encenadas pela primeira vez . noite", 1965). O repertório clássico russo e europeu se expandiu. Entre as obras de destaque do grupo de ópera está Fidelio de Beethoven (1954). Óperas também foram encenadas - Falstaff (1962), Don Carlos (1963) de Verdi, O Holandês Voador de Wagner (1963), O Conto da Cidade Invisível de Kitezh (1966), Tosca (1971), Ruslan e Lyudmila (1972) , Trovador (1972); balés - O Quebra-Nozes (1966), O Lago dos Cisnes (1970). Na trupe de ópera desta época, os cantores são I. I. e L. I. Maslennikovs, E. V. Shumskaya, Z. I. Andzhaparidze, G. P. Bolshakov, A. P. Ivanov, A. F. Krivchenya, P. G. Lisitsian, GM Nelepp, II Petrov e outros. Os maestros - A. Sh. Melik-Pashaev, MN Zhukov, GN Rozhdestvensky, EF Svetlanov trabalharam na incorporação musical e cênica das performances; diretores - L. B. Baratov, B. A. Pokrovsky; coreógrafo L. M. Lavrovsky; artistas - R. P. Fedorovsky, V. F. Ryndin, S. B. Virsaladze.

Os principais mestres das trupes de ópera e balé do Teatro Bolshoi se apresentaram em muitos países do mundo. A trupe de ópera excursionou pela Itália (1964), Canadá, Polônia (1967), Alemanha Oriental (1969), França (1970), Japão (1970), Áustria, Hungria (1971).

Em 1924-59, o Teatro Bolshoi tinha dois palcos - o palco principal e uma filial. O palco principal do teatro é um auditório de cinco níveis com 2155 lugares. O comprimento do salão, levando em conta a concha da orquestra, é de 29,8 m, a largura é de 31 m, a altura é de 19,6 m. A profundidade do palco é de 22,8 m, a largura é de 39,3 m, o tamanho do portal do palco é de 21,5 × 17,2 m. Em 1961, o Teatro Bolshoi recebeu uma nova plataforma de palco - o Palácio de Congressos do Kremlin (um auditório para 6.000 lugares; o tamanho do palco em planta é de 40 × 23 m e a altura da grade é de 28,8 m, o portal do palco tem 32 × 14 m; o palco tablet está equipado com dezesseis plataformas de elevação e abaixamento). Reuniões solenes, congressos, décadas de artes, etc. são realizadas no Teatro Bolshoi e no Palácio de Congressos.

Literatura: O Teatro Bolshoi de Moscou e uma revisão dos eventos que precederam a fundação do teatro russo correto, M., 1857; Kashkin N. D., Palco da Ópera do Teatro Imperial de Moscou, M., 1897 (na região: Dmitriev N., Palco da Ópera Imperial em Moscou, M., 1898); Chayanova O., "O Triunfo das Musas", Memorando de memórias históricas para o centenário do Teatro Bolshoi de Moscou (1825-1925), M., 1925; o seu próprio, Teatro Madox em Moscou 1776-1805, M., 1927; Teatro Bolshoi de Moscou. 1825-1925, M., 1925 (coleção de artigos e materiais); Borisoglebsky M., Materiais sobre a história do balé russo, volume 1, L., 1938; Glushkovsky A.P., Memórias de um coreógrafo, M. - L., 1940; Teatro Acadêmico Estadual Bolshoi da URSS, M., 1947 (coleção de artigos); S.V. Rachmaninoff e ópera russa, sáb. artigos ed. I. F. Belzy. Moscou, 1947. Teatro, 1951, nº 5 (dedicado ao 175º aniversário do Teatro Bolshoi); Shaverdyan A. I., Teatro Bolshoi da URSS, M., 1952; Polyakova L. V., Juventude do palco da ópera do Teatro Bolshoi, M., 1952; Khripunov Yu. D., Arquitetura do Teatro Bolshoi, M., 1955; Teatro Bolshoi da URSS (coleção de artigos), M., 1958; Grosheva E. A., Teatro Bolshoi da URSS no passado e no presente, M., 1962; Gozenpud A. A., Teatro musical na Rússia. Das origens a Glinka, L., 1959; o seu, Teatro de Ópera Russo Soviético (1917-1941), L., 1963; seu próprio, Teatro de Ópera Russo do século 19, vol. 1-2, L., 1969-71.

L. V. Polyakova
Enciclopédia de Música, ed. Yu.V.Keldysha, 1973-1982

história do balé

O principal teatro musical russo que desempenhou um papel de destaque na formação e desenvolvimento das tradições nacionais da arte do balé. A sua origem está associada ao florescimento da cultura russa na 2ª metade do século XVIII, com o surgimento e desenvolvimento do teatro profissional.

A trupe começou a se formar em 1776, quando o filantropo de Moscou P. V. Urusov e o empresário M. Medox receberam o privilégio do governo para desenvolver negócios teatrais. As apresentações foram dadas na casa de R. I. Vorontsov em Znamenka. Em 1780 Medox foi construído em Moscou na esquina da rua. Edifício do teatro Petrovka, que ficou conhecido como o Teatro Petrovsky. Houve apresentações de teatro, ópera e balé. Foi o primeiro teatro profissional permanente em Moscou. Sua trupe de balé logo foi reabastecida com alunos da escola de balé do Orfanato de Moscou (que existia desde 1773) e depois com atores servos da trupe de E. A. Golovkina. A primeira apresentação de balé foi The Magic Shop (1780, coreógrafo L. Paradise). Seguiu-se: "O triunfo dos prazeres da mulher", "A morte fingida do arlequim, ou o Pantalão enganado", "A senhora surda" e "A raiva fingida do amor" - todas produções do coreógrafo F. Morelli (1782); “Entretenimentos matinais da vila ao despertar do sol” (1796) e “The Miller” (1797) - coreógrafo P. Pinyucci; “Medea and Jason” (1800, depois de J. Nover), “Toilet of Venus” (1802) e “Vingance for the death of Agamenon” (1805) - coreógrafo D. Solomoni, e outros. Essas performances foram baseadas nos princípios do classicismo, nos balés cômicos ("The Deceived Miller", 1793; "Cupid's Deceptions", 1795) começou a mostrar características do sentimentalismo. G. I. Raikov, A. M. Sobakina e outros se destacaram dos dançarinos da trupe.

