Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Para sa kasaysayan ng French opera, ang kalagitnaan ng ika-19 na siglo ay naging isang punto ng pagbabago, isang panahon ng pagbabago ng mga direksyon, estilo, isang panahon ng reorientation ng genre. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang genre ng "grand opera" ay nangingibabaw dito, na nauugnay sa estilo ng mga nobela ni V. Hugo, kasama ang dramaturgy ng E. Scribe, na kinakatawan ng gawa ni J. Meyerbeer. Ang mga balangkas na katangian ng "grand opera" ay unti-unting nawawalan ng kaugnayan, ay nagsisimula nang maisip bilang stilted. Ang isang bagong pampanitikan paaralan ay ipinanganak sa France, ito ay tinatawag na "paaralan ng nerbiyos sensitivity" - ito ang mga gawa ni A. Dumas anak ("The Lady of the Camellias", "Lady of the Half World", "Diana de Liz "), ang magkapatid na Goncourt ("Rene Mauprin"), A. Dode ("Sappho"). Sa mga akdang ito, ang lahat ng atensyon ng mga may-akda ay nakatuon sa pagpapakita ng panloob na mundo ng mga karakter. At kadalasan - ang mga pangunahing tauhang babae, kababaihan, madalas - ang mga kababaihan ay kinakabahan, nakakaakit, marupok, mapusok. Ang isang tipikal na imahe ay isang "nagsisisi na makasalanan", isang demi-monde na babae na nangangarap ng kaligayahan, ngunit napipilitang isuko ang mga pangarap at pag-ibig. Kaya, pagkatapos ng mga monumental na makasaysayang drama ng Hugo, ang love-lyrical na drama at melodrama ay naging isang bagong sentro ng atraksyon para sa French theater.

Sa panitikan na ito, isang bagong genre ang lumitaw sa French musical theater - ang lyric opera (tandaan na ang opera ni Verdi na "La Traviata" ay naging isang uri ng pag-asa sa genre na ito). Nagbago siya, ngunit hindi kinansela ang genre ng "grand opera". Parehong sina Gounod at Bizet (ang pinakamalaking Pranses na kompositor ng opera noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo) ay bumaling din sa engrandeng opera genre, ngunit ito ay isang parangal sa mga yumao. At ang lyric opera ang uso sa bagong panahon. Ang Grand Opera theater mismo ay nakita sa mga taong ito bilang isang tanggulan ng gawain. Lahat ng bago ay nangyari sa Teatrolyrical Opera, na umiral sa Paris mula 1851 hanggang 1870.

Ang Faust ni Charles Gounod (1859) ay itinuturing na unang nakumpletong halimbawa ng isang lyric opera. Si Gounod ang nakagawa ng bagong istilo ng opera, at ito ang makasaysayang kahalagahan ng kanyang trabaho. Siya ang may-akda ng 12 opera, naiiba sa mga tuntunin ng genre. Ito ang comic opera na The Doctor Willy-nilly (1858), at ang opera sa istilo ni Meyerbeer na The Queen of Sheba (1862). Ngunit ang pinakamaganda ay ang mga gawang nauugnay sa lyrical genre: Faust (1859), Mireil (1864) at Romeo and Juliet (1867). Dagdag pa, si Thomas (“Mignon”, 1866, “Hamlet”, 1868), J. Bizet (“The Pearl Fishers”, 1863, “The Beauty of Perth”, 1867), Delibes (“Lakme”, 1883) ay bumaling sa genre ng lyric opera. Ang huling maliwanag na mga halimbawa ng genre na ito ay ang mga gawa ni Jules Massenet, pagkatapos ni Bizet, ang pinakamatalino na kompositor ng opera sa France noong ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. Tinawag ng mga kontemporaryo si Massenet na "ang makata ng babaeng kaluluwa." Bilang may-akda ng higit sa 20 opera, ganap niyang natagpuan ang kanyang sarili sa mga liriko na opera - Manon (1881-84, batay sa nobela ni Abbé Prevost) at Werther (1886, Goethe's The Sufferings of Young Werther).

Ang liriko na opera ay lumago sa parehong romantikong pinagmulan ng grand opera. Ang grand opera ay naging isang pagpapahayag ng kalunos-lunos na romantikismo, ang oryentasyong kritikal sa lipunan. Ito ay isang opera batay sa pagbuo ng isang linya ng aksyong masa. Ang liriko opera ay ang kabilang panig ng romantikismo: pagpapalagayang-loob, pagpapalagayang-loob, sikolohiya.

Salamat sa lyrical opera, lumilitaw ang mga bagong plot sa musical at theatrical stage, o ang mga klasikal na plot ay ipinahayag sa isang ganap na bagong paraan. Ang mga kompositor ay madalas na bumaling kay Shakespeare ("Romeo at Juliet", "Hamlet"), kay Goethe ("Faust", "Werther"). Ang pilosopikal na nilalaman ng orihinal na mapagkukunan sa opera ay nabawasan, ang mga klasikal na plot ay pinagkaitan ng kanilang pangkalahatang kapangyarihan, nakakakuha sila ng pang-araw-araw na hindi mapagpanggap na hitsura. Ang isa pang mahalagang bahagi ng mga plot ay ang pag-alis mula sa romantikong kagalakan at pagiging eksklusibo. Bilang isang patakaran, ang mga pangunahing tauhan ay mga mahilig sa liriko, iyon ay, ang anumang balangkas ay pangunahing itinuturing bilang isang liriko na drama, o kahit isang melodrama. Tulad ng sa kontemporaryong panitikang Pranses (ang "paaralan ng nerbiyos na pakiramdam") ay nagbabago ang atensyon mula sa bayani patungo sa pangunahing tauhang babae. Halimbawa, sa opera na "Faust" ni Gounod, na isinulat ayon sa unang bahagi ng nobela ni Goethe, ang pilosopikal na nilalaman ng gawa ni Goethe ay halos hindi apektado, ang balangkas ay binibigyang kahulugan sa isang liriko-araw-araw na aspeto. Ang imahe ni Margarita ay nagiging sentro (kahit na ang mga kontemporaryo ay tinawag ang opera mismo na "Margarita", at hindi "Faust").

Ang isa pang direksyon sa French lyric opera ay nauugnay sa mga plot ng dayuhang pinanggalingan, na may oriental, kakaibang lasa. Sa pagtatapos ng 50s, lumilitaw ang symphony ni David na "The Desert" - isa sa mga unang "oriental" na gawa sa musikang Pranses, ang oriental na tema ay nagiging sunod sa moda.

Binuksan ng opera ni Bizet na The Pearl Seekers (1863) ang listahan ng mga liriko na "exotic" na opera. Ang aksyon ay nagaganap sa isla ng Ceylon, kasama ng mga perlas na maninisid, laban sa background ng mga kaakit-akit na kanta at sayaw, ipinakita ang pagmamahal ng mangangaso na sina Nadir at Leila. Ang mga kaganapan ng isa pang "exotic" na opera ni Bizet, "Jamile" (1872), ay nagaganap sa Cairo, sa harem ng Gartsia. Sa gawaing ito, ang kompositor ay gumagamit ng ilang tunay na Arabic melodies at sensitibong bumuo ng kanilang mga maindayog na intonasyon.

Noong 1864, lumitaw ang opera na Mireil ni Gounod, ang balangkas na kung saan ay konektado sa Provence, ang pinaka makulay at archaic na rehiyon ng France, kung saan napanatili ang mga sinaunang kaugalian at mga kaugalian. Ang lasa na ito ay naroroon din sa musika ng opera.

Sa opera ni Saint-Saens na Samson at Delilah (1866-1877), ang balangkas ay kapareho ng sa sikat na oratorio ni Handel, ngunit sa isang ganap na naiibang interpretasyon. Naakit si Handel ng kabayanihan na diwa ng kuwento sa Bibliya. Sa Saint-Saens, ang opera ay isang serye ng mga makukulay na oriental na pagpipinta, sa gitna ng opera ay ang babaeng imahe ng mapanlinlang na seductress na si Delilah.

Ang lasa ng oriental ay banayad na inihahatid sa opera ng Delibes na Lakme (mula sa buhay ng mga Indian).

Dapat pansinin na ang mga imahe ng Silangan sa ikalawang kalahati ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo ay sinakop din ang isang makabuluhang lugar sa mga opera ng mga kompositor ng iba pang mga pambansang paaralan: Russian (Glinka, Borodin, Rimsky-Korsakov), Italyano (Verdi's Aida, Cio-Cio -San" at "Turandot" ni Puccini), at natagpuan din ang isang kakaibang pagmuni-muni sa musika ng mga French Impressionist (Debussy, Ravel).

Ang French lyric opera ay hindi lamang tungkol sa pag-update ng mga plot. Nagiiba ang istilo ng musika ng opera mismo.

Una, upang bigyang-diin ang pagiging simple at katapatan ng mga plot, ang mga ordinaryong damdamin ng mga character, ang mga kompositor ay nagsusumikap na "pasimplehin" ang musikal na wika ng opera, upang mailapit ito sa pang-araw-araw na kultura ng musika sa kanilang panahon. Kaya ang elemento ng romansa ay tumagos sa yugto ng opera ng Pransya. Ang pag-iibigan ay ipinakilala sa opera hindi lamang bilang solong numero. Minsan ang dramatikong linya ng balangkas ay nabuo sa pamamagitan ng pagbabago ng simula ng pag-iibigan (ito ay sa pagsasadula ng melody ng romansa na ang pagbuo ng imahe ni Margarita sa Faust, ang tanging imahe ng opera na ibinigay sa dinamika, ay batay: mula sa isang walang muwang na paggising. ng mga damdamin sa isang madamdamin na pagkalasing dito at higit pa - sa isang trahedya denouement, ang kabaliwan ng pangunahing tauhang babae) .

Pangalawa, sa mga opera na may "exotic" na mga plot, ang lahat ng uri ng mga oriental na intonasyon, na hindi direktang napansin, sa pamamagitan ng European vision, ay nagsisimulang gamitin. Ngunit sa ilang sandali ay umabot pa ito sa orihinal na pagpaparami (“Jamile” ni Bizet).

Ito ang dalawang pangunahing paraan ng pag-update ng istilong musikal ng French opera mismo.

Ang lyric opera bilang isang malayang genre sa halip ay mabilis na naubos ang sarili nito. Nagtagumpay na si J. Bizet, sa kanyang pinakamahusay na opera, "Carmen", na malampasan ang makitid na limitasyon ng liriko na opera, na umabot sa taas ng realismo ng opera (1875). Noong 1990s, ang modernong tema ay lalong iginiit sa French theater. Sa mga akda ni Alfred Bruno (ang opera na The Dream batay sa nobela ni E. Zola, 1891, ang opera na The Siege of the Mill batay sa Maupassant, 1893) at Charpontier (ang opera Louise, 1900), kapansin-pansin ang mga katangian ng naturalismo. . Noong 1902, ang produksyon ng opera ni C. Debussy na "Pelleas et Mélisande" ay nagbukas ng bagong panahon sa musikal at teatro na kultura ng France.

G. Verdi.

Opera "Troubadour". 1 act (No. 2 scene and Leonora's cavatina, No. 3 scene and romance by Manrico); 2 act (No. 6 Azucena's song, No. 7 scene at Azucena's story); 3 act (No. 13 scene at aria ni Manrico); 4 act (No. 14 scene and aria of Leonora and chorus "Miserere").

Opera "Rigoletto" 1 act (No. 1 prelude and introduction, No. 2 Duke's ballad "this or that", No. 7 scene and duet of Rigoletto and Gilda, No. 9 Gilda's aria "The heart is full of joy", No. 10 scene at koro "Hush, hush"); 2 act (No. 12 scene at Rigoletto's aria "Curtisans ...", No. 13, 14 scene at duet nina Gilda at Rigoletto "Pumasok ako sa templo nang mapagpakumbaba"); 3 act (No. 15 Duke's song "The Heart of Beauties", No. 16 Quartet).

Opera "La Traviata" 1 act (Introduction, ang inuman ni Alfred na kanta na "We will raise the cup of fun high", ang huling eksena at ang aria ni Violetta na "Wouldn't you tell me"); 2 act (eksena at duet nina Violetta at Germont); Act 3 (orchestral prelude, Violetta's aria "Forgive you forever", eksena at duet nina Violetta at Alfred "We will leave Paris", finale).

Opera Aida» orchestral prelude, 1 act (No. 2 recitative and romance by Radamès "Sweet Aida", chorus "To the sacred banks of the Nile", No. 5 solo scene of Aida, No. 6 initiation scene and finale); 2 act (No. 8 scene at duet ng Amneris at Aida, finale - choir "Glory to Egypt", choir "Laurel wreaths", martsa); 3 act (No. 10 introduction, choral prayer at romance ni Aida "Azure Sky", No. 12 duet nina Radames at Aida); Act 4 (duet nina Amneris at Radames "Lahat ng mga pari ay nagtipon doon", duet nina Aida at Radames na "Patawarin ang lupa").

Opera "Tannhäuser": overture, 2 act (contest scene - kanta ni Wolfram); Act 3 (Wolfram's romance "To the Evening Star", Elizabeth's prayer).

Opera Lohengrin: 1 act (orchestral introduction, kwento ni Elsa tungkol sa isang panaginip na "Naaalala ko kung paano ako nanalangin", koro ng mga tao "Narito! Narito! Oh, anong himala!"); act 2 (orchestral introduction, Friedrich Telramund's arioso "You killed me", Friedrich and Ortrud's oath of vengeance, Elsa's arioso "O light-winged wind"); Act 3 (orchestral introduction, wedding choir "Our Lord is Blessed", Elsa and Lohengrin's love duet "Wonderful Fire", kuwento ni Lohengrin "In the Holy Land").

Opera "Tristan at Isolde": symphonic introduction to act 1; 1 act - ang eksena ng pag-inom ng love drink; 2 act, 2 scene - love duet nina Tristan at Isolde; 3 act (pagpapakilala at himig ng mga pastol, ang pinangyarihan ng pagkamatay ni Isolde).

Opera "Rhine Gold": orkestra na pagpapakilala, interlude sa pagitan ng mga eksena 2 at 3 (pagbaba sa Nibelheim), eksena 4.

Opera "Valkyrie": 1 act (pagpapakilala at unang eksena nina Sigmund at Sieglinde); 3 aksyon ("flight of the Valkyries", scene three - paalam ni Wotan kay Brunnhilde at fire spells).

Opera "Siegfried": 1 act (ang unang kanta ni Siegfried "Notung, Notung, ang magiting na espada" at ang pangalawang kanta ni Siegfried "Ang aking malakas na espada ay sumuko sa martilyo"); 2 act (ikalawang eksena, "ang kaluskos ng kagubatan").

Opera "Kamatayan ng mga Diyos": isang symphonic episode ng paglalakbay ni Siegfried sa kahabaan ng Rhine mula sa prologue; Act 3 (Kuwento ni Siegfried at martsa ng libing).

Opera Faust: 1 gawa (mga taludtod ng Mephistopheles "Sa lupa ang buong sangkatauhan"); 2nd act (Siebel's couplets "Tell me," Faust's cavatina "Hello, sacred shelter", Marguerite's aria "with pearls"); Act 3 (Mephistopheles' serenade "Lumabas ka, mahal kong kaibigan").

Symphonic suite mula sa musika hanggang sa isang drama ni Daudet "Arlesian".

Opera "Carmen": overture (3 tema), 1 act (martsa at koro ng mga lalaki No. 2, koro ng mga manggagawa "Tingnan kung paano lumipad ang usok", ang unang labasan ng Carmen No. 3, Carmen habanera "Sa pag-ibig ..." Hindi 4, eksena No. 5 - ang hitsura ni Jose , ang tema ng nakamamatay na pagsinta, ang tema ng pag-ibig ni Jose Duet nina Michaela at Jose No. 6. Ang eksena ni Carmen kasama ang mga sundalo - isang kanta tungkol sa matandang asawa, si Carmen seguidilla); 2 act (symphonic intermission, gypsy dance at Carmen's song, Escamillo's verses No. 13, scene of Carmen and Jose, Jose's aria with a flower); act 3: symphonic intermission, sextet at smugglers' choir no. 18, ang divination scene ni Carmen no. 19; Act 4 - symphonic intermission, Choir No. 24 - Square sa Seville, magtatapos ang duet. Koro Blg. 26

Buong teksto ng abstract ng disertasyon sa paksang "Mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagliko ng ika-19-20 siglo"

Bilang isang manuskrito

Kuzovchikova Tatyana Igorevna

Mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagpasok ng ika-19-20 siglo

Espesyalidad 17.00.01 - Sining sa teatro

disertasyon para sa antas ng kandidato ng kasaysayan ng sining

Saint Petersburg 2014

Ang gawain ay ginanap sa Department of Foreign Art ng Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education "St. Petersburg State Academy of Theatre Arts"

Siyentipikong tagapayo: Doktor ng Sining, Propesor Maksimov Vadim Igorevich

Mga opisyal na kalaban:

Gracheva Larisa Vyacheslavovna, Doctor of Arts, Propesor, Associate Professor ng Acting Department ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts

Semenova Marianna Borisovna, Kandidato ng Art History, Associate Professor ng Acting Department ng Baltic Institute of Ecology, Politics and Law (BIEPP)

Nangunguna sa organisasyon:

Federal State Budgetary Research Institution "State Institute of Art Studies"

Dissertation Council D 210.017.01 sa St. Petersburg State Academy of Theatre Arts sa address: 191028, St. Petersburg, Mokhovaya st., 35, room 512.

Ang disertasyon ay matatagpuan sa aklatan ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts (Mokhovaya st., 34) Ang abstract ay ipinadala noong 2014.

Kalihim ng Siyentipiko

konseho ng disertasyon ^

Kandidato ng Art Criticism Nekrasova Inna Anatolyevna

Ang pagliko ng ika-19-20 siglo sa France ay isang panahon ng aesthetic eclecticism, na ipinahayag sa paghaharap ng magkakaibang mga artistikong uso na lumitaw nang halos sabay-sabay. Sa polemics na may mga tradisyong akademiko at komersyal, nabubuo sa teatro ang mga estetika ng naturalismo, simbolismo, neo-romantisismo, at modernidad. Ayon sa kaugalian, ang panahong ito ay isinasaalang-alang bilang ang panahon ng pagbuo ng teatro ng direktor, na iginiit ang sarili nito nang magkatulad sa dalawang pangunahing artistikong direksyon ng panahon - naturalismo at simbolismo. Ang theatrical practice nina Andre Antoine, Paul Faure, Aurélien-Marie Lugnier-Pau, ang kanilang kontribusyon sa pag-unlad ng world theater ngayon ay pinag-aralan sa ilang detalye ng parehong domestic at foreign theater studies.

Ang pag-unawa sa pagganap bilang isang masining na kabuuan ay nagdala sa unahan ng mga konsepto tulad ng kapaligiran, estilistang pagkakaisa, tula ng may-akda, paghubog. Ang pagnanais para sa pagiging natural, ang katotohanan ng buhay ay sumasalungat sa isang metaporikal, kondisyonal na teatro, ngunit sa pangkalahatan, ang lahat ng makabuluhang mga eksperimentong eksena - pareho ang Libre Theater, at ang Theater d "Ar, at ang Evre Theater ay naglalayong pagtagumpayan ang theatrical model. ng ika-19 na siglo, ang mga tradisyon ng acting theater. Ang ganitong pangangailangan sa maraming paraan ay dahil sa paglitaw ng isang "bagong drama", na, tinatanggihan ang isang panlabas na serye ng kaganapan (ang konsepto ng "static na teatro" ni M. Maeterlinck) , ang karaniwang pag-unawa sa bayani at dramatikong salungatan, ay nangangailangan ng pag-unawa sa direktoryo at gumawa ng mga bagong kahilingan sa teatro.

Kasabay nito, sa France mayroong isa pang makabuluhang layer ng theatrical culture, na nag-aalok ng mga alternatibong paraan ng paglutas ng parehong mga problema. Noong 1894, tinawag ng kritiko na si A. Aderé ang phenomenon na ito na "le théâtre à côté"1, na maaaring isalin bilang "next door theater" o "roadside theater". Ang may-akda ay hindi nagtakda ng isang layunin upang matukoy ang papel ng ito o ang hindi pangkaraniwang bagay na iyon at isinasaalang-alang ang "teatro sa tabing daan" bilang isang amateur na kapaligiran, isang pansamantalang yugto sa daan patungo sa

1 Aderer A. Le Théâtre à côté. Paris, 1894.

propesyonal na mundo. Gayunpaman, sa pagliko ng ika-19-20 siglo, "ang teatro sa tabing daan" ay lumampas sa kahulugan ng Adére at naging isang independiyenteng artistikong kababalaghan, kung saan ang aesthetic eclecticism ng panahong ito ay ipinahayag sa malapit na relasyon ng disparate artistic. mga konsepto. Dito, nagiging halata ang interweaving at pagkakatulad ng mga malikhaing paghahanap na nauugnay sa pagbuo ng teatro ng direktor at naglalayong muling pag-isipan ang konsepto ng theatricality. Sa disertasyong ito, ang "teatro sa tabing daan" ay itinuturing bilang isang hanay ng mga bagong anyo at genre na lumitaw sa kurso ng mga amateur na eksperimento at pribadong inisyatiba at naglalaman ng mga bagong teatro na modelo na muling nag-iisip sa mga prinsipyo ng dramaturhiya, pagkakaroon ng aktor, at disenyo. ng isang pagganap. Kabilang sa mga ito, apat na equal-scale phenomena ang namumukod-tangi: cabaret, shadow theater, puppet theater at ang "horror theater" na Grand Guignol.

Nang walang pagsunod sa alinman sa mga masining na paggalaw, ang alternatibong theatrical na kultura ng Belle époque (Belle époque, Belle Epoque) ay naging reaksyon sa kanilang pagkakaiba-iba, na nag-ambag sa pagbabago ng genre at mga tiyak na hangganan. Ang papet na teatro, ang shadow theater, ang mask theater, ang cafe-concert at ang mass entertainment culture ay mayroon nang siglong gulang na kasaysayan o malalim na background sa mga katulad na phenomena ng nakaraan. Palaging umuunlad nang hiwalay, sa anino ng dramatikong teatro, sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo sila ay naging pantay dito sa mga karapatan, ang unang tumutugon sa mga katotohanan ng panahon at madaling makipag-ugnayan sa isa't isa, paglutas ng mga problema. ng theatrical na wika noong ika-20 siglo. Ang kanilang mga eksperimento sa larangan ng bagong dramaturhiya, mga bagong genre, mga bagong paraan ng pagpapahayag at mga bagong paraan ng paglikha ng isang imahe sa entablado (mask, anino, papet, mga naturalistic na aparato) ay pinalawak at pangunahing binago ang aesthetics ng theatrical naturalism, simbolismo, at modernidad.

Sa kabila ng lumalagong interes ng Western science sa ilang mga theatrical forms at genres ng belle époque, hindi pa sila naging

itinuturing na magkasama bilang mga bahagi ng isang solong artistikong proseso, na nauugnay sa parehong mga uso sa pagbuo ng teatro ng direktor. Simula sa kabaret, na naging kasingkahulugan ng malikhaing kalayaan at pinagkasundo ang mga pwersang antagonistiko sa ilalim ng bubong nito, natapos ang prosesong ito sa tagumpay ng “le théâtre de spécialité” (sa literal: isang teatro na may sariling espesyalisasyon, iyon ay, isang teatro na nakatuon sa ang mga partikular na pangangailangan ng publiko; ang termino ay iminungkahi ng mananaliksik na theatrical culture ng panahong ito, si Agnès Pierron)1, ang pagbuo ng industriya ng sining (sa seryeng ito, tulad ng isang komersyal na matagumpay na proyekto bilang Moulin Rouge). Ang mga tagalikha ng kabaret sa una ay nakatuon sa isang malawak na madla: habang ang mga pagtatanghal ng mga naturalista at simbolista ay naglubog sa karaniwang tao sa pagkabigla, ang kabaret ay nag-alok sa kanya ng ilusyon ng isang kompromiso, ang pakiramdam na siya ay nililigawan - sa pamamagitan ng puwersang humihila sa kanya sa isang bagong theatricality, bihasa siya sa mga bagong iminungkahing pangyayari. Ang mga pagtuklas na ginawa sa "mga teatro sa tabing daan" sa maraming paraan ay naghanda ng aesthetic base para sa avant-garde ng ika-20 siglo; Kasabay nito, ang mga pundasyon ng industriya ng kulturang masa ay inilatag dito.

Ang layunin ng pananaliksik sa disertasyon ay upang ipakita ang mga pattern ng paglitaw ng mga bagong anyo at genre ng teatro sa France sa pagliko ng ika-19-20 siglo, upang ipakita ang pagkakapareho ng kanilang mga masining na paghahanap, ang kanilang pangunahing pagbabago sa konteksto ng mga pagbabagong sosyo-kultural sa panahong ito.

Kasama sa mga layunin ng pag-aaral ang pag-aaral ng "alternatibong" proseso ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo, ang ugnayan ng mga bagong anyo at genre sa mga natuklasan ng teatro ng direktor; pagpapakita ng paghahanap para sa mga bagong teatro na solusyon sa pamamagitan ng mga detalye ng cabaret at "horror theater", sa pamamagitan ng metaporikong katangian ng shadow theater at puppet theater; pagpapasiya ng papel ng mga hindi pangkaraniwang bagay na ito sa ebolusyon ng wikang entablado, ang kanilang pangkalahatang kontribusyon sa pag-unlad ng sining ng teatro noong ika-20 siglo.

1 Cm.: Pierron A. Préface // Pierron A. Le Grand Guignol: Le Théâtre des peurs de la Belle époque. Paris, 1995. P.X.

Ang isang komprehensibong pag-aaral ng "alternatibong" theatrical forms na lumitaw sa France sa turn ng 19th-20th century at lumampas sa theatrical naturalism at theatrical symbolism, ang kanilang kaugnayan sa pangkalahatang proseso ng theatrical at ang pagpapasiya ng kanilang lugar dito ay isinasagawa para sa sa unang pagkakataon at bumubuo ng maka-agham na bagong bagay sa akda. Karamihan sa mga dokumento at materyales na ginamit upang muling likhain ang ipinakita na mga kababalaghan ay hindi dating kasangkot sa mga pag-aaral sa domestic theater; maraming mga pagtatanghal at mga dramatikong teksto ang inilarawan at sinuri sa Russian sa unang pagkakataon.

Ang pag-aaral ng mga bagong anyo at genre ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo sa konteksto ng pagbuo ng teatro ng direktor ay tila may kaugnayan sa liwanag ng mga katulad na proseso na nagaganap sa teatro ng unang bahagi ng ika-21 siglo, na nailalarawan din. sa pamamagitan ng paglampas sa tradisyunal na mga hangganan ng espasyo ng entablado, ang pagnanais na synthesize ang mga theatrical forms (puppet, mask , anino, bagay), mastering ang karanasan ng mga kaugnay na sining. Maraming mga tuklas na ginawa mahigit isang siglo na ang nakalipas ay nabura sa makasaysayang memorya; pagbabalik sa mga ugat, pag-aaral ng karanasan ng nakaraang siglo, ay nagbibigay-daan sa iyo upang muling isaalang-alang ang mga pattern ng pag-unlad ng theatrical art, nag-aambag sa muling pag-iisip ng mga theatrical experiments ngayon.

Ang object ng pag-aaral ay ang French theater sa pagliko ng ika-19-20 na siglo.

Ang paksa ng pananaliksik ay "alternatibong" mga anyo at genre ng teatro sa France (cabaret, shadow theater, puppet theater, "horror theater") sa konteksto ng theatrical evolution sa pagliko ng ika-19-20 na siglo, ang paglipat sa ang teatro ng direktor.

Ang materyal ng pananaliksik ay:

Theoretical publication at manifestos ng French theatrical figure sa turn ng 19th-20th century;

Mga dramatikong teksto at script para sa mga pagtatanghal (Sha Noir, Petit Theater de Marionette, Grand Guignol), na hindi dating isinalin sa Russian;

Mga pagsusuri, pagsusuri, memoir ng mga kontemporaryo;

iba't ibang makasaysayang at theatrical na mga dokumento ng panahon, mga poster, iconographic na materyales.

Ang pamamaraan ng pananaliksik ay batay sa mga prinsipyo ng pagsusuri at paglalarawan ng theatrical phenomenon na binuo ng Leningrad-Petersburg school of theater studies; iniuugnay ang hindi pangkaraniwang bagay na ito sa kontekstong pangkasaysayan at sosyo-kultural, na tinutukoy ang lugar nito sa pangkalahatang proseso ng teatro.

Ang teoretikal na batayan ng pag-aaral ay: modernong siyentipikong mga gawa sa likas na katangian ng teatro at ang tipolohiya ng mga sistema ng teatro - Yu.M. Barboy, V.I. Maksimova1; pangunahing mga gawa ng mga lokal at dayuhang espesyalista na nakatuon sa mga problema ng pagdidirekta at Western European (sa partikular, French) na teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo (L.I. Gitelman, T.I. Bachelis, V.I. Maksimov2; D. Knowles, J. Robichet , D. Bable3); pananaliksik sa larangan ng mga kaugnay na humanidad, aesthetics at teorya ng French art sa pagliko ng ika-19-20 na siglo (Ch. Rerik, R. Shattak4; V.I. Bozhovich, V.I. Razdolskaya5); mga gawa ng dayuhan at modernong domestic na kritiko ng sining sa mga pangkalahatang isyu ng sining ng Kanlurang Europa noong pinag-aralan na panahon6.

1 Barboy Yu.M. Sa teorya ng teatro. St. Petersburg, 2008; Panimula sa mga pag-aaral sa teatro / Comp. at resp. ed. Yu.M. Barboy. St. Petersburg, 2011; Maksimov V.I. Edad ni Antonin Artaud. SPb., 2005.

2 Bachelis T.I. Sina Shakespeare at Craig. M., 1983; Gitelman L.I. Mga klasikong Ruso sa entablado ng Pransya. L., 1978; Gitelman L.I. Ideolohikal at malikhaing mga paghahanap ng French directing ng XX century. L., 1988; Ang Sining ng Pagdidirekta sa Ibang Bansa: (Unang Kalahati ng Ika-20 Siglo): Mambabasa. St. Petersburg, 2004; simbolismong Pranses. Dramaturgy at teatro / Comp., entry. Art., komento. SA AT. Maksimov. SPb., 2000.

3 Knowles D. La Reaction idéaliste au theâtre depuis 1890. Paris, 1934; Robichez J. Le Symbolisme au theâtre: Lugné-Poe et les débuts de l "OEuvre. Paris, 1957; Bablet D. La Mise en scène contemporaine: (1887-1917). Paris, 1968.

4 Rearick Ch. Mga Kasiyahan ng Belle Epoque. Bagong Haven; London, 1985; Shattuck R. Les primitifs de l "Avant-garde: (Henri Rousseau, Erik Satie, Alfred Jarry, Guillaume Apollinaire). (The Banquet years). Paris, 1974.

