Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Likas sa tao na ilagay ang lahat sa mga istante, maghanap ng lugar para sa lahat at magbigay ng pangalan. Mahirap itong gawin lalo na sa sining, kung saan ang talento ay isang kategorya na hindi pinapayagan ng isa na ipitin ang isang tao o isang buong trend sa isang cell ng isang pangkalahatang ordered catalog. Ang abstractism ay isang konsepto lamang. Ito ay pinagtatalunan nang mahigit isang siglo.

Abstractio - pagkagambala, paghihiwalay

Ang nagpapahayag na paraan ng pagpipinta ay linya, anyo, kulay. Kung ihihiwalay mo ang mga ito mula sa mga hindi kinakailangang halaga, sanggunian at asosasyon, sila ay magiging perpekto, ganap. Kahit si Plato ay nagsalita tungkol sa totoo, tamang kagandahan ng mga tuwid na linya at mga geometric na hugis. Ang kawalan ng pagkakatulad ng kung ano ang inilalarawan sa mga tunay na bagay ay nagbubukas ng daan para sa impluwensya sa tumitingin ng ibang bagay na hindi alam, hindi naa-access sa ordinaryong kamalayan. Ang artistikong halaga ng larawan mismo ay dapat na mas mataas kaysa sa kahalagahan ng kung ano ang inilalarawan nito, dahil ang mahuhusay na pagpipinta ay nagsilang ng isang bagong pandama na mundo.

Ganito ang pagtatalo ng mga repormador. Para sa kanila, ang abstractionism ay isang paraan ng paghahanap ng mga pamamaraan na hindi pa nakikita bago ang kapangyarihan.

Bagong siglo - bagong sining

Ang mga kritiko ng sining ay nagtatalo tungkol sa kung ano ang abstractionism. Ipinagtatanggol ng mga istoryador ng sining ang kanilang pananaw nang may sigasig, pinupunan ang mga puwang sa kasaysayan ng abstract na pagpipinta. Ngunit ang karamihan ay sumang-ayon sa oras ng kanyang kapanganakan: noong 1910 sa Munich, ipinakita ni Wassily Kandinsky (1866-1944) ang kanyang gawa na "Walang Pamagat. (Ang unang abstract na watercolor)."

Di-nagtagal, ipinahayag ni Kandinsky sa kanyang aklat na "On the Spiritual in Art" ang pilosopiya ng isang bagong kalakaran.

Ang pangunahing bagay ay ang impression

Hindi dapat isipin ng isa na ang abstractionism sa pagpipinta ay lumitaw mula sa simula. Ang mga Impresyonista ay nagpakita ng bagong kahulugan ng kulay at liwanag sa pagpipinta. Kasabay nito, ang papel ng linear na pananaw, ang eksaktong pagsunod sa mga proporsyon, atbp., ay naging hindi gaanong mahalaga. Ang lahat ng mga nangungunang masters ng oras na iyon ay nahulog sa ilalim ng impluwensya ng estilo na ito.

Ang mga tanawin ni James Whistler (1834-1903), ang kanyang "nocturnes" at "symphony", ay nakakagulat na nakapagpapaalaala sa mga obra maestra ng abstract expressionist na pintor. Sa pamamagitan ng paraan, sina Whistler at Kandinsky ay may synesthesia - ang kakayahang magbigay ng mga kulay na may tunog ng isang tiyak na pag-aari. At parang musika ang mga kulay sa kanilang mga gawa.

Sa mga gawa ni Paul Cezanne (1839-1906), lalo na sa huling panahon ng kanyang trabaho, ang anyo ng bagay ay binago, na nakakakuha ng isang espesyal na uri ng pagpapahayag. Hindi nakakagulat na si Cezanne ay tinawag na forerunner ng cubism.

Pangkalahatang pasulong na paggalaw

Ang abstractionism sa sining ay nabuo sa iisang kalakaran sa kurso ng pangkalahatang pag-unlad ng sibilisasyon. Ang kapaligiran ng mga intelektwal ay nasasabik ng mga bagong teorya sa pilosopiya at sikolohiya, ang mga artista ay naghahanap ng mga koneksyon sa pagitan ng espirituwal na mundo at ng materyal, personalidad at espasyo. Kaya, si Kandinsky, sa kanyang mga katwiran para sa teorya ng abstraction, ay umaasa sa mga ideya na ipinahayag sa mga theosophical na libro ni Helena Blavatsky (1831-1891).

Ang mga pangunahing pagtuklas sa pisika, kimika, at biology ay nagbago ng mga ideya tungkol sa mundo, tungkol sa kapangyarihan ng impluwensya ng tao sa kalikasan. Binawasan ng pag-unlad ng teknolohiya ang sukat ng mundo, ang sukat ng uniberso.

Sa mabilis na pag-unlad ng photography, maraming mga artist ang nagpasya na bigyan ito ng isang dokumentaryo function. Nagtalo sila: ang negosyo ng pagpipinta ay hindi upang kopyahin, ngunit upang lumikha ng isang bagong katotohanan.

Ang abstractionism ay isang rebolusyon. At ang mga mahuhusay na tao na may mga sensitibong mental attunement ay nadama na ang oras para sa panlipunang pagbabago ay darating. Hindi sila nagkamali. Ang ikadalawampu siglo ay nagsimula at nagpatuloy sa mga hindi pa naganap na kaguluhan sa buhay ng buong sibilisasyon.

Founding Fathers

Kasama ni Kandinsky, si Kazimir Malevich (1879-1935) at ang Dutchman na si Piet Mondrian (1872-1944) ay tumayo sa pinagmulan ng bagong kalakaran.

Sino ang hindi nakakaalam ng "Black Square" ni Malevich? Mula nang lumitaw ito noong 1915, ito ay nasasabik sa parehong mga propesyonal at karaniwang tao. Ang ilan ay nakikita ito bilang isang patay na dulo, ang iba - isang simpleng mapangahas. Ngunit ang lahat ng gawain ng master ay nagsasalita tungkol sa pagtuklas ng mga bagong abot-tanaw sa sining, ng pasulong.

Ang teorya ng Suprematism (lat. supremus - ang pinakamataas), na binuo ni Malevich, ay iginiit ang primacy ng kulay sa iba pang paraan ng pagpipinta, inihalintulad ang proseso ng pagpipinta ng isang larawan sa isang gawa ng Paglikha, "purong sining" sa pinakamataas na kahulugan. Ang malalim at panlabas na mga palatandaan ng Suprematism ay matatagpuan sa mga gawa ng mga kontemporaryong artista, arkitekto at taga-disenyo.

Ang gawain ni Mondrian ay may parehong impluwensya sa mga sumunod na henerasyon. Ang kanyang neo-plasticism ay batay sa generalization ng anyo at ang maingat na paggamit ng bukas, undistorted na kulay. Ang mga tuwid na itim na pahalang at patayo sa isang puting background ay bumubuo ng isang grid na may mga cell na may iba't ibang laki, at ang mga cell ay puno ng mga lokal na kulay. Ang pagpapahayag ng mga pagpipinta ng master ay nag-udyok sa mga artista sa kanilang malikhaing pag-unawa, o sa bulag na pagkopya. Ang abstractionism ay ginagamit ng mga artist at designer kapag lumilikha ng tunay na mga bagay. Lalo na madalas ang mga motif ng Mondrian ay matatagpuan sa mga proyekto sa arkitektura.

Russian avant-garde - tula ng mga termino

Ang mga artista ng Russia ay lalo na tumanggap sa mga ideya ng kanilang mga kababayan - Kandinsky at Malevich. Ang mga ideyang ito ay angkop lalo na sa magulong panahon ng pagsilang at pagbuo ng isang bagong sistemang panlipunan. Ang teorya ng Suprematism ay binago ni Lyubov Popova (1889-1924) at (1891-1956) sa pagsasagawa ng constructivism, na may partikular na impluwensya sa bagong arkitektura. Ang mga bagay na binuo noong panahong iyon ay pinag-aaralan pa rin ng mga arkitekto sa buong mundo.

