Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang sining ay maaaring magbigay ng isang buong hanay ng mga damdamin. Ang ilang mga larawan ay nagpapatingin sa kanila nang maraming oras, habang ang iba ay literal na nabigla, namamangha at sumabog sa iyong pananaw sa mundo. May mga ganitong obra maestra na nagpapaisip at naghahanap ng lihim na kahulugan. Ang ilang mga pagpipinta ay nababalot ng mga misteryosong misteryo, habang sa iba ang pangunahing bagay ay ang kanilang napakataas na presyo.

Maraming kakaibang painting sa kasaysayan ng world painting. Sa aming rating, sadyang hindi namin babanggitin si Salvador Dali, na isang master sa genre na ito at ang pangalan ang unang pumasok sa isip. At bagama't ang mismong konsepto ng pagiging kakaiba ay subjective, maaari isa-isa ang mga kilalang gawa na malinaw na hindi karaniwan.

Edvard Munch "Ang Sigaw" Ang gawain, na may sukat na 91x73.5 cm, ay nilikha noong 1893. Ipininta ito ni Munch sa mga langis, pastel at tempera, ngayon ang pagpipinta ay itinatago sa Oslo National Gallery. Ang paglikha ng artist ay naging isang palatandaan para sa impresyonismo, ito ay karaniwang isa sa mga pinakasikat na pagpipinta sa mundo ngayon. Sinabi mismo ni Munch ang kuwento ng paglikha nito: "Naglalakad ako sa landas kasama ang dalawang kaibigan. Sa oras na ito ay lumulubog ang araw. Biglang namula ang langit, huminto ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa bakod. Tumingin ako sa ang dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na "itim na fjord at lungsod. Nagpatuloy ang aking mga kaibigan, at ako ay nakatayo doon, nanginginig sa pananabik, naramdaman ang walang katapusang sigaw na tumatagos sa kalikasan." Mayroong dalawang bersyon ng interpretasyon ng kahulugang iginuhit. Maaari itong isaalang-alang na ang itinatanghal na karakter ay nasamsam ng kakila-kilabot at tahimik na sumisigaw, idiniin ang kanyang mga kamay sa kanyang mga tainga. Sabi naman ng isa pang version, napapikit ang lalaki dahil sa hiyawan sa paligid. Sa kabuuan, gumawa si Munch ng hanggang 4 na bersyon ng "The Scream". Ang ilang mga eksperto ay naniniwala na ang larawang ito ay isang klasikong pagpapakita ng manic-depressive psychosis kung saan nagdusa ang artist. Nang magamot si Munch sa klinika, hindi na siya bumalik sa canvas na ito.

Paul Gauguin "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?". Sa Boston Museum of Fine Arts, makikita mo itong impresyonistang gawa na may sukat na 139.1 x 374.6 cm. Ipininta ito sa oil sa canvas noong 1897-1898. Ang malalim na gawaing ito ay isinulat ni Gauguin sa Tahiti, kung saan siya ay nagretiro mula sa pagmamadali at pagmamadali ng buhay sa Paris. Ang larawan ay naging napakahalaga para sa artista na sa pagtatapos nito ay gusto pa niyang magpakamatay. Naniniwala si Gauguin na siya ang pinakamagaling na nilikha niya noon. Naniniwala ang artista na hindi na siya makakalikha ng isang bagay na mas mahusay o katulad, wala na siyang dapat pagsikapan. Nabuhay si Gauguin ng isa pang 5 taon, na pinatunayan ang katotohanan ng kanyang mga paghatol. Siya mismo ang nagsabi na ang kanyang pangunahing larawan ay dapat tingnan mula kanan hanggang kaliwa. Mayroong tatlong pangunahing grupo ng mga figure dito, na nagpapakilala sa mga tanong kung saan may karapatan ang canvas. Tatlong babae na may anak ang nagpapakita ng simula ng buhay, sa gitna ang mga tao ay sumasagisag sa kapanahunan, habang ang katandaan ay kinakatawan ng isang matandang babae na naghihintay sa kanyang kamatayan. Tila natanggap na niya ito at may sarili siyang iniisip. Sa kanyang paanan ay isang puting ibon, na sumisimbolo sa kawalan ng kahulugan ng mga salita.

Pablo Picasso "Guernica" Ang likha ni Picasso ay itinago sa Reina Sofia Museum sa Madrid. Ang isang malaking painting na may sukat na 349 by 776 cm ay pininturahan ng langis sa canvas. Ang canvas-fresco na ito ay nilikha noong 1937. Ang larawan ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng mga pasistang boluntaryong piloto sa lungsod ng Guernica. Bilang resulta ng mga kaganapang iyon, ang lungsod na may populasyon na 6 na libong tao ay ganap na nabura sa balat ng lupa. Nilikha ng artist ang larawang ito sa loob lamang ng isang buwan. Sa mga unang araw, nagtrabaho si Picasso nang 10-12 oras, sa kanyang pinakaunang mga sketch ay nakikita na ang pangunahing ideya. Bilang isang resulta, ang larawan ay naging isa sa mga pinakamahusay na paglalarawan ng lahat ng mga kakila-kilabot ng pasismo, kalupitan at kalungkutan ng tao. Sa "Guernica" maaaring isaalang-alang ang isang eksena ng kalupitan, karahasan, kamatayan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan. Bagama't hindi tahasan ang mga dahilan para dito, malinaw ang mga ito sa kasaysayan. Sinasabing noong 1940 ay ipinatawag pa si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad siyang tinanong: "Ginawa mo ba?". Kung saan sumagot ang artista: "Hindi, ginawa mo ito."

