Anong mga uri ng sining ang pinag-isa ng konsepto ng "pinong sining"?

Ano ang mga uri ng pagpipinta?

Ano ang self-portrait?

Ano ang pangalan ng tindahan ng sining?

Ano ang pangalan ng maliit na tabla kung saan pinaghahalo ng pintor ang mga pintura?

Cool na artista - ano ito?

Anong natatanging artistang Ruso ang nagpinta ng mga kuwadro na "Morning of the Streltsy Execution", "Boyar Morozova", "Conquest of Siberia by Yermak"?

Anong uri ng pagpipinta ang mga panel, fresco at mosaic?

Anong uri ng pinong sining ang batay sa isang monochromatic na pagguhit?

Anong tool ang ginagamit upang linisin ang palette at alisin ang layer ng pintura na hindi pa natutuyo mula sa ilang mga lugar sa canvas?

Ano ang pangalan ng isang espesyal na kahon para sa pagdadala ng mga brush, pintura, palette, atbp.?

Ano ang pagkakaiba sa pagitan ng isang diptych at isang triptych?

Maaari silang maging malambot at matigas, patag at bilog, maikli at mahaba, matulis at mapurol. Tungkol Saan iyan?

Ano ang tawag sa uri ng sining na nakatuon sa paglalarawan ng mga hayop?

Maaari kang magpinta ng portrait sa pamamagitan ng paglalagay ng taong inilalarawan nang patagilid sa manonood - sa profile. At kung ang itinatanghal ay nakaharap sa manonood, pagkatapos ay sinasabi nila na siya ay matatagpuan ... Paano?

Materyal para sa pagguhit, na ginawa sa anyo ng mga stick ng pula-kayumanggi na kulay. Ano ito?

Alin sa dalawang natatanging artista, ang magkapatid na Victor at Apollinary Vasnetsov, ang lumikha ng pinakasikat na mga canvases sa mga tema ng mga epiko at engkanto ng Russia ("Alyonushka", "Bogatyrs", atbp.)?

Ano ang ibig sabihin ng mga artista kapag sinabi nilang "dry brush" ito?

Ano ang tatlong pangunahing kulay? Bakit?

Ang pangalan ng ano, ang pinaka-kinakailangang bagay sa sining, ay isinalin bilang "itim na bato"?

Ano sa pagpipinta ang maaaring mainit, malamig, maliwanag, kupas, liwanag, atbp.?

Ang mga kinatawan ng anong direksyon sa visual arts ay kinuha ang imitasyon ng mga pamamaraan ng katutubong sining bilang batayan ng kanilang pagkamalikhain?

Ano ang tawag sa sining ng pag-ukit sa mga mahalagang at semi-mahalagang bato, sa salamin at garing?

Sa pangalan ng anong trend sa visual arts ay mayroong pangalan ng isang geometric na katawan?

Anong mga brush ang hindi dapat gamitin kapag nagtatrabaho sa watercolor?

Ano ang pangalan ng sangay ng pinong sining na nakatuon sa mga paksang militar?

Ano ang baguette?

Anong device ang ginagamit sa pag-spray ng pintura sa ibabaw ng isang tela, papel, ceramic na produkto?

Isang koleksyon ng mga gawa ng sining, isang lugar para sa kanilang eksibisyon, pati na rin ang imbakan para sa layunin ng pagbebenta. Paano tatawagin ang lahat ng ito sa isang salita?

Anong konsepto ang tumutukoy sa mga eksperimental, makabagong gawain sa sining ng ika-20 siglo?

Ano ang tawag sa preparatory sketch para sa isang mas malaking painting o drawing?

Ano ang pangunahing elemento ng diskarte sa pagguhit?

Ang pangalan ng anong materyales sa pagguhit ang katulad ng pangalan ng isang pangkat ng mga pampalasa sa pagluluto?

Ano ang pangalan ng kahoy na frame kung saan ang canvas ay nakaunat para sa pagpipinta?

Ano ang isang passepartout?

Anong mga kulay ang tinatawag na malamig?

Anong mga kulay ang tinatawag na mainit-init?

Anong materyal ang pinagbabatayan ng mga pintura na ginamit sa isang bihirang iba't ibang pamamaraan ng pagpipinta - encaustic?

Maaari itong magamit upang gumawa ng mga bahagi sa pabrika, ngunit hindi ito ang pangunahing kasangkapan para sa gawain ng iskultor. Tungkol Saan iyan?

Mahigpit na regular na gradasyon ng liwanag at madilim, isa sa mga pangunahing paraan ng pinong sining - ano ito?

Ano ang pangalan ng oras ng trabaho ng artista sa loob ng isang araw, nang walang mahabang pahinga at walang pagbabago sa modelo at gawain?

Ano ang mga pangalan ng mga artista na inialay ang kanilang trabaho sa paglalarawan ng dagat?

Sa anong uri ng monumental-decorative painting ang soluble glass na ginagamit bilang batayan ng pintura?

Sino ang isang natatanging pintor ng dagat sa pagpipinta ng Russia?

Ano ang pangalan ng marka ng brush sa ibabaw ng layer ng pintura?

Ang pangalan ng anong sikat na genre ng fine art ang isinalin mula sa French bilang "dead nature"?

Sino ang gumawa ng pambura?

Ano ang ugnayan ng lahat ng elemento ng kulay ng isang akda na tinatawag sa pagpipinta?

Sining at artista

Ano ang sining? Ilang mga katanungan ang napakainit na pinagtatalunan at napakahirap sagutin ng kasiya-siyang tulad ng isang ito. At bagama't hindi tayo umaasa na makapagbigay ng tiyak, pangwakas na sagot, maaari tayong mag-isip nang sama-sama: ano ang nasa likod ng salitang ito para sa atin? Una sa lahat, ito ay talagang isang salita, at kung mayroong ganoong salita, nangangahulugan ito na ang sining bilang isang ideya at katotohanan ay kinikilala ng mga tao. Totoo, ang terminong ito mismo ay hindi umiiral sa lahat ng mga wika at hindi sa bawat lipunan ng tao, ngunit isang bagay ang tiyak: ang sining ay nilikha - o nilikha, o "ginawa" - kahit saan. Ang resulta - isang gawa ng sining - ay, samakatuwid, isang tiyak na bagay o bagay, at hindi lahat ng bagay ay nararapat na uriin bilang isang gawa ng sining: dapat itong magkaroon ng isang tiyak na aesthetic na halaga. Sa madaling salita, ang isang gawa ng sining ay dapat isaalang-alang at suriin sa liwanag ng taglay nitong mga espesyal na katangian. Ang mga pag-aari na ito ay talagang espesyal: nakikilala nila ang isang gawa ng sining mula sa lahat ng iba pang mga bagay at bagay - hindi walang dahilan na ang mga espesyal na imbakan ay itinalaga sa sining, na nakahiwalay sa pang-araw-araw na buhay: mga museo, simbahan, at iba pa (kahit na mga kuweba, kung tayo ay nagsasalita tungkol sa mga pinakalumang sample nito). Ano ang ibig sabihin ng salitang "aesthetic"? Ang diksyunaryo ay nagpapaliwanag: "may kaugnayan sa maganda." Siyempre, malayo sa lahat ng sining ay maganda sa aming opinyon, ngunit gayunpaman ito ay sining. Ang katotohanan ay ang utak ng tao at sistema ng nerbiyos ng iba't ibang tao ay nakaayos sa prinsipyo sa parehong paraan, at samakatuwid ang mga pag-iisip at paghatol ng mga tao ay karaniwang nag-tutugma sa ilang paraan. Ang mga panlasa ay isa pang bagay: ang mga ito ay tinutukoy lamang ng mga kondisyon ng kultura kung saan ang isang tao ay pinalaki, at ang saklaw ng panlasa ng tao ay napakalawak na imposibleng magtatag ng pare-parehong pamantayan sa larangan ng sining. Dahil dito, ang ating pang-unawa, ang ating pagsusuri sa sining ay hindi maaaring sumailalim sa ilang pangkalahatang tuntunin na wasto para sa lahat ng bansa at panahon; Ang mga likhang sining ay dapat isaalang-alang lamang sa konteksto ng panahon at mga pangyayari kung saan sila nilikha.

Imahinasyon

Lahat tayo ay may posibilidad na magpakasawa sa mga panaginip - upang bigyan ng trabaho ang ating imahinasyon. Ang salitang "imahinasyon" mismo ay nangangahulugang "lumikha sa isip ng ilang uri ng imahe o larawan." Ang mga hayop ay pinagkalooban din ng kakayahang ito, ngunit mayroong isang napaka makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng imahinasyon ng mga tao at hayop: ang mga tao lamang ang makakapagsabi sa iba kung ano ang eksaktong ipinakita sa kanilang imahinasyon; ang mga tao lamang ang nakakapag-usap tungkol dito o naglalarawan nito. Ang imahinasyon ay isa sa aming pinaka mahiwagang katangian. Sa tulong nito, ang isang koneksyon ay ginawa sa pagitan ng malay at hindi malay - ang lugar kung saan ang karamihan sa aktibidad ng utak ng tao ay nagaganap. Pinagsasama-sama at pinag-iisa ng imahinasyon ang pinakamahalagang aspeto ng pagkatao ng tao - karakter, talino at espirituwal na mundo - at dahil dito, sumusunod ito sa ilang mga batas, bagama't minsan ito ay gumagana nang hindi mahuhulaan.

Ang papel ng imahinasyon ay mahusay din dahil pinapayagan nito, sa isang banda, upang tumingin sa hinaharap, at sa kabilang banda, upang maunawaan ang nakaraan at ipakita ang lahat ng ito sa nakikitang mga imahe na hindi nawawala ang kakayahang mabuhay sa paglipas ng panahon. Ang imahinasyon ay isang mahalagang bahagi ng ating "I", at bagaman, tulad ng nabanggit na, hindi lamang isang tao ang may ganitong kakayahan, ang pagnanais na ayusin ang mga bunga ng gawa ng imahinasyon ng isang tao sa sining ay likas lamang sa mga tao. Dito sa pagitan ng tao at iba pang mga kinatawan ng mundo ng hayop ay namamalagi ang isang hindi malulutas na evolutionary abyss. Tila, kung kukunin natin ang ebolusyon sa kabuuan, nakuha ng tao ang kakayahang lumikha ng sining medyo kamakailan. Ang sangkatauhan ay umiral sa Earth sa loob ng halos dalawang milyong taon, at ang pinakaunang mga halimbawa ng sinaunang-panahong sining na kilala sa atin ay nilikha hindi hihigit sa tatlumpu't limang libong taon na ang nakalilipas. Tila, ang mga halimbawang ito ay lumitaw bilang isang resulta ng isang mahabang proseso, na, sa kasamaang-palad, ay imposibleng maibalik - ang pinaka sinaunang sining ay hindi bumaba sa amin.

Sino ang mga primitive artist na ito? Sa lahat ng posibilidad, mga mangkukulam, mga shaman. Naniniwala ang mga tao na ang mga shamans - tulad ng maalamat na Orpheus - ay may kakayahan na ipinagkaloob mula sa itaas na tumagos sa kabilang (subconscious) na mundo, nahuhulog sa kawalan ng ulirat, at, hindi tulad ng mga mortal, muling bumalik mula sa misteryosong mundo sa kaharian ng mga buhay. Tila, ito ay tiyak na tulad ng isang shaman-mang-aawit na inilalarawan ng isang pigurin na inukit mula sa marmol, na kilala bilang "Harper" (ill. 1). Ang pigurin na ito ay halos limang libong taong gulang; para sa panahon nito, ito ay hindi pangkaraniwang kumplikado, kahit na katangi-tangi, at nilikha ng isang napakatalino na artista na nagawang ihatid ang buong kapangyarihan ng inspirasyon ng mang-aawit. Sa mga sinaunang panahon, ang shaman, na may natatanging kakayahan na tumagos sa hindi alam at ipahayag ang hindi alam na ito sa pamamagitan ng sining, sa gayon ay nakakuha ng kapangyarihan sa mga mahiwagang pwersa na nakatago sa kalikasan at sa tao. At hanggang sa araw na ito, ang artista ay nananatiling isang mangkukulam, dahil ang kanyang gawain ay nakakaimpluwensya sa atin at nakakaakit sa atin - na nakakagulat sa sarili nito: pagkatapos ng lahat, ang isang modernong sibilisadong tao ay pinahahalagahan ang makatuwirang prinsipyo at hindi. hilig na tanggihan ito.

Ang papel ng sining sa buhay ng tao ay maihahambing sa papel ng agham at relihiyon: nakakatulong din ito sa atin na mas maunawaan ang ating sarili at ang mundo sa ating paligid. Ang tungkuling ito ng sining ay nagbibigay dito ng isang espesyal na timbang at ginagawa sa amin na tratuhin ito nang may kaukulang pansin. Ang sining ay tumagos sa kaloob-looban ng pagkatao ng tao, na, sa turn, ay natanto at nahahanap ang sarili sa malikhaing kilos. Kasabay nito, ang mga artista, tagalikha ng sining, na tumutugon sa amin, ang madla, alinsunod sa mga siglo-lumang tradisyon, ay kumikilos bilang mga tagapagsalita para sa mga ideya at halaga na ibinabahagi ng lahat ng tao.

Proseso ng pagkamalikhain

Paano nabuo ang sining? Kung ikukulong natin ang ating sarili sa fine art para sa espasyo, masasabi natin: ang isang gawa ng sining ay isang konkretong bagay na gawa ng tao, isang bagay na nilikha ng mga kamay ng tao. Ang ganitong kahulugan ay agad na nag-aalis sa saklaw ng sining ng maraming magagandang bagay sa kanilang sarili - sabihin, mga bulaklak, mga shell ng dagat o ang kalangitan sa paglubog ng araw. Siyempre, ang kahulugan na ito ay masyadong malawak, dahil ang isang tao ay lumilikha ng maraming bagay o bagay na walang kinalaman sa sining; gayunpaman, gamitin natin ang ating formula bilang panimulang punto at maghanap ng halimbawa sa sikat na Bull's Head ng Picasso (ill. 2).

Sa unang tingin, walang espesyal dito: ang saddle at handlebars ay mula sa isang lumang bisikleta. Ano ang ginagawa nitong lahat ng isang gawa ng sining? Paano gumagana ang aming formula tungkol sa "gawa ng tao" sa kasong ito? Gumamit si Picasso ng yari na materyal, ngunit walang katotohanan na hilingin na ibahagi ng artista ang merito ng paglikha ng komposisyon na ito sa manggagawa na gumawa ng mga bahagi ng bisikleta: ang saddle at manibela mismo ay hindi mga gawa ng sining.

Tingnan natin muli ang "Bull's Head" - at makikita natin na ang saddle at handlebars ay nagdaragdag sa isang uri ng mapaglarong "pictorial charade". Ang mga ito ay nabuo sa ganitong paraan salamat sa isang tiyak na paglukso ng imahinasyon, isang agarang pananaw ng artista, na nakakita at nahulaan sa mga tila ganap na hindi naaangkop na mga bagay sa hinaharap na "Ulo ng Bull". Ito ay kung paano lumitaw ang isang gawa ng sining, at ang "Bull's Head" ay walang alinlangan na nararapat sa ganoong pangalan, kahit na ang sandali ng praktikal na ginawa ng kamay dito ay maliit. Ang pag-attach ng manibela sa saddle ay hindi mahirap: ang pangunahing gawain ay ginawa ng imahinasyon.

Ang isang mapagpasyang lukso ng imahinasyon - o kung ano ang mas madalas na tinatawag na inspirasyon - ay halos palaging naroroon sa proseso ng malikhaing; ngunit sa napakabihirang mga kaso lamang ay ang isang gawa ng sining ay isinilang sa isang tapos, natapos na anyo, tulad ng diyosa na si Athena mula sa ulo ni Zeus. Sa katunayan, ito ay nauuna sa isang mahabang panahon ng pagkahinog, kapag ang pinakamahirap na trabaho ay tapos na, ang masakit na paghahanap ng solusyon sa problema ay nangyayari. At pagkatapos lamang, sa isang tiyak na kritikal na sandali, ang imahinasyon sa wakas ay nagtatatag ng mga koneksyon sa pagitan ng magkakaibang mga elemento at kinokolekta ang mga ito sa isang kumpletong kabuuan.

Ang "Bull's Head" ay isang perpektong simpleng halimbawa: kinailangan ito ng isang paglukso ng imahinasyon upang likhain ito, at ang natitira lamang ay upang maisama ang ideya ng artist: upang maayos na ikonekta ang saddle at manibela at ihagis ang nagresultang komposisyon sa tanso. Ito ay isang pambihirang kaso: kadalasan ang artista ay gumagawa ng walang anyo - o halos walang anyo - materyal, at ang proseso ng paglikha ay nagsasangkot ng paulit-ulit na pagsisikap ng imahinasyon at pantay na paulit-ulit na mga pagtatangka ng artist na ibigay ang ninanais na materyal na anyo sa mga imahe na lumabas sa kanyang isip. . Sa pagitan ng kamalayan ng artist at ng materyal na nasa kanyang mga kamay, mayroong isang pakikipag-ugnayan sa anyo ng isang tuluy-tuloy na daloy ng mga impulses; unti-unting nahuhubog ang imahe, at kalaunan ay nakumpleto ang proseso ng paglikha. Siyempre, ito ay isang magaspang na balangkas lamang: ang pagkamalikhain ay masyadong kilalang-kilala at banayad na karanasan upang ilarawan sa mga yugto. Tanging ang artist mismo, na nakakaranas ng malikhaing proseso mula sa loob, ang makakagawa nito; ngunit kadalasan ang artista ay sobrang nahuhumaling dito na wala siyang oras para sa mga paliwanag.

Ang proseso ng paglikha ay inihambing sa panganganak, at ang gayong metapora ay marahil ay mas malapit sa katotohanan kaysa sa isang pagtatangka na bawasan ang pagkamalikhain sa isang simpleng paglipat ng isang imahe mula sa isip ng artist sa isa o ibang materyal. Ang pagkamalikhain ay nauugnay sa parehong kagalakan at sakit, ito ay puno ng maraming mga sorpresa, at ang prosesong ito ay hindi matatawag na mekanikal. Bilang karagdagan, ito ay malawak na kilala na ang mga artista ay may posibilidad na ituring ang kanilang mga nilikha bilang mga buhay na nilalang. Hindi kataka-taka na ang pagkamalikhain ay ayon sa kaugalian ay prerogative ng Panginoong Diyos: pinaniniwalaan na Siya lamang ang may kakayahang isama ang ideya sa isang nakikitang anyo. Sa katunayan, ang gawain ng artist-creator ay may malaking pagkakatulad sa proseso ng paglikha ng mundo, na sinasabi ng Bibliya.