Sina Mikhail Larionov (1881-1964) at Natalya Goncharova (1881-1962) ang naging tagapagtatag ng Rayonismo o Rayonismo. Sinubukan nilang magpakita ng kakaibang interweaving ng mga sinag at magaan na eroplano na ibinubuga ng lahat ng bagay na pumupuno sa mundo sa paligid.

Si Alexandra Esther (1882-1949), (1882-1967), Olga Rozanova (1886-1918), Nadezhda Udaltsova (1886-1961) ay lumahok sa kilusang Cubo-Futurist, na nag-aral din ng tula.

Ang abstractionism sa pagpipinta ay palaging isang tagapagsalita para sa matinding ideya. Ang mga ideyang ito ay inis ang mga awtoridad ng totalitarian state. Sa USSR, at kalaunan sa Nazi Germany, mabilis na natukoy ng mga ideologist kung anong uri ng sining ang mauunawaan at kinakailangan para sa mga tao, at sa simula ng 40s ng ikadalawampu siglo, ang sentro ng pag-unlad ng abstractionism ay lumipat sa Amerika.

Mga channel ng isang stream

Ang abstractionism ay isang medyo malabo na kahulugan. Saanman ang object ng pagkamalikhain ay walang tiyak na pagkakatulad sa nakapaligid na mundo, ang isa ay nagsasalita ng abstraction. Sa tula, sa musika, sa ballet, sa arkitektura. Sa visual arts, ang mga anyo at uri ng kalakaran na ito ay lalong magkakaibang.

Ang mga sumusunod na uri ng abstract na sining sa pagpipinta ay maaaring makilala:

Mga komposisyon ng kulay: sa espasyo ng canvas, kulay ang pangunahing bagay, at ang bagay ay natutunaw sa paglalaro ng mga kulay (Kandinsky, Frank Kupka (1881-1957), orphist (1885-1941), Mark Rothko (1903-1970) , Barnet Newman (1905-1970)).

Ang geometric abstractionism ay isang mas intelektwal, analytical na uri ng avant-garde painting. Tinatanggihan niya ang linear na pananaw at ang ilusyon ng lalim, paglutas ng tanong ng relasyon ng mga geometric na anyo (Malevich, Mondrian, elementalist Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), tagasunod ng op art (1906-1997). )).

Expressive abstractionism - ang proseso ng paglikha ng isang larawan ay lalong mahalaga dito, kung minsan ang mismong paraan ng paglalapat ng pintura, tulad ng, halimbawa, sa mga tashist (mula sa tache - spot) (Jackson Pollock (1912-1956), tashist Georges Mathieu (1921- 2012), Willem de Kooning (1904-1997), Robert Motherwell (1912-1956)).

Ang minimalism ay isang pagbabalik sa pinagmulan ng artistikong avant-garde. Ang mga imahe ay ganap na walang mga panlabas na sanggunian at asosasyon (b. 1936), Sean Scully (b. 1945), Ellsworth Kelly (b. 1923)).

Abstractionism - malayo sa nakaraan?

Kaya ano ang abstractionism ngayon? Ngayon ay maaari mong basahin online na ang abstract painting ay isang bagay ng nakaraan. Russian avant-garde, black square - sino ang nangangailangan nito? Ngayon na ang oras para sa bilis at malinaw na impormasyon.

Impormasyon: ang isa sa mga pinakamahal na pagpipinta noong 2006 ay naibenta ng higit sa 140 milyong dolyar. Tinatawag itong "No. 5.1948", ang may-akda ay si Jackson Pollock, isang nagpapahayag na abstract artist.

Hindi tulad ng classical fine art, na naglalayong ilarawan ang realidad, abstract art sa pangkalahatan ay walang kinalaman sa natural na mundo. Kahit na ang mga abstraction sa sining ay umiral sa maraming kultura mula noong sinaunang panahon, ang rurok ng katanyagan ng direksyon ay itinuturing na simula ng ika-20 siglo.

Paggalaw sa mga parisukat (1961)

Bridget Riley

Sa genre ng optical art, lumilikha ang artist ng mga ilusyon sa pamamagitan ng pagmamanipula ng mga pattern, hugis at kulay. Ito ay si Bridget Riley na isa sa mga nangungunang British artist sa direksyong ito, ang kanyang trabaho ay katumbas ng mga gawa ni Victor Vasarely. Sa Movement in Squares, inilalarawan niya ang isang baluktot na chessboard na lumilikha ng pakiramdam ng lalim at paggalaw.

Serye ng abstract paintings (1986)

Gerhard Richter

Si Gerhard Richter ay isang sikat na German artist na lumikha ng iba't ibang mga gawa na mahirap pa ring matukoy ang kanilang pag-aari sa alinman sa mga genre ng sining. Ipininta niya ang kanyang unang obra sa seryeng Abstract Canvases noong 1976 at ipinagpatuloy ito sa susunod na dalawang dekada. Nagsisimula ang mga painting ni Richter sa pamamagitan ng paglalagay ng malalaking swathes ng base na kulay, at pagkatapos ay unti-unting nabuo ang komposisyon, na sumasalamin sa pag-unlad nito, mga random na detalye at pattern. Kapansin-pansin, noong Pebrero 2015, ang isa sa mga kuwadro na gawa sa serye ay naibenta sa halagang 44 milyong dolyar, kaya nagtatakda ng rekord na presyo sa mga gawa ng nabubuhay na mga artista sa Europa.

Kahel Pulang Dilaw (1961)

Mark Rothko

Si Mark Rothko ay itinuturing na pioneer ng istilo sa Abstract Expressionism, kung saan ang pangunahing paksa ng pagpipinta ay kulay. Kabilang sa kanyang mga tanyag na gawa ay ang mga canvases na gumagamit ng simetriko na mga parihabang bloke at isang magkakaibang palette ng mga kulay. Ang pagpipinta ng Color Field ay nagtataglay din ng rekord para sa pinakamataas na presyo ng pagbebenta sa isang pampublikong auction: noong Mayo 2012, naibenta ito sa halos $87 milyon.

Blue II (1961)

Piet Mondrian

Ang geometric abstraction ay isang uri ng abstract na sining batay sa paggamit ng mga geometric na hugis. Inimbento ni Piet Mondrian ang terminong "neoplasticity" para sa kanyang abstract geometric painting, na gumamit lamang ng mga tuwid na linya, tatlong pangunahing kulay, at neutral na mga itim, puti, at kulay abo. Ang huling kumpletong pagpipinta ni Mondrian, "Broadway Boogie Woogie", ay hango sa urban na kapaligiran ng Manhattan at ang eponymous na direksyon sa musika na gusto ng artist. Ang pagpipinta ay itinuturing na tuktok ng mga representasyon ni Mondrian, kung saan ang kanyang graphic na bokabularyo ng mga linya, mga parisukat at mga kulay ay ganap na inilapat.

11 (1952)

Ang drip painting ay isang anyo ng abstract na sining kung saan ang pintura ay pinatulo o ibinuhos sa isang canvas sa halip na maingat na inilapat gamit ang iba't ibang mga tool. Si Jackson Pollock ang pinakasikat na espesyalista sa drip painting. Kabilang sa kanyang mga gawa, maaaring makilala ng isa ang "No. 11", na nakuha ng National Gallery of Australia noong 1973 para sa $ 1.3 milyon (sa oras na iyon - isang rekord ng mundo para sa kontemporaryong pagpipinta ng Amerika). Pinuna ng mga pahayagan sa Australia ang pagbili, at nagkaroon ng iskandalo, na nagresulta sa atensyon ng publiko na nag-ambag sa paglago ng katanyagan ng larawan. Ngayon, ang pagpipinta na ito ay isa sa mga pangunahing eksibit sa koleksyon ng gallery, at ang pagbili nito ay itinuturing na hindi kapani-paniwalang matagumpay.

