Mga painting sa isang romantikong istilo. II
Ang romantikismo bilang isang kalakaran sa pagpipinta ay nabuo sa Kanlurang Europa sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Naabot ng romantikismo ang rurok nito sa sining ng karamihan sa mga bansa sa Kanlurang Europa noong 1920s at 1930s. ika-19 na siglo.
Ang terminong "romanticism" mismo ay nagmula sa salitang "nobela" (noong ika-17 siglo, ang mga akdang pampanitikan na isinulat hindi sa Latin, ngunit sa mga wikang nagmula rito - Pranses, Ingles, atbp.) ay tinawag na mga nobela. Nang maglaon, ang lahat ng hindi maintindihan at mahiwaga ay nagsimulang tawaging romantiko.
Bilang isang kultural na kababalaghan, ang romantikismo ay nabuo mula sa isang espesyal na pananaw sa mundo na nabuo ng mga resulta ng Rebolusyong Pranses. Nabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, ang Romantics, na nagsusumikap para sa pagkakaisa at integridad, ay lumikha ng mga bagong aesthetic ideals at artistikong mga halaga. Ang pangunahing bagay ng kanilang atensyon ay ang mga natatanging karakter sa lahat ng kanilang mga karanasan at pagnanais para sa kalayaan. Ang bayani ng mga romantikong gawa ay isang pambihirang tao na, sa pamamagitan ng kalooban ng kapalaran, ay natagpuan ang kanyang sarili sa mahirap na mga kalagayan sa buhay.
Bagama't umusbong ang romantisismo bilang protesta laban sa sining ng klasisismo, sa maraming paraan ay malapit ito sa huli. Ang mga romantiko ay bahagyang kinatawan ng klasisismo bilang N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.
Ang mga romantika ay ipinakilala sa pagpipinta ng mga orihinal na pambansang tampok, iyon ay, isang bagay na kulang sa sining ng mga klasiko.
Ang pinakamalaking kinatawan ng French romanticism ay si T. Gericault.
Theodore Géricault
Si Theodore Gericault, ang mahusay na pintor ng Pransya, iskultor at graphic artist, ay isinilang noong 1791 sa Rouen sa isang mayamang pamilya. Ang talento ng artista ay nagpakita ng sarili sa kanya nang maaga. Kadalasan, sa halip na pumasok sa mga klase sa paaralan, si Géricault ay nakaupo sa kuwadra at gumuhit ng mga kabayo. Kahit na noon, hinahangad niyang hindi lamang ilipat ang mga panlabas na katangian ng mga hayop sa papel, kundi upang maihatid din ang kanilang init ng ulo at pagkatao.
Pagkatapos ng pagtatapos mula sa Lyceum noong 1808, si Géricault ay naging estudyante ng sikat na pintor noon na si Carl Vernet, na sikat sa kanyang kakayahang maglarawan ng mga kabayo sa canvas. Gayunpaman, hindi nagustuhan ng batang artista ang istilo ni Vernet. Di-nagtagal, umalis siya sa workshop at pumunta sa pag-aaral sa isa pa, hindi gaanong mahuhusay na pintor kaysa kay Vernet, P. N. Guerin. Habang nag-aaral sa dalawang sikat na artista, gayunpaman ay hindi ipinagpatuloy ni Gericault ang kanilang mga tradisyon sa pagpipinta. Si J. A. Gros at J. L. David ay malamang na ituring na kanyang mga tunay na guro.
Ang mga unang gawa ni Gericault ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay malapit sa buhay hangga't maaari. Ang ganitong mga pagpipinta ay hindi pangkaraniwang nagpapahayag at nakakaawa. Ipinakita nila ang masigasig na kalooban ng may-akda kapag tinatasa ang mundo sa paligid niya. Ang isang halimbawa ay isang painting na tinatawag na "Officer of the Imperial Horse Rangers during an Attack", na nilikha noong 1812. Ang canvas na ito ay unang nakita ng mga bisita sa Paris Salon. Tinanggap nila ang gawain ng batang artista nang may paghanga, pinahahalagahan ang talento ng batang master.
Ang gawain ay nilikha noong panahong iyon ng kasaysayan ng Pransya, nang si Napoleon ay nasa tugatog ng kanyang kaluwalhatian. Iniidolo siya ng mga kontemporaryo, ang dakilang emperador, na nagawang masakop ang karamihan sa Europa. Ito ay may ganoong mood, sa ilalim ng impresyon ng mga tagumpay ng hukbo ni Napoleon, na ang larawan ay pininturahan. Makikita sa canvas ang isang sundalong tumatakbong nakasakay sa kabayo. Bakas sa kanyang mukha ang determinasyon, tapang at walang takot sa harap ng kamatayan. Buong komposisyon
kakaibang dinamiko at emosyonal. Nararamdaman ng manonood na siya mismo ay nagiging isang tunay na kalahok sa mga kaganapang inilalarawan sa canvas.
Ang pigura ng isang matapang na sundalo ay lilitaw nang higit sa isang beses sa gawain ng Géricault. Kabilang sa mga naturang imahe, ang partikular na interes ay ang mga bayani ng mga kuwadro na "Opisyal ng Carabinieri", "Opisyal ng Cuirassier bago ang pag-atake", "Portrait of a Carabinieri", "Wounded Cuirassier", na nilikha noong 1812-1814. Ang huling gawain ay kapansin-pansin dahil ipinakita ito sa susunod na eksibisyon na ginanap sa Salon sa parehong taon. Gayunpaman, hindi ito ang pangunahing bentahe ng komposisyon. Higit sa lahat, ipinakita nito ang mga pagbabagong naganap sa malikhaing istilo ng artista. Kung ang taimtim na damdaming makabayan ay makikita sa kanyang mga unang canvases, kung gayon sa mga gawa na itinayo noong 1814, ang mga kalunos-lunos sa paglalarawan ng mga bayani ay pinalitan ng drama.
Ang isang katulad na pagbabago sa mood ng artist ay muling nauugnay sa mga kaganapan na nagaganap sa oras na iyon sa France. Noong 1812, si Napoleon ay natalo sa Russia, na may kaugnayan kung saan siya, na dating isang napakatalino na bayani, ay nakakuha mula sa kanyang mga kontemporaryo ng kaluwalhatian ng isang hindi matagumpay na pinuno ng militar at isang mapagmataas na mapagmataas na tao. Ipinakita ni Géricault ang kanyang pagkabigo sa perpekto sa pagpipinta na "The Wounded Cuirassier". Ang canvas ay naglalarawan ng isang sugatang mandirigma na sinusubukang umalis sa larangan ng digmaan sa lalong madaling panahon. Sumandal siya sa isang sable - isang sandata na, marahil, ilang minuto pa lang ang nakalipas ay hawak niya, itinataas ito.
Ang kawalang-kasiyahan ni Géricault sa patakaran ni Napoleon ang nagdikta sa kanyang pagpasok sa serbisyo ni Louis XVIII, na kinuha ang trono ng Pransya noong 1814. Ang katotohanan na pagkatapos ng ikalawang pag-agaw ng kapangyarihan sa France ni Napoleon (ang panahon ng Daang Araw) ang batang artista ay umalis sa kanyang katutubong bansa kasama ang mga Bourbon. Ngunit narito rin ang pagkabigo na naghihintay sa kanya. Ang binata ay hindi mahinahong panoorin kung paano sinisira ng hari ang lahat ng nakamit sa panahon ng paghahari ni Napoleon. Bilang karagdagan, sa ilalim ng Louis XVIII ay nagkaroon ng pagtindi ng pyudal-Katoliko na reaksyon, ang bansa ay gumulong pabalik nang mas mabilis at mas mabilis, bumalik sa lumang sistema ng estado. Hindi ito maaaring tanggapin ng isang bata, progresibong pag-iisip na tao. Sa lalong madaling panahon, ang binata, na nawalan ng pananampalataya sa kanyang mga mithiin, ay umalis sa hukbo na pinamumunuan ni Louis XVIII, at muling kumuha ng mga brush at pintura. Ang mga taong ito ay hindi matatawag na maliwanag at anumang bagay na kapansin-pansin sa gawa ng artista.
Noong 1816, nagpunta si Gericault sa Italya. Ang pagbisita sa Roma at Florence at pag-aralan ang mga obra maestra ng mga sikat na masters, ang artist ay mahilig sa monumental na pagpipinta. Ang mga fresco ni Michelangelo, na pinalamutian ang Sistine Chapel, ay lalo na nakaagaw ng kanyang pansin. Sa oras na ito, ang mga gawa ay nilikha ni Géricault, sa kanilang sukat at kamahalan, sa maraming aspeto na nakapagpapaalaala sa mga canvases ng mga pintor ng High Renaissance. Kabilang sa mga ito, ang pinaka-interesante ay ang "The Abduction of the Nymph by the Centaur" at "The Man Throwing the Bull."
Ang parehong mga tampok ng paraan ng mga lumang masters ay makikita din sa pagpipinta na "Running of free horses in Rome", na isinulat noong 1817 at kumakatawan sa mga kumpetisyon ng mga mangangabayo sa isa sa mga karnabal na nagaganap sa Roma. Ang isang tampok ng komposisyon na ito ay na ito ay pinagsama ng artist mula sa dati nang ginawang natural na mga guhit. Bukod dito, ang likas na katangian ng mga sketch ay kapansin-pansing naiiba sa estilo ng buong trabaho. Kung ang una ay mga eksena na naglalarawan sa buhay ng mga Romano - ang mga kontemporaryo ng artista, kung gayon sa pangkalahatang komposisyon ay may mga larawan ng matapang na sinaunang bayani, na parang lumabas sila sa mga sinaunang salaysay. Dito, sinusunod ni Gericault ang landas ni J. L. David, na, upang maibigay ang imahe ng mga heroic pathos, binihisan ang kanyang mga bayani sa mga sinaunang anyo.