Jan van Eyck "Portrait of the Arnolfinis". Ang pagpipinta na ito ay ipininta noong 1434 sa langis sa kahoy. Ang mga sukat ng obra maestra ay 81.8x59.7 cm, at ito ay naka-imbak sa London National Gallery. Marahil, ang pagpipinta ay naglalarawan kay Giovanni di Nicolao Arnolfini kasama ang kanyang asawa. Ang gawain ay isa sa pinakamahirap sa Western na paaralan ng pagpipinta noong Northern Renaissance. Ang sikat na pagpipinta na ito ay may malaking bilang ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga pahiwatig. Ano lamang ang pirma ng artist na "Jan van Eyck was here." Bilang isang resulta, ang larawan ay hindi lamang isang gawa ng sining, ngunit isang tunay na makasaysayang dokumento. Pagkatapos ng lahat, ito ay naglalarawan ng isang tunay na kaganapan na nakuha ni van Eyck. Ang larawang ito ay naging napakapopular kamakailan sa Russia, dahil ang pagkakahawig ni Arnolfini kay Vladimir Putin ay kapansin-pansin sa mata.

Mikhail Vrubel "Nakaupo na Demonyo". Hawak ng Tretyakov Gallery ang obra maestra na ito ni Mikhail Vrubel, na pininturahan ng mga langis noong 1890. Ang mga sukat ng canvas ay 114x211 cm. Nakakagulat ang demonyong inilalarawan dito. Lumilitaw siya bilang isang malungkot na binata na may mahabang buhok. Kadalasan hindi naiisip ng mga tao ang masasamang espiritu sa ganitong paraan. Si Vrubel mismo ang nagsabi tungkol sa kanyang pinakatanyag na canvas na, sa kanyang pang-unawa, ang demonyo ay hindi isang masamang espiritu kundi isang nagdurusa. Kasabay nito, hindi maikakaila sa kanya ang awtoridad at kamahalan. Ang demonyo ni Vrubel ay isang imahe, una sa lahat, ng espiritu ng tao, na naghahari sa loob natin ng patuloy na pakikibaka sa ating sarili at mga pagdududa. Ang nilalang na ito, na napapalibutan ng mga bulaklak, ay tragically clapped kanyang mga kamay, ang kanyang malalaking mata ay malungkot na tumingin sa malayo. Ang buong komposisyon ay nagpapahayag ng pagpilit ng pigura ng demonyo. Para siyang na-sandwich sa larawang ito sa pagitan ng itaas at ibaba ng picture frame.

Vasily Vereshchagin "Ang Apotheosis ng Digmaan". Ang larawan ay ipininta noong 1871, ngunit sa loob nito ay tila nakikinita ng may-akda ang mga kakila-kilabot sa hinaharap na Digmaang Pandaigdig. Ang laki ng canvas na 127x197 cm ay naka-imbak sa Tretyakov Gallery. Ang Vereshchagin ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na pintor ng labanan sa pagpipinta ng Russia. Gayunpaman, hindi siya sumulat ng mga digmaan at labanan dahil mahal niya ang mga ito. Sinubukan ng artista na ihatid sa mga tao ang kanyang negatibong saloobin sa digmaan sa pamamagitan ng pinong sining. Minsan nangako si Vereshchagin na hindi na magsusulat ng mga larawan ng labanan. Pagkatapos ng lahat, kinuha ng artista ang kalungkutan ng bawat nasugatan at namatay na sundalo na masyadong malapit sa kanyang puso. Ang resulta ng gayong taos-pusong saloobin sa paksang ito ay ang "Apotheosis of War". Ang isang kakila-kilabot at nakakabighaning larawan ay naglalarawan ng isang bundok ng mga bungo ng tao sa isang bukid na may mga uwak sa paligid. Ang Vereshchagin ay lumikha ng isang emosyonal na canvas, sa likod ng bawat bungo sa isang malaking pile, ang kasaysayan at kapalaran ng mga personalidad at mga taong malapit sa kanila ay maaaring masubaybayan. Ang artist mismo ay sarkastikong tinawag ang pagpipinta na ito na isang buhay na buhay, dahil inilalarawan nito ang patay na kalikasan. Ang lahat ng mga detalye ng "Apotheosis of War" ay sumisigaw tungkol sa kamatayan at kawalan ng laman, ito ay makikita kahit na sa dilaw na background ng lupa. At ang asul ng langit ay binibigyang-diin lamang ang kamatayan. Ang ideya ng mga kakila-kilabot na digmaan ay binibigyang diin ng mga butas ng bala at mga marka ng sable sa mga bungo.