Komposisyon VII (1913)

Kazimir Malevich

Si Kazimir Malevich ang nagtatag ng artistikong kilusan na kilala bilang Suprematism, na nakatuon sa mga pangunahing geometric na hugis gaya ng mga bilog, parisukat, linya, at parihaba, gayundin ang paggamit ng limitadong hanay ng mga kulay. Dahil dito, siya ay isang pioneer ng geometric abstract art. Ang sikat na "Black Square" ay may makasaysayang kahalagahan, ito ay tinatawag na "zero point of painting." Ang gawain ay itinuturing na isang kulto hindi lamang sa genre ng abstract na sining, kundi pati na rin sa pagpipinta sa pangkalahatan.

Mga sikat na abstract painting na-update: Setyembre 12, 2018 ni: Gleb

Abstract na sining abstract na sining

(abstractionism), isang direksyon sa sining ng ika-20 siglo, na tumatangging ilarawan ang mga tunay na bagay at phenomena sa pagpipinta, eskultura at mga graphic. Lumitaw sa 10s, sa huling bahagi ng 40s - unang bahagi ng 60s. nabibilang sa pinakalaganap na agos ng sining. Ang ilang mga agos ng abstract na sining (Suprematism, Neoplasticism), umaalingawngaw sa mga paghahanap sa arkitektura at industriya ng sining, lumikha ng mga nakaayos na istruktura mula sa mga linya, geometric na hugis at volume, ang iba (Tashism) ay naghangad na ipahayag ang spontaneity, kawalan ng malay-tao ng pagkamalikhain sa dinamika ng mga spot o mga volume.

ABSTRACT ART (abstractionism, non-objective art (cm. SINING NA HINDI LAYUNIN), non-figurative art), isang hanay ng mga uso sa visual arts noong ika-20 siglo, na pinapalitan ang direktang pagpaparami ng natural na realidad ng pictorial-plastic na mga palatandaan at simbolo, o ng isang "dalisay" na paglalaro ng mga artistikong anyo. Ang "puro" na abstraction ay dapat kunin nang may kondisyon, dahil kahit na sa pinaka-abstract na mga imahe mula sa isang kongkretong kalikasan ay palaging mahulaan ng isang tao ang ilang mga paksa-figure na motif at prototype - buhay pa rin, landscape, arkitektura, atbp.
Ang sining ng dekorasyon ay palaging nagsisilbing isang permanenteng reservoir ng gayong mga anyo. Ang mga mahahalagang pag-asa sa kasaysayan ng abstract na sining ay ang pagkahilig din ng mga artista para sa mga anamorphoses (o, tulad ng, "random" na mga imahe), na nahulaan sa mga natural na texture (halimbawa, sa mga hiwa ng mineral), mula noong sinaunang panahon, pati na rin ang ang prinsipyo ng non-finito na isinilang noong Renaissance. (cm. HINDI FINITO)(panlabas na hindi kumpleto, na nagpapahintulot sa iyo na humanga sa paglalaro ng mga linya at kulay, anuman ang mga anyo ng balangkas). Ang nakararami na pandekorasyon na sining ng Islam, pati na rin ang Far Eastern calligraphy, na nagpalaya sa brush mula sa pangangailangan na patuloy na gayahin ang panlabas na kalikasan, na binuo sa buong Middle Ages sa isang hindi layunin na paraan. Sa Europa, sa panahon ng romantikismo at simbolismo, iyon ay, noong ika-19 na siglo, ang mga artista kung minsan - kadalasan sa yugto ng isang sketch, ngunit kung minsan sa mga natapos na bagay - ay pumasok sa mundo ng hindi matalinghagang mga pangitain (ganyan ang ilan sa ang mga pantasya ng yumaong J. M. W. Turner (cm. TURNER William) o mga sketch ni G. Moreau); ngunit ang mga ito ay mga indibidwal na eksepsiyon lamang, at ang mapagpasyang pagbabago ay naganap lamang noong unang bahagi ng 1910s.
Ang sining ng "dakilang espirituwalidad"
Ang unang aktwal na abstract painting ay nilikha noong 1910-1911. V. V. Kandinsky (cm. KANDINSKY Vasily Vasilievich) at Czech F. Kupka (cm. KUPKA Frantisek), at noong 1912 ang una sa kanila ay pinatunayan ang kanyang malikhaing pagtuklas nang detalyado sa sanaysay ng programa na "Sa Espirituwal sa Sining". Sa susunod na 12 taon, ang iba pang mga landmark na kaganapan ay naganap: sa paligid ng 1913 M. F. Larionov (cm. LARIONOV Mikhail Fedorovich) at N. S. Goncharova (cm. GONCHAROV Natalia Sergeevna) lumipat sila sa abstract art mula sa futurism (tinawag ni Larionov ang bagong pamamaraan na "Rayonism"); kasabay nito, isang katulad na pagbabago ang naganap sa gawain ng Italyano na si J. Balla (cm. BALLA Giacomo). Noong 1912-1913. isinilang ang di-layunin na "orphism" ni R. Delaunay (cm. Delaunay Robert), at noong 1915-1917. - isang mas mahigpit, geometric na bersyon ng abstract na sining, na nilikha ni K. S. Malevich (cm. MALEVICH Kazimir Severinovich) sa Russia (Suprematism), at pagkatapos ay P. Mondrian (cm. MONDRIAN Pete) sa Netherlands (neoplasticism). Bilang resulta, nabuo ang isang eksperimentong larangan, kung saan halos lahat ng mga istilo ng avant-garde noong panahong iyon ay nagsalubong, mula Futurismo hanggang Dadaismo.
Tatlong bahagi ng abstract creativity ang agad na natukoy: 1) geometric; 2) sign (i.e., tumututok sa mga simbolo o pictograms); 3) organiko, kasunod ng ritmo ng kalikasan (sa Russia, si P. N. Filonov ang pinakamalaking tagasuporta ng naturang abstract organics (cm. FILONOV Pavel Nikolaevich)). Gayunpaman, ang gayong pag-uuri ay may kinalaman lamang sa panlabas, pormal na mga tampok, dahil ang lahat ng mga variant ng maagang abstract na sining ay sinasagisag sa isang paraan o iba pa at lahat ay binigyang inspirasyon sa isang paraan o iba pa ng "kosmikong ritmo" ng kalikasan. Ang Orphism ni Delaunay, na nagpapatuloy mula sa sukat ng mga purong kulay, ay bumubuo ng isang espesyal na direksyon, na maaaring kondisyon na tinatawag na "chromatic".
Sa likod ng mga pormal na pagkakaiba ay ang pagkakamag-anak ng panloob na nilalaman. Naranasan ang malakas na impluwensya ng Theosophy at mga katulad na mystical na agos (i.e., ang impluwensya ng mga may-akda tulad ni H. P. Blavatsky (cm. BLAVATSKAYA Elena Petrovna) at ang kanyang mga tagasunod, pati na rin si P. D. Uspensky (cm. USPENSKY Petr Demyanovich) sa Russia at M. Schoenmeckers sa Netherlands), Kandinsky, Kupka, Malevich at Mondrian ay kumbinsido na ang kanilang mga kuwadro na gawa, kung saan ang dating mundo ay biswal na nawala sa cosmic na "wala", ay kumakatawan sa isang artistikong pahayag o, sa madaling salita, ay nagpapakita sa manonood. ang threshold na iyon ay lampas na nagbubukas ng isang bagong "panahon ng dakilang espirituwalidad" (Kandinsky) at "pumasok sa pamumulaklak ng mundo" (Filonov). Ang pagdating ng panahon ng mga digmaan at rebolusyon ay nagpalakas lamang sa mga romantikong-idealistikong paniniwalang ito.
Disenyo at lyrics
Noong 1920s abstract art, pinapanatili ang kanyang utopia background (ngunit hindi masyadong "apocalyptic") ay naging mas praktikal at hindi gaanong mystical. "Bauhaus (cm. bauhaus)"sa Germany ay aktibong pinagkadalubhasaan ang malikhaing potensyal nito (pangunahin sa geometriko na bersyon nito) upang i-update ang disenyo, at kasama nito ang buhay panlipunan sa pangkalahatan. Ang abstractionism ay nagsimulang mag-ugat sa buhay, kabilang ang fashion (halimbawa, S. Delaunay-Turk (cm. DELAUNE Sonia) ginamit ang mga motif ng mga pintura ng kanyang asawa para sa disenyo ng mga tela, interior at kahit na mga kotse). Ito ay abstract na sining na makapangyarihang nag-ambag sa pagbuo ng kung ano ang nagsimulang tinatawag na "modernong istilo" ng pandekorasyon na sining. Sa turn, ang non-objectivity ay aktibong pinagkadalubhasaan sa sculpture, parehong easel at monumental at pandekorasyon (H. Arp (cm. ARP Hans (Jean)), K. Brancusi (cm. Brancusi Constantine), N. Gabo (cm. GABO Naum Abramovich), A. Pevzner at iba pa). Ang aktibidad ng asosasyong Pranses na "Abstraction-creation" ("Abstraction-creation") ay nag-ambag sa paglipat ng abstract art mula sa philosophical utopias patungo sa mas mapagnilay-nilay at liriko na mga imahe.
Gayunpaman, ang sa wakas ay bago, ika-apat na direksyon ng sining na ito, ang tinatawag na. Ang "lyrical abstractionism" (na naging personal, confessional sa sarili nitong paraan, self-expression ng mga artist) ay nagkaroon ng hugis nang ilang sandali, noong 1940s. sa NYC. Ito ay abstract expressionism, na pinangungunahan ng isang napakalaking, textured brushstroke, na parang kusang itinapon sa canvas (J. Pollock (cm. Pollock Jackson), W. de Kooning (cm. KUNING Willem), at iba pa.). Ang dramatikong pag-igting na likas sa marami sa mga bagay na ito ay nakuha sa Kanlurang Europa noong 1940s at 1950s. mas trahedya pa sa tinatawag na. "impormal (cm. INFORMEL)"(Wols, A. Tapies, J. Fautrier), habang nasa tachisme (cm. TASHISM), sa kabaligtaran, nanaig ang pangunahing-epiko o impresyonistikong-landscape na simula (J. Mathieu, P. Tal-Coat, H. Hartung at iba pa); Sa una, ang focus ng parehong mga lugar na ito (na kung minsan ay ginagamit ang mga pangalan nang magkasingkahulugan) ay Paris. Sa parehong panahon, mayroon ding mga punto ng convergence sa pagitan ng abstract art at Far Eastern calligraphy (halimbawa, sa gawa ng American M. Toby at ng Chinese Zao-Wooki, na nagtrabaho sa France).
Sa pagitan ng ilalim ng lupa at kaluwalhatian
Ang opisyal na pagkilala sa abstract na sining sa Kanluran ay naganap noong kalagitnaan ng ika-20 siglo, sa panahon ng pangingibabaw ng internasyonal na istilo sa arkitektura (hindi layunin - pictorial o sculptural - ang mga porma ay lubos na nagpasigla sa monotony ng mga istrukturang konkretong salamin) . Kaayon nito, lumitaw ang isang fashion para sa "pagpipinta ng field ng kulay", na ginalugad ang mga nagpapahayag na posibilidad ng malaki, pantay-pantay (o may bahagyang mga pagkakaiba-iba ng tonal) na pininturahan na mga ibabaw ng kulay (B. Newman, M. Rothko (cm. ROTKO Mark)), at noong 1960s. - sa isang sharp-contour na "hardedge" (Hard-Edge) o "pagpinta ng malinaw na mga gilid". Nang maglaon, ang abstract art, bilang panuntunan, ay hindi na pinaghihiwalay ang sarili nito sa istilo, na pinagsama sa pop art, op art at iba pang postmodernist na paggalaw.
Sa Sobyet Russia, ang abstract na sining sa loob ng mahabang panahon (mula noong 1930s) ay talagang binuo sa ilalim ng lupa, dahil opisyal itong itinuturing na pokus ng "reactionary-formalist na impluwensya ng Kanluran" (ito ay katangian na ang mga salitang "abstractionism" at "modernism" sa pamamahayag ng Sobyet ay kadalasang ginagamit bilang mga kasingkahulugan). Sa panahon ng pagtunaw, ang arkitektura ay nagsilbing isang uri ng labasan para sa kanya, kadalasang may kasamang abstract o semi-abstract na komposisyon sa disenyo nito. Lumalabas sa publiko sa mga taon ng perestroika, ang bagong abstract na sining ng Russia ay nagpakita ng isang mayamang hanay ng magkakaibang mga uso (pangunahin sa pagpipinta at mga graphics), na nagpatuloy sa simula ng unang bahagi ng Russian avant-garde sa orihinal na paraan. Kabilang sa kanyang mga kinikilalang masters (1960-1990s) - E. M. Belyutin (cm. Belyutin Eliy Mikhailovich), Yu. S. Zlotnikov, E. L. Kropivnitsky (cm. KROPIVNITSKY Evgeny Leonidovich), M. A. Kulakov, L. Ya. Masterkova, V. N. Nemukhin (cm. NEMUKHIN Vladimir Nikolaevich), L. V. Nusberg (cm. NUBERG Lev Valdemarovich), V. L. Slepyan, E. A. Steinberg (cm. STEINBERG Eduard Arkadyevich).