Di-nagtagal pagkatapos ng pagpipinta ng larawang ito, bumalik si Gericault sa France, kung saan siya ay naging miyembro ng bilog ng oposisyon na nabuo sa paligid ng pintor na si Horace Vernet. Pagdating sa Paris, ang artist ay lalo na interesado sa mga graphics. Noong 1818, lumikha siya ng isang serye ng mga lithograph sa isang tema ng militar, kung saan ang pinakamahalaga ay "Bumalik mula sa Russia". Ang lithograph ay kumakatawan sa mga natalong sundalo ng hukbong Pranses na gumagala sa isang bukid na nababalutan ng niyebe. Ang mga pigura ng mga taong lumpo at pagod na sa digmaan ay inilalarawan sa isang parang buhay at makatotohanang paraan. Walang kalunos-lunos at kabayanihan sa komposisyon, na karaniwan sa mga unang gawa ni Gericault. Ang artista ay naglalayong ipakita ang totoong kalagayan ng mga bagay, ang lahat ng mga sakuna na ang mga sundalong Pranses na inabandona ng kanilang kumander ay kailangang magtiis sa isang banyagang lupain.
Sa akdang "Bumalik mula sa Russia" sa unang pagkakataon ay narinig ang tema ng pakikibaka ng tao sa kamatayan. Gayunpaman, dito ang motibong ito ay hindi pa ipinahayag nang malinaw tulad ng sa mga huling gawa ng Géricault. Ang isang halimbawa ng naturang mga canvases ay maaaring isang pagpipinta na tinatawag na "The Raft of the Medusa". Ito ay isinulat noong 1819 at ipinakita sa Paris Salon sa parehong taon. Inilalarawan ng canvas ang mga taong nakikibaka sa nagngangalit na elemento ng tubig. Ipinapakita ng artista hindi lamang ang kanilang pagdurusa at pagdurusa, kundi pati na rin ang pagnanais na lumitaw na matagumpay sa paglaban sa kamatayan sa lahat ng mga gastos.
Ang balangkas ng komposisyon ay idinidikta ng isang kaganapan na naganap noong tag-araw ng 1816 at nasasabik sa buong France. Ang sikat noon na frigate na "Medusa" ay bumangga sa mga bahura at lumubog sa baybayin ng Africa. Sa 149 na tao na nakasakay sa barko, 15 lamang ang nakatakas, kabilang dito ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correard. Pagdating sa kanilang sariling bayan, naglathala sila ng isang maliit na libro na nagsasabi tungkol sa kanilang mga pakikipagsapalaran at masayang pagliligtas. Mula sa mga alaalang ito nalaman ng mga Pranses na ang kasawian ay nangyari sa pamamagitan ng kasalanan ng walang karanasan na kapitan ng barko, na nakasakay salamat sa pagtangkilik ng isang marangal na kaibigan.
Ang mga imahe na nilikha ng Gericault ay hindi pangkaraniwang dynamic, plastik at nagpapahayag, na nakamit ng artist sa pamamagitan ng mahaba at maingat na trabaho. Upang tunay na mailarawan ang kakila-kilabot na mga kaganapan sa canvas, upang maihatid ang damdamin ng mga taong namamatay sa dagat, nakipagkita ang artista sa mga nakasaksi ng trahedya, sa mahabang panahon ay pinag-aralan niya ang mga mukha ng mga payat na pasyente na ginagamot sa isa sa mga ospital. sa Paris, gayundin ang mga mandaragat na nagawang makatakas mula sa mga pagkawasak ng barko. Sa oras na ito, ang pintor ay lumikha ng isang malaking bilang ng mga gawa sa portrait.
Ang rumaragasang dagat ay puno rin ng malalim na kahulugan, na para bang sinusubukang lunukin ang isang marupok na balsang kahoy kasama ng mga tao. Ang larawang ito ay hindi karaniwang nagpapahayag at dynamic. Ito, tulad ng mga pigura ng mga tao, ay iginuhit mula sa kalikasan: ang artista ay gumawa ng ilang mga sketch na naglalarawan sa dagat sa panahon ng isang bagyo. Gumagawa sa isang monumental na komposisyon, paulit-ulit na bumaling si Gericault sa mga naunang inihandang sketch upang ganap na maipakita ang likas na katangian ng mga elemento. Iyon ang dahilan kung bakit ang larawan ay gumagawa ng malaking impresyon sa manonood, nakumbinsi siya sa pagiging totoo at katotohanan ng nangyayari.
Ang "The Raft of the Medusa" ay nagtatanghal ng Géricault bilang isang kahanga-hangang master ng komposisyon. Sa loob ng mahabang panahon, naisip ng artist kung paano ayusin ang mga figure sa larawan upang lubos na maipahayag ang intensyon ng may-akda. Maraming mga pagbabago ang ginawa sa panahon ng trabaho. Ang mga sketch na nauuna sa pagpipinta ay nagpapahiwatig na sa una ay nais ni Gericault na ilarawan ang pakikibaka ng mga tao sa balsa sa bawat isa, ngunit kalaunan ay inabandona ang gayong interpretasyon ng kaganapan. Sa huling bersyon, kinakatawan ng canvas ang sandali kung kailan nakita ng mga desperado na ang barkong Argus sa abot-tanaw at iniunat ang kanilang mga kamay dito. Ang huling karagdagan sa larawan ay ang pigura ng tao na nakalagay sa ibaba, sa kanang bahagi ng canvas. Siya ang huling ugnay ng komposisyon, na pagkatapos nito ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na karakter. Kapansin-pansin na ang pagbabagong ito ay ginawa nang ang pagpipinta ay naka-display na sa Salon.
Dahil sa monumentalidad nito at tumaas na emosyonalidad, ang pagpipinta ni Gericault sa maraming paraan ay nakapagpapaalaala sa gawa ng mga master ng High Renaissance (karamihan ay The Last Judgment ni Michelangelo), na nakilala ng pintor habang naglalakbay sa Italya.
Ang pagpipinta na "The Raft of the Medusa", na naging isang obra maestra ng French painting, ay isang malaking tagumpay sa mga bilog ng oposisyon, na nakita ito bilang salamin ng mga rebolusyonaryong mithiin. Para sa parehong mga kadahilanan, ang gawain ay hindi tinanggap sa mga pinakamataas na maharlika at opisyal na kinatawan ng sining ng France. Iyon ang dahilan kung bakit sa oras na iyon ang canvas ay hindi binili ng estado mula sa may-akda.
Nabigo sa pagtanggap na ibinigay sa kanyang nilikha sa bahay, pumunta si Gericault sa England, kung saan ipinakita niya ang kanyang paboritong trabaho sa korte ng British. Sa London, natanggap ng mga art connoisseurs ang sikat na canvas na may malaking sigasig.
Lumapit si Gericault sa mga artistang Ingles, na nanalo sa kanya sa pamamagitan ng kanilang kakayahang tapat at totoo na ilarawan ang katotohanan. Ang Géricault ay naglalaan ng isang siklo ng mga lithograph sa buhay at buhay ng kabisera ng England, kung saan ang mga akdang pinamagatang "The Great English Suite" (1821) at "The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery" (1821) ay mula sa pinakamalaking interes. Sa huli, inilarawan ng artist ang isang London tramp, na sumasalamin sa mga impression na natanggap ng pintor sa proseso ng pag-aaral ng buhay ng mga tao sa mga nagtatrabaho-class quarters ng lungsod.
Kasama sa parehong siklo ang mga lithograph tulad ng "The Flanders Smith" at "At the Gates of the Adelphin Shipyard", na nagpapakita sa manonood ng larawan ng buhay ng mga ordinaryong tao sa London. Ang interes sa mga gawang ito ay mga larawan ng mga kabayo, mabigat at sobra sa timbang. Ang mga ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga matikas at magagandang hayop na ipininta ng ibang mga artista - mga kapanahon ng Géricault.
Ang pagiging nasa kabisera ng Inglatera, si Gericault ay nakikibahagi sa paglikha ng hindi lamang mga lithograph, kundi pati na rin ang mga pagpipinta. Ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansin na mga gawa ng panahong ito ay ang canvas na "Race at Epsom", na nilikha noong 1821. Sa larawan, inilalarawan ng artist ang mga kabayo na nagmamadali nang buong bilis, at ang kanilang mga binti ay hindi nakadikit sa lupa. Ang tusong pamamaraan na ito (pinatunayan ng litrato na ang mga kabayo ay hindi maaaring magkaroon ng ganoong posisyon ng mga binti sa panahon ng pagtakbo, ito ang pantasiya ng artist) ay ginagamit ng master upang bigyan ang komposisyon ng dinamismo, upang bigyan ang manonood ng impresyon ng mabilis na kidlat. paggalaw ng mga kabayo. Ang pakiramdam na ito ay pinahusay ng tumpak na paglipat ng plasticity (pose, kilos) ng mga pigura ng tao, pati na rin ang paggamit ng maliwanag at mayaman na mga kumbinasyon ng kulay (pula, bay, puting kabayo; malalim na asul, madilim na pula, puti-asul at ginintuang- dilaw na jacket ng mga hinete) .