5 Bozhovich V.I. Mga tradisyon at pakikipag-ugnayan ng sining: (France, huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo). M., 1987; Razdolskaya V.I. Sining ng France sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. L., 1981.

6 Art Nouveau: (1890-1914). London, 2000; German M. Modernism: (Sining ng unang kalahati ng ika-20 siglo). St. Petersburg, 2008; Kirichenko I.E. Moderno. Sa tanong ng mga pinagmulan at typology // Kasaysayan ng sining ng Sobyet "78. Isyu 1. M., 1979. S. 249-283; Sarabyanov D.V. Modern: History of style. M., 2001.

Ang panitikan sa paksa ay maaaring hatiin sa apat na grupo, ayon sa apat na penomena na pinag-aaralan: 1) kabaret; 2) teatro ng anino; 3) papet na teatro; 4) Grand Guignol.

1. Bilang isang tuntunin, sa agham ng Russia, ang kabaret ng pagliko ng ika-19-20 siglo ay tumutukoy sa mga phenomena ng iba't ibang sining,1 na tiyak na totoo sa konteksto ng ebolusyong aesthetic nito. Ang Cabaret, na tumangay sa buong Europa sa simula ng ika-20 siglo, ay hindi tumitigil sa pagpukaw ng interes sa mga Kanluraning mananaliksik; gayunpaman, ito ay pangunahing pinag-aaralan bilang isang kultural na penomenon2. Ang isang espesyal na lugar ay ibinibigay sa cabaret Sha Noir3 (Black Cat) - ang unang artistikong kabaret sa Paris, na nakita ng mga kontemporaryo bilang isang modelo.

Isinasaalang-alang ang cabaret bilang isang bagong anyo ng theatricality ay unang iminungkahi ni M.M. Bonch-Tomashevsky sa kanyang artikulo noong 1913 na "The Theater of Parody and Grimace"4, kung saan binuo niya ang mga pangunahing prinsipyo ng kabaret, na kasunod na pinagtibay ng teatro ng direktor. Kabilang sa mga ito: ang pag-aalis ng rampa sa entablado, ang prinsipyo ng kapaligiran ng panoorin, ang paglabas ng aksyon sa bulwagan, improvisasyon at ang kataka-taka bilang mga bahagi ng istilo ng pagganap, ang "unibersalidad" ng aktor, ang paglikha ng isang maskara bilang isang kinakailangang kondisyon para sa pagkakaroon sa entablado, pagtanggi at pangungutya bilang batayan ng pagiging malikhain ng kabaret.

N.K. Petrova 1985 "Theatrical art of Montmartre (Pagbuo ng mga teatro ng maliliit na anyo

1 Uvarova E.D. Iba't ibang teatro: miniature, review, music hall (1917-1945). M., 1983; Klitin S.S. Kasaysayan ng stage art. SPb., 2008.

2 Astre A. Les cabarets littéraires et artistiques // Les spectacles a travers les ages: (Théâtre. Cirque. Music-Hall. Café-concerts. Cabarets artistiques). Paris, s.a. T. 1. P. 327-364.; Rearick Ch. Mga Kasiyahan ng Belle Epoque; Montmartre at ang paggawa ng kulturang masa. Bagong Brunswick; New Jersey; London, 2001; Appignanesi JI. Cabaret. M., 2010.

3 Le Chat Noir: (1881-1897). Les dossies du Musée d "Orsay. Paris, 1992; Fields A. Le Chat Noir: (Isang Montmartre Cabaret at ang mga Artist nito sa Tum-of-the-Century Paris). Santa Barbara, 1993; Oberthür M. Le cabaret du Chat Noir à Montmartre (1881-1897), Genève, 2007.

4 Bonch-Tomashevsky M.M. Teatro ng parody at pagngiwi. (Cabaret) // Mga maskara. 1912-1913. No. 5. pp. 20-38.

sa French theatrical culture sa pagtatapos ng ika-19 na siglo). Ang mga artistikong cabarets (sa halimbawa ng Cha Noir), ang sining ng Montmartre chansonniers, ang "kusang" teatro ng huling bahagi ng ika-19 na siglo (tinukoy ng may-akda ang mga bola ng Montmartre, halimbawa, Moulin de la Galette) ay ipinakita sa magkakahiwalay na mga kabanata. N.K. Sinaliksik ni Petrova hindi lamang ang kabaret, ngunit ang katotohanan ng Montmartre sa pangkalahatan; Itinuturing itong repleksyon ng mga pagbabagong sosyo-kultural at bunga ng theatricalization ng buhay na katangian ng panahon. Sa kabila ng hindi maikakaila na halaga ng pag-aaral (paglalarawan ng panahon, ang iba't ibang mga phenomena na ipinakita, ang pagiging bago ng materyal), ang teksto ay naglalaman ng maraming medyo abstract na mga katangian; ang bawat kamangha-manghang kaganapan ay iniuugnay sa teatro, at ang bawat pagtatanghal - sa pagtatanghal, na hindi palaging makatwiran at hindi palaging dokumentado. Una sa lahat, ito ay may kinalaman sa paglalarawan ng mga pagtatanghal ng Sha Noir2.

Ang monograph ni Harold Segel sa kasaysayan ng cabaret3 ay natatangi sa uri nito, na sumasaklaw sa buong kultura ng European cabaret at nagpapakita ng dynamics ng pag-unlad nito. Sa paunang salita na nagbubuod sa pagbuo ng kabaret, sinusuri ng may-akda ang pakikipag-ugnayan nito sa teatro, na gumagawa ng isang pangunahing konklusyon na itinatag ng kabaret ang mga karapatan ng "sining ng maliliit na anyo", kung saan ang ibig sabihin ng Segel ay "ang sining na binubuo ng mga genre na tradisyonal na itinuturing na pangalawa o hindi gaanong mahalaga kaugnay ng mataas na kultura"4 (kabilang ng mga ito - isang kanta, isang parody, isang papet na teatro, atbp.).

2. Dahil sa ang katunayan na sa loob ng sampung taon ay mayroong isang shadow theater sa Cha Noir, ito ay nakatayo bukod sa kultura ng French cabaret. Sa pangkalahatang pananaliksik sa Sha Noir, ang shadow theater ay itinuturing na isa

1 Petrova N.K. Theatrical art of Montmartre (Pagbuo ng mga teatro ng maliliit na anyo sa

kulturang Pranses sa pagtatapos ng ika-19 na siglo). Dis. ...cand. Kasaysayan ng sining. M., 1985. Tingnan: Ibid. pp. 22-32.

3 Segel H.B. Turn-of-the-century cabaret: (Paris, Barcelona, ​​​​Berlin, Munich, Vienna, Cracow, Moscow, St. Petersburg, Zurich). New York, 1987.

4 Ibidem. P. XVI.

mula sa mga bahagi ng kabaret; hindi nila sinusuri ang mga teknikal na katangian ng teatro, ang pangunahing pagkakaiba nito mula sa nakaraang tradisyon. Sa kabaligtaran, sa mga espesyal na gawa sa kasaysayan ng shadow theater1, kung saan ang Cha Noir ay binibigyan ng hiwalay na mga kabanata, ang pangunahing atensyon ay binabayaran sa teknolohiya, na nauugnay sa mga tradisyon ng Silangan at European ng shadow theater; hindi nito isinasaalang-alang ang konteksto ng kultura ng panahon, ang sariling katangian ng kabaret, ay hindi sinusuri ang independiyenteng artistikong halaga ng mga pagtatanghal ng anino.

Ang isang pagbubukod ay ang monograp ni Paul Jeanne,2 isang kontemporaryo ng Cha Noir, na nagmungkahi ng klasipikasyon ng shadow theater repertoire, na isinasaalang-alang ito bilang bahagi ng kultura ng kabaret. Ang mga detalyadong pagsusuri ng kritiko na si Jules Lemaitre3, mga pagsusuri at memoir ng mga kontemporaryo, mga teksto ng mga poster, mga materyal na iconograpiko ay ginagawang posible na muling buuin ang ilang mga pagtatanghal ng anino, upang maiugnay ang mga ito sa mga aesthetics ng simbolismo at modernidad.

3. Ang mga eksperimento sa papet na teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay nahulog sa bilog ng mga siyentipikong interes ng mga dayuhang mananaliksik kamakailan4; sa mga pag-aaral sa teatro ng Russia ay hindi pa rin sila pinapansin. Ang papet bilang isang kasangkapan sa pagpapatupad ng mga bagong ideya sa teatro na may direktang epekto sa konsepto ng impersonal na teatro ay isinasaalang-alang sa monograp ni Didier Plassart, na nakatuon sa aktor sa sistema ng modernistang sining noong ika-20 siglo5 at sa disertasyon. ng Helene Beauchamp6, na

1 Bordât D., Boucrot F. Les théâtres d "ombres: Histoire et techniques. Paris, 1956; Blackham O.

Shadow puppet. London, 1960; Cook O. Movement in Two Dimensions: (Isang pag-aaral ng animated at projected na mga larawan na nauna sa dimensyon ng cinematography). London, 1963. 1 Jeanne P. Les théâtres d "ombres à Montmartre de 1887 à 1923: (Chat Noir, Quat" z "arts, Lune Rousse). Paris, 1937.

3 Tingnan ang halimbawa: Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de theâtre. Paris, 1888. 2-ème series. P. 319-343; Lemaitre J. Le Chat Noir//Lemaitre J. Impressions de theatre. Paris, 1891. 5-ème series. P. 347-354.

5 Plassard D. L "acteur en effigie. Lausanne, 1992.

6 Beauchamp H. La marionette, conscience critique et laboratoire du theâtre. Mga paggamit théorique et scénique de la marionnette entre les années 1890 et les années 1930. (Belgique, Espagne, France). Ang mga de doctorat en littérature comparée. Paris IV - Sorbonne. 2007.

nag-aaral ng papet na teatro sa France, Belgium at Spain sa pagpasok ng ika-19-20 siglo bilang isang malikhaing laboratoryo para sa mga eksperimento sa teatro. Ang istraktura ng disertasyon ni Beauchamp ay itinayo sa paraang paulit-ulit na lumilitaw ang parehong phenomena sa iba't ibang aspeto (sa kanilang kaugnayan sa relihiyon, tradisyon sa teatro, sitwasyong sosyo-kultural, atbp.), na humahadlang sa pagtatasa ng kanilang kabuuang kontribusyon sa karagdagang pag-unlad ng teatro.

4. Ang pinaka-pinag-aralan na kababalaghan ng "alternatibong" proseso ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 na siglo ay ang "horror theater" ng Grand Guignol. Ito rin ang pinaka-eskematiko sa mga tuntunin ng uri ng pagtatanghal, dahil minarkahan nito ang paglipat sa kulturang masa. Nag-iiwan ng isang kahanga-hangang pamana at nakakaimpluwensya sa industriya ng pelikula, ang Grand Guignol ang tumanggap ng ilang monographs sa West1; Isang espesyal na kontribusyon sa pag-aaral nito ang ginawa ng French theater researcher na si A. Pieron, na sa ilalim ng kanyang pag-edit ay nailathala ang pangunahing antolohiya ng drama ng Grand Guignol2. Ang mahabang malikhaing buhay ng teatro na ito ay muling nilikha sa paunang salita at mga detalyadong komento.

Sa mga domestic scientist, E.D. Galtsov, na may kaugnayan sa pagtatanghal ng "Mga Tala mula sa Underground" ni F.M. Dostoevsky3. Sa gitna ng pang-agham na interes dito ay ang teksto ng Dostoevsky, na itinanghal sa unang pagkakataon sa entablado ng Pransya, ang interpretasyong Pranses ng klasikong Ruso, ang ugnayan ng pagtatanghal ng dula sa orihinal.

Sa mga modernong pag-aaral sa teatro ng Pransya, ang interes sa ilang maliit na pinag-aralan na mga plot ng teatro sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay tumataas: halimbawa, ito ay ipinakita mula sa iba't ibang mga anggulo sa koleksyon ng mga artikulo ng 2006

1 Riviere F., Wittkop G. Grand Guignol. Paris, 1979; Kamay R.J., Wilson M. Grand-Guignol: (Ang French theater of horror). Exeter, 2002.

2 Le Grand Guignol. Le Théâtre des peurs de la Belle Époque / Éd. Talahanayan par A. Pierron. Paris, 1995; Tingnan din ang: Pierron A. Petite scène à grands effets au Grand-Guignol // Le Spectaculaire dans les arts dans la scène: du Romantisme à la Belle Époque. Paris, 2006. P. 134-137.

3 Galtsova E.D. "Mga Tala mula sa Underground" sa Parisian Horror Theater Grand Guignol // Mula sa Teksto hanggang Yugto: Russian-French Theatrical Interactions of the 19th-20th Centuries: Sat. mga artikulo. Moscow, 2006, pp. 29-47.

"The Spectacle of the Performing Arts: (From Romanticism to Belle Epoque)"1. Ang partikular na interes ay ang mga sumusunod na artikulo: "The Small Stage and the Great Effects of the Grand Guignol" ni A. Pieron, "The Temptation of the Shadow Theater in the Age of Symbolism" ni S. Luce, "The Song, the " Pagganap" ng Belle Epoque" ni O. Goetz, "Convulsions of the End of the Century . Panoorin sa labas ng teksto ng pantomime» A. Rikner. Gayunpaman, wala pang pagtatangka upang pagsamahin ang mga ito at isaalang-alang ang mga ito sa isang eroplano. Sa mga pag-aaral sa teatro ng Russia, hanggang ngayon, ang pansin ay binabayaran lamang sa kabaret at bahagyang sa Grand Guignol (dahil din sa katotohanan na sa simula ng ika-20 siglo ang analogue nito ay umiral sa St. Petersburg)2.

Ang praktikal na kahalagahan ng pag-aaral ay tinutukoy ng katotohanan na ang mga resulta nito ay maaaring gamitin sa mga kurso sa panayam sa kasaysayan ng dayuhang teatro noong ika-19 at ika-20 siglo, sa mga espesyal na kurso sa kasaysayan ng pop art, papet na teatro; gayundin sa karagdagang pag-aaral ng teatro ng Pransya ng panahong sinusuri. Bilang karagdagan, ang disertasyon ay maaaring maging interesado sa mga practitioner ng entablado na ang mga interes ay nasa larangan ng eksperimentong teatro.

Pag-apruba ng mga resulta ng pananaliksik. Ang mga resulta ng pananaliksik sa disertasyon ay nai-publish sa isang bilang ng mga artikulo ng may-akda sa mga journal at siyentipikong publikasyon; gayundin sa mga ulat sa mga siyentipikong postgraduate conference (St. Petersburg, SPbGATI, 2010; Minsk, BGAI, 2010; Brno (Czech Republic), JAMU, 2011); sa International Conference "Art of the Doll: Origins and Innovations" (Moscow, STD RF - S.V. Obraztsov, 2013).

Ang talakayan ng disertasyon ay naganap sa mga pagpupulong ng Department of Foreign Art ng St. Petersburg State Academy of Theatre Arts.

Istruktura ng trabaho. Ang disertasyon ay binubuo ng isang Panimula, apat na kabanata, isang Konklusyon, isang listahan ng mga sanggunian (higit sa 230 mga pamagat) sa Russian, French at English, pati na rin ang dalawang Appendix:

1 Le Spectaculaire dans les arts de la scène: (Du romantisme à la Belle époque). Paris, 2006.

2 Tingnan ang: Tikhvinskaya L.I. Araw-araw na buhay ng theatrical bohemia ng Silver Age. M., 2005.

ang una ay naglalaman ng repertoire ng mga sinehan, mga pagsasalin ng mga script at mga sipi mula sa mga dula, ang pangalawa ay nagtatanghal ng mga iconographic na materyales.

Ang Panimula ay nagpapatunay sa pagpili ng paksa ng pananaliksik at ang kaugnayan nito, tinutukoy ang antas ng pag-unlad ng problema, bumubuo ng mga pangunahing layunin at layunin ng gawain, ang mga prinsipyong pamamaraan nito. Ang pagsusuri ng panitikan sa isyu na inilathala sa Russian, French, at English ay ibinigay.

Sinusuri din ng Introduction ang theatrical at general cultural situation sa France sa pagpasok ng 19th-20th century - Belle Epoque, kapag ang isang pandaigdigang kaguluhan ay nagaganap sa lahat ng larangan ng kultura, agham at sining. Lahat ng uri ng sining sa panahong ito ay pumapasok sa yugto ng "radical restructuring ng kanilang mga figurative structures"1. Ang mga pangunahing pagbabago sa larangan ng teatro ay nauugnay sa paglitaw ng teatro ng direktor, na binuo sa mga polemics na may akademya at komersyal na tradisyon, na iginiit ang sarili na kahanay sa dalawang artistikong direksyon - naturalismo at simbolismo. Kasabay nito, nabubuo ang theatrical aesthetics ng neo-romanticism at modernity.

Ang aklat ni A. Aderé "Roadside Theatre", na siyang pinagmulan ng paksang ito, ay sinuri. Sa kabila ng likas na kaalaman nito, dito sa unang pagkakataon ay ginawa ang isang pagtatangka upang pag-isahin ang magkakaibang mga phenomena ng prosesong "malapit sa theatrical". Gayunpaman, sa pagpasok ng ika-19-20 siglo, ang "teatro sa tabing daan" ay nagiging isang independiyenteng artistikong kababalaghan na sumasalamin at nagdagdag sa reporma ng direktor ng teatro. Dagdag pa, ang Panimula ay binabalangkas ang hanay ng mga phenomena na isasaalang-alang sa disertasyon at nagpapatunay sa kanilang pinili, ay nagbibigay ng pangkalahatang paglalarawan ng bawat isa sa kanila.

Sa unang kabanata - "Cabaret", na binubuo ng tatlong seksyon, ang cabaret ay ginalugad bilang isang bagong independiyenteng anyo ng epektibong pagkamalikhain, isang alternatibong theatrical venue ng Belle Epoque, na nagtatatag ng sarili nitong

1 Bozhovich V.I. Mga tradisyon at pakikipag-ugnayan ng sining: (France, huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo). C. 4.

ang mga batas ng paglikha ng isang imahe sa entablado, ang relasyon sa pagitan ng entablado at ng madla, ang mga kondisyon para sa pagkakaroon ng tagapalabas at ng publiko.

Sa kabila ng katotohanan na halos sabay-sabay na lumabas ang cabaret at director's theater sa France, hindi sila nagsalubong sa isa't isa. Ang French cabaret ay hindi mismo isang teatro; iminungkahi nito ang landas ng theatricality bilang batayan ng buhay at pagkamalikhain sa entablado, na ang kakanyahan nito ay mabubuo sa bandang huli sa konsepto ng H.H. Evreinova: "Ang theatricality ay lumilitaw bilang isang form-building mechanism na naglalayong hindi kumatawan sa mga anyo at phenomena ng realidad, ngunit sa paglikha ng mga orihinal na aesthetic form, na kung saan ang buhay mismo ay nagpatibay"1. Sa kanyang 1908 Apology for Theatricality, ibinigay ni Evreinov ang sumusunod na kahulugan ng termino: “Sa pamamagitan ng 'theatricality'... Ang ibig kong sabihin ay isang aesthetic monstrosity ng isang malinaw na tendentious nature, na, kahit na malayo sa gusali ng teatro, na may isang kasiya-siyang kilos, na may isang magandang protonated na salita, lumilikha ng mga yugto, tanawin at nagpapalaya sa atin mula sa tanikala ng katotohanan - madali, masaya at walang kabiguan. Ang ganitong pag-unawa sa theatricality ay nabibilang sa aesthetics ng modernity; ito ay batay sa thesis ng pagbabago ng buhay sa tulong ng sining, na tumutugma sa direksyon ng pag-unlad ng French cabaret. Tinukoy ni O. Norvezhsky ang kanyang malikhaing paghahanap tulad ng sumusunod: "Hindi gaanong pampanitikan at mas kumikinang, masakit na matalas at kasabay nito ay eleganteng pagmuni-muni ng buong bangungot ng pang-araw-araw na buhay"3. Nasa cabaret sa France na nagsisimula ang pagbuo ng theatrical modernity bilang reaksyon sa simbolismo sa teatro.

Ang seksyon na "Origins" ay nagbibigay ng kasaysayan ng paglikha ng pinakasikat na cabaret sa Paris - Chas Noir (1881-1897). Ang aesthetic phenomenon ng Montmartre, ang sentro ng kultura ng Belle Epoque, ay ipinapakita. Ang Cabaret ay nagtatakip sa "trahedya

1 Dzhurova T.S. Ang konsepto ng theatricality sa akda ni H.H. Evreinova. SPb., 2010. S. 15.

2 Evreinov H.H. Teatro tulad nito // Evreinov H.H. Madulang demonyo. M.; SPb., 2002. S. 40-41.

3 Norwegian O. Cabaret // Theater and Art. 1910. Blg. 10. S. 216.

araw-araw na buhay" festive theatricality, ay naging isang simbolo ng Montmartre - ang "libreng lungsod" ng isang batang artistikong bohemia, isang estado sa loob ng isang estado na nabubuhay ayon sa sarili nitong mga batas, alinsunod sa aesthetic na lasa at artistikong lohika. Ang sumusunod ay isang pambihirang personalidad ni Rodolphe Saly (1851-1897) - ang sikat na direktor ng Chas Noir, ang nagpakilalang hari ng Montmartre. Salamat sa administratibong talento at creative flair ni Sali, naging isang cabaret model ang Cha Noir na nagdulot ng malawakang imitasyon sa buong Europa. Ang aesthetic eclecticism na naghari sa Sha Noir ay inaasahang sa buong kultura ng pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. Sa panahon ng muling pag-iisip ng sining, ang cabaret ay nakipagkasundo sa ilalim ng mga kinatawan ng bubong ng iba't ibang mga artistikong paggalaw, na naging isang simbolo ng kalayaan sa paglikha at isang lugar ng konsentrasyon ng mga puwersang malikhain, ang kanilang malayang pakikipag-ugnayan sa isa't isa. Sa unang pagkakataon na hinahayaan ang madla na pumunta sa likod ng mga eksena ng pagkamalikhain, pinagsama nito ang mga tradisyon ng salon at booth, nagbigay ng lakas sa mga eksperimento sa mga porma at genre ng teatro na hanggang sa sandaling iyon ay kabilang sa "grassroots culture".

Sinusuri ng seksyong "Komposisyon ng Gabi" ang mga batas kung saan itinayo ang isang pagtatanghal ng kabaret, ang kahalagahan ng pigura ng entertainer, ang prinsipyo ng pagkakaroon ng performer sa entablado.

Ang momentum at improvisation ang mga pangunahing batas ng gabi, ang kabalintunaan at pagtanggi ang pangunahing direksyon; mula sa entertainer (ang lumikha ng tradisyong ito ay si Sali) ang mahusay na pagsasalita at pagpapatawa, ang kamalayan sa mga kontemporaryong isyu, ang kakayahang pagsamahin ang bulwagan at ang entablado, upang bumuo ng lohika ng pagkakasunud-sunod ng mga numero ay kinakailangan. Sariling sariling katangian, pinarami ng eksaktong artistikong pagkalkula - ito ang pangunahing batas ng paglikha ng imahe ng isang kabaret.

Ang gumaganap na tradisyon ng kabaret ay inihayag lalo na nang maliwanag sa gawain ng chansonnier; Ang cabaret ay nagiging isang uri ng "chansonnier theater". “Being alone on the stage, the chansonniers were both performers and

mga direktor ng kanilang pagganap. Hindi gaanong napapailalim sa pagbabago kaysa sa mga aktor ... bumuo sila ng isang indibidwal na uri at patuloy na pinahusay ang pisikal na data, asal, kilos, kasuotan. Sa wakas ay nabuo, ang ganitong uri ay naging isang nakapirming imahe, na makikilala sa unang tingin...”1. Ang imahe ng cabareteur ay dinala halos sa antas ng isang maskara, sa likod kung saan ang isang tiyak na plasticity, paraan ng pagsasalita at pag-uugali ay itinalaga. Kabaligtaran sa tradisyon ng teatro, hindi itinago ng maskara ang tagapalabas; sa kabaligtaran, ito ay isang larawan na binago sa entablado ng isang tao kung saan ang mga likas na katangian ay pinalaki. Kasabay nito, ang cabarettiere ay naging isang hostage ng imahe sa entablado na nilikha niya minsan at para sa lahat. Ang tragic farcical nature ng cabaret, ang indibidwal na maskara bilang batayan ng gumaganap na tradisyon ay inihayag sa pamamagitan ng gawa ng mga pinakadakilang chansonniers ng panahon - sina Aristide Bruant at Yvette Guilbert, na lumikha ng isang natatanging dramatikong genre ng kanta-maikling kuwento, pati na rin ang isang matingkad na imahe ng tagapalabas, na pumukaw sa madla sa kanyang trabaho.

Ang seksyong "Paglikha ng Atmosphere" ay nakatuon sa mga aksyon na lumilikha ng buhay at panloloko, na kasinghalaga para sa holistic na imahe ng bawat kabaret pati na rin ang istilong pinag-isipang mabuti at mga detalye sa loob.

Sa pangkalahatan, ang French cabaret ay nag-aalok ng isang kumpletong aesthetic na modelo, na sa kalaunan ay pinagkadalubhasaan ng teatro ng direktor sa Germany at Russia: na may isang bagong sistema ng mga relasyon sa pagitan ng entablado at bulwagan, na batay sa theatricality - inalis ng kabaret ang ramp. at kasama ang manonood sa pagganap; isang bagong istilo ng pagganap (cabareteer mask), isang halo ng mga genre (tragifarce) at isang pagbabago sa mga tiyak na hangganan (song-performance). Sa paglipas ng panahon, ang kabaret ay gumagalaw patungo sa sining ng iba't-ibang, kung saan ito ay orihinal na katulad; ngunit ang pagkalat ng mga batas sa teatro sa loob ng kabaret ay hindi rin maaaring humantong sa kanya sa mga independiyenteng mga eksperimento sa teatro, tulad ng nangyari kay Sha Noir.

1 Goetz O. La chanson, "spectacle" de la Belle Epoque // Le spectaculaire dans les arts de la scène (Du romantisme à la Belle Epoque). P. 152-153.

Ang ikalawang kabanata - "Shadow Theatre", na binubuo ng dalawang seksyon, ay nakatuon sa shadow theater sa cabaret Chas Noir, na umiral doon sa halos sampung taon (mula Disyembre 1886 hanggang sa pagsasara ng cabaret sa simula ng 1897), kung saan ito ang pangunahing kaganapan para sa publiko at ang pangunahing negosyo para sa mga empleyado ng Sha Noir, ang lahat ng mga puwersang pang-sining at lahat ng mga gastos sa pananalapi ay nakadirekta dito. Ang pag-uuri ng repertoire ay ibinigay, ang pinakamahalagang pagtatanghal ay nasuri, ang teknikal na pag-aayos ng entablado, ang teknolohiya ng paggawa ng mga figure ng anino ay inilarawan.

Ang mga representasyon ng anino ay matagal nang pinaghihinalaang ng mga Europeo bilang pinakaangkop na anyo para sa pang-unawa ng mga bata. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang katanyagan ng teatro ng anino ay dahil sa ilang mga kadahilanan, bukod sa kung saan ay ang pagtaas ng interes sa Silangan (ang mga pagtatanghal ng Cha Noir ay direktang naiimpluwensyahan ng pag-ukit ng Hapon, na ang tagapagtatag ng teatro na si Henri Rivière ay mahilig sa); kalapitan sa simbolistang theatrical aesthetics (ang ideya ng kuweba ni Plato); sa wakas, ang pagtaas ng mga graphic sa panahong ito (kabilang sa mga lumikha ng shadow theater ay ang mga sikat na graphic artist ng pagliko ng siglo: Riviere, Karan d "Ash, Adolphe Villette, Henri Somme). Ang batayan ng mga unang pagtatanghal ay isang serye ng mga guhit at karikatura na regular na inilathala sa pahayagan ng kabaret1. Kaya, sa bisperas ng pagsilang ng sinehan, ang sining ng mga animated na imahe ay pumukaw ng espesyal na interes ng madla. Salamat sa kalayaan ng mga may-akda mula sa pangkalahatang proseso ng teatro. , ang kanilang kadalian sa pakikitungo sa tradisyon, nagawa ni Sha Noir na baguhin ang European na tradisyon ng shadow theater: mula sa isang panoorin para sa mga bata, ito ay naging isang pangkalahatan, pilosopiko na sining; ang mga teknikal na inobasyon ay nagdagdag ng kulay at pananaw sa itim-at-puting eroplano ng ang screen canvas.

Ang mga artista ng Sha Noir ay hindi malalim sa kasaysayan ng teatro ng anino, isinasaalang-alang nila ang ibabaw ng screen bilang isang larawan, kung saan idinagdag ang isang pagbabago ng komposisyon, na sa kanyang sarili ay tumutukoy sa mga aesthetics ng modernidad. anyo

1 Kasunod ng Cha Noir, halos lahat ng kabaret ay naglathala ng sarili nitong pahayagan.

Ang mga pagtatanghal ng Cha Noir ay maaaring ituring bilang ang pagsasakatuparan ng ideya ng isang "muling nabuhay na larawan" - na, ayon kay V.I. Maksimov, ay "isang tipikal para sa modernistang pagpapatupad ng synthesis ng sining"1. Ang ritmikong pagbabago ng mga imahe, koordinasyon ng kolektibong paggalaw ng mga figure, kumbinasyon ng ilang mga plano, linear na pagmomodelo ng mga imahe, stylization ay ang form-building na mga prinsipyo ng modernity, na nakapaloob sa mga pagtatanghal ng Sha Noir.

Ang mga pagtatanghal ay nahahati sa dalawang grupo: "Mga Anino ng Kasaysayan" - malakihang mga komposisyon sa makasaysayang, maalamat, mga paksa sa Bibliya; "Contours of Modernity" - mga sketch at sketch sa mga modernong paksa, madalas na nai-publish mula sa mga pahina ng isang pahayagan ng kabaret.