Em 1805, o prédio do Teatro Petrovsky foi incendiado. Em 1806, a trupe ficou sob a jurisdição da Diretoria dos Teatros Imperiais, e tocou em várias salas. Sua composição foi reabastecida, novos balés foram encenados: “noites de Guishpan” (1809), “Escola de Pierrot”, “argelinos ou ladrões do mar derrotados”, “Zephyr, ou anêmona, permanente” (todos - 1812), “Semik , ou Walking in the Maryina Grove ”(à música de S. I. Davydov, 1815) - todos encenados por I. M. Ablets; “A New Heroine, or a Cossack Woman” (1811), “Férias no Acampamento dos Exércitos Aliados em Montmartre” (1814) - ambos ao som de Kavos, coreógrafo I. I. Valberkh; “Festividades nas Colinas dos Pardais” (1815), “O Triunfo dos Russos, ou Bivouac sob o Vermelho” (1816) - ambos com a música de Davydov, coreógrafo A. P. Glushkovsky; "Cossacks on the Rhine" (1817), "Neva Walk" (1818), "Old Games, or Christmas Evening" (1823) - tudo ao som de Scholz, o coreógrafo é o mesmo; "Balanço russo nas margens do Reno" (1818), "Campo cigano" (1819), "Festas em Petrovsky" (1824) - todos coreógrafos IK Lobanov e outros. A maioria dessas performances foram divertimentos com uso extensivo de folclore rituais e dança de personagens. Especialmente importantes foram as apresentações dedicadas aos eventos da Guerra Patriótica de 1812 - os primeiros balés sobre um tema moderno na história do palco de Moscou. Em 1821 Glushkovsky criou o primeiro balé baseado em uma obra de A. S. Pushkin (Ruslan e Lyudmila com música de Scholz).

Em 1825, as apresentações começaram no novo prédio do Teatro Bolshoi (arquiteto O. I. Bove) com o prólogo "O Triunfo das Musas" encenado por F. Güllen-Sor. Ela também encenou os balés Fenella ao som da ópera de mesmo nome de Aubert (1836), O menino com um dedo (O menino astuto e o canibal) de Varlamov e Guryanov (1837), e outros. T. N. Glushkovskaya, DS Lopukhina, AI Voronina-Ivanova, TS Karpakova, KF Bogdanov e outros. os princípios do romantismo tiveram uma influência decisiva no balé do Teatro Bolshoi (as atividades de F. Taglioni e J. Perrot em São Petersburgo, as turnês de M. Taglioni, F. Elsler, etc.). Os dançarinos de destaque dessa direção são E. A. Sankovskaya, I. N. Nikitin.

De grande importância para a formação dos princípios realistas da arte cênica foram as produções no Teatro Bolshoi das óperas Ivan Susanin (1842) e Ruslan e Lyudmila (1846) de Glinka, que continham cenas coreográficas detalhadas que desempenharam um importante papel dramático. Esses princípios ideológicos e artísticos foram continuados em A Sereia de Dargomyzhsky (1859, 1865), Judite de Serov (1865), e depois em produções de óperas de P. I. Tchaikovsky e compositores de The Mighty Handful. Na maioria dos casos, danças em óperas foram encenadas por F. N. Manokhin.

Em 1853, um incêndio destruiu todo o interior do Teatro Bolshoi. O edifício foi restaurado em 1856 pelo arquiteto A.K. Kavos.

Na segunda metade do século XIX, o balé do Teatro Bolshoi era significativamente inferior ao de São Petersburgo (não havia um líder tão talentoso como M. I. Petipa, nem as mesmas condições materiais favoráveis ​​​​para o desenvolvimento). O Cavalinho Corcunda de Pugni, encenado por A. Saint-Leon em São Petersburgo e transferido para o Teatro Bolshoi em 1866, foi um grande sucesso; isso manifestou a atração de longa data do balé de Moscou para o gênero, comédia, características cotidianas e nacionais. Mas houve poucas apresentações originais. Uma série de produções de K. Blazis (“Pygmalion”, “Two Days in Venice”) e SP Sokolov (“The Fern, or the Night under Ivan Kupala”, 1867) testemunharam um certo declínio nos princípios criativos do teatro . Apenas a peça Don Quixote (1869), encenada no palco de Moscou por M. I. Petipa, tornou-se um evento significativo. O aprofundamento da crise esteve associado às atividades dos coreógrafos V. Reisinger (O Sapatinho Mágico, 1871; Kashchei, 1873; Stella, 1875) e J. Hansen (A Donzela do Inferno, 1879) convidados do exterior. A encenação de O Lago dos Cisnes por Reisinger (1877) e Hansen (1880), que não conseguiram compreender a essência inovadora da música de Tchaikovsky, também não teve sucesso. Durante este período, a trupe incluiu artistas fortes: P. P. Lebedeva, O. N. Nikolaeva, A. I. Sobeshchanskaya, P. M. Karpakova, S. P. Sokolov, V. F. Geltser, e mais tarde L. N. Geiten, LA Roslavleva, AA Dzhuri, AN Bogdanov, VE Polivanov, IN Khlyustin e outros ; talentosos atores mímicos - F. A. Reishausen e V. Vanner trabalharam, as melhores tradições foram passadas de geração em geração nas famílias dos Manokhins, Domashovs, Yermolovs. A reforma realizada pela Direcção dos Teatros Imperiais em 1882 levou a uma redução da trupe de balé e agravou a crise (manifestada especialmente nas produções ecléticas da Índia, 1890, Daita, 1896, do coreógrafo H. Mendes, convidado do estrangeiro) .

A estagnação e a rotina só foram superadas com a chegada do coreógrafo A. A. Gorsky, cuja atividade (1899-1924) marcou toda uma época no desenvolvimento do Balé Bolshoi. Gorsky procurou libertar o balé de más convenções e clichês. Enriquecendo o balé com as realizações do teatro dramático moderno e das artes plásticas, ele encenou novas produções de Don Quixote (1900), O Lago dos Cisnes (1901, 1912) e outros balés de Petipa, criou o midrama de Simon The Daughter of Gudula (baseado em Notre Dame Catedral) V. Hugo, 1902), o balé Salammbô de Arends (baseado no romance homônimo de G. Flaubert, 1910) e outros. Ao buscar a plenitude dramática da performance do balé, Gorsky às vezes exagerava o papel de roteiro e pantomima, às vezes subestimou a música e dança sinfônica eficaz. Ao mesmo tempo, Gorsky foi um dos primeiros diretores de balés de música sinfônica não destinada à dança: “O amor é rápido!” à música de Grieg, "Schubertiana" à música de Schubert, divertissement "Carnaval" à música de vários compositores - todos de 1913, "A Quinta Sinfonia" (1916) e "Stenka Razin" (1918) à música de Glazunov . Nas performances de Gorsky, o talento de E. V. Geltser, S. V. Fedorova, A. M. Balashova, V. A. Koralli, M. R. Reizen, V. V. Krieger, V. D. Tikhomirova, M M. Mordkina, V. A. Ryabtseva, A. E. Volinina, L. A. Zhukova, I. E. Sidorova, etc.