Ang tema ng karera ng kabayo, na matagal nang nakakaakit ng atensyon ng pintor sa pamamagitan ng espesyal na pagpapahayag nito, ay inulit nang higit sa isang beses sa mga gawa na nilikha ni Géricault pagkatapos ng pagkumpleto ng trabaho sa Horse Racing sa Epsom.
Noong 1822 ang artista ay umalis sa Inglatera at bumalik sa kanyang katutubong France. Dito siya ay nakikibahagi sa paglikha ng mga malalaking canvases, katulad ng mga gawa ng mga masters ng Renaissance. Kabilang sa mga ito ang "Negro trade", "Pagbukas ng mga pinto ng bilangguan ng Inquisition sa Espanya". Ang mga kuwadro na ito ay nanatiling hindi natapos - ang kamatayan ay humadlang kay Gericault na makumpleto ang gawain.
Ang partikular na interes ay ang mga portrait, ang paglikha ng kung saan ang mga art historian ay nauugnay sa panahon mula 1822 hanggang 1823. Ang kasaysayan ng kanilang pagsulat ay nararapat na espesyal na pansin. Ang katotohanan ay ang mga larawang ito ay kinomisyon ng isang kaibigan ng artista, na nagtrabaho bilang isang psychiatrist sa isang klinika sa Paris. Sila ay dapat na maging isang uri ng mga ilustrasyon na nagpapakita ng iba't ibang mga sakit sa pag-iisip ng isang tao. Kaya ang mga portrait na "Crazy old woman", "Crazy", "Crazy, imagining himself a commander" ay pininturahan. Para sa master ng pagpipinta, hindi gaanong mahalaga na ipakita ang mga panlabas na palatandaan at sintomas ng sakit, ngunit upang maihatid ang panloob, mental na kalagayan ng isang taong may sakit. Ang mga trahedya na larawan ng mga tao ay lumilitaw sa mga canvases sa harap ng manonood, na ang mga mata ay puno ng sakit at kalungkutan.
Kabilang sa mga larawan ng Géricault, ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng isang larawan ng isang Negro, na kasalukuyang nasa koleksyon ng Rouen Museum. Ang isang determinado at malakas ang kalooban na tao ay tumitingin sa manonood mula sa canvas, handang lumaban hanggang sa wakas na may mga pwersang pagalit sa kanya. Ang imahe ay hindi pangkaraniwang maliwanag, emosyonal at nagpapahayag. Ang lalaki sa larawang ito ay halos kapareho sa mga malalakas na bayani na ipinakita ni Gericault sa malalaking komposisyon (halimbawa, sa canvas na "The Raft of the Medusa").
Si Gericault ay hindi lamang isang master ng pagpipinta, kundi isang mahusay na iskultor. Ang kanyang mga gawa sa ganitong anyo ng sining sa simula ng ika-19 na siglo ay ang mga unang halimbawa ng mga romantikong eskultura. Kabilang sa mga naturang gawa, ang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na komposisyon na "Nymph at Satyr" ay partikular na interes. Ang mga imaheng nagyelo sa paggalaw ay tumpak na naghahatid ng kaplastikan ng katawan ng tao.
Malungkot na namatay si Théodore Gericault noong 1824 sa Paris, na bumagsak sa pagkahulog mula sa isang kabayo. Ang kanyang maagang pagkamatay ay isang sorpresa sa lahat ng mga kontemporaryo ng sikat na artista.
Ang gawain ng Gericault ay minarkahan ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng pagpipinta hindi lamang sa Pransya, kundi pati na rin sa sining ng mundo - ang panahon ng romantikismo. Sa kanyang mga gawa, napagtagumpayan ng master ang impluwensya ng mga klasikal na tradisyon. Ang kanyang mga gawa ay hindi pangkaraniwang makulay at sumasalamin sa pagkakaiba-iba ng natural na mundo. Sa pamamagitan ng pagpapakilala ng mga pigura ng tao sa komposisyon, ang artist ay nagsusumikap na ipakita ang panloob na damdamin at emosyon ng isang tao nang buo at malinaw hangga't maaari.
Pagkatapos ng kamatayan ni Gericault, ang mga tradisyon ng kanyang romantikong sining ay kinuha ng nakababatang kontemporaryo ng artist, si E. Delacroix.
Eugene Delacroix
Si Ferdinand Victor Eugene Delacroix, ang sikat na Pranses na artista at graphic artist, ang kahalili ng mga tradisyon ng romantikismo na binuo sa gawain ni Géricault, ay isinilang noong 1798. Nang hindi nagtapos sa Imperial Lyceum, noong 1815 ay nagpunta si Delacroix upang mag-aral kasama ang sikat na master. Guerin. Gayunpaman, ang mga masining na pamamaraan ng batang pintor ay hindi nakakatugon sa mga kinakailangan ng guro, kaya pagkatapos ng pitong taon ay iniwan siya ng binata.
Sa pag-aaral kasama si Guerin, naglalaan si Delacroix ng maraming oras sa pag-aaral ng gawain ni David at ng mga masters ng pagpipinta ng Renaissance. Isinasaalang-alang niya ang kultura ng unang panahon, ang mga tradisyon kung saan sinunod din ni David, na pangunahing para sa pag-unlad ng sining ng mundo. Samakatuwid, ang mga aesthetic ideals para kay Delacroix ay ang mga gawa ng mga makata at palaisip ng sinaunang Greece, kasama ng mga ito ang artist lalo na pinahahalagahan ang mga gawa ni Homer, Horace at Marcus Aurelius.
Ang mga unang gawa ni Delacroix ay mga hindi natapos na canvases, kung saan hinangad ng batang pintor na ipakita ang pakikibaka ng mga Greek sa mga Turko. Gayunpaman, ang artist ay kulang sa kasanayan at karanasan upang lumikha ng isang nagpapahayag na larawan.
Noong 1822, ipinakita ni Delacroix ang kanyang trabaho sa Paris Salon sa ilalim ng pamagat na Dante at Virgil. Ang canvas na ito, hindi pangkaraniwang emosyonal at maliwanag na kulay, sa maraming paraan ay kahawig ng gawa ng Géricault "The Raft of the Medusa".
Pagkalipas ng dalawang taon, isa pang pagpipinta ni Delacroix, The Massacre at Chios, ang ipinakita sa mga manonood ng Salon. Ito ay sa loob nito na ang matagal nang ideya ng artist ay katawanin upang ipakita ang pakikibaka ng mga Greeks sa mga Turko. Ang kabuuang komposisyon ng larawan ay binubuo ng ilang bahagi, na bumubuo ng mga grupo ng mga tao na inilagay nang hiwalay, bawat isa sa kanila ay may sariling dramatikong salungatan. Sa pangkalahatan, ang gawain ay nagbibigay ng impresyon ng isang malalim na trahedya. Ang pakiramdam ng pag-igting at dynamism ay pinahusay ng kumbinasyon ng mga makinis at matutulis na linya na bumubuo sa mga pigura ng mga karakter, na humahantong sa isang pagbabago sa proporsyon ng taong inilalarawan ng artist. Gayunpaman, tiyak na dahil dito na ang larawan ay nakakakuha ng isang makatotohanang katangian at kredibilidad sa buhay.
Ang malikhaing paraan ng Delacroix, na ganap na ipinahayag sa "Massacre of Chios", ay malayo sa klasikong istilo na tinatanggap noon sa mga opisyal na bilog ng France at sa mga kinatawan ng sining. Samakatuwid, ang larawan ng batang artista ay sinalubong ng matalim na pagpuna sa Salon.
Sa kabila ng kabiguan, ang pintor ay nananatiling tapat sa kanyang ideal. Noong 1827, lumitaw ang isa pang akda na nakatuon sa tema ng pakikibaka ng mga taong Griyego para sa kalayaan - "Greece on the ruins of Missolonghi". Ang pigura ng isang determinado at mapagmataas na babaeng Griyego na inilalarawan sa canvas ay kumakatawan sa hindi nasakop na Greece dito.
Noong 1827, nagsagawa si Delacroix ng dalawang gawa na sumasalamin sa malikhaing paghahanap ng master sa larangan ng mga paraan at pamamaraan ng masining na pagpapahayag. Ito ang mga canvases na "Death of Sardanapalus" at "Marino Faliero". Sa una sa kanila, ang trahedya ng sitwasyon ay ipinarating sa paggalaw ng mga pigura ng tao. Tanging ang imahe ni Sardanapal mismo ang static at kalmado dito. Sa komposisyon ng "Marino Faliero" tanging ang pigura ng pangunahing tauhan ang dinamiko. Ang iba pang mga bayani ay tila nanigas sa takot sa pag-iisip kung ano ang malapit nang mangyari.
Noong 20s. ika-19 na siglo Ginawa ni Delacroix ang isang bilang ng mga gawa, na ang mga plot ay kinuha mula sa mga sikat na akdang pampanitikan. Noong 1825 binisita ng artista ang England, ang lugar ng kapanganakan ni William Shakespeare. Sa parehong taon, sa ilalim ng impresyon ng paglalakbay na ito at ang trahedya ng sikat na playwright na si Delacroix, ginawa ang lithograph na "Macbeth". Sa panahon mula 1827 hanggang 1828, lumikha siya ng isang lithograph na "Faust", na nakatuon sa gawain ng parehong pangalan ni Goethe.
Kaugnay ng mga pangyayaring naganap sa France noong 1830, isinagawa ni Delacroix ang pagpipinta na "Liberty Leading the People". Ang Rebolusyonaryong France ay ipinakita sa imahe ng isang bata, malakas na babae, makapangyarihan, mapagpasyahan at independiyente, matapang na namumuno sa karamihan, kung saan ang mga pigura ng isang manggagawa, isang estudyante, isang sugatang sundalo, isang Parisian gamen ay namumukod-tangi (isang imahe na inaasahan Gavroche, na lumitaw mamaya sa Les Misérables ni V. Hugo ).
