Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Na nagpapahintulot sa isang maikling balangkas upang ipakita ang mga salungatan ng lipunan, ang mga damdamin at mga relasyon ng mga karakter, upang ipakita ang mga isyu sa moral. Ang trahedya, komedya at maging ang mga modernong sketch ay lahat ng uri ng sining na ito na nagmula sa sinaunang Greece.

Drama: isang aklat na may kumplikadong karakter

Sa Griyego, ang salitang "drama" ay nangangahulugang "gumawa." Ang dula (kahulugan sa panitikan) ay isang akdang naglalantad ng tunggalian sa pagitan ng mga tauhan. Ang katangian ng mga tauhan ay ipinahayag sa pamamagitan ng mga aksyon, at ang kaluluwa - sa pamamagitan ng mga diyalogo. Ang mga gawa ng genre na ito ay may isang dynamic na balangkas, ay binubuo sa pamamagitan ng mga dialogue ng mga character, mas madalas - monologues o polylogues.

Noong 1960s, lumabas ang mga salaysay bilang isang drama. Ang mga halimbawa ng mga gawa ni Ostrovsky na "Minin-Sukhoruk", "Voevoda", "Vasilisa Melentievna" ay ang pinakamaliwanag na halimbawa ng bihirang genre na ito. Ang trilohiya ng Count A. K. Tolstoy: "Ang Kamatayan ni Ivan the Terrible", "Tsar Feodor Ioannovich" at "Tsar Boris", pati na rin ang mga salaysay ni Chaev ("Tsar Vasily Shuisky") ay nakikilala sa parehong mga pakinabang. Likas sa mga gawa ni Averkin ang crackling drama: "Mamay's Massacre", "Comedy about the Russian nobleman Frol Skobeev", "Kashirskaya antiquity".

Modernong dramaturhiya

Ngayon, ang dramaturgy ay patuloy na umuunlad, ngunit sa parehong oras ay itinayo ito ayon sa lahat ng mga klasikal na batas ng genre.

Sa Russia ngayon, ang drama sa panitikan ay mga pangalan tulad ng Nikolai Erdman, Mikhail Chusov. Habang binubura ang mga hangganan at kombensiyon, nauuna ang liriko at salungatan, na nakakaapekto kina Wystan Auden, Thomas Bernhard at Martin McDonagh.

Isang napakahalaga at kapaki-pakinabang na aral! :)) Kahit papaano naging kapaki-pakinabang ito sa akin.

Ang mga konsepto ng "genus", species, "genre"

Genus literary - isang serye ng mga akdang pampanitikan na magkatulad sa uri ng kanilang organisasyon ng pagsasalita at nagbibigay-malay na pokus sa isang bagay o paksa, o ang gawa ng masining na pagpapahayag mismo.

Ang paghahati ng panitikan sa genera ay batay sa pagkakaiba sa pagitan ng mga pag-andar ng salita: ang salita ay naglalarawan sa layunin ng mundo, o nagpapahayag ng estado ng nagsasalita, o muling ginawa ang proseso ng verbal na komunikasyon.

Ayon sa kaugalian, mayroong tatlong uri ng pampanitikan, na ang bawat isa ay tumutugma sa isang tiyak na pag-andar ng salita:
epiko (pictorial function);
lyrics (nagpapahayag ng function);
drama (komunikatibo function).

Target:
Ang imahe ng pagkatao ng tao ay layunin, sa pakikipag-ugnayan sa ibang tao at mga kaganapan.
bagay:
Ang panlabas na mundo sa dami ng plastik nito, spatio-temporal na lawak at kayamanan ng kaganapan: mga karakter, pangyayari, panlipunan at natural na kapaligiran kung saan nakikipag-ugnayan ang mga karakter.
Nilalaman:
Ang layunin na nilalaman ng katotohanan sa materyal at espirituwal na aspeto nito, na ipinakita sa mga karakter at pangyayari na masining na na-type ng may-akda.
Ang teksto ay may nakararami na deskriptibo-salaysay na istraktura; isang espesyal na papel ang ginagampanan ng sistema ng mga detalye ng subject-pictorial.

Target:
Pagpapahayag ng kaisipan at damdamin ng may-akda-makata.
bagay:
Ang panloob na mundo ng personalidad sa pagiging impulsiveness at spontaneity nito, ang pagbuo at pagbabago ng mga impression, pangarap, mood, asosasyon, pagmumuni-muni, pagmumuni-muni na dulot ng pakikipag-ugnayan sa labas ng mundo.
Nilalaman:
Ang subjective na panloob na mundo ng makata at ang espirituwal na buhay ng sangkatauhan.
Mga tampok ng organisasyon manipis. mga talumpati:
Ang teksto ay nakikilala sa pamamagitan ng pagtaas ng pagpapahayag, ang mga makasagisag na posibilidad ng wika, ang maindayog at maayos na organisasyon ay gumaganap ng isang espesyal na papel.

Target:
Larawan ng pagkatao ng tao sa pagkilos, salungat sa ibang tao.
bagay:
Ang panlabas na mundo, na kinakatawan sa pamamagitan ng mga karakter at may layuning pagkilos ng mga karakter, at ang panloob na mundo ng mga karakter.
Nilalaman:
Ang layunin na nilalaman ng katotohanan, na ipinakita sa mga tauhan at pangyayari na masining na inilalarawan ng may-akda, at kinasasangkutan ng isang sagisag sa entablado.
Mga tampok ng organisasyon manipis. mga talumpati:
Ang teksto ay may nakararami na diyalogong istraktura, na kinabibilangan ng mga monologo ng mga tauhan.
Ang uri ng pampanitikan ay isang matatag na uri ng istrukturang patula sa loob ng isang genre ng panitikan.

Genre - isang pangkat ng mga akda sa loob ng isang uri ng pampanitikan, pinagsama ng karaniwang pormal, makabuluhan o functional na mga tampok. Ang bawat panahon at kalakaran ng panitikan ay may sariling tiyak na sistema ng mga genre.

Epos: mga uri at genre

Malaking anyo:
epiko;
Novel (Mga genre ng nobela: Family-household, Socio-psychological, Philosophical, Historical, Fantastic, Utopian novel, Educational novel, Love novel, Adventure novel, Journey novel, Lyro-epic (nobela sa taludtod))
epikong nobela;
Epikong tula.

Mga katamtamang anyo:
Kuwento (mga genre ng kwento: Pamilya-sambahayan, Sosyal-sikolohikal, Pilosopikal, Kasaysayan, Fantastic, Fairy-tale, Adventure, Tale sa taludtod);
Tula (mga genre ng tula: Epic, Heroic, Lyrical, Lyrical-epic, Dramatic, Ironic-comic, Didactic, Satirical, Burlesque, Lyrical-dramatic (romantic));

Maliit na anyo:
Kuwento (mga genre ng kuwento: Sanaysay (naglalarawan-salaysay, "moral-naglalarawan"), Novelistic (salungatan-salaysay);
Novella;
Fairy tale (tale genres: Magic, Social, Satirical, Socio-political, Lyrical, Fantastic, Animalistic, Scientific at educational);
Pabula;
Sanaysay (mga genre ng sanaysay: Artistic, Journalistic, Documentary).

Ang epiko ay isang epikong gawa ng mga pambansang suliranin na napakalaki sa anyo.

Ang nobela ay isang malaking anyo ng epiko, isang akda na may detalyadong balangkas, kung saan ang salaysay ay nakatuon sa kapalaran ng ilang personalidad sa proseso ng kanilang pagbuo, pag-unlad at pakikipag-ugnayan, na inilagay sa isang masining na espasyo at oras na sapat upang maihatid ang "organisasyon" ng mundo at suriin ang makasaysayang kakanyahan nito. Bilang isang epiko ng pribadong buhay, ipinakita ng nobela ang indibidwal at panlipunang buhay bilang relatibong independyente, hindi kumpleto at hindi sumisipsip ng bawat isa na elemento. Ang kuwento ng indibidwal na kapalaran sa nobela ay nakakakuha ng pangkalahatan, malaking kahulugan.

Ang kwento ay ang karaniwang anyo ng epiko, isang akda na may isang salaysay, bilang panuntunan, isang balangkas kung saan ang pagsasalaysay ay nakatuon sa kapalaran ng isang indibidwal sa proseso ng pagbuo at pag-unlad nito.

Tula - isang malaki o katamtamang laki ng akdang patula na may salaysay o liriko na balangkas; sa iba't ibang mga pagbabago sa genre, inilalantad nito ang synthesis nito, pinagsasama ang moralistiko at kabayanihan na mga simula, matalik na karanasan at mahusay na makasaysayang kaguluhan, liriko-epiko at monumental na mga tendensya.

Ang kwento ay isang maliit na epikong anyo ng kathang-isip, isang maliit na akdang prosa sa mga tuntunin ng dami ng mga itinatanghal na phenomena ng buhay, at samakatuwid ay sa mga tuntunin ng dami ng teksto.

Ang isang maikling kuwento ay isang maliit na genre ng prosa, na maihahambing sa dami sa isang maikling kuwento, ngunit naiiba mula dito sa isang matalim na sentripetal na balangkas, kadalasang kabalintunaan, kawalan ng deskriptibidad at tibay ng komposisyon.

Literary fairy tale - ang masining na prosa o patula ng may-akda, batay sa alinman sa mga mapagkukunan ng alamat, o purong orihinal; isang akda na higit na kamangha-mangha, mahiwagang, na naglalarawan sa mga kahanga-hangang pakikipagsapalaran ng kathang-isip o tradisyonal na mga tauhan sa engkanto, kung saan ang mahika, isang himala ay gumaganap ng papel na isang salik na bumubuo ng balangkas, ay nagsisilbing pangunahing panimulang punto para sa paglalarawan.

Ang pabula ay isang maliit na anyo ng didaktikong epiko, isang maikling kuwento sa taludtod o prosa na may tuwirang nabuong moral na konklusyon na nagbibigay sa kuwento ng isang alegorikal na kahulugan. Ang pagkakaroon ng isang pabula ay pangkalahatan: ito ay naaangkop sa iba't ibang okasyon. Kasama sa artistikong mundo ng pabula ang tradisyunal na bilog ng mga imahe at motif (mga hayop, halaman, eskematiko na mga pigura ng mga tao, nakapagtuturo na mga balangkas), na kadalasang ipininta sa mga tono ng komedya at panlipunang kritisismo.

Ang isang sanaysay ay isang uri ng maliit na anyo ng epikong panitikan, na naiiba sa isang kuwento at isang maikling kuwento sa kawalan ng isang solong, mabilis na nalutas na salungatan at isang mas malaking pag-unlad ng isang naglalarawang imahe. Ang sanaysay ay hindi gaanong nakakaapekto sa mga problema ng pagbuo ng pagkatao ng pagkatao sa mga salungatan nito sa itinatag na kapaligirang panlipunan, ngunit sa mga problema ng sibil at moral na estado ng "kapaligiran" at may isang mahusay na pagkakaiba-iba ng pag-iisip.

Lyrics: mga pangkat na pampakay at genre

Mga pangkat na pampakay:
Mapagninilay lyrics
intimate lyrics
(friendly and love lyrics)
liriko ng tanawin
Sibil (socio-political) lyrics
Pilosopikal na liriko

Mga Genre:
Ay oo
Himno
Elehiya
Idyll
Soneto
Kanta
Romansa
Dithyramb
Madrigal
Naisip
Mensahe
Epigram
Balada

Ode - ang nangungunang genre ng mataas na istilo, pangunahing katangian para sa tula ng klasisismo. Ang oda ay nakikilala sa pamamagitan ng mga kanonikal na tema (pagluwalhati sa Diyos, ang amang bayan, karunungan ng buhay, atbp.), mga pamamaraan ("tahimik" o "mabilis" na pag-atake, ang pagkakaroon ng mga digression, pinahihintulutang "lyrical disorder") at mga uri (odes ay espirituwal, solemne - "pindaric", moralizing - "Horasian", pag-ibig - "Anacreontic").

Ang Anthem ay isang solemne na awit sa mga taludtod na may likas na programmatic.

Ang Elehiya ay isang genre ng lyrics, isang tula na may katamtamang haba, meditative o emosyonal na nilalaman (karaniwan ay malungkot), kadalasan sa unang tao, nang walang natatanging komposisyon.

Idyll - isang genre ng lyrics, isang maliit na gawa na naglalarawan ng isang walang hanggang magandang kalikasan, kung minsan ay kabaligtaran sa isang hindi mapakali at mabisyo na tao, isang mapayapang banal na buhay sa dibdib ng kalikasan, atbp.

Soneto - isang tula na may 14 na linya, na bumubuo ng 2 quatrains at 2 tercetes o 3 quatrains at 1 couplet. Ang mga sumusunod na uri ng sonnet ay kilala:
"French" sonnet - abba abba ccd eed (o ccd ede);
"Italian" sonnet - abab abab cdc dcd (o cde cde);
"English sonnet" - abab cdcd efef gg.

Ang wreath of sonnets ay isang cycle ng 14 na sonnet, kung saan ang unang taludtod ng bawat isa ay inuulit ang huling taludtod ng nauna (na bumubuo ng isang "garland"), at ang mga unang talatang ito ay pinagsama-sama hanggang sa ika-15, "pangunahing" sonnet ( bumubuo ng isang pagtakpan).

Ang isang romansa ay isang maikling tula na isinulat para sa solong pag-awit na may instrumental na saliw, ang teksto kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malambing na himig, sintaktikong pagiging simple at pagkakatugma, pagkakumpleto ng pangungusap sa loob ng mga hangganan ng isang saknong.

Dithyramb - isang genre ng mga sinaunang lyrics na lumitaw bilang isang choral song, isang himno bilang parangal sa diyos na si Dionysus, o Bacchus, kalaunan - bilang parangal sa ibang mga diyos at bayani.

Ang Madrigal ay isang maliit na tula ng nilalamang higit na mapagmahal-komplimentaryo (mas madalas abstract-meditative), kadalasang may kabalintunaan na paghahasa sa dulo.

Ang Duma ay isang lyrical epic na kanta, ang istilo kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga simbolikong larawan, negatibong parallelism, retardation, tautological na parirala, single-mindedness.

Ang mensahe ay isang genre ng liriko, isang mala-tula na liham, ang pormal na katangian nito ay ang pagkakaroon ng isang apela sa isang partikular na addressee at, nang naaayon, ang mga motibo tulad ng mga kahilingan, kagustuhan, pangaral, atbp. Ang nilalaman ng mensahe, ayon sa tradisyon (mula sa Horace), ay pangunahing moral-pilosopiko at didactic, ngunit mayroong maraming salaysay, panegyric, satirical, mga mensahe ng pag-ibig, atbp.

Ang epigram ay isang maikling tulang satiriko, kadalasang may matalas sa dulo.

Ang balad ay isang tula na may dramatikong pag-unlad ng balangkas, na batay sa isang pambihirang kuwento na sumasalamin sa mahahalagang sandali ng pakikipag-ugnayan ng isang tao at lipunan o interpersonal na relasyon. Ang mga tampok na katangian ng balad ay isang maliit na volume, isang tense na balangkas, kadalasang puspos ng trahedya at misteryo, maalog na pagsasalaysay, dramatikong diyalogo, melodiousness at musicality.