Ang banal na kalikasan ng pagkamalikhain ay nakatulong sa amin upang mapagtanto si Michelangelo: inilarawan niya ang kaligayahan at pagdurusa na naranasan ng iskultor, na pinalaya ang hinaharap na estatwa mula sa isang bloke ng marmol, tulad ng mula sa isang bilangguan. Tila, para kay Michelangelo, ang proseso ng paglikha ay nagsimula sa katotohanan na tumingin siya sa isang magaspang, hindi tinabas na bloke ng marmol, na inihatid diretso mula sa quarry, at sinubukang isipin kung anong uri ng pigura ang nilalaman nito. Ang makita siya nang sabay-sabay sa lahat ng mga detalye ay, malamang, kasing hirap na makita ang hindi pa isinisilang na sanggol sa sinapupunan ng ina; ngunit malamang na alam ni Michelangelo kung paano mahuli ang ilang "mga palatandaan ng buhay" sa isang patay na bato. Pagpasok sa trabaho, sa bawat suntok ng pait, nilapitan niya ang imaheng nahulaan sa bato - at sa wakas ay napalaya ang bato, "pinakawalan" lamang ang hinaharap na estatwa kung ang iskultor ay nahulaan nang tama ang hinaharap na hugis nito. Minsan ang hula ay naging hindi tumpak, at ang figure na nakapaloob sa bato ay hindi maaaring ganap na mailabas. Pagkatapos ay inamin ni Michelangelo ang kanyang pagkatalo at iniwan ang gawain na hindi natapos - nangyari ito sa sikat na "Prisoner" (ang iba pang pangalan nito ay "The Awakening Slave", ill. 3), sa mismong pose kung saan ang ideya ng kawalang-saysay ng pakikibaka para sa kalayaan ay ipinahayag nang may pambihirang puwersa. Sa pagtingin sa engrandeng eskultura na ito, maiisip natin kung gaano karaming trabaho ang inilagay ng lumikha dito; Hindi ba't nakakahiya na hindi niya natapos ang nasimulan, tinalikuran ito sa kalahati? Tila, ayaw ni Michelangelo na tapusin ang gawain kahit papaano: ang isang paglihis mula sa orihinal na plano ay magdaragdag lamang ng kapaitan ng kabiguan.

Lumalabas na ang paglikha ng isang gawa ng sining ay malayo sa paggawa o paggawa ng ilang ordinaryong bagay. Ang pagkamalikhain ay isang hindi pangkaraniwang, lubhang mapanganib na negosyo; ang gumagawa, kadalasan ay hindi alam kung ano ang kanyang magtagumpay hanggang sa makita niya ang resulta. Ang pagkamalikhain ay maihahalintulad sa isang laro ng taguan, kung saan hindi alam ng tsuper kung sino - o ano - ang hinahanap niya hanggang sa matagpuan niya ito. Ang pinakanaaakit sa atin sa Bull's Head ay isang matapang at masuwerteng paghahanap; sa The Prisoner, mas mahalaga ang matinding paghahanap. Mahirap para sa mga hindi pa nakakaalam na tanggapin ang ideya na ang pagkamalikhain sa simula ay nagsasangkot ng ilang kawalan ng katiyakan, ang pangangailangan na kumuha ng mga panganib nang hindi alam nang maaga kung ano ang magiging resulta. Nakasanayan na nating lahat na isipin na ang isang tao na gumagawa ng isang bagay - tulad ng, sabihin nating, isang propesyonal na manggagawa o isang taong nauugnay sa anumang uri ng pang-industriya na produksyon - ay dapat malaman mula pa sa simula kung ano ang eksaktong gagawin o gagawin niya. Ang bahagi ng panganib sa kasong ito ay nabawasan sa halos zero, ngunit ang bahagi ng interes din, at ang trabaho ay nagiging isang nakagawiang gawain. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng isang artisan at isang artista ay ang una ay nagtatakda ng kanyang sarili ng isang layunin na malinaw na magagawa, habang ang huli ay nagsusumikap sa bawat oras na lutasin ang isang hindi malulutas na problema - o hindi bababa sa lumapit sa paglutas nito. Ang gawain ng isang artista ay hindi mahuhulaan, ang kurso nito ay hindi mahulaan, at samakatuwid ay hindi ito sumusunod sa anumang mga patakaran, habang ang gawain ng isang artisan ay napapailalim sa ilang mga pamantayan at nakabatay sa mahigpit na regularidad. Kinikilala namin ang pagkakaibang ito kapag sinabi namin na ang artist ay lumilikha (o lumilikha), habang ang craftsman ay gumagawa lamang (o gumagawa) ng kanyang produkto. Samakatuwid, hindi dapat malito ang artistikong pagkamalikhain sa propesyonal na kasanayan ng isang artisan. At kahit na ang paglikha ng maraming mga gawa ng sining ay nangangailangan ng purong teknikal na mga kasanayan, huwag nating kalimutan ang pangunahing bagay: kahit na ang pinaka mahusay na ginawa at panlabas na perpektong bagay ay hindi matatawag na isang gawa ng sining kung ang imahinasyon ng artist ay hindi lumahok sa paglikha nito, na sa ilang punto na ang parehong mahiwagang paglukso - at gumawa ng isang pagtuklas.

Hindi na kailangang sabihin, palaging marami pang mga artisan sa atin kaysa sa mga artista, dahil ang pangangailangan ng tao para sa pamilyar at karanasan ay higit na lumampas sa kakayahang makita at matanggap ang lahat ng bago, hindi inaasahan at madalas na nakakagambala sa ating kapayapaan ng isip na hatid ng sining. . Sa kabilang banda, lahat tayo minsan ay binibisita ng pagnanais na tumagos sa hindi alam at lumikha ng ating sariling, orihinal. At ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng isang artista at iba pang mga mortal ay hindi na siya ay naghahanap upang maghanap, ngunit sa mahiwagang kakayahang makahanap, na karaniwang tinatawag na talento. Hindi nagkataon lamang na sa iba't ibang wika ay nakakatagpo tayo ng iba pang mga salita upang tukuyin ang konseptong ito - tulad ng isang regalo (kung ano ang natatanggap ng isang tao, kumbaga, mula sa mas mataas na kapangyarihan) o isang henyo (ito ang orihinal na pangalan para sa isang mabuting espiritu na nanirahan sa isang tao at lumikha ng sining gamit ang kanyang mga kamay) .

Orihinalidad at tradisyon

Kaya, ang pangunahing bagay na nagpapakilala sa sining mula sa craft ay pagka-orihinal, pagbabago. Ito ay inobasyon na nagsisilbing sukatan ng kahalagahan at halaga ng sining. Sa kasamaang palad, hindi madaling matukoy ang pagka-orihinal. Ang mga karaniwang kasingkahulugan - pagiging bago, pagka-orihinal, pagiging bago - ay hindi gaanong nakatulong, at mula sa mga diksyunaryo ay malalaman lamang na ang orihinal ay hindi isang kopya. Samantala, ang isang gawa ng sining ay hindi maaaring ganap at ganap na orihinal, dahil ito ay konektado ng maraming mga thread sa lahat ng bagay na nilikha sa malayong nakaraan, ay nilikha ngayon at ay malilikha sa hinaharap. Kung tama si John Donne nang iginiit niya na ang tao ay hindi isang isla, ngunit isang piraso lamang ng "malaking lupain", ang mainland, kung gayon ang kanyang mga salita ay maaaring maiugnay sa sining nang walang gaanong dahilan. Ang interweaving ng lahat ng mga sumasanga na koneksyon ay maaaring isipin bilang isang web kung saan ang bawat gawa ng sining ay may sariling espesyal na lugar; ang kabuuan ng gayong mga koneksyon ay ang tradisyon. Kung walang tradisyon, iyon ay, kung wala ang minana mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon, ang pagka-orihinal ay hindi umiiral. Ang tradisyon ay nagbibigay ng matibay na batayan, isang pambuwelo kung saan maaaring makuha ng imahinasyon ng artista ang mahiwagang hakbang na iyon. Ang lugar kung saan siya "lumapag" ay magiging panimulang punto para sa kasunod na "mga paglukso", para sa mga pagtuklas sa hinaharap. Ang web ng tradisyon ay hindi gaanong mahalaga sa ating mga manonood: napagtanto man natin ito o hindi, ito ay bumubuo ng kinakailangang balangkas kung saan nabuo ang ating mga pagsusuri; tanging laban sa background ng pundasyong ito ay nagiging maliwanag ang antas ng pagka-orihinal ng isang gawa ng sining.

Kahulugan at istilo

Para saan ang sining? Ang isa sa mga malinaw na dahilan ay ang hindi mapaglabanan na pagnanais ng mga tao na palamutihan ang kanilang sarili at gawing mas kaakit-akit ang mundo sa kanilang paligid. Parehong konektado sa isang mas pangkalahatang pagnanais, na matagal nang katangian ng tao: upang lapitan ang kanyang sarili at dalhin ang kanyang agarang kapaligiran na mas malapit sa ilang perpektong anyo, upang dalhin sila sa pagiging perpekto. Gayunpaman, ang panlabas, pandekorasyon na bahagi ay malayo sa lahat ng bagay na ibinibigay sa atin ng sining: nagdadala pa rin ito ng malalim na kahulugan, kahit na ang kahulugan na ito - o nilalaman - ay hindi palaging halata at kailangang bigyang-kahulugan. Binibigyang-daan tayo ng sining na maiparating sa ibang tao ang ating pag-unawa sa buhay - upang ihatid sa isang espesyal, tiyak na paraan, napapailalim lamang sa sining. Hindi nakakagulat na sinasabi nila: ang isang larawan ay nagkakahalaga ng isang libong salita. Nalalapat ito nang pantay sa balangkas ng larawan at sa simbolikong pagkarga nito. Tulad ng sa wika, sa sining, ang isang tao ay walang pagod na nag-imbento ng mga simbolo na maaaring maghatid ng pinaka kumplikadong mga kaisipan sa isang hindi kinaugalian na paraan. Ngunit kung ipagpapatuloy natin ang paghahambing sa wika, ang sining ay mas malapit sa tula kaysa sa prosa: ito ay tula na malayang humahawak sa karaniwang bokabularyo at syntax at binabago ang mga kumbensyonal na anyo, na naghahatid ng bago, magkakaibang mga kaisipan at mood sa kanilang tulong. Bilang karagdagan, madalas na nakikipag-usap ang sining sa manonood nang hindi direkta, ngunit sa isang pahiwatig: marami lamang ang mahulaan mula sa ekspresyon ng mukha at postura ng karakter; gustong-gusto ng sining na gumamit ng lahat ng uri ng alegorya. Sa isang salita, tulad ng sa tula, sa visual arts parehong mahalaga kung ano ang sinabi at kung paano ito sinabi.

Ano ang aktwal na nilalaman ng sining, ang kahulugan nito! Ano ang gusto nitong ipahiwatig? Ang artista ay bihirang pumunta sa mga paliwanag, ipinakita niya sa amin ang isang larawan at naniniwala na sinasabi nito ang lahat. Sa isang kahulugan, tama siya: ang anumang gawa ng sining ay nagsasabi sa amin ng isang bagay - kahit na hindi namin lubos na nauunawaan ang intensyon ng artist, nakikita namin ang larawan sa antas ng intuwisyon. Ang kahulugan - o nilalaman - ng sining ay hindi mapaghihiwalay mula sa pormal na sagisag nito, mula sa istilo. Ang salitang istilo ay nagmula sa pangalan ng kasangkapan sa pagsulat na ginamit ng mga sinaunang Romano. Sa una, ang estilo ay nangangahulugan ng katangian ng pagsulat sa kabuuan, mula sa inskripsiyon ng mga titik hanggang sa pagpili ng mga salita. Sa visual arts, ang estilo ay tumutukoy sa paraan na tumutukoy sa pagpili at kumbinasyon ng mga panlabas, pormal na elemento sa bawat partikular na gawain. Ang pag-aaral ng iba't ibang istilo ay naging at nasa sentro ng atensyon ng mga art historian. Ang ganitong pag-aaral, batay sa isang masusing paghahambing na pagsusuri, ay hindi lamang ginagawang posible upang maitaguyod kung saan, kailan o kung kanino ito o ang bagay na iyon ay nilikha, ngunit nakakatulong din upang maihayag ang mga intensyon ng may-akda, dahil ang intensyon ng artist ay ipinahayag nang tumpak sa ang estilo ng kanyang trabaho. Ang ideya, sa turn, ay nakasalalay sa personalidad ng artista, at sa oras at lugar ng paglikha ng akda; para mapag-usapan natin ang istilo ng isang partikular na panahon. Kaya, upang maayos na maunawaan ang isang gawa ng sining, dapat tayong magkaroon ng kumpletong ideya hangga't maaari tungkol sa lugar at oras ng pagkakalikha nito - sa madaling salita, tungkol sa istilo at pananaw ng bansa, panahon at mismong may-akda.

Pagpapahayag ng sarili at pananaw ng madla

Alam nating lahat ang mitolohiyang Griyego tungkol sa iskultor na si Pygmalion, na nag-sculptor ng napakagandang estatwa ng nymph Galatea na umibig sa kanya nang walang memorya, at pagkatapos ay ang diyosa na si Aphrodite, sa kanyang kahilingan, ay huminga ng buhay sa kanya. Ang isang modernong bersyon ng mito na ito ay inaalok ni John De Andrea sa The Artist and the Model (ill. 4). Sa kanyang interpretasyon, ang artist at ang kanyang nilikha ay tila nagbabago ng mga tungkulin: ang estatwa ay isang kabataang babae, malayo sa perpekto ng kagandahan, na inilalarawan nang makatotohanan at, bukod dito, hindi pa nakumpleto (kailangan ng artist na tapusin ang pagpipinta ng kanyang mga binti!), "bumuhay" nang mas maaga sa iskedyul at umibig sa kanyang mismong lumikha . Napakakumbinsi ng ilusyon na hindi natin agad naiintindihan kung alin sa dalawang karakter ang totoo at alin ang hindi. Para sa isang artista, ang isang malikhaing gawa ay isang uri ng "feat of love"; Sa pamamagitan lamang ng pagpapahayag ng sarili niya nagagawang huminga ng buhay sa isang likhang sining - at ang pagpipinta ni De Andrea ay tumutulong sa atin na muling mapagtanto ito. Siyempre, sa parehong karapatan maaari itong maitalo na ang paglikha ng artista, sa turn, ay nakapagbibigay ng bagong buhay sa kanya. Ang sining ay ipinanganak sa malalim na lihim, at ang proseso ng kapanganakan nito ay hindi inilaan para sa prying mata. Hindi nang walang dahilan, maraming mga artista ang maaari lamang lumikha sa kumpletong pag-iisa at hindi ipakita ang kanilang mga gawa sa sinuman hanggang sa ito ay tapos na. Ngunit ang proseso ng malikhain ay may kasamang kinakailangang pangwakas na yugto: ang gawain ng sining ay dapat makita at pahalagahan ng madla - pagkatapos lamang maituturing na natapos ang pagsilang nito. Hindi sapat na bigyang-kasiyahan ng artista ang kanyang sarili: gusto niyang makita ang reaksyon ng iba. Sa ganitong kahulugan, ang proseso ng malikhaing ay maituturing na kumpleto lamang kapag nahanap ng isang gawa ng sining ang madla nito, na magugustuhan ito, at hindi lamang mga kritiko, na gagawin itong paksa ng mga talakayang siyentipiko. Mahigpit na nagsasalita, ito ang layunin ng artista. Sa unang sulyap, ang gayong paliwanag ay maaaring mukhang kabalintunaan, kaya't dapat tandaan na ang artist ay umaasa sa isang napaka-tiyak na manonood. Ang ibig niyang sabihin ay hindi isang walang mukha, karaniwang madla, ngunit ang kanyang sariling mga manonood at connoisseurs; para sa kanya, ang pag-apruba ng iilan ay mas mahalaga kaysa sa isang matunog na tagumpay. Sino ang iilan na ito? Ang ilan ay mga propesyonal na kasamahan, iba pang mga artista, ang ilan ay mga patron ng sining, mga sponsor, mga istoryador ng sining, mga kaibigan, at ang ilan ay mga masigasig na manonood. Ang lahat ng mga taong ito ay pinagsama ng isang likas (o edukadong) pag-ibig sa sining at ang kakayahang husgahan ito nang may katalinuhan at masinop - sa madaling salita, isang kumbinasyon ng kilalang kahandaan na may taos-pusong interes na kinakailangan upang pahalagahan ang sining. Ito ay mga sopistikadong manonood, mas maraming practitioner kaysa sa mga teorista; at kung ninanais, sinuman sa atin ay maaaring maging tulad ng isang eksperto sa sining, pagkakaroon ng nakakuha ng ilang karanasan. Ang punto ay nasa antas lamang ng paghahanda: walang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng isang connoisseur at isang ordinaryong manonood.

Mga panlasa

Ito ay isang bagay upang tukuyin kung ano ang sining; medyo isa pa - upang matutong malasahan at suriin ang mga tiyak na gawa. Kahit na mayroon tayong tumpak na pamamaraan para sa paghihiwalay ng tunay na sining sa hindi sining, hindi natin awtomatikong mahuhusgahan ang kalidad ng gawa. Samantala, ang dalawang problemang ito ay madalas na nalilito. Dahil ang mga eksperto ay hindi nag-aalok sa amin ng mahigpit na mga panuntunan sa pagsusuri, madalas kaming nagiging defensive at nagsasabi ng ganito: "Sa totoo lang, wala akong naiintindihan tungkol sa sining, ngunit alam ko kung ano ang gusto ko." Ang mga pariralang tulad nito ay nagpapahirap sa pag-aaral na maunawaan ang sining. Pag-isipan natin kung bakit ganito at kung ano ang nasa likod ng mga karaniwang pahayag.

Una sa lahat, walang mga tao ngayon na hindi makakaintindi ng anuman tungkol sa sining. Masyado nating malapitan ito, nahabi ito sa ating pang-araw-araw na buhay - kahit na limitado ang ating pakikipag-ugnayan sa sining sa mga pabalat ng magazine, mga poster ng advertising, mga memorial complex, telebisyon, at sa wakas, arkitektura lamang - ang mga gusali kung saan tayo nakatira, nagtatrabaho. o magdasal. Kapag sinabi ng isang tao: "Alam ko kung ano ang gusto ko," talagang gusto niyang sabihin: "Gusto ko lang ang alam ko (at tinatanggihan ko nang maaga ang lahat ng bagay na hindi akma sa aking karaniwang pamantayan)." Ngunit ang nakagawiang pamantayan ay hindi ang ating sariling mga predilections, ngunit ang mga pamantayang binuo ng edukasyon at ng kultura kung saan tayo lumaki; ang indibidwal na sandali ay halos walang papel dito.