Grant Wood "American Gothic". Ang maliit na painting na ito ay 74 by 62 cm. Nilikha ito noong 1930 at ngayon ay nakatago sa Art Institute of Chicago. Ang pagpipinta ay isa sa mga pinakatanyag na halimbawa ng sining ng Amerika noong nakaraang siglo. Nasa ating panahon, ang pangalan ng "American Gothic" ay madalas na binabanggit sa media. Ang larawan ay naglalarawan ng isang medyo madilim na ama at kanyang anak na babae. Maraming mga detalye ang nagsasabi tungkol sa kalubhaan, puritanismo at katigasan ng mga taong ito. Hindi nasisiyahan ang mga mukha nila, lumilitaw ang mga agresibong pitchfork sa gitna ng larawan, at ang mga damit ng mag-asawa ay makaluma kahit sa mga pamantayan ng panahong iyon. Maging ang tahi sa damit ng magsasaka ay sumusunod sa hugis ng pitchfork, na nagdodoble sa banta sa mga umaamba sa kanyang paraan ng pamumuhay. Ang mga detalye ng larawan ay maaaring pag-aralan nang walang hanggan, pisikal na nakakaramdam ng kakulangan sa ginhawa. Kapansin-pansin, sa isang pagkakataon sa isang kumpetisyon sa Art Institute of Chicago, ang larawan ay tinanggap ng mga hukom bilang isang nakakatawa. Ngunit sinaktan ng mga tao ng Iowa ang artista dahil inilagay niya sila sa isang hindi magandang tingnan na pananaw. Ang modelo para sa babae ay kapatid ni Wood, ngunit ang dentista ng pintor ang naging prototype ng galit na lalaki.

Rene Magritte Lovers. Ang pagpipinta ay ipininta noong 1928 sa langis sa canvas. Sa kasong ito, mayroong dalawang pagpipilian. Sa isa sa kanila, isang lalaki at isang babae ang naghahalikan, ang kanilang mga ulo lamang ang nababalot ng puting tela. Sa ibang bersyon ng pagpipinta, ang mga magkasintahan ay tumitingin sa manonood. Iginuhit at sorpresa, at nabighani. Ang mga figure na walang mukha ay sumisimbolo sa pagkabulag ng pag-ibig. Alam na ang mga magkasintahan ay walang nakikita sa paligid, ngunit hindi natin makita ang kanilang tunay na nararamdaman. Kahit para sa isa't isa, ang mga taong ito, na nabulag ng pakiramdam, ay talagang isang misteryo. At bagaman ang pangunahing mensahe ng larawan ay tila malinaw, ang "Lovers" ay nagpapatingin sa kanila at nag-iisip tungkol sa pag-ibig. Sa Magritte, sa pangkalahatan, halos lahat ng mga pagpipinta ay mga palaisipan, na ganap na imposibleng malutas. Pagkatapos ng lahat, itinaas ng mga canvases na ito ang mga pangunahing katanungan tungkol sa kahulugan ng ating buhay. Sa kanila, ang artist ay nagsasalita tungkol sa ilusyon na katangian ng kung ano ang nakikita natin, tungkol sa katotohanan na maraming mga mahiwagang bagay sa paligid natin na sinusubukan nating hindi mapansin.

Marc Chagall "Maglakad". Ang pagpipinta ay ipininta sa langis sa canvas noong 1917 at ngayon ay itinatago sa State Tretyakov Gallery. Sa kanyang mga gawa, kadalasang seryoso si Marc Chagall, ngunit dito niya pinahintulutan ang kanyang sarili na magpakita ng damdamin. Ang larawan ay nagpapahayag ng personal na kaligayahan ng artist, ito ay puno ng pag-ibig at alegorya. Ang kanyang "Lakad" ay isang self-portrait, kung saan inilarawan ni Chagall ang kanyang asawang si Bella sa tabi niya. Ang kanyang pinili ay pumailanglang sa langit, malapit na niyang kaladkarin ang artista doon, na halos wala na sa lupa, hinawakan lamang ito ng mga dulo ng kanyang sapatos. Sa kabilang kamay ng lalaki ay isang titmouse. Masasabi nating ganito ang ipinakita ni Chagall sa kanyang kaligayahan. Mayroon siyang crane sa kalangitan sa anyo ng isang minamahal na babae, at isang titmouse sa kanyang mga kamay, kung saan ang ibig niyang sabihin ay ang kanyang trabaho.