Synthesis ng lyrics sa iba pang uri ng panitikan

Mga genre (uri) ng liriko-epiko - mga akdang pampanitikan at masining na pinagsasama ang mga katangian ng epiko at liriko; ang pagsasalaysay ng balangkas tungkol sa mga kaganapan ay pinagsama sa mga ito sa mga emosyonal-meditatib na pahayag ng tagapagsalaysay, na lumilikha ng imahe ng liriko na "I". Ang koneksyon ng dalawang prinsipyo ay maaaring gumanap bilang pagkakaisa ng tema, bilang pagninilay sa sarili ng tagapagsalaysay, bilang sikolohikal at pang-araw-araw na pagganyak ng kuwento, bilang direktang partisipasyon ng may-akda sa paglalahad ng balangkas, bilang paglalantad ng may-akda sa kanyang sariling mga pamamaraan. , na nagiging elemento ng masining na konsepto. Sa komposisyon, ang koneksyon na ito ay kadalasang ginagawa sa anyo ng mga liriko na digression.

Ang tula ng tuluyan ay isang liriko na akdang nasa anyong tuluyan na may mga katangian ng isang liriko na tula bilang isang maliit na volume, nadagdagan ang emosyonalidad, kadalasang walang plot na komposisyon, isang pangkalahatang setting para sa pagpapahayag ng subjective na impresyon o karanasan.

Ang liriko na bayani ay ang imahe ng makata sa liriko, isa sa mga paraan upang maihayag ang kamalayan ng may-akda. Ang liriko na bayani ay ang masining na "kambal" ng may-akda-makata, na lumalago mula sa teksto ng mga liriko na komposisyon (isang cycle, isang libro ng mga tula, isang liriko na tula, ang kabuuan ng lyrics) bilang isang malinaw na tinukoy na pigura o papel sa buhay, bilang isang taong pinagkalooban ng katiyakan ng isang indibidwal na kapalaran, ang sikolohikal na pagkakaiba-iba ng panloob na mundo, at kung minsan kahit na mga tampok ng isang plastik na hitsura.

Mga anyo ng liriko na pagpapahayag:
monologo sa unang tao (A.S. Pushkin - "Mahal kita ...");
role-playing lyrics - isang monologo sa ngalan ng karakter na ipinakilala sa teksto (A.A. Blok - "Ako si Hamlet, / Lumalamig ang dugo ...");
pagpapahayag ng damdamin at kaisipan ng may-akda sa pamamagitan ng isang imahe ng paksa (A.A. Fet - "Nakatulog ang lawa ...");
pagpapahayag ng damdamin at kaisipan ng may-akda sa pamamagitan ng mga pagmumuni-muni kung saan ang mga layunin na imahe ay gumaganap ng isang subordinate na papel o sa panimula ay may kondisyon (A.S. Pushkin - "Echo");
pagpapahayag ng damdamin at kaisipan ng may-akda sa pamamagitan ng pag-uusap ng mga may kondisyong karakter (F. Villon - "Ang pagtatalo sa pagitan ni Villon at ng kanyang kaluluwa");
apela sa ilang hindi tiyak na tao (F.I. Tyutchev - "Silentium");
balangkas (M.Yu. Lermontov - "Tatlong puno ng palma").

Trahedya - "Trahedya ng Bato", "Mataas na Trahedya";
Komedya - Komedya ng mga tauhan, Komedya ng pang-araw-araw (moral), Komedya ng mga posisyon, Komedya ng mga maskara (commedia del’arte), Komedya ng intriga, Komedya-buffoonery, Liriko na komedya, Satirical na komedya, Social comedy, "High comedy";
Drama (view) - "Petty-bourgeois drama", Psychological drama, Lyrical drama, Narrative (epic) drama;
Tragikomedya;
Misteryo;
Melodrama;
Vaudeville;
Farce.

Ang trahedya ay isang uri ng drama batay sa isang hindi malulutas na banggaan ng mga bayaning tauhan sa mundo, ang kalunos-lunos na kinalabasan nito. Ang trahedya ay minarkahan ng matinding kalubhaan, naglalarawan sa realidad nang mas tumpak, bilang isang grupo ng mga panloob na kontradiksyon, ay nagpapakita ng pinakamalalim na salungatan ng katotohanan sa isang napakatindi at mayamang anyo, na nakakakuha ng kahulugan ng isang masining na simbolo.

Ang komedya ay isang uri ng drama kung saan ang mga tauhan, sitwasyon, at aksyon ay ipinakita sa mga nakakatawang anyo o puno ng komiks. Ang komedya ay pangunahing naglalayong libakin ang pangit (salungat sa panlipunang ideyal o pamantayan): ang mga bayani ng komedya ay panloob na hindi matibay, hindi naaayon, hindi tumutugma sa kanilang posisyon, layunin, at ito ay ibinibigay bilang isang biktima ng pagtawa, na nagpapawalang-bisa. sa kanila, sa gayon ay natutupad ang kanilang "ideal" na misyon.

Ang dula (view) ay isa sa mga pangunahing uri ng dula bilang isang genre ng panitikan, kasama ang trahedya at komedya. Tulad ng isang komedya, pangunahin nitong nire-reproduce ang pribadong buhay ng mga tao, ngunit ang pangunahing layunin nito ay hindi upang kutyain ang moral, ngunit upang ilarawan ang indibidwal sa kanyang dramatikong relasyon sa lipunan. Tulad ng trahedya, ang drama ay may posibilidad na muling lumikha ng matalim na kontradiksyon; sa parehong oras, ang kanyang mga salungatan ay hindi masyadong panahunan at hindi maiiwasan at, sa prinsipyo, ay nagbibigay-daan para sa posibilidad ng isang matagumpay na paglutas, at ang kanyang mga karakter ay hindi masyadong katangi-tangi.

Ang tragicomedy ay isang uri ng drama na may mga katangian ng trahedya at komedya. Ang tragicomic worldview na pinagbabatayan ng tragicomedy ay nauugnay sa isang pakiramdam ng relativity ng umiiral na pamantayan ng buhay at ang pagtanggi sa moral na absolute ng komedya at trahedya. Ang tragicomedy ay hindi kinikilala ang ganap, ang subjective dito ay makikita bilang layunin at vice versa; ang isang pakiramdam ng relativity ay maaaring humantong sa kumpletong relativism; ang muling pagtatasa ng mga prinsipyong moral ay maaaring mabawasan sa kawalan ng katiyakan sa kanilang pagiging makapangyarihan o sa huling pagtanggi sa matatag na moralidad; ang isang hindi malinaw na pag-unawa sa realidad ay maaaring magdulot ng nag-aalab na interes dito o ganap na kawalang-interes, maaari itong magresulta sa hindi gaanong katiyakan sa pagpapakita ng mga pattern ng pagiging o kawalang-interes sa kanila at maging ang kanilang pagtanggi - hanggang sa pagkilala sa pagiging hindi makatwiran ng mundo.

Misteryo - isang genre ng teatro ng Kanlurang Europa noong huling bahagi ng Middle Ages, ang nilalaman nito ay mga kwentong biblikal; Ang mga eksena sa relihiyon ay kahalili sa kanila ng mga interludes, ang mistisismo ay pinagsama sa pagiging totoo, kabanalan - na may kalapastanganan.

Ang melodrama ay isang uri ng dula, isang dulang may matalas na intriga, labis na emosyonalidad, isang matalim na pagsalungat sa pagitan ng mabuti at masama, at isang moral at nakapagtuturo na ugali.

Ang Vaudeville ay isa sa mga uri ng drama, isang magaan na dula na may nakakaaliw na intriga, na may mga couplet na kanta at sayaw.

Ang Farce ay isang uri ng katutubong teatro at panitikan ng mga bansa sa Kanlurang Europa noong ika-14-16 na siglo, pangunahin ang France, na nakikilala sa pamamagitan ng isang komiks, madalas na satirical na oryentasyon, makatotohanang konkreto, malayang pag-iisip at puno ng buffoonery.

Sa pagitan ng lahat ng uri ng panitikan, at mayroong tatlo sa kanila - epiko, liriko at drama - maraming pagkakatulad. Una sa lahat, mayroon silang isang karaniwang paksa ng imahe - isang tao.

Ang panitikan - lahat ng genera nito - ay naiiba sa iba pang genera at anyo ng sining dahil mayroon itong tanging paraan ng representasyon - ang salita.

Ang pagiging malapit sa isa't isa ng lahat ng tatlong uri ng panitikan ay nakasalalay din sa katotohanan na ang bawat isa sa kanila, kumbaga, ay tumatagos sa isa't isa. Ang dula ay may bilang ng mga tampok ng epiko at liriko, ang mga liriko ay kadalasang may bilang ng mga tampok ng drama, ang epiko ay mayroon ding ilang mga tampok ng drama at liriko. Ito ay tungkol sa kung paano pangunahing inilalarawan ng isang gawa ng ganitong uri ng panitikan ang isang tao.

Alalahanin natin sandali ang mga natatanging katangian ng bawat isa sa mga genre ng panitikan.

Ang Epos ay isang sinaunang salitang Griyego. Ang ibig sabihin ay "awit". Ang epiko ay nagmula sa sinaunang panahon, kapag walang nakasulat na wika at kapag ang mga makasaysayang salaysay tungkol sa nakaraan, na kadalasang nauugnay sa mga pagsasamantala ng militar, ay napanatili sa memorya ng mga tao sa mga alamat, na naalaala sa mga kanta. Ang mga epikong kanta ng unang panahon, gayunpaman, ay alam din ang pag-ibig, trabaho, at maging ang mga tema ng palakasan.

Ang paksa ng paglalarawan ng epiko ay isa o ibang panahon ng panlipunang pag-unlad na puspos ng mahahalagang pangyayari.

Tulad ng sa lahat ng iba pang mga kaso - sa sining sa pangkalahatan at sa panitikan sa partikular - ang oras ay inilalarawan hindi sa abstract, ngunit sa pamamagitan ng mga bayani, sa pamamagitan ng isang tao.

Kaya, ang epiko ay naglalaman ng imahe ng panahon sa mga bayani. Alalahanin natin ang pinakasikat na epikong gawa sa ating panahon. Halimbawa, ang Sholokhov's Quiet Don. Walang magsasabi na ang gawaing ito ay nakatuon sa paglalarawan ni Grigory Melekhov, bagaman ito ay totoo. Si Grigory Melekhov at ang kanyang kapalaran ay nasa gitna ng kwento, ngunit ang gawain sa kabuuan ay naglalarawan ng isang panahon na puno ng mga kaganapan na napakahalaga - ang buhay bago ang digmaan ng hukbo ng Cossack Don, at ang Unang Digmaang Pandaigdig, at ang rebolusyon. Ang rebolusyonaryong Petrograd at Moscow, ang mga harapan ng digmaang sibil ay inilarawan. Ang bayani, kumbaga, ay dumadaan sa panahon, at ang panahon, kumbaga, ay dumaan sa kaluluwa ng bayani.

Kahit na ang maliliit na kwento o kwento sa pamamagitan ng mga tauhan ay nagpapakita ng larawan ng panahon kung saan sila nabubuhay. Alalahanin ang kuwento ni A. S. Pushkin na "The Captain's Daughter". Tila ang lahat ay sarado sa isang bayani, sa kwento ni Grinev. Ngunit sa pamamagitan nito, inihayag ang oras, ang panahon ng kilusang Pugachev.

Ang terminong "lyric" ay nagmula rin sa sinaunang salitang Griyego, mula sa pangalan ng instrumentong may kuwerdas na "lira". Ang mga liriko, sa kaibahan sa epiko, ay pangunahing lumilikha ng isang imahe ng panloob na estado ng isang tao, naglalarawan ng isang karanasan, bilang panuntunan, isang beses, na nararanasan ng isang tao sa sandaling ito.

Alalahanin ang tula ni M. Yu. Lermontov "Lumalabas akong mag-isa sa kalsada." Ito ay naglalarawan ng isang tiyak na estado ng pag-iisip, na kinikilala natin, dahil ang bawat isa sa atin, marahil, ay nakaranas ng isang katulad na pilosopikal na kalooban, na, kumbaga, isa sa isa sa malawak na mundo ng uniberso. Ang isang mahusay na makata ay mahusay sa na siya ay naglalaman at maaaring ipahayag ang mga mood na katangian at naiintindihan ng maraming tao.

Kung paanong ang epiko ay hindi walang mga elemento ng liriko, pilosopikal na pagmumuni-muni ng kaluluwa, mga personal na karanasan, kaya ang mga liriko ay hindi wala sa mga elemento ng epiko, mga paglalarawan ng kapaligiran ng tao, kalikasan.

Malaki ang pagkakatulad ng drama sa parehong epiko at lyrics. Ang drama, tulad ng epiko, ay naglalarawan ng isang tao sa isang partikular na panahon, ay lumilikha ng larawan ng panahon. Ngunit sa parehong oras, ang drama ay may makabuluhang pagkakaiba mula sa epiko at sa sarili nitong mga tiyak na tampok. Una, ang drama ay karaniwang wala sa pananalita ng tagapagsalaysay, mga katangian ng may-akda, mga komento ng may-akda, mga larawan ng may-akda. Alam ng panuntunang ito ang mga kilalang exception. Halimbawa, sa modernong dramaturgy, mas madalas na lumilitaw ang isang tao mula sa may-akda - ang pinuno, na kumukuha ng komentaryo ng may-akda sa mga kaganapan, paglalarawan ng mga karakter, kung saan tinutukoy ng pinuno ang istraktura ng komposisyon. Ang pamamaraang ito ay ginamit ng may-akda ng mga linyang ito. Sa dulang "Truth! Walang iba kundi ang katotohanan!!" Tinutukoy ng host ang buong kurso ng aksyon, komposisyon, nagsasalita sa ngalan ng may-akda, mga komento. Sa ganitong mga kaso, mayroon tayong kapitbahayan ng dramatikong aksyon, dramaturhiya, at epiko (prose) na mga elemento na magkakasamang nabubuhay ngunit hindi naghahalo. Sa wika ng kimika, hindi ito isang "solusyon", ngunit isang "suspensyon".

Kung ang pinuno ay sumasakop sa isang malaking lugar sa isang dramaturgic na gawain na ang pangunahing atensyon ng manonood ay lumipat sa kanya, ang dramatikong komposisyon ay babagsak.

Ang dramaturgy, tulad ng epiko, ay naglalarawan ng makasaysayang at kontemporaryong mga kaganapan na nagaganap sa isang partikular na pamayanang panlipunan. Ngunit ang paksa ng dramaturhiya ay palaging kongkreto. Ang isang dramatikong gawain ay lumilikha ng isang imahe ng isang tiyak na salungatan sa lipunan. Siyempre, ang imahe ng panlipunang salungatan ay namamalagi din sa puso ng mga epikong gawa, sa puso ng, halimbawa, ng anumang modernong nobela. Gayunpaman, ang salungatan sa isang dramaturgical na gawain ay binuo ng may-akda sa isang panimula na naiibang batayan. Ito ay tungkol sa kaugnayan sa pagitan ng mga aksyon ng mga karakter at ang paggalaw ng tunggalian.