Sinusuri ng seksyong "Shadows of History" ang malikhaing talambuhay ni Henri Riviera - ang nagpasimula, pinuno, imbentor ng Sha Noir shadow theater. Ang pinakamahalagang pagtatanghal ay inilarawan: "The Epic" (1886), "The Temptation of St. Anthony" (1887), "Behind the Guiding Star" (1890), na itinayo sa ugnayan ng mga larawan ng karamihan at ang Bayani na matayog sa itaas nito, itinatakda ang direksyon ng landas. Salamat sa Karan d'Asha's Epic, isang pagtatanghal tungkol sa magarang Napoleonic na mga tagumpay, ang shadow theater ay tumatanggap ng pampublikong pagkilala. Ang isang kapansin-pansing pagsusuri ay isa sa mga tagasuri, na sumulat na ang Epic "ay nagbibigay sa manonood ng isang dating hindi kilalang impression, ang impresyon ng imahe ng masa ng tao sa entablado"2 "... Sa nakalipas na sampung taon, ang pinakamalakas na pagkabigla mula sa realidad ng nangyayari sa entablado ay hindi natanggap mula sa mga tunay na sundalo, armado ng mga tunay na baril at nakasuot ng tunay na tela. , ngunit nilikha gamit ang mga artipisyal na pagkakatulad, ang pinakamarupok at hindi gaanong nakikita sa lahat"3 Ang "mga eksena sa masa" ay naging pinaka-di malilimutang: ang pangunahing pagtanggi sa indibidwalisasyon ng mga karakter, ang pagkakaugnay ng kanilang kolektibong kilusan ay lumikha ng isang pakiramdam

1 Maksimov V. Edad ni Antonin Artaud. S. 101.

2 Talmeyr M. La foule en scène: (A propos de l "Epopée de Caran d" Ache) // La Revue d "Art dramatique. 1887. 15 janv. P. 75.

3 Ibidem. P. 78.

na ang lahat ng mga bayaning ito ay pinamumunuan ng iisang espiritu at may napakalaking posibilidad.

Sa paghahanap ng "Super-Hero", ang mga tagalikha ng shadow theater ay bumaling sa kasaysayan ("The Conquest of Algeria", 1889), sa buhay ng mga santo ("Saint Genevieve of Paris", 1893), sa pambansang epiko ("Roland", 1891), sa mitolohiya (" Sphinx", 1896), maging sa hinaharap ("The Night of Times, or the Elixir of Youth", 1889). Sa "Sphinx", isang "maalamat na epiko" sa 16 na mga kuwadro na gawa (mga guhit - Vignola, mga salita at musika - Georges Fragerol), na ipinakita isang taon bago ang pagsasara ng teatro, ang bayani ay naging ang kuwento mismo, na pinakilala ng Sphinx. : "Nagtatagumpay ang mga siglo sa isa't isa, dumarating at umaalis ang mga tao; Egyptian, Assyrians, Hudyo, Persians, Greeks, Romans, Arabs; Mga Krusada, hukbong Napoleoniko, hindi mabilang na hanay ng mga sundalong British - lahat sila ay dumaan sa maringal na sinungaling na pigura ng Sphinx, na sa huli ay nananatiling nag-iisa, malamig at misteryoso. Ang prusisyon ng mga taong ipinakita noong 1896 ay hindi na sumunod sa "guiding star", tulad noong 1890, hindi na ito naghanap ng gabay; ang direksyon ng paggalaw ay itinakda ng kurso ng Kasaysayan, kung saan ang Sphinx ay literal na kumilos bilang Doom.

Ang ganitong uri ng teatro ay naging posible upang magtanghal ng mga malalaking plot. Ang pagdadala ng tema ng kapalaran sa entablado, na inilalantad ang makasaysayang kurso ng mga kaganapan na ipinakita sa pamamagitan ng modernong pananaw sa mundo - lahat ng ito ay nagbigay sa teatro ng isang bagong antas ng generalization at conventionality. Ang mga pagtatanghal ng anino ay tumutugma sa pangkalahatang trend ng teatro na itinakda ng mga Symbolists at binuo ni Pierre Quillard: "Ang teatro ay magiging kung ano ang dapat: isang dahilan para sa isang panaginip"2.

Kasama sa seksyong Contours of Modernity ang mga pagtatanghal tulad ng The Party in Whist (1887), The Golden Age (1887), Pierrot Pornographer (1893), pati na rin ang dalawang pagtatanghal batay sa mga dula ni M. Donne - Phryne at "Elsewhere" ( pareho -

1 Cook O. Movement in Two Dimensions: (Isang pag-aaral ng mga animated at projected na mga larawan na nauna sa dimensyon ng cinematography). London, 1963. P. 76.

Cit. Sinipi mula sa: Maksimov V.I. Simbolismong Pranses - Pagpasok sa Ikadalawampung Siglo // Simbolo ng Pranses. Dramaturhiya at teatro. S. 14.

1891). Dito nilikha ang imahe ng isang modernong bayani - nabawasan, katawa-tawa, sadyang "hindi nakasulat" sa pampublikong buhay, na, na may isang balintuna na pagtatanghal, ay nakikilala at malapit sa manonood. Sa diwa ng kabaret, ang mga pagtatanghal sa mga kontemporaryong tema ay isang komentaryo sa nakapaligid na katotohanan; sinasalamin nila ang pananaw sa mundo ng pagliko ng siglo, pinagsasama ang matinding pag-aalinlangan at pagnanasa para sa Ideal.

Ang isang tampok ng mga pagtatanghal ng anino ni Sha Noir ay ang musika at mga salita ay mga pantulong na paraan na idinisenyo upang mapahusay ang epekto ng sunud-sunod na "mga animated na larawan", na bumubuo ng isang maayos na pagkakaisa. Ang pakiramdam ng pagiging tunay ng kung ano ang nangyayari ay nilikha salamat sa pangkakanyahan integridad ng trabaho, ang pabago-bagong pagkakaugnay ng lahat ng mga elemento ng pagganap. Ang shadow theater ay naging salamin ng kultura ng French cabaret, na hindi sumuporta sa alinman sa mga masining na kilusan ng turn of the century, na ibinigay sa kanila lahat: Sha Noir performances synthesized the meaningful mystery of symbolism, orientalism and sensuality of modernity, ang kawalang-kinikilingan ng naturalismo at akademikong saklaw, na binabago ang mga ito sa pamamagitan ng mga batas ng "parody theater at grimaces." Kasabay nito, ang mga pagtatanghal ng anino ng Sha Noir ay naging isang independiyenteng theatrical phenomenon na lumampas sa aesthetic na konsepto ng kabaret sa paghahanap ng solusyon sa tamang mga problema sa teatro. Ang metaphorical na katangian ng silhouette, ang shadow figure ay nagsilbing mapagkukunan para sa paglikha ng modernong stage language, ang unit kung saan ang imahe sa screen.

Ang ikatlong kabanata - "Puppet Theatre", na binubuo ng dalawang seksyon, ay sinusuri ang pagsasanay ng Petit Theater de Marionette (Little Puppet Theater, 1888-1894) at ang theatrical experiment ni Alfred Jarry kasama ang guignol (cabaret Katz "Ahr, 1901) - isang tradisyonal na uri ng papet na teatro.

Ang karanasan ni Sha Noir ay nagsiwalat ng artistikong potensyal ng tradisyonal na mga anyong papet na teatro at ipinakita ang kanilang metaporikal na katangian. Isinulat ni J. Sadoul na hindi direktang inihanda ni Cha Noir ang tagumpay ng sinehan, na nagpapatunay na ang "optical performances

ay maaaring maging matagumpay sa publiko gaya ng mga dulang isinagawa ng mga artistang laman-at-dugo. Salamat kay Cha Noir, sa kauna-unahang pagkakataon, lumitaw ang theatrical form sa sentro ng pampublikong interes, kung saan ang aktor ay hindi sa lahat ng pangunahing tagapagdala ng kahulugan: ang anino figure sa kasong ito ay isa lamang sa mga elemento ng pagganap. , na nakasulat sa komposisyon ng entablado. Kasunod ng shadow theater, ang iba pang mga papet na sistema ay nakakuha din ng pansin: sa pagpasok ng siglo, ang papet na teatro ay nagsimulang maunawaan bilang isang malayang masining na wika, ang hanay ng mga paraan ng pagpapahayag na may kakayahang lumampas sa mga kakayahan ng teatro ng isang live na artista.

Ang panimula ay nagbibigay ng maikling pangkalahatang-ideya ng kasaysayan ng papet na teatro sa France; ang mga pangunahing teknolohikal na sistema ay isinasaalang-alang, ang bawat isa, hanggang sa 1880s, ay isang anyo ng pagganap na kinokontrol ng tradisyon (na may isang nakapirming repertoire, uri ng platform, paraan ng pagkontrol sa papet).

Noong 1888, dalawang taon bago ang unang mga eksperimento sa teatro ng mga Symbolists, binuksan ang Petit Theater de Marionette sa Paris, na sa maraming aspeto ay inaasahan ang mga ideya ng Theater d "Ar (1890-1892). Ang inisyatiba ay kabilang sa isang grupo ng mga manunulat. at mga makata (ang pangunahing mga ideologo ay sina Henri Signoret at Maurice Bouchor ), na nag-alok sa publiko ng isang bagong repertoire, na binubuo ng mga obra maestra ng world dramaturgy.Bilang bahagi ng artistikong programang ito, ang mga sumusunod na dula ay itinanghal sa teatro sa loob ng isang panahon at kalahati : "Mga Ibon" ni Aristophanes, ang interlude ni Cervantes na "The Vigilant Guard" (parehong - Mayo 1888), "The Tempest" ni Shakespeare (Nobyembre 1888), ang maagang komedya ni Molière na The Jealousy of Barboulier at ang medieval na drama na Abraham the Hermit ni Hrothsvita ng Gandersheim (Abril 1889).naimpluwensyahan lamang ang karagdagang pag-unlad ng pagiging papet, ngunit naging

1 Sadul Zh. Pangkalahatang kasaysayan ng sinehan: Sa 6 na tomo M., 1958. T. 1. S. 143.

isang prototype ng impersonal na modelo ng teatro, ang mga ideya na bubuo sa modernismo.

Sa lahat ng mga sistema ng papet, ang Petit Theater ay bumaling sa hindi gaanong dinamiko, ang mga automata na puppet, na minana ang tradisyon ng mga crèches (sa literal, "sabsaban"), mga pagtatanghal ng Pasko sa Kanlurang Europa na may mga mekanikal na pigura. Ang mga manika, na itinulad sa klasikal na iskultura, ay mga miniature na modelo ng tao; sa parehong oras, sila ay pinagkaitan ng isang emosyonal na simula, ang kanilang kaplastikan ay nabawasan sa isang nakapirming kilos. Ang estatwa, static na mise-en-scenes, na, na sinamahan ng hindi nagmamadaling himig, ay nagbigay-diin sa kamahalan ng kilusan, ay lumikha ng isang espesyal na istilo ng pagganap, kung saan nakita ng mga kontemporaryo ang sagisag ng theatrical conventionality. "Ideograms ng katawan, mechanical performers binawasan ang yugto ng pagkakaroon ng karakter sa isang minimum, sa ilang mga pangunahing palatandaan"1. Batay sa pagsusuri ng mga pagtatanghal, ang pagsasanay ng Petit Theater ay nauugnay sa mga konsepto ng teatro nina M. Maeterlinck at G. Craig.

Noong 1890, ang teatro ay pinamumunuan ng makata na si Maurice Bouchor, na dating nagsalin ng The Tempest. Sa kabila ng katotohanan na si Bouchor ay "nais na lumikha ng isang moderno, bago, teatro ng may-akda"2, sa ilalim niya ang Petit Theater ay gumawa ng turn sa modelo ng ika-19 na siglo na teatro, at ito ay pangunahin dahil sa kanyang dramaturhiya. Sa kabuuan, itinanghal ni Bouchor ang anim sa kanyang mga dula sa mga relihiyosong paksa sa Petit Theater: Tobiah (1890), The Nativity (1890), The Legend of Saint Cecilia (1892), Hayyam's Dream, Adoration of Saint Andrew (parehong 1892), " Mga Misteryo ng Eleusian" (1894). Sa "Tobiah", tulad ng sa pinakaunang dula, ang mga pagkukulang nito ay nakikita na: Si Bushor sa kalaunan ay sumama sa landas ng habituation ng mga diyalogo at sitwasyon, sinusubukang "i-humanize" ang mga karakter at ipasok ang makamundong lohika sa kanilang mga aksyon.

Si Alfred Jarry ay nagpunta sa kabaligtaran patungo sa Bushor - mula sa "marioning" sa mga aktor hanggang sa pagliko sa papet na teatro; kanyang theatrical

1 Plassard D. L "acteur en effigie. P. 32.

2 Le Goffic Ch. Le Petit Theater des Marionnettes // La Revue encyclopédique. 1894. Blg. 85. 15 juin. P. 256.

ang eksperimento ay tinalakay sa seksyong "Guignol at Ubu-King". Naniniwala din si Jarry na ang personalidad ng aktor ay nakakasagabal sa pang-unawa sa akda, ngunit sa una ay itinakda: "Ang dula" na si King Ubyu "ay isinulat hindi para sa mga puppet, ngunit para sa mga aktor na naglalaro na parang mga puppet, na hindi pareho"1. Pagkatapos ng serye ng mga karanasan sa teatro (kabilang ang isang produksyon ni King Ubu sa Théâtre de Evres noong 1896), lumipat si Jarry sa guignol, isang uri ng tradisyonal na papet na palabas na may mga glove puppet (pinangalanan para sa bida). Nagtalo si Jarry na ang aktor "ay dapat na espesyal na lumikha para sa kanyang sarili ng isang katawan na angkop para sa kanyang papel"2, at ang papet na teatro ay nagbigay sa kanya ng pagkakataon na maging modelo ng mga karakter mismo. Binigyang-diin niya ang pagtuklas na ito sa isang lektura noong 1902 na ibinigay sa Brussels: "Tanging mga manika, ang may-ari, master at Tagapaglikha kung saan ikaw ay (dahil tila kinakailangan na gawin ang mga ito sa iyong sarili), masunurin at simpleng ihatid kung ano ang matatawag na pamamaraan ng katumpakan - ating mga iniisip” 3.

Kaya, noong Nobyembre 1901, sa Parisian cabaret Katz "Ar (cabaret of the Four Arts), kasama ang partisipasyon ng may-akda, "King Ubu" ay nilalaro sa mga puppet; ang teksto ay espesyal na pinaikli (sa dalawang kilos) at inangkop; ang aksyon ay naunahan ng isang prologue na nakasulat sa guignol isang propesyonal na puppeteer mula sa Champs Elysées ay dinala upang idirekta ang mga karakter, at ang papet ni Papa Ubu ay ginawa mismo ng may-akda. ang mga character sa kanyang club. Sa kasong ito, ang pagpili ng guignol form ay ginawang mas hindi makatwiran ang aksyon, pinahusay ang mga kakaibang larawan ng mga character.

1 Binanggit. ni: Plassard D. L "acteur en effigie. P. 43.

2 Jarry A. Sa kawalan ng silbi ng teatro para sa teatro // Gaya ng lagi - tungkol sa avant-garde: (Anthology of the French theatrical avant-garde). M., 1992. S. 19.

Jarry A. Conférence sur les Pantins // Les mains de lumière: (Anthologie des écrits sur l "art de la marionnette) / Textes réunis et présentés par D. Plassard. Charleville-Mézières, 1996. P. 205.

tradisyonal na teatro at bagong dramaturhiya, ay maaaring ituring na isa sa mga tugatog ng "teatro sa tabing daan".

Tulad ng sa Petit Theatre, ang pilosopikal na nilalaman ng tradisyonal na papet na sistema ay nagtatakda ng pananaw para sa persepsyon ng madla. Ang talas, kabastusan sa fairground, kahit na ang kalupitan ng guignol na organikong pinagsama sa farcical figure ng isang halimaw na pumasok sa theatrical mythology ng ika-20 siglo - Papa Ubu. Sa kabaligtaran, ang mabagal na paggalaw, ang marilag na detatsment ng mga puppet ng Petit Theatre, na tumutukoy sa mga relihiyosong pagtatanghal, ay lumikha ng isang kapaligiran ng hindi maunawaan, perpektong katotohanan sa entablado. Ang natuklasan ay ang pagpili ng anyo ay lumikha na ng nilalaman ng entablado sa sarili nito. Inaasahan ng mga papet na pagtatanghal na ito ang simula ng papet na teatro ng direktor, sa mas malawak na paraan, nagiging impetus sila para sa karagdagang kalayaan sa pagmomodelo ng anyo sa teatro sa pangkalahatan.

Ang ikaapat na kabanata - "Grand Guignol" ay may kasamang dalawang seksyon at nakatuon sa "horror theater" na si Belle Epoque. Ang teatro na ito ay matatagpuan sa gusali ng dating kapilya, sa gitna ng Pigalle quarter, ang pinaka-kriminal na lugar ng Paris. Binuksan noong 1897, ang Grand Guignol ay "nagpapahiwatig ng parehong lugar at isang genre sa parehong oras"1, nakaligtas sa dalawang digmaang pandaigdig na may walang humpay na interes ng publiko, naging isa sa mga atraksyon ng Paris at natapos lamang ang pagkakaroon nito noong 1962, naging isang phenomenon ng kulturang masa. Inilalarawan ng kabanata ang istraktura ng teatro, nagbibigay ng mga pangunahing katangian ng genre, sinusuri ang mga personalidad ng mga tagalikha ng klasikong formula ng horror genre: theater director Max Moret, playwright Andre de Lorde at ang kanyang co-author, psychologist na si Alfred Binet , master ng mga espesyal na epekto Paul Ratineau.

Grand Guignol - guignol para sa mga matatanda, na ipinakita sa entablado ang isang kriminal na salaysay ng pagliko ng siglo. Ang kawalan ng isang kategorya ng moralidad sa likas na katangian ng tradisyonal na guignol, ang landas ng isang kriminal na nakaraan na sumunod sa likod ng pangunahing karakter (ang mga pagtatanghal ng guignol ay kontrolado ng pulisya), ay hindi

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. II.

hindi maimpluwensyahan ang pagpili ng pangalan para sa bagong teatro, na, gayunpaman, ay ganap na walang kinalaman sa papet na teatro. Si A. Pierron, na nagbubuod sa kanyang pananaliksik sa Grand Guignol, ay napagpasyahan na sa kabila ng mga kinakailangan sa kasaysayan at pampanitikan, ito ay isang ganap na bagong genre: "Ang teatro ng matinding sitwasyon at transendente na emosyon"1.

Ang seksyong "Drama of the Atmosphere" ay tumatalakay sa mga pangunahing batas ng pagbuo ng isang mahusay na pagtatanghal ng guignol. Ginamit ni Max Moret ang nahanap na ng kanyang hinalinhan, ang tagapagtatag ng teatro, si Oscar Methenier, na, bilang dating collaborator ni André Antoine, ay tumingin sa unang bahagi ng Théâtre Libre. Pinaigting ni Moret ang lahat ng bahagi ng pagtatanghal: ang mga drama ng mas mababang antas ng lipunan ay nagbigay-daan sa mga kuwento ng nakagigimbal na mga krimen ng tao. Ang pagtanggal sa kategorya ng moralidad, ipinakilala ni Moret ang kahulugan ng "drama ng kapaligiran", na nakamit ang isang eksklusibong emosyonal na epekto sa manonood - sa pamamagitan ng pagtaas ng kaguluhan at takot (kasama niya, isang full-time na doktor ang lumitaw sa teatro na nasa tungkulin. sa panahon ng pagtatanghal - kung sakaling magkasakit ang madla). Isinalin niya ang pagiging maikli ng dramatikong anyo sa konsepto ng "timekeeping" (ang dula ay dapat tumagal mula sampu hanggang apatnapung minuto), at ang paghalili ng mga drama at komedya sa "contrast shower" na pamamaraan na kinakailangan para sa sikolohikal na pagpapahinga at naging ang istilo ng lagda ng Grand Guignol. Sa wakas, sa ilalim ng Moret, ang naturalistic na epekto sa teatro ay umabot sa pinakamataas na antas ng pag-unlad nito: kung minsan ay ginulat ni Antoine ang mga manonood sa pamamagitan ng pagpapakita ng mga tunay na bangkay ng karne sa entablado, kung gayon ang madla ng Grand Guignol ay maaaring obserbahan ang pinaka-makatotohanang pinutol na mga paa, duguan. mga sugat, pinuputol na mga bangkay, mga mukha na binuhusan ng sulfuric acid ... "Mahalagang bigyang-diin," ang isinulat ni Pierron, "na ang mga manonood ng cul-de-sac Chaptal ay bumisita sa teatro para sa kanilang kasiyahan. Lumabas siya doon na gulat na gulat, nabalisa, nagbagong anyo. Sa halimbawa ng ilang katangian

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. LXIII.

2 Ibidem. P. LXII.

Ang mga dulang guignol, ang estetika ng pagtatanghal, ang mga paraan ng pag-impluwensya sa madla ay sinusuri.

Ang pangalawang seksyon ng kabanata ay tinatawag na "Contrast shower" - isang kahulugan na ibinigay ng mga kontemporaryo at nagpapakilala sa istilo ng mga paggawa ng teatro. Ang pangunahing karakter sa Grand Guignol ay ang genre mismo, at ang lahat ng mga elemento ng komposisyon ng pagtatanghal, kabilang ang aktor, dramaturhiya, disenyo ng entablado at mga espesyal na epekto, ay isinailalim sa mekanismo ng pagtaas ng katakutan sa auditorium. Ngunit ang therapeutic effect ay ang sobrang naturalistic na drama ng horror, na umabot sa pinakamataas na tensyon sa finale, ay napalitan ng buffoon comedy na sumunod dito, kung saan ang nakakatakot na epekto ay biglang naging props. Unti-unti, dumarating ang Grand Guignol sa hyperbole, na dinadala ang kapaligiran ng horror at naturalistic na mga diskarte sa punto ng kahangalan; upang madaig ang mga emosyon at sensasyon na ito sa isipan ng manonood sa tulong ng pagkakalantad sa bingit ng lagim at tawanan.

Ang Grand Guignol ay bahagi ng topograpiya at mitolohiya ng Belle Epoque, ang naging resulta nito: ginamit niya ang nakaraang karanasan - ang mga tradisyon ng tabloid melodrama at ang paaralan ng "mahusay na pagkakagawa", ang kabastusan at panoorin ng kultura ng katutubo; modernong mga impluwensya - pinalaki ang mga pamamaraan ng theatrical naturalism, at sa ilang mga lawak simbolismo (ang prinsipyo ng iminungkahing aksyon, karamihan sa mga ito ay nangyayari sa isip ng manonood); gumamit ng mga pamamaraan ng teatro ng direktor sa paglikha ng "drama sa kapaligiran"; isinasaalang-alang ang aesthetics ng silent films. Ang Grand Guignol ay minarkahan ang simula ng pag-aaral ng sikolohiya ng manonood, ang mga posibilidad ng emosyonal na epekto sa kanya. Sa wakas, ang Grand Guignol ay tumayo sa pinagmulan ng horror genre, na kalaunan ay naging pag-aari ng industriya ng pelikula.

Sa Konklusyon, ang mga resulta ng pag-aaral ay summed up at ang mga prospect para sa pagbuo ng mga itinuturing na artistikong proseso ay sinusubaybayan.

Malinaw na ang mga bagong anyo at genre ng teatro na umusbong sa France sa pagliko ng ika-19-20 siglo ay resulta ng reporma sa teatro na nauugnay sa

ang pagbuo ng sining ng pagdidirekta at ang paglipat ng diin sa pagganap mula sa aktor patungo sa artistikong integridad ng lahat ng paraan ng pagpapahayag.

Ang udyok na mag-eksperimento sa mga alternatibong mga porma at genre ng teatro ay ang pagsilang ng kabaret, na, gayunpaman, ay hindi isang teatro sa sarili nito. Ang Cabaret at teatro ng direktor, na lumitaw sa France nang halos sabay-sabay, ay hindi nakikipag-ugnayan sa isa't isa dito, dahil nabuo lamang sila bilang mga phenomena, at nabuo nang magkatulad. Dagdag pa, nang kumalat na sa Germany at Russia bilang isang ready-made aesthetic model, ang cabaret ay umaakit sa atensyon ng mga propesyonal na direktor at playwright at pinagkadalubhasaan nila bilang isang alternatibong palaruan na may sariling mga batas sa entablado.

Ang pag-apela ng mga artista at manunulat ng dula sa pagsisimula ng siglo sa mga tradisyunal na anyo ng papet na teatro, ang aplikasyon ng mga bagong pilosopikal at masining na gawain sa kanila, ay nagsiwalat ng kanilang potensyal sa nilalaman, ang kanilang simboliko at matalinghagang kalikasan, habang inaalis ang mga tuntunin ng tradisyon at paggawa. ang papet ay isang instrumento sa paglikha ng isang masining na imahe, na nagbigay sa teatro ng pagkakataong malayang pagmomodelo.

Sa pagdating ng "horror theater", ang pag-aaral ng sikolohiya ng manonood at ang mga posibilidad na maimpluwensyahan siya ay nagsisimula, na kasunod na humahantong sa kababalaghan ng genre ng sinehan.

Ang mga bagong anyo at genre ng teatro na umusbong sa France sa pagliko ng mga masining na kilusan sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay nagpapakita ng malapit na pagkakaugnay, interweaving at halatang pagkakapareho ng mga malikhaing paghahanap na nauugnay sa proseso ng pagiging isang teatro ng direktor at naglalayong sa muling pag-iisip ng konsepto ng theatricality. Ang mga pagtuklas na ginawa dito ay higit na naghanda ng aesthetic base para sa theatrical avant-garde ng ika-20 siglo; kasabay nito, ang mga pundasyon ng kulturang masa ay inilatag dito.

1. Kuzovchikova T. I. "Roadside theater" sa France sa pagliko ng XIX-XX na siglo // Opinyon ng siyentipiko. - 2013. - Hindi. 11. - S. 116-121. (0.3 p. l.)

2. Kuzovchikova T. I. Guignol at "Ubu-King" // University Scientific Journal = Humanities and Science University Journal. - 2013. - No. 6. (sa produksyon). (0.25 p. l.)

sa iba pang mga edisyon:

3. Kuzovchikova T. I. Parisian shadows ng "Black Cat" // Theater of Miracles. - 2010. - Hindi. 1-2. - S. 34-40; No. 3-4. - S. 46-49. (1 p. l.)

4. Kuzovchikova T. I. Montmartre ay isang libreng lungsod // Personalidad at kultura. -2010. - Hindi. 5. - S. 98-100. (0.2 p. l.)

5. Kuzovchikova T. I. The Little Puppet Theater of Henri Signoret: ang negasyon ng aktor // Ang kababalaghan ng aktor: propesyon, pilosopiya, aesthetics. Mga pamamaraan ng ikaapat na pang-agham na kumperensya ng mga mag-aaral na nagtapos noong Abril 28, 2010. - St. Petersburg: SPbGATI, 2011. - S. 118-123. (0.3 p. l.)

6. Kuzovchikova T. I. Mga manika mula sa Vivienne Street // Teatron. - 2011. - No. 1. -SA. 38^19. (1 p. l.)

7. Kuzovchikova T. I. Cabaret sa France sa pagtatapos ng ika-19 na siglo bilang isang bagong anyo ng theatricality. Sha Noir // Theatron. - 2012. - No. 2. - S. 82-94. (1 p. l.)

Nilagdaan para sa pag-print ng 01/29/14 Format na 60x841Lb Digital Print. l. 1.15 Circulation 100 Order 07/01 print

Imprenta na "Falcon Print" (197101, St. Petersburg, Bolshaya Pushkarskaya st., 54, opisina 2)

Ang France ay nabubuhay sa isang tensiyonal na buhay pampulitika pagkatapos ng pagbagsak ni Napoleon. Ang ika-19 na siglo ay minarkahan ng mga bagong rebolusyonaryong pagsiklab. Ang pagpapanumbalik ng maharlikang kapangyarihan (ang dinastiyang Bourbon) noong 1815 ay hindi nakatugon sa mga interes ng bansa. Ang kapangyarihang ito ay sinuportahan ng landed aristokrasiya at ng Simbahang Katoliko. Ang panlipunang kawalang-kasiyahan ng karamihan sa populasyon ng bansa, ang mga protesta laban sa pamahalaang ito ay nagresulta sa Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang mga panlipunang protesta, pagpuna sa umiiral na kaayusan, lantaran man o patago, ay ipinahayag sa iba't ibang anyo: sa mga artikulo sa pahayagan, sa kritisismong pampanitikan. at, siyempre, sa teatro.

Sa panahon ng 20s. sa France, umuusbong ang romantikismo bilang nangungunang artistikong kalakaran: ang teorya ng romantikong panitikan at romantikong drama ay binuo.

Ang mga teorista ng romantikismo ay pumasok sa isang mapagpasyang pakikibaka sa klasisismo, na ganap na nawalan ng ugnayan sa mga advanced na panlipunang pag-iisip at naging opisyal na istilo ng monarkiya ng Bourbon. Ngayon siya ay nauugnay sa reaksyunaryong ideolohiya ng mga Bourbon at itinuturing na nakagawian, hindi gumagalaw, bilang isang hadlang sa pag-unlad ng mga bagong uso sa sining. Nagrebelde ang mga romantiko sa kanya.

Sa romantisismo ng panahong ito, kapansin-pansin din ang mga katangian ng realismo na may kritikal na kulay.

Ang mga pangunahing teorista ng romantikismo ay ang "purong" romantikong si V. Hugo at ang realistang Stendhal. Ang mga teoretikal na tanong ng romantisismo ay binuo sa mga polemics sa mga klasiko: Ginagawa ito ni Hugo sa "Preface" sa kanyang drama na "Cromwell", at Stendhal sa artikulong "Racine and Shakespeare".

Ang mga kilalang manunulat sa panahong ito - Mérimée at Balzac - ay kumikilos bilang mga realista, ngunit ang kanilang pagiging totoo ay ipininta sa mga romantikong tono. Ito ay lalong maliwanag sa kanilang mga dula.

Ang romantikong drama ay tumagos sa entablado nang may kahirapan. Naghari ang klasiko sa mga sinehan. Ngunit ang romantikong drama ay may kakampi sa mukha melodrama. Ang melodrama bilang isang dramatikong genre ay itinatag ang sarili sa repertoire ng mga teatro sa boulevard. Malaki ang impluwensya niya sa panlasa ng publiko, sa modernong drama at sa mga sining sa pagganap sa pangkalahatan.

Ang melodrama ay isang direktang produkto ng romantikismo. Ang kanyang mga bayani ay mga taong tinanggihan ng lipunan at ng batas, na nagdurusa sa kawalan ng katarungan. Sa mga plot ng melodramas mayroong isang matalim na magkakaibang pag-aaway ng mabuti at masama. At ang sigalot na ito, para sa kapakanan ng publiko, ay palaging nareresolba pabor sa kabutihan o sa parusa ng bisyo. Ang pinakasikat na melodramas ay ang "Victor, o Child of the Forest" ni Pixerekour, "The Thieving Magpie" ni Kenye, "Thirty Years, or the Life of a Gambler" ni Ducange. Ang huli ay pumasok sa repertoire ng mga mahusay na trahedya na aktor noong ika-19 na siglo. Ang balangkas nito ay ang mga sumusunod: ang bayani sa simula ng dula ay isang masigasig na binata na mahilig sa isang laro ng baraha, na nakikita sa loob nito ang ilusyon ng isang pakikibaka at tagumpay laban sa Rock. Ngunit, nahuhulog sa ilalim ng hypnotic na kapangyarihan ng kaguluhan, nawala sa kanya ang lahat, naging isang pulubi. Sa labis na pag-iisip ng mga baraha at panalo, siya ay nakagawa ng isang krimen at kalaunan ay namatay, na halos pumatay sa kanyang sariling anak.