No final de 19 - cedo. século 20 apresentações de balé do Teatro Bolshoi foram conduzidas por I. K. Altani, V. I. Suk, A. F. Arends, E. A. Cooper, decorador teatral K. F. Waltz, artistas K. A. Korovin, A. Ya. Golovin e outros.

A Grande Revolução Socialista de Outubro abriu novos caminhos para o Teatro Bolshoi e determinou seu apogeu como a principal companhia de ópera e balé da vida artística do país. Durante a Guerra Civil, a trupe de teatro, graças à atenção do estado soviético, foi salva. Em 1919 o Teatro Bolshoi entrou no grupo de teatros acadêmicos. Em 1921-22 apresentações do Teatro Bolshoi também foram dadas nas instalações do Novo Teatro. Em 1924, foi aberta uma filial do Teatro Bolshoi (funcionou até 1959).

Desde os primeiros anos do poder soviético, a trupe de balé enfrentou uma das tarefas criativas mais importantes - preservar a herança clássica, transmiti-la a um novo público. Em 1919, O Quebra-Nozes (coreógrafo Gorsky) foi encenado pela primeira vez em Moscou, depois novas produções de O Lago dos Cisnes (Gorsky, com a participação de V. I. Nemirovich-Danchenko, 1920), Giselle (Gorsky, 1922), Esmeralda "(VD Tikhomirov, 1926)," A Bela Adormecida "(AM Messerer e AI Chekrygin, 1936), etc. Junto com isso, o Teatro Bolshoi procurou criar novos balés - obras de um ato foram encenadas com música sinfônica ("Espanhol Capriccio" e "Scheherazade", coreógrafo LA Zhukov, 1923, etc.), os primeiros experimentos foram feitos para incorporar um tema moderno (extravagância de balé infantil "Eternally Living Flowers" para a música de Asafiev e outros, coreógrafo Gorsky , 1922; o balé alegórico " Smerch" de Ber, coreógrafo K. Ya. Goleizovsky, 1927), o desenvolvimento da linguagem coreográfica ("Joseph the Beautiful" Vasilenko, balé. Goleizovsky, 1925; "Jogador de futebol" Oransky, balé. LA Lashchilin e I. A. Moiseev , 1930, etc). A peça The Red Poppy (coreógrafo Tikhomirov e L. A. Lashchilin, 1927) adquiriu um significado marcante, em que a divulgação realista de um tema moderno se baseou na implementação e renovação das tradições clássicas. As buscas criativas do teatro eram inseparáveis ​​das atividades dos artistas - E. V. Geltser, M. P. Kandaurova, V. V. Krieger, M. R. Reizen, A. I. Abramova, V. V. Kudryavtseva, N. B. Podgoretskaya, LM Bank, EM Ilyushenko, VD Tikhomirova, VA Ryabtseva, VV Smoltsova, NI Tarasova, VI Tsaplina, LA Zhukova e outros.

década de 1930 no desenvolvimento do Bolshoi Ballet foram marcados por grandes sucessos na incorporação do tema histórico e revolucionário (As Chamas de Paris, balé de VI Vainonen, 1933) e as imagens de clássicos literários (A Fonte de Bakhchisarai, balé de RV Zakharov , 1936). No balé, triunfava a direção que o aproximava da literatura e do teatro dramático. A importância de dirigir e atuar aumentou. As atuações se destacaram pela integridade dramática do desenvolvimento da ação, o desenvolvimento psicológico dos personagens. Em 1936-39, a trupe de balé foi chefiada por RV Zakharov, que trabalhou no Teatro Bolshoi como coreógrafo e diretor de ópera até 1956. As apresentações foram criadas com um tema moderno - The Stork (1937) e Svetlana (1939) Klebanov (ambos - balé de A. I. Radunsky, N. M. Popko e L. A. Pospekhin), bem como Prisioneiro do Cáucaso de Asafiev (depois de A. S. Pushkin, 1938) e Taras Bulba de Solovyov-Sedoy (depois de N. V. Gogol, 1941, ambos - balé. Zakharov ), "Três Homens Gordos" de Oransky (depois de Yu. K. Olesha, 1935, balé. IA Moiseev), etc. Durante esses anos, a arte de M. T floresceu no Teatro Bolshoi Semyonova, OV Lepeshinsky, AN Ermolaev, MM Gabovich, AM Messerer, a atividade de SN Golovkina, MS Bogolyubskaya, IV Tikhomirnova, VA Preobrazhensky, Yu.G.

Durante a Grande Guerra Patriótica, o Teatro Bolshoi foi evacuado para Kuibyshev, mas a parte da trupe que permaneceu em Moscou (liderada por M. M. Gabovich) logo retomou as apresentações na filial do teatro. Além de mostrar o repertório antigo, foi criada uma nova peça Scarlet Sails de Yurovsky (bailarino A. I. Radunsky, N. M. Popko, L. A. Pospekhin), encenada em 1942 em Kuibyshev, em 1943 transferida para o palco do Teatro Bolshoi. Brigadas de artistas repetidamente foram para a frente.

Em 1944-64 (com interrupções) a trupe de balé foi liderada por L. M. Lavrovsky. Os nomes dos coreógrafos foram colocados entre parênteses: Cinderela (R. V. Zakharov, 1945), Romeu e Julieta (L. M. Lavrovsky, 1946), Mirandolina (V. I. Vainonen, 1949), The Bronze Horseman (Zakharov, 1949), Red Poppy (Lavrovsky, 1949). ), Shurale (LV Yakobson, 1955), Laurencia (VM Chabukiani, 1956) e outros.O Teatro Bolshoi e os renascimentos dos clássicos - Giselle (1944) e Raymonda (1945) encenados por Lavrovsky, etc. Uma nova geração de artistas cresceu; entre eles estão M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, M. V. Kondratieva, L. I. Bogomolova, R. K. Karelskaya, N. V. Timofeeva, Yu. T. Zhdanov, G. K. Farmanyants, V. A. Levashov, N. B. Fadeechev, Ya. D. Sekh e outros.