Kung gayon, bakit marami sa atin ang nagsisikap na magpanggap na ang karaniwang pamantayan ay katumbas ng kanilang personal na pagpili? Mayroong isa pang hindi sinasabing pagsasaalang-alang sa trabaho dito: kung ang isang gawa ng sining ay hindi naa-access sa di-propesyonal na pang-unawa, kung hindi ko masuri ito nang walang espesyal na pagsasanay, kung gayon ang gawaing ito ay may napakakadudahang kalidad at hindi nagkakahalaga ng aking pansin. Isang bagay lamang ang maaaring tutol dito: kung gusto mong maunawaan ang sining pati na rin ang mga propesyonal, sino ang pumipigil sa iyo na matutunan ito? Ang daan tungo sa kaalaman ay naa-access ng lahat - dito para sa sinumang manonood na nakakaintindi ng bagong karanasan, nagbubukas ang pinakamalawak na larangan ng aktibidad. Ang mga hangganan ng aming mga panlasa ay malapit nang maghiwalay, at magsisimula kaming magustuhan ang mga bagay na hindi namin gusto noon. Unti-unti, masasanay tayo sa paghusga sa sining nang may kamalayan at walang pagkiling - at pagkatapos ay may higit pang dahilan, magagawa nating ulitin ang kilalang parirala: "Alam ko kung ano ang gusto ko."

(Joseph Kossuth, 1969)

"Ang katotohanan na kamakailan lamang ay naging uso sa mga physicist na maging simpatiya sa relihiyon<...>itinala ang hindi sapat na pananampalataya ng ilang physicist sa pagiging maaasahan ng kanilang sariling mga hypotheses. Ito ang reaksyon ng mga pisiko sa anti-relihiyosong dogmatismo ng mga siyentipiko noong ikalabinsiyam na siglo, at isang natural na bunga ng kamakailang krisis sa pisika" (A.J. Ayer).

"... Matapos linawin ang kahulugan ng Treatise, ang mambabasa ay hindi na matutukso na makisali sa pilosopiya - pagkatapos ng lahat, ito ay hindi empirikal, tulad ng agham, at hindi tautological, tulad ng matematika; tulad ni Wittgenstein noong 1918, ang pilosopiya ay dapat na inabandona, dahil, tulad ng tradisyonal na isinasaalang-alang, ay binuo sa kahihiyan" (J. O. Armson).

Ang tradisyunal na pilosopiya, maaaring sabihin ng isa, sa pamamagitan ng kahulugan, ay hanggang kamakailan lamang ay tinatalakay ang hindi masabi. Ang halos eksklusibong atensyon na ibinayad ng mga pilosopo ng linguistic analysis noong ikadalawampu't siglo sa pagbigkas ay batay sa kanilang ibinahaging paniniwala na ang hindi sinasabi ay hindi sinasabi dahil ito ay hindi mabigkas. Nagkaroon lamang ng kahulugan ang pilosopiyang Hegelian noong ika-19 na siglo—malamang na ito ay tila nakapagpapatibay mula sa punto ng pananaw ng isang edad na halos hindi nakaligtas kay Hume, sa Enlightenment, at Kant. Ang pilosopiya ni Hegel ay nakapagbigay din ng kanlungan para sa mga nagtatanggol sa mga paniniwala sa relihiyon - nagbigay ito ng alternatibo sa Newtonian mechanics at pinahintulutan ang paglago ng mga makasaysayang disiplina (pagkatapos ng lahat, ito ay nagbigay-katwiran kahit na ang Darwinian biology). Bilang karagdagan, ginagarantiyahan ni Hegel ang isang kasiya-siyang paglutas ng salungatan sa pagitan ng teolohiya at agham.

Ang resulta ng impluwensya ni Hegel ay ang karamihan sa mga modernong pilosopo sa katunayan ay napakaliit na pagkakaiba sa mga mananalaysay ng pilosopiya. Sila ay isang uri ng mga librarian ng Katotohanan. Ang isa ay nakakakuha ng impresyon na "wala nang masasabi pa." At kung aalalahanin natin ang mga kahihinatnan ng argumento ni Wittgenstein - pati na rin ang lahat na lumitaw sa pag-iisip sa ilalim ng impluwensya at pagkatapos ng Wittgenstein - hindi na kailangang seryosong pag-usapan ang tinatawag na "kontinental" na pilosopiya) .

May dahilan ba ang "hindi katotohanan" ng pilosopiya sa ating panahon? Malamang, ang sagot sa tanong na ito ay nakasalalay sa pagkakaiba ng ating panahon at ng mga nakaraang siglo. Noong nakaraan, ang mga konklusyon ng tao ay batay sa impormasyong natanggap niya tungkol sa mundo sa paligid niya - kung hindi kinakailangan tulad ng inaangkin ng mga empiricist, kung gayon, sa pangkalahatan, tulad ng naisip ng mga rasyonalista. Minsan ang kalapitan ng pilosopiya at agham ay napakahusay na ang siyentipiko at ang pilosopo ay naging iisang tao. Sa katunayan, mula sa panahon ni Thales, Epicurus, Heraclitus, at Aristotle hanggang sa panahon nina Descartes at Leibniz, "ang mga dakilang pangalan sa pilosopiya ay madalas na magnitude sa agham." Ang katotohanan na ang larawan ng mundo na nilikha ng agham noong ika-20 siglo ay ibang-iba sa mga ideya ng nakaraang siglo ay hindi nangangailangan ng patunay (kahit dito). Posible ba na ngayon ang isang tao ay napakaraming natutunan at ang kanyang talino ay ganoon na lamang na hindi siya makapaniwala sa mga argumento ng tradisyonal na pilosopiya? Siguro ang dami niyang alam kaya hindi na siya nakakagawa ng mga konklusyon ng tradisyonal na uri? Tulad ng itinuro ni Sir James Jeans:

“... Nang sinamantala ng pilosopiya ang mga tagumpay ng agham, hindi ito nanghiram ng abstract matematikal na paglalarawan ng pagkakasunud-sunod ng mga pangyayari, ngunit hiniram ang nakalarawang paglalarawan ng gayong pagkakasunod-sunod na umiiral noong panahong iyon; samakatuwid ito ay hindi naglalaan ng ilang kaalaman, ngunit ilang mga koneksyon. Ang ganitong mga koneksyon ay kung minsan ay angkop para sa isang modelo ng mundo na proporsyonal sa tao; ngunit ang mga ito ay hindi naaangkop sa mga matataas na proseso ng kalikasan na kumokontrol sa pagbuo ng mundo ng tao at naglalapit sa atin sa tunay na kalikasan ng realidad.

Pagkatapos ay nagpatuloy siya:
“Isang kinahinatnan ng pag-unlad sa itaas ay ang pamantayan ng pilosopikal na talakayan sa maraming isyu - halimbawa, ang talakayan ng causality at free will o materialism at mentalism - ay batay sa isang interpretasyon ng pagkakasunod-sunod ng mga pangyayari na hindi na nagbibigay-kasiyahan sa atin. Ang siyentipikong batayan ng lahat ng mga lumang talakayang ito ay naging malabo, at sa kanilang pagkawala, lahat ng kanilang mga argumento ay nawala din ... ".

Ang ika-20 siglo ay nagsimula sa isang panahon na matatawag na "ang katapusan ng pilosopiya at ang simula ng sining." Ibig kong sabihin, siyempre, hindi ang makitid na kahulugan ng pahayag, kundi ang takbo ng buong sitwasyon. Siyempre, ang pilosopiyang linggwistika ay maaaring ituring na tagapagmana ng empirismo, ngunit ito ay isang "pilosopiya na may isang motor". Siyempre, mayroon [pa rin] isang "tiyak na estado ng sining" - sining bago ang Duchamp - ngunit ang lahat ng iba pang mga tungkulin nito, o mga dahilan-to-be, ay binuo sa paraang ang kakayahang gumana nang tumpak bilang sining ay tiyak na nililimitahan ang estado ng sining at ang huli ay maaari lamang sa kaunting lawak. Ang koneksyon sa pagitan ng "katapusan ng pilosopiya" at ang "simula ng sining" ay hindi nangangahulugang mekanikal, ngunit ang gayong pagkakataon ay tila hindi sinasadya. Dahil ang parehong mga dahilan ay maaaring pinagbabatayan ng parehong mga kaganapan, sinasabi ko ang gayong koneksyon. Ang lahat ng nasa itaas ay binanggit ko upang pag-aralan ang pag-andar ng sining, at kasunod nito ang bisa nito. Ginagawa ko ito upang payagan ang ibang mga mananaliksik na maunawaan ang argumentasyon ng aking sariling sining, at kasunod ng iba pang [katulad na] sining, at upang magbigay ng mas malinaw na pag-unawa sa terminong "conceptual art" na pinagtibay [ko].

Tungkulin ng sining

"Ang pangunahing dahilan para sa maliit na papel ng pagpipinta sa kasalukuyang panahon ay ang mga pangunahing tagumpay sa sining ay hindi kinakailangang pormal na mga tagumpay" (Donald Judd, 1963).

"Mahigit sa kalahati ng pinakamahusay na nilikha sa huling ilang taon ay hindi pagpinta o eskultura" (Donald Judd, 1965).

"Walang anuman sa aking pagpipinta na mayroon ang eskultura" (Donald Judd, 1967).

"Ang ideya ay nagiging isang makina na gumagawa ng sining" (Saul LeWitt, 1967).

“Ang masasabi lang tungkol sa sining ay ang sining lang. Ang sining ay sining bilang sining, at iba pa. Ang sining bilang sining ay isang bagay maliban sa sining. Ang sining ay hindi yaong hindi sining” (Ed Reinhardt, 1963).

"Ang kahulugan ay utility" (Ludwig Wittgenstein).

"Ang isang mas functional na diskarte sa pag-aaral ng mga konsepto ay may posibilidad na palitan ang paraan ng introspection. Sa halip na subukang makuha o ilarawan ang mga konsepto sa isang hubad na paraan, wika nga, ang psychologist ay nag-explore sa paraan ng kanilang paggana bilang mga sangkap ng paniniwala o Paghuhukom” (Irving M. Kopy).

"Ang kahulugan ay palaging ang pagpapalagay ng isang function" (T. Segerstedt).

"... Ang paksa ng haka-haka na pananaliksik ay ang kahulugan ng ilang mga salita at pagpapahayag, at hindi sa kanilang sarili ang mga bagay o estado ng mga bagay na pinag-uusapan natin tungkol sa paggamit ng mga salita at ekspresyong ito" (G. H. von Wright).

"Ang pag-iisip ay may radikal na metapora. Ang koneksyon sa pamamagitan ng pagkakatulad ay ang pare-parehong batas o prinsipyo nito, ang sanhi ng network nito, dahil ang kahulugan ay nagmumula lamang sa mga random na konteksto kung saan ang tanda ay nakatayo (o pumapalit) sa ilang pagkakataon. Ang pag-iisip ng isang bagay ay ang pag-unawa sa isang bagay bilang isang bagay (ito o iyon), at ang "paano" na ito ay nagdudulot (lantad o nakatalukbong) ng isang pagkakatulad, isang parallel, isang metaporikal na pakikibaka, o isang pundasyon, o isang mahigpit na pagkakahawak, o isang atraksyon, at sa pamamagitan lamang nito ay kontrolado ng isip ang sitwasyon. Ang huli ay hindi maaaring makabisado kung walang anuman na maaari niyang kumapit - pagkatapos ng lahat, ang lahat ng pag-iisip ay kumapit, ang pagkahumaling ng mga katulad na bagay "(I. A. Richards).

Sa seksyong ito, tatalakayin ko ang pagkakaiba sa pagitan ng aesthetics at sining, maikling isaalang-alang ang pormalistang sining (dahil ito ang pangunahing tagapagtanggol ng ideya ng aesthetics bilang sining), at magtaltalan din na ang sining ay kahalintulad sa analytic na palagay at ito ay tiyak na ang pagkakaroon ng sining bilang isang tautolohiya na nagpapahintulot na hindi ito mabalaho sa mga pilosopikal na pahayag.

Kinakailangang paghiwalayin ang aesthetics at art dahil ang aesthetics ay nababahala sa mga opinyon tungkol sa persepsyon ng mundo sa pangkalahatan. Noong nakaraan, isa sa mga sangay ng sining ang halaga ng huli bilang palamuti [dekorasyon]. Samakatuwid, ang anumang uri ng pilosopiya na tumatalakay sa "kagandahan" (at samakatuwid ay panlasa) ay hindi maiiwasang pinilit na talakayin ang sining. Ang "ugalian" na ito ay nagbunga ng ideya na mayroong isang konseptong koneksyon sa pagitan ng sining at aesthetics, na hindi totoo. Hanggang kamakailan lamang, ang gayong ideya ay hindi nagkaroon ng bukas na salungatan sa artistikong paghatol - hindi dahil ang mga morphological na katangian ng sining ay nag-ambag sa patuloy na pag-uulit ng pagkakamaling ito, kundi pati na rin dahil sa iba pang halatang pag-andar ng sining (naglalarawan ng mga tema ng relihiyon, naglalarawan ng aristokrata, detalyadong pagpapakita ng arkitektura atbp.) ginamit ang sining upang magkaila ang sining.

Kapag ang mga bagay ay kinakatawan sa konteksto ng sining (at hanggang kamakailan ang [sining] ay palaging gumagamit ng mga bagay), sila ay napapailalim sa aesthetic na pagsasaalang-alang, tulad ng anumang mga bagay ng panlabas na mundo; ang aesthetic na pagsasaalang-alang ng isang bagay na umiiral sa larangan ng sining ay nangangahulugan na ang pag-iral at paggana sa konteksto ng sining ay walang kinalaman sa aesthetic na paghuhusga.

Ang kaugnayan ng aesthetics sa sining ay katulad ng relasyon ng aesthetics sa arkitektura, kung saan ang arkitektura ay may isang napaka-espesipikong pag-andar, at kung gaano kahusay ang disenyo nito ay pangunahing tinutukoy ng kung gaano kahusay ang pagganap nito. Nangangahulugan ito na ang paghatol sa hitsura ng arkitektura ay nauugnay sa panlasa: makikita talaga natin kung paano sa buong kasaysayan sa iba't ibang panahon - depende sa estetika ng isang partikular na panahon - ang iba't ibang mga halimbawa ng arkitektura ay pinuri. Ang aesthetic na pag-iisip ay napakalayo na ang mga halimbawa ng arkitektura ay naging hindi nauugnay sa sining, ngunit, bukod dito, sa mga gawa ng sining tulad nito (halimbawa, ang Egyptian pyramids).

Sa katunayan, ang mga aesthetic na paghuhusga ay palaging panlabas sa paggana ng bagay o sa "dahilan ng pagiging." Ang pagbubukod, siyempre, ay mga kaso kung saan ang "dahilan para sa pagkakaroon" ng isang bagay ay mahigpit na aesthetic. Ang isang halimbawa ng isang purong aesthetic na bagay ay isang pandekorasyon na bagay, dahil ang orihinal na pag-andar ng isang pandekorasyon na bagay ay "magdagdag ng isang bagay upang gawing mas kaakit-akit, palamuti, palamuti ang bagay." At ito ay direktang nauugnay sa panlasa at direktang nagdadala sa atin sa "pormalista" na sining at kritisismo. Ang pormal na sining (pagpinta at eskultura) ay ang taliba ng pagpapaganda (dekorasyon). Sa mahigpit na pagsasalita, ito ay maaaring makatwiran na pinagtatalunan na ang estado nito bilang isang sining ay napakaliit na para sa lahat ng mga layunin ng pagganap na ito ay hindi sining, ngunit purong pagsasanay ng aesthetics. Si Clement Greenberg ay una at pangunahin na isang kritiko ng panlasa. Sa likod ng alinman sa kanyang mga desisyon ay isang masining na paghatol, at ang mga paghatol na ito ay nagpapakita ng kanyang panlasa. Ngunit ano ang sumasalamin sa lasa nito? Ang panahon kung kailan nabuo si Greenberg bilang isang kritiko, ang panahon ng "totoo" para sa kanya, ang limampu. Batay sa kanyang mga teorya (ipagpalagay na mayroong ilang lohika sa mga ito), paano mo pa maipapaliwanag na hindi siya interesado kina Frank Stella, Ed Reinhardt at iba pa na angkop sa kanyang iskema ng kasaysayan? Ang sagot nga ba ay "hindi siya nakikiramay sa kanila para sa mga personal na dahilan"? Kaya, sa madaling salita, ang kanilang mga gawa ay hindi tumutugma sa kanyang panlasa?

Ngunit sa pilosopikal na "blangko na larangan" (tabula rasa) ng sining, "kung sinuman ang tumawag sa isang bagay na sining" (upang gamitin ang angkop na parirala ni Donald Judd), kung gayon iyon ay magiging sining? Sa ganoong sitwasyon, ang aktibidad ng paglikha ng pormalistikong pagpipinta at iskultura ay magagarantiyahan ng isang "estado ng sining", ngunit kung ito ay ipinakita sa mga tuntunin ng sariling ideya ng sining (i.e. [kung mayroong] isang hugis-parihaba na canvas na nakaunat sa ibabaw. isang kahoy na kuwadro, na natatakpan ng iba't ibang kulay , gamit ang ilang partikular na anyo na nagbibigay ng ganito o ang visual na karanasang iyon, atbp.). Sa pagtingin sa kontemporaryong sining sa liwanag na ito, napagtanto ng isang tao kung gaano kaliit ang malikhaing pagsisikap na ginawa ng mga pormalistang artista, at lalo na ng mga pintor (na ngayon ay nagtatrabaho sa kapasidad na ito).

Ang lahat ng ito ay nagdadala sa atin sa pagsasakatuparan ng sumusunod na katotohanan: kung ano ang kinukuha ng pormalistang sining at kritisismo bilang kahulugan ng sining ay umiiral lamang sa antas ng morpolohiya. At kahit na ang isang makabuluhang bilang ng mga bagay na may katulad na hitsura o mga imahe (o mga bagay na may kaugnayan sa biswal at mga imahe) ay maaaring lumitaw na nauugnay [sa sining] (o nauugnay dito) dahil sa pagkakapareho ng visual / eksperimentong "mga pagbabasa", ito ay magiging hindi makatwiran na mahihinuha mula sa [katotohanan] relasyong ito na masining o konseptwal.