encyclopedic Dictionary. 2009 .

Tingnan kung ano ang "abstract art" sa iba pang mga diksyunaryo:

- (mula sa Latin abstractus abstract), abstractionism, non-objective art, non-figurative art, isang modernistang trend na sa panimula ay tinalikuran ang paglalarawan ng mga tunay na bagay sa pagpipinta, eskultura at mga graphic. Programa…… Art Encyclopedia

Abstract na sining- Abstract na sining. V.V. Kandinsky. Komposisyon. Watercolor. 1910. Pambansang Museo ng Makabagong Sining. Paris. ABSTRACT ART (abstractionism), isang trend sa avant-garde (tingnan ang Avant-gardism) na sining ng ika-20 siglo, na tumatangging ... ... Illustrated Encyclopedic Dictionary

- (non-objective, non-figurative) direksyon sa pagpipinta ng ika-20 siglo, na tumanggi na ilarawan ang mga anyo ng katotohanan; isa sa mga pangunahing mga uso sa taliba. Ang unang abstract ang mga gawa ay nilikha noong 1910 ni V. Kandinsky at noong 1912 ni F. Kupka ... Encyclopedia ng pag-aaral sa kultura

- (abstractionism), isang direksyon sa avant-garde (tingnan ang Avant-gardism) na sining ng ika-20 siglo, na tumatangging ilarawan ang mga tunay na bagay at phenomena sa pagpipinta, eskultura at mga graphic. Lumitaw ito noong 10s, kabilang sa pinakakaraniwang ... ... Modern Encyclopedia

- (abstractionism non-objective art, non-figurative art), isang hanay ng mga uso sa kultura ng sining noong ika-20 siglo, pinapalitan ang naturalistic, madaling makikilalang objectivity ng higit pa o mas kaunting libreng paglalaro ng mga linya, kulay at anyo (plot at paksa ... ... Malaking Encyclopedic Dictionary

Umiiral., bilang ng mga kasingkahulugan: 1 abstractionism (2) diksyunaryo ng kasingkahulugan ng ASIS. V.N. Trishin. 2013... diksyunaryo ng kasingkahulugan

Abstraksiyonismo (lat. abstractio- pag-alis, pagkagambala) o hindi matalinghagang sining- isang direksyon ng sining na inabandona ang representasyon ng mga anyo na humigit-kumulang sa katotohanan sa pagpipinta at eskultura. Ang isa sa mga layunin ng abstractionism ay upang makamit ang "harmonization" sa pamamagitan ng paglalarawan ng ilang mga kumbinasyon ng kulay at mga geometric na hugis, na nagiging sanhi upang maramdaman ng manonood ang pagkakumpleto at pagkakumpleto ng komposisyon. Mga kilalang tao: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova at Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Kwento

abstractismo(sining sa ilalim ng tanda ng "zero form", non-objective art) - isang artistikong direksyon na nabuo sa sining ng unang kalahati ng ika-20 siglo, ganap na tumanggi na kopyahin ang mga anyo ng tunay na nakikitang mundo. Ang mga tagapagtatag ng abstractionism ay itinuturing na V. Kandinsky , P. Mondrian at K. Malevich.