Em meados da década de 1950. nas produções do Teatro Bolshoi, começaram a ser sentidas as consequências negativas do entusiasmo dos coreógrafos pela dramatização unilateral da performance do balé (cotidiano, prevalência da pantomima, subestimação do papel da dança efetiva), o que foi especialmente sentida nas performances de O Conto da Flor de Pedra (Lavrovsky, 1954), de Prokofiev, Gayane (Vainonen, 1957), "Spartacus" (I. A. Moiseev, 1958).

Um novo período começou no final da década de 1950. O repertório incluiu performances marcantes de Y. N. Grigorovich para o balé soviético - "The Stone Flower" (1959) e "The Legend of Love" (1965). Nas produções do Teatro Bolshoi, o leque de imagens e problemas ideológicos e morais se ampliou, o papel do princípio da dança aumentou, as formas de dramaturgia se diversificaram, o vocabulário coreográfico foi enriquecido e pesquisas interessantes começaram a ser realizadas em a personificação de um tema moderno. Isso se manifestou nas produções dos coreógrafos: N. D. Kasatkina e V. Yu. Vasilyov - “Vanina Vanini” (1962) e “Geólogos” (“Poema Heroico”, 1964) Karetnikov; O. G. Tarasova e A. A. Lapauri - "Tenente Kizhe" para a música de Prokofiev (1963); K. Ya. Goleizovsky - “Leyli e Majnun” de Balasanyan (1964); Lavrovsky - "Paganini" para a música de Rachmaninov (1960) e "Night City" para a música de "Wonderful Mandarin" de Bartok (1961).

Em 1961, o Teatro Bolshoi recebeu um novo palco - o Palácio de Congressos do Kremlin, que contribuiu para as atividades mais amplas da trupe de balé. Junto com os mestres maduros - Plisetskaya, Struchkova, Timofeeva, Fadeechev e outros - a posição de liderança foi ocupada por jovens talentosos que vieram ao Teatro Bolshoi na virada dos anos 50-60: E. S. Maksimova, N. I. Bessmertnova, N. I. Sorokina, EL Ryabinkina, SD Adyrkhaeva, VV Vasiliev, ME Liepa, ML Lavrovsky, Yu. V. Vladimirov, VP Tikhonov e outros.

Desde 1964, Yu. N. Grigorovich, coreógrafo-chefe do Teatro Bolshoi, consolidou e desenvolveu tendências progressivas nas atividades da trupe de balé. Quase todas as novas apresentações do Teatro Bolshoi são marcadas por interessantes pesquisas criativas. Eles apareceram em The Rite of Spring (ballet de Kasatkina e Vasilev, 1965), Carmen Suite de Bizet-Shchedrin (Alberto Alonso, 1967), Aseli de Vlasov (O. M. Vinogradov, 1967), Icarus de Slonimsky (VV Vasiliev, 1971), “Anna Karenina ” por Shchedrin (MM Plisetskaya, NI Ryzhenko, VV Smirnov-Golovanov, 1972), “Love for Love” por Khrennikov (V. Boccadoro, 1976), “Chippolino” por K. Khachaturian (G. Mayorov, 1977), “Estes sons fascinantes ..." para a música de Corelli, Torelli, Rameau, Mozart (VV Vasiliev, 1978), "Hussar Ballad" de Khrennikov (OM Vinogradov e DA Bryantsev), "The Seagull" de Shchedrin (MM Plisetskaya, 1980) , “Macbeth” de Molchanov (VV Vasiliev, 1980) e outros, performance “Spartacus” (Grigorovich, 1968; Prêmio Lenin 1970). Grigorovich encenou balés sobre os temas da história russa (“Ivan, o Terrível” para a música de Prokofiev, arranjado por MI Chulaki, 1975) e modernidade (“Angara” de Eshpay, 1976), sintetizando e resumindo as buscas criativas de períodos anteriores no desenvolvimento do balé soviético. As performances de Grigorovich são caracterizadas pela profundidade ideológica e filosófica, riqueza de formas coreográficas e vocabulário, integridade dramática e um amplo desenvolvimento de dança sinfônica eficaz. À luz dos novos princípios criativos, Grigorovich também encenou produções de herança clássica: A Bela Adormecida (1963 e 1973), O Quebra-Nozes (1966), O Lago dos Cisnes (1969). Eles alcançaram uma leitura mais profunda dos conceitos ideológicos e figurativos da música de Tchaikovsky (“O Quebra-Nozes” foi inteiramente reencenado, em outras apresentações a coreografia principal de MI Petipa e LI Ivanov foi preservada e o conjunto artístico foi decidido de acordo com ela) .

As apresentações de balé do Teatro Bolshoi foram conduzidas por G. N. Rozhdestvensky, A. M. Zhuraitis, A. A. Kopylov, F. Sh. Mansurov e outros. V. F. Ryndin, E. G. Stenberg, A. D. Goncharov, BA Messerer, V. Ya. Levental e outros. O artista de todos as performances encenadas por Grigorovich é SB Virsaladze.

A Bolshoi Ballet Company viajou pela União Soviética e no exterior: na Austrália (1959, 1970, 1976), Áustria (1959, 1973), Argentina (1978), Egito (1958, 1961). Grã-Bretanha (1956, 1960, 1963, 1965, 1969, 1974), Bélgica (1958, 1977), Bulgária (1964), Brasil (1978), Hungria (1961, 1965, 1979), Alemanha Oriental (1954, 1955, 1956) , 1958) ), Grécia (1963, 1977, 1979), Dinamarca (1960), Itália (1970, 1977), Canadá (1959, 1972, 1979), China (1959), Cuba (1966), Líbano (1971), México (1961, 1973, 1974, 1976), Mongólia (1959), Polônia (1949, 1960, 1980), Romênia (1964), Síria (1971), EUA (1959, 1962, 1963, 1966, 1968, 1973, 1974) , 1975, 1979), Tunísia (1976), Turquia (1960), Filipinas (1976), Finlândia (1957, 1958), França. (1954, 1958, 1971, 1972, 1973, 1977, 1979), Alemanha (1964, 1973), Tchecoslováquia (1959, 1975), Suíça (1964), Iugoslávia (1965, 1979), Japão (1957, 1961, 1970, 1973, 1975, 1978, 1980).

Enciclopédia "Ballet" ed. Yu. N. Grigorovich, 1981

Em 29 de novembro de 2002, o Novo Palco do Teatro Bolshoi abriu com a estreia de A Donzela da Neve, de Rimsky-Korsakov. Em 1º de julho de 2005, o Palco Principal do Teatro Bolshoi foi fechado para reconstrução, que durou mais de seis anos. Em 28 de outubro de 2011, ocorreu a grande inauguração do Palco Histórico do Teatro Bolshoi.