Samakatuwid, malinaw na ang pag-asa ng pormalistang kritisismo sa morpolohiya ay kinakailangang humantong sa isang pagkiling laban sa morpolohiya ng tradisyonal na sining. At sa ganitong diwa, ang ganitong pagpuna ay hindi nauugnay sa anumang "paraang siyentipiko", o sa anumang uri ng empiricism (kumpara sa kung ano ang nais ni Michael Fried na kumbinsihin tayo sa kanyang mga detalyadong paglalarawan ng mga kuwadro na gawa at iba pang mga pang-agham na kagamitan). Ang pormalistikong kritisismo ay walang iba kundi isang pagsusuri sa mga pisikal na katangian ng ilang indibidwal na bagay na umiiral sa isang kontekstong morphological. Gayunpaman, hindi ito nagdaragdag ng anumang kaalaman (o katotohanan) sa ating pag-unawa sa kalikasan o tungkulin ng sining. Hindi rin ito nagkokomento sa lawak kung saan ang mga bagay na nasuri ay mga gawa ng sining, dahil ang pormalistang kritisismo ay walang paltos na lumalampas sa konseptong elemento sa mga gawa ng sining. Ang dahilan kung bakit hindi nagkomento ang [kritikong ito] sa konseptong elemento sa mga akda ay ang katotohanan na ang pormalistang sining sa pangkalahatan ay nagiging ganoon lamang dahil sa pagkakahawig nito sa mga naunang halimbawa ng mga gawa ng sining. Ito ay ganap na walang isip na sining. Bilang Lucy Lippard tumpak at succinctly ilagay ito na may kaugnayan sa pagpipinta ng Jules Olitsky, "ito ay isang visual na Muzak".

Ang mga pormal na kritiko at artista, bilang isa, ay hindi nagtatanong sa kalikasan ng sining; tungkol dito sinabi ko sa isang lugar kanina: "Ang ibig sabihin ng pagiging artista ay pagtatanong sa kalikasan ng sining. Kung ang isa ay nagtatanong tungkol sa likas na katangian ng pagpipinta, imposibleng magtanong tungkol sa likas na katangian ng sining. Kung ang isang pintor ay tumatanggap ng pagpipinta (o eskultura), tinatanggap niya ang lahat ng bagay na nauugnay dito. Ito ay dahil ang salitang sining ay pangkalahatan, at ang salitang pagpipinta ay partikular. Ang pagpipinta ay isang uri ng sining. Kung ikaw ay nagpinta, ibig sabihin ay tinatanggap mo na (hindi kinukuwestiyon) ang kalikasan ng sining. Nangangahulugan ito na tinatanggap mo ang likas na katangian ng sining, tulad ng nabuo sa tradisyon ng Europa, bilang isang dichotomy ng pagpipinta at iskultura.

Ang pinakamatibay na argumento na maaaring gamitin laban sa mga morphological na katwiran ng tradisyonal na sining ay ang morphological na konsepto ng sining ay naglalaman ng isang binigay na priori conception ng mga posibilidad ng sining. Ang ganitong priori conception ng kalikasan ng sining (hiwalay sa analytically framed artistic na "statements" na haharapin ko mamaya) ay ginagawang imposible ng priori na tanungin ang kalikasan ng sining. Ngunit ang ganitong pagtatanong ay konseptong napakahalaga para sa pag-unawa sa tungkulin ng sining.

Ang tanong ng tungkulin ng sining ay unang itinaas ni Marcel Duchamp. Sa katunayan, kay Marcel Duchamp dapat tayong magpasalamat sa pagbibigay ng pagkakakilanlan sa sining. (Siyempre, ang pagkahilig sa isang unti-unting pagkilala sa sarili ng sining ay makikita mula kay Manet at Cezanne hanggang sa Cubism, ngunit kung ihahambing sa Duchamp, ang lahat ng mga pagtatangka na ito ay mahiyain at hindi maliwanag). Ang "modernong" sining [modernismo] at ang ginawa noon ay tila magkaugnay dahil sa kanilang pagkakatulad sa morpolohiya. Kung ang parehong ay sinabi sa ibang salita, pagkatapos ito ay lumiliko na ang "wika" ng sining ay nanatiling pareho, ngunit ito ay nagsalita tungkol sa iba pang mga bagay. Ang kaganapan na nagbigay daan para sa pagsasakatuparan ng kung ano ang naging posible na "magsalita ng ibang wika" ay ang unang paggamit ni Duchamp ng isang hindi tinulungang handa. Sa tulong ng isang bagay na nakahanda sa sarili, binago ng sining ang pokus nito mula sa anyo ng wika tungo sa sinabi. Nangangahulugan ito na sa parehong oras ang kalikasan ng sining ay nagbago: mula sa tanong ng morpolohiya hanggang sa tanong ng pag-andar. Ang pagbabagong ito (mula sa "hitsura" tungo sa "konsepto") ay ang simula ng "modernong" sining [modernismo] at ang simula ng konseptong sining. Ang lahat ng sining (pagkatapos ng Duchamp) ay konseptwal sa kalikasan, dahil ang sining sa pangkalahatan ay umiiral lamang sa konsepto.

Ang "halaga" ng ilang mga artista pagkatapos ng Duchamp ay maaari lamang matukoy ayon sa kung gaano sila nagtanong tungkol sa likas na katangian ng sining, sa madaling salita, "kung ano ang idinagdag nila sa konsepto ng sining" na wala roon bago sila nagsimulang magtrabaho. Sa pamamagitan ng paggawa ng mga bagong pagpapalagay, kinukuwestiyon ng mga artista ang kalikasan ng sining. Upang gawin ito, hindi lamang mahalaga ang isang minanang "wika" ng tradisyunal na sining, dahil ang naturang aktibidad ay batay sa pagpapalagay ng isang paraan lamang ng pag-frame ng mga artistikong pagpapalagay. Ngunit ang pinakadiwa ng sining ay nakasalalay sa isang malaking lawak sa "paglikha" ng mga bagong pagpapalagay.

Ito ay madalas na theorized (lalo na may kaugnayan sa Duchamp) na ang mga bagay ng sining (sa partikular, tulad ng mga natapos na bagay, handa na, ngunit anumang artifacts ay sinadya) ay tinatalakay bilang objets d'art lamang sa mga susunod na taon at ang intensyon ng ang artist mismo ay hindi gumaganap ng walang papel. Ang ganitong uri ng argumentasyon ay isang halimbawa ng isang preconceived na paniwala ng sining, kung saan ang mga katotohanan na hindi kinakailangang nauugnay sa isa't isa ay pinagsama-sama. Mayroon lamang isang kahulugan dito: ang aesthetics, tulad ng nabanggit na natin, ay walang malasakit sa konsepto na may kaugnayan sa sining. Kaya, ang anumang pisikal na bagay ay maaaring maging objets d'art, i.e. maaaring ituring na nasa [magandang] lasa, aesthetically pleasing, atbp. Ngunit ang lahat ng ito ay walang kinalaman sa paglalapat ng bagay na ito sa konteksto ng sining, i.e. ang paggana nito sa konteksto ng sining. (Halimbawa, kung ang isang kolektor ay nakakabit ng mga binti sa isang pagpipinta at ginagamit ito bilang isang hapag-kainan, ito ay walang kinalaman sa sining o sa artist, dahil hindi ito layunin ng artist na uriin ito bilang sining.)

Ang totoo sa sining ni Duchamp ay totoo sa karamihan ng sining na nilikha pagkatapos niya. Sa madaling salita, ang halaga ng Cubism ay ang ideya nito sa larangan ng sining, at hindi ang pisikal o visual na mga katangian na makikita sa isang partikular na pagpipinta - mga espesyal na kaso ng isang tiyak na pag-aayos ng mga kulay o hugis. Pagkatapos ng lahat, ang mga kulay at hugis na ito ay ang "wika" ng sining, at hindi ang konseptong kahulugan nito bilang sining. Mula sa isang konseptwal na pananaw, ang pagtingin sa mga cubic na "obra maestra" bilang sining ay wala nang saysay - kahit na kung talagang pag-uusapan natin ang tungkol sa sining. Ang visual na impormasyon na natatangi sa wika ng Cubism ay pangkalahatan na ngayong internalized at may malaking kinalaman sa paraan ng pagtingin sa pagpipinta "linguistically". (Ano, sabihin nating, ang isang Cubist painting na sinadya para kay Gertrude Stein ay lampas sa aming haka-haka, dahil ang parehong pagpipinta ay nangangahulugan ng isang bagay na naiiba sa oras kaysa sa ngayon.) Ngayon, ang "halaga" ng isang orihinal na Cubist painting ay halos pareho. bilang halaga ng isang tunay na manuskrito ni Lord Byron o "The Spirit of St. Louis, ayon sa pagtingin ng Smithsonian Institution. (Sa katunayan, ang mga museo ay nagsisilbi sa parehong function tulad ng Smithsonian, kung hindi man ay bakit ang Cezanne's o Van Gogh's palette ay ipinapakita sa Louvre's "ballgame wing" na may kasing ganda ng kanilang mga kuwadro na gawa?) higit pa sa makasaysayang mga kuryusidad. Sa pagsasalita mula sa pananaw ng sining, ang mga pagpipinta ni Van Gogh ay hindi mas mahalaga kaysa sa kanyang palette: pareho ay "mga item ng kolektor" lamang.

Ang sining ay "nabubuhay" sa proseso ng pag-impluwensya sa ibang sining, at hindi sa pamamagitan ng pagpapanatili ng pisikal na "[tuyo] na nalalabi" ng mga ideya ng artist. Ang dahilan kung bakit ang iba't ibang mga panginoon ng nakaraan ay biglang "nabuhay" muli ay ang ilang mga aspeto ng kanilang trabaho ay nagsisimula nang gamitin ng mga nabubuhay ngayon. Parang walang nakakaalam na walang "katotohanan" sa kung ano ang sining.

Ano ang tungkulin ng sining, o ang kalikasan ng sining? Kung ipagpapatuloy natin ang ating pagkakatulad sa mga anyo na kinukuha sa wika ng sining, mauunawaan natin na ang isang gawa ng sining ay isang uri ng pangungusap o pahayag (proposisyon), na lumalabas sa konteksto ng sining bilang komentaryo sa sining. Mula dito maaari pa tayong pumunta at suriin ang "mga uri ng pagbigkas". Dito, magiging mahalaga para sa atin ang pagtatasa ni A. J. Ayer sa paghihiwalay ni Kant sa analytic at synthetic [statement]: “Itinuring na analytical ang isang statement kapag ang solidity nito ay nakasalalay lamang sa mga kahulugan ng mga simbolo na nakapaloob dito, at synthetic kapag natukoy ang solidity nito. sa pamamagitan ng mga eksperimentong katotohanan." Dito ay susubukan kong gumuhit ng isang pagkakatulad sa pagitan ng mga kondisyon ng sining at mga kondisyon ng analitikong pagbigkas. Sapagkat ang mga ito ay hindi [mga katotohanan ng] pananampalataya tulad ng anumang bagay, hindi tumutukoy sa anumang bagay (maliban sa sining mismo) - sa huli, ang mga anyo ng sining ay pinaka-malinaw na nauugnay lamang sa sining - dito sila ay nagiging mga anyo na malapit. sa analitikong pahayag.

Ang mga gawa ng sining ay mga analitikong pahayag. Ibig sabihin, kung isasaalang-alang natin sila sa loob ng kanilang sariling konteksto - bilang sining - hindi sila nagdadala ng anumang impormasyon tungkol sa anumang bagay. Ang isang gawa ng sining ay isang tautolohiya dahil ito ay isang pagtatanghal ng intensyon ng artist, i.e. sinasabi niya na ang isang konkretong gawa ng sining ay sining, at ang ibig sabihin ay: ito ang kahulugan [ng konsepto] ng sining.

Kaya, ang katotohanan na ito ay sining, sa katunayan, ay purong hindi pang-eksperimentong data (a priori). Ito ang ibig sabihin ni Jada nang sabihin niyang: "... kung may tumawag sa isang bagay na sining, kung gayon ito ay magiging sining."

Sa katunayan, tila imposibleng talakayin ang sining sa pangkalahatang mga termino, nang hindi gumagamit ng tautolohiya - kung tutuusin, ang pagsisikap na "kumuha" ng sining sa pamamagitan ng ilang iba pang "hawakan" ay para lamang tumuon sa isa pang aspeto o kalidad ng pahayag, kadalasang hindi nauugnay sa "state of art" sa isang partikular na artifact. . Nagsisimula kang maunawaan na ang "estado ng sining" ay isang konseptong estado. Ang katotohanan na ang mga linggwistikong anyo kung saan inilalagay ng artista ang kanyang mga pahayag ay kung minsan ay "mga pribadong code" o mga wika ay isang hindi maiiwasang kondisyon para sa kalayaan ng sining mula sa mga paghihigpit sa morphological, at mula dito ito ay sumusunod na, upang maunawaan at pahalagahan ang kontemporaryong arte, kakilala sa kanya.

Sa pamamagitan ng pagkakatulad, mauunawaan ng isa kung bakit ang "karaniwang tao mula sa kalye" ay hindi nagpaparaya sa masining na sining (sining na sining) at palaging hinihiling ang sining bilang isang tradisyonal na wika. (Ngayon ay malinaw na kung bakit ang pormalistang sining ay nagbebenta ng "tulad ng mga mainit na cake.") Sa pagpipinta at sa eskultura lamang ang mga artista ay nagsasalita ng parehong wika. Ang tinatawag ng mga Formalismo na "makabagong sining" (Novelty Art) ay kung minsan ay isang pagtatangka na maghanap ng mga bagong wika, bagama't [ang pagkakaroon] ng isang bagong wika ay hindi nangangahulugan na ito ay humuhubog ng ilang mga bagong pahayag (halimbawa: karamihan sa kinetiko at elektronikong sining).

Ang binalangkas ni Ayer sa konteksto ng wika para sa pamamaraang analitikal ay maaaring ilapat sa ibang paraan sa sining, i.e. ang bisa ng mga pahayag ng sining ay hindi nakasalalay sa anumang empirical (at hindi gaanong aesthetic) na mga pagpapalagay tungkol sa kalikasan ng mga bagay. Para sa artist, tulad ng analyst, ay hindi direktang konektado sa mga pisikal na parameter ng mga bagay. Siya lamang ang nagmamalasakit sa 1) kung ano ang mga pagkakataon ng sining para sa paglago ng konsepto, at 2) kung paano lohikal na masusunod ng mga pahayag ang paglago na ito. Sa isang salita, sa pamamagitan ng likas na katangian ng mga pahayag ng sining - hindi makatotohanan, ngunit linguistic. Nangangahulugan ito na hindi nila inilalarawan ang pag-uugali ng alinman sa pisikal o kahit mental na mga bagay, ngunit ipinapahayag ang mga kahulugan ng sining o ang mga pormal na kahihinatnan ng mga kahulugan ng sining. Alinsunod dito, maaari nating sabihin na ang sining ay gumagana alinsunod sa lohika. Makikita natin sa ibang pagkakataon na ang katangian ng purong lohikal na pagkakaisa ay na ito ay nababahala sa mga pormal na kahihinatnan ng ating mga kahulugan (sining) at hindi sa lahat ng mga problema ng empirical na mga katotohanan.

Uulitin ko muli: ang sining ay may isang bagay na karaniwan sa lohika at matematika, na ito ay isang tautolohiya, i.e. ang ideya ng sining (o trabaho) at sining ay iisa at pareho at maaaring masuri bilang sining nang hindi lalampas sa konteksto ng sining para sa anumang pagpapatunay. Sa kabilang banda, isaalang-alang natin kung bakit hindi maaaring maging sintetikong pahayag ang sining (kahit nahihirapan itong subukan). Nangangahulugan ito na ang katotohanan o kamalian ng mga pahayag (ng sining) ay hindi mapapatunayan sa empiriko. Ayer states: Ang criterion kung saan natin tinutukoy ang kagalingan ng isang priori o analytic na pahayag ay hindi sapat upang matukoy ang kagalingan ng isang empirical o sintetikong pahayag. Sapagkat katangian ng mga empirikal na pahayag na ang kanilang solididad ay hindi puro pormal. Ang pagsasabi na ang isang geometric na proposisyon, o isang buong sistema ng geometric na mga proposisyon, ay mali ay ang pagsasabi na sila ay sumasalungat sa kanilang mga sarili. Ngunit ang isang empirical na proposisyon, o isang sistema ng empirical na mga proposisyon, ay maaaring malaya mula sa mga kontradiksyon at mali pa rin. Kapag sinabing hindi totoo ang mga ito, hindi ito nangangahulugan na mayroon silang pormal na depekto, ngunit hindi nila natutugunan ang ilang partikular na materyal na pamantayan.

Ang hindi katotohanan ng "makatotohanan" na sining ay nagmumula sa katotohanan na ito ay nakabalangkas bilang isang sintetikong pahayag: ang manonood ay patuloy na tinutukso na subukan ito nang empirikal. Ang sintetikong pag-aari ng realismo ay hindi naghahatid sa atin pabalik sa pagtatanong sa loob ng mas malawak na hanay ng mga tanong tungkol sa kalikasan ng sining (kumpara sa mga gawa ng mga artista tulad ng Malevich, Mondrian, Pollock, Reinhardt, maagang Rauschenberg, Jones, Lichtenstein, Warhol, André, Judd, Flavin, LeWitt, Morris at iba pa) - sa halip, iniiwan lang natin ang "orbit" ng sining at matatagpuan ang ating sarili sa "walang hangganang espasyo" ng pagkakaroon ng tao.

Ang dalisay na ekspresyonismo ay maaaring tukuyin (patuloy sa paggamit ng mga termino ni Ayer) tulad ng sumusunod: “Ang isang pangungusap na binubuo lamang ng mga simbolong nagpapakita ay hindi maaaring maging isang tunay na pagbigkas. Ang ganitong pangungusap ay maaaring isang padamdam lamang, sa anumang paraan ay nagpapakilala sa kung ano ang dapat na tinutukoy nito. Ang mga akdang ekspresiyonista ay kadalasang uri ng "mga tandang" na umiiral sa morpolohiyang wika ng tradisyonal na sining. Kung mahalaga si Pollock, ito ay dahil nagpinta siya sa mga maluwag na piraso ng canvas, na nakalat sa sahig, nang pahalang. Ang ganap na hindi mahalaga kay Pollock ay ang paglaon ay iniunat niya ang kanyang mga tumalsik na canvases sa mga stretcher at isinabit ito sa mga dingding, patayo. (Ang mahalaga ay kung ano ang dinadala ng artist sa sining, hindi kung paano siya umaangkop sa kung ano ang nauna sa kanya.) At kahit na hindi gaanong mahalaga para sa sining ay ang mga pag-angkin ni Pollock ng "pagpapahayag ng sarili," dahil ang mismong paniwala ng iba't ibang mga subjective na kahulugan ay walang silbi sa sinumang walang personal na pakikipag-ugnayan sa isang partikular na artista. Ang "katiyakan" ng naturang mga konsepto ay tiyak na nasa labas ng konteksto ng sining.