Ang lahat ng ito ay sinamahan ng mga epekto sa entablado na nagpapahayag ng katakutan. Ngunit, sa kabila nito, ang melodrama ay nagpapakita ng isang seryoso at makabuluhang tema ng pagkondena ng modernong lipunan, kung saan ang mga hangarin ng kabataan, ang mga kabayanihan ay nagiging masama, makasarili na mga hilig.

Pagkatapos ng rebolusyon ng 1830, ang monarkiya ng Bourbon ay pinalitan ng burges na monarkiya ni Louis Philippe. Hindi huminto ang rebolusyonaryong kalooban at rebolusyonaryong talumpati.

Romantisismo 30-40s. nagpatuloy sa pagpapakain sa mood ng pampublikong kawalang-kasiyahan at nakuha ang isang binibigkas na pampulitikang oryentasyon: tinuligsa niya ang kawalan ng katarungan ng sistemang monarkiya at ipinagtanggol ang mga karapatang pantao. Sa oras na ito (iyon ay, ang 30-40s ng XIX na siglo) na ang kasagsagan ng romantikong teatro. Si Hugo, Dumas père, de Vigny, de Musset ay mga playwright ng romanticism. Ang romantikong paaralan ng pag-arte ay kinatawan ng Bocage, Dorval, Lemaitre.

Victor Hugo(1802-1885) ay ipinanganak sa pamilya ng isang heneral ng Napoleonic army, ang kanyang ina ay mula sa isang mayamang burges na pamilya; Ang mga monarkiya na pananaw sa pamilya ay karaniwan.

Ang mga unang karanasang pampanitikan ni Hugo ay nagsiwalat sa kanya bilang isang monarkiya at klasiko. Ngunit ang pampulitikang kapaligiran ng 20s. malubhang naimpluwensyahan siya, siya ay naging isang miyembro ng romantikong kilusan, at pagkatapos - ang pinuno ng progresibong romantikismo.

Ang pagkamuhi sa kawalan ng hustisya sa lipunan, proteksyon ng mga inaapi at disadvantaged, pagkondena sa karahasan, pangangaral ng humanismo - lahat ng mga ideyang ito ay nagpapakain sa kanyang mga nobela, dramaturhiya, pamamahayag, mga polyetong pampulitika.

Ang simula ng kanyang drama ay ang drama na "Cromwell" (1827). Sa Preface nito, sinabi niya aesthetic creed ng romanticism. Ang pangunahing ideya dito ay isang paghihimagsik laban sa klasisismo at mga aesthetic na batas nito. Nagprotesta laban sa "mga teorya", "poetics", "mga modelo", ipinahayag niya ang kalayaan ng pagkamalikhain ng artist. Binigyang-diin niya na “ang drama ay isang salamin kung saan naaaninag ang kalikasan. Ngunit kung ito ay isang ordinaryong salamin, na may isang patag at makinis na ibabaw, ito ay magbibigay ng isang mapurol at patag na pagmuni-muni, totoo, ngunit walang kulay ... ang drama ay dapat na isang tumutok na salamin na nagiging kumikislap sa liwanag, at liwanag sa apoy ”( V. Hugo. Mga Piling Drama T.1.-L., 1937, pp. 37.41).

Nagbibigay si Hugo ng mahahalagang milestone mga teorya ng romantikong katawa-tawa, ang pag-unlad at pagkakatawang-tao kung saan - sa lahat ng kanyang gawain.

"Ang grotesque ay isa sa mga kagandahan ng drama." Ito ay sa pamamagitan ng katawa-tawa, na nauunawaan niya hindi lamang bilang isang pagmamalabis, ngunit bilang isang kumbinasyon, isang kumbinasyon ng kabaligtaran at, bilang ito ay, kapwa eksklusibong panig ng katotohanan, na ang pinakamataas na kapunuan ng pagsisiwalat ng katotohanang ito ay nakakamit. Sa pamamagitan ng kumbinasyon ng mataas at mababa, trahedya at nakakatawa, maganda at pangit, naiintindihan natin ang pagkakaiba-iba ng buhay.

Para kay Hugo, si Shakespeare ay isang modelo ng isang artista na mapanlikhang gumamit ng katawa-tawa sa sining. Nakikita niya ang katawa-tawa sa Shakespeare kahit saan. Si Shakespeare ay "nagpapasok sa tradisyon ngayon ng pagtawa, ngayon ay katatakutan. Inaayos niya ang mga pagpupulong sa pagitan ng apothecary at Romeo, ang tatlong mangkukulam kasama si Macbeth, ang mga grave-digger kasama si Hamlet.

Ang pagiging mapanghimagsik ni Hugo ay binubuo din ng katotohanan na, nang hindi direktang humipo sa pulitika, sinasalungat niya ang klasisismo, na tinatawag itong lumang rehimeng pampanitikan: "Sa kasalukuyan, mayroong lumang rehimeng pampanitikan bilang lumang rehimeng pulitikal". Kaya't iniuugnay niya ang klasisismo sa monarkiya.

Sumulat si Hugo ng 7 romantikong drama: "Cromwell"(1827), "Marion Delorme"(1829), "Ernani"(1830), "Nagsasaya si King"(1832), "Mary Tudor"(1833) "Ruy Blas"(1838). Ngunit ni "Cromwell" o "Marion Delorme" ay hindi makaakyat sa entablado: "Cromwell" - bilang isang "mapangahas na makatotohanang drama", at "Marion Delorme" - bilang isang drama kung saan ang malagim na tunggalian ng matayog at patula na pag-ibig ng isang walang ugat na kabataan at isang courtesan ay ipinahayag sa hindi makataong mga batas ng royalty; sa loob nito, negatibong ipinakita ni Hugo ang hari.

Ang unang drama na nakita ang eksena ay si Ernani (1830). Sa loob nito, inilalarawan ni Hugo ang medieval na Espanya; ang buong sistemang ideolohikal-emosyonal ay nagpapatibay ng kalayaan sa damdamin, ang karapatan ng isang tao na ipagtanggol ang dangal. Ang mga bayani ay nagpapakita ng kanilang sarili sa mga gawa, at sa pag-aalay ng pag-ibig, at sa marangal na pagkabukas-palad, at sa kalupitan ng paghihiganti. Sa madaling salita, isa itong tipikal na romantikong drama na may mga pambihirang sitwasyon, pambihirang hilig, melodramatikong mga kaganapan. Ang paghihimagsik ay ipinahayag sa larawan ng magnanakaw na si Ernani, isang romantikong tagapaghiganti. Ang kalunos-lunos na tunggalian ay paunang natukoy ng sagupaan ng dakila at maliwanag na pag-ibig sa madilim na mundo ng pyudal-kabalyerong moralidad; idinagdag ang mga sosyal na overtone sa pakikipag-away ni Ernani sa hari.

Ang drama na "Ernani" ay itinanghal sa entablado ng "Comédie Française". Ito ay isang malaking tagumpay para sa romantikismo.

Pagkatapos ng rebolusyon ng 1830, ang romantikismo ang naging nangungunang uso sa teatro. Noong 1831, lumitaw ang "Marion Delorme" sa eksena. Pagkatapos - isa-isa: "The King Amuses" (1832), "Mary Tudor" (1833), "Ruy Blas" (1838). Lahat sila ay isang mahusay na tagumpay dahil sa nakakaaliw na mga plot, maliwanag na melodramatic effect. Ngunit ang pangunahing dahilan ng katanyagan ay sa socio-political orientation, demokratikong karakter.

Partikular na binibigkas ang mga demokratikong kalunos-lunos sa dramang Ruy Blas. Ang aksyon ay naganap sa Espanya sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ngunit ang dulang ito, tulad ng iba pang nakasulat sa makasaysayang materyal, ay hindi isang makasaysayang drama. Ito ay batay sa poetic fiction. Si Ruy Blas ay isang romantikong bayani, puno ng mataas na intensyon at marangal na impulses. Pinangarap niya ang kabutihan ng kanyang bansa at naniwala sa kanyang mataas na pagkakatalaga. Ngunit nabigo siyang makamit ang anuman sa buhay at napilitang maging alipin ng isang mayaman at marangal na maharlika, malapit sa korte ng hari. Si Don Sallust de Bazan (ito ang pangalan ng maharlikang ito), malisyoso at tuso, ay gustong maghiganti sa reyna na tumanggi sa kanyang pag-ibig. Para magawa ito, binigay niya kay Ruy Blas ang pangalan at lahat ng titulo ng kanyang kamag-anak - ang dissolute Don Cesar de Bazan. Sa ilalim ng pangalang ito, si Ruy Blas ay magiging manliligaw ng Reyna. Ito ang mapanlinlang na plano ni Sallust: ang mapagmataas na reyna ay ang maybahay ng footman. Lahat ay nangyayari ayon sa plano. Ngunit si Ruy Blas ay naging pinakamarangal, matalino at karapat-dapat na tao sa korte. Sa lahat ng mga maharlika kung kanino pagmamay-ari ang kapangyarihan sa pamamagitan ng pagkapanganay, ang alipures lamang ang lumalabas na isang taong nasa isip ng estadista. Sa isang pulong ng royal council, nagpahayag si Ruy Blas ng mahabang talumpati kung saan inaakusahan niya ang pangkat ng hukuman na sumira sa bansa at nagdala sa estado sa bingit ng kamatayan. Ito ang unang pagkawala ni Sallust, at ang pangalawa ay nabigo niyang ipahiya ang reyna, bagama't umibig siya kay Ruy Blas. Ininom ni Ruy Blas ang lason, inalis ang lihim ng kanyang pangalan.

Sa dulang ito, ginamit ni Hugo sa unang pagkakataon ang mga pamamaraan ng paghahalo ng trahedya at komiks; higit sa lahat ito ay ipinahayag sa kakatwang pigura ng totoong Don Cesar, isang wasak na aristokrata, lasenggo, mapang-uyam, breter.

Ang "Ruy Blas" sa teatro ay isang karaniwang tagumpay. Nagsimulang lumamig ang audience patungo sa romanticism.

Sinubukan ni Hugo na lumikha ng isang bagong uri ng romantikong drama - ang epikong trahedya na The Burgraves (1843). Ngunit ito ay unstaged at hindi lamang hindi nagkaroon ng tagumpay, ngunit nabigo. Pagkatapos nito, lumayo si Hugo sa teatro.

Alexandr Duma(Dumas-ama) (1802-1870) ay ang pinakamalapit na kasama ni Hugo. Noong 20-30s. ay isang aktibong miyembro ng kilusang Romantiko. Bilang karagdagan sa mga nobela (The Three Musketeers, The Count of Monte Cristo, Queen Margo, atbp.), nagsulat siya ng 66 na dula noong 1930s at 1940s. Theatrical katanyagan nagdala ng kanyang unang play "Henry III at ang kanyang hukuman." Itinatanghal ito sa Odeon Theater noong 1829. Pinagsama-sama ng mga sumusunod na pagtatanghal ang tagumpay na ito: Anthony (1831), Nelskaya Tower (1832), Keane, o Genius and Debauchery (1836) at iba pa. Lahat sila - mga romantikong drama rin, ngunit sila huwag magkaroon ng espiritu ng paghihimagsik tulad ng kay Hugo.

Ginamit din ni Dumas ang mga pamamaraan ng melodrama, na nagbigay sa kanyang mga dula ng isang espesyal na nakakaaliw at presensya sa entablado, ngunit kung minsan ang pag-abuso sa melodrama ay nagdala sa kanya sa bingit ng masamang lasa (ang paglalarawan ng mga kakila-kilabot - mga pagpatay, pagpatay, pagpapahirap ay nasa bingit ng naturalismo ).

Noong 1847, binuksan ni Dumas ang kanyang Historical Theater sa dulang "Queen Margot", sa entablado kung saan ang mga dula ay ipapakita na nagpapakita ng mga eksena ng pambansang kasaysayan ng France. Kinuha niya ang isang kilalang lugar sa kasaysayan ng mga teatro sa boulevard ng Paris. Ngunit ang kanyang Historical Theater ay tumagal lamang ng 2 taon at isinara noong 1849.

Ang matagumpay na manunulat ng fashion na si Dumas ay lumayo sa romantikismo, tinalikuran ito at naninindigan para sa burges na kaayusan.

Prosper Merimee(1803-1870). Ang mga makatotohanang tendensya ay ipinahayag sa kanyang trabaho. Ang kanyang pananaw ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng pilosopiya ng paliwanag.

Sa kanyang akda, ang romantikong paghihimagsik laban sa realidad ay napalitan ng matinding kritikal at maging satirical na paglalarawan ng realidad mismo.

Nakibahagi si Merimee sa pakikibaka laban sa klasisismo, na naglabas noong 1825 ng isang koleksyon ng mga dula na tinatawag na "Theatre of Clara Gasul". Clara Gasul - artistang Espanyol; Sa pangalang ito ipinaliwanag ni Merime ang kulay ng mga dulang isinulat sa paraan ng mga komedya ng lumang teatro ng Espanyol. At ang mga romantiko, tulad ng alam mo, ay nakita sa Spanish Renaissance theater ang mga tampok ng isang romantikong teatro - katutubong, libre, hindi alam ang mga canon ng klasisismo.

Sa Clara Gasoul Theatre, nagbigay si Mérimée ng isang napakatalino na halimbawa ng prinsipyo ng kalayaan ng pagkamalikhain at pagtanggi na sundin ang mga canon ng normative aesthetics ng classicism. Ang ikot ng mga dula sa koleksyong ito ay, kumbaga, isang malikhaing laboratoryo para sa manunulat ng dula, na nakahanap ng bagong diskarte sa paglalarawan ng mga karakter at hilig, mga bagong paraan ng pagpapahayag at mga dramatikong anyo.

Ang koleksyong ito ay nagpapakita ng isang gallery ng maliwanag, parang buhay, bagama't minsan ay kakaibang mga larawan (ang mga karakter ay mga tao sa lahat ng klase). Isa sa mga tema ay ang pagtuligsa sa mga klero. At kahit na ang mga bayani ng mga komedya ni Merimee ay malalakas, madamdaming tao na nasa isang pambihirang posisyon, gumagawa ng mga hindi pangkaraniwang bagay, hindi pa rin sila mga romantikong bayani. Dahil sa pangkalahatan ay lumilikha sila ng larawan ng mga kaugaliang panlipunan (na mas malapit sa pagiging totoo).

Ang romantikong kulay ng sitwasyon ay nagsisilbing irony (o kahit isang parody ng isang romantikong drama). Halimbawa: "African Love" - ​​​​sa dulang ito, tinatawanan ni Merimee ang kawalan ng posibilidad ng "frantic" na mga hilig ng mga bayani ng dula, na inilalantad ang kanilang teatro at huwad na kalikasan. Ang isa sa mga bayani ng drama, ang Bedouin Zein, ay umiibig sa alipin ng kanyang kaibigang si Haji Numan, kaya sa pag-ibig ay hindi siya mabubuhay kung wala siya. Pero hindi lang pala ito ang mahal niya. Pinatay siya ni Haji Numan, at siya, namamatay, ay namamahala na sabihin na mayroong isang itim na babae na naghihintay ng isang anak mula sa kanya. Nagulat ito kay Haji Numan, at pinatay niya ang isang inosenteng alipin. Sa sandaling iyon, lumitaw ang isang tagapaglingkod at nag-anunsyo na "nakahain na ang hapunan, tapos na ang palabas." Lahat ng "napatay" ay tumayo.

Upang mabawasan ang mga romantikong kalunos-lunos, madalas na ginagamit ni Merimee ang pamamaraan ng pagbangga ng mataas, kalunos-lunos na istilo ng pananalita sa karaniwan, kolokyal at maging bulgar na wika sa kalye.

Ang Carriage of the Sacred Gifts (isang satirical na komedya mula sa Clara Gasul Theatre) ay kinukutya ang mga kaugalian ng pinakamataas na administrasyon ng estado at ang "mga prinsipe ng simbahan" (ang viceroy, ang kanyang hukuman at ang obispo). Lahat sila ay napupunta sa kamay ng maliksi na young actress na si Pericola.

Pinangarap ni Mérimée na lumikha ng isang pambansang makasaysayang drama. Ito ay kung paano lumitaw ang dula na "Jacquerie" (1828), na nakatuon sa pag-aalsa ng mga magsasaka noong siglo XIV. Ang dula ay nilikha sa kapaligiran ng isang rebolusyonaryong pag-aalsa bago ang mga kaganapan noong 1830. Ang inobasyon ni Merimee ay ipinakita sa dulang ito: ang bayani ng dula ay ang mga tao. Ang trahedya ng kanyang kapalaran, ang kanyang pakikibaka at pagkatalo ang bumubuo sa balangkas na batayan ng dula. At dito siya nakikipagtalo sa mga romantiko, na hindi nagpapakita ng katotohanan ng buhay, ngunit ang katotohanan ng tula. Siya ay tapat sa katotohanan ng buhay, na nagpapakita ng mga bastos at malupit na kaugalian, ang pagtataksil ng mayayamang burges na taong-bayan, ang limitado at makitid na abot-tanaw ng mga magsasaka at ang hindi maiiwasang pagkatalo. (Binigyang-kahulugan ni Mérimée ang dula bilang "mga eksena mula sa panahon ng pyudal." Si Pushkin ay may hindi natapos na drama na "Mga Eksena mula sa mga panahon ng chivalrous." At ang "Boris Godunov" (1825) ay isa ring katutubong makasaysayang drama, tulad ng "Jacquerie" ni Mérimée).

Ngunit ang Jacquerie ay hindi kasama sa repertoire ng mga sinehan.

Alfred de Vigny(1797-1863) - isa rin sa mga kilalang kinatawan ng romantikong drama. Siya ay nagmula sa isang matandang marangal na pamilya. Ngunit siya ay isang tao ng isang bagong panahon: inilagay niya ang kalayaan sa ibabaw ng lahat, hinatulan ang despotismo ng mga hari at Napoleon. Kasabay nito, hindi niya matanggap ang isang burges na republika, hindi naiintindihan ang kahulugan ng mga rebolusyonaryong pag-aalsa noong 1930s, kahit na alam niya ang makasaysayang kapahamakan ng maharlika. Kaya naman ang pessimistic na katangian ng kanyang romanticism. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga motibo ng "kalungkutan sa mundo", ang mapagmataas na kalungkutan ng isang tao sa isang dayuhan sa mundo, ang kamalayan ng kawalan ng pag-asa at trahedya na kapahamakan.

Ang kanyang pinakamahusay na trabaho ay isang romantikong drama "Chutterton" (1835).

Chatterton, ika-18 siglong makatang Ingles Ngunit hindi ito isang talambuhay na dula. Inilalarawan ni De Vigny ang kalunos-lunos na kapalaran ng makata na gustong mapanatili ang kalayaan ng tula, kalayaan ng pagkamalikhain, kalayaang pansarili. Ngunit ang mundong ito ay walang kinalaman sa tula o kalayaan. Hinugasan ang dula, gayunpaman, mas malawak at mas malalim. Nakita ng manunulat ng dula ang poot ng bagong panahon sa kalayaan at sangkatauhan. Ang mundo ay hindi makatao, at dito ang tao ay kalunos-lunos na nag-iisa. Puno ng panloob na kahulugan ang love plot ng drama, dahil ang dula ni de Vigny ay isa ring trahedya ng pagkababae at kagandahang ibinigay sa kapangyarihan ng isang mayamang boor.

Ang anti-bourgeois pathos ng drama ay pinalalakas ng isang yugto, mahalaga sa ideolohikal na kahulugan, kung saan hinihiling ng mga manggagawa sa tagagawa na bigyan ng lugar ang kanilang kasama, na baldado ng isang makina sa kanyang pabrika. Tulad ni Byron, na nagtanggol sa interes ng mga manggagawa sa House of Lords, ang aristokrata na si de Vigny ay naririto na kaalyado ng kilusang paggawa noong 1930s.

Ang kakaibang romantikismo ni de Vigny ay ang kawalan ng galit at kagalakan na katangian nina Hugo at Dumas. Ang mga karakter ay buhay na buhay, tipikal at mahusay na sikolohikal na binuo. Ang finale ng drama - ang pagkamatay nina Chatterton at Kitty - ay inihanda ng lohika ng kanilang mga karakter, ang kanilang relasyon sa mundo at hindi isang melodramatic effect.

Ang drama ay unang ginanap noong 1835 at naging isang mahusay na tagumpay.

Alfred de Musset(1810-1857) ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng romantikong teatro at romantikong drama. Siya ay malapit na nauugnay sa mga tagapagtatag ng romantisismo. Ang kanyang nobela "Pagtatapat ng isang Anak ng Siglo"- isang pangunahing kaganapan sa buhay pampanitikan ng France. Ang bayani ng nobela ay pumasok sa buhay kapag ang mga kaganapan ng Great French Revolution at ang Napoleonic Wars ay namatay, nang ang mga awtoridad ay "naibalik, ngunit ang pananampalataya sa kanila ay nawala magpakailanman." Si Musset ay dayuhan sa mga pathos ng pakikibaka para sa mga ideya ng kalayaan at humanismo. Hinimok niya ang kanyang henerasyon na "madala sa kawalan ng pag-asa": "Ang kutyain ang katanyagan, relihiyon, pag-ibig, lahat ng bagay sa mundo ay isang malaking kaaliwan sa mga hindi alam kung ano ang gagawin."

Ang saloobing ito sa buhay ay ipinahayag sa kanyang dramaturhiya. Kasabay ng malakas na liriko at dramatikong sitwasyon, may tawanan dito. Ngunit hindi ito pangungutya, ito ay isang masama at banayad na kabalintunaan na nakadirekta laban sa lahat: laban sa pang-araw-araw na prosa ng buhay na walang kagandahan, laban sa kabayanihan, laban sa mataas na romantikong impulses. Kinukutya pa nga niya ang mismong ipinahayag niya - sa kulto ng kawalan ng pag-asa: "napakasarap sa pakiramdam na hindi masaya, bagama't sa totoo lang ay kahungkagan at inip ka lang."

Ang kabalintunaan ay hindi lamang prinsipyo ng romantikong komedya na kanyang nilikha, naglalaman din ito ng mga anti-romantic tendencies, lalo na noong 40s at 50s.

Noong 30s. nilikha "Venetian Night", "Whims of Marianna", "Fantasy". Ito ay mga makikinang na halimbawa ng isang bagong uri ng romantikong komedya. Halimbawa, "Gabing Venetian"(1830): Ang tagapagsayaw at sugarol na si Rosetta ay masigasig na nagmamahal kay Lauretta. Ginagantihan niya siya. Ngunit ipinapakasal siya ng kanyang tagapag-alaga sa isang mayamang prinsipe ng Aleman. Ang masigasig na si Razetta ay nagpadala ng isang liham at isang punyal sa kanyang minamahal - dapat niyang patayin ang prinsipe at, kasama si Razetta, tumakas mula sa Venice. Kung hindi, magpapakamatay siya. Ngunit biglang nanalo ang sentido komun: Si Lauretta, pagkatapos mag-isip tungkol sa kung paano pinakamahusay na kumilos, ay nagpasya na makipaghiwalay sa kanyang galit na galit at, higit pa, nasira ang kasintahan at maging asawa ng isang mayamang prinsipe. Matino ring nakipagtalo si Razetta, itinatapon din niya ang mga kathang-isip tungkol sa pagpatay at pagpapakamatay at, kasama ang isang kumpanya ng batang rake, tumulak palayo sa isang gondola upang kumain ng hapunan. Sa pagtatapos, ipinahayag niya ang pagnanais na ang lahat ng kahangalan ay matapos din.

Komedya "Pantasya"(1834) ay napuno ng malungkot na kabalintunaan.

Minsan ang mga komedya ay nagtatapos sa mga kalunos-lunos na pagtatapos. - "Whims of Marianne", "No joking with love" (1834).

Ang panlipunang pessimism ni Musset ay pinaka-binibigkas sa drama "Lorenzaccio"(1834). Ito ay isang drama na nagpapahayag ng mga pagmumuni-muni sa kalunus-lunos na kapahamakan ng mga pagtatangka na baguhin ang takbo ng kasaysayan sa isang rebolusyonaryong paraan. Sinusubukan ni Musset na unawain ang karanasan ng dalawang rebolusyon at ilang rebolusyonaryong pag-aalsa, na mayaman sa buhay pampulitika ng France noong unang bahagi ng 30s.

Ang balangkas ay batay sa mga kaganapan ng medieval na Florence. Si Lorenzo Medici (Lorenzaccio) ay napopoot sa despotismo. Nangangarap ng gawa ni Brutus, binalak niyang patayin ang malupit na si Alexandro Medici at bigyan ng kalayaan ang amang bayan. Ang gawaing ito ng terorismo ay dapat suportahan ng mga Republikano. Pinatay ni Lorenzaccio ang duke, ngunit walang nagbago. Ang mga Republikano ay nag-aalangan na magsalita. At ang mga indibidwal na pagsiklab ng popular na kawalang-kasiyahan ay pinigilan ng mga sundalo. May bounty sa ulo ni Lorenzaccio. At siya'y kanilang pinatay, na may kataksilan na sinaksak sa likod. Ang bangkay ni Lorenzaccio ay itinapon sa lagoon (i.e. hindi inilibing). Ang korona ng Florence ay iniharap sa bagong duke.

Ang drama ay gumagamit ng mga pamamaraan ng romantikismo, ito ay nakasulat sa isang malayang paraan na may kumpletong pagwawalang-bahala sa mga canon ng klasisismo. Ang 39 na maiikling eksena-episode nito ay nagpapalit-palit sa paraang magbibigay sa aksyon ng mabilis at malawak na saklaw ng mga kaganapan. Ang mga pangunahing tauhan ay mahusay na iginuhit.

Ang pangunahing ideya ay tungkol sa imposibilidad ng panlipunang rebolusyon. Ang may-akda ay nagbibigay pugay sa espirituwal na lakas ng bayani, ngunit kinondena ang romantikismo ng isang indibidwal na rebolusyonaryong kilos. Ang mga taong nakikiramay sa ideya ng kalayaan, ngunit hindi nangahas na sumali sa pakikibaka, ay hinahatulan din. Sa drama, kapansin-pansin ang impluwensya ni Shakespeare - isang malawak na paglalarawan ng panahon sa mga kaibahan sa lipunan nito, ang kalupitan ng moral.

Pagkatapos ng Lorenzaccio, hindi bumabaling si Musset sa malalaking paksang panlipunan. Mula sa ikalawang kalahati ng 30s. nagsusulat siya ng matikas at nakakatawang mga komedya mula sa buhay ng sekular na lipunan - "Kandelero" (1835), "Caprice"(1837). Sa kalagitnaan ng 40s. Ang Musset ay bumuo ng isang espesyal na genre ng mga kasabihang komedya, ngunit ito ay parlor-aristocratic comedies.

Ang kapalaran sa entablado ng drama ni Musset ay napaka katangian ng teatro ng Pransya noong panahon ng Monarkiya ng Hulyo: Ang mga unang dula ni Musset, ang pinakamahalaga sa mga terminong ideolohikal at makabagong anyo, ay hindi tinanggap ng teatro ng Pransya. Ang pagtatanghal ng mga dula ni Musset ay natuklasan sa Russia. Noong 1837, ang komedya na "Caprice" ay itinanghal sa St. Petersburg (sa ilalim ng pamagat na "Ang isip ng isang babae ay mas mahusay kaysa sa anumang mga saloobin"). Ang mahusay na tagumpay ng dulang ito ay pinilit ang French Theater sa St. Petersburg na bumaling dito: ito ay itinanghal para sa kapakinabangan ng aktres na si Allan, na, bumalik sa France, kasama ito sa repertoire ng Comédie Française.

Ngunit sa pangkalahatan, ang mga dula ni Musset ay hindi sumakop sa isang kilalang lugar sa repertoire ng French theater at walang kapansin-pansing impluwensya sa ideolohikal at aesthetic na hitsura nito. Nanatili sila sa kasaysayan bilang isang halimbawa ng makabagong drama na hindi nakahanap ng isang ganap na entablado na sagisag sa teatro ng panahon nito.

Augustin Eugene Scribe(1791-1864) ay isang manunulat ng bourgeoisie. “... mahal niya siya, mahal niya siya, inangkop niya sa kanyang mga konsepto at panlasa upang siya mismo ay nawala ang lahat ng iba; Ang Scribe ay courtier, caresser, preacher, gaer, teacher, jester at makata ng bourgeoisie. Ang burges ay umiiyak sa teatro, naantig ng kanilang sariling birtud, na ipininta ng Scribe, naantig ng kabayanihan ng klerk at ang tula ng counter” (Herzen).

Siya ay isang prolific playwright, nagtataglay ng talento, kasipagan, mahusay na nauunawaan ang "mga tuntunin" ng isang "mahusay na gawa." Sumulat siya ng humigit-kumulang 400 dula. Pinaka sikat "Bertrand at Raton" (1833), "Hagdan ng Kaluwalhatian" (1837), "Baso ng tubig" (1840), "Adrienne Lecouvrere" (1849).

B O Karamihan sa mga dula na may walang humpay na tagumpay ay napunta sa entablado ng teatro ng Pransya, na nanalo ng katanyagan sa labas ng France.

Mababaw ang nilalaman ng mga dula ng Scribe, ngunit mayroon itong optimistikong espiritu at kasiyahan. Ang mga ito ay nilikha para sa burges na publiko, ngunit ang ibang mga uri ay nagkaroon din ng tagumpay. Nagsimula siya sa vaudeville noong 1930s. nagsusulat ng mga komedya ng vaudeville na may kumplikado, mahusay na dinisenyong intriga at ilang banayad na napansing panlipunan at pang-araw-araw na mga tampok ng kanyang panahon.

Ang kanilang simpleng pilosopiya ay bumagsak sa katotohanan na kailangan mong magsikap para sa materyal na tagumpay at kasaganaan, dahil tanging ang kaligayahan ay namamalagi dito.

Ang kanyang mga bayani ay masayang masiglang burges, hindi nabibigatan sa anumang mga pag-iisip tungkol sa kahulugan ng buhay, tungkol sa tungkulin, tungkol sa mga isyu sa etika at moral. Ang lahat ng ito ay walang laman para sa kanila, wala silang oras, kailangan nilang maayos na ayusin ang kanilang mga gawain: kumikita ang pag-aasawa, bumuo ng isang nakahihilo na karera, at mayroong anumang paraan para dito - upang mag-eavesdrop, subaybayan, magtanim ng isang liham o maharang. isang sulat. Ang lahat ng ito ay ang pamantayan ng pag-uugali at walang oras upang mag-alala.