Publicações

Vladimir Urin tornou-se o novo impulso orientador do Teatro BolshoiO diretor geral do Teatro Bolshoi Anatoly Iksanov foi demitido, este cargo será ocupado por Vladimir Urin, que dirigiu o Teatro Musical de Moscou em homenagem a Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. O anúncio foi feito na terça-feira por Vladimir Medinsky em uma reunião de chefes de equipes criativas do Teatro Bolshoi.

Vladimir Urin (1947) - Diretor Geral do Teatro Bolshoi desde julho de 2013. De 1995 a 2013, foi Diretor Geral do Teatro Musical Acadêmico Stanislavsky e Nemirovich Danchenko de Moscou. Durante este período, segundo muitos especialistas, muitas vezes com uma política de repertório clara e suas próprias estrelas brilhantes - tanto na ópera quanto no balé.

Anatoly Iksanov (1952) - Diretor Geral do Teatro Bolshoi em 2000-2013. Em 1978-1998 ele trabalhou como administrador-chefe, vice-diretor, diretor do Leningrad Bolshoi Drama Theatre em homenagem a M. Gorky (agora o Bolshoi Drama Theatre em homenagem a G.A. Tovstonogov, BDT), o canal de TV Kultura.

Sob Iksanov, o Novo Palco foi inaugurado, a reconstrução do teatro foi concluída. Este período também foi marcado por um grande número de escândalos e incidentes.

Vladimir Vasiliev (1940) - diretor artístico - diretor do Teatro Bolshoi em 1995-2000. Bailarino, coreógrafo, professor, Artista do Povo da URSS. Na trupe de balé do Teatro Bolshoi - desde 1958, em 1958-1988 -.

Sob ele, um sistema de contrato moderno foi aprovado no teatro; as tradições das apresentações beneficentes foram revividas: corpo de balé, coro e orquestra; foram organizados o estúdio de vídeo próprio do teatro e o lançamento de uma série permanente de programas no canal Kultura TV; foi criado um serviço de imprensa e aberto o site oficial do Teatro Bolshoi na Internet; atividades de publicação expandidas.

Escândalos e emergências com funcionários do Teatro BolshoiNa noite de 17 de janeiro, foi feito um ataque ao diretor artístico do Bolshoi Ballet Sergei Filin. Uma pessoa não identificada o espirrou no rosto, presumivelmente com ácido. A investigação considera como principal a versão relacionada às atividades profissionais da vítima. Este está longe de ser o primeiro escândalo de alto nível envolvendo os funcionários do Bolshoi.

Vladimir Kokonin (1938) - diretor geral do Teatro Bolshoi em 1991-1995, de 1995 a 2000 - diretor executivo. Trabalhador de Arte Homenageado da Federação Russa. Começou seu trabalho no Teatro Bolshoi em 1967 como intérprete de orquestra. Ele trabalhou no Ministério da Cultura da URSS, foi vice-diretor da All-Union Touring and Concert Association "State Concert of the USSR". De 1981 a 1986 foi Vice-Diretor de Repertório, membro do Conselho Artístico do Teatro Bolshoi.

Sob Kokonin, o status do teatro foi aprovado como um objeto cultural estatal particularmente valioso com subordinação direta ao governo da Federação Russa.

Diretores artísticos da ópera

Makvala Kasrashvili (1942) é o gerente das equipes criativas da Bolshoi Opera Company desde 2000. Artista do Povo da URSS, laureado com o Prêmio de Estado da Rússia. Em 1966 ela se formou no Conservatório Estadual de Tbilisi (turma de Vera Davydova). No mesmo ano fez sua estreia no Teatro Bolshoi.

Vladimir Andropov (1946) - diretor artístico da Bolshoi Opera Company de 2000 a 2002. Artista do Povo da Rússia. Em 1978 foi admitido no Teatro Bolshoi como maestro e diretor artístico da orquestra de palco. No Teatro Bolshoi encenou a ópera "A bela mulher do moleiro" e os balés "Insônia", "A Dama de Espadas" e "Passacaglia". Desde 2009, ele dirige a Orquestra Acadêmica Nacional de Instrumentos Folclóricos da Rússia em homenagem a N.P. Osipov.

Yuri Grigoriev (1939) - diretor artístico do Teatro Bolshoi Opera de 1999 a 2000. Artista do Povo da Rússia. Em 1968-1990 foi solista do Teatro Bolshoi da URSS e do Palácio de Congressos do Kremlin. Desde 1990, ele canta nos palcos de casas de ópera na Rússia e no exterior. Desde 1979 leciona no Departamento de Canto Solo do Conservatório de Moscou, desde 1996 é professor.

Bela Rudenko (1933) - diretor artístico da Bolshoi Opera Company de 1995 a 1998. Em 1973 tornou-se solista do Teatro Bolshoi. Ela interpretou as partes de Lyudmila em Ruslan e Lyudmila de Mikhail Glinka, Natasha Rostova (Guerra e Paz), Yolana (Milão), Rosina (O Barbeiro de Sevilha), Violetta (La Traviata), Lucia (Lucia de Lammermoor) e muitos outros. Ela se apresentou no palco do Teatro Bolshoi até 1988.

Alexander Lazarev (1945) - diretor artístico da ópera e maestro principal do Teatro Bolshoi de 1987 a 1995. Maestro de ópera e sinfonia, professor, Artista do Povo da Rússia. Lecionou no Departamento de Ópera e Regência Sinfônica da Faculdade de Orquestra do Conservatório de Moscou. Atua como maestro convidado nas principais orquestras sinfônicas e companhias de ópera do mundo.

Diretores artísticos da companhia de balé

Galina Stepanenko (1966) - Diretora artística interina da companhia de balé desde janeiro de 2013. Na trupe de balé do Teatro Bolshoi desde 1990. Desde dezembro de 2012 - professor-tutor

Sergei Filin (1970) - Diretor artístico da Bolshoi Ballet Company desde 2011. Artista do Povo da Rússia. Em 1988-2008 trabalhou como solista de balé na trupe do Teatro Bolshoi. Em 2008-2011, ele foi o chefe da trupe de balé do Teatro Musical Acadêmico de Moscou. K.S. Stanislávski e Vl.I. Nemirovitch Danchenko.