Bumaling muli tayo sa Tahimik na Don. Ang bayani ng nobela - si Grigory Melekhov - ay isang hindi pangkaraniwang aktibong tao. Siya ay isang bayani ng digmaan sa harap ng Russian-German. Nakikipaglaban siya sa mga puti laban sa mga pula. Isa siyang pulang pinuno. Siya ay aktibong kalahok sa kontra-rebolusyonaryong pag-aalsa ng Cossack. Siya ay "berde" - isang miyembro ng isang anti-Soviet gang. Gayon man, gayunpaman, siya ay nagmamadali mula sa isang palaban patungo sa isa pa, ang kinalabasan ng panlipunang tunggalian na inilalarawan sa nobela - ang digmaang sibil - ay hindi nakasalalay sa kanya. Ang salungatan na inilalarawan ng may-akda sa epikong akda ay, kaugnay ng bayani, isang layunin na tauhan. Ang pinakamataas na kaya ng isang bayani ay upang matukoy ang kanyang personal na lugar, ang kanyang kapalaran sa whirlpool ng mga kaganapan. Oo, at dito siya ay hindi ganap na malaya.

Sa isang dramatikong akda, ang tunggalian ay binuo mula simula hanggang wakas bilang ang paglikha ng mga tauhan mismo. Sinisimulan nila, pinangunahan, at tapusin. Ang kinalabasan ng itinatanghal na tunggalian ay ganap na nakasalalay sa pag-uugali, sa paraan ng pag-iisip at pagkilos ng bayani. Ang isang panlipunang salungatan sa anumang sukat, sabihin, ang parehong digmaang sibil, ay ipinahayag sa isang dramatikong gawain sa pamamagitan ng pagmuni-muni sa isang "patak ng tubig" - sa pag-aaway na ito ng mga bayani, ang simula, kurso at kinalabasan na sinusundan ng manonood.

Ang dula ni K. A. Trenev na "Love Yarovaya" ay hindi nagbibigay, at hindi makapagbibigay, ng panorama ng digmaang sibil. Sa loob nito, gamit ang halimbawa ng salungatan ng tao na ito - si Lyubov Yarovaya at ang kanyang asawa - ang White Guard na tinyente na si Yarovoy - ang playwright sa isang "maliit" na espasyo, sa isang dula na idinisenyo para sa tatlong oras na pagkakatawang-tao sa entablado, ay nagpapakita ng napakalalim na lalim ng panlipunan. split, na naglagay kahit na ang mga mahal sa buhay, kahit na ang mga taong nagmamahalan sa bawat isa sa iba't ibang panig ng mga barikada.

Kakulangan ng pag-unawa sa pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng pagbuo ng epiko at dramaturgical na salungatan, ang pangangailangang isalin ang epikong salungatan sa isang dramaturgical kapag ang pagtatanghal o pagpapalabas ng isang epikong akda (nobela o maikling kuwento) ang pangunahing dahilan ng pagkabigo ng isang numero. ng mga pagtatanghal ng dula at mga adaptasyon sa screen.

Maraming mga may-akda ang nagkakamali sa paniniwalang ang anumang banggaan, kabilang ang mga hindi panlipunan, halimbawa, isang banggaan ng tao sa mga natural na phenomena, halimbawa, sa isang rumaragasang karagatan, ay maaaring maging paksa ng dramaturhiya. Hindi ito nangangahulugan na walang mga dramatikong gawa kung saan ang matinding mga salungatan sa lipunan ay lumaganap sa isang kapaligiran ng mga natural na sakuna. Ngunit ang kakanyahan ng naturang gawain ay upang ipakita kung paano kumilos ang mga tao sa isa't isa sa matinding mga kondisyon. Ang isang natural na sakuna, anumang kaso ng pakikibaka sa mga natural na phenomena ay gumaganap ng papel ng mga pangyayari kung saan ang isang banggaan ay nangyayari sa pagitan ng mga tao sa isang dramatikong gawain. Hindi ito dapat maging isang partido sa itinatanghal na tunggalian.

Isang tampok ng dramaturgy, ang organic na pag-aari nito ay ang pagiging totoo ng imahe. Ang tanong ay maaaring lumitaw: hindi ba tayo nakakakita ng mga kamangha-manghang o fairy-tale plot sa entablado? Hindi ba't mga fairy-tale heroes, fictional heroes, gumaganap sa mga gawa ng drama? Hindi ba may kondisyon ang palamuti? Hindi ba't mabilis ang daloy ng yugto ng oras?

Pinag-uusapan natin ang makatotohanang batayan ng imahe, tungkol sa pagiging totoo ng mga relasyon ng tao, na dapat sumasailalim sa anumang dramatikong gawain. Sa entablado, halimbawa, sa isang teatro ng mga bata, ang pakikipag-usap sa mga hares at bear ay maaaring ilarawan, bukod dito, sa pinaka-hindi pangkaraniwang relasyon para sa mga tunay na hares at bear. Ngunit ito ay magiging kawili-wili sa isang tao, kabilang ang isang maliit, sa lawak na ang mga hares at bear na ito ay maglalarawan ng mga relasyon ng tao.

Ang mga pabula ay binuo sa parehong pamamaraan. Krylov's quartet ay isang asno, isang kambing, isang unggoy at isang clumsy bear. Ang paksa ng satirical na paglalarawan ng pabula, gayunpaman, ay ang saloobin na katangian ng ilang mga tao sa kanilang mga kakayahan - mga pagtatangka na magnegosyo nang higit sa kanilang mga lakas at kakayahan.

Ang batayan ng isang dramatikong gawain ay palaging isang ganap na totoong sitwasyon ng tao. Ito ay mahalaga dahil ang isang taong darating sa teatro ay dapat makiramay sa mga nangyayari sa entablado. At maaari ka lamang makiramay sa mga nakikilala, sa totoo. Samakatuwid, ang pagkilala, at samakatuwid ang katotohanan ng mga relasyon ng tao na inilalarawan sa pagganap, ay isang ganap na ipinag-uutos na kinakailangan ng dramaturhiya.

Para sa dramaturgy, bilang isang ari-arian, ang modernity ay obligado. Masasabi natin - kung ano ang hindi moderno, pagkatapos ay sa entablado at hindi masining.

Ang pagiging moderno ng gawain ay hindi talaga katumbas ng kronolohikal, modernidad ng kalendaryo. Kahit na ang mga modernong kasuotan, o ang modernong jargon, o kahit na ang indikasyon ng isang modernong petsa ay hindi ginagawang moderno ang isang dula. At, sa kabaligtaran, ang mga gawa na nakatuon sa makasaysayang mga paksa, malayo sa ating panahon, ay maaaring maging medyo moderno.

Pinag-uusapan natin ang pagiging moderno ng mga problema kung saan nakatuon ang gawain. Muli, maaari kang makiramay sa teatro lamang sa mga buhay, sa kung ano ang nabubuhay ngayon. Imposibleng makiramay sa mga patay. Samakatuwid, ang manonood ay masasabik, mapipilitang makiramay lamang sa kung ano ang naroroon sa kanyang buhay ngayon. Mula sa puntong ito, ang isang makasaysayang dula ay maaaring maging medyo moderno.

Nang isinulat ni Pushkin ang "Boris Godunov", ang problema - ang mga tao at ang tsar, ang mga tao at ang mga awtoridad ay napaka-kaugnay. Siyempre, hindi niya ito malulutas sa materyal ng pag-aalsa noong Disyembre 14, 1825, kapanahon sa kanya.

Ang "Boris Godunov" ay hindi nakita ang entablado sa oras nito, ang gawaing ito na nakatuon sa mga kaganapan sa huling bahagi ng ika-16 - unang bahagi ng ika-17 na siglo ay may kaugnayan. Maraming ganyang halimbawa.

Kaya, para sa dula, isang salungatan batay sa mga kontemporaryong problema ay obligado. Hindi ito isinaalang-alang noong panahong iyon ng tinatawag na teoryang walang salungatan, na iginiit na dahil ang mga antagonistikong uri ay inalis na sa ating bansa at walang mga hindi mapagkakasunduang kontradiksyon ng uri, dapat ay walang mga panlipunang tunggalian sa dramaturhiya ng Sobyet. Ang teoryang ito ay matagal nang nabuhay, ngunit ang mga pag-ulit nito sa pagsasagawa ng dramaturhiya ay nahaharap sa anyo ng walang problemang kalikasan ng ilang mga gawa.

Mayroong ilang uri ng salungatan, siyempre, sa bawat dula. Nangyayari na may problema sa isang akda, ngunit ito ay "tawag", kahapon, nalutas na ng lipunan o lubusang isiniwalat sa mga nakaraang akda. Ang mga ganitong isyu ay hindi rin makakainteres sa manonood, hayaan siyang malamig.

Ang mga gawang dula ay dapat may kahalagahang panlipunan. Maaari lamang silang laruin nang sama-sama. Ang isang tula ay maaaring umiral kahit na walang rekord, sa ulo ng isang makata na maaaring basahin ito sa madla mula sa memorya at sa gayon ay ihatid ang kanyang gawa sa mga tao. Upang maabot ng gawain ng drama ang manonood, isang buong pangkat ng teatro, sinehan o studio sa telebisyon ang kasama sa gawain. Dose-dosenang at kung minsan ay daan-daang tao ang nagtatrabaho sa loob ng maraming linggo o buwan upang kopyahin ang gawaing ito, upang bigyan ito ng buhay. Upang bigyang-buhay ang gawain ng gayong malaking pangkat, ang may-akda ay dapat lumikha ng isang akda na may sapat na pangkalahatang kahalagahan. Sa kabilang banda, ang isang gawain ng dramaturhiya ay ginaganap para sa malalaking grupo ng mga manonood at pinaghihinalaang sama-sama. Salamat sa telebisyon, ngayon sampu-sampung milyong tao ang nanonood ng isang dula nang sabay-sabay. Ito ay nagpapataw sa manunulat ng dula ng isang napakalaking responsibilidad para sa ideolohikal at masining na kahalagahan ng kanyang gawain.

Ang dramaturgy ay may karaniwang gawain sa lahat ng sining, kasama ang lahat ng panitikan - isang epektong pang-edukasyon sa isang tao sa pamamagitan ng emosyonal na pagkabigla. Minsan ito ay nagiging isang mas makapangyarihang paraan kaysa sa direktang paghahatid ng isang naibigay na kaisipan dito.

Sinabi ni Marx na sa lahat ng mga kuta, ang pinaka hindi magugupo ay ang bungo ng tao. Upang "masira sa" kuta na ito, maraming mga paraan. Nagsisilbi rin ang sining sa layuning ito. Ang dramaturgy sa tulong ng mga paraan ng pagpaparami - teatro, telebisyon - ay isa sa pinakamalakas na paraan ng pag-impluwensya sa isang tao. Ngunit ang pag-master ng isip ng tao, ang mga emosyon ng tao ay posible lamang kung ang artistikong kapangyarihan ng akda ay sapat para dito.

Para sa isang mas mahusay na pag-unawa sa tiyak na mekanismo ng epekto ng isang dramatikong akda sa perceiving consciousness, sa manonood, bumalik tayo sandali sa prosa at tula, sa epiko at lyrics.

Ang prinsipyo ng impluwensya ng mga gawa ng prosa at tula sa isang tao ay maaaring kondisyon na tinatawag na "pamamaraan ng keyboard". Tinutugunan ng may-akda ng isang prosa o poetic na gawain ang indibidwal na karanasan ng mambabasa, "pinipindot" ang isang tiyak na "susi" sa utak ng mambabasa, na tumatawag sa isang tiyak na larawan batay sa kanyang sariling karanasan sa buhay. Sinabi ni Goethe: "Kung sino ako, ako lang ang nakakaalam." Masasabi, sa bahagyang pagbabago ng kaisipang ito: kung ano ang nakikita ko kapag nagbabasa ng libro, nakikita ko lamang ang sarili ko. Hindi mangyayari na ang dalawang tao na nagbabasa ng parehong pahina, isang paglalarawan ng parehong kaganapan o karakter, ay nakikita ang parehong bagay. Ang bawat tao'y gagawa ng kanilang sariling imahe. Kung mas mahuhusay ang manunulat, mas magiging sapat ang lahat ng magkakaibang larawang ito sa isipan ng iba't ibang tao, mas magiging malapit ang mga larawang ito sa nais ipakita ng may-akda. Kunin natin bilang halimbawa ang mga linya mula sa tula ni Vadim Shefner na "Forest Fire".

At sa umaga ang hangin ay nagpakalat ng mga ambon

At ang namamatay na apoy ay nabuhay,

At, pagbuhos ng sparks, sa gitna ng clearing

Nagkalat ang pulang basahan.

At ang kagubatan ay umugong mula sa isang nagniningas na blizzard,

Ang mga puno ng kahoy ay nahulog na may yelo,

At tulad ng mga snowflake, lumipad mula sa kanila ang mga spark

Sa itaas ng mga kulay abong drifts ng abo.

Mukhang konektado ang hindi konektado. Ang mga spark ay inihambing sa mga snowflake. Ngunit ito lamang ay nagbibigay-daan sa iyo upang makita ang larawan ng maraming lumilipad na spark na mas maliwanag at mas mahusay. Ang "crimson tatters" ay isang matingkad na imahe. Ngunit ang bawat isa sa mga nagbabasa ng mga linyang ito ay makikita sa iba't ibang paraan. Ang isa sa kanan ay magkakaroon ng mas mataas na pagtaas ng apoy, ang isa sa kaliwa, ang pangatlo ay magkakaroon ng mas madilim na "pula", ang ikaapat ay magiging mas magaan ...

Minsan ang makata ay umaasa sa tulong ng imahinasyon ng mambabasa sa mas malaking lawak. Alalahanin natin kung ano ang nilikha ng isang kumplikadong imahe ni Mayakovsky sa kanyang sikat na mga tula:

Paglalahad ng parada

aking mga pahina ng hukbo,

Naglalakad ako

kasama ang linya sa harap

Ang mga tula ay nagkakahalaga

matigas ang tingga,

handa sa kamatayan

at walang kamatayang kaluwalhatian.

Ang mga tula ay nagyelo

pagpindot sa vent sa vent

naka-target

nakanganga na mga pamagat.

paborito

nagmamadali sa boom

matalinong kabalyero,

pagtataas ng mga tula

honed peaks

Inihambing ng may-akda ang tula sa isang hukbo. Dapat nating isipin kung paano nakatayo ang mga kanyon, na pinindot ang "sa nguso ... ang sangkal", isipin ang mga kabalyero na may matalas na mga taluktok. Mula sa ideyang ito, dapat tayong bumalik sa ideya ng tula, ng kanilang malinaw na organisasyon, ng tula, ng ritmo ... Ang pang-unawa ay dapat gumawa ng isang mahirap na trabaho. Nang magawa ito, nakuha namin ang imahe, ang katangian na nais ni Mayakovsky na ibigay sa kanyang trabaho.