Ang kanyang pinakamahusay na laro ay "Basa ng Tubig o Sanhi at Epekto"(1840), na umikot sa mga yugto ng lahat ng mga sinehan sa mundo. Nabibilang ito sa mga makasaysayang dula, ngunit ang kasaysayan ay isang dahilan lamang: binibigyan nito ang may-akda ng mga makasaysayang pangalan, petsa, makatas na mga detalye, at wala nang iba pa. Hindi sinusubukan ng may-akda na ihayag o subaybayan ang mga pattern ng kasaysayan. Ang intriga ay binuo sa pakikibaka ng dalawang kalaban sa pulitika: si Lord Bolingbroke at ang Duchess of Marlborough, ang paborito ni Queen Anne. Ang buong “pilosopiya ng kasaysayan” ng Scribe ay ang mga sumusunod: “... ang mga sakuna sa pulitika, mga rebolusyon, ang pagbagsak ng mga imperyo ay hindi naman sanhi ng malalim at mahahalagang dahilan; ang mga hari, pinuno, heneral ay nasa awa ng kanilang mga hilig, kapritso, kanilang walang kabuluhan, i.e. ang pinakamaliit at pinakamalungkot na damdamin ng tao.

Ang burges na manonood, kung kanino binilang ng Scribe, ay walang katapusan na nambobola na siya ay hindi mas masahol pa sa mga sikat na bayani at monarko. Ginawa ng eskriba ang kuwento sa isang napakahusay na pagkakagawa ng yugto ng anekdota. Ang isang baso ng tubig na natapon sa damit ng reyna ng Ingles ay humantong sa pagtatapos ng kapayapaan sa pagitan ng England at France. Nakuha ni Bolingbroke ang ministeryo dahil magaling siyang sumayaw ng sarabande, ngunit nawala ito dahil sa sipon. Ngunit ang lahat ng kahangalan na ito ay binibihisan ng isang napakatalino na anyo ng teatro, binibigyan ito ng isang nakakahawang ritmo, at ang dula ay hindi umalis sa entablado nang higit sa 100 taon.

Felix Pia(1810-1889) - lumikha ng social melodrama. Ayon sa kanyang mga pananaw, siya ay isang Republikano, isang miyembro ng Paris Commune. Ang kanyang trabaho ay nagkaroon ng epekto sa buhay teatro sa panahon ng 1830-1848. (paglago ng rebolusyonaryong damdamin).

Makasaysayang anti-monarchist na drama "ango" itinanghal sa Ambigu-Comic theater noong 1835, ay itinuro laban kay King Francis I, na ang pangalan ay nauugnay sa alamat ng pambansang bayani - ang king-knight, enlightener at humanist. Inilalantad ng drama ang "pinaka-kaakit-akit na monarko".

Ang social melodrama na "The Parisian rag-picker" ay ang pinakamahalagang gawain ni Pia. Ito ay itinanghal sa teatro na "Porte Saint-Martin" noong 1847 at naging isang mahusay at pangmatagalang tagumpay. Lubos na pinahahalagahan ni Herzen ang dramang ito, na nagpapahayag ng panlipunang protesta laban sa mataas na lipunan ng Monarkiya ng Hulyo. Ang pangunahing storyline ay ang kwento ng pagtaas at pagbagsak ng banker na si Hoffmann. Sa prologue ng dula, si Pierre Garus, wasak at ayaw magtrabaho, ay gumawa ng isang pagnanakaw at pagpatay. Sa unang kilos, ang mamamatay-tao at magnanakaw ay isang respetadong tao. Itinago ang kanyang pangalan at nakaraan, mahusay niyang sinamantala ang pagnakawan at ngayon ay isang kilalang bangkero - Baron Hoffman. Ngunit ang rag-picker na ama na si Jean, isang matapat na mahirap, isang kampeon ng hustisya, ay naging isang aksidenteng saksi sa krimen na nagmarka ng simula ng karera ni Harus-Hoffmann. Sa pagtatapos ng dula, si Hoffmann ay nalantad at pinarusahan. At kahit na ang finale ay hindi tumutugma sa katotohanan ng buhay, ipinahayag nito ang optimismo na likas sa melodrama - pananampalataya sa batas ng tagumpay ng mabuti.

Honore da Balzac(1799-1850). Sa kanyang trabaho, ang makatotohanang mga hangarin ng French drama noong 30s at 40s ay ipinakita nang may pinakamalaking puwersa at pagkakumpleto.

Ang gawain ni Balzac ay ang pinakamahalagang yugto sa pagbuo at teoretikal na pag-unawa sa pamamaraan ng kritikal na realismo.

Maingat na pinag-aralan ni Balzac ang mga katotohanan ng buhay, ang batayan ng mga social phenomena, sinuri ang mga ito upang makuha ang kanilang pangkalahatang kahulugan at magbigay ng isang larawan ng "mga uri, hilig at mga kaganapan."

Siya ay kumbinsido na ang manunulat ay dapat maging isang tagapagturo at tagapagturo. At ang paraan para dito ay ang teatro, ang accessibility nito at ang kapangyarihan ng impluwensya sa manonood.

Si Balzac ay kritikal sa kontemporaryong teatro. Tinuligsa niya ang romantikong drama at melodrama bilang mga dulang malayo sa buhay. Sinikap niyang dalhin sa teatro ang mga prinsipyo ng kritikal na realismo, ang katotohanan ng buhay. Ngunit ang landas sa paglikha ng isang tunay na dula ay mahirap. Sa kanyang mga unang dula, may pag-asa sa romantikong teatro. Noong 40s. nagsisimula ang pinakamabunga at mature na panahon ng kanyang trabaho.

Sumulat siya ng 6 na dula: The School of Marriage (1839), Vautrin (1839), Hopes of Kinola (1841), Pamela Giraud (1843), Businessman (1844), Stepmother (1848).

Komedya "Negosyante"- ito ay isang makatotohanan at matingkad na satirical na imahe ng kontemporaryong moral. Ang lahat ng mga bayani sa komedya ay uhaw sa pagpapayaman, at lahat ng paraan ay mabuti para dito. Kung ang isang tao ay manloloko at kriminal o isang respetadong negosyante ay napagdesisyunan ng tagumpay o kabiguan ng kanyang scam.

Ang pangunahing karakter ay isang negosyanteng si Mercade. Siya ay matalino, insightful, malakas ang loob at napaka-charming. Samakatuwid, madaling makawala sa mahirap at kahit na walang pag-asa na mga sitwasyon. Alam ng mga nagpapautang ang kanyang presyo at handa silang ilagay siya sa bilangguan, ngunit sumuko sila sa kanyang kalooban, kagandahan, at handa na hindi lamang paniwalaan siya, kundi pati na rin upang tumulong sa kanyang mga pakikipagsapalaran. Siya ay lubos na nauunawaan na sa pagitan ng mga tao ay walang mga ugnayan ng pagkakaibigan, maharlika, ngunit isang mapagkumpitensyang pakikibaka para sa kita. Lahat ay binebenta!

Ang pagiging totoo ni Balzac ay ipinakita sa isang makatotohanang paglalarawan ng mga kaugalian sa lipunan, sa isang walang awa na pagsusuri sa modernong lipunan ng mga negosyante bilang isang panlipunang kababalaghan.

Ang pinakamahalaga sa ideolohikal at masining na mga termino ay ang drama ng Balzac "Madrasta", kung saan napalapit siya sa gawain ng paglikha ng isang "makatotohanan" na dula. Tinawag niyang "drama ng pamilya" ang dula dahil malalim niyang sinuri ang mga relasyon sa pamilya; at ito ay nagbigay sa drama ng isang mahusay na panlipunang kahulugan.

Sa likod ng panlabas na kagalingan at mapayapang katahimikan ng isang maunlad na pamilyang burges, unti-unting nabubunyag ang isang larawan ng pakikibaka ng mga hilig, paniniwala sa pulitika, isang drama ng paninibugho, pag-ibig, poot, paniniil ng pamilya at pagmamalasakit ng ama para sa kaligayahan ng mga bata.

Ang aksyon ng dula ay nagaganap sa bahay ng isang mayamang tagagawa, ang dating Napoleonic general na Comte de Grandchamp. Ang mga pangunahing tauhan ay ang asawa ni Count Gertrude, ang kanyang anak na babae mula sa kanyang unang kasal, si Polina, at ang nasirang Count Ferdinand de Markandal, na ngayon ay manager ng pabrika ng heneral. Mahal nina Polina at Ferdinand ang isa't isa, ngunit may mga hindi malulutas na hadlang sa paraan ng kanilang pagmamahalan. Ang heneral, sa kanyang mga paniniwala sa pulitika, ay isang masigasig na Bonapartist, napopoot siya sa lahat na nagsimulang maglingkod sa mga Bourbon. At ganoon din ang ginawa ng ama ni Ferdinand. Namumuhay si Ferdinand sa maling pangalan, dahil alam niyang hinding-hindi ibibigay ng heneral ang kanyang anak na babae sa anak ng isang "traidor". Ang pangalawang balakid ay si Gertrude ang maybahay ni Ferdinand bago pa man ito ikasal. Nang pakasalan niya ang heneral, umaasa siyang matanda na ito at malapit nang mamatay, at siya, mayaman at malaya, ay babalik kay Ferdinand. Ipinaglalaban niya ang kanyang pag-ibig, pinamunuan niya ang isang malupit na intriga para paghiwalayin ang magkasintahan. Ang sikolohikal na drama na ito ay naglalaman ng parehong melodramatic at romantikong mga elemento: ang pagnanakaw ng mga liham, ang banta ng pagbubunyag ng sikreto ng bayani, ang pagpapakamatay ng mga magkasintahan. Ngunit ang pangunahing bagay ay na sa gitna ng lahat ng mga trahedya na kaganapan ng "Stepmother" ay namamalagi ang phenomena ng panlipunang katotohanan - ang pagkawasak ng isang aristokrata, ang poot ng mga kalaban sa pulitika, isang kasal ng kaginhawahan.

Nais ni Balzac na ibunyag ang trahedya sa pang-araw-araw na buhay; ito ay nakapaloob sa dramaturhiya ng huling bahagi ng ika-19 na siglo.

“Ang Stepmother ay itinanghal sa Historical Theater noong 1848. Sa lahat ng mga dula ni Balzac, siya ang pinakamatagumpay sa publiko.

Pag-unlad Panitikang Pranses sa pagtatapos ng ika-18 siglo , noong mga taon ng Great Bourgeois Revolution ay naganap sa ilalim ng tanda ng rebolusyonaryong klasisismo. Ang istilo ng mga talumpati ng mga mananalumpati at mga utos ng Convention, ang maringal na pambansang kasiyahan, ang mga gawa ng mga makata na bumubuo ng mga odes, himno at papuri - lahat ng ito ay napuno ng diwa ng imitasyon ng sinaunang panahon. Ang mahigpit na anyo ng sinaunang sining ay nagpahayag ng mga mithiin ng pagkamamamayan at pagkamakabayan, na nagbigay inspirasyon sa mga pinuno ng burges na rebolusyon.

Isa sa mga tanyag na makata ng rebolusyon ay Ecuchar Lebrun (1729-1807) . Sa kanyang mga odes, na nakasulat sa diwa ni Pindar, inaawit niya ang pakikibaka ng mga Pranses laban sa mga pyudal na panginoon at dayuhang despotismo. Isa pang makata ng panahon Marie Joseph Chenier (1764-1811) ay ang may-akda ng mga himno na ginanap sa mga pista opisyal, pati na rin ang mga trahedya ng rebolusyonaryong makabayan na nilalaman.

Ang tula ng kanyang kapatid ay may ibang katangian - André Chénier (1762-1794) , ang pinakamaliwanag na French lyricist sa panahong ito. Sa kaibahan sa malupit na klasisismo ng mga Jacobin, nakita ni Andre Chenier sa sinaunang sining hindi lamang ang sagisag ng birtud at kalayaan, kundi pati na rin ang tagumpay ng senswal na makamundong prinsipyo. Sa kanyang mga eklogo at elehiya, niluluwalhati niya ang kagalakan ng makalupang pag-ibig at ang kasiyahan sa buhay.

Ang unang tanda ng rebolusyonaryong dramaturhiya ay ang dula ni Marie Joseph Chenier na "Charles IX, o isang Aral para sa mga Hari". Kasunod nito, lumilitaw ang iba pang mga dula sa entablado, niluluwalhati ang mga republikano at mga makabayan, hinahampas ang mga hari at aristokrasya, panatisismo sa relihiyon at kamangmangan. Ang ilang mga dula ay alegoriko (halimbawa, ang "Festival of Reason" ni Marechal, "Festival of the Supreme Being" ni Cuvelier).

pangunahing direksyon Panitikang Pranses noong unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. ay romanticism. Sa isang maagang yugto ng pag-unlad nito, ang sentral na lugar sa romantikong kilusan ay inookupahan ng François René de Chateaubriand (1768-1848) , isang manunulat na kumakatawan sa konserbatibong pakpak ng kilusan. Sa mga taon ng rebolusyon, si Chateaubriand ay isang kalahok sa mga digmaan laban sa Republika ng Pransya, at noong mga taon ng Pagpapanumbalik, siya ay isang reaksyunaryong politiko. Ang lahat ng isinulat niya ay isang polemic na may mga ideya ng Enlightenment at ang rebolusyon.

Ang kanyang treatise na The Spirit of Christianity (1802) ay lumuluwalhati sa "kagandahan ng relihiyon" at nagpapatunay sa ideya na ang Katolisismo - ang pinakamaganda sa mga relihiyon - ay dapat magsilbing batayan at nilalaman ng sining. Sa treatise na ito, isinama ng may-akda ang dalawang kwento - "Atala" at "Rene", kung saan nakikipagtalo siya sa mga ideya ng mahusay na tagapagturo ng Pranses na si Rousseau. Naniniwala si Chateaubriand na ang isang tao ay hindi makakahanap ng kaligtasan sa sinapupunan ng kalikasan, dahil dito, siya rin ay nananatiling biktima ng kanyang mga bisyo at hilig. Ang kaligtasan ay nasa pagbabalik lamang sa relihiyon, sa simpleng pananampalataya - ganyan ang kaisipan ng Chateaubriand.

Taliwas sa Chateaubriand Germaine de Stael (1766-1817) ay isang tagasuporta ng mga ideyang liberal at sa loob ng ilang taon ay nakipaglaban kay Napoleon, na nagpatalsik sa kanya mula sa France. Marami siyang ginawa upang patunayan ang mga prinsipyo ng romantikismo. Sa kanyang aklat na "On Literature" (1800), binuo niya ang ideya ng pag-asa ng panitikan sa buhay panlipunan ng mga tao. Sa mga nobelang Dolphin (1802) at Corinna (1807), ipinagtatanggol ng manunulat ang karapatan ng babae sa kalayaan sa damdamin at ipinakita ang pag-aaway ng personalidad ng tao sa mga pundasyon ng burges-maharlikang lipunan.

Ang pagkamalikhain ay kadugtong sa linyang sinimulan ng Chateaubriand Alfred de Vigny (1797-1863) , may-akda ng mga tula at drama, pati na rin ang makasaysayang nobelang "Saint-Mar" (1826), na nakatuon sa imahe ng isang marangal na pagsasabwatan laban kay Cardinal Richelieu. Sa gitna ng mga gawa ni Vigny ay nakatayo ang nag-iisang mapagmataas na tao na humahamak sa karamihan.

makata ng liriko Alphonse de Lamartine (1790-1869) nagsimula rin ang kanyang karera sa ilalim ng impluwensya ng Chateaubriand. Ang kanyang mga koleksyon ng mga tula na "Poetic Reflections" (1820), "New Poetic Reflections" (1823) ay naglalaman ng melancholic elegies, monotonous at diborsiyado mula sa totoong mundo, ngunit hindi nang walang tula at damdamin.

espesyal na lugar sa Ika-19 na siglo French Romanticism tumatagal Alfred de Musset (1810-1857) . Sa kanyang unang libro ng mga tula, Spanish at Italian Tales, binibigyang-kahulugan niya ang mga romantikong motif sa isang ironic na tono, na parang binabawasan at kinukutya ang mga ito. Si Musset din ang may-akda ng mga drama at komedya sa prosa, kung saan inilalarawan niya ang imahe ng isang binata na hindi nasisiyahan sa katotohanan, na nakadarama ng hindi pagkakasundo sa mundo ng kanyang panahon, ngunit hindi kayang ganap na masira ito. Sa nobelang "Confessions of a Son of the Century" (1835), direktang binanggit ni Musset ang kanyang bayani bilang kinatawan ng henerasyon ng 30s. Ang trahedya ng henerasyong ito ay nakasalalay sa katotohanan na, labis na nadismaya sa prosaic na katotohanan ng burges na France, wala itong tunay na pag-asa na labanan ito.

Pagkatapos ng Rebolusyong Hulyo ng 1830, ang gawain ng ilang kinatawan ng romantikismo ay sumanib sa mga demokratiko at utopyan na uso sa kaisipang panlipunan. Ang pinakamaliwanag na kinatawan b> Ika-19 na siglong French romanticism sina Victor Hugo at George Sand.

Victor Hugo (1802-1885) dumaan sa mahirap na landas ng pag-unlad. Ang batang Hugo ay pumasok sa panitikan kasama ang koleksyon ng Odes and Other Poems (1822), kung saan inawit niya ang mga liryo ng mga Bourbon at Katolikong kabanalan. Gayunpaman, sa lalong madaling panahon ay sinira niya ang mga motibong ito at mula sa kalagitnaan ng 20s ay naging isang tagasuporta ng mga liberal na demokratikong ideya. Sa paunang salita sa kanyang dulang "Cromwell" (1827), binalangkas ni Hugo ang mga prinsipyo ng isang bago, romantikong dramaturhiya. Inaatake niya ang mga patakaran ng "tatlong pagkakaisa", sinasalungat ang mahigpit na delimitasyon ng mga genre na likas sa klasisismo. Idineklara ni Shakespeare na "ang diyos ng teatro", hiniling ni Hugo ang kalayaan at pagiging natural, pagsunod sa "lokal na kulay", isang pinaghalong trahedya at komiks. Malaki ang papel na ginampanan ng manifesto ni Hugo sa pagpapalaya ng panitikan mula sa mga mahigpit na alituntunin ng klasisismo; kasabay nito, pinapalitan ni Hugo ang mga klasikong kombensiyon ng bago, romantikong mga kombensiyon. Nagtalaga siya ng isang malaking papel sa katawa-tawa, na nagiging para sa kanya ng isang unibersal na paraan ng masining na pagpapahayag. Ang aksyon ng mga drama ni Hugo ay nagaganap sa panahon ng Middle Ages, ang mga ito ay puno ng mga nakamamanghang eksena at mga nakakabighaning sitwasyon.

Noong 1831, isinulat ni Hugo ang nobelang Notre Dame Cathedral. Ang madilim na hitsura ng katedral ay sumasalamin sa pyudal na Middle Ages, ang paghahari ng pang-aapi at panatismo. Ngunit ang katedral ay umaakit din sa makata bilang isang kahanga-hangang monumento ng sining, na nilikha ng henyo ng mga tao. Ang buhay na inilalarawan sa nobela ay puno ng panlipunang kaibahan. Ang manunulat ay nasa panig ng bayan ng bayan. Gayunpaman, ang mga kumbensyonal na pamamaraan ng kanyang sining ay makikita sa katotohanan na ang inapi na masa ay kinakatawan ng mga imahe ng pangit na Quasimodo at Esmeralda, na idealized sa isang sentimental na espiritu.

Masigasig na sinalubong ni Hugo ang rebolusyon noong 1830, ngunit sa mahabang panahon ay nagkaroon siya ng mga ilusyon tungkol sa rehimen ng monarkiya ng Hulyo. Pagkatapos lamang ng rebolusyon ng 1848 ay naging republikano si Hugo. Sa kabila ng katotohanan na hindi ganap na mapalaya ng manunulat ang kanyang sarili mula sa mga liberal na ilusyon, ang mga demokratikong tendensya ang naging batayan ng kanyang mga pananaw. Matatag na tinutulan ni Hugo ang kriminal na pakikipagsapalaran ni Louis Bonaparte, na nang-agaw ng kapangyarihan sa France. Isinulat niya laban sa kanya ang aklat na "The History of a Crime" at ang polyetong "Napoleon the Small" (1852). Pareho ng mga sulating ito ang kanilang bahagi sa paglaban sa reaksyon.

Pinilit na umalis sa France, si Hugo ay gumugol ng 19 na taon sa pagkatapon. Sa panahong ito, kumikilos siya bilang aktibong manlalaban sa pulitika laban sa reaksyon: sinubukan niyang iligtas si John Brown mula sa parusang kamatayan, nagprotesta laban sa mga agresibong patakaran ng England at France, at ipinagtatanggol ang kalayaan ng Poland sa mga pahina ng Kolokol ni Herzen. Ang mga taon ng pagkatapon ay isang panahon ng malikhaing pagtaas para sa manunulat. Noong 1853, inilathala niya ang isang koleksyon ng mga tula na "Retribution", kung saan kaawa-awa niyang tinuligsa ang burgesya na nagpabago sa demokrasya, mga reaksyunaryong kleriko, ang korte ng klase at ang mang-aagaw mismo - si Napoleon III. Sa malalim na pakikiramay, nagsasalita si Hugo tungkol sa mga tao, taimtim siyang naniniwala sa kanilang lakas at hinaharap.

Sa pagkatapon, isinulat ni Hugo ang mga nobelang Les Misérables, Toilers of the Sea, at The Man Who Laughs. Ang partikular na kahalagahan ay ang nobelang Les Misérables (1862), na tumatalakay sa pinakamatinding suliraning panlipunan noong ika-19 na siglo. Iginuhit ang kapalaran ng mangmang na magsasaka na si Jean Valjean, na napunta sa mahirap na trabaho para sa isang maliit na bagay, at ang batang babae na si Fantine, na naging isang puta, ipinakita ng may-akda na sila ay sinisira ng panlipunang kawalan ng katarungan at mga bisyo ng burges na lipunan. Sa lahat ng ito, naniniwala si Hugo sa posibilidad ng muling pagsilang sa moral ng isang tao sa ilalim ng impluwensya ng sangkatauhan at awa. Ang kuwento nina Jean Valjean at Fantine ay inihayag laban sa isang malawak na pampublikong background. Inilarawan ni Hugo, halimbawa, ang mga labanan sa barikada sa Paris noong 1832. Ang mga pakikiramay ng manunulat ay nasa panig ng mga taong nag-aalsa, inihahatid niya ang kalunos-lunos na pakikibaka, lumilikha ng mga kaakit-akit na larawan ng mga rebelde, kung saan namumukod-tangi ang batang Parisian na si Gavroche - ang buhay na sagisag ng rebolusyonaryong diwa ng mga tao.

Noong 1870 bumalik si Hugo sa France. Sa kinubkob na Paris, nananawagan siya sa mga tao na ipagtanggol ang sariling bayan. Hindi naunawaan ng manunulat ang kahulugan ng Paris Commune, ngunit buong tapang niyang ipinagtanggol ang mga Communard mula sa pag-uusig ng matagumpay na burgesya. Noong 1874, ang kanyang huling nobela, The Ninety-Third Year, ay nai-publish, na nakatuon sa French Revolution sa pagtatapos ng ika-18 siglo. at inilalarawan ang pakikibaka ng batang republika laban sa kontra-rebolusyon. Nakikiramay sa mga rebolusyonaryong ideya, hindi pa rin mareresolba ni Hugo ang mga kontradiksyon sa pagitan ng tindi ng rebolusyonaryong pakikibaka at makataong damdamin, sa pagitan ng terorismo at awa, ay nananatiling bihag ng kanyang mga petiburges na ilusyon.

Ang isang kilalang kinatawan ng demokratikong kalakaran sa romantisismo ay George Sand (alias ng Aurora Dudevant, 1804-1876) , na nagtaas ng mga nagbabagang isyung panlipunan sa kanyang trabaho. Sa kanyang mga unang nobela - "Indiana", "Valentina", "Lelia", "Jacques" - si George Sand ay nakipag-usap sa posisyon ng mga kababaihan sa pamilya at lipunan, laban sa burges na moralidad.

Ang paglala ng panlipunang pakikibaka noong 1940s ay nag-udyok sa manunulat na bumaling sa pagbabalangkas ng mas malawak na mga suliraning panlipunan. Gumagawa siya ngayon ng mga larawan ng mga tao mula sa mga tao. Ang mga nobelang The Wandering Apprentice, The Miller from Anzhibo, at The Sin of Monsieur Antoine ay nakadirekta laban sa pagkamakasarili ng mga may-ari at burges na sibilisasyon, na nagdudulot ng pagdurusa sa mga tao. Kasunod ng mga Saint-Simonists at Christian Socialists, ipinangangaral ni George Sand ang pagpapagaan ng mga kontradiksyon sa lipunan, ang pagkakasundo ng mga uri.

Ang pinakamahalagang nobela ni George Sand ay sina Horas at Consuelo, na isinulat noong unang bahagi ng 1940s. Sa Horace, ang uri ng burges na indibidwalista na tila kaakit-akit sa unang henerasyon ng mga romantiko ay pinabulaanan. Ang tema ng nobelang "Consuelo" ay ang kapalaran ng sining sa isang makauring lipunan. Iniharap ng manunulat ang ideya ng hindi mapaghihiwalay na koneksyon sa pagitan ng tunay na sining at ng mga tao.

Ang rebolusyon ng 1848 ay nagbunga ng malalim na panloob na krisis sa isipan ni George Sand. Ang pagbagsak ng mga ideya mula sa nag-iisang "above-class democracy" ang nagbunsod sa manunulat na talikuran ang pagbabalangkas ng mga talamak na isyung pampulitika, gayundin ang pagpapahina ng panlipunang kalakaran. Ang kanyang mga kuwento mula sa buhay magsasaka ay minarkahan ng malalim na pakikiramay para sa mga uring manggagawa, ngunit nilayon ang kababaang-loob at kababaang-loob ng mga tao.

France, na lumipas mula sa katapusan ng XVIII hanggang sa kalagitnaan ng XIX na siglo. sa pamamagitan ng tatlong rebolusyon, naging lugar ng kapanganakan ng militanteng pampulitikang tula. Pierre Beranger (1780-1857) ay ang lumikha ng mga kahanga-hangang awiting pampulitika. Si Beranger ay kumilos bilang isang makata sa panahon ng Napoleonic monarkiya. Sa kantang "King Yveto" (1813), inaawit niya ang isang mabait na patriyarkal na hari na namuhay sa pakikipagkaibigan sa kanyang mga kapitbahay at nag-aalaga sa kanyang mga tao. Ang kantang ito ay nakadirekta laban sa mga pakikipagsapalaran sa militar ni Napoleon at sa kanyang patakaran sa buwis.

Si Beranger ay naging isang tunay na manunula sa panahon ng Pagpapanumbalik. Sa mga maalab na kanta, kinutya niya ang mga maharlika na bumalik mula sa ibang bansa at nangarap na maibalik ang dating kaayusan, ang mga Heswita na nagtaas ng ulo sa France. Para sa mga gawaing ito, dalawang beses na nakulong si Beranger. Ang rebolusyon ng 1830 ay nagdala sa makata ng malalim na pagkabigo.

Ang kanyang mga kanta ay nakadirekta na ngayon laban sa mayayaman at maunlad na mga philistines. Ang isang matalas na kritikal na saloobin sa bourgeoisie ay pumukaw kay Berenger ng isang interes sa utopian sosyalismo. Ang pampulitika na kanta ni Beranger - masayahin, palaban, palabiro, puspos ng organikong demokrasya, na minarkahan ng selyo ng masiglang pambansang katatawanan - ay isang magandang halimbawa ng makatotohanang tula.

30s at 40s ng XIX na siglo. sa panitikang Pranses minarkahan ng pag-usbong ng realismo. Sa panahong ito, ang mga kontradiksyon sa pagitan ng mga mithiin ng burges na demokrasya at realidad, ang pag-unlad ng kapitalismo, ay naihayag nang may partikular na kalinawan. Ang paghihirap ng masa, ang kaibahan ng kahirapan at kayamanan, ang paglaki ng mga kontradiksyon sa lipunan - lahat ito ay ang pinaka-nakakahintong karikatura ng mga pampulitikang pangako ng burgesya - kalayaan, pagkakapantay-pantay at kapatiran. Ang isang tunay na salamin ng mga kontradiksyong ito ay ang pangunahing panlipunang nilalaman ng kritikal na realismo ng panahong ito, na natagpuan ang pinakamataas na pagpapahayag nito sa nobela ng 30-40s ng ika-19 na siglo.

Ang nangunguna sa mga dakilang realista sa panahong ito ay Benjamin Constant (1767-1830) , na nagbigay sa kanyang nobelang "Adolf" (1816) ng isang malalim na imahe ng sikolohiya ng isang binata noong ika-19 na siglo, makasarili at nabigo, walang kakayahang aktibong kumilos.

Isa sa pinakamatalino na kinatawan ng kritikal na realismo ay Stendhal (pseudonym ni Henri Beyle, 1783-1842) . Isang tagasunod ng mga materyalista noong ika-18 siglo, siya ay nakatayo lalo na malapit kay Helvetius, na minana ang kanyang pagtuturo sa mga hilig, na bumubuo sa pinagmumulan ng kayamanan ng panloob na buhay ng tao. Hinangaan ni Stendhal ang mga taong may aktibo, malakas na karakter, malayo sa maliliit na interes ng panahon ng Pagpapanumbalik at monarkiya ng Hulyo. Natagpuan niya ang gayong mga bayani sa mga figure ng Italian Renaissance ("Italian Chronicles"), sa Shakespeare, at sa kanyang kontemporaryong buhay - kabilang sa ilang mga malalakas na kalikasan na may kakayahang madama ang kasiraan ng kapaligiran at marubdob na kinasusuklaman ito.

Sa kahanga-hangang nobelang Pula at Itim (1830), inilalarawan ni Stendhal ang lipunang Pranses noong panahon ng Pagpapanumbalik. Ang bayani ng kanyang libro, si Julien Sorel, isang plebeian sa pamamagitan ng kapanganakan, ay isang madamdamin na tagahanga ng panahon ng Napoleonic, na, sa kanyang opinyon, ay nagbukas ng isang pagkakataon para sa isang mahuhusay na tao mula sa ibaba upang gumawa ng kanyang paraan sa buhay. Sa mga taon ng Panunumbalik, ang mga pagkakataong ito ay napakaliit. Isang lalaking may mataas at sensitibong kaluluwa, si Julien ay handang gawin ang lahat para talunin ang hindi gumagalaw na kapaligirang panlipunan. Ngunit nabigo siyang makamit ang kanyang napiling layunin. Kinondena ng mga naghaharing uri ang plebeian na naghimagsik laban sa kanyang posisyon sa lipunan. Sa huling salita ng akusado, si Julien Sorel mismo ang nagpahayag ng matinding sentensiya sa kanyang mga hukom at sa lipunang kumundena sa kanya.