Yuri Burlaka (1968) - diretor artístico da Bolshoi Ballet Company em 2009-2011. . Colabora com o SABT desde 2008. Em 1986-2006 ele foi o principal solista do Teatro Regional do Estado de Moscou "Russian Ballet" sob a direção de Vyacheslav Gordeev. Desde 2006 é professor e tutor, desde abril de 2007 trabalha como diretor artístico do Russian Ballet Theatre.

Alexei Ratmansky - diretor artístico da Bolshoi Ballet Company em 2004-2009. Artista Homenageado da Ucrânia. Em 1986-1992 e em 1995-1997 foi solista da trupe de balé do Teatro de Ópera e Ballet de Kiev (Ópera Nacional da Ucrânia) em homenagem a Taras Shevchenko. Em 1992-1995 trabalhou com o Royal Winnipeg Ballet no Canadá. Em 1997 foi admitido no Royal Danish Ballet, onde desempenhou papéis principais. Desde 2009 - (American Ballet Theatre).

Boris Akimov (1946) - diretor artístico da Bolshoi Ballet Company em 2000-2003. Artista do Povo da URSS. Na trupe de balé do Teatro Bolshoi - desde 1965. Desde 1989 é professor e mestre de balé do Teatro Bolshoi. Em 2001-2005 foi professor na Academia Estatal de Coreografia de Moscou. Desde 2013, é Presidente do Conselho Artístico da Bolshoi Ballet Company.

Alexei Fadeechev (1960) - diretor artístico do Teatro Acadêmico Estadual Bolshoi em 1998-2000. Artista do Povo da Rússia. Desde 1978 é solista do Balé Bolshoi. Em 2001 organizou o teatro de dança privado de Alexei Fadeyechev.

Alexander Bogatyrev (1949-1998) - diretor artístico interino da trupe de balé em 1997-1998. Artista do Povo da RSFSR. Desde 1969 é solista da Bolshoi Ballet Company. Em 1995-1997, atuou como gerente da Bolshoi Ballet Company.

Vyacheslav Gordeev (1948) - dirigiu a trupe de balé do Teatro Bolshoi em 1995-1997. Artista do Povo da URSS. Em 1968-1989 dançou com a trupe do Teatro Bolshoi. Desde 1998 - Professor da Academia Russa de Cultura Eslava. Diretor artístico do Teatro Estadual Regional de Moscou "Russian Ballet".

Yuri Grigorovich (1927) - diretor artístico da trupe de balé em 1988-1995. Coreógrafo e coreógrafo, professor, Artista do Povo da URSS. Desde 1964 é o coreógrafo chefe do Teatro Bolshoi. Desde 2008 é coreógrafo da Bolshoi Ballet Company. Desde 1988, ele é o chefe do departamento de coreografia da Academia Estatal de Coreografia de Moscou.

O material foi elaborado com base em informações de fontes abertas

“Sua generosidade era lendária. Certa vez, ele enviou um piano de presente para a Escola de Cegos de Kiev, assim como outros enviam flores ou uma caixa de chocolates. sua personalidade criativa: ele não seria um grande artista que trouxe tanta felicidade para qualquer um de nós se não tivesse uma benevolência tão generosa para com as pessoas.
Aqui se podia sentir aquele amor transbordante pela vida com o qual toda a sua obra estava saturada.

O estilo de sua arte era tão nobre porque ele próprio era nobre. Por nenhum truque de técnica artística, ele poderia ter desenvolvido em si mesmo uma voz tão encantadoramente sincera se ele próprio não tivesse essa sinceridade. Eles acreditavam no Lensky criado por ele, porque ele mesmo era assim: descuidado, amoroso, simples de coração, confiante. É por isso que assim que ele apareceu no palco e pronunciou a primeira frase musical, o público imediatamente se apaixonou por ele - não apenas em seu jogo, em sua voz, mas em si mesmo.
Korney Ivanovich Chukovsky

Depois de 1915, o cantor não celebrou um novo contrato com os teatros imperiais, mas se apresentou na Casa do Povo de São Petersburgo e em Moscou no S.I. Zimin. Após a Revolução de Fevereiro, Leonid Vitalievich volta ao Teatro Bolshoi e torna-se seu diretor artístico. Em 13 de março, na grande abertura das apresentações, Sobinov, dirigindo-se ao público do palco, disse: “Hoje é o dia mais feliz da minha vida. Falo em meu próprio nome e em nome de todos os meus camaradas de teatro, como representante da arte verdadeiramente livre. Abaixo as correntes, abaixo os opressores! Se a arte anterior, apesar das correntes, serviu à liberdade, inspirando lutadores, então daqui para frente, acredito, arte e liberdade se fundirão em uma só.

Após a Revolução de Outubro, o cantor deu uma resposta negativa a todas as propostas de emigrar para o exterior. Ele foi nomeado gerente e um pouco mais tarde comissário do Teatro Bolshoi em Moscou.

Ele se apresenta em todo o país: Sverdlovsk, Perm, Kiev, Kharkov, Tbilisi, Baku, Tashkent, Yaroslavl. Ele também viaja para o exterior - para Paris, Berlim, as cidades da Polônia, os estados bálticos. Apesar do fato de o artista estar se aproximando de seu sexagésimo aniversário, ele novamente alcança um tremendo sucesso.

“Todo o ex-Sobinov passou na frente do público do salão lotado de Gaveau”, escreveu um dos relatórios de Paris. - Árias de ópera de Sobinov, romances de Sobinov de Tchaikovsky, canções italianas de Sobinov - tudo foi coberto de aplausos barulhentos ... Não vale a pena divulgar sua arte: todo mundo sabe disso. Todos que já o ouviram se lembram de sua voz... Sua dicção é clara como um cristal, “é como se as pérolas estivessem caindo em uma bandeja de prata”. Eles o ouviram com emoção ... a cantora foi generosa, mas o público foi insaciável: ela ficou em silêncio apenas quando as luzes se apagaram.
Após seu retorno à sua terra natal, a pedido de K.S. Stanislavsky torna-se seu assistente na gestão do novo teatro musical.

Em 1934, o cantor viaja para o exterior para melhorar sua saúde.
Já terminando sua viagem à Europa, Sobinov parou em Riga, onde morreu na noite de 13 para 14 de outubro.
Em 19 de outubro de 1934, o funeral ocorreu no cemitério de Novodevichy.
Sobinov tinha 62 anos.