Ang gawaing ito ay kapansin-pansing naiiba sa mga katulad na gawa ng ibang mga artista na interesado lamang sa makatotohanang paghahatid ng isang kaganapan. Ang mga canvases na nilikha ni Delacroix ay nailalarawan sa pamamagitan ng mataas na heroic pathos. Ang mga larawan dito ay mga pangkalahatang simbolo ng kalayaan at kalayaan ng mga Pranses.
Sa pagdating sa kapangyarihan ni Louis Philippe - ang king-burges na kabayanihan at matayog na damdaming ipinangaral ni Delacroix, walang lugar sa modernong buhay. Noong 1831 ang artista ay naglakbay sa mga bansang Aprikano. Naglakbay siya sa Tangier, Meknes, Oran at Algiers. Kasabay nito, bumisita si Delacroix sa Espanya. Ang buhay ng Silangan ay literal na nabighani sa artista sa mabilis na daloy nito. Gumagawa siya ng mga sketch, mga guhit at isang bilang ng mga gawa ng watercolor.
Nang bumisita sa Morocco, nagpinta si Delacroix ng mga canvases na nakatuon sa Silangan. Ang mga kuwadro na gawa, kung saan ipinakita ng artista ang mga karera ng kabayo o ang labanan ng mga Moors, ay hindi pangkaraniwang dinamiko at nagpapahayag. Sa paghahambing sa kanila, ang komposisyon na "mga babaeng Algerian sa kanilang mga silid", na nilikha noong 1834, ay tila kalmado at static. Wala itong mapusok na dinamismo at pag-igting na likas sa mga naunang gawa ng artista. Lumilitaw dito si Delacroix bilang master of color. Ang scheme ng kulay na ginamit ng pintor sa kabuuan nito ay sumasalamin sa maliwanag na pagkakaiba-iba ng palette, na iniuugnay ng manonood sa mga kulay ng Silangan.
Ang canvas na "Jewish wedding in Morocco", na isinulat nang humigit-kumulang noong 1841, ay nailalarawan sa parehong kabagalan at pagsukat. Ang isang misteryosong oriental na kapaligiran ay nilikha dito salamat sa tumpak na pag-render ng artist ng orihinalidad ng pambansang interior. Ang komposisyon ay tila nakakagulat na dinamiko: ipinapakita ng pintor kung paano umakyat ang mga tao sa hagdan at pumasok sa silid. Ang liwanag na pumapasok sa silid ay ginagawang makatotohanan at nakakumbinsi ang imahe.
Ang mga silangang motif ay naroroon pa rin sa mga gawa ni Delacroix sa mahabang panahon. Kaya, sa eksibisyon na inayos sa Salon noong 1847, sa anim na gawa na ipinakita niya, lima ang nakatuon sa buhay at buhay ng Silangan.
Noong 30-40s. Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang mga bagong tema sa gawa ni Delacroix. Sa oras na ito, ang master ay lumilikha ng mga gawa ng mga makasaysayang tema. Kabilang sa mga ito, ang mga canvases na "Protest of Mirabeau against the dissolution of the States General" at "Boissy d'Angles" ay nararapat na espesyal na pansin. Ang sketch ng huli, na ipinakita noong 1831 sa Salon, ay isang matingkad na halimbawa ng mga komposisyon sa tema ng isang popular na pag-aalsa.
Ang mga kuwadro na "The Battle of Poitiers" (1830) at "The Battle of Taybur" (1837) ay nakatuon sa imahe ng mga tao. Sa lahat ng pagiging totoo, ang dynamics ng labanan, ang paggalaw ng mga tao, ang kanilang galit, galit at pagdurusa ay ipinapakita dito. Ang artist ay naglalayong ihatid ang mga damdamin at mga hilig ng isang tao na kinuha ng pagnanais na manalo sa lahat ng mga gastos. Ang mga pigura ng mga tao ang pangunahing naghahatid ng dramatikong katangian ng kaganapan.
Kadalasan sa mga gawa ni Delacroix, ang nagwagi at ang natalo ay mahigpit na sumasalungat sa isa't isa. Ito ay lalo na malinaw na nakikita sa canvas na "The Capture of Constantinople by the Crusaders", na isinulat noong 1840. Ang isang pangkat ng mga tao na napagtagumpayan ng kalungkutan ay ipinapakita sa harapan. Sa likod ng mga ito ay isang kaaya-aya, kaakit-akit na tanawin kasama ang kagandahan nito. Ang mga pigura ng mga matagumpay na rider ay inilalagay din dito, na ang kakila-kilabot na mga silhouette ay kaibahan sa mga malungkot na pigura sa harapan.
Ang "The Capture of Constantinople by the Crusaders" ay nagpapakita kay Delacroix bilang isang kahanga-hangang colorist. Gayunpaman, ang maliwanag at puspos na mga kulay ay hindi nagpapahusay sa kalunos-lunos na simula, na ipinahayag ng mga malungkot na pigura na matatagpuan malapit sa manonood. Sa kabaligtaran, ang isang mayamang palette ay lumilikha ng isang pakiramdam ng isang holiday na inayos bilang parangal sa mga nanalo.
Hindi gaanong makulay ang komposisyon na "Justice of Trajan", na nilikha noong parehong 1840. Kinilala ng mga kontemporaryo ng artist ang larawang ito bilang isa sa pinakamahusay sa lahat ng mga canvases ng pintor. Ang partikular na interes ay ang katotohanan na sa kurso ng trabaho ang master na mga eksperimento sa larangan ng kulay. Maging ang mga anino ay kumukuha ng iba't ibang kulay mula sa kanya. Ang lahat ng mga kulay ng komposisyon ay eksaktong tumutugma sa kalikasan. Ang pagpapatupad ng trabaho ay nauna sa mahabang obserbasyon ng pintor para sa mga pagbabago sa mga lilim sa kalikasan. Ipinasok sila ng artista sa kanyang diary. Pagkatapos, ayon sa mga tala, kinumpirma ng mga siyentipiko na ang mga pagtuklas na ginawa ni Delacroix sa larangan ng tonality ay ganap na naaayon sa doktrina ng kulay na ipinanganak noong panahong iyon, ang nagtatag nito ay E. Chevreul. Bilang karagdagan, inihambing ng artist ang kanyang mga natuklasan sa palette na ginamit ng paaralan ng Venetian, na isang halimbawa ng kasanayan sa pagpipinta para sa kanya.
Ang mga portrait ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa mga painting ni Delacroix. Ang master ay bihirang bumaling sa ganitong genre. Ipininta lamang niya ang mga taong matagal na niyang kilala, na ang espirituwal na pag-unlad ay naganap sa harap ng artista. Samakatuwid, ang mga imahe sa mga portrait ay napaka nagpapahayag at malalim. Ito ang mga larawan nina Chopin at George Sand. Ang canvas na nakatuon sa sikat na manunulat (1834) ay naglalarawan ng isang marangal at malakas ang loob na babae na nagpapasaya sa kanyang mga kontemporaryo. Ang larawan ni Chopin, na ipininta makalipas ang apat na taon, noong 1838, ay kumakatawan sa isang mala-tula at espirituwal na imahe ng mahusay na kompositor.
Isang kawili-wili at hindi pangkaraniwang nagpapahayag na larawan ng sikat na biyolinista at kompositor na si Paganini, na ipininta ni Delacroix noong 1831. Ang estilo ng musikal ni Paganini ay sa maraming paraan ay katulad ng paraan ng pagpipinta ng pintor. Ang gawa ni Paganini ay nailalarawan sa parehong pagpapahayag at matinding emosyonalidad na katangian ng mga gawa ng pintor.
Ang mga tanawin ay sumasakop sa isang maliit na lugar sa gawain ng Delacroix. Gayunpaman, sila ay naging napakahalaga para sa pagbuo ng pagpipinta ng Pransya sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga tanawin ng Delacroix ay minarkahan ng pagnanais na tumpak na maihatid ang liwanag at mailap na buhay ng kalikasan. Ang mga matingkad na halimbawa nito ay ang mga kuwadro na "Sky", kung saan ang isang pakiramdam ng dinamika ay nalikha salamat sa mga ulap na puti ng niyebe na lumulutang sa kalangitan, at "Ang Dagat, na nakikita mula sa mga baybayin ng Dieppe" (1854), kung saan ang pintor ay mahusay. naghahatid ng pagdausdos ng mga magagaan na bangka sa ibabaw ng dagat.
Noong 1833, nakatanggap ang artista ng utos mula sa hari ng Pransya na magpinta ng isang bulwagan sa Bourbon Palace. Ang gawain sa paglikha ng isang monumental na gawain ay tumagal ng apat na taon. Kapag tinutupad ang pagkakasunud-sunod, ang pintor ay ginabayan lalo na sa katotohanan na ang mga imahe ay napaka-simple at maigsi, naiintindihan ng manonood.