Ang isa pang nobela, Ang Kumbento ng Parma (1839), ay naganap sa korte ng isang maliit na prinsipalidad ng Italya. Laban sa background na ito, ang manunulat ay gumuhit ng maliliwanag at independiyenteng mga karakter, kasama ang lahat ng kanilang pagiging palaban sa kawalang-halaga ng mundo sa kanilang paligid. Ang kalunos-lunos na kapalaran ng matatalino, mahuhusay, at napakasensitibong mga tao ay sa sarili nitong pagkondena sa reaksyunaryong panahon na ito.

Paglikha Honore de Balzac (1799-1850) kumakatawan sa pinakamataas na punto sa pag-unlad ng Western European critical realism. Itinakda ni Balzac sa kanyang sarili ang nakakatakot na gawain ng pagguhit ng kasaysayan ng lipunang Pranses mula sa unang Rebolusyong Pranses hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Bilang kaibahan sa sikat na tula ni Dante na The Divine Comedy, tinawag ni Balzac ang kanyang obra na The Human Comedy. Ang "Human Comedy" ni Balzac ay dapat na may kasamang 140 mga gawa na may mga karakter na lumilipat mula sa isang libro patungo sa isa pa. Ibinigay ng manunulat ang lahat ng kanyang lakas sa titanic na gawaing ito, nagawa niyang makumpleto ang 90 nobela at maikling kwento.

Sa pagmamasid sa pag-unlad ng burges na lipunan, nakita ng may-akda ng The Human Comedy ang tagumpay ng maruruming hilig, ang paglaki ng unibersal na venality, ang mapanirang dominasyon ng egoistic na pwersa. Ngunit hindi ipinapalagay ni Balzac ang isang pose ng romantikong pagtanggi sa burges na sibilisasyon, hindi siya nangangaral ng pagbabalik sa patriyarkal na kawalang-kilos. Sa kabaligtaran, iginagalang niya ang enerhiya ng burges na lipunan at nadadala siya ng napakagandang pag-asang umunlad ang kapitalista.

Sa pagsisikap na limitahan ang mapanirang kapangyarihan ng mga relasyong burges, na humahantong sa pagkasira ng moral ng indibidwal, bumuo si Balzac ng isang uri ng konserbatibong utopia. Upang pigilan ang mga elemento ng pribadong interes, mula sa kanyang pananaw, tanging ang isang lehitimong monarkiya, kung saan ang simbahan at ang aristokrasya ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel. Gayunpaman, si Balzac ay isang mahusay na realist artist, at ang mahalagang katotohanan ng kanyang mga gawa ay sumasalungat sa konserbatibong utopia na ito. Ang larawan ng lipunan na kanyang iginuhit ay mas malalim, o sa halip, ang mga pampulitikang konklusyon na ginawa mismo ng mahusay na artista.

Ang mga nobela ni Balzac ay naglalarawan ng kapangyarihan ng "prinsipyo sa pananalapi", na nagwasak sa mga lumang patriyarkal na ugnayan at ugnayan ng pamilya, na nagpapataas ng isang bagyo ng makasariling hilig. Sa ilang mga gawa, gumuhit si Balzac ng mga larawan ng mga maharlika na nanatiling tapat sa prinsipyo ng karangalan (ang Marquis d'Egrinon sa Museum of Antiquities o ang Marquis d'Espard sa Case of Custody), ngunit ganap na walang magawa sa ipoipo. ng mga relasyon sa pananalapi. Sa kabilang banda, ipinakita niya ang pagbabago ng nakababatang henerasyon ng mga maharlika sa mga taong walang dangal, walang prinsipyo (Rastignac in Father Goriot, Victurnien in the Museum of Antiquities). Nagbabago rin ang burgesya. Ang mangangalakal ng lumang patriarchal warehouse, ang "martir ng komersyal na karangalan" na si Caesar Biroto ay pinapalitan ng isang bagong uri ng walang prinsipyong mandaragit at money-grubber. Sa nobelang The Peasants, ipinakita ni Balzac kung paano napahamak ang mga ari-arian ng mga may-ari ng lupa, at ang mga magsasaka ay nananatiling naghihirap, dahil ang marangal na ari-arian ay napupunta sa mga kamay ng mandaragit na burgesya.

Ang tanging mga taong binabanggit ng dakilang manunulat na may di-disguised na paghanga ay ang mga republikano gaya ng batang si Michel Chrétien (Lost Illusions) o matandang Uncle Nizeron (The Peasants), hindi makasarili at marangal na bayani. Nang hindi itinatanggi ang kilalang kadakilaan na nagpapakita mismo sa lakas ng mga tao na lumikha ng mga pundasyon ng kapangyarihan ng kapital, kahit na sa mga nag-iimbak ng kayamanan tulad ni Gobsek, ang manunulat ay may malaking paggalang sa walang pag-iimbot na aktibidad sa larangan ng sining at agham, na pinipilit isang tao na isakripisyo ang lahat para sa pagkamit ng isang matayog na layunin ("Search for Absolute", "Unknown Masterpiece").

Binigyan ni Balzac ang kanyang mga bayani ng katalinuhan, talento, malakas na karakter. Ang kanyang mga gawa ay malalim na dramatiko. Ipinipinta niya ang burges na mundo na nakalubog sa patuloy na pakikibaka. Sa kanyang imahe, ito ay isang mundo na puno ng mga kaguluhan at mga sakuna, sa loob ay magkasalungat at hindi nagkakasundo.

Isang pambihirang realistang manunulat ng panahong ito ay Prosper Merimee (1803- 1870) , na pumasok sa kasaysayan ng panitikan lalo na bilang master ng maikling kuwento, laconic, mahigpit, eleganteng. Ang Merimee, tulad ng Stendhal, ay malapit sa mga ideyang nagbibigay-liwanag noong ika-18 siglo. Ang isa sa kanyang unang namumukod-tanging mga gawa, ang dulang salaysay na Jacquerie (1828), ay nakatuon sa paglalarawan ng kilusang magsasaka noong ika-14 na siglo ng France. Sa kanyang nag-iisang pangunahing nobela, The Chronicle of the Times of Charles IX (1829), inilalarawan ng Mérimée ang pakikibaka sa pagitan ng mga Katoliko at Protestante at ang mga kaganapan sa Gabi ni Bartholomew. Isang may pag-aalinlangan at isang ateista, balintuna niyang tinatrato ang magkaaway na partido at pinabulaanan ang panatikong hindi pagpaparaan.

Ibinaling sa kanyang mga maikling kwento ang mga tema at larawang ipinakilala sa panitikan ng mga romantiko, medyo makatotohanang binibigyang-kahulugan ni Merimee ang mga ito. Tulad ng mga romantiko, naghahanap siya ng malalakas at matingkad na karakter sa mga bansang medyo hindi gaanong apektado ng pag-unlad ng burges, at kadalasang nakakaakit ng mga taong primitive, buo, may kakayahang makaramdam ng malakas. Ganyan ang mga pangunahing tauhang babae ng mga maikling kwentong "Carmen" at "Colomba", ang magsasaka ng Corsican na si Mateo Falcone (sa maikling kuwento ng parehong pangalan), at iba pa.

Minsan lumingon din si Merimee sa mundo ng mga kamangha-manghang mga imahe ("Venus Ilskaya"), ngunit, na naglalarawan ng mga romantikong bayani at mga romantikong sitwasyon sa matino, mahinahon na tono, sinasamahan sila ng mga ironic na komento at isang makatotohanang sistema ng pagganyak, inililipat niya ang aksyon sa ibang , hindi romantikong eroplano.

Ang mga labanan sa barikada noong Hunyo ng 1848 ay isang mahusay na aspeto sa kasaysayan ng ika-19 na siglo. Ginampanan ang rebolusyonaryong papel ng burgesya sa Kanluran, at ngayon ay sinasalungat nito ang uring manggagawa bilang puwersang nagpapanatili sa umiiral na kaayusan. Hindi ito maaaring magkaroon ng mapagpasyang impluwensya sa pag-unlad ng kulturang burges.

Kung sa larangan ng natural na agham at sosyolohiya ang positivism ay nakakakuha ng makabuluhang impluwensya, kung gayon sa larangan ng panitikan at sining ng France noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo isang bagong uri ng kritikal na realismo ang umuusbong, sa maraming aspeto na iba sa nabuo noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mismong konsepto ng tipikal ay nagbabago. Ito ngayon ay karaniwang itinuturing bilang ang pinakakaraniwan, karaniwan, "aritmetika mean". Tumanggi ang mga manunulat na lumikha ng mga makapangyarihang larawan na katulad ng mga uri ng Stendhal at Balzac. Ang istraktura ng mga gawa ay nagbabago din. Ang komposisyon ay lumalapit sa panlabas na daloy ng buhay, iyon ay, ang medyo patag na ibabaw ng burges na lipunan, ang unti-unting ebolusyon nito.

Ang pagdadala ng sining na mas malapit sa buhay sa pang-araw-araw na pagpapahayag nito, pag-alis nito sa mga huling elemento ng conventionality, hyperbolization, ang mga realista ng 50s at 60s ng ika-19 na siglo ay gumagawa ng isang tiyak na hakbang pasulong sa artistikong pag-unlad, ngunit sa pangunahing at pangunahing sila ay mas mababa. sa klasikal na realismo ng nakaraang panahon.

Ang pinakamalaking kinatawan ng bagong yugto ng pagiging totoo Gustave Flaubert (1821-1880) sa buong buhay niya ay kinasusuklaman niya ang burgesya, itinuturing silang pangkaraniwan, maliit, bulgar, makasarili. Kasabay nito, ang pagiging mapanghamak niya sa masa. Si Flaubert ay hindi naniniwala sa posibilidad na baguhin ang umiiral na sitwasyon, siya ay labis na nabigo sa anumang aktibidad sa politika at itinuturing itong walang kabuluhan. Nanawagan siya sa artista na "pumunta sa ivory tower", upang italaga ang kanyang sarili sa paglilingkod sa kagandahan. Gayunpaman, imposibleng mamuhay sa lipunan at maging malaya sa lipunan. Sa kabila ng kasinungalingan ng kanyang posisyon, nagbigay si Flaubert ng isang kapansin-pansing kritikal na paglalarawan ng burgis na kahalayan at sa gayon ay hindi nanatiling malayo sa pakikibakang panlipunan.

Ang pinaka makabuluhang likha ng manunulat ay ang kanyang nobelang Madame Bovary (1857). Sa gitna ng nobela ay ang imahe ng isang babae mula sa isang burges na kapaligiran, na ang panaginip na imahinasyon ay pinakain sa pamamagitan ng pagbabasa ng romantikong panitikan. Binabaligtad ng katotohanan ang kanyang mga pangarap. Para sa lahat ng kahinahunan kung saan tinatrato ni Flaubert ang mga mithiin ng kanyang pangunahing tauhang babae, labis siyang nag-aalala tungkol sa pagkamatay ng isang tao sa isang banggaan sa realidad ng philistine.

Naiinis sa kapangitan ng kapaligiran, si Flaubert ay patuloy na bumaling sa makasaysayang nakaraan, na natatakpan ng kagandahan at tula. Ganito lumabas ang kanyang nobelang "Salambo", na nakatuon sa pag-aalsa ng mga mersenaryo sa sinaunang Carthage, ang mga nobelang "The Legend of St. Julian the Merciful" at "Herodias". Sa mga gawang ito, ibinalik ni Flaubert, na may mahusay, halos pang-agham na objectivity, ang mga accessory ng malalayong makasaysayang panahon, inilalarawan ang mga ito nang detalyado. Ngunit ang mga bayani ng kanyang mga makasaysayang gawa ay may sikolohiya ng mga tao noong ika-19 na siglo.

Sa nobelang "Edukasyon ng mga Senses" (1869), binuo ni Flaubert ang tema ng "binatang lalaki", na nagpapatuloy sa kahulugang ito ng linya ng Stendhal at Balzac. Ngunit ang kinatawan ng bagong henerasyon ng burgesya, si Frederic Moreau, ay ipinakita bilang isang tamad, hindi gumagalaw na tao, walang kakayahan sa pakikibaka at masiglang aktibidad. Ang pagkamuhi ni Flaubert sa burgesya at kasabay nito ang kanyang negatibong saloobin sa mga tao ang nagpasiya sa kakaibang posisyon ng manunulat na ito sa kasaysayan ng panitikan. Mula kay Flaubert nanggaling ang dakilang realista na si Maupassant, at, sa kabilang banda, ang teorya ng "purong sining", na ipinagtanggol ni Flaubert, ang naging batayan ng mga aesthetic na adhikain ng mga dekada.

Sa kabila ng katotohanan na ang kasagsagan ng naturalismo ay nagsimula noong 80s ng ika-19 na siglo, ang naturalistikong kalakaran sa panitikang Pranses lilitaw nang mas maaga - nasa gawain na ng magkapatid na Goncourt, sina Jules (1830-1870) at Edmond (1822-1896). Sila ay mga tagasuporta ng pagpapakilala ng "paraang siyentipiko" sa panitikan, mga tagasuporta ng "dokumentaryo", ibig sabihin, maingat, hanggang sa pinakamaliit na detalye, pagpaparami ng kapaligiran kung saan nagaganap ang aksyon. Itinuturing ng Goncourts ang mga biological na kadahilanan bilang pangunahing pampasigla para sa pag-uugali ng mga tao, at lalo silang interesado sa mga kaso ng pathological, mga paglihis mula sa pamantayan. Sa paghahanap ng mga taong may madaling masigla at hindi balanseng pag-iisip, ang Goncourts ay bumaling sa buhay ng mga artista, pintor, at manunulat (ang mga nobelang Charles Demayo, Manette Solomon, atbp.). Sa nobelang "Germinie Lasserte" inilalarawan nila ang buhay ng mga mababang uri ng lipunan, na naniniwala na ang biological na prinsipyo ay mas madaling masubaybayan sa mga primitive na tao mula sa mga tao.

Ang isang malalim na trahedya na pigura ay ang pinakamaliwanag na makata ng panahong ito Charles Baudelaire (1821-1867) , may-akda ng The Flowers of Evil (1857). Si Baudelaire, tulad ni Flaubert, ay kinasusuklaman ang burges na lipunan. Siya ay nakikiramay na nagpinta sa kanyang mga tula ng mga rebelde at theomachists na bumangon laban sa umiiral na sistema (Cain sa tula na "Abel at Cain", si Satanas sa "Litanies to Satan", ang alchemist sa "Pride of Pride"). Si Baudelaire ay hindi dayuhan sa demokratikong simpatiya para sa mga ordinaryong manggagawa, pinag-uusapan niya ang kanilang mahirap na buhay (mga tula na "The Soul of Wine", "Twilight of the Evening"), ngunit nakikita sa kanila ang mga nagdurusa lamang, hindi mga mandirigma. Tila nag-iisa siya sa kanyang pagkamuhi sa burges na mundo. Ang kabihasnang burges para kay Baudelaire ay isang nabubulok at namamatay na sibilisasyon, at kasabay nito ay hindi siya makatakas sa yakap nito. Nagbibigay ito ng mga motif ng kamatayan, pagkabulok, pagkabulok sa kanyang tula.

Ang mga kontemporaryo ni Baudelaire ay ang mga makata ng grupong Parnassus, na sumali sa Panitikan ng France noong 50-60s ng XIX na siglo . Kabilang sa mga ito ay sina Lecomte de Lisle, Theophile Gautier, Theodore de Banville, at iba pa.Ang pagkawala ng isang mahusay na nilalamang panlipunan, katangian ng mga makata na ito, ay nauugnay sa kanilang isang panig na interes sa mga katanungan ng anyo. Ang aestheticism sa paghihiwalay ng tula mula sa malalaking ideya sa lipunan ay nagpapahintulot sa atin na isaalang-alang ang gawain ng "Parnassians" bilang isa sa mga unang pagpapakita ng krisis. Ika-19 na siglong Pranses na tula at ang simula ng kanyang turn sa decadence.

Sa Kasaysayan Kultura ng Pranses noong ika-19 na siglo , na gumawa ng malaking kontribusyon sa pag-unlad ng espirituwal na buhay ng lahat ng sangkatauhan, ang isa sa mga unang lugar ay inookupahan ng teatro. Iniharap niya ang isang kalawakan ng mga namumukod-tanging playwright at pangunahing aktor. Sa entablado ng Pransya, ang lahat ng pangunahing artistikong direksyon ng sining sa panahong ito ay nabuo at umabot sa isang mataas na pagiging perpekto, ang lahat ng mga genre ng teatro ay binuo, pati na rin ang mga bagong anyo ng organisasyon ng teatrical na negosyo, katangian ng burges na lipunan na may likas na batas ng kapitalista. kumpetisyon at ang prinsipyo ng kalayaan ng aktibidad ng entrepreneurial. Isang bagong pribadong pag-aari, entrepreneurial, komersyal na teatro ang eksaktong nabuo sa France noong mga taon ng Great Bourgeois Revolution, na isang pangunahing milestone sa kasaysayan ng Pranses na teatro noong ika-19 na siglo .

Sinira ng rebolusyon ang lumang sistema ng pamumuno ng korte-bureaucratic ng buhay teatro, inalis ang mga monopolyo ng guild at mga pribilehiyo ng hari, na naging hadlang sa karagdagang pag-unlad ng isang propesyonal na teatro. Noong Enero 13, 1791, ang Legislative Assembly ay naglabas ng isang dekreto sa "kalayaan ng mga sinehan", na nagbibigay sa bawat mamamayang Pranses ng karapatang magbukas ng isang teatro at magtanghal ng mga dula ng anumang genre dito sa ilalim ng kanyang sariling responsibilidad. Sa lalong madaling panahon ang "kalayaan ng mga teatro" ay naging kanilang pag-asa sa mga burges na negosyante na ginamit sila para sa personal na pagpapayaman, ngunit sa una ang teatro ay isang makapangyarihang salik sa pagbuo ng mga rebolusyonaryong ideya.

Mula sa mga unang buwan ng rebolusyon at sa dramaturhiya at pag-arte sa France nagsimulang magkaroon ng bagong istilo ng rebolusyonaryong klasisismo, na gumising sa kabayanihan at damdaming makabayan ng masa sa tulong ng “spell” ng mga multo ng mga dakilang mamamayan ng sinaunang Roma at Sparta; ang kanilang mga imahe, na nakapaloob sa entablado, ay nagbigay ng matataas na pamantayan ng kahusayan ng republika. Bilang karagdagan sa pagtatanghal ng mga rebolusyonaryong klasikong trahedya, ang mga Jacobin sa mga taon ng kanilang diktadura (1793-1794) ay gumawa ng mga unang pagtatangka na lumikha ng isang teatro sa propaganda ng masa na nagpapahayag ng mga adhikain ng rebolusyon. Nag-aayos sila ng mga malalaking pagdiriwang ng katutubong, mga pagtatanghal ng masa, nilagyan ng iba't ibang mga alegorya na eksena, pantomime, prusisyon, oratorio. Dito inaawit ang mga tagumpay ng mga rebolusyonaryong tropa at nilalaro ang mga komedya, tinutuligsa ang mga kaaway ng rebolusyon, ang mga mamamayan at mga oportunista. Maraming mga kautusan ng Convention at ng Committee of Public Safety ang itinuro sa paghahanap ng isang teatro na magigising sa rebolusyonaryong kabayanihan ng masa.

Ngunit ang rebolusyonaryong tagsibol Pranses na teatro ay maikli ang buhay. Ang Thermidorian reaksyon ay muling binuhay ang philistine sentimentalism na may taglay nitong pagluwalhati sa moralidad ng pamilya. Ang pangunahing gawain ng teatro sa panahon ng Direktoryo ay upang pigilan ang mga rebolusyonaryong impulses ng masa, itanim sa kanila ang paniniwala ng idealidad ng bago, burges na sistema, kung saan ang sinumang mahirap na tao, kung siya ay mapalad, ay maaaring yumaman. Ang pagbabago ng mga ideya ay makikita sa bagong genre ng melodrama na lumitaw noong mga taon ng rebolusyon.

Sa una, ang melodrama ay puno ng mga rebolusyonaryong plebeian tendencies at matalas na kontra-klerikal (Monvel's Monastic Victims, 1791) o anti-despotic (Robert, Ataman of the Robbers, La Martelier, 1792). Sa panahon ng Direktoryo at Konsulado, ang melodrama ay nawawala ang mapanghimagsik na nilalaman nito, nagsimulang palitan ang mga salungatan sa lipunan ng mga moral, at inilalarawan ang mga kalupitan ng mga indibidwal. Nakatanggap ng ganitong hitsura ang French melodrama mula kay G. de Pixerecourt (1773-1844), na binansagan na "The Corneille of the Boulevards" (ang pinakamagagandang dula ay "Victor, or the Child of the Forest", 1798; "Selina, or the Child of Mystery ", 1800; " The Man of Three Persons, 1801). Ang kanyang mga kahalili ay sina C. Kenye ("The Thieving Magpie", 1815) at V. Ducange, ang may-akda ng melodrama na "Thirty Years, or the Life of a Gambler" (1827), na walang sentimental na kasinungalingan, na napuno ng demokrasya at pagtuligsa. mangungulit ng pera. Gayunpaman, ang melodrama ni Ducange ay kabilang sa susunod na romantikong panahon sa kasaysayan ng teatro ng Pransya.

Ang isa pang genre ay dumaan sa isang katulad na landas ng pag-unlad Pranses na teatro noong ika-19 na siglo , na ipinanganak noong mga taon ng rebolusyon, - sarsuwela . Siya ay puno ng masayang pagpapatawa, kung saan nakita ni A. I. Herzen ang "isa sa mahahalagang at magagandang elemento ng karakter ng Pranses." Sa hinaharap, ang vaudeville ay nawala ang kanyang fighting spirit at journalistic sharpness, naging isang purong entertainment genre.

Sa mga unang taon ng siglo XIX. dalawang uri ng vaudeville simpletons na makikita sa vaudeville: ang walang muwang na si Jachrisse at ang tusong Cadé-Roussel. Ang mga Vaudeville ay itinanghal sa Paris sa dalawang espesyal na mga sinehan: "Vaudeville" at "Variety". Tulad ng melodrama, ang French vaudeville ay malawak na kumalat sa buong Europa at naghari sa entablado nang higit sa kalahating siglo. Ang sikat na vaudeville actress ng France ay si V. Dejaze (1797-1875).

Bagong panahon sa kasaysayan Pranses na teatro nauugnay sa Napoleonic Empire. Nilimitahan ni Napoleon ang mga karapatang napanalunan ng mga sinehan pagkatapos ng utos sa "kalayaan ng mga sinehan", lubos na nabawasan ang bilang ng mga sinehan, isinailalim sila sa pangangasiwa ng pulisya at censorship. Ibinalik niya ang mga pribilehiyo ng mga pangunahing sinehan, at lalo na ang Comedie Francaise, sa pamamagitan ng paglikha ng isang bagong charter para sa pinakalumang teatro na ito sa France, batay sa kung saan ito umiiral hanggang sa araw na ito.

French drama ng panahon ng Imperyo sinusunod ang mga canon ng klasisismo, ngunit walang demokratikong ideolohiya, anti-klerikal at anti-monarchist na mga katangian. Sa ilalim ng panulat ni Renoir, N. Lemercier at iba pa, ang klasiko na trahedya ng panahon ng Imperyo ay puno ng mga reaksyunaryong ideya, na eklektikong pinagsasama ang abstract classicism nito sa mga elemento ng umuusbong na reaksyonaryong romantisismo.

Ang pinakamahalagang pigura sa French theater noong huling bahagi ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. ay ang aktor na si F. J. Talma (1763 -1826). Malayo na ang narating ni Talma. Siya ang pinakadakilang aktor ng rebolusyonaryong klasisismo, na sumaklaw nang may malaking puwersa ng kanyang civic heroism at patriotic pathos. Pagkatapos ng rebolusyon, siya ang naging nangungunang pintor ng klasikong teatro ng "Empire", na puno ng mga ideyang konserbatibo-monarchist na likas sa panahong ito. Ngunit ang humanistic aspiration na likas sa Talma ay nakatulong sa kanya na malampasan ang mga limitasyon ng opisyal, magarbong sining at lumaki bilang isang pintor na naghahayag ng mga prinsipyo ng mataas na moralidad ng tao sa entablado.

Si Talma ay isang walang sawang innovator at theater reformer. Siya ang unang pangunahing tagapagsalin sa France ng mga tungkulin ng mga trahedya na bayani ni Shakespeare. Binago niya ang klasikong pamamaraan ng pag-arte: tinalikuran niya ang pagbabasa ng chant, inilipat ang mga intonasyon ng mga rebolusyonaryong tagapagsalita sa entablado, inaprubahan ang tunay na antigong kasuutan, ipinakilala ang portrait make-up sa French theater, at gumawa ng makabuluhang reporma sa mga ekspresyon ng mukha at kilos ng ang aktor. Sa pangkalahatan, hindi pa ganap na lumalabag sa normative aesthetics at conditional acting technique ng classicism, nagbigay si Talma ng isang malakas na impetus sa pag-unlad ng French theater kasama ang landas ng realismo, na inilalapit ito sa pagsasakatuparan ng hindi mapaghihiwalay na koneksyon ng isang tao na may ang panahon na nagsilang sa kanya. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, nakilala niya ang mga batang romantiko (Lamartine, Hugo) at pinangarap na gampanan ang mga tungkulin ng isang bagong repertoire, lalo na, ang papel ni Cromwell sa drama ng parehong pangalan ni Hugo. Ngunit hindi nabuhay si Talma upang makita ang pagkumpleto ng Cromwell, ang hitsura nito ay nagbukas ng panahon ng progresibong romantikismo sa teatro sa France.

Ang tulong sa pagbuo ng isang progresibong romantikong teatro sa France ay ibinigay ng mga pangunahing manunulat - Stahl, Stendhal, Hugo, Merimee, kung saan ang huling dalawa ay ang pinakamalaking manunulat ng dula; lahat sila ay nag-ambag sa theoretical substantiation ng poetics ng romantic drama. Ang isang tampok na katangian ng huli ay ang pagtanggi sa malinaw na pagkakaiba sa pagitan ng mga genre, ang pagnanais na pagsamahin ang drama sa mga liriko at epiko, ang paghahalo ng trahedya sa komiks, ang kahanga-hanga sa katawa-tawa (ang kahalagahan ng katawa-tawa bilang isang aesthetic na kategorya ng ang romantikong drama ay unang binigyang-diin ni Hugo sa paunang salita sa Cromwell).

Unang lugar sa mga Mga romantikong manunulat ng dulang Pranses noong ika-19 na siglo ay kay Victor Hugo. Sa kanyang mga drama na Marion de Lorme, Hernani, The King Amuses himself, Mary Tudor, Ruy Blas, malinaw na ipinakita ang mga tendensyang katangian ng progresibong romantikismo - madamdamin na humanismo, pagtuligsa sa mga naghaharing uri, pakikiramay sa mga ordinaryong tao, pagnanais para sa makasaysayang katotohanan , mataas na tula.

Ang napakasikat na romantikong manunulat ng dulang si Alexandre Dumas père ay nakilala sa kanyang pagiging walang prinsipyo, tapat na paghahangad ng tagumpay, mababaw, huwad na historicism. Gayunpaman, ang ilan sa kanyang mga dula, lalo na ang "Anthony" (1831), "Richard Darlington" (1831), "Kean, or Debauchery and Genius" (1836), ay naglalaman ng mga elemento ng panlipunang kritisismo, pagtuligsa sa walang pusong burges- marangal na lipunan .

Isa sa mga pinakamahusay na Pranses na romantikong drama ay ang Chatterton ni A. de Vigny (1835) - isang sikolohikal na drama na nagpapakita ng trahedya ng isang makata na hindi nakahanap ng lugar para sa kanyang sarili sa isang mercantile burges society.

Isang napakatalino (ngunit pinahahalagahan nang maglaon) ang romantikong manunulat ng dula ay si A. de Musset, na lumikha ng mga liriko na drama na Marianne's Whims (1833), They Don't Joke with Love (1834), at ang historical drama na Lorenzaccio (1834). ).

Si Felix Pia (1810-1889), ang nagtatag ng radikal na demokratikong kalakaran sa romantikismo noong 1930s, ang lumikha ng genre ng social melodrama, na naglalarawan sa mga salungatan ng paggawa at kapital, ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa mga romantikong manunulat ng dula.

Sa panahon ng Pagpapanumbalik at ng Monarkiya ng Hulyo kumikilos sa paris umabot sa napakataas na taas. Ang teatro na "Comédie Francaise", na madalas na tinatawag na "House of Moliere", pagkamatay ng dakilang Talma ay nawala ang nangungunang posisyon nito. Ngunit sa mga teatro sa boulevard ng Paris, bagama't ang kanilang repertoire ay puno ng walang laman na nakaaaliw na mga pagtatanghal, ang mga makabuluhang dula ay itinanghal, puspos ng demokratikong ideolohiya; ang mga dakilang aktor ay lumaki dito, na ang mga pangalan ay nauugnay sa pamumulaklak ng romantikismo sa teatro ng Pransya at kung saan ang mga gawaing makatao at protesta laban sa kawalan ng katarungan sa lipunan ay malinaw na ipinahayag.

Ang pinakamahalaga sa mga aktor na ito - si Frederic Lemaitre (1800-1876) ay naging tanyag sa paglalaro ng mga papel ng manlalaro na si Georges Germani, Ruy Blas, Richard Darlington, Keane, ang rag-picker na si Jean, at gayundin ang bandido na si Robert Macer - isang uri ng satirical. na naging isang panlipunang simbolo ng Monarkiya ng Hulyo.

Si Pierre Bocage (1799 - 1863) ay may kakaibang anyo - isang demokratiko at republikang aktor, isang manghahabi sa pinagmulan. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng impetuosity ng laro, isang pagkahilig sa pagmamalabis, ang kakayahang maghatid ng malakas na mga hilig.

Pleiades ng natitirang mga aktor ng France sa panahon ng Monarkiya ng Hulyo nagtatapos kay Eliza Rachel (1821-1858), na muling binuhay ang klasikong trahedya sa kasagsagan ng romantisismo. Pinatunog niya ang kabayanihan na tema sa bisperas ng rebolusyon ng 1848, na binibigyang-diin ang mga motibong lumalaban sa paniniil sa mga trahedya ng mga dakilang klasiko. Isa sa mga pinakadakilang nagawa ni Eliza Rachel sa pag-arte ay ang kanyang pagganap sa Marseillaise noong mga rebolusyonaryong araw ng 1848.

Kasabay ng romantic dramaturhiya sa France nabuo din ang makatotohanang dramaturhiya. Nahulog ito sa dalawang uri: ang deskriptibong realismo ng Scribe at ang kritikal na realismo ng Mérimée at Balzac.