Ang tuluyan ay naiimpluwensyahan din tayo ng "pamamaraan ng keyboard". Binibigyan tayo ng may-akda ng isang paglalarawan at bawat isa sa atin, na nagpapakilos sa ating karanasan, ay gumuhit ng ating sariling natatanging imahe. Kunin, halimbawa, ang sikat na maikling kuwento ni Chekhov na "Vanka". Ganito naisip ni Vanka Zhukov ang kanyang lolo na si Konstantin Makarych: "Ito ay isang maliit, payat, ngunit hindi pangkaraniwang maliksi at maliksi na matandang lalaki, mga animnapu't limang taong gulang, na may walang hanggang mukha na tumatawa at lasing na mga mata ..."

Nakikita ng mambabasa ang lolo na ito, lasing, tumatawa ... Gayunpaman, makikita ng bawat mambabasa dito ang ilang uri ng "kanyang" lolo. At ang mambabasa ay bubuo ng kanyang imahe mula sa maraming mga lolo na nakilala niya sa kanyang buhay.

Hindi tulad ng prosa at tula, na nakakaimpluwensya sa perceiving consciousness sa pamamagitan ng pagsasama ng sarili nitong karanasan sa akda, kabilang ang kamalayan ng mambabasa sa antas ng isang co-author, ang isang dramatikong akda ay idinisenyo para sa ibang mekanismo ng impluwensya. Nakakaapekto ito sa perceiving consciousness ayon sa mga prinsipyo ng epekto ng buhay mismo, ang kapaligiran. Naaapektuhan nito ang mga sensasyon, ang mga reflexes, ang damdamin ng manonood.

Ang isang dramatikong gawain ay nakakumbinsi sa manonood na may empatiya. Mula sa puntong ito ng view, ang pinaka "masunurin", ang pinakamahusay na manonood ay mga bata. Para sa kanila, ang epekto ng empatiya, co-presence, na parang sa isang tunay na kaganapan, ay umaabot sa ganap.

Kapag lumitaw ang mga kaaway na pwersa sa entablado na nagbabanta sa mabubuting bayani, halimbawa, pagbabanta ni Barmaley kina Vanechka at Tanechka, o isang masamang lobo na gustong kumain ng Little Red Riding Hood, ang bulwagan ng mga bata ay tumutugon dito tungkol sa ganap na totoong mga kaganapan. Ang mga bata ay sumisigaw, nagbabala sa mabubuting bayani na iligtas ang kanilang sarili at itago.

Para sa isang "nagsisimula" na tao, ang buong mundo ay lilitaw na ganap na bago, para sa kanya ang lahat ay pantay na hindi inaasahan at pantay na kapani-paniwala. Para sa kanya, wala pa ring pinagkaiba ang totoong kaganapan sa mga nakikita niya sa entablado. Naiintindihan ng isang may sapat na gulang na manonood na ang buhay ay isang bagay, at ang entablado ay iba. Para ma-excite siya, mabigla siya, para makiramay siya sa mga nangyayari sa entablado, kailangan ng strong means. Bukod dito, kinakailangan upang makamit ang kolektibong empatiya. Kung ang lahat ay nagbabasa ng isang libro nang mag-isa, kung gayon sa auditorium ay dapat magkaroon ng isang karaniwang emosyonal na reaksyon sa kung ano ang nangyayari. Ang bulwagan ay sabay-sabay na sumabog sa malakas na pagtawa, o sa parehong oras ay nagyeyelo sa sandali ng pag-igting ng aksyon.

May kondisyong termino - "spectator belt". Nangangahulugan ito na, kumbaga, lahat ng naroroon sa auditorium ay sakop ng isang sinturon. Ang mga psychophysiological na batayan para sa paglitaw ng kolektibong empatiya ay hindi pa sapat na pinag-aralan.

Upang lumikha ng isang kolektibong pang-unawa, isang kolektibong atensyon, isang kolektibong interes, isang kolektibong pagnanasa, isang kolektibong pagkabigla, maging ito ay masayang-maingay, maging ito ay trahedya, siyempre, ay hindi madali. Ang manonood ay dumarating sa auditorium na nalubog sa kanilang sariling mga gawain. May nag-iisip tungkol sa trabaho, may nag-iisip tungkol sa pamilya, may nasasabik tungkol sa isang aksidente sa transportasyon habang papunta sa teatro. Ang isang buong bulwagan bago magsimula ang pagtatanghal ay hindi pa isang madla, ito ay isang "korum", ang kabuuan ng mga yunit, ang kabuuan ng mga indibidwal, na ang bawat isa ay nabubuhay sa kung ano ang dala niya rito. Ang panahon ng gayong simpleng pagtitipon ng mga manonood ay tinatawag na pre-communication. Ang pangkalahatang komunikasyon sa bulwagan ay hindi pa lumilitaw. Pagkatapos ng pagtatanghal, maaari ding obserbahan ang tinatawag na post-communication period, kapag natapos na ang pagtatanghal, at hindi naghiwa-hiwalay ang mga manonood. May mga pagkakataon na ang auditorium ay nagkakaisang tahimik nang ilang oras, at pagkatapos lamang ng isang paghinto ay biglang sumambulat sa palakpakan. Ang impresyon mula sa pagtatanghal ay napakalakas na ang mga manonood ay hindi agad makaalis sa estado ng empatiya sa kung ano ang nangyayari sa entablado.

Ngunit kami ay interesado sa kung ano ang nasa pagitan ng mga panahon bago at pagkatapos ng komunikasyon, ang oras ng direktang komunikasyon ng bulwagan sa entablado, kapag naobserbahan namin ang direktang koneksyon ng entablado sa auditorium at ang feedback. Ang auditorium naman ay nakakaapekto sa entablado. Ang mga gumaganap ay malakas na apektado, halimbawa, sa pamamagitan ng kawalan ng laman sa bulwagan. Ang isang maliit na bilang ng mga manonood, at kahit na nakakalat sa paligid ng bulwagan, ay hindi lilikha ng isang "belt" ng manonood, isang pinag-isang reaksyon.

Alam ng mga aktor na mayroong isang "mabigat na bulwagan", isang madla na mahirap iling, upang isama sa komunikasyon Stage - Hall, dahil ang Hall - Stage komunikasyon ay hindi gumagana.

Sa isang pagkakataon, sa paunang salita sa Faust, nagreklamo si Goethe tungkol sa kahirapan ng pag-impluwensya sa publiko:

“Sino ang audience mo, pwede ba kitang tanungin?

May lumapit sa amin para i-satisfy ang inip.

Ang isa naman, mas pinipigilan ang kanyang tiyan, ay pumupunta rito para magdigest ng hapunan.

At ang pangatlo, na marahil ang pinakamasama para sa atin,

Dumarating siya upang hatulan tayo sa pamamagitan ng mga alingawngaw mula sa mga pahayagan.

Kaya, sa auditorium, ang isang gawa ng drama ay dapat na pukawin ang sama-samang empatiya. Kasabay nito, mahalagang bigyang-diin na pinag-uusapan natin ang malalim na empatiya, na may maraming mga kakulay. Ang empatiya ng manonood at ang empatiya ng "tagahanga" sa istadyum ay malayo sa parehong bagay. Ang fan ay naka-program para sa isang pare-parehong karanasan. Siya ay nagmamalasakit sa bilang ng mga layunin. Ang kanyang karanasan ay one-dimensional, isang pakiramdam ng kaguluhan.

Ang manonood sa isang kahulugan lamang ay matatawag na "fan". Siya ay palaging isang "tagahanga" ng pangkat ng mabuti, na umiiskor ng "mga layunin" laban sa mga pintuan ng kasamaan.

Sa anong mga paraan, partikular, ang playwright, sa tulong ng teatro, ay nakakamit ang epekto ng co-presence at empathy, emosyonal na pagkabigla? Lumilikha siya ng isang modelo, isang gumaganang modelo ng mga relasyon ng tao. Binibigyang-diin ko, ito ang modelo ng relasyon ng tao. Ito ay hindi kinakailangang isang modelo ng isang totoong sitwasyon sa buhay, dahil ang mga kamangha-manghang bayani, mystical na bayani, demonyo, at mangkukulam ay maaaring kumilos sa entablado, ang mga hayop ay maaaring magsalita, ang isang fairy-tale na sitwasyon ay maaaring i-play out.

Ang gawain ng playwright ay dapat na potensyal na naglalaman ng epekto ng empatiya, ang kaguluhan ng manonood, na babangon mamaya, sa sandali ng pagganap ng akda. At kung lapitan natin kung ano ang sinabi mula sa punto ng view ng dramatikong kasanayan, ang manunulat ng dula, kumbaga, ay isinusulat ang kanyang trabaho mula sa isang hinaharap, haka-haka na pagganap. Kung sa sandali ng paggawa sa isang dula ay hindi niya nakikita ang kanyang isinulat sa entablado, hindi nauunawaan kung paano ilalagay ang kanyang isinulat, hindi siya makakasulat ng isang dramatikong gawain. Kaya, sa likas na katangian ng kanyang trabaho, ang manunulat ng dula ay dapat na isang direktor - ang unang direktor ng kanyang trabaho.

Kaya, ang gawain ng manunulat ng dula ay magbigay ng empatiya, emosyonal na kaguluhan, pagkabigla sa manonood sa hinaharap na pagganap ayon sa mga prinsipyo kung saan ang isang tao ay apektado ng mga kaganapan sa totoong buhay.

Naturally, maraming mga pagkakataon upang makamit ito, at walang dramaturgical na gawain ang dapat na katulad ng isa pa, ang bawat isa ay dapat magkaroon ng sarili nitong artistikong kapangyarihan.

Gayunpaman, maaari nating pangalanan ang ilang mga pangunahing kondisyon kung wala ang empatiya ay hindi lilitaw. Una sa lahat, ang pagkilala sa mga nangyayari. Eksakto sa kahulugan ng realidad ng mga relasyon ng tao mismo. Pangalawa. Interes ng manonood sa mga nangyayari. "Ang isang hindi kawili-wiling dula ay isang sementeryo ng mga ideya, kaisipan at mga imahe," isinulat ni A. N. Tolstoy.

Ang interes ay isang malawak na konsepto. Upang maging interesado ang manonood, dapat mayroong isang bagay na nakabatay sa mga kontemporaryong isyu, talamak sa mga tuntunin ng mga isyu, at sa wakas, simpleng kawili-wili mula sa punto ng view ng pagkahumaling. Sa isang pagkakataon, pinayuhan ni Stanislavsky: una upang maakit, at pagkatapos ay magbigay ng inspirasyon sa ideya.

Sa wakas, ang pinakamahalagang kondisyon para magkaroon ng artistikong epekto ang isang gawa ng drama ay ang paglikha ng isang holistic na larawan, isang holistic na imahe ng kaganapan. Kung sa isang epikong gawa, sabihin nating, sa isang nobela, ang isang imahe ng isang kapanahunan, isang imahe ng oras, ay nilikha, tulad ng sinasabi natin, kung gayon ang pansamantalang imaheng ito ay maaaring umiral nang walang pagkakumpleto ng balangkas. Maraming mga may-akda ng mahusay na mga epikong gawa ang paulit-ulit na nagsalita tungkol dito. Halimbawa, si Cervantes, na nagsisimulang magsulat ng "Don Quixote", ay inisip ito nang mas maikli, at pagkatapos, habang isinulat niya, isinama ng may-akda ang higit pa at higit pang mga bagong kaganapan. Ang nobela, gaya ng sinabi ni Cervantes, ay humiwalay na parang isang mapapalawig na mesa.

Nagpatotoo si Goethe na noong sinimulan niyang isulat ang kanyang nobelang The Sorrows of Young Werther, hindi niya alam noong una na magpapakamatay si Werther. Ang lohika ng mga pangyayari, ang lohika ng kilusan mismo, ang pag-unlad ng bayani, ang kanyang karakter ay humantong sa katotohanan na nakita ng may-akda ang tanging wakas kung saan dapat dumating ang bayani.

Sa lyrics, kung saan ang isang imahe ng isang mood, isang imahe ng isang estado ay nilikha, at higit pa, ang isang ipinag-uutos na pagkumpleto ng balangkas ay hindi kinakailangan.

Ang drama ay lumilikha ng isang imahe ng isang kaganapan sa salungatan, isang imahe ng isang social clash. Ang larawang ito ay dapat mayroong tatlong mandatoryong elemento na tumutukoy sa integridad nito. Una sa lahat, kailangang ipaliwanag kung ano ang nangyayari, saan, bakit at bakit nangyari ang banggaan. Kung wala ito, hindi ito magiging malinaw. Ito ay kinakailangan upang ipakita ang pag-unlad ng banggaan, ang kakanyahan nito. At, sa wakas, kinakailangan upang ipakita kung ano ang humantong sa pag-unlad na ito.

Ang "Ano ang humantong sa" ay hindi katumbas ng konsepto ng "kung paano ito natapos." Anumang kaganapan sa buhay, at higit pa sa ilalim ng panulat ng may-akda, ay maaaring magwakas nang hindi sinasadya, at hindi bilang resulta ng pag-unlad na ito, hindi bilang resulta ng pakikibaka ng mga kontradiksyon na nagpakita ng kanilang mga sarili sa labanang ito.

Ang paglikha ng isang holistic na imahe ng kaganapan ay isang ipinag-uutos na artistikong kinakailangan para sa isang gawa ng dramaturhiya. Ang kasaysayan ng dramaturgy ay nagpapakita na sa lahat ng mga kaso kapag ang integridad na ito ay nilabag, ang gawain ay mas mahina kaysa sa maaaring mangyari, at kung minsan ay hindi pare-pareho.

Masasabing nasa puso ng bawat gawain ng dula ang isang pundamental na pamamaraan na binubuo ng tatlong elementong ito: ang simula ng pakikibaka, ang takbo ng pakikibaka at ang resulta ng pakikibaka.

Hindi mo dapat simulan ang isang dula nang hindi mo alam kung paano ito magtatapos. Ang katapusan ng akda ay dapat na malinaw sa may-akda sa intensyon. Ang isang malinaw na pag-unawa sa katapusan ng kanyang akda ay isang pag-unawa sa kung bakit isinagawa ng may-akda ang kanyang gawain.

Ang kilalang direktor ng Sobyet at theater theorist na si N.P. Akimov ay umalis sa kanyang mga libro at sa memorya ng mga taong nagtrabaho sa kanya ng isang bilang ng mga kahanga-hangang kaisipan na ipinahayag sa aphoristic na anyo. Napakahusay niyang tinasa ang kababalaghan na pinag-uusapan: "Nakakita at nakabasa ako ng maraming masasamang dula," sabi niya, "ngunit sa mga ito ay wala akong natatandaan na magsisimula nang masama." Sa katunayan, halos lahat ng masamang dula ay nagsisimulang kawili-wili. Ang may-akda ay nakaisip o nag-espiya sa isang talagang kawili-wiling episode, ngunit hindi niya alam kung ano ang susunod na gagawin dito. Samantala, ang isang katotohanan ng buhay, bilang isang patakaran, ay nagiging isang katotohanan ng dramaturgy lamang kung ito ay inilagay sa isang tiyak na dramatikong istraktura, iyon ay, ito ay ginagamit sa loob ng balangkas ng pag-unlad ng isang panlipunang salungatan, na nagpapakita ng simula ng pakikibaka. , ang takbo ng pakikibaka, ang resulta ng pakikibaka.