35 anos no palco. Moscou. Grande Teatro. 1933

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versão 1
Na noite de 12 de outubro de 1934, não muito longe de Riga, em sua propriedade, o arcebispo John, chefe da Igreja Ortodoxa da Letônia, foi brutalmente assassinado. Acontece que Leonid Sobinov naquela época morava em Riga, onde veio ver seu filho mais velho Boris (ele emigrou para a Alemanha em 1920, onde se formou na Escola Superior de Artes e se tornou um compositor bastante famoso). Os emigrantes russos que inundaram Riga após a revolução espalharam rumores de que Sobinov, usando o fato de conhecer de perto o arcebispo, levou dois agentes do NKVD até ele, que cometeram um crime monstruoso. Leonid Vitalyevich ficou tão chocado com essas acusações que na noite de 14 de outubro morreu de ataque cardíaco.

Na noite de 12 de outubro de 1934, o arcebispo John (Ivan Andreevich Pommer) foi brutalmente assassinado na dacha do bispo perto de Kishozero: torturado e queimado vivo. O assassinato não foi resolvido e as razões para isso ainda não são completamente claras. daqui

O santo vivia sem guardas em uma dacha localizada em um lugar deserto. Ele adorava ficar sozinho. Aqui sua alma descansou da agitação do mundo. Vladyka John passou seu tempo livre em oração, trabalhando no jardim e carpintaria.
A subida à Jerusalém Celestial continuou, mas a maior parte do caminho já havia sido percorrida. O martírio do santo foi anunciado por um incêndio na dacha do bispo na noite de quinta para sexta-feira, 12 de outubro de 1934. Ninguém sabe quem submeteu Vladyka John a quais torturas. Mas o tormento era cruel. O santo foi amarrado a uma porta arrancada das dobradiças e submetido a terríveis torturas em sua bancada. Tudo testemunhava que os pés do mártir foram queimados com fogo, atiraram nele com um revólver e o incendiaram vivo.
Muitas pessoas se reuniram para o funeral do arcebispo John. A catedral não podia acomodar todos aqueles que desejavam ver o seu amado arcepastor em sua última viagem. Multidões de crentes permaneciam nas ruas pelas quais os restos mortais do santo mártir deveriam ser transportados. totalmente

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de um artigo de Dm. Levitsky O MISTÉRIO DO CASO DE INVESTIGAÇÃO DO ASSASSINATO DO Arcebispo JOHN (POMMER)

Sobinov estava ligado a Riga pelo fato de sua esposa, Nina Ivanovna, vir de uma família de comerciantes de Riga Mukhins, que eram os proprietários dos chamados. Celeiros vermelhos. Nina Ivanovna herdou parte dessa propriedade e recebeu alguma renda dela, que foi para um dos bancos de Riga. Foi por causa desse dinheiro que os Sobinovs vieram repetidamente a Riga, e o dinheiro que receberam possibilitou o pagamento de viagens ao exterior.

Sobinov não estava familiarizado com o Pe. John.
Quanto ao conhecimento de Sobinov com o arcebispo John, T. Baryshnikova e eu negamos categoricamente tal conhecimento. Ao mesmo tempo, ela repetiu o que L. Koehler escreveu de suas palavras: Sobinov, que não conhecia Vladyka, o viu durante a procissão da Páscoa e exclamou: “Mas eu pensei que ele era pequeno, pobre, e este é Chaliapin no papel de Boris Godunov".
Nas publicações de jornais sobre a morte de L.V. Sobinov, muitas vezes há palavras de que sua morte foi misteriosa e as circunstâncias que cercaram a morte eram suspeitas. Sobre isso falam os autores de dois livros: Neo-Sylvester (G. Grossen) e L. Koehler, e nota-se que a morte de Sobinov ocorreu poucas horas após a morte do senhor. Isso está errado e acho que se explica pelo fato de que ambos os autores escreveram seus livros muitos anos depois dos eventos em Riga no outono de 1934, de memória e sem acesso aos jornais de Riga da época. E a partir desses jornais verifica-se que Sobinov morreu não em 12 de outubro, mas na manhã de 14 de outubro.
Não havia nada de suspeito sobre o que aconteceu com o corpo do falecido Sobinov, pois isso foi relatado em detalhes no jornal russo Segodnya e no alemão Rigashe Rundschau. Foi neste jornal, mas em russo, que apareceram dois avisos de sua morte. Um em nome da embaixada soviética e outro em nome de sua esposa e filha.
Avisos no jornal "Rigashe Rundschau", na edição de 15 de outubro de 1934 na página 7 diziam:

Vamos nos voltar para o jornal Segodnya, em cujas páginas foram publicados vários artigos e relatórios detalhados sobre Sobinov e sua morte. Uma imagem emerge deles. Os Sobinovs (ele, sua esposa e filha) chegaram a Riga na quinta-feira à noite; 11 de outubro, e parou no hotel de São Petersburgo. No sábado, na última noite de sua vida, Sobinov deixou sua filha, Svetlana, de 13 anos, ir ao Teatro Russo. De manhã, a esposa de Sobinov ouviu que ele, deitado em sua cama, estava fazendo alguns sons estranhos, semelhantes a soluços. Ela correu para ele gritando "Lenya, Lenya, acorde!". Mas Sobinov não respondeu e não havia mais pulso. O médico chamado fez uma injeção, mas Sobinov já estava morto.

Esta informação do jornal russo deve ser complementada. O nome do médico chamado foi citado no jornal alemão. Era o Dr. Mackait, bem conhecido nos círculos alemães. O mesmo jornal observou que na véspera de Sobinov e sua filha visitaram o teatro russo. Mas esse detalhe está em desacordo com o que Segodnya escreveu e com o que T. K. Baryshnikova me disse.
Segundo ela, na noite anterior à morte de Sobinov, foi decidido que Svetlana iria com ela ao Teatro Russo e, após a apresentação, ela passaria a noite com os Baryshnikovs.

Portanto, aconteceu que Nina Ivanovna Sobinova telefonou para os Baryshnikovs no início da manhã, por volta das 5 horas, e então eles e Svetlana souberam que Leonid Vitalievich havia morrido.

Continuo a mensagem do jornal "Hoje". A morte de Sobinov foi imediatamente comunicada à embaixada em Riga e um telegrama foi enviado a Berlim para Boris, filho de Sobinov de seu primeiro casamento, que conseguiu voar para Riga no mesmo dia.