Si Eugene Scribe (1791-1861) ay isang prolific burges Ika-19 na siglong Pranses na manunulat ng dulang . Sumulat siya ng mga vaudeville, melodramas, opera libretto, historikal at pang-araw-araw na komedya. Sa kanyang mga makasaysayang dula, sikat sina Bertrand at Raton (1833) at The Glass of Water (1840), na nailalarawan ng tinatawag na "teorya ng maliliit na dahilan", na binabawasan ang pulitika sa mga intriga sa likod ng mga eksena at nagpapaliwanag ng mga pangunahing kaganapan sa kasaysayan. na may maliit na pang-araw-araw na phenomena. Sa mga pang-araw-araw na komedya ng Scribe, ang pinakatanyag ay ang Ladder of Glory (1837); inilalarawan niya ang mga burges na negosyante at mga careerista na tumutulong sa kapwa pagsulong sa landas ng karera.

Ang dramaturhiya ng kritikal na realismo ay nagkaroon ng walang kapantay na mas mataas na antas ng ideolohikal, na sumasalamin sa mga kontradiksyon ng burges na lipunan at nagsusumikap na ipakita ang malalim na mga salungatan sa lipunan at mga karakter na nakakondisyon sa lipunan. Sa panahon ng Pagpapanumbalik, ang Prosper Mérimée ay lumikha ng isang koleksyon ng napaka banayad, nakakatawang makatotohanang mga komedya (karamihan sa isang gawa), na inilathala sa ilalim ng pamagat na Clara Gasoul Theater (1825); ang mga dula ng koleksyong ito ay puno ng pagmamahal sa kalayaan, anti-pyudal at anti-klerikal na hilig. Ang makasaysayang drama-chronicle na si Jacquerie, na naglalarawan sa pinakamalaking pag-aalsa ng mga magsasaka sa France sa pagtatapos ng Middle Ages, ay isinulat sa ibang istilo. Sa kabila ng kanilang mga artistikong merito, ang mga drama ni Merimee ay tumama sa entablado lamang mamaya - lamang sa ika-20 siglo.

Ang kapalaran sa entablado ng mga dula ng mahusay na realista na si Balzac ay hindi rin naging matagumpay. Sa mga dramang "Vautrin", "Resourceful Kinola", "Stepmother" Balzac ay malinaw na inilantad ang mga tunay na pundasyon ng acquisitive burges na lipunan, ang kawalang-puso ng mga tao sa pera at kasakiman, ay nagpakita ng salamin ng mga salungatan sa lipunan sa kapaligiran ng pamilya. Sa komedya na The Dealer, nagbigay siya ng kakaibang matingkad na satirical na paglalarawan ng mundo ng mga negosyante at speculators, kung saan naghahari si Mercade. Ang mga dula ni Balzac ay hindi naging matagumpay sa kanyang mga kapanahon at ipinagbawal. Sinimulan nilang itatag ang kanilang sarili sa entablado pagkatapos lamang ng kamatayan ng kanilang may-akda, at sila ay pinahahalagahan ayon sa kanilang mga merito lamang noong ika-20 siglo.

Matapos ang rebolusyon ng 1848, natakot sa pag-aalsa ng Hunyo ng proletaryado ng Paris, ang burgesya ay nagsimula sa landas ng bukas na reaksyong ideolohikal. V teatro ng France sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo itinanghal ang apologetic protective plays ni Alexandre Dumas na anak, Emile Ogier at Victorien Sardou. Ang kanilang mga dula ay tinawag na pseudo-realistic ng maraming istoryador; sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kabastusan ng mga balangkas, ang kasinungalingan ng mga karakter, ang mapagkunwari na pagbabalatkayo ng tunay na diwa ng mga relasyon sa lipunan. Kulang sila sa pangunahing kalidad ng realismo - ang paglalarawan ng mga tipikal na karakter sa mga tipikal na pangyayari. Sa kabuuan, ang teatro ng burges at ang drama ng Ikalawang Imperyo ay nakatayong malayo sa mataas na daan ng pag-unlad ng panitikan.

Ang tanging maliwanag na phenomena sa mga taon ng Ikalawang Imperyo ay ang makikinang na mga komedya ng vaudeville ni Eugene Labiche (1815 - 1888), pati na rin ang gawain ng ilang aktor, halimbawa Edmond Gaut (1822 - 1901) - ang pinakamahusay na gumaganap ng mga tungkulin sa ang mga komedya ng Molière, Balzac at Ogier.

Pinong sining ng France noong ika-19 na siglo

Pagpinta, eskultura at mga graphic ng France noong ika-19 na siglo. gumanap ng pambihirang mahalaga at kapansin-pansing papel sa pagbuo at pag-unlad ng kulturang sining ng daigdig.

Ang kalubhaan ng mga kontradiksyon sa lipunan at ang mabilis na pagbabago ng mga pormang pampulitika sa France ay nagdulot ng isang buong serye ng mga kaguluhan din sa masining na buhay at artistikong mga uso. Walang isang bansa sa panahong sinusuri ang maihahambing sa France sa katapangan ng ideolohikal at malikhaing paghahanap.

Lahat ng tatlong pangunahing hakbang French art 1789 - 1870 - classicism, romanticism at realism - may panloob na pagkakaisa. Sa kanilang pinakamahusay, pinaka-progresibong pagpapakita, anuman ang kanilang mga istilong anyo, sila ay puno ng isang rebolusyonaryong diwa, demokratikong lakas at kabayanihan.

Mula sa rostrum ng Jacobin club, at pagkatapos ay ang rebolusyonaryong Convention, kinilala ng France ang pinuno ng klasisismo, si Jacques Louis David (1748 - 1825), bilang isang artista "na ang henyo ay nagdala ng rebolusyon na mas malapit." Ang gawain ni David noong bago ang rebolusyonaryo at rebolusyonaryong mga panahon ay naglalaman ng malupit at kabayanihan na diwa ng kapanahunan, at kasabay nito, ang mga ilusyon ng napipintong tagumpay ng "kaharian ng katwiran" at katarungan, na isinilang ng isang pambansang pagtaas. Ang klasisismo ni David ay muling binuhay sa mga bagong makasaysayang kondisyon ang mga tradisyon ng Poussin kasama ang kanilang humanistic na kulto ng unang panahon at ang kahanga-hangang ideya ng tungkulin ng isang tao sa mga dikta ng katwiran at lipunan. Gayunpaman, kung si Poussin sa kanyang sining ay isang pilosopo, moralista at makata, kung gayon si David ay kumilos bilang isang pulitikal na tribune. Ang pinakasikat sa kanyang mga pre-revolutionary painting, The Oath of the Horatii (1784), ay parang tawag sa armas, sa rebolusyonaryo at makabayang aksyon, tulad ng Marseillaise ni Rouget de Lisle, na naging awit ng rebolusyon. Ang pagpipinta ni David na "Consul Brutus, condemning to death his sons who betrayed the Republic" (1789) ay napagtanto ng mga kontemporaryo bilang "ang storming ng Bastille sa pagpipinta."

Ang pagpili ng mga kalunus-lunos na eksena mula sa sinaunang kasaysayan para sa kanyang mga pagpipinta, binihisan sila ni David ng mahigpit at malinaw na anyo, na may hindi nagkakamali na tumpak na pagguhit at isang malinaw, malamig na kulay, na may lubos na nagpapahayag na aksyon na naglalahad na parang nasa entablado ng teatro, lahat ng ito ay sinusubukang ibigay. ang mga aksyon ng kanyang mga bayani ang katangian ng ganap na kaayusan at pangangailangan.

Isinasaalang-alang ang kanyang mga gawa bilang isang paraan ng paggising sa rebolusyonaryong kamalayan at aktibidad, hindi pinaghiwalay ni David ang kanyang mga aktibidad sa sining at sibiko. Miyembro siya ng Jacobin club, isang miyembro (at minsan ay tagapangulo) ng Convention, isang kaibigan ni Robespierre, na halos binayaran niya gamit ang kanyang ulo nang ang diktadurang Jacobin ay ibagsak ng reaksyunaryong burgesya.

Ang mga taon ng rebolusyon ay tumutukoy sa pinakamataas na pamumulaklak ng pagkamalikhain ni David. Iniwan ang mga antigong plot, bumaling siya sa pagluwalhati sa mga gawa at pagsasamantala ng kanyang mga kontemporaryo - ang mga bayani at martir ng malaking kaguluhan sa lipunan. Sa kanyang pinakamahusay na pagpipinta, The Murdered Marat (1793), sa kahanga-hanga, maliwanag na makatotohanang mga larawan tulad ng The Greengrocer o The Old Man in the Black Hat, mahalagang tinalikuran ni David ang mga prinsipyong klasiko, inilatag ang pundasyon para sa isang bagong realismo ng ika-19 na siglo. at naging, kasama ang Kastila na si Goya at ang Englishman Constable, ang nagtatag ng pinakamakapangyarihang linya sa pag-unlad ng sining ng Europa sa panahong ito.

Sa mga taon ng Direktoryo, Konsulado at Imperyo, sinubukang muli ni David na bumalik sa abstract, perpekto at kahanga-hangang wika ng klasisismo, sinusubukang maunawaan ang aktibidad ni Napoleon mula sa punto ng view ng mga progresibong panig nito sa kasaysayan. Gayunpaman, ang huli na klasisismo ni David ay nakakuha ng isang makatwirang karakter, walang buhay at walang bunga: Hindi naniniwala si David kay Napoleon, tulad ng hindi pinagkakatiwalaan ng emperador ang matandang Jacobin.

Sa lugar ng arkitektura ng France sa pagliko ng XVIII-XIX na siglo. Si Claude Nicolas Ledoux (1736-1806) ay nakikibahagi sa paghahanap para sa isang mahigpit na klasiko, laconic at kahanga-hangang istilo, na pinag-aaralan para dito ang malupit na mga gusali ng panahon ng Republika ng Roma at ang ilang mga monumento ng sining ng Griyego na kilala noong panahong iyon. Gayunpaman, karamihan sa kanyang mga proyekto ay hindi naipatupad. Matapos ang kapangyarihan ni Napoleon, ang arkitektura ay hindi hinihingi sa pagiging simple ng Spartan, ngunit sa magarbong kadakilaan ng Imperyong Romano. Sa gawain ng mga arkitekto na nagpapatakbo sa ilalim ng Napoleon - Percier, Fontaine, Chalgrin, Vignon - ang diwa ng opisyal at eclecticism ay lumago nang higit at mas malinaw, na sa lalong madaling panahon ay sinundan ng isang malalim na krisis sa Pranses at lahat ng European architecture. Ang paraan ng pag-alis sa pagtanggi na ito ay binalangkas lamang sa pagpasok ng ika-20 siglo.

Sa pagpipinta, patuloy na itinanim ni Napoleon ang parehong diwa ng malamig at huwad na ideyalisasyon, na nag-order ng mga kahanga-hangang pagpipinta ng labanan na niluwalhati ang kanyang mga pagsasamantala sa militar, o solemne, mga larawang seremonyal na puno ng pambobola. Sa mga gawa ng karamihan sa mga artista sa panahong ito, ang klasisismo ay naging isang mahiyaing sistema ng mga doktrinang pang-akademiko. Ipinangaral nila ang mga reaksyunaryong ideya ng hindi masusugatan ng mga relasyong panlipunan at kalmado ng Olympian sa gitna ng mga unos ng buhay, kusang-loob na sumisipsip ng mga elemento ng reaksyonaryong romansa sa diwa ng Chateaubriand.

Si Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867), na walang kabuluhang nagsikap na huminga ng buhay sa mga lipas na artistikong prinsipyo at dumanas ng sunud-sunod na kabiguan sa kanyang malalaking pagpipinta sa makasaysayang o relihiyosong mga tema, ay hindi nakaligtas sa epekto ng malalim na krisis na ito ng klasisismo. Ngunit pinasok ni Ingres ang kasaysayan ng sining ng Pransya sa kabilang panig ng kanyang aktibidad bilang isang first-class na makatotohanang pintor ng portrait, na umaangat sa kanyang pinakamahusay na mga gawa, halimbawa, sa "Portrait of Bertin" (1832), sa isang malalim na pangkalahatan at malinaw na kritikal. paglalarawan ng espirituwal at moral na katangian ng French bourgeoisie, at bilang isang inspiradong makata ng isang magandang tunay na kalikasan, kahit na medyo hiwalay sa kanyang panahon ("Ang Pinagmulan" at iba pang mga pagpipinta). Isang namumukod-tanging pintor at makikinang na draftsman, si Ingres ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa karagdagang pag-unlad ng sining ng Pranses noong ika-19 na siglo.

Sa pagtatapos ng ikalawang dekada ng siglo XIX. sa isang matalim na pakikibaka laban sa huli na klasisismo, na naging reaksyunaryo, isang romantikong kalakaran ang umuusbong sining ng Pranses .

Nilalaman ng Romantisismo ang pakiramdam ng marahas na panlipunan at historikal na mga kaibahan at ang dramatikong diwa ng panahon. Ang mga artista ng Romantic na paaralan ay napuno ng isang pakiramdam ng pagiging kumplikado at hindi pagkakapare-pareho ng pagiging, na may ideya na ang layunin ng kurso ng panlipunang pag-unlad ay hindi tumutugma sa mga mithiin ng mga tao. Ito ang humantong sa ilan sa kanila sa fatalismo, kawalan ng pag-asa, pinilit silang tumakas mula sa modernidad tungo sa mundo ng patula na kathang-isip, sa kasaysayan, sa Silangan, upang ikulong ang kanilang sarili sa makitid na pesimistikong indibidwalismo. Ang iba ay may pagnanais na kritikal na maunawaan ang mga kontradiksyon ng modernidad, upang bigyan ang kanilang sining ng isang tunay na rebolusyonaryong talas at kalunos-lunos; ang gayong mga artista, sa bisa ng hindi maiiwasang lohika ng pag-unlad, ay dumating upang punan ang kanilang mabagyo at magiting na romantikong sining ng malalim na katotohanan sa buhay at sikolohikal na kumplikado.

Ang pagpipinta ni Theodore Géricault (1791-1824) "The Raft of the Medusa", na lumitaw noong 1819, na naglalarawan sa mga taong nawasak at nawala sa mga alon ng karagatan, ay isang manifesto ng romantikismo sa pagpipinta. Para sa Gericault, wala nang isang klasikong dibisyon ng mga plot sa kahanga-hanga at base. Ang sigasig at mala-tula na pakiramdam ng artista ay nabaling ngayon sa paghahanap ng kabayanihan at makabuluhan sa totoong buhay. Ang pambihirang pag-igting ng mga aksyon at hilig, na nakapaloob sa bagong sining, ay hindi maaaring magkasya sa sinusukat at solemne na mga anyo ng klasisismo. Sinira niya ang perpektong balanse ng komposisyon, ginawang kinakabahan ang pagguhit, natagpuan ang pagpapahayag nito sa bilis ng ritmo, ang tindi ng mga kaibahan ng chiaroscuro, ang mayamang kaakit-akit na kulay.

Ang kahanga-hangang mga larawan ng may sakit sa pag-iisip, na ginawa ni Géricault sa pagtatapos ng kanyang maikling buhay, na may partikular na kapaitan, kabaitan at makatotohanang lakas, ay nagpahayag ng sakit para sa isang taong durog sa mga kaguluhan at kawalang-katarungan sa kanyang panahon.

Si Eugene Delacroix (1798-1863), sa paghahanap ng mga pinaka-dramatikong sitwasyon na nagpapahintulot sa pagsisiwalat ng pinakamataas na posibilidad ng kalooban ng tao, kadakilaan at kabayanihan, ay bumaling hindi lamang sa mga imaheng pampanitikan nina Dante, Shakespeare, Byron Walter Scott, kundi pati na rin sa nasusunog, pangkasalukuyan na modernidad sa mga pinakamapaghimagsik at mapagmahal sa kalayaan nitong mga ekspresyon. Ang kanyang gawain ay puno ng pangarap ng kalayaan ng tao at isang marubdob na protesta laban sa pang-aapi at karahasan. Sa pagpipinta na "Massacre at Chios", na unang ipinakita noong 1824, inilarawan niya ang isa sa mga trahedya na yugto ng pakikibaka ng mga Griyego laban sa pamatok ng Turko. Ipininta sa ilalim ng impluwensya ng rebolusyong 1830, ang kanyang pagpipinta na Liberty Leading the People (o Liberty at the Barricades) ay nagsiwalat ng nakakatakot na kagandahan ng isang popular na pag-aalsa.

Si Delacroix ay nararapat na itinuturing na lumikha ng makasaysayang pagpipinta ng modernong panahon. Interesado siya sa pinakabuod ng prosesong pangkasaysayan, sa mga sagupaan ng malaking masa ng mga tao, sa diwa ng mga panahon, kakaiba sa konkretong realidad nito. Ang pinakamahusay sa kanyang mga makasaysayang pagpipinta - "Pagpasok ng mga Krusada sa Constantinople" (1840) ay napuno ng kalunos-lunos na kalunos-lunos ng hindi maiiwasang pag-unlad ng kasaysayan. Ang pag-alis ni Delacroix sa madilim, madalas na hayagang pessimistic na pagmumuni-muni sa kapalaran ng sangkatauhan ay dapat sisihin sa kanyang pagkabigo sa mga resulta ng 1830 revolution. Nang walang mahanap sa France sa panahon ng Monarkiya ng Hulyo kundi ang mapurol na kawalang-sigla ng mga tindero, hinangaan niya ang patriarchal na lakas at kagandahan ng mga Algerians at Moroccans (na nakita niya sa kanyang paglalakbay noong 1832), na naghahanap ng kanyang ideal ng isang maganda at magiting na tao sa malayo. mga bansang hindi ginalaw ng sibilisasyong Europeo.

Si Delacroix ay hindi nag-atubiling tanggihan ang mga akademikong dogma, ngunit para sa kanya ang mga imahe ng sinaunang sining ay hindi kailanman nawala ang kanilang kapangyarihan ng pagkahumaling. Pinagsasama ng "Liberty Leading the People" ang mga tampok ng modernong Parisian sa klasikal na kagandahan at malakas na lakas ng Nike of Samothrace.

Ang kumbinasyon ng malinaw na kadalisayan at pagkakatugma ng artistikong anyo na may mahusay na espirituwal na kapitaganan at damdamin ay nagpapakilala rin sa mga gawa. Pranses na pintor at draftsman Theodora Chasserio (1819-1856). Ang diwa ng mga klasiko, na binago ng mga romantikong kalunos-lunos at pagkabalisa, ay nabuhay din sa mga gawa ng pinakamahalagang iskultor ng romantikong panahon - si Francois Rude (1784-1855), na ang monumental na kaluwagan ay "La Marseillaise", na pinalamutian ang Arc de Triomphe noong ang Place des Stars sa Paris, ay nauugnay sa "Liberty" ni Delacroix.

Ang Romantic na paaralan ay hindi lamang nagpayaman sa iba't ibang mga genre ng pagpipinta at iskultura - ganap itong nagbago graphic na sining sa France noong ika-19 na siglo , na nagiging sanhi ng pag-usbong ng mga ilustrasyon ng libro, mga larawang lithographic, at mga watercolor. Ang romantikong Pranses ay malapit na nauugnay sa mga nakamit ng advanced na sining ng ibang mga bansa, ito ay kinuha ng maraming mula sa Goya at Constable.

Ang impluwensya ng Constable ay naranasan ng marami Mga pintor ng landscape ng Pransya noong 30-40s ng siglong XIX - sa mga taon ng pagbuo ng pambansang paaralan ng makatotohanang tanawin. Nakuha na ng romantikismo ang atensyon ng mga artista sa mga problema ng pambansang pagkakakilanlan, na nagtanim sa kanila ng malalim na interes hindi lamang sa buhay ng mga tao at pambansang kasaysayan, kundi pati na rin sa kanilang katutubong kalikasan. Unti-unting pinalaya ang kanilang mga sarili mula sa paunang atraksyon sa hindi pangkaraniwang mga epekto ng kalikasan, ang mga pintor ng landscape ng tinatawag na "Barbizon School" (pinangalanan sa nayon kung saan marami sa kanila ang madalas na nagtatrabaho) ay nagsimulang magpakita ng kagandahan sa pinakasimple at ordinaryong sulok ng bansa, na konektado sa pang-araw-araw na buhay at gawain ng mga tao.

Ang mga tanawin ng pinuno ng "Barbizons" na si Theodore Rousseau (1812-1867) at lalo na ang pinakabata sa grupong ito ng mga artista - si Charles Daubigny (1817-1878) mahalagang sa unang pagkakataon ay inaprubahan ang paghanga para sa tunay na kalikasan sa sining ng Pransya, naghahanda para sa isang mas mataas na pag-usbong ng landscape art. Si Camille Corot (1796-1875) ay gumanap ng napakahalagang papel sa gawain sa landscape ng kalagitnaan ng siglo, kasama ang mga "Barbizon". Ang pagnanais para sa klasikal na kalinawan ng komposisyon ay pinagsama sa isang matingkad na kahulugan ng patula na pagkakaisa ng mundo, banayad na mga consonance ng estado ng kalikasan at ang mga paggalaw ng kaluluwa ng tao. Salamat kay Corot, ang pagpipinta sa bukas na hangin (sa "plein air") ay naging pag-aari ng masa ng mga Pranses na artista, na nagpayaman sa sining na may pambihirang katotohanan sa paghahatid ng kapaligiran ng liwanag-hangin at, kung baga, isang pisikal na nasasalat na hininga ng buhay.

Parehong ang "Barbizon" at Corot ay nakatanggap ng malawak na pagkilala pagkatapos lamang ng 1848. Bago ito, hindi sila pinahintulutang magpakita at kinutya ng burgis na kritisismo: ang kanilang mapayapang pagmumuni-muni sa kalikasan ay napakalayo sa umiiral na burgis na kahalayan noon.

Sa punto ng pagbabago mula sa romantikong panahon hanggang sa kasagsagan ng realismo noong 40-70s ng siglong XIX. sulit ang gawain ng dakila Pintor ng Pranses na si Honoré Daumier (1808-1879) . Si Daumier ay kabilang sa mga panginoon noong ika-19 na siglo na pinagsama ang isang matino, matalas na kritikal na pagsusuri ng realidad na may tunay na romantikong kalunos-lunos sa pagpapatibay ng kanilang mga mithiin, rebolusyonaryong hindi pagpaparaan sa sistemang burges at lahat ng panlipunan, moral, ideolohikal at masining na pundasyon nito.

Ang hanay ng mga interes at damdamin ng artist ay hindi pangkaraniwang malaki, tunay na pangkalahatan. Si Daumier ay maaaring bumaba sa maliit, hindi gaanong kabuluhan na mundo ng burgis na pilistinismo, na isinailalim ito sa puksain na pagkawasak at panunuya ng publiko, o umahon sa pinakamatayog na mga pangarap ng tao, sa pinakamataas na humanismo, na napuno ng pinakadakilang emosyonal na kaguluhan. Ngunit palagi at walang pagbabago ang lahat ng kanyang mga pagtatasa sa mga kababalaghan sa buhay ay binibigyang kulay ng mga tao, demokratikong diwa at malalim na pagsunod sa mga prinsipyo.

Si Daumier ay pumasok sa sining noong unang bahagi ng 1930s bilang isang caricaturist, na nagdidirekta ng apoy ng kanyang satirical sheet laban sa burges na monarkiya ni Louis Philippe. Kasama ni Goya, maaari siyang ituring na lumikha ng ganitong uri ng mga graphics sa modernong kahulugan ng salita. Ang pamamaraan ng lithography, na ipinakilala sa sining sa ilang sandali bago, ay nagbigay ng pinakamalawak na pamamahagi sa tulad ng kanyang mga gawa bilang "The Legislative Womb", "Transnonen Street", "The Printer Who Stands up for Freedom of the Press", "The Defendant is Given the Word", "This Can Be Released, He is More not dangerous" at marami pang iba, kung saan hayagang ipinahayag ni Daumier ang kanyang mga gusto at hindi gusto, kung minsan ay pinagsasama-sama ang mga larawan ng mga positibong karakter na may walang awa na satirical na mga imahe sa parehong sheet. Sa mga lithograph ni Daumier, sa unang pagkakataon, lumitaw ang isang bagong bayani sa sining - ang rebolusyonaryong uring manggagawa.

Matapos magpasa ng mga batas laban sa kalayaan ng pamamahayag ang pamahalaan ni Louis Philippe noong 1835, kinailangan ni Daumier na lumipat mula sa isang politikal na karikatura patungo sa isang karikatura ng buhay burgis. Hindi nabawasan dito ang political sharpness ng kanyang mga graphics. Ang komprehensibong pagpuna kung saan isinailalim niya ang burges na asal at moral, ang kapangyarihan ng pera, ang katangahan ng philistinism, ang madilim na komedya ng korte at ang komedya ng akademikong "salon" na sining, ay maihahambing sa nagsisiwalat na pagsusuri ng Komedya ng Tao ni Balzac. Ang rebolusyon ng 1848 ay muling ginawang si Daumier ang pinakamatalim na karikaturista sa pulitika, na hindi nakakaalam ng takot o pag-aatubili, ang hindi mapapantayang kaaway ng Ikalawang Imperyo.

Mula sa pagtatapos ng 40s at hanggang sa kanyang mga huling araw, si Daumier ay nagtrabaho nang husto bilang isang pintor, kahit na ang kanyang mga gawa ay nanatiling halos hindi kilala sa kanyang mga kontemporaryo, dahil ang mga eksibisyon ay mahigpit na sarado sa kanya. Ang kanyang mga pintura at watercolor, na puno ng malalim na konsentradong damdamin, ay nakatuon sa malupit na buhay ng mga ordinaryong tao ng France ("Burlak", "Soup", "Class III Wagon"), ang kadakilaan ng kanilang landas sa buhay ("Mabigat na Pasan") , ang kadalisayan ng kanilang panloob na mundo ("Laundress "). Ipinapahayag nila pareho ang diwa ng popular na galit (“Rebellion”, “Camille Desmoulins calls the people to revolt”), at ang kagandahan ng intelektwal na subtlety ng mga French people at ang pinakamagandang bahagi ng French intelligentsia (“A lover of prints” , "Sa studio ng artist"). Si Daumier ang pintor ay nailalarawan sa pamamagitan ng napakalaking integridad at talas ng pang-unawa, mapusok na kapangyarihan ng pagpapahayag at kasabay nito ang pinakamasasarap na liriko na lambing.

Noong 1950s at 60s, ang ilan mga artistang Pranses ng mas lumang romantikong henerasyon ay nagpatuloy pa rin sa paggawa, ngunit sa kabuuan, pagkatapos ng rebolusyon ng 1848, ang romantikong direksyon ay nagbigay daan sa isang malawak na binuo na realismo. Marahil ay hindi kailanman sa kasaysayan ng sining ng Pransya ang pakikibaka sa pagitan ng dalawang kampo, sa pagitan ng dalawang pangunahing magkasalungat na kulturang sining, na kasing talamak noong panahong ito. Ang mga artista na naglalaman ng pinakamahusay na mga tampok ng mga Pranses at ang kanilang mga advanced na sining, tulad ng Millet, Courbet, Manet, Degas, Carpeau, Renoir, ay tinutulan ng pinagsama-samang masa ng hindi mabilang na mga negosyante mula sa sining, mga paborito ni Napoleon III at ng buong reaksyunaryong burgesya. ng Ikalawang Imperyo. Ang mga tunay, magagaling na artista ay hindi pinahintulutang mag-eksibit, sila ay hinahabol sa mga pahayagan at magasin; ang kanilang mga kuwadro na gawa, kung sila ay ipapakita sa publiko kahit saan, ay kailangang iligtas mula sa mga payong ng galit na mga ginoo at kababaihan.

Si Jean-Francois Millet (1814-1875) ay niluwalhati ang mga magsasaka ng Pransya, ang pagsusumikap nito, ang moral na lakas nito sa kanyang epic-monumental at puno ng malalim na mga pagpipinta ng katotohanan sa buhay. Ipinakita ni Gustave Courbet (1819-1877) sa "The Stone Crushers" at "The Winnowers" ang kalmado at kumpiyansang dignidad ng mga manggagawa, at sa "The Funeral at Ornans" nagbigay siya ng isang walang bahid na makatotohanan, walang awa na naghahayag ng imahe ng French bourgeois. pilitismo.

Si Courbet ang unang gumamit ng salitang "realismo" na may kaugnayan sa pagpipinta, at ang kahulugan ng realismong ito ng 50s - 70s ng XIX na siglo ay isang malapit na pagsusuri at isang patas na pagtatasa ng aktwal na estado ng mga gawain sa burges na France tungkol doon. oras. Si Courbet, isang democrat artist na kalaunan ay nakibahagi sa Paris Commune, ay nangaral ng moderno, tunay na demokratikong sining. Nakipaglaban siya nang may partikular na lakas laban sa opisyal na sining ng burges, laban sa mapagkunwari na pagpapaganda ng katotohanan. Simula sa mga romantikong nabalisa na mga larawan ("Portrait of Chopin", atbp.), nilikha niya ang kanyang pinaka makabuluhang makatotohanang mga gawa noong huling bahagi ng 40s at unang bahagi ng 50s ng ika-19 na siglo.

Sa "Afternoon at Ornans" at iba pang mga painting, binigyan ni Courbet ang genre ng mga eksena na napakalaking kahalagahan na dati ay itinuturing na angkop lamang para sa makasaysayang pagpipinta. Ang isang mahalagang tagumpay ng Courbet ay ang nasasalat, mabigat na materyalidad kung saan naihatid niya ang mga phenomena ng totoong mundo. Gayunpaman, ang kanyang trabaho ay kulang sa madamdaming adhikain sa hinaharap at ang kakayahang gumawa ng mahusay na mga generalization, na siyang pinakamahalagang bahagi ng rebolusyonaryong romantikismo ng Géricault, Delacroix at ng sining ni Daumier.

Ang mga tampok ng romantikismo ay mas nagpapatuloy 19th century French sculpture . Ang mga ito ay makikita kay Jean-Baptiste Carpeau (1827-1875) sa kanyang banayad, espirituwal na mga larawan o sa mga pangkat ng eskultura na puno ng mabagyo na kaguluhan at dinamika ("Sayaw", "Apat na Bansa ng Mundo") at nang maglaon sa pinakadakilang makatotohanang iskultor ng Pransya. Auguste Rodin (1840-1875). 1917), na ang mga unang gawa ay nilikha noong 60s.

Kung ang atensyon nina Millet at Courbet ay pangunahing nakatuon sa buhay ng mga magsasaka ng Pransya at ang mabagal na pag-iral ng panlalawigang France, kung gayon, sa kabaligtaran, ang mga kaisipan at damdamin ng susunod na henerasyon ng mga makatotohanang pintor ng Pransya ay nakatuon sa Paris: Edouard Manet (1832-1883), na nagsalita sa pagtatapos ng 50s XIX na siglo, at ang mga artista na sumunod sa kanya sina Edgar Degas (1834-1917) at Auguste Renoir (1841 - 1919) ay higit sa lahat ay mahilig sa buhay ng modernong lungsod. , ang mga kaibahan at kontradiksyon nito, ang madilim at maliwanag na panig nito.