Ang huling gawa ni Delacroix ay ang pagpipinta ng kapilya ng mga Banal na Anghel sa simbahan ng Saint-Sulpice sa Paris. Ginawa ito sa panahon mula 1849 hanggang 1861. Gamit ang maliliwanag, mayayamang kulay (rosas, maliwanag na asul, lila, inilagay sa isang abo-asul at dilaw-kayumanggi na background), ang artist ay lumilikha ng isang masayang kalagayan sa mga komposisyon, na nagiging sanhi ng manonood para makaramdam ng rapturous glee. Ang tanawin, na kasama sa pagpipinta na "The Expulsion of Iliodor from the Temple" bilang isang uri ng background, ay biswal na pinapataas ang espasyo ng komposisyon at ang lugar ng kapilya. Sa kabilang banda, na parang sinusubukang bigyang-diin ang paghihiwalay ng espasyo, ipinakilala ni Delacroix ang isang hagdanan at isang balustrade sa komposisyon. Ang mga figure ng mga tao na nakalagay sa likod nito ay tila halos flat silhouettes.
Namatay si Eugene Delacroix noong 1863 sa Paris.
Si Delacroix ang pinaka-edukado sa mga pintor noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Maraming mga paksa ng kanyang mga pagpipinta ay kinuha mula sa mga akdang pampanitikan ng mga sikat na masters ng panulat. Ang isang kagiliw-giliw na katotohanan ay madalas na pininturahan ng artist ang kanyang mga character nang hindi gumagamit ng isang modelo. Ito ang nais niyang ituro sa kanyang mga tagasunod. Ayon kay Delacroix, ang pagpipinta ay isang bagay na mas kumplikado kaysa sa primitive na pagkopya ng mga linya. Naniniwala ang artista na ang sining ay pangunahing nakasalalay sa kakayahang ipahayag ang kalooban at malikhaing layunin ng master.
Si Delacroix ay ang may-akda ng ilang mga teoretikal na gawa sa mga isyu ng kulay, pamamaraan at estilo ng artist. Ang mga gawang ito ay nagsilbing isang beacon para sa mga pintor ng mga susunod na henerasyon sa paghahanap ng kanilang sariling masining na paraan na ginamit upang lumikha ng mga komposisyon.
Ang romantikismo sa visual arts ay higit na nakabatay sa mga ideya ng mga pilosopo at manunulat. Sa pagpipinta, tulad ng sa iba pang mga anyo ng sining, ang mga romantiko ay naaakit ng lahat ng hindi pangkaraniwan, hindi alam, maging ito ay malayong mga bansa na may kanilang mga kakaibang kaugalian at kasuotan (Delacroix), ang mundo ng mga mystical na pangitain (Blake, Friedrich, Pre-Raphaelites) at mahiwagang mga panaginip (Runge) o madilim na kalaliman na hindi malay (Goya, Fusli). Ang pinagmulan ng inspirasyon para sa maraming mga artista ay ang artistikong pamana ng nakaraan: ang Sinaunang Silangan, ang Middle Ages at ang Proto-Renaissance (Nazarenes, Pre-Raphaelites).
Sa kaibahan sa klasiko, na niluwalhati ang malinaw na kapangyarihan ng isip, ang mga romantiko ay umawit ng madamdamin, mabagyo na damdamin na kumukuha ng buong tao. Ang mga pinakaunang tugon sa mga bagong uso ay mga portrait at landscape, na nagiging paboritong genre ng romantikong pagpipinta.
kaarawan portrait na genre ay nauugnay sa interes ng mga romantiko sa maliwanag na pagkatao ng tao, kagandahan at kayamanan ng kanyang espirituwal na mundo. Ang buhay ng espiritu ng tao ay nangingibabaw sa isang romantikong larawan kaysa sa interes sa pisikal na kagandahan, sa senswal na kaplastikan ng imahe.
Sa isang romantikong larawan (Delacroix, Géricault, Runge, Goya), ang pagiging natatangi ng bawat tao ay palaging inihahayag, ang dinamika, ang matinding tibok ng panloob na buhay, at ang mapanghimagsik na pagnanasa ay inihahatid.
Ang mga romantiko ay interesado rin sa trahedya ng isang sirang kaluluwa: ang mga taong may sakit sa pag-iisip ay madalas na nagiging mga bayani ng mga gawa (Gericault "Baliw, naghihirap mula sa pagkagumon sa pagsusugal", "Magnanakaw ng mga bata", "Mabaliw, iniisip ang kanyang sarili na isang kumander").
Landscape ipinaglihi ng mga romantiko bilang sagisag ng kaluluwa ng sansinukob; Ang kalikasan, tulad ng kaluluwa ng tao, ay lumilitaw sa dinamika, patuloy na pagkakaiba-iba. Ang mga inayos at pinarangalan na mga tanawin na katangian ng klasisismo ay pinalitan ng mga larawan ng kusang-loob, matigas ang ulo, makapangyarihan, patuloy na nagbabagong kalikasan, na tumutugma sa pagkalito ng damdamin ng mga romantikong bayani. Ang mga romantiko ay lalo na gustong magsulat ng mga bagyo, bagyo, pagputok ng bulkan, lindol, pagkawasak ng barko na maaaring magkaroon ng malakas na emosyonal na epekto sa manonood (Gericault, Friedrich, Turner).
Ang poeticization ng gabi, katangian ng romanticism - isang kakaiba, surreal mundo na nabubuhay ayon sa sarili nitong mga batas - na humantong sa yumayabong ng "gabi genre", na kung saan ay nagiging isang paborito sa romantikong pagpipinta, lalo na sa mga Aleman artist.
Isa sa mga unang bansa sa visual arts kung saan nabuo ang romanticism ayAlemanya .
Ang isang kapansin-pansing impluwensya sa pag-unlad ng genre ng romantikong tanawin ay may pagkamalikhainCaspar David Friedrich (1774-1840). Ang kanyang artistikong pamana ay pinangungunahan ng mga landscape na naglalarawan sa mga taluktok ng bundok, kagubatan, dagat, baybayin ng dagat, pati na rin ang mga guho ng mga lumang katedral, mga inabandunang abbey, monasteryo ("Cross in the mountains", "Cathedral", "Abbey among oak trees." ”). Karaniwang mayroon silang pakiramdam ng hindi nagbabagong kalungkutan mula sa kamalayan ng trahedya na pagkawala ng isang tao sa mundo.
Gustung-gusto ng artista ang mga estado ng kalikasan na pinaka tumutugma sa kanyang romantikong pang-unawa: maagang umaga, paglubog ng gabi, pagsikat ng buwan ("Dalawang nagmumuni-muni sa buwan", "Monastic cemetery", "Landscape na may bahaghari", "Moonrise over the sea", " Mga batong tisa sa isla ng Rügen", "Sa isang bangka", "Daanan sa gabi").
Ang patuloy na mga karakter ng kanyang mga gawa ay malungkot na nangangarap, na nahuhulog sa pagmumuni-muni ng kalikasan. Sa pagtingin sa malalawak na distansya at walang katapusang taas, sila ay sumasali sa walang hanggang mga lihim ng sansinukob, sila ay dinadala sa magandang mundo ng mga pangarap. Inihahatid ni Friedrich ang kahanga-hangang mundo sa tulong ng mahiwagang nagniningning na liwanag.- nagliliwanag na solar o misteryosong lunar.
Ang gawa ni Friedrich ay hinangaan ng kanyang mga kontemporaryo, kasama na si I. W. Goethe at W. A. Zhukovsky, salamat kung kanino marami sa kanyang mga pagpipinta ang nakuha ng Russia.
Pintor, graphic artist, makata at art theoristPhilip Otto Runge (1777-1810), higit sa lahat ay nakatuon ang kanyang sarili sa genre ng portrait. Sa kanyang mga gawa, tinula niya ang mga larawan ng mga ordinaryong tao, kadalasan ang kanyang mga mahal sa buhay ("Tatlo sa amin" - isang larawan sa sarili kasama ang kanyang nobya at kapatid, ay hindi napanatili; "Mga anak ng pamilyang Hülzenbeck", "Portrait ng magulang ng artist", "Self-portrait"). Ang malalim na pagiging relihiyoso ni Runge ay ipinahayag sa mga pagpipinta gaya ng "Christ on the shores of Lake Tiberias" at "Rest on the Flight into Egypt" (hindi natapos). Ang artist summed up ang kanyang reflections sa sining sa theoretical treatise "The Color Sphere".
Ang pagnanais na buhayin ang relihiyon at moral na mga pundasyon sa sining ng Aleman ay nauugnay sa malikhaing aktibidad ng mga artista paaralang Nazareno (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,P. von Cornelius). Palibhasa'y nagkaisa sa isang uri ng relihiyosong kapatiran ("Union of St. Luke"), ang "Nazarenes" ay nanirahan sa Roma sa modelo ng isang monastikong komunidad at nagpinta ng mga larawan sa mga paksang relihiyoso. Itinuring nila ang pagpipinta ng Italyano at Aleman bilang isang modelo para sa kanilang mga malikhaing paghahanap.XIV - XVmga siglo (Perugino, maagang Raphael, A. Durer, H. Holbein the Younger, L.Cranach). Sa pagpipinta na "The Triumph of Religion in Art" direktang ginagaya ni Overbeck ang "Athenian School" ni Raphael, at si Cornelius sa "The Horsemen of the Apocalypse" - ang ukit ni Durer ng parehong pangalan.
Itinuring ng mga miyembro ng kapatiran ang pangunahing mga birtud ng artist na espirituwal na kadalisayan at taos-pusong pananampalataya, na naniniwala na "tanging ang Bibliya ang gumawa kay Raphael na isang henyo." Nanguna sa isang nag-iisang buhay sa mga selda ng isang inabandunang monasteryo, itinaas nila ang kanilang serbisyo sa sining sa kategorya ng espirituwal na paglilingkod.
Ang "Nazarenes" ay nahilig sa malalaking monumental na anyo, sinubukang isama ang matataas na mithiin sa tulong ng bagong nabuhay na fresco technique. Ang ilan sa mga kuwadro na gawa ay ginawa nilang magkasama.