Nilikha ni V. Kandinsky ang kanyang sariling uri ng abstract na pagpipinta, na pinalaya mula sa anumang mga palatandaan ng objectivity ang mga spot ng mga Impresyonista at ang "wild". Si Piet Mondrian ay dumating sa kanyang kawalang-kabuluhan sa pamamagitan ng geometric na stylization ng kalikasan, na sinimulan ni Cezanne at ng mga Cubists. Ang mga modernistang uso ng ika-20 siglo, na nakatuon sa abstractionism, ay ganap na umalis mula sa tradisyonal na mga prinsipyo, tinatanggihan ang pagiging totoo, ngunit sa parehong oras ay nananatili sa loob ng balangkas ng sining. Ang kasaysayan ng sining sa pagdating ng abstractionism ay nakaranas ng isang rebolusyon. Ngunit ang rebolusyong ito ay lumitaw hindi sa pamamagitan ng pagkakataon, ngunit medyo natural, at hinulaan ni Plato! Sa kanyang huling gawain na Philebus, isinulat niya ang tungkol sa kagandahan ng mga linya, ibabaw at spatial na anyo sa kanilang sarili, na independiyente sa anumang imitasyon ng mga nakikitang bagay, ng anumang mimesis. Ang ganitong uri ng geometric na kagandahan, sa kaibahan sa kagandahan ng natural na "irregular" na mga anyo, ayon kay Plato, ay hindi kamag-anak, ngunit walang kondisyon, ganap.

ika-20 siglo at kasalukuyan

Pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig ng 1914-18, ang mga tendensya ng abstract na sining ay madalas na ipinakita ang kanilang mga sarili sa mga indibidwal na gawa ng mga kinatawan ng Dadaism at Surrealism; sa parehong oras, ang pagnanais na makahanap ng aplikasyon para sa mga non-pictorial form sa arkitektura, pandekorasyon na sining, at disenyo ay natukoy (mga eksperimento ng pangkat ng Estilo at ng Bauhaus). Maraming mga grupo ng abstract art ("Concrete Art", 1930; "Circle and Square", 1930; "Abstraction and Creativity", 1931), na pinag-iisa ang mga artista ng iba't ibang nasyonalidad at uso, ay lumitaw noong unang bahagi ng 30s, pangunahin sa France. Gayunpaman, ang abstract art ay hindi laganap sa oras na iyon, at sa kalagitnaan ng 30s. naghiwa-hiwalay ang mga grupo. Noong mga taon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig (1939–45), lumitaw ang isang paaralan ng tinatawag na abstract expressionism sa Estados Unidos (mga pintor. J. Pollock, M. Toby atbp.), na binuo pagkatapos ng digmaan sa maraming mga bansa (sa ilalim ng pangalan ng tachisme o "walang anyo na sining") at ipinahayag bilang pamamaraan nito na "purong mental automatism" at subjective subconscious impulsiveness ng pagkamalikhain, ang kulto ng hindi inaasahang kumbinasyon ng kulay at texture.

Sa ikalawang kalahati ng 50s, ang sining ng pag-install, pop art, ay ipinanganak sa Estados Unidos, na medyo kalaunan ay niluwalhati si Andy Warhol sa kanyang walang katapusang pagtitiklop ng mga larawan ni Marilyn Monroe at mga lata ng dog food - collage abstractionism. Sa visual arts ng 60s, ang hindi bababa sa agresibo, static na anyo ng abstraction, minimalism, ay naging popular. Kasabay nito Barnet Newman, tagapagtatag ng American geometric abstractionism kasama ng A. Lieberman, A. Hinawakan at K. Noland matagumpay na nakikibahagi sa karagdagang pag-unlad ng mga ideya ng Dutch neoplasticism at Russian Suprematism.

Ang isa pang trend sa American painting ay tinatawag na "chromatic" o "post-painting" abstractionism. Ang mga kinatawan nito sa ilang sukat ay tinanggihan ang Fauvism at Post-Impresyonismo. Matibay na istilo, binibigyang diin ang matalim na mga balangkas ng mga gawa E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella unti-unting nagbigay daan sa pagpipinta ng isang mapagnilay-nilay na mapanglaw na bodega. Noong 1970s at 1980s, ang pagpipinta ng Amerika ay bumalik sa matalinghagang sining. Bukod dito, ang gayong matinding pagpapakita nito bilang photorealism ay naging laganap. Karamihan sa mga istoryador ng sining ay sumasang-ayon na ang dekada 70 ay ang sandali ng katotohanan para sa sining ng Amerika, dahil sa panahong ito sa wakas ay napalaya nito ang sarili mula sa impluwensya ng Europa at naging purong Amerikano. Gayunpaman, sa kabila ng pagbabalik ng mga tradisyonal na anyo at genre, mula sa portraiture hanggang sa makasaysayang pagpipinta, hindi rin nawala ang abstract art.

Ang mga pagpipinta, mga gawa ng "hindi pinong" sining ay nilikha tulad ng dati, dahil ang pagbabalik sa realismo sa USA ay hindi nagtagumpay sa pamamagitan ng abstractionism tulad nito, ngunit sa pamamagitan ng canonization nito, ang pagbabawal sa makasagisag na sining, na nakilala lalo na sa ating panlipunang realismo , at samakatuwid ay hindi maituturing na kasuklam-suklam sa isang "malayang demokratikong" lipunan, isang pagbabawal sa mga "mababa" na genre, sa mga panlipunang tungkulin ng sining. Kasabay nito, ang estilo ng abstract na pagpipinta ay nakakuha ng isang tiyak na lambot, na kulang noon - ang pag-streamline ng mga volume, ang paglabo ng mga contour, ang kayamanan ng mga halftone, mga banayad na solusyon sa kulay ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Ang lahat ng mga usong ito ay naglatag ng pundasyon para sa pag-unlad ng modernong abstractionism. Sa pagkamalikhain ay maaaring walang nagyelo, pangwakas, dahil ito ay magiging kamatayan para sa kanya. Ngunit anuman ang mga landas na tinatahak ng abstractionism, anuman ang mga pagbabagong pinagdadaanan nito, ang kakanyahan nito ay palaging nananatiling hindi nagbabago. Ito ay namamalagi sa katotohanan na ang abstractionism sa fine art ay ang pinaka-naa-access at marangal na paraan upang makuha ang personal na pagkatao, at sa pinaka-sapat na anyo, tulad ng isang facsimile print. Kasabay nito, ang abstractionism ay isang direktang pagsasakatuparan ng kalayaan.

Mga direksyon

Sa abstractionism, dalawang malinaw na direksyon ang maaaring makilala: geometric abstraction, pangunahing batay sa malinaw na tinukoy na mga pagsasaayos (Malevich, Mondrian), at lyrical abstraction, kung saan ang komposisyon ay nakaayos mula sa malayang dumadaloy na mga form (Kandinsky). Gayundin sa abstractionism mayroong maraming iba pang mga pangunahing independiyenteng uso.

Kubismo

Isang avant-garde na trend sa visual arts na nagmula sa simula ng ika-20 siglo at nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga mariin na kondisyong geometric na anyo, ang pagnanais na "hatiin" ang mga tunay na bagay sa stereometric primitives.

Rayonismo (Luchism)

Direksyon sa abstract art noong 1910s, batay sa pagbabago ng light spectra at light transmission. Ang ideya ng paglitaw ng mga anyo mula sa "pagtawid ng mga sinasalamin na sinag ng iba't ibang mga bagay" ay katangian, dahil ang isang tao ay talagang hindi nakikita ang bagay mismo, ngunit "ang kabuuan ng mga sinag na nagmumula sa pinagmumulan ng liwanag, na sinasalamin mula sa bagay."

neoplasticism

Ang pagtatalaga ng direksyon ng abstract art, na umiral noong 1917-1928. sa Holland at nagkakaisang mga artista na pinagsama-sama sa magazine na "De Stijl" ("Estilo"). Nailalarawan sa pamamagitan ng malinaw na mga hugis-parihaba na hugis sa arkitektura at abstract na pagpipinta sa layout ng malalaking hugis-parihaba na eroplano, na pininturahan sa mga pangunahing kulay ng spectrum.