"Hindi ako gumagawa ng sining," sabi ni Richard Serra. - Gumagawa ako ng ilang aktibidad; kung may gustong tawagin itong sining, kung gayon iyon ang kanilang negosyo - hindi para sa akin ang magdesisyon. Ang lahat ng ito ay karaniwang malalaman sa ibang pagkakataon. Kaya naman, alam na alam ni Serra ang posibleng kahihinatnan ng kanyang mga aktibidad. Kung si Serra ay talagang "nalaman kung paano kumikilos ang lead" (sa mga tuntunin ng gravity, molekular, atbp.), kung gayon bakit dapat isaalang-alang ng sinuman ang kanyang gawa bilang sining? Kung hindi niya inaako ang responsibilidad para sa katotohanang siya ay "gumawa ng sining", sino ang maaaring (o dapat) na kumuha ng ganoong responsibilidad? Sa katunayan, ang gawa ni Serra ay tila lubos na maaasahan sa empirikal: ang tingga ay may kakayahan sa maraming bagay, kaya naman ito ay ginagamit para sa iba't ibang pisikal na pangangailangan. Ang lahat ng nasa itaas ay humahantong sa anumang bagay maliban sa isang diyalogo tungkol sa kalikasan ng sining. Sa isang tiyak na kahulugan, si Serra ay isang primitivist. Wala siyang ideya tungkol sa sining. Ngunit paano natin malalaman ang tungkol sa kanyang "mga aktibidad"? Alam namin dahil sinabi niya sa amin na ito ay sining - sa pamamagitan ng ilang mga aksyon niya, pagkatapos maganap ang "aktibidad". Iyon ay, gumamit siya ng ilang mga gallery, inilagay doon at sa mga museo ang ilang mga pisikal na labi ng kanyang "aktibidad", at ibinenta din ang mga ito sa mga kolektor ng sining (gayunpaman, tulad ng nasabi na namin, ang mga kolektor ay hindi gumaganap ng papel sa pagtukoy ng "estado ng sining” sa isang partikular na gawain). Kaya, sa pamamagitan ng pagtanggi na ang kanyang gawa ay sining at "paglalaro ng artista," Serra ay nagpapahiwatig ng isang bagay na higit pa sa isang kabalintunaan. Lihim niyang nararamdaman na ang "sining" ay narating sa empirically. Tulad ng sinabi ni Ayer: "Walang ganap na tumpak na mga pahayag na empirikal. Ang mga tautologies lamang ang tumpak. Ang mga empirical na tanong, lahat bilang isa, ay mga hypotheses na maaaring kumpirmahin o pabulaanan sa aktwal na karanasang pandama. At ang mga pahayag kung saan nagbubuo kami ng mga obserbasyon na nagpapatunay sa mga hypotheses na ito ay mga hypotheses mismo, na dapat isailalim sa karagdagang pag-verify sa pamamagitan ng pandama na karanasan. Samakatuwid, walang mga tiyak na pahayag.

Sa mga akda ni Ed Reinhardt ay mahahanap ang isang napakalapit na konsepto - sining bilang sining - at ang tesis na "lahat ng sining ay laging patay, ang buhay na sining ay isang panlilinlang". Naunawaan ni Reinhardt ang likas na katangian ng sining. Ang tunay na kahulugan nito ay hindi pa natataya. Ang mga anyo ng sining na maaaring ituring bilang mga sintetikong pahayag ay kinumpirma ng buong mundo, i.e. upang maunawaan ang mga pahayag na ito, kinakailangang lumampas sa mga limitasyon ng tautological8 ng sining at isaalang-alang ang "panlabas" na impormasyon. Gayunpaman, upang maituring na sining, ang panlabas na impormasyong ito ay dapat na balewalain, dahil ang panlabas na impormasyon (halimbawa, mga katangiang nakuha sa pamamagitan ng eksperimento) ay may sariling intrinsic na halaga. Upang mapagtanto ang halagang ito, hindi na kailangang gumamit ng "estado ng sining" sa lahat.

Mula dito ay madaling matanto na ang sigla ng sining ay hindi tungkol sa pagtatanghal ng isang biswal (o anumang iba pang) karanasan [ng tao]. Posible na sa mga nakaraang siglo ang isa sa mga panlabas na pag-andar ng sining ay tiyak na ito. Pagkatapos ng lahat, kahit na sa ika-19 na siglo, ang tao ay nanirahan sa medyo karaniwang visual na kapaligiran. Iyon ay, kadalasang posible na mahulaan nang madali kung ano ang makakaugnayan ng isang tao sa araw-araw: sa bahagi ng mundo kung saan nakatira ang isang partikular na tao, ang visual na kapaligiran ay medyo pare-pareho. Sa ating panahon, sa kabaligtaran, ang kapaligirang pang-eksperimentong [ng tao] ay lubhang napayaman. Maaari kang lumipad sa buong mundo sa ilang oras at araw (at hindi buwan, tulad ng dati). Mayroon kaming mga pelikula, kulay na telebisyon, pati na rin ang mga gawa ng tao na kababalaghan tulad ng mga palabas sa ilaw sa Las Vegas o mga skyscraper sa New York. Ang buong mundo ay magagamit para sa pagtingin, at, sa kabilang banda, ang buong mundo ay nakakakita ng isang tao sa ibabaw ng buwan nang hindi umaalis sa kanilang mga apartment. Siyempre, walang inaasahan na ang mga bagay ng pagpipinta at iskultura ay magagawang biswal at eksperimento na makipagkumpitensya sa lahat ng ito.

Ang konsepto ng "kapaki-pakinabang" ay may kaugnayan din para sa sining at para sa "wika" nito. Kamakailan lamang, ang kahon o kubo ay ginamit nang marami sa konteksto ng sining (ihambing, halimbawa, ang mga pormang ito sa Judd, Morris, LeWitt, Bladen, Smith, Bell, at McCracken, hindi pa banggitin ang kasaganaan ng mga kahon at cube na nilikha mula noon). Ang pagkakaiba sa pagitan ng magkakaibang mga aplikasyon ng box o cube form ay direktang nauugnay sa mga pagkakaiba sa mga intensyon ng mga may-akda-artist. Bukod dito, ang paggamit ng isang kahon o isang kubo (lalo na ni Judd) ay naglalarawan nang mabuti sa aming pagtatalo na ang isang bagay ay nagiging sining lamang kapag ito ay inilagay sa konteksto ng sining. Ang ilang mga halimbawa ay magbibigay linaw sa puntong ito. Masasabing kung ang isa sa mga kahon ni Judd ay napuno ng basura at inilagay sa isang kapaligirang pang-industriya (at kahit na ilagay lamang sa kalye), hindi ito makikilala bilang sining. Ito ay sumusunod mula dito na ang pag-unawa at pag-unawa dito bilang isang gawa ng sining ay magiging isang priori lamang at dapat mauna sa direktang pagsasaalang-alang dito bilang isang artifact. Upang pahalagahan at maunawaan ang kontemporaryong (kontemporaryong) sining, kailangan ang paunang impormasyon tungkol sa konsepto ng sining at ang mga konsepto ng isang partikular na pintor. Anumang indibidwal na pisikal na katangian (kalidad) o maging ang kabuuan ng lahat ng mga katangian ng mga gawa ng kontemporaryong sining ay ganap na hindi mahalaga para sa konsepto ng sining. Ang konsepto ng sining, tulad ng sinabi ni Judd (bagaman hindi niya sinasadya), ay dapat kunin bilang isang bagay na holistic. Ang pagtingin sa mga elemento ng isang konsepto ay palaging pagtingin sa mga aspeto na hindi mahalaga sa "estado ng sining" - ito ay tulad ng pagbabasa ng mga indibidwal na salita ng isang pahayag.

Samakatuwid, hindi magiging isang sorpresa na igiit na ang sining na may hindi bababa sa naayos na morpolohiya ay ang pinakahalimbawa kung saan natin hinuhusgahan ang likas na katangian ng pangkalahatang konsepto ng sining. Pagkatapos ng lahat, kung saan mayroong isang konteksto na umiiral nang independiyente sa morpolohiya [ng sining] at kasama ang tungkulin nito, doon ay maaaring asahan ng isa ang hindi gaanong mahuhulaan, hindi naaayon sa resulta. Tiyak na dahil ang modernong [modernistang] sining ay may "wika" na may pinakamaikling kasaysayan, kaya't ang makatwirang pagtanggi sa "wika" na ito ay nagiging pinaka posible. Mula dito ay malinaw na ang sining, na nag-ugat sa Kanluranin (European) na pagpipinta at eskultura, ng lahat ng pangkalahatang konsepto ng "sining", ay ang hindi bababa sa mapangahas at pinaka-masigla sa pagtatanong sa kalikasan ng sining. Sa huli, gayunpaman, ang lahat ng anyo ng sining ay may (sa mga termino ni Wittgenstein) na pagkakahawig lamang ng pamilya. Gayunpaman, ang iba't ibang mga katangian na nauugnay sa "estado ng sining" (na, halimbawa, tula, nobela, sinehan, teatro at iba't ibang uri ng musika, atbp.) Ang kanilang aspeto, na sa kahulugan ng pag-andar ng sining (tulad ng pagkaunawa sa mga pahinang ito) ay ang pinaka maaasahan.

Hindi ba't ang pagbaba ng tula ay dahil sa implicit na metapisika na kasangkot sa paggamit ng "ordinaryong" wika bilang wika ng sining? Sa New York, ang kamakailang paglipat ng mga "konkretong" makata sa paggamit ng mga tunay na bagay at ang teatro ay maaaring ituring na huling dekadenteng yugto ng tula. Siguro nararamdaman nila ang unreality ng kanilang sariling anyo ng sining? "Nakikita natin ngayon na ang mga axiom ng geometry ay mga simpleng kahulugan, at ang mga geometric na theorems ay ang mga lohikal na kahihinatnan ng mga kahulugan na ito. Ang geometry mismo ay hindi nauugnay sa pisikal na espasyo; hindi maaaring sabihin ng isa na "ano" ang pinag-uusapan ng geometry. Ngunit maaari naming gamitin ang geometry upang pag-aralan ang pisikal na espasyo. Sa madaling salita, sa sandaling bigyan natin ang mga axiom ng pisikal na interpretasyon, maaari nating ilapat ang mga theorems sa mga bagay na nakakatugon din sa mga kinakailangan ng mga axiom. Kung ang geometry ay maaaring ilapat sa tunay na pisikal na mundo o hindi ay isang empirical na tanong na lampas sa pag-aaral ng geometry mismo. Samakatuwid, walang saysay na itanong kung alin sa mga uri ng geometry na alam natin ang totoo at alin ang mali. Lahat ay totoo sa lawak na sila ay malaya sa mga kontradiksyon. Ang isang pahayag na nagsasabing ang ilang tiyak na aplikasyon ng geometry ay posible ay isang pahayag na hindi tumutukoy sa geometry mismo. Ang sinasabi sa atin mismo ng geometry na iyon ay kung ang isang bagay ay maaaring ipasa sa ilalim ng mga kahulugan, kung gayon matutugunan din nito ang mga teorema. Kaya ang geometry ay isang purong lohikal na sistema, at ang mga proposisyon nito ay purong analytic na proposisyon. (A.J. Ayer) Doon na yata ang sigla ng sining. Sa panahon kung saan ang tradisyunal na pilosopiya ay, sa pamamagitan ng sarili nitong mga pagpapalagay, hindi makatotohanan, ang kakayahan ng sining na umiral ay nakasalalay hindi lamang sa kakayahang hindi magsagawa ng ilang serbisyo - halimbawa, upang libangin, maghatid ng isang visual (o ilang iba pa) karanasan, o upang palamutihan - sa lahat sa mga katangiang ito ay madaling mapalitan ng kultura at teknolohiya ng kitsch; ang sining ay mabubuhay lamang nang walang pilosopikal na posisyon. Ang kakaibang katangian ng sining ay nakasalalay sa kakayahang manatiling "suspinde" kaugnay ng lahat ng pilosopikal na paghatol. Sa kontekstong ito, ang sining ay nagpapakita ng pagkakatulad sa agham - na may lohika, matematika, at iba pa. Ngunit habang ang lahat ng iba pang mga aktibidad ay kapaki-pakinabang, ang sining ay walang silbi. Sa katunayan, ang sining ay umiiral lamang para sa sarili nito.

Sa panahong ito ng [pag-iral] ng tao, ang sining ay marahil ang tanging (pagkatapos ng pilosopiya at relihiyon) na pangahas na nagbibigay-kasiyahan sa kung ano sa ibang panahon ay tinatawag na "mga espirituwal na pangangailangan ng tao." Maaari itong ilagay sa ibang paraan: ang sining ay sapat na tumutugon sa estado ng mga bagay na "lampas sa pisika", kung saan ang pilosopiya ay pinipilit na limitahan ang sarili sa mga pagpapalagay lamang. At ang lakas ng sining ay nakasalalay sa katotohanan na kahit na ang naunang pahayag ay isang palagay na hindi makumpirma nito. Ang sining ay ang tanging bagay na inaangkin ng sining. Ang sining ay ang kahulugan ng sining.

II. "Sining ng Konseptwal" at Kamakailang Sining

“Ang kabiguan sa pagpipinta at paglililok ay kawalan ng interes na gawin itong muli, hindi pagkadismaya sa kanilang sarili—tulad ng ginagawa ng mga ito sa mga nakabuo ng pinakabagong mga advanced na uri. Ang bagong gawain ay palaging nagsasangkot ng pagsalungat sa luma. Ang paghaharap na ito ay kasama sa gawain. Kung ang naunang gawain ay unang klase, kung gayon ito ay kumpleto sa sarili nito" (Donald Judd, 1965).

"Ang abstract art, o non-pictorial art, ay kasingtanda ng panahong ito mismo, at bagama't ito ay mas dalubhasa kaysa sa nakaraang sining, ito ay mas dalisay at mas kumpleto: at tulad ng anumang modernong kaisipan o larangan ng kaalaman, ito ay mas hinihingi sa saklaw nito. Human Relations (Ed Reinhardt, 1948)

"Sa France, may matandang kasabihan: "Stupid as an artist." Ang mga artista ay palaging itinuturing na bobo, at ang mga makata at manunulat ay palaging itinuturing na napakatalino. Gusto kong maging matalino. Kinailangan kong mag-imbento. Walang punto in doing what your own father did. No It makes no sense to be another Cezanne. Sa "visual" period, may kaunting katangahan pa rin ang artista. Lahat ng trabaho ko noong panahong iyon, bago ang "Nude", ay visual painting. At pagkatapos ay nagkaroon ako ng ideya. Nakabuo ako ng perpektong pagbabalangkas ng isang paraan upang maalis ang lahat ng impluwensya " (Marcel Duchamp)

"Bagaman ang bawat gawa ng sining ay nagiging isang pisikal na kababalaghan, may ilan na hindi" (Saul LeWitt).

"Ang pangunahing bentahe ng mga geometric na hugis ay iyon na hindi sila organiko, tulad ng lahat ng iba pang sining. Kung ang isa ay makabuo ng isang anyo na hindi geometriko o organiko, ito ay magiging isang mahusay na pagtuklas" (Donald Judd, 1967)

"Ang tanging bagay na masasabi tungkol sa sining ay ang paghinga nito, kawalan ng buhay, kawalang-kamatayan, kawalan ng nilalaman, kawalan ng anyo, kawalan ng espasyo, kawalan ng oras. At iyon ay palaging nangangahulugan ng katapusan ng sining” (Ed Reinhardt, 1962).

TANDAAN Ang buong talakayan sa naunang bahagi [ng artikulo] ay hindi lamang nagbigay-katwiran sa karapatan ng pinakabagong sining na tawaging "konseptwal". Sinasalamin din nito, tila sa akin, ang isang tiyak na pagkalito ng isip na nauugnay sa nakaraan (at lalo na ang modernong) mga uso sa pag-unlad ng sining. Ang artikulong ito ay hindi dapat magpahiwatig ng anumang "paggalaw". Ngunit bilang isa sa mga pinakamaagang exponents (sa pamamagitan ng parehong pagkamalikhain at pag-uusap) ng uri ng sining na pinakamahusay na inilarawan ng terminong "conceptual art," lalo akong nag-aalala tungkol sa medyo arbitrary na paggamit ng termino sa sining ng pinakamalawak na interes, at sa marami sa hindi ko gugustuhin (at lohikal na hindi obligado) na gamitin ang mga ito.

Ang pinaka "dalisay" na kahulugan ng konseptwal na sining ay ito ay isang paggalugad sa mga pundasyon ng konsepto ng "sining" at kung ano ang ibig sabihin nito. Tulad ng karamihan sa mga termino na may medyo kakaibang konotasyon, ang "conceptual art" ay madalas na tinitingnan bilang isang trend. Siyempre, sa isang tiyak na kahulugan ito ay isang trend, dahil ang kahulugan ng "conceptual art" ay napakalapit sa kahulugan ng konsepto ng sining bilang tulad.

Ngunit ang argumentasyon ng gayong pag-unawa sa kalakaran, sa aking pinakamalaking pagsisisi, ay dahil pa rin sa mga pagkakamali sa morphological characterization na nagsasama-sama kung ano [sa katunayan] ang magkakaibang mga aktibidad. Sa aming kaso, nangangahulugan ito ng isang pagtatangka na i-highlight ang mga katangian ng estilo (slylehood). Ipagpalagay na ang pangunahin ng mga ugnayang sanhi na humahantong sa "panghuling mga kahihinatnan", ang gayong pagpuna ay hindi napapansin ang orihinal na mga intensyon (konsepto) ng artista at eksklusibong nakatuon sa kanyang "panghuling produkto". Sa katunayan, karamihan sa mga kritisismo ay nababahala lamang sa mababaw na aspeto ng "huling produkto" na ito, katulad ng maliwanag na hindi materyalidad o "anti-object" na pagkakatulad ng karamihan sa "konseptwal" na mga gawa ng sining. Ngunit ang lahat ng ito ay maaari lamang maging makabuluhan kung ipagpalagay natin na ang mga bagay ay kinakailangang mahalaga sa sining, o sa halip, na mayroon silang hindi malabo na koneksyon sa sining. Sa kasong ito, ang pagpuna sa itaas ay tututuon sa negatibong aspeto ng sining.

Kung sinundan ng mambabasa ang talakayan sa unang bahagi [ng artikulo], mauunawaan niya ang aking pahayag na ang mga bagay ay walang malasakit sa konsepto na may kaugnayan sa estado ng sining. Hindi ito nangangahulugan na ang anumang partikular na "pananaliksik ng sining" ay maaaring o hindi maaaring gumamit ng mga bagay, materyal na sangkap, atbp., sa loob ng balangkas ng isinagawang pag-aaral. Siyempre, ang pananaliksik at pag-unlad, tulad ng sa Bainbridge o Harrell, ay mahusay na mga halimbawa ng paggamit na ito. Bagama't iminungkahi ko na ang lahat ng sining ay sa wakas ay konseptwal, ang ilan sa mga pinakabagong gawa ay konseptwal sa layunin, habang ang iba pang kamakailang sining ay mababaw lamang na nauugnay sa konseptong pagkamalikhain. At, sa kabila ng katotohanan na maraming kamakailang mga gawa ang kadalasang umuunlad patungo sa mga tendensiyang "pormalista" o "anti-pormalista" (Morris, Serra, Saunier, Hesse, atbp.), hindi sila dapat ituring bilang sining ng konsepto sa mas tiyak na kahulugan. mga salita.