O corpo de Sobinov foi colocado no quarto de um quarto duplo de hotel. O corpo foi embalsamado pelo Prof. Adelheim, e o escultor Dzenis removeu a máscara do rosto do falecido. (Esses detalhes também foram relatados no jornal alemão.) Amigos e conhecidos dos Sobinovs, que vieram se despedir do falecido, estavam se movendo em ambos os quartos. Às sete horas da noite, o corpo de Sobinov foi colocado em um caixão de carvalho, retirado do hotel e transportado em uma carruagem funerária para o prédio da embaixada.

Outro fato, sobre o qual nada foi relatado na imprensa, foi relatado por G. Baryshnikova, a saber: “Depois da morte de Sobinov, de manhã no hotel, no quarto dos Sobinov, um monge, padre Sergius, prestou um serviço fúnebre completo e sepultamento do corpo na terra. Um punhado de terra foi retirado da Catedral de Riga.”

No dia seguinte, 15 de outubro, foi realizada uma cerimônia no prédio da embaixada, descrita em detalhes pelo jornal Segodnya em um artigo intitulado "Os restos mortais de L. V. Sobinov enviados de Riga a Moscou". As legendas deste título dão uma ideia do que aconteceu na embaixada, e cito-as: “Serviço fúnebre na embaixada. Enrugamento do discurso do encarregado de negócios. Citação da saudação de Yuzhin. O telegrama de Kalinin. Memórias de Sobinov na multidão. Chegada do filho de Sobinov. Carro fúnebre.

O que foi dito nas reportagens dos jornais citados dissipa o nevoeiro que envolvia os eventos que cercaram a morte de Sobinov. Por exemplo, L. Koehler escreve que ninguém foi autorizado a entrar no hotel onde o corpo do falecido estava deitado, não apenas os repórteres, mas também as autoridades judiciais "... algum tipo da embaixada soviética estava no comando lá". E G. Grossen diz que no hotel "algum camarada ruivo estava encarregado de tudo".

Tal arbitrariedade da embaixada é improvável. Aparentemente, ambos os autores transmitem os ecos daqueles rumores implausíveis que circulavam na época em Riga. De fato, relatórios e fotografias que apareceram, por exemplo, no jornal Segodnya, testemunham o fato de que ninguém colocou obstáculos no caminho dos repórteres.

JI.Kehler também escreve que o irmão de Vladyka confirmou a ela que "o famoso cantor Sobinov ligou para Vladyka na quinta-feira à tarde... Eles concordaram que ele viria a Vladyka à noite". Aqui, novamente, há inconsistências. Segundo o jornal Segodnya, os Sobinov chegaram a Riga na quinta-feira à noite, 11 de outubro. Este horário especifica o horário das ferrovias da Letônia para 1934, segundo o qual o trem de Berlim via Koenigsberg chegou às 18h48. Portanto, é de se perguntar como Sobinov (de acordo com o irmão de Vladyka) poderia ligar para Vladyka durante o dia, já que ele chegou apenas à noite. Como já mencionado, o fato do conhecimento de Sobinov com Vladyka não foi comprovado de forma alguma. Além disso, se Sobinov tivesse telefonado para Vladyka mais tarde, depois de sua chegada, seria provável que ele tivesse concordado em passar a noite procurando uma casa de campo ao longo de uma estrada isolada? E isso foi logo após uma longa e cansativa viagem (pelo que me lembro, a viagem de Berlim a Riga durou cerca de 30 horas).

Finalmente, resta dizer algumas palavras sobre o boato de que a morte de Sobinov foi violenta. Isso também é especulação, não é baseado em nada.

Sabia-se que Sobinov sofria de um problema cardíaco e, a conselho dos médicos, foi a Marienbad para tratamento. E de lá ele escreveu em 12 de agosto de 1934 a K. Stanislavsky:

“Espero ficar aqui por um mês inteiro a partir da data do início do tratamento, mas aqui eu o tive interrompido sem sucesso desde o início por um ataque cardíaco que aconteceu sem motivo algum.”

Portanto, não há nada de estranho e surpreendente no fato de que a longa jornada dos Sobinovs (depois de Marienbad eles ainda foram para a Itália) possa afetar a saúde de Leonid Vitalyevich, e ele teve um segundo ataque cardíaco em Riga.
A circulação persistente de todos os tipos de rumores sobre a causa da morte de Sobinov, talvez, em certa medida devido à atmosfera criada em Riga em torno da chegada dos Sobinov lá. Aqui está o que Milrud, o editor do jornal Segodnya, que estava bem ciente do humor dos residentes russos de Riga, escreveu em sua carta datada de 11 de outubro de 1937 ao jornalista Boris Orechkin: “Os Sobinovs visitavam Riga com frequência. Aqui, o próprio Sobinov se comportou de tal maneira ultimamente que na sociedade russa sempre falavam dele de forma extremamente negativa. A morte repentina de Sobinov, coincidindo com a morte do arco. John (muito misterioso) até mesmo causou rumores persistentes de que arco. foi morto por Sobinov por ordem dos bolcheviques. Isso, é claro, é ficção completa, mas esses rumores são teimosamente mantidos até hoje.

69 anos se passaram desde a morte do arcebispo John (Pommer), mas o mistério de seu assassinato brutal ainda não foi resolvido.
Mas chegou a hora de não associar o nome de L.V. Sobinov ao assassinato do arcebispo John. Pois, como T.K. Baryshnikova-Gitter escreveu uma vez, o boato sobre isso é falso e deve ser interrompido para sempre.

Svetlana Leonidovna Sobinova-Kassil lembrou:
Estávamos em Riga, já havíamos comprado passagens para Moscou e, uma vez, quando passei a noite com amigos, os amigos da minha mãe de repente vieram me buscar ... Quando entrei no hotel, entendi tudo pelos rostos deles. Papai morreu de repente, em um sonho - ele tinha um rosto completamente calmo. Então papai foi transferido para a embaixada soviética, e eu não deixei o caixão ser retirado, porque Borya (nota - o filho mais velho de L.V. de seu primeiro casamento) não foi ao enterro. Borya era professor no conservatório e morava em Berlim Ocidental.

Em 2008, com os esforços e esforços da Casa-Museu Yaroslavl de Sobinov, o livro “Leonid Sobinov. O palco e toda a vida. Os autores do catálogo - funcionários do museu Natalya Panfilova e Albina Chikireva - estão se preparando para sua publicação há mais de sete anos. O catálogo de 300 páginas, feito no estilo da Era de Prata, consiste em seis grandes capítulos e inclui 589 ilustrações que nunca foram publicadas em nenhum lugar antes. Todos eles fazem parte do acervo único do museu-reserva, totalizando mais de 1670 itens. daqui

por que a Casa-Museu Sobinov está fechada hoje??