Hieronymus Bosch "Hardin of Earthly Delights". Ang canvas na ito na may sukat na 389x220 cm ay itinatago sa Spanish Museum Pravo. Ipininta ni Bosch ang oil painting sa kahoy sa pagitan ng 1500 at 1510. Ito ang pinakasikat na triptych ng Bosch, bagama't ang pagpipinta ay may tatlong bahagi, ito ay pinangalanan pagkatapos ng gitnang isa, na nakatuon sa voluptuousness. Ang kahulugan ng kakaibang larawan ay patuloy na pinagtatalunan, walang ganoong interpretasyon nito na makikilala bilang ang tanging totoo. Lumilitaw ang interes sa triptych dahil sa maraming maliliit na detalye na nagpapahayag ng pangunahing ideya. May mga translucent figure, hindi pangkaraniwang istruktura, halimaw, bangungot at pangitain na nagkatotoo, at mala-impyernong pagkakaiba-iba ng katotohanan. Nagawa ng artist na tingnan ang lahat ng ito nang may matalim at naghahanap na hitsura, na nagawang pagsamahin ang hindi magkatulad na mga elemento sa isang solong canvas. Sinubukan ng ilang mananaliksik na makita sa larawan ang isang repleksyon ng buhay ng tao, na ipinakita ng may-akda nang walang kabuluhan. Ang iba ay nakahanap ng mga larawan ng pag-ibig, isang tao ang nakatagpo ng tagumpay ng pagka-voluptuous. Gayunpaman, ito ay nagdududa na ang may-akda ay nagsisikap na luwalhatiin ang makalaman na kasiyahan. Pagkatapos ng lahat, ang mga pigura ng mga tao ay inilalarawan na may malamig na detatsment at kawalang-kasalanan. Oo, at ang mga awtoridad ng simbahan ay tumugon nang lubos sa pagpipinta na ito ni Bosch.

Gustav Klimt "Tatlong Panahon ng Babae" Ang pagpipinta na ito ay makikita sa National Gallery of Modern Art ng Rome. Ang parisukat na canvas, 180 cm ang lapad, ay pininturahan ng langis sa canvas noong 1905. Ang larawang ito ay nagpapahayag ng parehong kagalakan at kalungkutan sa parehong oras. Ang artista sa tatlong pigura ay nagawang ipakita ang buong buhay ng isang babae. Ang una, bata pa, ay sobrang walang pakialam. Ang isang may sapat na gulang na babae ay nagpapahayag ng kapayapaan, at ang huling edad ay sumisimbolo ng kawalan ng pag-asa. Kasabay nito, ang gitnang edad ay organikong hinabi sa dekorasyon ng buhay, at ang luma ay kapansin-pansing kapansin-pansin laban sa background nito. Simboliko ang malinaw na kaibahan ng dalaga at ng matatanda. Kung ang pag-unlad ng buhay ay sinamahan ng maraming mga posibilidad at pagbabago, kung gayon ang huling yugto ay isa sa nakatanim na katatagan at salungat sa katotohanan. Ang ganitong larawan ay umaakit ng pansin at iniisip mo ang intensyon ng artist, ang lalim nito. Naglalaman ito ng lahat ng buhay na may hindi maiiwasan at metamorphoses.

Egon Schiele "Pamilya". Ang 152.5x162.5 cm na canvas na ito ay pininturahan ng langis noong 1918. Ngayon ito ay naka-imbak sa Vienna Belvedere. Ang guro ni Schiele ay si Klimt mismo, ngunit hindi masigasig na sinubukan ng estudyante na kopyahin siya, na naghahanap ng kanyang sariling mga paraan ng pagpapahayag. Ligtas nating masasabi na ang gawa ni Schiele ay mas trahedya, nakakatakot at kakaiba kaysa kay Klimt. Ang ilang mga elemento ngayon ay tatawaging pornograpiko, mayroong maraming iba't ibang mga perversion dito, naturalismo ay naroroon sa lahat ng kagandahan nito. Kasabay nito, ang mga larawan ay literal na natatakpan ng ilang uri ng masakit na kawalan ng pag-asa. Ang tuktok ng trabaho ni Schiele at ang kanyang pinakabagong pagpipinta ay Ang Pamilya. Sa canvas na ito, ang kawalan ng pag-asa ay dinadala sa maximum, habang ang gawain mismo ay naging hindi gaanong kakaiba para sa may-akda. Matapos mamatay ang buntis na asawa ni Schiele mula sa trangkaso Espanyola, at ilang sandali bago siya mamatay, nilikha ang obra maestra na ito. Lumipas lamang ang 3 araw sa pagitan ng dalawang pagkamatay, sapat na ang mga ito para ilarawan ng artista ang kanyang sarili kasama ang kanyang asawa at ang kanyang hindi pa isinisilang na anak. Noong panahong iyon, si Schiele ay 28 taong gulang pa lamang.