Ang isa at ang parehong katotohanan, na ginagamit ng isang manunulat ng dula, ay maaaring bumuo sa paligid ng kanyang sarili na ganap na magkakaibang mga gawa, hindi lamang sa balangkas, kundi pati na rin sa genre, depende sa lugar na sinasakop nito sa istraktura ng akda. Halimbawa, ang katotohanan - ang desisyon ng mag-asawa na hiwalayan, na inilagay sa simula ng dula, ay nakabubuo ng isang komedya na may masayang pagtatapos - isang masayang pagkakasundo. Ang parehong katotohanan - ang desisyon ng mga mag-asawa na diborsiyo, na inilagay sa pangwakas, ay hindi angkop para sa pagkumpleto ng comedic development at nagmumungkahi ng drama.

Sa madaling salita, ang katotohanang inilalarawan sa isang dramatikong akda ay isang elemento lamang ng isang masining na istruktura - isang dramatikong komposisyon na dapat likhain ng may-akda.

Diksyunaryo ng Drama.

Drama(drama / Griyego / - aksyon) - isa sa tatlong uri ng panitikan, kasama ang mga liriko at epiko, na isinulat sa isang diyalogong anyo at nilayon para sa pagpapatupad ng entablado. Ang drama ay nabibilang sa parehong teatro at panitikan; bilang pangunahing prinsipyo ng pagganap, ito ay sabay-sabay na nakikita sa pagbabasa. Ang drama ay nabuo batay sa ebolusyon ng pagtatanghal sa teatro: ang pagsulong ng mga aktor, pagsasama ng pantomime sa pasalitang salita, ay minarkahan ang paglitaw nito bilang isang uri ng panitikan. Ang drama ay inilaan para sa kolektibong pang-unawa, samakatuwid ito ay may posibilidad na ang pinaka-talamak na mga problema sa lipunan, ang batayan nito ay sosyo-historikal na mga kontradiksyon, walang hanggan, unibersal na mga antinomiya. Ang drama ay pinangungunahan ng drama - isang pag-aari ng espiritu ng tao, na nagising ng mga sitwasyon kung saan ang itinatangi o mahalaga para sa isang tao ay nananatiling hindi natutupad o nasa ilalim ng pagbabanta. Ang drama ay karaniwang binuo sa isang panlabas (o panloob) na aksyon na may mga tagumpay at kabiguan na nauugnay sa direkta o panloob na paghaharap sa pagitan ng mga karakter. ang oras ay tumutugma sa oras ng persepsyon (artistic). Sa drama, ang mga pahayag ng mga tauhan, na nagpapahiwatig ng kanilang mga kusang aksyon at aktibong pagsisiwalat ng sarili ng mga karakter, ay napakahalaga. Ang pagsasalaysay (ang pagpapakilala ng boses ng may-akda sa dula, ang mga mensahe ng mga mensahero, ang mga kuwento ng mga tauhan tungkol sa nangyari kanina) ay subordinate, kung hindi man ganap na wala. Ang mga salitang binigkas ng mga tauhan ay bumubuo ng isang solidong linya sa dula, na kinukumpirma ng mga aksyon. Bidirectional ang talumpati sa dula: ang tauhan ay pumasok sa isang diyalogo kasama ang iba pang mga tauhan (dialogic speech) o umaakit sa manonood (monologue speech). Ang talumpati sa isang drama ay idinisenyo upang maihatid sa isang malawak na espasyo sa teatro, na idinisenyo para sa isang mass effect, puno ng theatricality, i.e. isang tiyak na uri ng kombensiyon. AS Pushkin, halimbawa, ay naniniwala na sa lahat ng mga uri ng komposisyon, "ang mga dramatikong gawa ay ang pinaka-hindi kapani-paniwala." Bagaman ang makasagisag na sistema ng drama ay palaging pinangungunahan ng mga katangian ng pagsasalita, ang teksto nito ay nakatuon sa kamangha-manghang pagpapahayag at sa mga posibilidad ng teknolohiya sa entablado. , samakatuwid ang isa sa pinakamahalagang katangian ng drama ay ang kanyang presensya sa entablado.

Aksyon (drama)- ang mga aksyon ng mga karakter sa kanilang relasyon, na bumubuo sa pinakamahalagang bahagi ng dramatikong balangkas. Ang mga yunit ng aksyon ay mga pahayag, galaw, kilos, gayahin ang mga kilos ng mga tauhan na nagpapahayag ng kanilang mga damdamin, pagnanasa at intensyon. Ang aksyon ay maaaring panlabas, batay sa mga pagtaas at pagbaba (halimbawa, sa W. Shakespeare o J.-B. Molière), at panloob, kung saan ang mga pagbabago ay ginagawa sa isip ng mga karakter na may panlabas na kaganapan (halimbawa, sa A. Chekhov). Ang panlabas na pagkilos ay nagpapakita ng sarili, bilang isang panuntunan, upang buksan ang mga salungatan, mga paghaharap sa pagitan ng mga bayani o kanilang mga posisyon sa buhay, na lumitaw, lumalaki at nalutas sa loob ng balangkas ng mga itinatanghal na kaganapan. Ang panloob na pagkilos ay sumasalamin sa imanent, matatag, hindi malulutas na mga salungatan sa loob ng balangkas ng isang gawain. Ang mga aksyon ng mga karakter ay magkakaugnay, na siyang pagkakaisa ng aksyon, na (nagsisimula sa "Poetics") ni Aristotle ay itinuturing pa rin na pamantayan ng dramatikong pagbuo ng balangkas.

Salungatan (conflictus / lat. / - collision) - isang kontradiksyon bilang prinsipyo ng ugnayan sa pagitan ng mga larawan ng isang gawa ng sining. Ang salungatan ay naging tanda ng drama at teatro. Gaya ng isinulat ni Hegel: “Ang dramatikong pagkilos ay hindi limitado sa simple at mahinahong pagkamit ng isang tiyak na layunin; sa kabaligtaran, ito ay nagaganap sa isang kapaligiran ng mga salungatan at pag-aaway at napapailalim sa presyon ng mga pangyayari, ang presyon ng mga hilig at mga karakter na sumasalungat at lumalaban dito. Ang mga salungatan at banggaan na ito, sa turn, ay nagdudulot ng mga aksyon at reaksyon na sa isang tiyak na sandali ay nangangailangan ng pagkakasundo ”(Hegel G.W.F. Aesthetics. M., 1968. Vol. 1. P. 219). Ang dramatikong salungatan ay nagmumula sa banggaan ng mga antagonistic na puwersa ng drama. Bilang batayan at puwersang nagtutulak ng aksyon, tinutukoy ng salungatan ang mga pangunahing yugto ng pagbuo ng balangkas: ang paunang walang kaganapang sitwasyon - paglalahad, ang kaganapan na nag-aambag sa paglitaw ng salungatan - ang balangkas, ang kaganapan na nagmamarka ng pinakamataas na paglala ng salungatan - ang kasukdulan, ang kaganapang lumulutas sa salungatan (hindi palaging sapilitan) - ang denouement. Kadalasan, lumilitaw ang salungatan sa anyo ng isang banggaan (ang salita ay magkasingkahulugan ng salungatan), i.e. sa anyo ng isang bukas na paghaharap sa pagitan ng magkasalungat na pwersa. Ang isang salungatan ay lumitaw kapag ang isang karakter, na naghahanap ng kanyang layunin (pag-ibig, kapangyarihan, perpekto), ay humarap sa isa pang karakter, nahaharap sa isang sikolohikal, moral o nakamamatay na balakid. Ang kinalabasan ng salungatan ay hindi maaaring hindi konektado sa mga pathos ng trabaho: maaari itong maging komiks, i.e. conciliatory o trahedya, kapag ang magkabilang panig ay hindi maaaring gumawa ng mga konsesyon nang hindi dumaranas ng pinsala (at iba pa, depende sa aesthetic specifics ng pathos). Ang isang tinatayang teoretikal na modelo ng lahat ng naiisip na mga dramatikong sitwasyon na tumutukoy sa likas na katangian ng isang theatrical na aksyon ay maaaring tukuyin bilang mga sumusunod: - ang tunggalian ng dalawang karakter para sa pang-ekonomiya, pag-ibig, moral, pampulitika at iba pang mga kadahilanan; - ang salungatan ng dalawang pananaw sa mundo, dalawang hindi mapagkakasundo na moral; - ang moral na pakikibaka sa pagitan ng subjective at layunin, attachment at tungkulin, pagsinta at katwiran: ang problemang ito maaaring lumitaw sa kaluluwa ng isang bayani o sa pagitan ng dalawang "kampo" na nagsisikap na manalo sa bayani; - isang salungatan ng mga interes ng indibidwal at lipunan; - ang moral o metapisiko na pakikibaka ng isang tao laban sa anumang prinsipyo o pagnanais na lumampas ang kanyang mga kakayahan (Diyos, kahangalan, perpekto, pagtagumpayan ang kanyang sarili at iba pa.) Ang salungatan (bangga) ay madalas na natanto sa anyo ng isang pandiwang tunggalian , sa isang pandiwang pakikibaka sa mga argumento at kontraargumento, ang isang monologo ay angkop din dito para sa paglalahad ng pangangatwiran na nagpapahayag ng pagsalungat at pagsalungat ng mga ideya. Kasama ang salungatan-bangga, iyon ay, ang panlabas na salungatan, sa ikadalawampu siglo. tulad ng isang kababalaghan bilang isang panloob na salungatan, bilang isang pandaigdigang walang hanggang irremedable-walang pag-asa na pagkapira-piraso ng isang tao, ang paghaharap sa pagitan ng panlipunan at biyolohikal, may malay at hindi malay, ang hindi malulutas na kontradiksyon ng isang malungkot na indibidwal na may isang realidad na nakahiwalay sa kanya, ay tumindi. Kung ang panlabas na salungatan ay nalutas sa anumang paraan sa loob ng balangkas ng isang gawain, kung gayon ang panloob na salungatan, batay sa pakikibaka ng isang tao sa kanyang sarili o sa pakikibaka ng mga unibersal na prinsipyo, ay hindi malulutas sa loob ng balangkas ng isang balangkas at ipinakita bilang matibay; dito, ang dialectics ng pagbuo ng gawa ng sining mismo, ang kontradiksyon sa pagitan ng anyo at nilalaman, komposisyon at tema, sa pagitan ng "texture" at "structure" (L. Vygotsky), ang paksa at kahulugan ng isang artistikong pahayag (tingnan ang: teatro ng walang katotohanan) ay isinasaalang-alang sa isang mas malaking lawak.

paglalahad(exposito, expouere /lat./ - para magpakitang gilas) ay nagbibigay ng kinakailangang impormasyon upang masuri ang sitwasyon at maunawaan ang aksyon na ipapakita. Ang pag-alam sa paglalahad ay lalong mahalaga para sa pag-arte na may masalimuot na balangkas. Para sa klasikal na dramaturhiya, ang paglalahad ay may posibilidad na puro sa simula ng dula at kadalasang naisalokal sa kuwento ng isa o higit pang mga tauhan. Kapag ang dramatikong istraktura ay nakakarelaks, kung saan ang salungatan ay hindi lumaganap, ngunit sa simula ay ipinapalagay (halimbawa, umiiral na salungatan, intelektwal na drama, atbp.), na sinusundan ng pagsusuri sa mga sanhi na nagbunga nito, dito ang lahat ng kasunod na teksto ay maaaring maging isang malawak na paglalahad, sa gayon, ang konsepto ay nawawala ang tiyak na kahalagahan nito. Ang paglalahad ay makabuluhan para sa dula dahil ito ay nagtataas ng mga tanong na sinasagot ng pag-unlad ng tunggalian: Sino ang mga pangunahing tauhan? Ano ang naghihiwalay sa kanila, ano ang pinagsasama-sama, ano ang kanilang mga layunin?Ano ang impresyon na ginawa ng dula? Anong kapaligiran at anong realidad ang muling ginawa? Kung ang lohika ng kathang-isip na mundo ay naiiba sa lohika ng totoong mundo, ano ang mga tuntunin nito (isang sukatan ng kombensiyon)? Paano malalaman ang sikolohikal, panlipunan at pag-ibig na mga motibasyon ng mga karakter? Ano ang ideya ng pagtatanghal, kung paano magtatag ng isang kahanay sa totoong mundo? Upang magkaroon ng data sa mga kathang-isip na kaganapan na kinakatawan ng isang dramatikong gawain. Ang balangkas ay isang tiyak na kaganapan sa isang dramatikong gawain na nagmamarka ng simula ng pag-unlad ng aksyon sa isa at tanging direksyon na ito, patungo sa paglitaw at pagpapalalim ng isang dramatikong tunggalian.

kasukdulan(culmen / lat. / - peak) - isang kaganapan na nagmamarka ng pinakamataas na sandali ng pag-unlad (o pagpapalalim) ng salungatan: ang salungatan ay pinalubha hanggang sa limitasyon, sa huli at emosyonal, pagkatapos - lamang ang denouement.

denouement- Ito ay isang yugto ng isang dramatikong gawain na sa wakas ay nag-aalis ng mga salungatan. Sa denouement, ang salungatan ay maaaring malutas sa pamamagitan ng pag-aalis ng isa sa mga partido sa hindi pagkakaunawaan o sa pamamagitan ng paglilinaw sa pagkakamali na nagsilbing pinagmulan ng salungatan; maaaring alisin bilang isang resulta ng pagbabago sa unang sitwasyon, kapag ang magkasalungat na panig ay hindi sumang-ayon sa kanilang mga paghatol sa isang lawak na walang nagbubuklod sa kanila; ay maaaring kinakatawan ng isang "bukas na pagtatapos" (o isang pagbabalik sa orihinal na sitwasyon sa isang bilog), dahil hindi ito malulutas sa loob ng balangkas ng ipinakita na balangkas. Sa sinaunang at klasikong drama, ginamit ang deus ex machina ("God from the Machine") denouement, kapag ang interbensyon lamang ng divine (o iba pang panlabas sa plot) na puwersa ang makakalutas ng walang pag-asa na sitwasyon.

Intriga(intricare /lat./ - para malito) - isang paraan ng pag-aayos ng isang dramatikong aksyon sa tulong ng mga kumplikadong twists at turns. Ang intriga ay mas malapit sa linya ng balangkas kaysa sa balangkas, at nauugnay sa isang detalyadong pagkakasunud-sunod ng mga hindi inaasahang pagliko sa balangkas, interweaving at isang serye ng mga salungatan, mga hadlang at paraan na ginamit ng mga karakter upang mapagtagumpayan ang mga ito. Inilalarawan nito ang panlabas, nakikitang aspeto ng dramatikong pag-unlad, hindi ang malalim na paggalaw ng panloob na pagkilos.