Ang tatlong artist na madalas na nauugnay sa akin (lalo na sa mga proyekto ni Seth Siegelaub) - sina Douglas Huebler, Robert Barry at Laurens Weiner - sa tingin ko ay hindi nauugnay sa konseptong sining tulad ng tinukoy sa itaas. Si Douglas Huebler, na lumahok sa eksibisyon na "Primary Structures" sa Jewish Museum (New York), ay gumagamit ng isang non-morphological art-like form of presentation (mga larawan, mapa, mailings) upang gamutin ang mga iconic, structural, sculptural na problema na direktang nagmumula sa kanyang sariling mga eskultura mula sa mga nakalamina na plastik.(ginawa niya ito kahit noong 1968). Ang artist mismo ay itinuro ito sa kanyang paunang salita sa katalogo ng solong eksibisyon (ito ay inayos ni Seth Siegelaub at umiral lamang bilang isang dokumentaryong katalogo): "Ang pagkakaroon ng bawat iskultura ay dokumentado ng dokumentasyon nito." Hindi ko binanggit ang lahat ng ito upang bigyang-diin ang negatibong aspeto ng naturang gawain - ipinapakita ko lamang na si Huebler (siya ay higit sa apatnapu na ngayon - siya ay mas matanda kaysa sa karamihan ng mga artistang isinasaalang-alang dito) ay walang mga layunin at layunin na ay maglalapit sa kanya sa konseptong sining sa pinakadalisay at pinakalaganap na anyo nito.

Ang iba pang mga artista - sina Robert Barry at Lawrence Weiner - ay naobserbahan kung paano ang kanilang trabaho, maaaring sabihin ng isa, sa pamamagitan ng dalisay na pagkakataon, ay nagbubunga ng mga asosasyon sa konseptong sining. Nagpinta si Barry: lumitaw ang kanyang mga kuwadro sa eksibisyon ng Systematic Painting sa Guggenheim Museum; ang tanging bagay na pareho niya kay Weiner ay ang "landas" na humahantong sa konseptong sining ay nauugnay sa pagpili ng mga masining na materyales at proseso. Ang mga naunang gawa ni Barry ay post-Newman-Reinhardt opuses at binawasan (sa mga tuntunin ng mga pisikal na materyales, ngunit hindi sa mga tuntunin ng kahulugan): mula sa maliliit na dalawang-pulgada na square painting hanggang sa wire na nakaunat sa pagitan ng mga punto ng arkitektura, pagkatapos ay sa mga radio wave, inert gas, at sa wakas , sa "enerhiya ng utak" Lumilitaw na ang mga ito ay "konseptual" lamang sa lawak na ang materyal ay hindi nakikita. Ngunit may pisikal na katayuan ang sining ni Barry, at iba ito sa mga gawang [status] na puro konseptwal na umiiral.

Iniwan ni Lawrence Weiner ang pagpipinta noong tagsibol ng 1968 at binago ang kanyang ideya ng "lugar" (sa kahulugan na ibinigay ni Carl Andre sa terminong ito): mula sa konteksto ng canvas (na maaaring may partikular na tiyak) lumipat siya sa isang " mas pangkalahatan" na konteksto, na nagpapatuloy, gayunpaman, pangalagaan ang mga detalye ng mga materyales at proseso. Kitang-kita sa kanya na kung ang isang tao ay hindi nag-aalaga sa "hitsura" (hindi niya ito pinangangalagaan at sa ganitong kahulugan ay inaasahan ang maraming mga tinatawag na anti-formalist), kung gayon hindi lamang hindi na kailangang gumawa ng trabaho. (halimbawa, sa kanyang sariling pagawaan), ngunit - higit sa lahat - ang gayong paggawa ay muling maglalagay sa kanila sa kanilang lugar, sa isang tiyak na konteksto. Kaya, noong tag-araw ng 1968, nagpasya si Weiner na ang kanyang trabaho ay iiral lamang bilang mga mungkahi sa kanyang kuwaderno - tiyak hangga't ang ilang "dahilan" (museum, gallery o kolektor), o, bilang siya mismo ay tinawag, "tatanggap", ay hindi nangangailangan ng mga ito na ipatupad. Sa huling bahagi ng taglagas ng taong iyon, ginawa ni Weiner ang susunod na hakbang, na nagpasya na hindi mahalaga kung tapos na ang kanyang trabaho o hindi. Sa ganitong kahulugan, ang kanyang mga pribadong notebook ay naging pampublikong domain.

Ang dalisay na konseptwal na sining ay unang palagiang isinama sa gawa nina Terry Atkinson at Michael Baldwin sa Coventry, England, gayundin sa aking gawa na nilikha sa New York noong 1966. Ang Japanese artist na si On Kawara, na patuloy na naglakbay sa mundo mula noong 1959, ay gumagawa ng malalim na haka-haka na mga gawa mula noong 1964. Nagsimula si He Kawara sa mga larawan, lahat ay sakop ng parehong salita. Pagkatapos ay lumipat siya sa "mga tanong" at "mga code" at sa mga gawa na binubuo ng paglalarawan ng isang lugar sa disyerto ng Sahara sa mga tuntunin ng [heograpikal na] latitude at longitude. Mas sikat ang kanyang "pictures-dates". Ang nasabing pagpipinta ay binubuo ng petsa ng araw kung saan ito ipininta na ipininta sa canvas. Kung ang larawan ay hindi natapos sa parehong araw na sinimulan ng may-akda (iyon ay, sa hatinggabi), pagkatapos ito ay nawasak. Bagama't gumagawa pa rin si Kawara ng "mga pagpipinta ng petsa" (gumugol siya ng isang taon sa paglalakbay sa buong South America), kumuha siya ng iba pang mga proyekto sa nakalipas na dalawang taon. Kabilang sa mga trabahong ito ang "Centennial Calendar" - isang pang-araw-araw na listahan ng lahat ng taong nakilala niya ([ito] ay naka-imbak sa mga notebook na pinamagatang "I met"), at "I went" - isang koleksyon ng mga plano ng lungsod na may pagtatalaga ng mga lansangan kung saan siya naglakad. Araw-araw, nagpapadala rin si On Kawara ng mga postkard, kung saan sinasabi niya ang oras kung kailan siya nagising isang umaga o isa pa. Ang mga dahilan na humantong kay Kawara sa kanyang sining ay malalim na personal: sadyang iniiwasan niya ang atensyon ng publiko at pag-advertise sa [modernong] mundo ng sining. Para sa akin, ang kanyang walang humpay na pagtukoy sa "pagpinta" bilang isang midyum ay walang iba kundi isang biro, na humipo sa mga katangian ng morpolohiya ng tradisyonal na sining sa halip na ipakita ang kanyang interes sa pagpipinta mismo. Ang gawain nina Terry Atkinson at Michael Baldwin (sila ay kapwa may-akda) ay nagsimula noong 1966 at kasama ang mga proyekto bilang polygon na binubuo ng mga contour outline ng mga estado ng Kentucky at Iowa (na may pamagat na "Mapa na hindi kasama ang Canada, James Bay, Ontario, Quebec. , Bay of St. Lawrence, New Brunswick...”, atbp.); mga konseptwal na guhit na nilikha mula sa iba't ibang serial conceptual scheme; mapa ng 36-milya Pacific Ocean sa kanluran ng Oahu, sa sukat na 3 pulgada 1 milya (blangko na parisukat). Noong 1967, nilikha ang mga gawa tulad ng "Air Conditioner Show" at "Air Show". Ang huli, tulad ng inilarawan ni Terry Atkinson, ay "isang serye ng mga pahayag tungkol sa posibleng teoretikal na paggamit ng isang haligi ng hangin batay sa isang base ng isang square milya at pagkakaroon ng hindi tiyak na mga parameter sa vertical na dimensyon" .

Sa totoo lang, walang tiyak na square mile ng ibabaw ng mundo ang isinasaalang-alang - ang konsepto ay hindi nakatali sa isang partikular na lugar. Ang mga gawa tulad ng "Mga Frame", "Mainit at Malamig" at "22 Proposisyon: Ang Hukbong Pranses" ay mga halimbawa ng pinakabagong mga pakikipagtulungan [ng mga may-akda na ito]. Noong nakaraang taon, itinatag nina Atkinson at Baldwin, kasama sina David Bainbridge at Harold Harrel, ang Art & Language Press. Regular silang naglalathala ng conceptual art magazine na "Art & Language" at iba pang publikasyong nauugnay sa kanilang mga proyekto sa pananaliksik.

Si Kristina Kozlov (a) mula sa katapusan ng 1966 ay nagtrabaho din sa konseptong plano. Narito ang ilan lamang sa kanyang mga produksyon: ang isa ay may kasamang "konsepto" na pelikula (na kinunan sa blangkong pelikulang Letter); "Mga komposisyon para sa mga istruktura ng audio" - isang sistema ng mga code para sa tunog; isang stack ng ilang daang blangko na papel, bawat isa para sa isang araw kapag ang isang konsepto ay tinanggihan; "Masagisag na gawain" - isang listahan ng lahat ng kinain [ng artista] sa nakalipas na anim na buwan; ang pag-aaral ng krimen bilang isang gawaing masining. Ang Canadian na si Iain Baxter ay lumilikha ng isang bagay tulad ng "mga bagay na konsepto" mula noong katapusan ng 1967. Dapat ding banggitin dito ang mga Amerikano - sina James Byars at Frederic Bartelm, mga artistang Franco-German na sina Bernard Bern at Hannah Darboven. Ang mga aklat na nilikha ni Eduard Ruscha sa parehong oras ay may kaugnayan din. Kabilang dito ang ilan sa mga gawa ni Bruce Nauman, Barry Flanagan, Bruce McLean at Richard Long. Ang 1968 Time Capsule ni Stephen Kaltenbach ay medyo kapansin-pansin, tulad ng karamihan sa kanyang mga huling gawa. Ang mga Pag-uusap ni Ian Wilson (hindi na naiimpluwensyahan ni [Alan] Kaprow) ay naisip din. Ang German artist na si Franz E. Walther, simula noong 1965, ay nagtrato ng mga bagay sa paraang ibang-iba sa karaniwang tinatanggap sa konteksto ng sining (conventional). Sa nakalipas na ilang taon, ang ibang mga artista ay lumipat din sa isang mas "konsepto" na anyo ng pagkamalikhain (bagaman ang ilan ay napakababaw). Si Mel Bochner ay bumaling sa naturang aktibidad, lumayo mula sa mga gawa na ginawa sa ilalim ng malakas na impluwensya ng "minimalist" na sining. Sa loob ng balangkas ng "konseptwal" na pagkamalikhain, ang isang tiyak na bahagi ng gawain nina Ian Dibbets, Eric Orr, Allen Ruppenberg at Dennis Oppenheim ay walang alinlangan na maaaring isaalang-alang. Sa mga gawa ni Donald Burgey<...>inilapat din ang format ng konsepto. Ang kilusan tungo sa mas dalisay na konseptong sining ay mapapansin sa gawain ng mga batang artista na kamakailan ay nagsimula sa kanilang pag-unlad: ito ay sina Saul Ostrow, Adrian Panper, Perpetua Butler. Mula sa punto ng pananaw ng dalisay na kahulugan na ito, ang mga bagay na ginawa ng isang pangkat ng mga artista na naninirahan sa New York ay kawili-wili: kabilang sa mga ito ay isang Australian at dalawang Englishmen - sina Ian Byrne, Mel Ramsden at Roger Cutforth. (Ang mga nakakaaliw na pop picture ni John Baldessari, bagama't naglalaman ang mga ito ng ilang mga pahiwatig - "konseptual" na mga karikatura ng tunay na konseptong sining, ay hindi talaga nauugnay sa materyal ng aking pangangatwiran.)

Iminungkahi ni Terry Atkinson (at sumasang-ayon ako sa kanya) na si Saul LeWitt ay higit na responsable sa paglikha ng uri ng kapaligiran na naging posible ang pang-unawa (kung hindi ang paglikha!) ng ating sining. (Gayunpaman, nagmamadali akong idagdag na hindi si LeWitt ang personal na nakaimpluwensya sa akin, ngunit sina Ed Reinhardt, Duchamp - sa pamamagitan ni Johnsy 13 Morris - at Donald Judd.) Malamang, ang mga unang gawa ni Robert Morris ay dapat ding maiugnay sa kasaysayan ng konseptwal na sining, lalo na ang " Folder na may mga card "(1962). Ang mahahalagang halimbawa ng konseptong uri ng sining ay marami sa mga unang gawa ni Rauschenberg (halimbawa, ang kanyang "Portrait of Iris Clert" at "De Kooning's Erased Drawing"). Sa ilang lawak, sinasalamin din ng mga Europeo na sina Klein at Manzoni ang kasaysayang ito. Kabilang sa mga gawa ni Jasper Johns (mga kuwadro na gawa mula sa seryeng "Mga Target" at "Mga Watawat", pati na rin ang kanyang mga lata ng beer) ay nakakita kami ng magagandang halimbawa ng sining na umiiral bilang isang analytical na pahayag. Sina Jones at Reinhardt ay marahil ang mga huling pintor na ganap ding mga artista. Para naman kay Robert Smithson, kung kinikilala niya ang kanyang mga artikulo sa mga magasin bilang mga gawa ng sining (magagawa at dapat niyang gawin ito), at ang kanyang "mga pintura" bilang mga ilustrasyon lamang para sa kanila, ang kanyang impluwensya ay magiging mas may kaugnayan. Naging malaking impluwensya sina André, Flavin at Judd sa kamakailang pagkamalikhain, bagaman marahil higit pa bilang mga halimbawa ng matataas na pamantayan at malinaw na pag-iisip kaysa sa anumang mas tiyak na paraan. Mula sa aking pananaw, sina Pollock at Judd ang simula at wakas ng [panahon] ng pangingibabaw ng Amerika sa sining - bahagyang dahil sa kakayahan ng maraming kabataang artista sa Europa na "linisin" ang tradisyong ito, ngunit higit sa lahat dahil ang nasyonalismo sa sining. ay hindi naaangkop tulad ng sa anumang iba pang lugar. Ang dating art dealer na si Seth Siegelaub, na ngayon ay gumaganap bilang isang "libreng tagapangasiwa" at ang unang nag-specialize sa pag-aayos ng mga eksibisyon ng ganitong uri ng kontemporaryong sining, ay nagsagawa ng maraming mga eksibisyon ng grupo na hindi nabanggit kahit saan (maliban sa catalog). Sinabi ni Siegelaub: "Interesado akong isulong ang ideya na ang isang artista ay maaaring manirahan kung saan niya gusto: hindi kinakailangan sa New York, London o Paris, tulad ng dati - talagang kahit saan, at lumikha pa rin ng mahalagang sining ".

Kumbaga, ang una kong konseptwal na gawa ay Leaning Glass (1965). Ang gawa ay binubuo ng isang ordinaryong limang talampakan na piraso ng salamin na kailangang sandalan sa anumang dingding. Di nagtagal, naging interesado ako sa tubig - dahil sa walang hugis at walang kulay nito. Gumamit ako ng tubig sa lahat ng paraan na naiisip ko: mga bloke ng yelo, singaw mula sa radiator, mga mapa na may sistematikong paggamit ng mga ibabaw ng tubig, isang koleksyon ng mga postkard na naglalarawan ng mga katawan sa tubig, atbp., hanggang noong 1966 gumawa ako ng isang pagpapalaki ng larawan ng Ang kahulugan ng diksyunaryo ng konsepto ng tubig noong panahong iyon para sa akin ay isang paraan upang kumatawan sa mismong ideya ng tubig. Ginamit ko ang kahulugan ng diksyunaryo kanina (noong huling bahagi ng 1965) nang maglagay ako ng upuan, isang pinalaki na larawan ng upuang ito (kahit na mas maliit) na ikinabit ko sa tabi ng dingding, at ang kahulugan ng salitang upuan ay nakalakip doon. Sa parehong oras, gumawa ako ng isang serye ng mga gawa na binuo sa ugnayan sa pagitan ng mga salita at bagay (mga konsepto at kung ano ang tinutukoy nila), at isang serye ng mga gawa na umiral lamang bilang "mga modelo": mga simpleng hugis (halimbawa, isang limang- foot square) na may impormasyon [na] dapat itong unawain bilang isang isang talampakang parisukat - ang mga ito ay simpleng pagtatangka na "i-de-objectify" ang isang partikular na bagay.

Sa tulong ni Christina Kozlov at ng ilang iba pa, noong 1967 itinatag ko ang Museum of Normal Art. Ito ay isang exhibition space na inorganisa ng mga artista para sa mga artista. Ang "Museum" mismo ay tumagal lamang ng ilang buwan. Isa sa kanyang mga eksibisyon ay ang aking unang solo na palabas sa New York; Ginawa ko itong sikreto - ang pamagat ay: "15 tao ang nagpapakita ng kanilang paboritong libro." Ang eksibisyon ay eksakto kung ano ang ipinangako ng pamagat nito. Kasama sa "mga kalahok" sina Morris, Reinhardt, Smithson, LeWitt, at ang aking sarili. Kaugnay ng palabas, gumawa rin ako ng sunud-sunod na pahayag ng mga artista - tungkol sa kanilang trabaho, tungkol sa sining sa pangkalahatan - na nagpatuloy hanggang 1968.