Frida Kahlo "Ang Dalawang Fridas" Ang pagpipinta ay ipinanganak noong 1939. Ang Mexican artist na si Frida Kahlo ay sumikat pagkatapos ng pagpapalabas ng isang pelikula tungkol sa kanya kasama si Salma Hayek sa title role. Ang batayan ng trabaho ng artista ay ang kanyang mga larawan sa sarili. Ipinaliwanag niya mismo ang katotohanang ito tulad ng sumusunod: "Isinulat ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na nag-iisa at dahil ako ang paksa na alam ko." Kapansin-pansin na hindi ngumingiti si Frida sa alinman sa kanyang mga canvases. Seryoso ang mukha niya, kahit medyo malungkot. Ang pinagsamang makapal na kilay at isang bahagya na kapansin-pansing bigote sa itaas ng mga pursed lips ay nagpapahayag ng pinakamataas na kaseryosohan. Ang mga ideya ng mga kuwadro ay namamalagi sa mga pigura, background at mga detalye ng kung ano ang pumapalibot kay Frida. Ang simbolismo ng mga pagpipinta ay batay sa mga pambansang tradisyon ng Mexico, na malapit na nauugnay sa lumang mitolohiya ng India. Ang "Two Fridas" ay isa sa pinakamagandang larawan ng Mexican. Ipinapakita nito sa orihinal na paraan ang mga prinsipyong panlalaki at pambabae, na may iisang sistema ng sirkulasyon. Kaya, ipinakita ng artista ang pagkakaisa at integridad ng dalawang magkasalungat na ito.

Claude Monet "Waterloo Bridge. Fog Effect". Sa St. Petersburg Hermitage mahahanap mo ang painting na ito ni Monet. Ito ay pininturahan ng langis sa canvas noong 1899. Sa malapit na pagsusuri sa larawan, lumilitaw ito bilang isang lilang lugar na may makapal na mga stroke na inilapat dito. Gayunpaman, lumayo sa canvas, naiintindihan ng manonood ang lahat ng kanyang mahika. Sa una, ang mga malabo na kalahating bilog na dumadaan sa gitna ng larawan ay makikita, ang mga balangkas ng mga bangka ay lilitaw. At mula sa isang distansya ng ilang metro, makikita mo na ang lahat ng mga elemento ng larawan na konektado sa isang lohikal na kadena.

Jackson Pollock "Number 5, 1948". Ang Pollock ay isang klasiko ng abstract expressionist genre. Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay sa ngayon ang pinakamahal sa mundo. At pininturahan ito ng artist noong 1948, nagbuhos lamang ng pintura ng langis sa isang fiberboard na may sukat na 240x120 cm sa sahig. Noong 2006, ang pagpipinta na ito ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $140 milyon. Ang dating may-ari, kolektor at producer ng pelikula na si David Giffen, ay ibinenta ito sa Mexican financier na si David Martinez. Sinabi ni Pollock na nagpasya siyang lumayo sa mga pamilyar na tool ng artist bilang isang easel, mga pintura at mga brush. Ang kanyang mga gamit ay patpat, kutsilyo, pala at pagbuhos ng pintura. Ginamit din niya ang pinaghalong buhangin o kahit basag na salamin. Nagsisimulang lumikha. Binibigyan ni Pollock ang kanyang sarili sa inspirasyon nang hindi man lang napagtatanto kung ano ang kanyang ginagawa. Pagkatapos lamang ay darating ang pagsasakatuparan ng perpekto. Kasabay nito, ang artist ay walang takot na sirain ang imahe o baguhin ito nang hindi sinasadya - ang larawan ay nagsisimulang mamuhay ng sarili nitong buhay. Ang gawain ni Pollock ay tulungan siyang maipanganak, lumabas. Ngunit kung ang master ay nawalan ng pakikipag-ugnay sa kanyang nilikha, kung gayon ang resulta ay magiging kaguluhan at dumi. Kung matagumpay, ang larawan ay magkakaroon ng dalisay na pagkakaisa, ang kadalian ng pagtanggap at pagsasama ng inspirasyon.

Joan Miro "Lalaki at babae sa harap ng isang tambak ng dumi". Ang pagpipinta na ito ay nakatago na ngayon sa pondo ng pintor sa Espanya. Ito ay pininturahan ng langis sa isang piraso ng tanso noong 1935 sa loob lamang ng isang linggo mula 15 hanggang 22 Oktubre. Ang laki ng paglikha ay 23x32 cm lamang.Sa kabila ng gayong nakakapukaw na pangalan, ang larawan ay nagsasalita tungkol sa mga kakila-kilabot ng mga digmaang sibil. Ang may-akda mismo ay naglalarawan ng mga pangyayari noong mga taong iyon na nagaganap sa Espanya. Sinubukan ni Miro na magpakita ng panahon ng kaguluhan. Sa larawan, makikita mo ang isang hindi gumagalaw na lalaki at babae, na, gayunpaman, ay iginuhit sa isa't isa. Ang canvas ay puspos ng mga nagbabantang makamandag na bulaklak, kasama ang pinalaki na mga ari, mukhang sadyang kasuklam-suklam at kasuklam-suklam na sexy.