Peripeteia(peripeteia / Greek / - hindi inaasahang pagbabago) - isang hindi inaasahang pagliko sa isang sitwasyon o aksyon, isang matalim na pagbabago. Ayon kay Aristotle, ang mga pagtaas at pagbaba ay nangyayari sa sandaling ang kapalaran ng bayani ay lumiliko mula sa kaligayahan patungo sa kasawian o kabaliktaran. Sa modernong kahulugan, ang mga pagtaas at pagbaba ay mas madalas na nangangahulugan ng mga pagtaas at pagbaba ng aksyon, pakikipagsapalaran, o isang hindi gaanong makabuluhang episode kasunod ng isang malakas na sandali ng pagkilos.

Madulang pananalita(dulaan at dramatikong diskurso). Sa dami ng dula-dulaan na diskurso, maaring isa-isa ang pagsasalita ng mise-en-scène at ang pagsasalita ng mga tauhan, kaya, ang isa ay maaaring magsalita ng stage speech (diskurso) kapwa sa kahulugan ng pagtatanghal at sa kahulugan ng ang teksto ng dula, naghihintay ng akto ng pagbigkas sa entablado. Ang theatrical text (dramatic text, text of a play) ay hindi oral speech, ngunit may kondisyong nakasulat, na kumakatawan sa oral speech. Kaya, ang ibig sabihin ng pagsasalita ay kung ano ang pagkakaiba sa entablado ng aplikasyon ng aktibidad sa pagsasalita mula sa pagbigkas (verbal na dimensyon) hanggang sa di-berbal (visual na dimensyon): mga kilos, ekspresyon ng mukha, galaw, kasuotan, katawan, props, tanawin, atbp. Ang tekstong teatro ay ipinapatupad gaya ng karaniwan sa anyong diyalogo at monologo. Ang pag-uusap sa pagitan ng dalawa o higit pang mga tauhan ay isang dramatikong diyalogo, bagama't ang ibang uri ng komunikasyon ay posible sa loob ng balangkas ng diyalogo: sa pagitan ng nakikita at di-nakikitang mga karakter, sa pagitan ng isang tao at ng Diyos o ng isang multo, sa pagitan ng isang animated na tao at mga bagay na walang buhay. Ang pangunahing criterion para sa dialogue ay komunikasyon at ang reversibility ng komunikasyon. Ang diyalogo ay nakikita bilang ang pangunahing at pinaka-nagsisiwalat na anyo ng drama. Ang monologo, sa kabilang banda, ay nagsisilbing elementong pampalamuti na hindi naaayon sa prinsipyo ng pagiging totoo. Gayunpaman, sa klasikal na drama ang diyalogo ay maaaring higit pa sa isang serye ng mga monologo na may higit na awtonomiya kaysa sa pagpapalitan ng mga linya. At, sa kabaligtaran, maraming monologo, sa kabila ng pagsasanib ng teksto ng pahayag, ay hindi hihigit sa mga diyalogo ng isang karakter na may bahagi ng kanyang sarili, na may isa pang haka-haka na karakter, o kasama ang buong mundo na tinawag upang saksihan. Ang dramatikong diyalogo ay nailalarawan sa pamamagitan ng medyo mataas na rate ng "pagpapakain" na mga replika, pagkatapos lamang ito ay naging isang pandiwang tunggalian. Ayon sa unwritten generic rule, sa theater dialogue (pati na rin ang anumang pagsasalita ng mga character) ay isang aksyon sa pamamagitan ng pagsasalita. Salamat sa diyalogo, nagsisimulang maramdaman ng manonood ang pagbabago ng buong mundo ng pagganap, ang dynamics ng aksyon. Ang diyalogo at pananalita ay ang tanging elemento ng aksyon sa isang dula, dahil ito ay ang kilos ng pagsasalita, ang pagbigkas ng mga parirala, iyon lamang ang mabisang aksyon sa dula - ang salita-aksyon.

Monologue, naman, ay binibigyang kahulugan bilang pananalita ng isang tauhan na hindi direktang tinutugunan sa kausap upang makakuha ng sagot mula sa kanya. Dahil ang monologo ay itinuturing na isang bagay na kontra-dramatiko, sa makatotohanan at naturalistikong drama ang isang monologo ay pinapayagan lamang sa mga pambihirang sitwasyon (sa panaginip, sa isang estado ng pagkalasing, bilang isang pagbubuhos ng damdamin), at sa Shakespearean drama o sa romantikong drama , napakasikat ng monologo. Ang monologo ay tinatawag na panloob na diyalogo, na binuo sa isang espesyal na "panloob na wika", kung saan ang pagsasalita ko at ang pakikinig ay nakikilahok ako. pagtatanghal ng isa sa mga tauhan ng mga pangyayaring naganap na), liriko (isang monologo na binigkas ng bayani sa sandali ng isang malakas na karanasan na nangangailangan ng pagsisiwalat ng saklaw ng mga damdamin), isang monologo-pag-iisip o isang monologo-pagdesisyon. -paggawa (ang bayani sa isang sitwasyon ng moral na pagpili ay nagtatakda sa kanyang sarili ng mga argumento "para sa" at "laban"). Ayon sa kanilang anyong pampanitikan, ang mga monologo ay maaaring: - isang monologo na nagsasaad ng kalagayan ng bayani; - isang monologo na nauugnay sa dialectic ng pangangatwiran, kapag ang lohikal na argumentasyon ay ipinakita bilang isang pagkakasunud-sunod ng mga semantiko at maindayog na pagsalungat; - isang panloob na monologo o "stream ng kamalayan", kapag ang karakter ay nagsasabi ng lahat ng bagay na pumapasok sa kanyang isip, na walang pakialam sa lohika, kaugnayan at pagkakumpleto ng pahayag; - isang monologo na nagpapahayag ng isang direktang salita ng may-akda, kapag ang may-akda ay direktang humarap sa publiko sa tulong ng ilang plot device, kung minsan sa isang musikal at patula na anyo upang masiyahan ang manonood (upang maitatag ang kanyang posisyon sa kanyang isipan) o pukawin siya; - isang monologue-dialogue sa pag-iisa, isang dialogue sa isang bathala o ibang karakter sa labas ng entablado, isang kabalintunaan na dialogue kapag ang isa ay nagsasalita at ang isa ay hindi sumasagot. Sa drama ng ika-20 siglo, lalo na sa mga Brechtian at post-Brechtian, ang pangunahing punto ay ang kabuuan ng mga talumpati na binigkas sa panahon ng dula, at hindi ang mga indibidwal na karakter na may kanilang indibidwal na kamalayan, kaya, ang monologo ay nangunguna sa posisyon sa modernong dramaturhiya. . Kaya't ang dula-dulaan at dramatikong diskurso ay binago sa isang monologo ng pangunahing tagapagsalita (iyon ay, isang halimbawa na pumapalit sa may-akda) o sa isang direktang diyalogo sa manonood.

Replica- teksto na binibigkas ng isang karakter sa panahon ng isang diyalogo bilang tugon sa isang tanong o ilang iba pang aksyon. Ang isang replika ay may katuturan lamang sa pagkakaugnay ng nauna at kasunod na mga replika: replika / kontra-replika, salita / kontra-salita, aksyon / reaksyon. Ang pagpapalitan ng mga pangungusap ay lumilikha ng intonasyon, ang istilo ng laro, ang ritmo ng mise-en-scene. Binanggit ni Brecht na ang pagtatanghal ng mga replika ay isinasagawa ayon sa prinsipyo ng tennis: “Ang intonasyon ay nahawakan nang mabilis at tumatagal; kaya't nagmumula ang panginginig ng boses at pagbabagu-bago ng intonasyon na lumaganap sa buong mga eksena” (Brecht B. Voir Theatrarbeit. Frankfurt, 1961. 385). Ang tugon ay palaging nagbibigay ng diyalektika ng mga sagot at mga tanong na nagpapasulong sa aksyon.

Aparte(apart / French /) - ang pagsasalita ng karakter, na hindi tinutugunan sa interlocutor, ngunit sa kanyang sarili (at sa publiko). Ito ay naiiba sa isang monologo sa kaiklian nito at pagsasama sa diyalogo. Ang Aparte ay tumatakas na pahayag ng isang karakter, "hindi sinasadya" na narinig ng publiko, ngunit gayunpaman ay naglalayong madama sa konteksto ng sinasalitang diyalogo. Bilang isang patakaran, ang aparte ay ginawa gamit ang isang tala sa gilid - "sa gilid" o isang tiyak na lokasyon ng karakter sa proscenium. Sa magkahiwalay, ang karakter ay hindi kailanman nagsisinungaling, dahil ang isa ay hindi nagsisinungaling sa sarili, at inilalantad ang tunay na intensyon ng mga karakter. Ang mga sandali ng panloob na katotohanan ay lumalabas na isang uri ng "downtime" sa pagbuo ng aksyon, kung saan ang manonood ay bumuo ng kanyang sariling paghuhusga. Alinsunod dito, ang aparthe ay maaaring magdala ng isang "epic" function. (Maaaring ipagpalagay na ang mga zong sa "epic theater" ni Brecht ay walang iba kundi isang aparte). Ang Aparte ay pinupunan ang monologo, dahil ito ay nagsasangkot ng pagmumuni-muni sa sarili, "pagkindat" sa publiko, kamalayan, paggawa ng desisyon, pagtugon sa publiko, atbp.

Soliloquy(solus / lat. / - isa at loqui / lat. / - magsalita) - isang talumpati na tinutugunan sa sarili, isang kasingkahulugan para sa isang monologo, ngunit higit pa sa isang monologo, dahil lumilikha ito ng isang posisyon kung saan ang karakter ay sumasalamin sa kanyang sikolohikal at moral na sitwasyon, salamat sa theatrical convention, actualizing ang panloob na monologo para sa manonood. Inihahayag ng soliloquy sa manonood ang kaluluwa o walang malay ng karakter o ang kanyang pagmuni-muni: samakatuwid ang kanyang epikong kahalagahan, liriko na kalunos-lunos at ang kakayahang maging isang napiling fragment, upang bigyan ito ng isang autonomous na kahulugan, tulad ng, halimbawa, ang soliloquy ni Hamlet tungkol sa pagkakaroon . Ang Soliloquy ay nabibigyang-katwiran sa drama sa pamamagitan ng katotohanan na ito ay maaaring bigkasin sa sandali ng moral na pagpili, sa sandali ng paghahanap para sa sarili, i.e. kapag ang dilemma ay dapat na bumalangkas nang malakas. Ang Soliloquy ay humahantong sa pagkawasak at theatrical illusion at ito ay isang theatrical convention para sa pagkakaroon ng direktang pakikipag-ugnayan sa publiko.

Author sa drama(May-akda ng isang dula, manunulat ng dula) - sa mahabang panahon ay hindi nagsasarili ang propesyon ng may-akda ng isang dula. Hanggang sa ika-16 na siglo - isang tagapagtustos lamang ng mga teksto, isang tao ng teatro. Sa pagtatapos lamang ng panahon ng Repormasyon, sa panahon ng Klasisismo, ang manunulat ng dula ay nagiging isang tao sa panlipunang kahulugan, isang taong gumaganap ng mahalagang papel sa gawain sa pagtatanghal. Sa kurso ng ebolusyon ng teatro, ang kanyang papel ay maaaring mukhang hindi katimbang kung ihahambing sa papel ng direktor at direktor (na ang mga tungkulin ay natukoy nang hindi mas maaga kaysa sa katapusan ng ika-19 na siglo) at lalo na kung ihahambing sa aktor, na, ayon sa kay Hegel, ay naging "isang instrumento lamang na tinutugtog ng may-akda." , isang espongha na sumisipsip ng mga kulay at nagpapadala ng mga ito nang walang anumang pagbabago "(Hegel GVF Aesthetics. M., 1968. T. 1. P. 288). Ang modernong teorya ng teatro ay may kaugaliang upang palitan ang may-akda ng dula ng pandaigdigang tema ng diskursong dula-dulaan, na siyang pinagsama-samang proseso ng pagbigkas, isang uri ng katumbas ng isang tagapagsalaysay (narrator) na matatagpuan sa teksto ng nobela. Ang paksa ng may-akda ay maaaring makuha sa mga direksyon ng entablado, mga direksyon sa entablado, koro o teksto ng reasoner. Ang may-akda ng dula ay nakikibahagi sa pagbubuo ng balangkas, ang montage ng mga aksyon, isang mailap na hanay ng mga pananaw at semantikong konteksto ng mga gumaganap na diyalogo. Sa wakas, pagdating sa isang klasikal na teksto, homogenous ang anyo, ang pagiging may-akda ay tiyak na inihayag, sa kabila ng maraming mga tungkulin. tumpak at matatag na sistema) link sa production chain , na bumubuo ng teksto sa pamamagitan ng mise-en-scenes, laro ng may-akda, isang partikular na pagtatanghal sa entablado at ang pananaw nito ng publiko.