Noong 1820s at 30s, ang mga miyembro ng fraternity ay nagkalat sa buong Germany, na nakatanggap ng mga nangungunang posisyon sa iba't ibang art academy. Tanging si Overbeck ang nanirahan sa Italya hanggang sa kanyang kamatayan, nang hindi binabago ang kanyang mga prinsipyo sa sining. Ang pinakamahusay na mga tradisyon ng "Nazarenes" ay napanatili sa makasaysayang pagpipinta sa loob ng mahabang panahon. Ang kanilang ideolohikal at moral na paghahanap ay nagkaroon ng epekto sa English Pre-Raphaelites, gayundin sa gawain ng mga masters gaya nina Schwind at Spitzweg.
Moritz Schwind (1804-1871), Austrian sa kapanganakan, ay nagtrabaho sa Munich. Sa mga gawa ng easel, pangunahin niyang inilalarawan ang hitsura at buhay ng mga sinaunang lungsod ng probinsiya ng Aleman kasama ang kanilang mga naninirahan. Ginagawa ito nang may mahusay na tula at liriko, na may pagmamahal sa mga karakter nito.
Carl Spitzweg (1808-1885) - Munich pintor, graphic artist, makikinang na draftsman, cartoonist, hindi rin walang sentimentalidad, ngunit may mahusay na katatawanan ay nagsasabi tungkol sa buhay sa lunsod ("Poor Poet", "Morning Coffee").
Ang Schwind at Spitzweg ay karaniwang nauugnay sa isang kalakaran sa kultura ng Aleman na kilala bilang Biedermeier.Biedermeier - ito ay isa sa mga pinakasikat na istilo ng panahon (pangunahin sa larangan ng pang-araw-araw na buhay, ngunit din sa sining) . Iniharap niya ang mga burgher, ang karaniwang tao sa kalye, sa unahan. Ang pangunahing tema ng pagpipinta ng Biedermeier ay ang pang-araw-araw na buhay ng isang tao, na dumadaloy sa malapit na koneksyon sa kanyang tahanan at pamilya. Ang interes ni Biedermeier hindi sa nakaraan, ngunit sa kasalukuyan, hindi sa dakila, ngunit sa maliit, ay nag-ambag sa pagbuo ng isang makatotohanang kalakaran sa pagpipinta.
French Romantic School
Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romanticism sa pagpipinta ay binuo sa France. Ito ay bumangon bilang isang pagsalungat sa klasisismo, na bumagsak sa isang malamig, makatuwirang akademya, at naglagay ng mga dakilang master na nagpasiya sa nangingibabaw na impluwensya ng paaralang Pranses sa buong ika-19 na siglo.
Ang mga romantikong artista ng Pransya ay nahilig sa mga plot na puno ng drama at kalunos-lunos, panloob na pag-igting, malayo sa "dilim na pang-araw-araw na buhay". Sa pagsasanib sa kanila, binago nila ang nakalarawan at nagpapahayag na paraan:
Ang unang makikinang na tagumpay ng romanticism sa French painting ay nauugnay sa pangalanTheodora Géricault (1791-1824), na, mas nauna kaysa sa iba, ay nakapagpahayag ng puro romantikong kahulugan ng tunggalian ng mundo. Nasa kanyang unang mga gawa, makikita ng isa ang pagnanais na ipakita ang mga dramatikong kaganapan sa ating panahon. Kaya, halimbawa, ang mga kuwadro na "The officer of the mounted riflemen going on the attack" at "The wounded cuirassier" ay sumasalamin sa pagmamahalan ng Napoleonic era.
Ang pagpipinta ni Gericault na "The Raft of the Medusa", na nakatuon sa isang kamakailang kaganapan sa modernong buhay - ang pagkamatay ng isang pampasaherong barko dahil sa kasalanan ng kumpanya ng pagpapadala, ay nagkaroon ng malaking resonance. . Gumawa si Géricault ng napakalaking 7×5 m canvas na naglalarawan sa sandali nang ang mga taong nasa bingit ng kamatayan ay nakakita ng isang nagliligtas na barko sa abot-tanaw. Ang matinding pag-igting ay binibigyang diin ng isang malupit, madilim na scheme ng kulay, isang diagonal na komposisyon. Ang pagpipinta na ito ay naging simbolo ng modernong Géricault France, na, tulad ng mga taong tumatakas sa pagkawasak ng barko, ay nakaranas ng pag-asa at kawalan ng pag-asa.
Ang tema ng kanyang huling malaking pagpipinta - "Race at Epsom" - ang artist na natagpuan sa England. Inilalarawan nito ang mga kabayong lumilipad na parang mga ibon (paboritong larawan ni Géricault, na naging mahusay na mangangabayo noong tinedyer). Ang impresyon ng bilis ay pinahusay ng isang tiyak na pamamaraan: ang mga kabayo at hinete ay isinulat nang maingat, at ang background ay malawak.
Matapos ang pagkamatay ni Géricault (namatay siya nang malungkot, sa kalakasan ng buhay at talento), ang kanyang batang kaibigan ay naging kinikilalang pinuno ng mga romantikong Pranses.Eugene Delacroix (1798-1863). Si Delacroix ay komprehensibong likas na matalino, nagtataglay ng talento sa musika at pampanitikan. Ang kanyang mga talaarawan, mga artikulo tungkol sa mga artista ay ang pinaka-kagiliw-giliw na mga dokumento ng panahon. Ang kanyang teoretikal na pag-aaral ng mga batas ng kulay ay may malaking epekto sa hinaharap na mga Impresyonista at lalo na kay W. Van Gogh.
Ang unang pagpipinta ni Delacroix, na nagbigay sa kanya ng katanyagan, ay "Dante and Virgil" ("Dante's Boat"), na isinulat sa plot ng "Divine Comedy". Sinaktan niya ang kanyang mga kontemporaryo ng madamdaming kalunos-lunos, ang kapangyarihan ng madilim na kulay.
Ang tugatog ng gawa ng pintor ay ang "Freedom on the Barricades" ("Freedom Leading the People"). Ang pagiging tunay ng isang tunay na katotohanan (ang larawan ay nilikha sa gitna ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 sa France) ay sumasanib dito sa isang romantikong pangarap ng kalayaan at ang simbolismo ng mga imahe. Isang magandang dalaga ang naging simbolo ng rebolusyonaryong France.
Ang tugon sa mga modernong kaganapan ay ang naunang pagpipinta na "Massacre on Chios", na nakatuon sa pakikibaka ng mga Griyego sa pamamahala ng Turko. .
Sa pagbisita sa Morocco, natuklasan ni Delacroix ang kakaibang mundo ng Arab East, kung saan itinalaga niya ang maraming mga pagpipinta at sketch. Sa "Women of Algeria" ang mundo ng Muslim harem ay ipinakita sa European audience sa unang pagkakataon.
Ang artista ay lumikha din ng isang serye ng mga larawan ng mga kinatawan ng creative intelligentsia, na marami sa kanila ay kanyang mga kaibigan (mga larawan ni N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, atbp.)
Sa huling yugto ng pagkamalikhain, si Delacroix ay nahilig sa mga makasaysayang tema, nagtrabaho bilang isang muralist (mga mural sa Chamber of Deputies, ang Senado), at bilang isang graphic artist (mga larawan para sa mga gawa ni Shakespeare, Goethe, Byron).
Ang mga pangalan ng mga pintor ng Ingles sa panahon ng romanticism - R. Benington, J. Constable, W. Turner - ay nauugnay sa genre ng landscape. Sa lugar na ito, sila ay tunay na nagbukas ng bagong pahina: katutubong kalikasan na natagpuan sa kanilang trabaho na napakalawak at mapagmahal na repleksyon na hindi alam ng ibang bansa noong panahong iyon.
John Constable (1776-1837) ang isa sa mga una sa kasaysayan ng European landscape ay nagsimulang magpinta ng mga sketch na ganap mula sa kalikasan, na bumaling sa direktang pagmamasid sa kalikasan. Ang kanyang mga pintura ay simple sa mga motibo: mga nayon, bukid, simbahan, isang strip ng isang ilog o isang dagat beach: Haycart, Detham Valley, Salisbury Cathedral mula sa Bishop's Garden. Ang mga gawa ng Constable ay nagsilbing impetus para sa pagbuo ng isang makatotohanang tanawin sa France.
William Turner (1775-1851) - pintor ng dagat . Naakit siya ng mabagyong dagat, pagbuhos ng ulan, bagyo, baha, buhawi: "Ang huling paglalayag ng barko" Matapang "," Bagyo sa Piazzetta. Ang mga matatapang na coloristic na paghahanap, ang mga bihirang epekto ng pag-iilaw ay minsan ginagawa ang kanyang mga pintura sa nagniningning na phantasmagoric na salamin sa mata: "The Fire of the London Parliament", "Snowstorm. Ang barko ay umalis sa daungan at nagbibigay ng mga senyales ng pagkabalisa, na tumama sa mababaw na tubig. .
Pagmamay-ari ni Turner ang unang larawan ng pagpipinta ng isang steam locomotive na tumatakbo sa mga riles - isang simbolo ng industriyalisasyon. Sa Rain, Steam and Speed, isang steam locomotive ang tumatakbo sa kahabaan ng Thames sa pamamagitan ng maulap na ulap ng ulan. Ang lahat ng mga materyal na bagay ay tila sumanib sa isang mirage na imahe, na perpektong nagbibigay ng pakiramdam ng bilis.