Orphism

Direksyon sa French painting noong 1910s. Ang mga artista-orphist ay naghangad na ipahayag ang dynamics ng paggalaw at ang musikal ng mga ritmo sa tulong ng "mga regularidad" ng interpenetration ng mga pangunahing kulay ng spectrum at ang intersection ng curvilinear surface.

Suprematismo

Direksyon sa avant-garde art, na itinatag noong 1910s. Malevich. Ito ay ipinahayag sa mga kumbinasyon ng mga multi-kulay na eroplano ng pinakasimpleng geometric na mga balangkas. Ang kumbinasyon ng mga multi-colored na geometric na figure ay bumubuo ng balanseng asymmetric na mga komposisyon ng Suprematist na natatakpan ng panloob na paggalaw.

Tachisme

Ang trend sa Western European abstractionism noong 1950s at 60s, na pinakalaganap sa USA. Ito ay isang pagpipinta na may mga spot na hindi muling likhain ang mga imahe ng katotohanan, ngunit ipahayag ang walang malay na aktibidad ng artist. Ang mga stroke, mga linya at mga spot sa tachisme ay inilalapat sa canvas na may mabilis na paggalaw ng mga kamay nang walang pinag-isipang plano.

abstract expressionism

Ang paggalaw ng mga artist na mabilis na nagpinta at sa malalaking canvases, gamit ang mga non-geometric na stroke, malalaking brush, minsan tumutulo ang pintura sa canvas, upang ilabas ang mga emosyon nang lubos. Ang nagpapahayag na paraan ng pagpipinta dito ay kadalasang kasinghalaga ng pagpipinta mismo.

Abstractionism sa loob

Kamakailan lamang, ang abstract art ay nagsimulang lumipat mula sa mga kuwadro na gawa ng mga artista patungo sa maaliwalas na loob ng bahay, na ina-update ito nang mabuti. Ang estilo ng minimalist na may paggamit ng mga malinaw na anyo, kung minsan ay medyo hindi karaniwan, ay ginagawang hindi pangkaraniwan at kawili-wili ang silid. Ngunit madaling lumampas sa kulay. Isaalang-alang ang kumbinasyon ng orange sa gayong istilo ng interior.

Pinakamainam na pinalabnaw ng puti ang mayaman na orange, at, parang, pinapalamig ito. Ang kulay kahel ay nagpapainit sa silid, kaya hindi gaanong; hindi pinipigilan. Ang diin ay dapat sa muwebles o disenyo nito, halimbawa, isang orange na bedspread. Sa kasong ito, ang mga puting pader ay lulunurin ang liwanag ng kulay, ngunit iiwan ang silid na makulay. Sa kasong ito, ang mga kuwadro na gawa ng parehong hanay ay magsisilbing isang mahusay na karagdagan - ang pangunahing bagay ay hindi labis na labis, kung hindi man ay magkakaroon ng mga problema sa pagtulog.

Ang kumbinasyon ng orange at asul na mga kulay ay nakakapinsala sa anumang silid, kung hindi ito nalalapat sa nursery. Kung pipiliin mo ang hindi maliliwanag na lilim, kung gayon sila ay matagumpay na magkakasundo sa isa't isa, magdagdag ng mood, at hindi makakaapekto sa kahit na mga hyperactive na bata.

Ang orange ay napupunta nang maayos sa berde, na lumilikha ng epekto ng isang puno ng tangerine at isang kulay ng tsokolate. Ang kayumanggi ay isang kulay na nag-iiba mula sa mainit hanggang sa malamig, kaya perpektong na-normalize nito ang pangkalahatang temperatura ng silid. Bilang karagdagan, ang kumbinasyon ng mga kulay na ito ay angkop para sa kusina at sala, kung saan kailangan mong lumikha ng isang kapaligiran, ngunit hindi labis na karga ang interior. Ang pagkakaroon ng pinalamutian ang mga dingding sa puti at mga kulay ng tsokolate, maaari mong ligtas na maglagay ng isang orange na upuan o mag-hang ng isang maliwanag na larawan na may mayaman na kulay ng tangerine. Habang ikaw ay nasa ganoong silid, magkakaroon ka ng magandang kalooban at pagnanais na gawin ang maraming bagay hangga't maaari.

Mga painting ng mga sikat na abstract artist

Kandinsky ay isa sa mga pioneer ng abstract art. Sinimulan niya ang kanyang paghahanap sa impresyonismo, at pagkatapos lamang ay dumating sa estilo ng abstractionism. Sa kanyang trabaho, pinagsamantalahan niya ang relasyon sa pagitan ng kulay at anyo upang lumikha ng isang aesthetic na karanasan na yumakap sa parehong pananaw at damdamin ng madla. Naniniwala siya na ang kumpletong abstraction ay nagbibigay ng puwang para sa malalim, transendente na pagpapahayag, at ang pagkopya ng katotohanan ay nakakasagabal lamang sa prosesong ito.

Ang pagpipinta ay malalim na espirituwal para kay Kandinsky. Hinahangad niyang ihatid ang lalim ng damdamin ng tao sa pamamagitan ng isang unibersal na visual na wika ng mga abstract na hugis at kulay na lalampas sa pisikal at kultural na mga hangganan. Nakita nya abstractionism bilang isang perpektong visual mode na maaaring ipahayag ang "panloob na pangangailangan" ng artist at maghatid ng mga ideya at damdamin ng tao. Itinuring niya ang kanyang sarili na isang propeta na ang misyon ay ibahagi ang mga mithiing ito sa mundo, para sa kapakinabangan ng lipunan.

Nakatago sa maliliwanag na kulay at malinaw na itim na mga linya ay naglalarawan ng ilang Cossack na may mga sibat, pati na rin ang mga bangka, figure at isang kastilyo sa tuktok ng burol. Tulad ng maraming mga pagpipinta mula sa panahong ito, ito ay kumakatawan sa isang apocalyptic na labanan na hahantong sa walang hanggang kapayapaan.

Upang mapadali ang pagbuo ng isang di-layunin na estilo ng pagpipinta, tulad ng inilarawan sa kanyang On the Spiritual in Art (1912), binabawasan ni Kandinsky ang mga bagay sa mga pictographic na simbolo. Sa pamamagitan ng pag-alis ng karamihan sa mga sanggunian sa labas ng mundo, ipinahayag ni Kandinsky ang kanyang pananaw sa isang mas unibersal na paraan, na isinasalin ang espirituwal na kakanyahan ng paksa sa pamamagitan ng lahat ng mga form na ito sa isang visual na wika. Marami sa mga simbolikong figure na ito ay inulit at pino sa kanyang huling gawain, na naging mas abstract.

Kazimir Malevich

Ang mga ideya ni Malevich tungkol sa anyo at kahulugan sa sining sa paanuman ay humantong sa isang konsentrasyon sa teorya ng abstractionism ng estilo. Si Malevich ay nagtrabaho sa iba't ibang mga estilo sa pagpipinta, ngunit higit sa lahat ay nakatuon siya sa pag-aaral ng mga purong geometric na hugis (mga parisukat, tatsulok, bilog) at ang kanilang relasyon sa isa't isa sa pictorial space. Sa pamamagitan ng kanyang mga contact sa Kanluran, nagawa ni Malevich na ihatid ang kanyang mga ideya tungkol sa pagpipinta sa mga kaibigang artista sa Europa at Estados Unidos, at sa gayon ay malalim na nakakaimpluwensya sa ebolusyon ng kontemporaryong sining.

"Black Square" (1915)

Ang iconic na pagpipinta na "Black Square" ay unang ipinakita ni Malevich sa isang eksibisyon sa Petrograd noong 1915. Ang gawaing ito ay naglalaman ng mga teoretikal na prinsipyo ng Suprematism na binuo ni Malevich sa kanyang sanaysay na "From Cubism and Futurism to Suprematism: New Realism in Painting".