Didascalia(didascalia / Greek / - pagtuturo, pagsasanay) - sa sinaunang teatro ng Greek, ang mga protocol para sa mga paggawa at mga dramatikong kumpetisyon. Ang mga ito ay mga inskripsiyon sa mga marmol na slab, na naglalaman ng mga pangalan ng mga manunulat ng dula at mga bida, ang mga pamagat ng mga itinanghal na dula at ang mga resulta ng mga kumpetisyon. Ang ilang mga sipi mula sa didascalia na ginawa ni Aristotle at mga iskolar ng panahon ng Hellenistic ay nakaligtas sa mga manuskrito ng mga trahedya at komedya, sa mga pagpapakilala sa mga indibidwal na dula. Sa makabagong kahulugan, ang mga tagubiling ibinigay ng may-akda sa kanyang mga tagaganap hinggil sa interpretasyon ng teksto ng dula ay katulad ng konsepto ng mga direksyon sa entablado (remarks).

puna(remarque / French / - note, mark), mga tagubilin sa entablado - tala ng may-akda para sa mambabasa, direktor at aktor sa teksto ng dula, na naglalaman ng isang maikling paglalarawan ng setting ng aksyon, hitsura, pagbigkas at pag-uugali ng mga karakter . Kaya, ito ay anumang teksto na hindi sinasalita ng mga aktor at nilayon upang mapadali o ipahiwatig ang paraan ng pagtatanghal. Ang pagkakaroon ng mga direksyon sa entablado at ang kahulugan ng mga ito ay nagbago nang malaki sa buong kasaysayan ng teatro, mula sa kawalan ng mga ito sa sinaunang teatro, ang kanilang matinding pambihira sa klasikal na drama, hanggang sa epikong kasaganaan sa melodrama at naturalistic na drama, at ang kanilang pagpuno sa buong dula. sa teatro ng walang katotohanan. Ang teksto ng dula ay hindi nangangailangan ng mga direksyon sa entablado kapag naglalaman ito ng lahat ng kinakailangang impormasyon tungkol sa mga tauhan at kapaligirang nakapaligid sa kanila. Ngunit sa pagtatapos ng ikalabinsiyam na siglo. at sa ikadalawampu siglo. ang may-akda ay nagsusumikap na matukoy ang spatio-temporal na mga coordinate, ang panloob na mundo ng mga karakter at ang kapaligiran ng entablado nang tumpak at banayad hangga't maaari - dito ang boses ng tagapagsalaysay ay kinakailangan, kaya, ang teatro ay lumalapit sa anyo ng nobela. Ang ganitong mga direksyon sa entablado ay maaaring maging isang mahabang panloob na monologo na naglalarawan ng mga bagay sa entablado, o sa isang pantomime na nagse-set up ng diyalogo, at iba pa. Ang mga direksyon sa entablado, o mga pangungusap, ay ipinakita bilang bahagi ng kabuuan: ang teksto ng dula + mga direksyon = metatext, na tumutukoy kapwa sa aktwal na mga diyalogo at sa buong produksyon sa kabuuan. Kung ang "katapatan" sa may-akda ay sinusunod, ang mga tagubilin ay sinusunod sa produksyon, ang interpretasyon ng dula ay napapailalim sa kanila. Kaya, ang mga tagubilin sa entablado ay inihalintulad sa mga tagubilin ng direktor, mga direksyon sa entablado para sa pagtatanghal.

subtext(sub-text /eng./) - sa pinakamalawak na kahulugan ng salita, nagsasaad ng pinagbabatayan na implicit na kahulugan na hindi tumutugma sa direktang kahulugan; Ang subtext ay nakasalalay sa layunin at pagpapahayag ng pahayag, sa mga katangian ng sitwasyon ng pagsasalita. Ang subtext ay lumitaw bilang isang paraan ng katahimikan, "paatras na pag-iisip" at kahit na kabalintunaan. Sa kasong ito, "ang mga direktang leksikal na kahulugan ng mga salita ay huminto sa pagbabalangkas at pagtukoy sa panloob na nilalaman ng pananalita" (Vinogradov V. Mga Tanong sa lingguwistika. 1955. No. 1. P. 79). Ang isang mas makitid na konsepto ng "subtext" ay lumitaw kaugnay ng "bagong drama" sa pagpasok ng ikalabinsiyam at ikadalawampu siglo. at lahat ng kasunod na drama ng ikadalawampu siglo. Ang subtext, o "dialogue ng pangalawang kategorya" (M. Maeterlinck), o "undercurrent" (Vl. Nemirovich-Danchenko) ay malapit na magkadugtong sa panloob na aksyon at maaaring magpahayag ng isang kumplikadong mga kaisipan at damdamin na nilalaman sa teksto na sinasalita ng mga karakter. , ngunit hindi inilalantad sa mga salita, kung gaano karami sa mga paghinto, sa panloob, hindi mabigkas na mga monologo. Kaya, ang subtext ay yaong hindi tahasang nakasaad sa teksto ng dula, ngunit nagmumula sa kung paano binibigyang kahulugan ang teksto ng aktor. Ang subtext ay nagiging isang uri ng komentaryo, na ibinibigay sa pamamagitan ng pag-arte ng aktor at ng buong produksyon, at nagpapaalam sa manonood ng kinakailangang panloob na kaalaman para sa tama at pinaka kumpletong persepsyon ng pagganap. Ang konseptong ito ay theoretically na ipinahayag ni K. Stanislavsky, kung saan ang subtext ay isang sikolohikal na tool na nagpapaalam tungkol sa panloob na estado ng karakter, nagtatatag ng distansya sa pagitan ng kung ano ang sinasabi sa teksto at kung ano ang ipinapakita sa entablado, upang ang sikolohikal at Ang psychoanalytic imprint ay maaari ding tawaging subtext, na iniiwan ng aktor sa hitsura ng kanyang karakter sa panahon ng laro.

Overtext(sa pamamagitan ng pagkakatulad sa subtext) ay nagaganap sa mga dramatikong gawa na may lubhang kondisyonal na balangkas, na may mga functional na karakter na kumikilos hindi batay sa kanilang panlipunang determinismo o banayad na sikolohikal na mga karanasan, ngunit parang sa pamamagitan ng kalooban ng may-akda, na naglalarawan ng isa o ibang may-akda. naisip. Sa ganitong mga dramatikong gawa, ang balangkas ay simple, kahit na primitive at umuurong sa background; ang mahalaga para sa may-akda ay ang kanyang pag-apila sa materyal na kilala na (kahit na kilala) sa kultura ng mundo, na, gamit ang mga diskarte ng stylization, reminiscence. , alusyon, pagsipi, atbp. ginagamit niya upang maunawaan ang ilang kontemporaryong moral, sikolohikal o politikal na sitwasyon. Ang supertext kaya lumilikha ng balangkas ng play-parable (parehong bukas at naka-encrypt), ang istraktura ng isang dramatikong parabola.

Intertext– batay sa teorya ni Roland Brat tungkol sa intertextuality, nabuo ang ideya na ang teksto ay mauunawaan lamang dahil sa paggana ng mga tekstong nauuna rito, na, habang nagbabago, ay nakakaapekto dito. Matatagpuan ang dramatikong at theatrical (kamangha-manghang) teksto sa loob ng mga dramatikong komposisyon at mga diskarte sa entablado. Maaaring isama ng direktor sa tela ng dula ang mga extraneous na teksto na may kaugnayan sa dula ayon sa tema, sa isang parody, o may kakayahang ipaliwanag ito mula sa ibang anggulo. Binabago ng Intertext ang teksto ng orihinal, "pinasabog" ang linear plot at theatrical illusion, paghahambing ng dalawa, madalas na magkasalungat, mga ritmo, tulad ng pagsulat, na ginagawang mas matalas ang orihinal na teksto. Umiiral din ang intertextuality kapag, sa parehong tanawin, na may partisipasyon ng parehong mga aktor, ang direktor ay nagtatag ng dalawang teksto na hindi maiiwasang umaalingawngaw sa isa't isa.

Dramatikong espasyo at oras- Ang artistikong oras at espasyo (chronotope) ay ang pinakamahalagang katangian ng masining na imahe, na nagbibigay ng isang holistic na pang-unawa sa artistikong katotohanan at pag-aayos ng komposisyon ng akda. Ang sining ng salita ay nabibilang sa pangkat ng mga dynamic, temporal na sining, samakatuwid ang masining na imahe, na naglalahad sa oras (ang pagkakasunud-sunod ng teksto), kasama ang nilalaman nito ay muling gumagawa ng spatio-temporal na larawan ng mundo, bukod dito, sa simbolikong- ideolohikal, aspeto ng halaga. Ang problema ng chronotope ay nabuo sa lokal na agham ng panitikan, pangunahin na may kaugnayan sa epiko. Kaugnay nito, dahil sa syncretic na katangian ng drama, makatuwirang pag-usapan ang tungkol sa mga spatio-temporal na katangian ng hindi lamang dramatiko, kundi pati na rin ang theatrical na teksto.

Oras - isa sa mga mahahalagang elemento ng isang dramatikong teksto o larawan ng entablado nito. Batay sa dalawahang katangian ng oras, kinakailangan upang matukoy ang oras kung saan tinutukoy ang manonood (o oras ng yugto), at ang oras na muling itinayo ng may-akda sa tulong ng isang sistema ng pag-sign (o oras sa labas ng yugto). Ang oras ng entablado ay ang oras na nabuhay ng manonood, ang saksi ng kaganapang pandulaan (ibig sabihin, oras ng kaganapan na nauugnay sa takbo ng pagtatanghal). Ang oras ng entablado ay kinakatawan ng temporal at spatial na mga palatandaan ng isang naibigay na pagganap: ang pagbabago ng mga bagay, mga eksena ng aksyon, ang paglalaro ng pag-iilaw, ang mga paglabas at pag-alis ng mga aktor mula sa entablado, mga paggalaw, atbp. Ang bawat sistema ng naturang mga palatandaan ay may ritmo at sariling istraktura.Off-stage (o dramatic) na oras ay ang oras ng mga pangyayari na sinasabi ng dula, i.e. isang kakaibang balangkas ng pagtatanghal, na konektado hindi sa mga direktang ipinahayag na mga kaganapan, ngunit sa ilusyon na may nangyayari, nangyari o mangyayari sa mundo ng posible o sa mundo ng pantasya. Tinutukoy ng dramatikong oras ang kabaligtaran ng aksyon at intriga, balangkas at balangkas, kwento at kuwento, lalo na ang relasyon sa pagitan ng temporal na pagkakasunud-sunod ng mga elemento sa isang mahigpit na pagkakasunod-sunod ng mga pangyayari at ang ilusyon ng kanilang temporal na pagkakasunud-sunod sa isang pagtatanghal sa teatro. Ang epekto ng oras ng teatro para sa manonood ay nakalimutan niya kung nasaan siya: nabubuhay siya sa kasalukuyan, ngunit sa parehong oras ay nawawala ang koneksyon na ito at tumagos sa ibang mundo, sa isang haka-haka na mundo, na, sa turn, ay naging isang karanasan sa kasalukuyan - sa ito ay isang tampok ng theatrical conventionality. Naaalala ko ang kasabihan ng pilosopong Pranses na si Etienne Souriau: "Ang buong teatro ay eksistensyal, ang pinakamataas na tagumpay nito, ang kabayanihan nito ay ginagawa nitong umiral ang mga haka-haka na karakter" (Sipi mula sa: Bentley Eric. Life of Drama. M., 1978. P .58) Ang dramatikong oras ay maaaring napakahaba (halimbawa, sa mga makasaysayang talaan ni Shakespeare), ngunit ito ay nilalaro sa isang pagtatanghal at tumatagal ng dalawa hanggang tatlong oras. Ang aesthetics ng klasisismo ay humiling na ang aksyon ng dramatikong oras ay nag-tutugma sa oras ng entablado, ang pangangailangang ito ay humantong sa naturalistic aesthetics, kapag ang entablado katotohanan reproduces ang dramatiko sa "laki ng buhay". Ang parehong ay tipikal para sa modernong pagganap, kapag ang dramatikong oras ay hindi ginaya, ang yugto ng oras ay nananatiling sarili at hindi nakatago sa likod ng artistikong kathang-isip at ang panlabas na pagpapakita ng oras sa entablado. Napakabihirang, nagiging posible na palawakin ang saklaw ng oras ng yugto, na nagsasaad ng napakaikling panahon ng pagkilos (halimbawa, sa M. Maeterlinck, J. Priestley, sa theater of the absurd) Kapag nagtatanghal ng isang klasikal na teksto, ang problema sa makasaysayang panahon (ang historikal at functional na aspeto ng akda) ay karaniwang idinaragdag sa ratio ng yugto at oras sa labas ng entablado. Sa kasong ito, dapat isaisip ang oras ng pahayag sa entablado (ang makasaysayang sandali kung kailan itinanghal ang gawain, kung saan umapela ang direktor); makasaysayang panahon at ang lohika nito na kinakatawan ng balangkas; ang panahon ng paglikha ng dula at ang antas ng teatro, ang istilo ng pag-arte ng mga aktor noong panahong iyon sa kasaysayan.

Space (theatrical) (espasyo sa teatro / English /) - isang konsepto na inilapat sa iba't ibang aspeto ng teksto ng produksyon. Maaari mong subukang tukuyin ang mga uri ng theatrical space: a) dramatic space, i.e. ang tinutukoy sa teksto ay isang abstract space na nilikha ng mambabasa at ng manonood sa tulong ng imahinasyon; b) ang stage space ay ang tunay na espasyo ng entablado kung saan nagaganap ang aksyon; c) ang scenographic (o theatrical) ang espasyo ay ang kumbinasyon ng espasyo sa entablado at para sa publiko" sa pamamagitan ng isang tiyak na arkitektura, isang tiyak na pananaw sa mundo, na nilikha pangunahin ng mga aktor mismo at ng mga direktor ng pagtatanghal; d) ang paglalaro (gestural) na espasyo ay ang puwang na nilikha ng ang aktor, ang kanyang presensya at mga galaw, ang kanyang lugar na may kaugnayan sa iba pang mga aktor, ang kanyang lokasyon sa entablado (kaugnay ng konsepto ng mise-en-scene); e) textual space ay ang espasyo sa kanyang graphic, ponic at rhetorical materiality, ang espasyo ng marka, kung saan naitala ang mga replika at didascalia, ay nangyayari kapag ang teksto ay hindi inilaan para sa dramatikong espasyo, ngunit ipinakita sa anyo ng materyal para sa visual at auditory perception; e) space ang panloob ay isang entablado na espasyo kung saan ang pagtatangka na magtanghal ng mga pantasya, pangarap, pangitain ng manunulat ng dula o isa sa mga tauhan.Sa unang tingin, ang teatro ay isang lugar ng panlabas na kaayusan, kung saan maaaring magpakasawa sa pagmumuni-muni ng entablado, pinapanatili ang isang distansya mula dito. Ayon kay Hegel, ito ay isang lugar ng objectification at confrontation sa pagitan ng entablado at bulwagan, ibig sabihin, ang espasyo ay kitang-kita, nakikita. Ngunit ang teatro ay isa ring lugar kung saan nagaganap ang proseso ng self-projection (catharsis at self-identification) ng manonood. At pagkatapos, sa pamamagitan ng interpenetration, ang teatro ay nagiging "inner space" ng manonood mismo, ang pagkakataon na paunlarin ang kanyang sarili at lahat ng kanyang mga kakayahan. Kaya, ang espasyo sa entablado ay nabubuo at nakukulayan ng sarili ng manonood.Ang dramatikong espasyo ay naghahatid ng larawan ng dramatikong istruktura ng dula, na kinabibilangan ng mga tauhan, kanilang kilos at relasyon sa pagitan ng mga tauhan. Ang dramatikong espasyo ay binuo namin batay sa mga direksyon ng entablado ng may-akda, na isang uri ng premise-en-scène sa tulong ng mga spatio-temporal na indikasyon na nakapaloob sa diyalogo. Kaya, ang bawat manonood ay lumilikha ng kanyang sariling subjective na imahe ng dramatikong espasyo, at walang nakakagulat sa katotohanan na ang direktor-producer ay pumili lamang ng isa sa mga posibleng tiyak na pagkakatawang-tao sa yugto. Ang dramatikong espasyo ay isang puwang ng fiction, na, naman, ay may impluwensya nito sa scenography. Itinataas nito ang walang hanggang tanong kung ano ang mauuna: scenography o dramaturgy sa pagtatanghal ng isang pagtatanghal. Bagaman, siyempre, ang dramatikong konsepto ay dapat ilagay sa unang lugar, i.e. ideolohikal na salungatan sa pagitan ng mga karakter, makina ng pagkilos.