Si Edouard Manet, isang matalino at banayad na pintor, isa sa mga makikinang na colorist ng sining ng mundo at isang matapang na tagamasid ng modernong katotohanan, ay nakipaglaban nang walang kompromiso laban sa opisyal na burges na sining sa buong buhay niya. Mahigpit at malalim niyang pinag-aralan ang tradisyon ng mahusay na makatotohanang sining ng nakaraan: nabuo ang kanyang istilo sa pag-aaral nina Giorgione at Titian, Velazquez at Hals, Goya at Courbet. Ngunit bumaling si Manet sa karanasan ng mga matandang master upang magsalita sa isang bagong wika tungkol sa kanyang panahon. Nagsimula siya sa isang demonstrative na paglalarawan ng mga modernong tao at mga kaganapan sa komposisyon na anyo ng mga dakilang gawa ng lumang sining. Ganyan ang kanyang mga "Espanyol" na mga pintura noong unang bahagi ng 1860s, ganoon ang kahanga-hangang Olympia (1863), na pumukaw sa pinakamalaking galit ng mga burges na manonood dahil si Manet ay nangahas na magpakita ng isang simple, ordinaryong modernong babae sa pose ni Titian's Venus ng Urbia.

Mula sa kalagitnaan ng 60s ng ika-19 na siglo, ganap na lumipat si Manet sa mga eksena ng buhay Paris sa isang serye ng libre, matapang na lumalabag sa lahat ng karaniwang tuntunin, ngunit mahigpit na pinag-isipang mga pagpipinta, na may kamangha-manghang pagbabantay na naghahatid ng makatotohanang katangian ng lahat ng uri ng mga naninirahan. ng Paris: na may simpatiya, inilalarawan niya ang mga tao mula sa mga tao o mula sa bilog na progresibong intelihente, na may kabalintunaan at pangungutya - mga kinatawan ng burges na piling tao. Ang kanyang mga gawa noong 60-70s ng ika-19 na siglo, tulad ng "Breakfast in the Atelier", "Reading", "In the Boat", "Argenteuil", "Nana", atbp. minsan palihim na nanunuya, halos kataka-taka, minsan nakakaantig. at malambing.

Ang malungkot na kapaitan ng isang hindi maayos at malungkot na pag-iral ng tao ay napuno ng kanyang huling pagpipinta - "The Bar at the Folies Bergère", isa sa pinakamalakas na pahina sa kasaysayan ng French critical realism: Witnessing the days of the Paris Commune, Manet in his ang mga watercolor at lithograph ay naghatid ng kabayanihan ng mga Communard, na sumasalungat sa kalupitan ng Versailles.

Si Manet ay isang mahusay na pintor ng portrait, na napanatili para sa amin ang hitsura ng maraming kapansin-pansin na mga tao ng France; binago ng kanyang maliwanag na plein air painting ang pamamaraan ng pagpipinta: Pinagsama ni Edgar Degas, kaibigan ni Manet at tapat na estudyante ni Ingres, ang hindi nagkakamali na tumpak na pagmamasid sa parehong may pinakamahigpit na pagguhit at kumikinang, napakagandang kulay: Siya ay isang mahusay na master ng portrait, ngunit nasa ilalim ng impluwensya ng Manet ay lumipat siya sa pang-araw-araw na genre, na naglalarawan sa kanyang mga kuwadro na gawa sa lahat ng uri ng mga eksena ng buhay Parisian - isang pulutong ng mga tao sa kalye, mga restawran, karera ng kabayo, mga mananayaw ng ballet, mga labandera, ang kabastusan at kabastusan ng burgis.

Kabaligtaran sa maliwanag at pangkalahatang masasayang sining ng Manet, ang gawa ni Degas ay may kulay na kalungkutan at pesimismo, at kadalasan ay may matinding galit laban sa kapangitan ng burges na katotohanan (na natagpuan ang, marahil, matinding pagpapahayag sa tunay na kakila-kilabot na mga guhit para sa The Tellier ni Maupassant. Bahay). At sa parehong oras, si Degas ay maaaring maging isang malambot at hinahangaang manonood ng tunay na kagandahan ng tao ("Toilet", "Star"), maaari niyang ilarawan nang may tunay na pakikiramay ang mahirap, hindi kaakit-akit na buhay ng maliliit na tao ng Paris ("Ironers", "Pahinga ng mga mananayaw", "Absinthe" ).

Si Degas ay naging tanyag sa kanyang impeccably calibrated, ngunit malayang walang simetriko, angular na komposisyon, ang kanyang ganap na kaalaman sa mga gawi at kilos ng iba't ibang propesyon, at walang awa na tumpak na sikolohikal na mga katangian.

Ang huling mahusay na master ng klasikal na panahon 19th century French realism ay Auguste Renoir. Napagtanto niya ang pagiging makabago sa isang panig, higit sa lahat ay minamahal na magsulat ng mga larawan ng mga bata at kabataan at mapayapang mga eksena ng buhay ng Paris - kadalasan ang buhay ng mga ordinaryong tao ("Umbrellas", "Moulin de la Galette"). Sa mapang-akit na kasanayan, naihatid niya ang lahat ng pinakamahusay na nasa realidad ng Pranses noon nang hindi napapansin ang malilim na panig nito. Ang pinakamahusay na mga pagpipinta ni Renoir ay nilikha niya sa simula ng kanyang mahabang buhay - noong 60-70s ng XIX na siglo. Kasunod nito, ang isang rapprochement sa mga Impresyonista ay nagdala sa kanya sa kaharian ng puro mapagnilay-nilay, at pagkatapos ay pandekorasyon na mga eksperimento, na lubos na nagbawas sa trabaho ng artist sa ibang pagkakataon.

Musika ng France noong ika-19 na siglo

Ang French bourgeois revolution ay nagtakda sa harap ng mga kompositor ng gawain ng paglikha ng mga bagong genre ng musikal na sining na idinisenyo para sa pinakamalawak na bilog ng mga tagapakinig. Ang mga awit at martsa ng Rebolusyong Pranses, na isinagawa sa panahon ng mga kasiyahan, mga solemne na prusisyon, mga seremonya ng pagluluksa, atbp., ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagiging simple at ningning ng himig, ang kalinawan ng ritmo, at ang mga instrumental na gawa - sa pamamagitan ng kapangyarihan at makulay ng ang orkestrasyon.

Ang mapanlikhang Marseillaise, na nilikha ng baguhang kompositor na si Rouger de Lisle, ay ang pinakamahusay na halimbawa musika ng french revolution . Sa mga orkestra na martsa at mga kanta nina Gossec at Megul, sa mga opera nina Cherubini at Lesueur, ipinahayag ang mahigpit at kabayanihan ng rebolusyonaryong sining.

Ang pinakamahalagang lugar sa Pranses na musika sa simula at kalagitnaan ng ika-19 na siglo. inookupahan ng opera, operetta, balete. Itinanghal sa Paris noong 1829, ang opera ni Rossini na si William Tell ay nag-ambag sa pagbuo ng French heroic-romantic opera, ang mga plot kung saan madalas na sumasalamin sa mga magagandang kaganapan sa kasaysayan - mga sikat na pag-aalsa, relihiyosong digmaan, atbp.

ang pinakakilalang kinatawan Kultura ng musikal na Pranses noong ika-19 na siglo. ay si Giacomo Meyerbeer (1791 - 1864), na may kahanga-hangang talento bilang isang musikero-dramatista, na tiniyak na ang kanyang mga opera ay isang matunog na tagumpay. Ang kanyang pinakamahusay na opera na Les Huguenots (1836) ay umakit ng mga tagapakinig sa drama ng mga sitwasyon at matingkad na epekto ng musika.

Sa panahon ng Ikalawang Imperyo, ang heroic-romantic na opera ay nagbibigay daan sa liriko na opera at operetta. Ang mga kompositor ng lyric opera ay higit sa lahat ay naaakit ng mga sikolohikal na karanasan ng mga bayani, at lalo na ng mga pangunahing tauhang babae. Kaya, sa opera ni Charles Gounod na Faust (1859), ang imahe ng mapagmahal at inabandunang Marguerite ay nasa harapan. Si Ambroise Thomas, ang may-akda ng "Mignons", kalaunan - nagtrabaho din sina Bizet at Massenet sa genre ng lyric opera. Ang sikat na opera na "Carmen" ni Bizet, na hindi naging matagumpay sa unang produksyon nito, sa pinakadakilang lawak ay sumasalamin sa pagtagos ng buhay na damdamin ng tao sa musika ng opera - mga damdamin na nagiging isang tunay na sikolohikal na drama ang matingkad na romansa ng balangkas.

Ang pinakamalaki at pinaka-progresibong kinatawan Ang musikang Pranses noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Si Hector Berlioz (1803 - 1869) ay ang lumikha ng symphony ng programa sa France.

Ang mga programa ng mga symphony ni Berlioz ay minsan hiniram mula sa mga akdang pampanitikan ("Harold sa Italya" - batay sa tula ni Byron, "Romeo at Juliet" ni Shakespeare), kung minsan ay nilikha mismo ng kompositor. Sa pinakamahalagang gawain ni Berlioz - "Fantastic Symphony" (1830) - ang imahe ng isang romantikong bayani ay kinakatawan ng kanyang mabagyo na mga hilig, masigasig na pag-asa at mapait na pagkabigo. Sa magkahiwalay na bahagi ng symphony, nag-deploy si Berlioz ng iba't ibang musical at pictorial scenes mula sa idyllic na "scene in the fields" hanggang sa gloomy grotesque na "Procession to the Execution".

Ang orkestra, na pinayaman ng kompositor ng mga bagong makulay na kumbinasyon, ay tumatanggap ng espesyal na pagpapahayag sa mga gawa ni Berlioz. Ang ilan sa mga gawa ni Berlioz ay tugon sa mga rebolusyonaryong kaganapan noong 1830 ("Funeral and Triumphal Symphony" at "Requiem"). Sumulat din si Berlioz ng mga operatikong gawa at ang dramatikong alamat na The Damnation of Faust, na malapit sa genre sa oratorio.

Tagapaglikha French operetta ay si Jacques Offenbach (1819 - 1880). Sa kanyang mga gawa, ang mga kaugalian ng modernong lipunan ay kinutya, at ang mga tipikal na sitwasyon at pamamaraan ng "malaking" romantikong opera ay nakakatawang parody. Ang liwanag, biyaya, melodic at lalo na ang maindayog na kayamanan ng mga operetta ni Offenbach - "Beautiful Helena", "Orpheus in Hell", "The Duchess of Gerolstein" - ginawa siyang isang idolo para sa publiko ng Paris.

Sa kalagitnaan ng siglo XIX. isang bagong yugto sa kasaysayan French ballet . Mga romantikong plot at, sa parehong oras, musika na hindi lamang sinasamahan ang mga sayaw, ngunit ipinapakita din ang mga sikolohikal na karanasan ng mga karakter - ito ang mga katangian ng mga ballet na Giselle ni Adolphe Charles Adam (1803-1856), Sylvia ni Leo Delibes (1836-1891).

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang Paris ay tiyak na matatawag na musikal na kabisera ng Europa. Maraming mga pangunahing kompositor ang nanirahan dito (Chopin, Liszt, Rossini), lahat ng mahuhusay na musikero ay sinubukang pumunta rito na may mga konsiyerto.

Ang teatro ay palaging sinasakop ang isang pambihirang lugar sa masining na buhay ng bansa. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, maraming bago, romantikong paghahanap ang eksaktong konektado sa teatro. Si Victor Hugo, ang pinakadakilang manunulat at manunulat ng dula, ay ang tagapagbalita ng romantikong Pranses. Sa paunang salita sa kanyang drama na ʼʼCromwellʼʼ, binalangkas niya ang mga pangunahing prinsipyo ng aesthetic ng bago, romantikong teatro. Ang teatro ang naging arena ng pakikibaka para sa bagong sining. Ang mga ideya ni Hugo at ng kanyang mga taong katulad ng pag-iisip ay makikita rin sa French musical theater noong panahong iyon, ᴛ.ᴇ. sa opera.

Ang French opera sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay kinakatawan ng dalawang pangunahing genre. Una sa lahat, ito ay isang comic opera na nauugnay sa mga pangalan ni A. Boildieu, F. Aubert, F. Herold, F. Halevi, A. Adam (inaprubahan din ng huli ang romantikong direksyon sa ballet mamaya). Ang comic opera, na nagmula noong ika-18 siglo, ay hindi naging malinaw na salamin ng mga bago, romantikong tendensya. Bilang impluwensiya ng romantikismo, tanging ang pagpapalakas ng liriko na simula lamang ang mapapansin dito (isang mapaglarawang halimbawa ay ang opera ʼʼThe White Ladyʼʼ Boildieu).

Ang isang matingkad na salamin ng French musical romanticism ay isang bagong genre na nabuo sa France noong 1930s: ang grand opera (Grand Opera). Ang grand opera ay isang opera ng isang monumental, pandekorasyon na istilo, na nauugnay sa mga makasaysayang (pangunahin) na mga plot, na nakikilala sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang karangyaan ng mga produksyon at kamangha-manghang paggamit ng mga eksena ng karamihan (choral). Kabilang sa mga unang halimbawa ng genre ay ang opera ʼʼThe Mute from Porticiʼʼ ni Aubert (1828). At noong dekada ng 1930, ang genre na ito ay itinatag ang sarili sa entablado ng Pransya bilang nangunguna at kinakatawan ng mga klasikal na halimbawa nito (mga opera ni Meyerbeer na ʼʼHuguenotsʼʼ, ʼʼProphetʼʼ, opera ʼʼZhidovkaʼʼ ni Halevy).

Ang estilo ng grand French opera ay higit na tinutukoy ng mga kinakailangan ng Grand Opera theater (kaya ang pangalan ng genre), na nagpapanatili sa katayuan ng isang royal opera at nakatutok sa panlasa ng isang maharlikang madla.

Ang pamantayan para sa mahusay na French opera, siyempre, ay ang klasikong trahedya at ang katumbas nito sa musika, ang liriko na trahedya (Lully, Rameau). Parehong ang compositional framework ng isang grand opera ng 5 acts at ang staging pomposity ng performance ay bumalik sa theater of classicism. Kasunod ng klasikong trahedya, ang balangkas ng isang engrandeng opera ay nakabatay, bilang panuntunan, sa makasaysayang mga kaganapan ng nakaraan na may obligadong partisipasyon ng mga tunay na makasaysayang karakter (sa ʼʼHuguenotsʼʼ - Reyna Margot). Ang isa pang ʼʼtrademarkʼʼ ng grand opera ay ang pagkakasangkot ng isang ballet suite at mga monumental na yugto ng choral, na kinokontrol ni Lully.

Ang grand French opera ay higit na pinagtibay ang aesthetics ng romantikong drama na binuo ni V. Hugo. Una sa lahat, ito ay kapareho ng sa drama, isang kumplikadong interweaving ng personal na kapalaran ng mga bayani at makasaysayang mga kaganapan, isang malaking papel ng mga makasaysayang props, ang pagnanais para sa kamangha-manghang pagpapaganda ng mga kaganapan. Noong 1920s, naranasan ng mga makasaysayang nobela sa Europa ang rurok ng katanyagan (W. Scott, P. Merime, V. Hugo). Ang makasaysayang nobela ay nakita ng mga kontemporaryo bilang isang "mataas" na genre, na katumbas ng katayuan sa siyentipikong pananaliksik. At ito ang mga makasaysayang plot na naging pinakakaraniwan para sa mahusay na French opera. Ang tema ng malaking opera ay ϶ᴛᴏ ang tema ng malalaking tanyag na kilusan.

Ang isang malaking papel sa pagbuo ng isang bagong genre ng opera ay ginampanan ng French librettist na si Eugene Scribe. Siya ang nagmamay-ari ng libretto ng pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito. Siya ang palaging katuwang ni Meyerbeer. Nakita ni F. Liszt sa Scribe ang pinakadakilang kinatawan ng operatic dramaturgy. Siya ay tinawag na ʼʼang master ng isang mahusay na pagkakagawa ng dulaʼʼ. Mangyari pa, ang eskriba ay mahusay na nakabisado ang mga patula ng romantikong nobela sa kasaysayan at ginamit ito sa kanyang mga libretto, kung minsan ay umaasa sa isang espesipikong prototype ng panitikan (halimbawa, ang ʼʼHuguenotsʼʼ, ay nilikha batay sa ʼʼChronicles of the Times of Charles IXʼʼ ni P. Merimee). Ang batayan ng balangkas ng isang grand opera ay karaniwang isang pag-iibigan - isang kathang-isip na yugto ng pribadong buhay - laban sa backdrop ng isang sikat na fragment ng kasaysayan. Ang karaniwang melodramatikong galaw - pag-ibig sa pagitan ng mga kinatawan ng dalawang naglalabanang koalisyon - paunang tinutukoy ang isang nakamamatay na kinalabasan at nag-uudyok sa pagpapakilala ng mga kamangha-manghang eksena sa labanan sa opera. Napaka-sketchy ng libretto ng Scribe. Maaari naming isa-isa ang pinaka-matatag na mga motif ng plot na ginagamit niya:

Kalunos-lunos na hindi pagkakaunawaan o walang basehang akusasyon

Lihim na kabutihan

Sapilitang kasal

pagsasabwatan, pagtatangka

pagsasakripisyo sa sarili

Sa katunayan, si Scribe ang naging tagalikha ng isang bagong uri ng operatic libretto. Bago sa kanya, ang pamantayan ay ang libretto ng Italian opera seria (din, sa pamamagitan ng paraan, na nauugnay sa makasaysayang o maalamat na mga plot), ang mga klasikong halimbawa kung saan ay kabilang sa Italian playwright na Metastasio. Kasabay nito, sa Italian opera, ang damdamin ng mga karakter ay palaging nasa harapan. Italian opera - ϶ᴛᴏ opera ng estado, at ang kanilang pagpapakita ay pangunahing isinasagawa sa arias, na bumubuo sa batayan ng dramaturhiya ng Italian opera. Para sa Scribe, na naramdaman nang mabuti ang mga bagong uso, ang pangunahing bagay sa makasaysayang balangkas ay nagpapakita ng mga sitwasyon minsan nakamamanghang sa kanilang sorpresa. Ibinigay niya ang kahalagahan ng pangunahing sa kung ano ang hanggang ngayon ay pangalawa. Ang aksyon, puno ng mga sorpresa - mula sa sitwasyon hanggang sa sitwasyon - ay may malaking impluwensya sa musikal at dramatikong pag-unlad at sa musikal na dramaturhiya. Ang pagkakakilanlan ng mga sitwasyon sa musikal na aksyon ay humantong sa isang pagtaas sa kahalagahan ng ensembles, choirs - ang pagsalungat ng mga nag-aaway na grupo at maging ang mga masa sa musika. Ang mga monumental na eksena sa masa ang nagpasiya sa kamangha-manghang istilo ng grand opera at tumama sa imahinasyon ng publiko. Ang mahinang bahagi ng genre na ito ay ang kakulangan ng ningning at pagka-orihinal ng mga karakter. Ang grand opera ay tumama hindi sa sikolohiya nito, ngunit sa mga panlabas na epekto.

Ang tunay na sensasyon ng malaking opera ay ang rebolusyong ginawa ng kanilang mga tagalikha sa scenography, kung saan ang mga kondisyong klasikal na interior ay pinalitan ng naturalistic na mga landscape. Ang pinakabagong mga tagumpay ng teknolohiya ay ginamit din sa opera. Halimbawa, ang larawan ng pagsabog ng Vesuvius sa ʼʼMute mula sa Porticiʼʼ, na ikinamangha ng publiko. Ang ʼʼElectric Sunʼʼ sa ʼʼThe Prophetʼʼ (1849) ay pumasok sa kasaysayan ng disenyo ng entablado bilang unang paggamit ng kuryente sa teatro. Sa ʼʼZhidovkaʼʼ Halevi, 250 kabayo ang lumahok sa solemne na prusisyon. Ang isa pang katangian ng isang mahusay na opera ay ang mga nakamamanghang eksena ng mga kakila-kilabot at mga sakuna (ang eksena ng St. Bartholomew's Night in the Huguenots ʼʼ).

Ang komposisyon ng grand opera ay isinasaalang-alang ang sikolohiya ng madla (pagkapagod na pansin). Ang opera ay malakihan, ngunit binubuo ng maikli, maliwanag na contrasting sa musika at mga aksyon sa tanawin (isang karaniwang komposisyon ay binubuo ng 5 aksyon).

Ang unang nakumpletong halimbawa ng genre ay itinuturing na opera ni Aubert na ʼʼThe Mute from Porticiʼʼ. Noong 1829, isinulat ang ʼʼWilhelm Tellʼʼ ni Rossini, isang akda ng isang Italyano na pintor, na sa maraming paraan ay may kaugnayan sa estetika at istilo ng isang malaking French opera (alalahanin na si Rossini ay nanirahan sa Paris noong mga taong ito). Ang karagdagang pag-unlad ng genre ay di-mapaghihiwalay na nauugnay sa pangalan ni Meyerbeer (ʼʼRobert-Devilʼʼ, 1831, ʼʼHuguenotsʼʼ, 1838. ʼʼProphetʼʼ, 1849, ʼʼʼAfricanʼʼ, 1838-1865). Sina Aubert at Halévy ay nagtrabaho sa genre na ito kasama ng Meyerbeer (noong 1930s, ang opera na ʼʼGustav 111, o Un ballo sa mascheraʼʼ Auber at ʼʼQueen of Cyprusʼʼ, ʼʼKarl V1ʼʼ, ʼʼZhidovka, o CardinalʼʼHalevi's daughter ay nilikha sa genre na ito.

Noong 30-50s ng ika-19 na siglo, nagkaroon ng masinsinang pagpapalawak ng estilo ng grand French opera sa mga yugto ng opera ng mundo. Ang mga opera na ʼʼRienziʼʼ ni R. Wagner, ʼʼEsmeraldaʼʼDargomyzhsky, ʼʼWilhelm Tellʼʼ ni Rossini, ʼʼThe Favoriteʼʼ ni Donizetti ay nilikha ayon sa modelong Pranses, ang mga elemento ng ʼʼgrand styleʼʼ ay ginamit ni Verdi sa isang bilang ng kanyang mga opera, halimbawa, sa ʼʼʼʼʼ. Kapansin-pansin, maraming lokal na opera house ang nag-order ng libretto para sa mga bagong opera sa Paris. Kasabay nito, ang malaking French opera ay hindi tumayo sa pagsubok ng oras. Nagdala ito ng selyo ng mga panlasa ng maharlikang publiko noong 30s at 40s, at sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay biglang nawala ang katanyagan nito. Sa maraming paraan, ang pagbaba sa prestihiyo nito ay dahil sa pag-apruba ng alternatibong modelo ng pagganap ng opera, na nilikha ni Richard Wagner at idinisenyo para sa isang intelektwal na tagapakinig. Sa simula ng ika-20 siglo, ang musika ni Meyerbeer ay naging pambihira na sa entablado. Ang mga ito ay eksklusibong ʼʼrestorationʼʼ production lamang at ang buhay musikal ng mga indibidwal na numero mula sa kanyang mga opera.
Naka-host sa ref.rf
Ang mga gawa ni Halévy at Aubert ay hindi lumilitaw sa lahat sa listahan ng mga sikat at repertoire.

Ang pigura ni Meyerbeer ay ang pinakamaliwanag sa kasaysayan ng grand opera. Natugunan ng kanyang malikhaing aktibidad ang mga pinakakontrobersyal na pagtatasa. Ang mga merito at demerits ng grand opera sa kanyang mga gawa ay lubos na ipinahayag. Si Goethe, halimbawa, ay naniniwala na si Meyerbeer ang tanging kompositor na maaaring sumulat ng musika para kay Faust. Tinawag ni G. Berlioz si Meyerbeer ʼʼ isa sa pinakadakila sa mga kasalukuyang kompositorʼʼ. At si A. Serov, sa kabaligtaran, ay nagsabi: ʼʼNa taimtim, sa katunayan, ay nagmamahal sa musika ng, sabihin nating, Beethoven, tiyak na hindi niya hahangaan si Meyerbeerʼʼ. Ang kontrobersya sa paligid ng kanyang pangalan ay nagpapatotoo sa pagiging bago at maging sa repormatoryong katangian ng kanyang mga gawa. Si Meyerbeer ang lumikha ng ʼʼ dakilang romantikong istiloʼʼ, na makabuluhang nakaimpluwensya sa buhay ng opera ng Europa noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Sa loob ng ilang dekada, ang modelo ng pagganap ng opera na nilikha niya noong 30s ay nanguna sa mga yugto ng musikal ng Europa.

Ginugol ni Meyerbeer ang kanyang kabataan sa Alemanya. Siya ay kabilang sa henerasyon ng mga tagalikha ng Aleman na romantikong opera, ay kaibigan ni K. M. Weber. Ngunit - umalis siya sa Alemanya nang maaga, naramdaman ang mga limitasyon ng kapaligiran ng musikal at teatro ng Aleman. Ang susunod na yugto ng kaniyang buhay ay konektado sa Italya, kung saan ang batang kompositor ay nag-master ng ʼʼsecretsʼʼ ng operatic art. Pinagkadalubhasaan niya ang istilo ng pag-opera ng Italyano sa pagiging perpekto, bilang ebidensya ng medyo matagumpay na paggawa ng kanyang opera na The Crusaders in Egypt sa Venice noong 1824. Mula sa Italya, tumungo si Meyerbeer sa Paris. Dito niya natagpuan ang ʼʼ kanyang may-akdaʼʼ - E. Scrib, sa panahong iyon ay isa nang kilalang manunulat ng dula. Mayroon na siyang dalawang kawili-wiling opera libretto para sa kanyang kredito: ʼʼThe White Ladyʼʼ at ʼʼThe Mute from Porticiʼʼ. Gusto ni Meyerbeer na ang unang score na isinulat para sa Paris ay isang opera ʼʼmay kakayahang maging isang mahusay, kapana-panabik na dramaʼʼ. Ang eskriba, tulad ng walang iba, ay nagawang isama ang ideyal na ito. Naunawaan niya na ang isang bagay lamang na maluho, maluho sa produksyon, at sa parehong oras ay nakakaantig ang maaaring makaakit sa publiko ng Paris. Isa lamang itong opera na isinulat nila kasama si Meyerbeer noong 1831: ʼʼRobert the Devilʼʼ. Ang mga ugat ng Aleman ay kapansin-pansin pa rin dito (horror romance), ngunit sa mga tuntunin ng sukat, showiness at ningning, ito ay, siyempre, isang halimbawa ng isang mahusay na istilo ng Paris.

Ang pinakamagandang gawa ng kompositor ay ang opera ʼʼHuguenotsʼʼ, na natapos noong 1838 muli sa pakikipagtulungan ng Scribe (ayon kay Mérimée). Ang balangkas ay mula sa kasaysayan ng relihiyosong pakikibaka noong ika-16 na siglo, ang trahedya na pag-ibig ng opisyal ng Huguenot na sina Raoul de Nangi at Valentina, ang anak na babae ng pinuno ng mga Katoliko, si Count Saint-Brie. Ang opera ay may maraming maliwanag, kamangha-manghang mga eksena, mahusay na tinukoy na mga karakter. Ngunit, na karaniwan para sa genre, ang aksyon ay kumplikado sa pamamagitan ng maraming pangalawang yugto (ang kapistahan ng mga maharlika, ang balete ng mga naliligo, mga kanta at sayaw ng gipsi, ang solemne na tren ni Queen Margo, atbp.) Ang ilan sa kanila ay muling nililikha ang lasa ng ang panahon (ang eksena ng pagpapala ng mga espada), karamihan ay puro panlabas, pampalamuti. Ang mga kontemporaryo sa opera na ito ay lalo na natamaan ng mga monumental na katutubong eksena, mga sagupaan sa pagitan ng mga naglalabanang grupo (act 3, isang eksena ng away sa pagitan ng mga Katoliko at Huguenot).

Ang kawili-wili at bago sa ʼʼHuguenotsʼʼ ay ang delineasyon ng makasaysayang kulay. Tulad ng sa isang romantikong drama (halimbawa, ni Hugo), sa opera maraming pansin ang binabayaran sa historicism, historical setting, historical costume. Ang labis na atensyon ng teatro ng Pransya sa mga panlabas na detalye ay itinuro ni V. Kuchelbecker: Ang talento ni ʼʼHugo ay makapangyarihan, ngunit ang mga upuan, pantalon, at mga cornice ay labis na dinadala sa kanyaʼʼ. Tulad ng mga manunulat ng kanyang kapanahunan (Hugo, Stendhal, Mérimée), minsan ay bumabaling si Meyerbeer sa mga tunay na materyales ng panahon. Upang makilala ang mga Huguenot, ipinakilala niya sa opera ang sikat na koro na iniuugnay kay Luther ʼʼAng matibay na tanggulan ay ang ating diyosʼʼ. Ito ang leitmotif ng opera, ang pagpapakilala ay itinayo sa tema nito, lumilitaw ito sa lahat ng mahahalagang sandali ng aksyon, na sumisimbolo sa debosyon sa ideya. Ang mga intonasyon ng chorale ay naroroon din sa paglalarawan ng matandang sundalong Huguenot na si Marseille, ang tagapagturo ni Raoul. Ang chorale ay naging isang uri ng ʼʼsign ng ika-16 na sigloʼʼ sa opera. Ang awit ng mga sundalong Huguenot na ʼʼRataplanʼʼ, na isinagawa ng a capella choir, ay isa ring sipi mula sa isang lumang awiting katutubong Pranses.

Ang ʼʼHuguenotsʼʼ ay ang pinakamalaki at pinaka-viable na phenomenon sa genre ng grand opera sa France. Nasa mga sumusunod na gawa ng Meyerbeer (ʼʼProphetʼʼ, ʼʼAfricanʼʼ) na mga tampok ng ʼʼsunsetʼʼ genre ang makikita.

Sa pangkalahatan, ang mahusay na opera ng Pransya ay interesado sa atin hindi lamang bilang isang kababalaghan sa musika (napansin na ang ilan lamang sa mga pinakakapansin-pansin na mga fragment ng mga dakilang opera ay nabuhay sa kanilang panahon), ngunit bilang isang makasaysayang kababalaghan na nagkaroon ng isang makabuluhang epekto sa pag-unlad ng genre ng opera noong ika-19 na siglo.

French opera ng unang kalahati ng ika-19 na siglo - konsepto at mga uri. Pag-uuri at mga tampok ng kategoryang "French opera ng unang kalahati ng ika-19 na siglo" 2017, 2018.