Ang natatanging pag-aaral ni Turner ng mga epekto ng liwanag at kulay ay inaasahan sa maraming paraan ang mga pagtuklas ng mga pintor ng French Impressionist.
Noong 1848, bumangon ang EnglandPre-Raphaelite na kapatiran (mula sa Latin prae - "bago" at Raphael), na pinag-isa ang mga artista na hindi tumatanggap ng kontemporaryong lipunan at ang sining ng akademikong paaralan. Nakita nila ang kanilang ideal sa sining ng Middle Ages at Early Renaissance (kaya ang pangalan). Ang mga pangunahing miyembro ng kapatiran -William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Sa kanilang mga unang gawa, ginamit ng mga artistang ito ang pagdadaglat na RV sa halip na mga lagda. .
Sa mga romantiko ng Pre-Raphaelites, isang pag-ibig sa unang panahon ay nauugnay. Bumaling sila sa mga paksa sa Bibliya (“The Light of the World” at “The Unfaithful Shepherd” ni WH Hunt; “The Childhood of Mary” at “The Annunciation” ni DG Rossetti), mga plot mula sa kasaysayan ng Middle Ages at mga dula ni W. Shakespeare (“Ophelia” ni Millais ).
Upang maipinta ang mga figure at bagay ng tao sa kanilang natural na laki, pinalaki ng Pre-Raphaelites ang laki ng mga canvases, ang mga sketch ng landscape ay ginawa mula sa kalikasan. Ang mga karakter sa kanilang mga painting ay may mga prototype sa mga totoong tao. Halimbawa, inilarawan ni D. G. Rossetti ang kanyang minamahal na si Elizabeth Siddal sa halos lahat ng kanyang mga gawa, na nagpapatuloy, tulad ng isang medieval na kabalyero, upang manatiling tapat sa kanyang minamahal kahit na pagkatapos ng kanyang hindi napapanahong kamatayan ("Blue Silk Dress", 1866).
Ang ideologist ng Pre-Raphaelite ayJohn Ruskin (1819-1900) - Ingles na manunulat, kritiko ng sining at teorista ng sining, may-akda ng sikat na serye ng mga aklat na "Modern Artists".
Ang gawain ng Pre-Raphaelites ay makabuluhang nakaimpluwensya sa maraming mga artista at naging tagapagpauna ng simbolismo sa panitikan (W. Pater, O. Wilde) at sining (O. Beardsley, G. Moreau, atbp.).
ang palayaw na "Nazarenes" ay maaaring nagmula sa pangalan ng lungsod ng Nazareth sa Galilea, kung saan ipinanganak si Jesu-Kristo. Ayon sa isa pang bersyon, lumitaw ito sa pamamagitan ng pagkakatulad sa pangalan ng sinaunang pamayanang relihiyon ng mga Hudyo ng mga Nazareo. Posible rin na ang pangalan ng grupo ay nagmula sa tradisyonal na pangalan ng hairstyle na "Alla Nazarena", karaniwan sa Middle Ages at kilala mula sa self-portrait ni A. Durer: ang paraan ng pagsusuot ng mahabang buhok, nahati sa gitna, ay muling ipinakilala ni Overbeck.
Biedermeier(German "matapang na Meyer", philistine) - ang apelyido ng isang kathang-isip na karakter mula sa koleksyon ng tula ng makatang Aleman na si Ludwig Eichrodt. Gumawa si Eichrodt ng parody ng isang totoong tao - si Samuel Friedrich Sauter, isang matandang guro na nagsulat ng walang muwang na tula. Binigyang-diin ni Eichrodt, sa kanyang karikatura, ang pagiging primitibo ng philistine ng pag-iisip ni Biedermeier, na naging isang uri ng parodic na simbolo ng panahon. ang mga sweeping stroke ng itim, kayumanggi at maberde na kulay ay naghahatid ng matinding galit ng bagyo. Ang tingin ng manonood ay tila nasa gitna ng isang whirlpool, ang barko ay tila laruan ng alon at hangin.
Ang sining ng panahon ng romantikismo sa gitna ng ideya nito ay may espirituwal at malikhaing halaga ng indibidwal, bilang pangunahing paksa para sa pilosopiya at pagmuni-muni. Lumitaw ito sa pagtatapos ng ika-18 siglo at nailalarawan sa pamamagitan ng mga romantikong motif na nauugnay sa iba't ibang kakaiba at magagandang kaganapan o landscape. Sa kaibuturan nito, ang paglitaw ng kalakaran na ito ay isang pagsalungat sa klasisismo, at ang harbinger ng hitsura nito ay sentimentalismo, na malinaw na ipinahayag sa panitikan noong panahong iyon.
Sa simula ng ika-19 na siglo, umunlad ang romantikismo at ganap na ibinaon ang sarili sa senswal at emosyonal na mga imahe. Bilang karagdagan, ang isang napakahalagang katotohanan ay ang muling pag-iisip ng saloobin sa relihiyon sa panahong ito, gayundin ang paglitaw ng ateismo na ipinahayag sa gawain. Ang mga halaga ng mga damdamin at taos-pusong mga karanasan ay inilalagay sa ulo, at mayroon ding unti-unting pampublikong pagkilala sa intuwisyon ng isang tao.
Romantisismo sa pagpipinta
Ang direksyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglalaan ng mga kahanga-hangang tema, na siyang pangunahing para sa istilong ito sa anumang malikhaing aktibidad. Ang senswalidad ay ipinahayag sa anumang posible at katanggap-tanggap na paraan, at ito ang pinakamahalagang pagkakaiba sa direksyong ito.
(Christiano Banti "Galileo bago ang Roman Inquisition")
Kabilang sa mga tagapagtatag ng philosophical romanticism, sina Novalis at Schleiermacher ay maaaring makilala, ngunit sa pagpipinta, nakilala ni Theodore Gericault ang kanyang sarili sa bagay na ito. Sa panitikan, mapapansin ng isa ang partikular na maliliwanag na manunulat ng panahon ng romantikismo - ang magkapatid na Grimm, Hoffmann at Heine. Sa maraming bansa sa Europa, ang istilong ito ay nabuo sa ilalim ng malakas na impluwensya ng Aleman.
Ang mga pangunahing tampok ay maaaring tawaging:
- romantikong mga tala na malinaw na ipinahayag sa pagkamalikhain;
- hindi kapani-paniwala at mythological na mga tala kahit na sa ganap na hindi fairytale prosa;
- pilosopikal na pagninilay sa kahulugan ng buhay ng tao;
- pagpapalalim sa paksa ng pag-unlad ng pagkatao.
(Friedrich Caspar David "Pagsikat ng Buwan sa ibabaw ng dagat")
Masasabing ang romantisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tala ng paglilinang ng kalikasan at pagiging natural ng kalikasan ng tao, at natural na senswalidad. Ang pagkakaisa ng tao sa kalikasan ay niluluwalhati din, at ang mga imahe ng panahon ng kabalyero, na napapalibutan ng isang aura ng maharlika at karangalan, pati na rin ang mga manlalakbay na madaling magsimula sa mga romantikong paglalakbay, ay napakapopular din.
(John Martin "Macbeth")
Ang mga kaganapan sa panitikan o pagpipinta ay nabuo sa paligid ng pinakamalakas na hilig na naranasan ng mga karakter. Ang mga bayani ay palaging mga personalidad na madaling kapitan ng pakikipagsapalaran, naglalaro sa kapalaran at predeterminasyon ng kapalaran. Sa pagpipinta, ang romanticism ay perpektong nailalarawan sa pamamagitan ng kamangha-manghang mga phenomena na nagpapakita ng proseso ng pagiging isang tao at ang espirituwal na pag-unlad ng isang tao.
Romantisismo sa sining ng Russia
Sa kulturang Ruso, ang romantikismo ay lalo na binibigkas sa panitikan, at pinaniniwalaan na ang mga unang pagpapakita ng kalakaran na ito ay ipinahayag sa romantikong tula ni Zhukovsky, bagaman ang ilang mga eksperto ay naniniwala na ang kanyang mga gawa ay malapit sa klasikal na sentimentalismo.
(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")
Ang romantikong Ruso ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalayaan mula sa mga klasikal na kombensiyon, at ang kalakaran na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga romantikong dramatikong plot at mahabang ballad. Sa katunayan, ito ang pinakabagong pag-unawa sa kakanyahan ng tao, gayundin ang kahalagahan ng tula at pagkamalikhain sa buhay ng mga tao. Kaugnay nito, ang parehong tula ay nakakakuha ng isang mas seryoso, makabuluhang kahulugan, bagaman ang naunang pagsulat ng tula ay itinuturing na ordinaryong walang laman na saya.
(Fedor Alexandrovich Vasiliev "Thaw")
Kadalasan sa romantikong Ruso, ang imahe ng kalaban ay nilikha bilang isang malungkot at malalim na naghihirap na tao. Ang pagdurusa at emosyonal na mga karanasan ang binibigyang pansin ng mga may-akda kapwa sa panitikan at sa pagpipinta. Sa katunayan, ito ay isang walang hanggang kilusan kasama ng iba't ibang mga pag-iisip at pagmumuni-muni, at ang pakikibaka ng isang tao na may patuloy na pagbabago sa mundo na nakapaligid sa kanya.
(Orest Kiprensky "Portrait of Life Hussars Colonel E.V. Davydov")
Ang bayani ay kadalasang medyo makasarili at patuloy na nagrerebelde laban sa bulgar at materyal na mga layunin at pagpapahalaga ng mga tao. Itinataguyod nito ang pag-alis ng mga materyal na halaga na pabor sa espirituwal at personal. Kabilang sa pinakasikat at kapansin-pansing mga character na Ruso na nilikha sa loob ng balangkas ng malikhaing direksyon na ito, maaaring isa-isa ng isa ang pangunahing karakter mula sa nobelang "Isang Bayani ng Ating Panahon". Ang nobelang ito ang napakalinaw na nagpapakita ng mga motibo at tala ng romantikismo sa panahong iyon.
(Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Mga mangingisda sa dalampasigan")
Ang pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng fairy-tale at folklore motif, romantiko at puno ng iba't ibang mga pangarap. Ang lahat ng mga gawa ay kasing aesthetic hangga't maaari at may tama, magagandang konstruksyon at anyo. Sa direksyon na ito, walang lugar para sa mga matitigas na linya at mga geometric na hugis, pati na rin ang sobrang maliwanag at magkakaibang mga kulay. Sa kasong ito, ginagamit ang mga kumplikadong istruktura at maraming maliliit, napakahalagang detalye sa larawan.
Romantisismo sa arkitektura
Ang arkitektura ng Romantikong panahon ay katulad sa mismong mga kastilyo ng engkanto, at nakikilala sa pamamagitan ng hindi kapani-paniwalang luho.
(Blenheim Palace, England)
Ang pinaka-kapansin-pansin at sikat na mga gusali sa panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
- ang paggamit ng mga istrukturang metal, na isang bagong imbensyon sa panahong ito, at kumakatawan sa isang kakaibang pagbabago;
- kumplikadong mga silhouette at disenyo na may kasamang hindi kapani-paniwalang mga kumbinasyon ng magagandang elemento, kabilang ang mga turret at bay window;
- ang kayamanan at iba't ibang mga anyo ng arkitektura, ang kasaganaan ng iba't ibang mga kumbinasyon ng mga teknolohiya para sa paggamit ng mga bakal na haluang metal na may bato at salamin;
- ang gusali ay nakakakuha ng visual lightness, ang mga manipis na anyo ay nagpapahintulot sa iyo na lumikha ng kahit na napakalaking mga gusali na may kaunting bulkiness.
Ang pinakatanyag na tulay ng panahong ito ay nilikha noong 1779 sa Inglatera, at itinapon sa ibabaw ng Ilog Severn. Ito ay may medyo maikling haba, higit lamang sa 30 metro, ngunit ito ang unang tulad na istraktura. Nang maglaon, ang mga tulay na higit sa 70 metro ay nilikha, at pagkatapos ng ilang taon, ang mga istrukturang cast-iron ay nagsimulang gamitin sa pagtatayo ng mga gusali.
Ang mga gusali ay may hanggang 4-5 palapag, at ang mga panloob na layout ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga asymmetric na hugis. Ang kawalaan ng simetrya ay makikita rin sa mga facade ng panahong ito, at ang mga huwad na sala-sala sa mga bintana ay ginagawang posible na bigyang-diin ang naaangkop na kalooban. Maaari mo ring gamitin ang mga stained glass na bintana, na totoo lalo na para sa mga simbahan at katedral.
Sa huling bahagi ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo, ang mga ideya ng klasisismo at ang Enlightenment ay nawala ang kanilang apela at kaugnayan. Ang bago, na, bilang tugon sa mga kanonikal na pamamaraan ng klasisismo at mga moral na teoryang panlipunan ng Enlightenment, ay bumaling sa tao, ang kanyang panloob na mundo, ay nakakuha ng lakas at kinuha ang mga isipan. Laganap ang Romantisismo sa lahat ng larangan ng buhay kultural at pilosopiya. Ang mga musikero, artista at manunulat sa kanilang mga gawa ay naghangad na ipakita ang mataas na kapalaran ng tao, ang kanyang mayamang espirituwal na mundo, ang lalim ng mga damdamin at mga karanasan. Mula ngayon, ang isang tao na may kanyang panloob na pakikibaka, espirituwal na mga paghahanap at karanasan, at hindi "malabo" na mga ideya ng pangkalahatang kagalingan at kasaganaan, ay naging nangingibabaw na tema sa mga gawa ng sining.
Romantisismo sa pagpipinta
Inihahatid ng mga pintor ang lalim ng mga ideya at ang kanilang mga personal na karanasan sa pamamagitan ng nilikha sa tulong ng komposisyon, kulay, mga punto. Ang iba't ibang mga bansa sa Europa ay may sariling mga kakaiba sa interpretasyon ng mga romantikong imahe. Ito ay dahil sa pilosopikal na mga uso, pati na rin ang socio-political na sitwasyon, kung saan ang sining ay isang buhay na buhay na tugon. Ang pagpipinta ay walang pagbubukod. Nahati-hati sa maliliit na pamunuan at duchies, ang Alemanya ay hindi nakaranas ng malubhang kaguluhan sa lipunan, ang mga artista ay hindi lumikha ng mga monumental na canvases na naglalarawan ng mga bayani ng titan, dito ang malalim na espirituwal na mundo ng tao, ang kanyang kagandahan at kadakilaan, ang mga moral na pakikipagsapalaran ay pumukaw ng interes. Samakatuwid, ang romantikismo sa pagpipinta ng Aleman ay pinaka ganap na kinakatawan sa mga portrait at landscape. Ang mga gawa ni Otto Runge ay mga klasikong halimbawa ng genre na ito. Sa mga larawang ginawa ng pintor, sa pamamagitan ng isang mainam na pag-aaral ng mga tampok ng mukha, mga mata, sa pamamagitan ng kaibahan ng liwanag at anino, naiparating ang pagnanais ng artista na ipakita ang hindi pagkakapare-pareho ng personalidad, ang kapangyarihan at lalim ng pakiramdam nito. Sa pamamagitan ng tanawin, isang bahagyang hindi kapani-paniwala, pinalaking imahe ng mga puno, bulaklak at ibon, sinubukan din ng artista na matuklasan ang pagkakaiba-iba ng personalidad ng tao, ang pagkakatulad nito sa kalikasan, magkakaibang at hindi kilala. Ang isang kilalang kinatawan ng romantikismo sa pagpipinta ay ang pintor ng landscape na si K. D. Friedrich, na nagbigay-diin sa lakas at kapangyarihan ng kalikasan, mga tanawin ng bundok at dagat, na kaayon ng tao.
Ang Romantisismo sa pagpipinta ng Pransya ay nabuo ayon sa iba pang mga prinsipyo. Ang mga rebolusyonaryong kaguluhan, magulong buhay panlipunan ay ipinakita sa pagpipinta ng grabitasyon ng mga artista patungo sa paglalarawan ng mga makasaysayang at kamangha-manghang mga paksa, na may kalunos-lunos at "kinakabahan" na kaguluhan, na nakamit ng maliwanag na kaibahan ng kulay, pagpapahayag ng mga paggalaw, ilang randomness, spontaneity ng komposisyon. Ang pinakakumpleto at matingkad na romantikong ideya ay ipinakita sa mga gawa ni T. Gericault, E. Delacroix. Ang mga artista ay mahusay na gumamit ng kulay at liwanag, na lumilikha ng isang tumitibok na lalim ng mga damdamin, isang kahanga-hangang salpok para sa pakikibaka at kalayaan.
Romantisismo sa pagpipinta ng Russia
Ang kaisipang panlipunan ng Russia ay tumugon nang napakalinaw sa mga bagong direksyon at agos na umuusbong sa Europa. at pagkatapos ay ang digmaan kay Napoleon - ang mga makabuluhang makasaysayang kaganapan na pinaka-seryosong naiimpluwensyahan ang pilosopikal at kultural na paghahanap ng mga intelihente ng Russia. Ang romantikismo sa pagpipinta ng Russia ay kinakatawan sa tatlong pangunahing mga landscape, monumental na sining, kung saan ang impluwensya ng klasisismo ay napakalakas, at ang mga romantikong ideya ay malapit na nauugnay sa mga akademikong canon.
Sa simula ng ikalabinsiyam na siglo, higit at higit na pansin ang binabayaran sa imahe ng mga malikhaing intelihente, makata at artista ng Russia, pati na rin ang mga ordinaryong tao at magsasaka. Sinubukan ni Kiprensky, Tropinin, Bryullov nang may labis na pagmamahal na ipakita ang lalim at kagandahan ng personalidad ng isang tao, sa pamamagitan ng hitsura, pagliko ng ulo, ang mga detalye ng kasuutan upang maihatid ang espirituwal na paghahanap, ang likas na mapagmahal sa kalayaan ng kanilang "mga modelo" . Malaking interes sa personalidad ng isang tao, ang sentrong lugar nito sa sining ay nag-ambag sa pag-unlad ng genre ng self-portrait. Bukod dito, ang mga artista ay hindi nagpinta ng mga self-portraits upang mag-order, ito ay isang malikhaing salpok, isang uri ng pag-uulat sa sarili sa mga kontemporaryo.
Ang mga tanawin sa mga gawa ng Romantics ay nakikilala rin sa kanilang pagka-orihinal. Ang romantikismo sa pagpipinta ay sumasalamin at naghatid ng kalooban ng isang tao, ang tanawin ay dapat na naaayon sa kanya. Kaya naman sinubukan ng mga artista na ipakita ang pagiging mapaghimagsik ng kalikasan, ang kapangyarihan at spontaneity nito. Ang Orlovsky, Shchedrin, na naglalarawan sa dagat, makapangyarihang mga puno, mga saklaw ng bundok, sa isang banda, ay naghatid ng kagandahan at maraming kulay ng mga tunay na landscape, sa kabilang banda, ay lumikha ng isang tiyak na emosyonal na kalagayan.