Ang lahat ng aking mga gawa mula noong unang "kahulugan ng tubig" ay binigyan ko ng subtitle na "Sining bilang isang Ideya bilang isang Ideya". Palagi kong isinasaalang-alang ang pagpapakita ng mga photocopi [ng mga entry sa diksyunaryo] bilang isang gumaganang paraan ng pagtatanghal (o medium), ngunit hindi ko nais na isipin ng sinuman na nagpapakita ako ng mga photocopi bilang mga gawa ng sining, kung kaya't ipinakilala ko ang gayong pagkakaiba at ibinigay ang lahat ng ito. mga subheading. "Mga gawa sa diksyunaryo" na binuo mula sa mga abstraction ng isang bagay na espesyal (partikular) - halimbawa, "Tubig" - hanggang sa mga abstraction ng abstraction (halimbawa, "Kahulugan"). Isang serye ng "mga gawa sa diksyunaryo" na natapos ko noong 1968.<...>Ang tanging eksibisyon ng gayong mga bagay ay naganap sa Los Angeles, sa 699 Gallery (sarado na ngayon). Sa eksibisyon, ipinakita ko ang isang dosenang iba't ibang mga kahulugan ng salitang "wala" [o wala, wala], na kinuha mula sa iba't ibang mga diksyunaryo. Sa una, ang mga photocopies ay mga prangka na photocopies, ngunit sa paglipas ng panahon ay nagsimula silang mapagkamalan bilang mga pagpipinta, kaya ang "walang katapusang serye" ay natapos doon. Ang buong ideya sa mga photocopies ay maaaring itapon ang mga ito at pagkatapos ay ibalik (kung kinakailangan) bilang bahagi ng opsyonal na pamamaraan na nauugnay lamang sa anyo ng pagtatanghal, ngunit hindi sa "sining" mismo. Dahil natapos ang "serye ng diksyunaryo", nagsimula ako ng isa pang serye (o "pagsisiyasat" na mas gusto kong tawagan ang aking trabaho) gamit ang mga kategorya mula sa "Thesaurus". Ang impormasyon ay ipinakita sa pamamagitan ng paraan ng advertising at mass communication (general advertising media). Ito ay nagpapahintulot sa akin na paghiwalayin ang aktwal na sining sa aking trabaho mula sa anyo ng pagtatanghal nito. Kasalukuyan akong gumagawa ng bagong pagsisiyasat na may kaugnayan sa konsepto ng "mga laro".

Mga Tala.

1. Tingnan ang: Morton White. Ang Edad ng Pagsusuri. New York: Mentor Books, 1955, p. 14.

2. Ibid. P. 15.

3. Ang aking tinutukoy dito ay eksistensyalismo at phenomenology. Maging si Merleau-Ponty, na sumasakop sa isang "gitna" na posisyon sa pagitan ng empirismo at rasyonalismo, ay hindi makapagpahayag ng kanyang pilosopiya nang walang midyum ng mga salita (na kinapapalooban ng paggamit ng mga konsepto); kaya't ito ay sumusunod: paano tatalakayin ang karanasan ng isang tao nang hindi nagpapakilala ng mahigpit na pagkakaiba sa pagitan ng sarili at ng mundo?

4 Sir James Jeans Pisika at Pilosopiya. New York: Macmillan, 1946, p. 17.

5. Ibid. P. 190.

7. Ang gawain na ipinapalagay ng naturang pilosopiya ay ang tanging "function" na magagawa nito nang hindi gumagawa ng mga pilosopikal na pahayag.

8. Higit pa tungkol dito sa susunod na seksyon.

9. Nais kong bigyang-diin na nagsasalita lamang ako para sa aking sarili. Ako ay dumating sa mga konklusyon sa aking sarili, at ito ay mula sa mga konklusyon na ang aking sining ay binuo mula noong 1966 (at marahil kahit na mas maaga). Kamakailan lamang, nang makilala ko si Terry Atkinson, napagtanto ko na sila ni Michael Baldwin ay nagbahagi ng magkatulad, bagaman hindi magkapareho, ng mga paniniwala sa akin.

10. Depinisyon ng diksyunaryo (Webster's New World Dictionary of the American Language 1962) ng konsepto ng "decorate"

11. Ang antas ng konseptwal ng akda nina Kenneth Noland, Jules Olitsky, Morris Luns, Ron Davis, Anthony Caro, John Hoyland, Dan Christensen at iba pa ay napakababa na masasabing kung ito ay umiiral man, ito ay ang merito ng mga kritiko na nagpapalaganap sa kanila. Higit pa tungkol dito sa ibaba.

12. Ang mga dahilan ni Michael Freed sa paggamit ng argumento ni Greenberg ay sumasalamin sa kanyang sariling background bilang isang "siyentipiko" (totoo rin ito sa iba pang mga kritiko), ngunit higit pa, pinaghihinalaan ko, ang kanyang pagnanais na dalhin ang kanyang mga siyentipikong pag-aaral sa modernong mundo. Ang isang tao ay maaaring ganap na makiramay sa kanyang mga pagtatangka na kumonekta, sabihin, Tiepolo kay Jules Olitsky. Bagaman hindi natin dapat kalimutan na ang mananalaysay ay nagmamahal sa kasaysayan nang higit sa anumang bagay sa mundo - higit pa kaysa sa sining.

13. Ginagamit ni Lucy Lippard ang sipi na ito sa katalogo ng eksibisyon na "Ad Reinhardt: Paintings" (New York: Jewish Museum, 1966, p.28).

14. Lucy Lippard muli; sa pagkakataong ito mula sa pagsusuri ng taunang eksibisyon ng Whitney Museum na Constellations in the Harsh Daylight (Hudson Review 21. No.l. Spring 1968. P.I80).

16. Gaya ng itinuro ni Terry Atkinson sa kanyang panimulang artikulo sa [magazine] Art & Language (Blg. 1), hindi kailanman kinuwestiyon ng mga Cubist ang mga morphological na katangian ng sining - interesado sila sa kung anong mga katangian ng pagpipinta ang katanggap-tanggap.

17. Kapag binili ng isang kolektor ang gawa ni Flavin, hindi siya bumibili ng isang light show (pagkatapos ng lahat, sa isang tindahan ay mabibili niya ang kaukulang kagamitan na mas mura). Ang naturang kolektor ay hindi "bumili" ng kahit ano - siya ay nagbibigay ng subsidyo sa mga aktibidad ni Flavin bilang isang artista.

18. Ayer A.J. wika. Katotohanan at Lohika. New York: Dover, 1946. P.78.

19. Ibid. P.57.

21. Ibid. P.90. 15

22. Ibid. P.94.

23. Op. katalogo: Ad Reinhardt: Mga Pinta. P.12.

24. Problema dito ang paggamit ng ordinaryong wika sa tula - bilang pagtatangkang ipahayag ang hindi nasabi; sa pangkalahatan, ang paggamit ng wika sa konteksto ng sining ay hindi nangangailangan ng anumang panloob na problema.

25. Ang kabalintunaan ay marami sa kanila ang tumatawag sa kanilang sarili na "conceptual poets." Ang ilan sa mga ganoong akda ay napakalapit sa ginagawa ni Walter de Maria, at ito ay hindi lamang nagkataon: ang akda ng huli ay gumaganap bilang "object poetry", at ang kanyang mga intensyon ay napaka-tula: talagang gusto ni de Maria na maimpluwensyahan ng kanyang mga gawa ang buhay ng mga tao. maraming tao. 26. AyerA.J. Op. cit. P.82.

27. Sining at Wika 1. No. 1.

28. Hindi ko naintindihan at hindi ko pa rin naiintindihan ang huling desisyong ito. Noong una kong nakilala si Weiner, ipinagtalo niya ang kanyang posisyon (ganap na alien sa akin) sa pamamagitan ng katotohanan na siya ay isang "materyalismo". Laging tila sa akin na ang kanyang huling linya ng trabaho ay medyo "sensualistic" (gamitin ang sarili kong terminolohiya); Hindi ko maisip kung paano ito ipinaliwanag ni Weiner sa kanyang sariling paraan. W. Nagsimula akong makipag-date sa aking trabaho sa seryeng Art as Idea as Idea.

30. Sinipi mula sa: Atkinson. R.5-6 L. Lahat ng impormasyon ng proyekto ay ibinibigay ng Art & Language Press, 84 Jubilee Crescent, Coventry, England.

© Copyright c 2015
Ideya, paglikha, suporta:
Anatoly Petrov

Ayon sa VTsIOM, bawat ikalimang Ruso ay hindi pa nakapunta sa teatro, bawat segundo ay naroon "isang beses", ngunit halos hindi bumibisita sa teatro. Kalahati ng mga mamamayang Ruso ay hindi pumupunta sa sinehan, at 13 porsiyento ng mga sumasagot ay hindi pa nakapunta sa sinehan. Mahigit sa 40 porsiyento ng mga Ruso ang hindi nakarinig ng anuman tungkol sa "Night at the Museum", isang ikatlo ang nakarinig, ngunit hindi dadalo, 27 porsiyento ng mga sumasagot ay umamin na hindi pa sila nakapunta sa museo.

Ang sining ay hindi pag-aari ng mga tao?

Tatalakayin natin ang paksa sa Dean ng Faculty of Art History ng European University sa St. Petersburg, Kandidato ng Art History na si Ilya Doronchenkov.

Ang boom ng museo ay naobserbahan sa mundo sa loob ng maraming taon.

Sa taong ito, ang pinuno ng Kuban Cossack Choir na si Viktor Zakharchenko ay iginawad sa isang premyo ng estado. Ang Kuban Cossack choir ba ay eksaktong uri ng sining na pag-aari ng mga tao nang walang anumang pagmamalabis?

Sa tingin ko, ang Kuban song folklore ay nakakahanap ng walang kondisyong tugon sa puso ng isang malaking bilang ng mga tao, dahil ito ay nakakatugon sa kanilang mga inaasahan. May isang kahilingan para sa isang bagay na nakabubusog, mapangahas, katutubong, katutubo. Ang karunungang-bayan na tumutunog mula sa entablado ngayon ay, siyempre, malakas na inangkop sa modernong tagapakinig at batay lamang sa mga awiting bayan. Ang mga taong ito mula sa Kuban Cossack Choir, tila, ay mahusay na mga propesyonal na sumasalamin sa musika at nakikita ang isa sa mga larawan ng mga taong Ruso. Paano nabuo ang larawang ito ay isa pang tanong.

At ano ang sanhi ng nagising na pananabik ng masa para sa sining? Hindi kapani-paniwalang kaguluhan sa paligid ng eksibisyon ni Serov sa Tretyakov Gallery, mahabang pila para sa mga painting at mga guhit ni Frida Kahlo sa Faberge Museum sa St. Petersburg...

Sa tingin ko, masyado pang maaga para pag-usapan ang anumang uso. Kailangan namin ng paulit-ulit na pagsulong ng interes sa ilang mga artista upang makagawa ng ilang konklusyon. Dito sa taglagas ay si Aivazovsky ay nasa Tretyakov Gallery, tingnan natin kung magtitipon siya ng maraming tao tulad ng ginawa ni Serov. Sa pangkalahatan, ang boom ng museo ay naobserbahan sa mundo sa loob ng maraming taon. Ang may-kaya sa gitnang uri ay dinala sa realisasyon na ang mga museo ay dapat bisitahin.

Hindi lamang ang gitnang klase ang nakatayo sa linya "para sa Serov"; habang nagsusulat ang mga sekular na reporter, ang mga mag-aaral, pensiyonado, at, sa pangkalahatan, ang isang napaka-motley na madla ay "nakita" doon.

Ang boom ng museo na ito, sa partikular, ay nagbigay ng kababalaghan ng blockbuster exhibition. Ipapakita namin sa iyo ang mga hardin ng Claude Monet! Isipin kung ano ang magiging pila sa Estados Unidos para sa mga hardin ni Claude Monet. Minsan akong nagmaneho sa iba't ibang mga museo sa Amerika, kung saan naka-exhibit si Monet, nakita ko ang limang humpbacked na tulay na halos magkapareho, kinaiinisan ko sila mamaya. Ngunit si Monet ang perpektong artista para sa isang eksibisyon na nakalaan para sa malawakang tagumpay. O narito ang isang magandang halimbawa para sa iyo - isang eksibisyon ng mga larawan ng Italian Renaissance sa Berlin ilang taon na ang nakalipas. Dumating doon ang mga tao mula sa buong Europa. At hindi lang ito ang middle class. Pareho silang mga estudyante at kinatawan ng iba't ibang strata ng lipunan. Isang malaking bilang ng mga tao ang nakatayo sa mga pila na ito. Mayroong maraming mga naturang eksibisyon. At ang mga Europeo ay lumilipat kasama nila. Ngayon ay mayroong isang eksibisyon ng Bosch sa Prado Museum at isa pang eksibisyon ng Bosch sa 's-Hertogenbosch sa Holland... Ang mga naturang eksibisyon ay napakahusay na ibinigay sa intelektwal: ang mga ito ay ginawa ng mga highly qualified na espesyalista, ang mga katalogo ay nai-publish, na naging isang pang-agham na kaganapan. At syempre isa rin itong commercial enterprise. Mahal ito. Nangangailangan ito ng modernong konseptong pag-iisip mula sa mga curator. Nangangailangan ito ng paghahanda mula sa madla.

Marahil ang kahandaan ng aming madla para sa pagpupulong kay Serov ay ginampanan ang marangal na papel nito? Ang mga taong kilala ang "The Girl with Peaches" mula noong paaralan, ay sumugod sa Tretyakov Gallery para sa mga bagong impression?

Tila sa akin na ang kaguluhan sa mga huling araw ng eksibisyon ni Serov ay bahagyang sitwasyon. Magandang advertising, malamig na taglamig sa Moscow... Kung pinag-uusapan natin ang nilalaman ng eksibisyon... Sa palagay ko si Serov, na ipinakita sa Tretyakov Gallery, ay nagbibigay sa mga Ruso ng isang bagay na talagang kulang sa kanila ngayon. Binigyan niya siya ng larawan ng Russia, na nawala sa atin at kaaya-ayang ipagmalaki. Ang Russia na ito ay napaka-kahanga-hanga. Mayroong maraming mga larawan ng mga magagandang Romanov at hindi nila itinatanong kung bakit tinapos ni Serov ang kanyang relasyon sa pamilya Romanov. Para sa artistikong komunidad, si Serov ay isang stoically moral na tao, at kung gumawa siya ng isang tiyak na desisyon na idinidikta sa kanya ng kanyang moralidad, kung gayon hindi siya lilihis sa desisyong ito. Iilan sa mga madla ang nakaka-appreciate ng kakaiba at, tila, walang iba maliban kay Serov, ang may kakayahang ipakita ang kahanga-hangang imahe ng customer at kasabay nito ay ibabad ang imaheng ito ng ganoong kabalintunaan na sisirain nito ang mababaw na epekto. . Tingnan ang larawan ni Felix Yusupov na may isang bulldog. Kaninong portrait ito? Larawan ba ito ni Dorian Gray, ang batang dandy na papatay kay Rasputin? O ito ba ay isang sikolohikal na larawan ng isang pug na kamukha ni Winston Churchill? Ilang tao ang makakagawa nito. Si Serov sa eksibisyong iyon ay may kaunting mga taong Ruso at likas na Ruso, mayroong isang dinamikong klase ng merchant, mayroong isang masiglang intelihente - tingnan ang Yermolova, sa Gorky ...

Ito ang Russia na umalis at kung saan, sa ilalim ng brush ng Serov, ay lilitaw bilang isang napaka-kahanga-hangang bansa, na, siyempre, ito ay. Ngunit ang eksibisyon lamang ang hindi sumasagot sa tanong: ano ang nangyari sa Russia? Samantala, ang gawain ni Serov ay nagbigay ng ganoong sagot. Walang mga item na nauugnay sa 1905 sa eksibisyon. Walang gouache na "Mga Sundalo, matapang na bata ...", na isinulat batay sa mga personal na impression ng pagpapakalat ng demonstrasyon noong Enero 9, na pinanood niya mula sa mga bintana ng Academy of Arts, pagkatapos nito ay sinira niya ang mga relasyon sa kapwa ang akademya at ang pangulo nito, si Grand Duke Vladimir Alexandrovich, na direktang nauugnay sa Bloody Sunday. Inalis ng mga tagapangasiwa ng eksibisyon ang isang bagay na pangunahing mahalaga mula sa Serov. Ngunit ang pangkalahatang imahe ng Russia, na nagiging sanhi ng nostalgia, ang eksibisyon ay nagbigay. Higit sa lahat, nakita namin ang isang napakagandang painting. Sa ganitong kahulugan, ang tagumpay ay nararapat. Pero mauulit pa ba? Kung paulit-ulit, ito ay nangangahulugan na ang ating lipunan ay talagang nakaligtaan ang malakas na artistikong impresyon, at hindi lamang nagmumula sa kontemporaryong sining.

Ang mga taong Ruso ay nakaprograma pa rin noong ika-19 na siglo

At ang eksibisyon ni Frida Kahlo, na nakaligtas sa tatlong buwang pagkubkob ng mga manonood? Ito ba ay isang kababalaghan na katulad ng eksibisyon ni Serov?

Medyo iba si Frida Kahlo. Kung si Serov ay isang pintor mula sa Diyos, kung gayon si Frida Kahlo ay hindi isang pintor. Para sa kanya, ang mga brush at pintura ay isang paraan ng self-projection, pagtatanghal ng kanyang mga estado, complexes, pagdurusa. Dahil siya ay nasa konteksto ng surrealismo at primitivism, hindi siya maaaring magsulat at maging isang napaka-epektibong artista. Ngunit dito, tila sa akin, isang malaking papel ang ginampanan ng katotohanan na, salamat sa Hollywood cinema, siya ay isang pop star. At iba ang contingent sa kanyang eksibisyon. Bilang karagdagan sa mga pensiyonado ng St. Petersburg na pumunta sa lahat ng mahahalagang eksibisyon, mayroong isang malaking bilang ng mga tao na kumakatawan sa tinatawag na creative class. Ang mga tao na mahusay na nakaimpake, sa kondisyon, maaari silang dumating mula sa Moscow upang tingnan ang maliit na eksibisyon na ito, nagbabayad ng 500 rubles para sa pagpasok, at kung sino mismo ang nauunawaan kung paano ginawa ang imahe. Ang pagpapakita ng eksibisyon na ito ay isang mahusay na tagumpay ng Faberge Museum. Isa rin itong matalinong proyekto sa marketing. Kung panonoorin mo ang mga viral video na ipinamahagi ng Facebook, makikita mo kung sino ang eksaktong nag-advertise ng eksibisyon na ito, kung sino ang nagsabi kung aling larawan ang pinakagusto niya. Ang mga ito ay tiyak na mga taong media na ginagabayan ng creative class. Ang tagumpay ng eksibisyon ng Serov at ang tagumpay ng eksibisyon ng Frida ay may ibang kalikasan. Ngunit para sa akin, parehong kasiya-siya ang mga tagumpay na ito, dahil nagpapatotoo sila sa isang interes sa sining.

Ang interes na ito ay pinasigla, marahil, hindi lamang sa pamamagitan ng aesthetic na apela ng mga kuwadro na gawa ng Serov o Kahlo. Isa rin itong social phenomenon. Ano ang binubuo nito?