Sa canvas sa harap ng viewer ay isang abstract form na iginuhit sa isang puting background sa anyo ng isang itim na parisukat - ito ay ang tanging elemento ng komposisyon. Kahit na ang pagpipinta ay tila simple, may mga elemento tulad ng mga fingerprint, brush stroke na nagpapakita sa pamamagitan ng mga itim na layer ng pintura.

Para kay Malevich, ang parisukat ay nangangahulugang damdamin, at ang puti ay nangangahulugang kawalan ng laman, wala. Nakita niya ang itim na parisukat bilang isang maka-diyos na presensya, isang icon, na para bang ito ay maaaring maging isang bagong sagradong imahe para sa hindi layunin na sining. Kahit na sa eksibisyon, ang larawang ito ay inilagay sa lugar kung saan ang isang icon ay karaniwang inilalagay sa isang bahay ng Russia.

Piet Mondrian

Si Piet Mondrian, isa sa mga tagapagtatag ng kilusang Dutch De Stijl, ay kinikilala para sa kadalisayan ng kanyang mga abstraction at methodical practice. Sa halip, pinasimple niya nang radikal ang mga elemento ng kanyang mga pagpipinta upang maipakita ang kanyang nakita hindi direkta, ngunit sa makasagisag na paraan, at upang lumikha ng isang malinaw at unibersal na aesthetic na wika sa kanyang mga canvases. Sa kanyang pinakasikat na mga painting mula noong 1920s, binawasan ni Mondrian ang mga form sa mga linya at parihaba, at ang palette sa pinakasimpleng. Ang paggamit ng asymmetric na balanse ay naging saligan sa pagbuo ng kontemporaryong sining, at ang kanyang mga iconic na abstract na gawa ay patuloy na maimpluwensyahan sa disenyo at pamilyar sa kulturang popular hanggang ngayon.

Ang "grey tree" ay isang halimbawa ng maagang paglipat ni Mondrian sa istilo abstractionism. Ang 3D tree ay binawasan sa pinakasimpleng mga linya at eroplano, gamit lamang ang mga kulay abo at itim.

Ang pagpipinta na ito ay isa sa isang serye ng mga gawa ni Mondrian na kumuha ng mas makatotohanang diskarte, kung saan, halimbawa, ang mga puno ay ipinakita sa natural na paraan. Habang ang mga huling piraso ay naging mas abstract, halimbawa, ang mga linya ng puno ay nababawasan hanggang sa ang hugis ng puno ay halos hindi nakikita at pangalawa sa pangkalahatang komposisyon ng patayo at pahalang na mga linya. Dito mo pa rin makikita ang interes ni Mondrian sa pag-abandona sa structured na organisasyon ng mga linya. Ang hakbang na ito ay makabuluhan para sa pagbuo ng purong abstraction ni Mondrian.

Robert Delaunay

Si Delaunay ay isa sa mga pinakaunang artista ng abstract na istilo. Naimpluwensyahan ng kanyang trabaho ang pag-unlad ng direksyon na ito, batay sa pag-igting ng komposisyon na sanhi ng kaibahan ng mga kulay. Mabilis siyang nahulog sa ilalim ng neo-impressionist na impluwensya ng kulay at napakalapit na sumunod sa sistema ng kulay ng mga gawa sa estilo ng abstractionism. Itinuring niya ang kulay at liwanag bilang mga pangunahing kasangkapan kung saan maaari mong maimpluwensyahan ang objectivity ng mundo.

Noong 1910, gumawa si Delaunay ng sarili niyang kontribusyon sa cubism sa anyo ng dalawang serye ng mga painting na naglalarawan ng mga katedral at Eiffel Tower, na pinagsama ang mga cubic form, dynamics ng paggalaw at maliliwanag na kulay. Ang bagong paraan ng paggamit ng pagkakatugma ng kulay ay nakatulong sa paghiwalay ng estilo mula sa orthodox Cubism, na tinatawag na Orphism, at agad na naimpluwensyahan ang mga European artist. Ang asawa ni Delaunay, ang pintor na si Sonia Turk-Delaunay, ay nagpatuloy sa pagpinta sa parehong istilo.

Ang pangunahing gawain ni Delaunay ay nakatuon sa Eiffel Tower - ang sikat na simbolo ng France. Isa ito sa pinakakahanga-hanga sa serye ng labing-isang painting na nakatuon sa Eiffel Tower sa pagitan ng 1909 at 1911. Ito ay pininturahan ng maliwanag na pula, na agad na nakikilala ito mula sa kapuruhan ng nakapaligid na lungsod. Ang kahanga-hangang sukat ng canvas ay higit na nagpapaganda sa kadakilaan ng gusaling ito. Tulad ng isang multo, ang tore ay tumataas sa itaas ng nakapalibot na mga bahay, matalinghagang niyanig ang mismong mga pundasyon ng lumang kaayusan. Ang pagpipinta ni Delaunay ay naghahatid ng pakiramdam na ito ng walang hangganang optimismo, kawalang-kasalanan at pagiging bago ng panahong hindi pa nasaksihan ang dalawang digmaang pandaigdig.

Frantisek Kupka

Si Frantisek Kupka ay isang Czechoslovak na artista na nagpinta sa istilo abstractionism nagtapos mula sa Prague Academy of Arts. Bilang isang mag-aaral, pangunahing nagpinta siya sa mga makabayang tema at sumulat ng mga makasaysayang komposisyon. Ang kanyang mga unang gawa ay mas akademiko, gayunpaman, ang kanyang istilo ay nagbago sa paglipas ng mga taon at kalaunan ay naging abstract na sining. Isinulat sa isang napaka-makatotohanang paraan, kahit na ang kanyang mga unang gawa ay naglalaman ng mystical surreal na mga tema at simbolo, na napanatili kapag nagsusulat ng mga abstraction. Naniniwala si Kupka na ang artist at ang kanyang trabaho ay nakikibahagi sa isang tuluy-tuloy na aktibidad ng malikhaing, ang likas na katangian nito ay hindi limitado, tulad ng isang ganap.

"Amorpha. Fugue sa dalawang kulay" (1907-1908)

Simula noong 1907-1908, nagsimulang magpinta si Kupka ng isang serye ng mga larawan ng isang batang babae na may hawak na bola sa kanyang kamay, na parang laruin o sasayaw niya ito. Pagkatapos ay bumuo siya ng lalong eskematiko na mga representasyon sa kanya, at kalaunan ay gumawa ng isang serye ng ganap na abstract na mga guhit. Ginawa sila sa isang limitadong palette ng pula, asul, itim at puti. Noong 1912, sa Salon d'Automne, ang isa sa mga abstract na gawa ay unang ipinakita sa publiko sa Paris.

Mga Makabagong Abstractionist

Mula sa simula ng ikadalawampu siglo, ang mga artista, kasama sina Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, ay nag-eksperimento sa mga anyo ng mga bagay at kanilang pang-unawa, at nagtatanong din sa mga canon na umiiral sa sining. Naghanda kami ng isang seleksyon ng mga pinakasikat na modernong abstract artist na nagpasya na itulak ang kanilang mga hangganan ng kaalaman at lumikha ng kanilang sariling katotohanan.

artistang Aleman David Schnel Si (David Schnell) ay mahilig gumala sa mga lugar na dating pinangungunahan ng kalikasan, at ngayon ay natambakan sila ng mga gusali ng mga tao - mula sa mga palaruan hanggang sa mga pabrika at pabrika. Ang mga alaala ng mga lakad na ito ay nagsilang sa kanyang maliwanag na abstract na mga landscape. Nagbibigay ng libreng kontrol sa kanyang imahinasyon at memorya, sa halip na mga litrato at video, si David Schnell ay gumagawa ng mga painting na kahawig ng computer virtual reality o mga ilustrasyon para sa mga science fiction na libro.