Jacek Yerka "Erosion". Sa mga gawa nitong Polish na neo-surrealist, ang mga larawan ng realidad, na magkakaugnay, ay nagbibigay ng bagong katotohanan. Sa ilang mga paraan, kahit na ang nakakaantig na mga larawan ay napakadetalye. Nararamdaman nila ang mga dayandang ng mga surrealist ng nakaraan, mula Bosch hanggang Dali. Si Yerka ay lumaki sa isang kapaligiran ng medieval na arkitektura na mahimalang nakaligtas sa mga pambobomba ng World War II. Nagsimula na siyang gumuhit bago pa man pumasok sa unibersidad. Doon ay sinubukan nilang baguhin ang kanyang istilo sa isang mas moderno at hindi gaanong detalyado, ngunit si Yerka mismo ay pinanatili ang kanyang sariling katangian. Ngayon, ang kanyang hindi pangkaraniwang mga pagpipinta ay ipinakita hindi lamang sa Poland, kundi pati na rin sa Germany, France, Monaco, at USA. Ang mga ito ay nasa isang bilang ng mga koleksyon sa buong mundo.

Bill Stoneham "Ang mga Kamay ay Lumalaban sa Kanya" Ang pagpipinta, na ipininta noong 1972, ay mahirap tawaging klasiko ng pagpipinta. Gayunpaman, walang duda na ito ay kabilang sa mga kakaibang likha ng mga artista. Ang larawan ay naglalarawan ng isang batang lalaki, isang manika ang nakatayo sa tabi niya, at maraming palad ang nakadikit sa salamin mula sa likuran. Ang canvas na ito ay kakaiba, misteryoso at medyo mystical. Ito ay naging maalamat na. Sinasabi nila na dahil sa larawang ito ay may namatay, at ang mga bata dito ay buhay. Ang creepy talaga ng itsura niya. Hindi nakakagulat na ang larawan ay nagpapalabas ng mga takot at kakila-kilabot na mga pantasya para sa mga taong may sakit na pag-iisip. Tiniyak mismo ni Stoneham na ipininta niya ang kanyang sarili sa edad na 5 taon. Ang pinto sa likod ng batang lalaki ay isang hadlang sa pagitan ng katotohanan at ng mundo ng mga pangarap. Ang manika ay isang gabay na maaaring humantong sa isang bata mula sa isang mundo patungo sa isa pa. Ang mga kamay ay mga alternatibong buhay o posibilidad ng isang tao. Ang pagpipinta ay naging tanyag noong Pebrero 2000. Ito ay inilagay para sa pagbebenta sa eBay, na nagsasabing ito ay pinagmumultuhan. Sa huli, ang Hands Resist Him ay binili ni Kim Smith sa halagang $1,025. Sa lalong madaling panahon ang bumibili ay literal na binaha ng mga titik na may kakila-kilabot na mga kuwento na nauugnay sa pagpipinta, at hinihiling na sirain ang canvas na ito.

“Hindi ka dapat mawalan ng tiwala sa sangkatauhan. Ang sangkatauhan ay parang karagatan, at ang ilang maruruming patak ay hindi makakapagpadumi sa buong karagatan,” sabi ni Mahatma Gandhi. Ang puso ng tao ay multifaceted at ang pagpapakita ng mga damdamin at adhikain ng mga tao ay hindi gaanong magkakaibang. Ang pagpili ng mga larawan ay sumasalamin sa walang humpay na pagnanais ng isang tao na mabuhay, upang magbigay ng pag-ibig, ngunit sa parehong oras - kung ano ang kawalan ng pag-asa at kalungkutan na maaari niyang maranasan. Ito ang kasaysayan ng sangkatauhan, mabuti at masama, tulad nito.

1. Ang nagugutom na batang lalaki at ang misyonero

2. Sa loob ng gas chamber sa Auschwitz

3. Cardiac surgeon

Isang cardiac surgeon pagkatapos ng matagumpay na 23 oras na operasyon ng heart transplant. Natutulog ang katulong niya sa sulok.

4. Mag-ama (1949 at 2009)

5. Sa libing ng guro

Ang batang Brazilian na si Diego Frazao Torvato, 12, ay tumutugtog ng biyolin sa libing ng kanyang guro. Sa tulong ng musika, tinulungan ng guro ang lalaki na makatakas mula sa kahirapan at kalupitan.

6. Isang sundalong Ruso ang tumutugtog ng isang inabandunang piano sa Chechnya noong 1994.

7. Nalaman lang ng isang binata na pinatay ang kanyang kapatid.

Pinagmulan 8Christians defend Muslims sa panahon ng panalangin sa panahon ng 2011 Cairo uprisings.

Source 9Ang isang bumbero ay nagbibigay ng tubig sa isang koala sa panahon ng napakalaking wildfire sa Australia noong 2009.

10. Niyakap ni Terry Gurrola ang kanyang anak pagkatapos bumalik mula sa serbisyo sa Iraq, kung saan siya nanatili ng 7 buwan.

11. Ang mga walang tirahan sa India ay naghihintay ng libreng pagkain, na ipinamamahagi sa mosque bago ang holiday ng Eid al-Fitr sa New Delhi, India.