Ang Tretyakov Gallery ay isang well-visited museum. Ngunit sa kaso ni Serov, nagkaroon ng geometric na pagtaas sa mga pagbisita. Malinaw, mayroong isang pagkakataon ng ilang mga kadahilanan na natiyak ang tagumpay ng eksibisyon na ito. Una, ang kalidad ng mga bagay na ipinakita. Pangalawa, ang katotohanan na si Serov ay kilala sa lahat. Sigurado ako na ang parehong crowbar ay nasa Repin. Malamang para kay Aivazovsky at Shishkin. Wala kaming maraming mga artista na lumikha ng isang holistic na imahe. Kapag sinabi mong "serov girl", naiintindihan mo kung ano ang nakataya. Hindi ito para sa bawat artista. Mayroong isang pagkakataon ng aesthetic at panlipunang mga kadahilanan. Si Serov ay naaalala mula sa paaralan ng lahat ng henerasyon. Ang mga taong Ruso ay nakaprograma pa rin noong ika-19 na siglo. Kung hihilingin mo sa karaniwang tao na pangalanan ang sampung pinakamahusay na mga kuwadro na Ruso, pinaghihinalaan ko na walo sa sampung iyon ay ang Wanderers kasama sina Bryullov at Alexander Ivanov. Ang "Black Square" ay makakarating lamang doon dahil ito ay na-promote. Sa ganitong diwa, tayo ay isang napakakonserbatibong bansa pa rin. Kaya ang tagumpay ng naturang mga eksibisyon ay sinisiguro ng tradisyon. At kay Frida Kahlo, ito ay isang uri ng bagong tagumpay, ito ay isang tagumpay ng media.

Ang masa publiko ay isang multo

- Sino ang masa publiko? Ano ang mga pangangailangang panlipunan, aesthetic, ideolohikal nito?

Sa palagay ko ay walang mass audience. Lumilitaw ang publiko bilang isang pulutong sa eksibisyon ni Serov. Ngunit kung pinag-uusapan natin ang madla ng mga artistikong kaganapan, kung gayon ang madla na ito ay napaka heterogenous sa loob mismo.

- Kaya sa tingin mo na ang masa publiko bilang isang social monolith ay hindi umiiral?

Opo, ​​sa tingin ko. Iba ang audience. Nagiging mass ito nang eksakto kapag ipinakita nito ang sarili bilang isang madla. Iyon ay kapag nakikita natin ito. At kapag ang mga taong ito ay nakaupo sa TV, sumakay sa tram - hindi pa ito pampubliko. Mayroong isang kahanga-hangang libro ng American art critic na si Thomas Crow "The Artist and the Social Life of Paris in the 18th Century", isa sa mga pangunahing libro sa panlipunang kasaysayan ng sining, kung saan siya, sa partikular, ay sinusuri ang proseso ng pagbuo ng publiko bilang isang phenomenon. At lumalabas na ang mga manonood ay hindi lahat ng mga dumating sa eksibisyon o konsiyerto. Ang madla ay mga taong may sariling pangangailangan at inaasahan. Ang mga bisita sa eksibisyon ay namumuhunan sa mga kahilingan at inaasahan sa ito o sa artist na iyon, at hindi lamang dahil mahusay siyang gumuhit, ngunit dahil nakikita nila sa kanya ang sagisag ng kanilang moral, aesthetic at maging ang mga pananaw sa politika. At sa loob ng publiko ay may mga natatanging grupo. Ang mass public ay isang uri ng multo, ang bunga ng ating pagnanais na dalhin ang mga taong higit pa o hindi gaanong interesado sa sining sa ilang karaniwang denominador.

- At kanino nag-aapela ang kulturang masa? Hindi ba siya umaapela sa ilang kultural na komunidad?

Linawin natin ang pinag-uusapan natin. Pinag-uusapan ba natin ang tungkol sa isang madla na nakikita ang sining bilang isang bagay na naisalokal at may sobrang halaga? O tungkol sa madla na nakikinig sa mga pop star? Sa pangalawang kaso, tayo ay nakikitungo sa halip sa isang pang-ekonomiyang mekanismo na gumagana sa mga inaasahan ng mga tao, nakakatugon sa mga inaasahan na ito, na talagang kinakailangan. Kapag naganap ang urbanisasyon at nawala ang isang tao kung ano ang alamat, ang taong ito ay kailangang kumanta, sumayaw, kahit papaano ay i-broadcast ang kanyang mga karanasan. Pag-ibig, poot, paghihiwalay, ina, asawa, mga anak... Si Chanson ay tungkol dito, tungkol sa walang hanggan. At napakahusay na natutugunan ng kulturang masa ang mga pangangailangang ito. Ngunit kung pag-uusapan natin ang publiko na pumupunta sa mga eksibisyon, dito ay iba ang gradasyon. Dito natin hahatiin ang mga tao ayon sa kultura. Pinag-iisa ni Serov ang lahat, ngunit wala na si Malevich. Sa ganitong diwa, mas pabor ako sa paghahanap ng mga pagkakaiba kaysa sa pagkakapareho.

Ang Proletcult ay isang radikal na sagisag ng tradisyon ng Europa na ilapit ang sining sa karaniwang tao

Ang proletaryong islogan na "sining para sa masa" - hindi ba't sadyang utopian at mapagkunwari? Ano ang gawain ng Proletkult? Upang isali ang malawak na masa sa mataas na sining? Para gisingin ang artista sa proletaryong mismo?

Tulad ng anumang proyektong panlipunan, ang Proletkult ay nakatuon sa masa at talagang nagkaroon ng epekto sa kanila. Sa pamamagitan ng paraan, si Lenin, kung saan inilagay ni Clara Zetkin ang slogan na "Ang sining ay pag-aari ng mga tao", ay isang masugid na kaaway ng Proletkult. Ngunit hindi dahil sa walang habas na pinasimple ng Proletkult ang lahat at lahat, ngunit dahil nakita ng pinuno ng pandaigdigang proletaryado sa Proletkult ang panganib ng paglitaw ng isang alternatibong komunista - ngunit hindi Bolshevik - organisasyon sa ilalim ng kontrol ng pinuno nito na si Alexander Bogdanov. Ang mismong ideya ng "sining para sa masa" ay isang radikal na sagisag ng tradisyon ng Europa na ilapit ang sining sa karaniwang tao. Ang tradisyong ito ay nagmula noong ika-18 siglo, ito ay ipinatupad noong ika-19 na siglo. Alalahanin natin ang mga Belgian folk house na itinayo ni Van de Velde, ang pinakapinong master ng Art Nouveau. Isipin na si Fyodor Shekhtel ay magtatayo hindi lamang ng Ryabushinsky mansion, kundi pati na rin sa mga club ng manggagawa. Kamakailan, si Giles Waterfield, isang English na espesyalista sa kasaysayan ng mga museo, ay nagbigay ng panayam sa aming unibersidad tungkol sa mga museo sa Ingles noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Lumalabas na sa Liverpool, Manchester, sa mga kakila-kilabot na lungsod ng pabrika, batay sa karanasan kung saan isinulat ni Engels ang sitwasyon ng uring manggagawa sa Inglatera, ang mga piling tao mismo ay nagsimulang mag-chip in, magtayo ng mga magagandang gusali at bumili ng mga pintura para sa kanila. Ang mga gusaling ito ay inilaan halos pangunahin para sa mga manggagawa.

Ang sining ay nabibilang sa mga handang makipag-usap dito. Sa mga taong nangangailangan ng sining, anuman ang kahulugan nito

Lumikha sila ng mga museo ng lungsod, na nakasalalay sa lungsod, ngunit mas madalas - mga sponsor, at partikular na nakatuon sa publiko. Ang lahat ng ito ay naimbento ng mga negosyanteng Ingles. Bumili sila ng pang-edukasyon na sining. Ang mga kuwadro na nakuha nila ay naglalarawan ng mga eksenang sentimental at moralistiko: kung paano dapat kumilos, kung paano mamuhay; pambansang tanawin, ilang bagay na nagliligtas ng kaluluwa... Ito ay isang magandang sosyal na holiday. O kunin ang Germany noong panahon ng Bismarck, nang ang isa sa pinakasikat na magasin, Art for All, ay nai-publish doon. Hindi ko akalain na ang mga manonood ng magasing ito ay may kasamang malaking bilang ng uring manggagawa, ngunit ang petiburgesya, artisan, guro, intelektwal, ay tiyak na mga mambabasa ng magasing ito. Isa itong mass magazine na may napakaseryosong programa. At ang mga Bolsheviks, kasunod ng pamumuno ng kanilang ideolohiya, ay pinasimple ang problema ng pagiging pamilyar sa mga tao sa sining, na matagal nang nakatayo, at hindi lamang sa Russia. Ang mga Bolshevik, sa pangkalahatan, ay sineseryoso ang sining dahil natatakot sila dito. At si Bogdanov, ang ideologist ng Proletkult, noong 1918 ay hayagang isinulat na ang proletaryong bumisita sa kaban ng sining ng nakaraan ay walang pagtatanggol laban sa kagandahan nito at literal na nahawahan nito. Naniniwala ang mga proletaryado na sa pagtingin sa kapitalistang sining, maaari kang mapuno ng kapitalistang ideolohiya. Kahit na tila kakaiba, kabilang sila sa tradisyon ng Hegelian ng pag-unawa sa sining bilang sagisag ng diwa ng isang bansa, na sa parehong oras ay may kakayahang direktang maimpluwensyahan ang kaisipan nito. Ang mga Bolshevik, siyempre, ay mapagkunwari nang sabihin nila na ang sining ay pag-aari ng mga tao. Pangunahing sinikap nilang manipulahin ang kamalayan, at hindi gawing pamilyar ang proletaryado sa sining. Ang sosyalistang realismo ay nagsilbi sa parehong layunin.

- Paano naiiba ang kulturang masa ngayon ng Russia, sa iyong opinyon, sa kultura ng masa ng huling USSR?

Sa isang tiyak na lawak, wala. Ang parehong mga mukha - Pugacheva, Kobzon ... Kultura ng masa - ito ay isang brutal na mundo. Ang mundo ng mga kumplikadong relasyon. Ngunit sa ating bansa ito ay sa paanuman napaka-napangalagaan. Bagama't perpektong ito ay isang pag-ikot, ito ay isang pakikibaka, ito ay isang gulong ng kapalaran. Ngayon nasa taas ka, bukas ay itatapon ka. Upang manatili, kailangan mong subukang maging una. Ang huwarang industriya sa ganitong kahulugan ay ang Kanluranin. At kami, sa tingin ko, ay kulang sa mga sariwang mukha at ideya. O hindi sila nakakakuha ng access sa talagang pangkalahatang publiko. Ngunit sa mga antas ng kulturang masa na walang access sa pederal na telebisyon, sigurado ako na mayroong kinakailangang pagkakaiba-iba at pagpapanibago.

Ang sining ay sinadya upang madama, hindi maunawaan.

Ano ang elite art? O ang tunay na sining ay likas na elitista? Ang hindi elitista ay hindi sining, ngunit kulturang masa?

Mayroong katulad na mga diskarte sa sining sa lahat ng oras. Pero, sa totoo lang, wala akong masyadong nakikitang drama sa paghaharap ng elite at mass art. Karamihan sa mga dakilang masters, halimbawa, noong ika-17 siglo, ay nakaranas ng tagumpay sa kanilang buhay - kinilala sila ng mga piling tao. At kung hindi sila patok sa "tao sa kalye", ito ay dahil nasiyahan ang masa sa ibang sining - alinman sa alamat o pagpipinta sa templo.

- Hindi ba ibinibigay sa lahat na maunawaan at pahalagahan ang mataas na sining? Ito ba ang pulutong ng mga edukado, nag-iisip na mga tao?

May mga pagkakataon na mahirap maunawaan nang sapat ang ilang bagay. Ang parehong Renaissance, halimbawa. Siyamnapu't siyam na porsyento ng mga kontemporaryo ay hindi naiintindihan ang mahusay na ukit ni Durer na "Melancholia-I". Ito ay isang kumplikadong intelektuwal na pahayag, para sa isang sapat na pag-unawa kung saan ang isang tao ay kailangang magkaroon ng isang buong hanay ng kaalaman, kabilang ang okultong pilosopiya. Ang ganitong mga bagay ay laging hinahasa para sa isang naliwanagang madla. Iginigiit ng lahat ng mga treatise noong ika-labing pitong siglo na ang katalinuhan ay kailangan upang maunawaan ang sining. At sa simula lamang ng ika-18 siglo, sa akda ni Abbé Dubos, lumilitaw ang ideya na ang sining ay nakakaakit sa pakiramdam at dapat na maramdaman sa pamamagitan ng pakiramdam. At ngayon nabubuhay tayo na may pananalig na ang sining ay dapat madama, hindi maunawaan.

Kung hihilingin mo sa karaniwang tao na pangalanan ang sampung pinakamahusay na mga kuwadro na Ruso, pinaghihinalaan ko na walo sa sampung iyon ay ang Wanderers kasama sina Bryullov at Alexander Ivanov. Ang "Black Square" ay makakarating lamang doon dahil ito ay na-promote

Kailangan bang palawakin ng mga kinatawan ng mataas na sining ang kanilang madla? O makuntento ba sila sa atensyong ibinibigay sa kanila ng mga tunay na connoisseurs, connoisseurs?

Walang artista na hindi naghahangad para sa pangkalahatang tagumpay.

- Ngunit ang isang symphony orchestra ay hindi maaaring mangolekta ng mga stadium.

Siguro. Hindi lang ako sigurado na magkakaroon ng magandang tunog. Glyndebourne Opera Festival, mga konsiyerto ng symphony sa damuhan sa Central Park ng New York... Ito ay isang pagtatanghal, ito ay isang sosyal na kaganapan. Ang mga tao ay pumupunta upang makinig sa Mozart, Beethoven... Ito ay mahusay.

Bakit hindi dapat bumili ang isang middle-class na tao ng print ng isang ukit mula sa isang artist?

Ang sining ba ay pag-aari lamang ng mga tao hanggang sa ito ay isang kalakal? At kapag binili lamang ng mga tao ang produktong ito?

Hindi, ang mga tao ay hindi sapat na may kakayahang makabili ng sining. Ang sining sa pangkalahatan ay isang mamahaling kasiyahan.

- Ibig kong sabihin ay bumili ng entrance ticket, hindi paintings ni Durer o Gauguin.

Mayroong isang malaking bilang ng mga artista na hindi binebenta sa mga gallery. Ngunit nais kong sabihin hindi tungkol sa mga tiket sa eksibisyon, ngunit tungkol sa katotohanan na hindi pa kami nakalikha ng isang kultura ng direktang pagkonsumo ng sining, kapag makakahanap ka ng isang artist na gusto mo at bumili ng ilang pagpipinta mula sa kanya. Walang gitnang link sa pagitan ng mga bumibili ng tiket at kumonsumo ng sining sa simbolikong paraan at sa mga bumibili ng Chagall o Picasso sa mga auction. Bagama't bakit hindi dapat bumili ng ukit o canvas ang isang middle-class na tao mula sa isang artista? Pagkatapos ng lahat, maaari mong bilhin ang tunay na bagay. Ang ukit sa animnapung kopya ay gawa ng may-akda. Manonood ka at magagalak, bubuo ng pang-araw-araw, ganap na personal na pag-uusap sa isang bagay na pag-aari mo at patuloy na naroroon sa iyong tahanan. Tungkol naman sa affordability ng mga museo... Sa tingin ko, hindi naman sakuna ang sitwasyon dito. Kahit na ang mga museo ay kailangang pana-panahong ayusin ang "mga bukas na araw" para sa mga pensiyonado - at ito ay ganap na kinakailangan sa aming mga kondisyon.

Ang sining na walang mamimili ay hindi umiiral

- Kaya sino ba talaga ang nagmamay-ari ng sining? Baka ang artista mismo at wala ng iba?

Isipin natin ang isang pabaya na artista na gumagawa ng mga painting, hindi kailanman nagbebenta ng mga ito sa sinuman, at hindi kailanman nagpapakita ng mga ito. Ito ang plot para sa isang horror movie.

- Hindi maaaring umiral ang sining kung walang mamimili?

tiyak. Lalo na dahil ang sining ay may maraming mga pag-andar. Ngayon na kami ay sumang-ayon sa ideya na ang sining ay pangunahing natutugunan ang mga pangangailangan sa aesthetic. At bago iyon, sa loob ng maraming siglo ay namuhay sila sa pag-unawa na ang sining ay nagsisilbi sa simbahan, itinataas ang soberanya, bumubuo ng mga pilosopikal na pahayag, naglalarawan ng mga akdang pampanitikan o mga ulat ng manlalakbay. Ang tanong ay "ito ba ay isang sining o isang bapor?" ay laging umiral. At ito ay nalutas sa iba't ibang paraan sa iba't ibang panahon. Halimbawa, sa panahon ni Leonardo, pinagtatalunan nila kung alin ang mas mahusay - iskultura o pagpipinta, alin ang mas mataas - ang craft ng isang pintor o isang mag-aalahas? Ang mga hindi pagkakaunawaan sa markang ito ay napakaseryoso.

Hindi pumayag sina Benvenuto Cellini at Leonardo da Vinci. At nakikitungo na tayo sa mga resulta ng mga pagtatalo na ito, at ang ating panahon ay may sariling mga intelektwal na labanan. Ngunit sa anumang kaso, ang sining na walang mamimili ay hindi umiiral.

- At sa ganitong diwa, ang sining ay pag-aari ng mga tao?

Ang sining ay nabibilang sa mga handang makipag-usap dito. Sa mga may pangangailangan para sa sining, gaano man ito tinukoy. Kung magagawa mong magbago sa loob, makakatulong sa iyo ang sining dito.

Business card

Si Ilya Doronchenkov ay isang researcher ng Western European at Russian art, Dean ng Faculty of Art History sa European University sa St. Petersburg. Isang regular na panauhin ng programa sa TV na "Mga Panuntunan ng Buhay" sa channel na "Kultura", isang lektor sa portal ng edukasyon na "Arzamas".

Nagtapos mula sa Institute of Painting, Sculpture and Architecture. I.E. Repin. Espesyalisasyon - dayuhang sining ng siglong XIX; kasaysayan ng kasaysayan ng sining at pagpuna sa sining; pang-unawa ng dayuhang sining sa Russia. Pangunahing interes sa pananaliksik: ang pang-unawa ng dayuhang sining sa Russia (ang ikalawang kalahati ng ika-19 - ang unang kalahati ng ika-20 siglo), ang kasaysayan ng panitikan sa sining, ang artistikong kamalayan ng paglipat ng Russia, sining at panitikang Ruso.

"Ang pag-usbong ng museo, na medyo humina laban sa backdrop ng krisis sa ekonomiya, gayunpaman ay nangyayari sa mga bansang Kanluranin sa loob ng ilang dekada. Kung gagabayan tayo sa hinaharap ng gayong kultural at pang-ekonomiyang modelo, kung gayon, sa palagay ko, tayo ay dapat pangalagaan ang pagpaparami ng klase ng mga nagdadala ng mga kahulugan, kung kanino at ang mga intelihente, kabilang ang mga istoryador ng sining," naniniwala si Ilya Doronchenkov.