Paglikha ng kanyang malakihang abstract painting, ang American artist Christine Baker(Kristin Baker) ay nakakuha ng inspirasyon mula sa kasaysayan ng sining at karera ng Nascar at Formula 1. Sa una, binibigyan niya ng lakas ang kanyang trabaho, naglalagay ng ilang layer ng acrylic na pintura at i-tape ang mga silhouette. Pagkatapos ay maingat na binabalatan ito ni Kristin, na nagpapakita ng pinagbabatayan na mga layer ng pintura at ginagawang parang multi-layered, multi-colored collage ang ibabaw ng kanyang mga painting. Sa pinakahuling yugto ng trabaho, kinukuskos niya ang lahat ng mga bukol, na ginagawang parang x-ray ang kanyang mga painting.

Sa kanyang trabaho, ang artistang ipinanganak sa Greece mula sa Brooklyn, New York, Elena Anagnos(Eleanna Anagnos) ginalugad ang mga aspeto ng pang-araw-araw na buhay na kadalasang hindi napapansin ng mga tao. Sa kurso ng kanyang "pag-uusap sa canvas", ang mga ordinaryong konsepto ay nakakakuha ng mga bagong kahulugan at facet: ang negatibong espasyo ay nagiging positibo at ang mga maliliit na anyo ay tumataas sa laki. Sinusubukang bigyan ng buhay ang kanyang mga painting sa ganitong paraan, sinubukan ni Eleanna na gisingin ang isip ng tao, na huminto sa pagtatanong at pagiging bukas sa isang bagong bagay.

Nagsilang ng matingkad na splashes at mantsa ng pintura sa canvas, isang American artist Sara Spitler(Sarah Spitler) ay naglalayong ipakita ang kaguluhan, sakuna, kawalan ng timbang at kaguluhan sa kanyang trabaho. Siya ay naaakit sa mga konseptong ito, dahil ang mga ito ay lampas sa kontrol ng isang tao. Samakatuwid, ang kanilang mapanirang kapangyarihan ay ginagawang makapangyarihan, masigla at kapana-panabik ang mga abstract na gawa ni Sarah Spitler. Bukod sa. ang nagresultang imahe sa canvas ng tinta, acrylic paints, graphite pencils at enamel ay nagbibigay-diin sa ephemeral na kalikasan at relativity ng kung ano ang nangyayari sa paligid.

Gumuhit ng inspirasyon mula sa larangan ng arkitektura, ang artista mula sa Vancouver, Canada, Jeff Dapner(Jeff Depner) ay lumilikha ng mga layered abstract painting na binubuo ng mga geometric na hugis. Sa masining na "kaguluhan" na kanyang nilikha, hinahangad ni Jeff ang pagkakatugma sa kulay, anyo at komposisyon. Ang bawat isa sa mga elemento sa kanyang mga kuwadro na gawa ay konektado sa isa't isa at humahantong sa mga sumusunod: "Ang aking trabaho ay nag-explore ng komposisyonal na istraktura [ng isang pagpipinta] sa pamamagitan ng mga relasyon ng mga kulay sa isang napiling palette...". Ayon sa artist, ang kanyang mga painting ay "abstract signs" na dapat magdadala sa mga manonood sa isang bago, walang malay na antas.

direksyon

Ang abstractionism (Latin abstractio - pagtanggal, distraction) o hindi matalinghagang sining ay isang direksyon ng sining na tinalikuran ang representasyon ng mga anyo na malapit sa realidad sa pagpipinta at eskultura. Ang isa sa mga layunin ng abstractionism ay upang makamit ang "harmonization" sa pamamagitan ng paglalarawan ng ilang mga kumbinasyon ng kulay at geometric na mga hugis, na nagiging sanhi upang maramdaman ng manonood ang pagkakumpleto at pagkakumpleto ng komposisyon. Mga kilalang tao: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova at Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Ang unang abstract painting ay ipininta ni Wassily Kandinsky noong 1910. Sa kasalukuyan, ito ay nasa National Museum of Georgia - kaya binuksan niya ang isang bagong pahina sa pagpipinta ng mundo - abstractionism, pagtataas ng pagpipinta sa musika.

Sa pagpipinta ng Russia noong ika-20 siglo, ang mga pangunahing kinatawan ng abstract na sining ay sina Wassily Kandinsky (na nakumpleto ang paglipat sa kanyang mga abstract na komposisyon sa Germany), Natalya Goncharova at Mikhail Larionov, na itinatag noong 1910-1912 " Rayonism", ang tagalikha. ng Suprematism bilang isang bagong uri ng pagkamalikhain Kazimir Malevich, ang may-akda ng "Black square" at Evgeny Mikhnov-Voitenko, na ang gawain ay nakikilala, bukod sa iba pang mga bagay, sa pamamagitan ng isang walang uliran na malawak na hanay ng mga direksyon ng abstract na pamamaraan na inilapat sa kanyang mga gawa (isang bilang ng mga ito, kabilang ang "estilo ng graffiti", ginamit ng artist ang una sa hindi lamang domestic, kundi pati na rin ang mga dayuhang master).

Ang isang trend na nauugnay sa abstractionism ay cubism, na naglalayong ilarawan ang mga tunay na bagay na may maraming mga intersecting na eroplano, na lumilikha ng imahe ng ilang mga rectilinear figure na nagpaparami ng buhay na kalikasan. Ang ilan sa mga pinakakilalang halimbawa ng Kubismo ay ang unang gawain ni Pablo Picasso.

Noong 1910-1915 ang mga pintor sa Russia, Kanlurang Europa at USA ay nagsimulang lumikha ng mga abstract na gawa ng sining; kabilang sa mga unang abstractionist, pinangalanan ng mga mananaliksik sina Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich at Piet Mondrian. Ang taon ng kapanganakan ng di-layunin na sining ay itinuturing na 1910, nang sa Alemanya, sa Murnau, isinulat ni Kandinsky ang kanyang unang abstract na komposisyon. Ang mga aesthetic na konsepto ng mga unang abstractionist ay ipinapalagay na ang artistikong pagkamalikhain ay sumasalamin sa mga batas ng uniberso, na nakatago sa likod ng panlabas, mababaw na phenomena ng katotohanan. Ang mga pattern na ito, na intuitively na naintindihan ng artist, ay ipinahayag sa pamamagitan ng ratio ng abstract forms (color spots, lines, volumes, geometric shapes) sa abstract work. Noong 1911, sa Munich, inilathala ni Kandinsky ang aklat na On the Spiritual in Art, na naging tanyag, kung saan sinasalamin niya ang posibilidad na isama ang panloob na kinakailangan, ang espirituwal, kumpara sa panlabas, hindi sinasadya. Ang "lohikal na katwiran" ng mga abstraction ni Kandinsky ay batay sa pag-aaral ng theosophical at anthroposophical na mga gawa nina Helena Blavatsky at Rudolf Steiner. Sa aesthetic na konsepto ng Piet Mondrian, ang mga pangunahing elemento ng anyo ay ang mga pangunahing pagsalungat: pahalang - patayo, linya - eroplano, kulay - hindi kulay. Sa teorya ni Robert Delaunay, taliwas sa mga konsepto ng Kandinsky at Mondrian, tinanggihan ang idealistikong metapisika; Ang pangunahing gawain ng abstractionism para sa artist ay ang pag-aralan ang mga dinamikong katangian ng kulay at iba pang mga katangian ng artistikong wika (ang direksyon na itinatag ni Delaunay ay tinatawag na Orphism). Ang lumikha ng "Rayonism" na si Mikhail Larionov ay naglalarawan ng "radiation ng sinasalamin na liwanag; kulay alikabok.

Ipinanganak noong unang bahagi ng 1910s, mabilis na umunlad ang abstract art, na nagpapakita ng sarili sa maraming lugar ng avant-garde art sa unang kalahati ng ika-20 siglo. Ang mga ideya ng abstractionism ay makikita sa mga gawa ng expressionists (Wasily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubists (Fernand Léger), Dadaists (Jean Arp), surrealists (Joan Miro), Italian futurists (Gino Severini, Giacomo Balla,