12. Zanzhir

Ang asong si Zanjir ay nagligtas ng libu-libong buhay sa isang serye ng pambobomba sa Mumbai na naganap noong Marso 1993. Nakakita si Zanjir ng higit sa 3,329 kg ng mga pampasabog, 600 detonator, 249 hand grenades at 6,406 na live round. Siya ay inilibing na may buong karangalan noong 2000.

13. "Falling Man"

Isang lalaki ang nahulog mula sa World Trade Center noong Setyembre 11, 2011.

14. Alcoholic na lalaki at ang kanyang anak

15. Nagyakapan ang mag-asawa sa mga guho ng gumuhong pabrika

16. Paglubog ng araw sa Mars

17. Sa komunidad ng Hitano

Isang limang taong gulang na batang gypsy noong Bisperas ng Bagong Taon 2006 sa komunidad ng gypsy ng St. Jacques sa southern France. Sa komunidad na ito, ang paninigarilyo ay hindi ipinagbabawal para sa maliliit na lalaki at itinuturing na karaniwan at normal.

18. Tinakpan ng 29-anyos na si Hang Te Yu ang kanyang mukha ng kanyang mga kamay, nakatayo sa mga guho ng kanyang bahay

Noong Mayo 2008, tumama ang Bagyong Nargis sa katimugang baybayin ng Myanmar, na ikinamatay ng mahigit 100,000 katao at nag-iwan ng milyun-milyong nawalan ng tirahan.

19. Isang tapat na kaibigan

Isang aso na nagngangalang Leau ang nakaupo sa libingan ng kanyang dating may-ari, na namatay sa mapangwasak na pagguho ng lupa malapit sa Rio de Janeiro noong 2011, para sa ikalawang sunod na araw.

20. "Hintayin mo ako, tatay"

21. Isang matandang beterano na nagsilbi bilang isang tanker noong World War II sa wakas ay natagpuan ang tangke kung saan siya dumaan sa buong digmaan

22. "Ang kapangyarihan ng mga bulaklak"

23. Isang babae ang nakaupo sa mga guho pagkatapos ng pinakamalakas na lindol at tsunami sa lungsod ng Natori sa Japan noong Marso 2011

1. Deonardo da Vinci. Mona Lisa. Ang pinakakilalang pagpipinta sa mundo ay maraming maituturo sa mga photographer, ngunit ang pangunahing bagay mula dito ay kung ano ang dapat na ugnayan sa paksa. Tulad ng maraming beses na sinabi, ang kanyang ngiti ay nagsasalita ng espesyal na ugnayan sa pagitan ng artista at modelo. Ito ang dapat pagsikapan ng bawat photographer kapag gumagawa ng mga portrait.

2. Rafael. paaralan sa Athens. Mas gusto ng maraming photographer na kumuha ng mga larawan ng mga indibidwal na bagay. Isang tao, isang bagay at isang sandali. Ang gawaing ito ay mula sa mga oras na ang isang canvas ay tumagal ng kalahating oras ng oras upang isaalang-alang ito. Mayroong isang dosenang iba't ibang mga sitwasyon dito at walang isa sa mga ito ang nakakasagabal sa isa pa. Napakahalaga na makapag-compose ng isang multifaceted na eksena sa isang frame.

3. Jan Vermeer. Batang babae na may hikaw na perlas. Gusto ni Vermeer ang ilaw sa bintana. Ito ang pinakamagandang ilaw para sa mga portrait. Kapag gumagamit kami ng studio lighting o flash, sinusubukan naming makamit ang hindi bababa sa kasing ganda ng liwanag hangga't maaari. Tulad ng sa portrait ni Mona Lisa, may koneksyon sa artist, na ipinapadala sa manonood.

4. Edward Hopper. Mga lawin sa gabi. Ang lahat ng mga photographer ay naghahanap ng mga maiikling sandali na pagkatapos ay "magkakabit" sa manonood. Ang larawang ito ay nakakaakit ng pansin dahil sa pagiging mahinahon nito. Dapat subukan ng mga photographer na makita at makuha ang mga sandaling tulad nito.

5. M. Escher. Bola ng kamay at salamin. Isa sa mga bagay na dapat gawin ng sinumang photographer ay ang pagpapakita ng pananaw sa photography.

6. Norman Rockwell Tsismis. Pagsasalaysay sa pamamagitan ng ekspresyon ng mukha. Hindi natin kailangang malaman ang mga tsismis mismo para maunawaan kung ano ang nangyayari sa larawang ito. Ang kakayahang mahuli ang isang "nag-uusap" na ekspresyon ng mukha ay isang mahalagang kasanayan para sa isang photographer.

7. Norman Rockwell Ang pagtakas. Si Norman Rockwell ay may kakayahan sa pagtawag sa mga alaala ng mga manonood kapag nakita nila ang kanyang mga ipininta. Ang kuwentong isinasalaysay ng gawaing ito ay higit pa sa masasabi minsan ng isang buong libro. Gumawa ng ganoong larawan at magdadala ito sa iyo ng tagumpay.

8. Andy Warhol. Ang ilang mga photographer ay gumagawa ng paraan upang maghanap ng isang paksa na kukunan. Naghahanap sila ng isang bagay na kapana-panabik. Higit na mahalaga na magawa ang isang simpleng bagay sa isang bagay na hindi pangkaraniwang, at ito mismo ang ginawa ni Warhol sa mga lata ng sopas.

9. Gustav Klimt. Halik. Maraming photographer ang sumusunod sa mga pinakabagong uso sa photography. Mayroong isang milyong mga larawan sa Internet gamit ang HDR (High Dynamic Range), kapag ang tatlong mga frame ng parehong eksena ay kinunan sa iba't ibang mga exposure at pinagsama gamit ang isang editor. Isang pagkakamali na ipagpalagay na may sapat na bagong bagay na maaari mong kunan ng anuman gamit ang pamamaraang ito at makakuha ng magandang litrato. Si Klimt ay napaka sikat para sa kanyang inilarawan sa pangkinaugalian na mga kuwadro na gawa, ngunit ito ay sa isang ito na siya ay nagpapakita ng isang sandali ng malalim na koneksyon sa pagitan ng mga bagay. Dapat itong magsilbing aral sa lahat ng photographer.

11. Michelangelo. Kisame ng Sistine Chapel. Ang isang mahusay na kasanayan para sa isang photographer ay tumingin sa mga bagay mula sa iba't ibang mga anggulo upang makuha ang pinakamahusay na kuha. Huwag hayaan ang awkward posture na humadlang sa inspirasyon. Shoot kahit na kailangan mong tumingin ng diretso.

12. Salvador Dali. Ang Tatlong Sphinx ng Bikini Island. Mahalagang makita ang paulit-ulit na mga hugis at texture sa isang litrato at lumikha ng magagandang kuha batay sa mga ito.

13. Banksy graffiti. Si Banksy ay isang master ng pagsasama-sama ng hindi magkatugma. Inaasahan mong makakita ng isang bagay, ngunit sorpresa ka niya sa isang bagay na ganap na naiiba.

14. William Blake. Mahusay na arkitekto. Maaaring turuan ni Blake ang mga photographer kung paano pagsamahin ang inspirasyon at pamamaraan.

15. Vincent van Gogh. Night cafe. Dapat tayong kumuha ng mga larawan ng mga bagay na may kahulugan sa atin. Kapag tiningnan mo ang larawang ito, naiintindihan mo na ang cafe na ito ay may tiyak na kahulugan para kay Van Gogh, mahalaga ito sa kanya.

16. Katsushika Hokusai. Malaking alon sa Kanagawa. Ang mga mapagpasyang sandali ay hindi lamang nangyayari sa buhay ng mga tao. Ang mga photographer ay dapat maghanap ng mga katulad na sandali sa mundo sa kanilang paligid.

17. Hiroshige. Isang babaeng naglalakad sa kalsada sa mga bukid. Dapat tiyakin ng photographer na ang lahat ng nasa frame ay tumutugma sa mga aksyon ng pangunahing paksa. Halimbawa dito ang mga linya ng puno, ang landas at ang mga tao ay magkatulad.

18. Mga gawa ni Edgar Muller. Si Müller ay isang dalubhasa sa pananaw. Depende sa distansya kung saan ka tumingin sa kanyang trabaho, ang ilusyon ng lalim ay nagbabago nang radikal. Maaari nitong turuan ang mga photographer na huwag tumigil sa paghahanap ng tamang anggulo.

19. Georgia O'Keeffe. Poppy. Mayroong isang buong "subculture" ng flora photography. Mahusay ang Georgia O'Keeffe para makakuha ng inspirasyon para sa pagbaril ng mga bulaklak.

20. Emily Carr. Kitwancool. Si Emily Kar ay kilala sa kanyang mga pagpipinta ng mga totem. Ginugol niya ang kanyang buong buhay sa paghahanap ng mga totem para sa kanyang trabaho. Ang mga photographer ay dapat palaging nasa pagbabantay para sa mga proyekto. Isang tiyak na paksa na maaaring pag-aralan at ipakita sa pamamagitan ng isang serye ng mga larawan.

21. Pierre Auguste Renoir. Bola sa Moulin de la Galette. Ito ay isang mahusay na halimbawa ng paglalarawan ng maraming mga bagay na hindi nakikipagkumpitensya sa pangunahing bagay.

22. Grant Wood. Amerikanong Gothic. Ang pagpipinta na "American Gothic" ni Grant Wood ay isang magandang halimbawa kung paano ang mga proyekto ay sumasalamin sa kapaligiran. Sinubukan ni Grant Wood na isipin kung anong uri ng mga tao ang maaaring tumira sa bahay sa likuran. Ang bahay na ito at ang mag-asawa ay may halos pisikal na pagkakahawig.

23. Edouard Monet. Chez le pere Lathuille. Maaaring isang street photography ang eksenang ito.