Plot at plot sa drama . Ang balangkas (fabula / lat. / - kwento, pabula) ay ang batayan ng kaganapan ng akda, na nakuha mula sa mga partikular na detalye ng masining at naa-access sa hindi-sining na pag-unlad, muling pagsasalaysay (kadalasang hiniram mula sa mitolohiya, alamat, nakaraang panitikan, kasaysayan, mga talaan ng pahayagan , atbp.). Ang terminong plot ay nauugnay (kaayon) sa terminong plot (sujet / French / - paksa). Maaaring naisip ng "pormal na paaralan" ang paggamit na ito sa unang pagkakataon. Ayon sa interpretasyon ng mga kinatawan ng OPOYAZ, kung tinutukoy ng balangkas ang pag-unlad ng mga kaganapan mismo sa buhay ng mga karakter, kung gayon ang balangkas ay ang pagkakasunud-sunod at paraan ng pag-uulat ng mga ito ng may-akda. Ngayon ang sumusunod na pagkakaiba ay tinatanggap sa agham: ang balangkas ay nagsisilbing materyal para sa balangkas; ibig sabihin, ang balangkas bilang isang hanay ng mga kaganapan at motibo sa kanilang lohikal na sanhi-at-bunga na relasyon; isang balangkas bilang isang set ng parehong mga kaganapan at motibo sa pagkakasunud-sunod at koneksyon kung saan ang mga ito ay isinalaysay sa akda sa isang masining (compositional) na pagkakasunud-sunod at sa kabuuan ng imahe. Kaya, ang balangkas ng isang likhang sining ay isa sa pinakamahalagang paraan ng pagbubuod ng kaisipan ng manunulat, na ipinahayag sa pamamagitan ng pandiwang paglalarawan ng mga kathang-isip na mga karakter sa kanilang mga indibidwal na aksyon at relasyon, kabilang ang sa mga espirituwal na paggalaw, "mga kilos" ng isang tao o bagay. , isang binibigkas o "maiisip" na salita. Batay sa teorya ng may-akda na si B. Korman, kasama ang isang pormal at makabuluhang pag-unawa sa balangkas, bilang isang hanay ng mga elemento ng "isang tekstong pinag-isa ng isang karaniwang paksa (mga taong nakakaunawa at ilarawan) o isang karaniwang bagay (yaong mga nakikita at inilalarawan)”; "ang akda sa kabuuan ay isang pagkakaisa ng maraming plot na may iba't ibang antas at volume, at sa prinsipyo ay walang isang yunit ng teksto na hindi isasama sa isa sa mga plot" (Korman B. Integrity of a literary work and isang eksperimentong diksyunaryo ng mga terminong pampanitikan // Mga problema sa kasaysayan ng kritisismo at poetics ng realismo, Kuibyshev, 1981, p. 42). Kaya, maaaring ipagpalagay na ang elemento ng overtext, supertext, subtext, at metatext ay maaaring maging isang pantay na yunit ng balangkas. Dahil sa klasikal na drama ang direktang salita ng may-akda sa dramatikong teksto ay hindi gaanong mahalaga, ang balangkas ng dramatikong gawain ay mas malapit hangga't maaari sa linya ng balangkas. mga salungatan, resolusyon, denouement – ​​​​sa dramatikong (kondisyon) na espasyo/panahon. Ngunit ang balangkas sa kasong ito ay hindi sumasaklaw sa teksto ng dula mismo, mula noong ikadalawampu siglo. ang elemento ng pagsasalaysay, na nasa likod nito ay ang imahe ng may-akda na nagwawasto sa balangkas, ay lalong nakikialam sa diyalogo at monologong pananalita ng mga tauhan. At, siyempre, hindi nito masakop ang teksto ng pagtatanghal ng dula sa teatro. (Ang modernong teatro ay nagpapahayag, naglalahad at naglalahad hindi ng balangkas, kundi ang balangkas (sa interpretasyon ng may-akda) ng isang dramatikong akda. Dahil ang balangkas ng dula ng ikadalawampu siglo ay hindi lamang isang uri ng hanay ng mga pangyayari sa buhay panlipunan na kinokopya ang kanilang tunay na pagkakasunud-sunod, ngunit isang tiyak na intensyon ng may-akda, kung saan ang kanyang mga saloobin tungkol sa lipunan ng tao ay ipinahayag.Sa proseso ng pagtatrabaho sa pagganap, ang balangkas ay nasa isang estado ng patuloy na pag-unlad, hindi lamang sa antas ng editoryal at teksto ng dula, ngunit gayundin sa antas ng proseso ng pagtatanghal at pag-arte: pagpili ng mga eksena, gawain sa papel at pagganyak ng mga aksyon ng mga karakter, koordinasyon ng iba't ibang sining ng pagganap, atbp. Upang lumikha ng isang plot ng produksyon mula sa balangkas ng isang dula ay nangangahulugan ng pagbibigay ng interpretasyon (ng isang teksto para sa direktor at isang pagtatanghal para sa manonood), ito ay nangangahulugan ng pagpili ng isang tiyak na konsepto na may kaugnayan sa paglalagay ng mga impit. bilang isang dramatiko, mapaglaro, hermeneutical na pagpipilian. na kung ang dramatikong balangkas (pati na rin ang epiko) ay sapat sa teksto ng dula, kung gayon ang dula-dulaan ay hindi maituturing na invariant ng teksto, ito ay nasa estado ng pagbuo sa bawat bagong produksyon.

karakter, bayani, kalikasan, imahe –

1. Tauhan (persona / Latin / - mask, mukha: personage / French /; character / English /; Figur / German /; personaje / Spanish /) - sa sinaunang Greek theater persona - isang maskara, isang papel na ginagampanan ng isang aktor . Ang aktor ay nahiwalay sa kanyang karakter, siya lamang ang kanyang gumaganap, hindi ang pagkakatawang-tao. Ang kasunod na ebolusyon ng teatro ay nauugnay sa paglalaan ng epektibong pag-andar ng karakter, na may tagpo ng konsepto ng karakter sa konsepto ng karakter, na tumutulong sa konsepto ng "karakter" upang maisama ang isang tiyak na panlipunan, sikolohikal at moral. kakanyahan ng bayani. Ang aktor at ang karakter ay hindi magkapareho, bagama't sa pagganap ay maaari nilang impluwensyahan ang isa't isa. Sa iba't ibang panahon ng makasaysayang pag-unlad, ang karakter ay kinakatawan bilang isang uri ng integral na masining na imahe, isang indibidwal, isang uri, isang paksa ng aksyon, na di-umano'y lumahok sa mga kaganapan ng drama, na di-umano'y independyente sa manunulat ng dula, sa loob ng balangkas ng kanyang socio-psychological determinism. Ang karakter ay tinutukoy ng kanyang kakanyahan (trahedya, komiks, atbp.), kalidad (kuripot, misatropia, tapang, atbp.), Isang kumbinasyon ng pisikal at moral na mga katangian - papel. sa drama noong ika-20 siglo. ang karakter ay nakakakuha ng isang bilang ng mga bagong katangian na nag-uugnay sa kanyang imahe sa imahe ng may-akda, na may sariling katangian o intertextual na konteksto ng aktor (sa mga tuntunin ng paglalaro ng "teatro sa loob ng teatro", atbp.).

2. Bayani (bayani / Greek / - isang demigod o isang deified na tao) - isang masining na imahe, isa sa mga pagtatalaga ng integral na pagkakaroon ng isang tao sa kabuuan ng kanyang hitsura, paraan ng pag-iisip, pag-uugali at espirituwal na mundo sa sining ng salita. Sa dramaturhiya, simula sa sinaunang panahon, ang bayani ay isang uri ng karakter na pinagkalooban ng pambihirang lakas at kapangyarihan, ang kanyang mga aksyon ay dapat magmukhang kapuri-puri, ang kanyang kapalaran ay resulta ng malayang pagpili, siya mismo ang lumikha ng kanyang posisyon at sumasalungat sa pakikibaka at moral na salungatan, ay responsable para sa kanyang pagkakasala o isang pagkakamali. Ang kabayanihan ay umiiral lamang kapag ang mga kontradiksyon ng dula (sosyal, sikolohikal o moral) ay ganap na nakapaloob sa kamalayan ng bayani, at ang kamalayang ito ay isang microcosm ng dramatikong uniberso. Sa kasong ito, ang konsepto ng "bayani" ay bumubuo ng isang theatrical role - isang bayani / pangunahing tauhang babae (katulad ng konsepto ng "protagonist"). ang isang bayani ay tinatawag na parehong trahedya at isang karakter sa komiks. Nawawala ang kahalagahan nito bilang isang modelo at nakakuha lamang ng isang kahulugan: ang pangunahing katangian ng isang dramatikong akda. Ang bayani ay maaaring negatibo, kolektibo (ang mga tao sa ilang makasaysayang drama), mailap (ang teatro ng walang katotohanan), kahit na nasa labas ng entablado. Ang modernong bayani ay hindi na makakaimpluwensya sa mga kaganapan, wala siyang posisyon sa katotohanan. Mula noong ikalabinsiyam na siglo at sa modernong teatro ay maaari ding umiral ang bayani sa pagkukunwari ng kanyang balintuna at kakatwang katapat - ang anti-bayani. Dahil ang mga pagpapahalagang pinahahalagahan ng klasikal na bayani (protagonist) ay pinababa o itinapon, ang antihero ay lumilitaw bilang ang tanging alternatibo para sa paglalarawan ng mga aksyon ng tao. Sa Brecht, halimbawa, ang tao ay binuwag, nabawasan sa estado ng isang indibidwal, sumasalungat sa sarili at isinama sa isang kuwento na tumutukoy sa kanyang buhay nang higit pa kaysa sa kanyang pinaghihinalaan. Ang bayani ay hindi makaligtas sa muling pagtatasa ng mga halaga at ang pagkabulok ng kanyang sariling kamalayan, at upang mabuhay, siya ay pinilit na magmukhang isang anti-bayani (ang isang anti-bayani ay katulad ng isang marginal na bayani).

3. Imahe (artistic) - isang kategorya ng aesthetics na nagpapakilala sa isang espesyal na paraan ng pag-master at pagbabago ng katotohanan, na likas lamang sa sining. Ang imahe ay anumang kababalaghan na malikhaing nilikha muli sa isang gawa ng sining. Ang artistikong pagtitiyak ng imahe ay natutukoy hindi lamang sa pamamagitan ng katotohanan na ito ay sumasalamin at nauunawaan ang umiiral na katotohanan, ngunit din sa pamamagitan ng katotohanan na ito ay lumilikha ng isang bago, walang uliran na kathang-isip na mundo. Sa isang masining na imahe, nakakamit ang isang malikhaing pagbabago ng totoong materyal: mga kulay, tunog, salita, atbp. ang isang solong "bagay" (teksto, larawan, pagganap) ay nilikha, na sumasakop sa espesyal na lugar nito sa mga bagay ng totoong mundo. Ang imahe ng entablado ay malapit sa pinakamalawak na pag-unawa sa kategoryang aesthetic bilang isang anyo ng pagmuni-muni at muling pagkakatawang-tao ng realidad sa pamamagitan ng sining ng teatro. Sa isang makitid na kahulugan, ang isang imahe sa entablado ay nauunawaan bilang ang tiyak na nilalaman ng masasalamin na kababalaghan ng realidad, na muling nilikha ng isang manunulat ng dula, direktor, aktor, artista, isang larawan ng buhay, isang karakter, isang karakter. Kasama sa konsepto ng isang imahe sa entablado, una sa lahat, ang imahe ng buong pagganap, ang artistikong integridad at pakikipag-ugnayan ng lahat ng mga bahagi nito na pinagsama ng ideya ng direktor at ang sagisag nito, at sa isang mas makitid na kahulugan, ito ay ang imahe-character na nilikha. ng aktor. Ang imahe ay gumaganap ng isang mas makabuluhang papel sa modernong theatrical practice, dahil ito ay laban sa isang hubad na teksto, plot o aksyon. Ang pagkuha ng visual na katangian ng pagtatanghal, ang teatro ay lumilikha ng sarili nitong matalinghagang larawan. Ang produksyon ay palaging isang makasagisag na embodiment, ngunit ito ay higit pa o mas kaunti sa isang haka-haka at "haka-haka" na paksa ng teatrical na diskurso, ang kinakatawan na mundo ay lumilitaw dito salamat sa paglikha ng mga imahe na lumalapit sa katotohanan. Sa kasalukuyan, ang eksena ay malapit sa tanawin o mental na imahe, nadaig nito ang panggagaya sa anumang bagay o pagtatalaga nito. Ang pagkakaroon ng tumigil na maging isang "playing machine", ang teatro ay nagsusumikap na maging isang "pangarap na makina", i.e. sa ilang lawak, ito ay bumalik sa sinaunang syncretic na imahe ng prateatre, kung saan ang subtext ng kahulugan sa imahinasyon at kamalayan ng manonood ay higit na mas malaki kaysa sa itinatanghal na kababalaghan.

4. Tauhan (karahter /Greek/ - imprinted sign) - ang imahe ng isang tao sa isang akdang pampanitikan, kung saan ang uri ng pag-uugali, kilos, pag-iisip, pananalita, atbp., at ang moral at aesthetic na likas na natutukoy sa lipunan at kasaysayan. sa may akda ay inihayag.konsepto ng pagkakaroon ng tao. Ang mga tauhan ng mga tauhan sa dula ay kombinasyon ng pisikal, sikolohikal at moral na katangian ng isang partikular na karakter. Ang karakter ay malinaw na nagpapakita ng sarili sa drama ng Renaissance at Classicism, natanggap ang buong pag-unlad nito noong ikalabinsiyam na siglo, sa panahon ng burges na indibidwalismo, at naabot ang rurok nito sa sining ng modernismo at sikolohiya. Walang tiwala sa indibidwal, ang negatibong paksa ng burges na ito, ang sining ng avant-garde ay naghahangad na malampasan ito, gayundin na lumampas sa mga limitasyon ng sikolohiya at hanapin ang ugnayan ng "hindi nabuo at pagkatapos ng indibidwal" na mga uri at kamalayan. Ang karakter ay ang muling ginawang malalim na katangian ng kapaligiran o panahon. Ito ay kabalintunaan na ang isang pampanitikan o kritikal na pagsusuri ng isang karakter ay humahantong sa isang halos gawa-gawa na paglikha sa kanya, bilang totoo at totoo tulad ng mga taong nakakasalamuha sa pang-araw-araw na buhay. Ang "ideal" na karakter ay nagpapanatili ng balanse sa pagitan ng indibidwal (sikolohikal at moral) na mga katangian at sociohistorical determinism. Ang pagtatanghal ng entablado ay nag-uugnay sa pagiging pandaigdigan sa sariling katangian, kaya nagbibigay-daan sa paghahambing sa bawat isa sa atin. Para sa lihim ng anumang teatro na karakter ay na siya ay kapareho natin (nakikilala natin ang ating sarili sa kanya sa sandali ng catharsis), at siya ay naiiba (pinananatili natin siya sa isang magalang na distansya mula sa ating sarili).

Ang dula (other Greek drama - action) ay isang uri ng panitikan na sumasalamin sa buhay sa mga aksyong nagaganap sa kasalukuyan.

Ang mga dramatikong gawa ay inilaan na itanghal, ito ay tumutukoy sa mga partikular na tampok ng drama:

1) ang kawalan ng larawang naglalarawan ng pagsasalaysay;

3) ang pangunahing teksto ng dramatikong gawain ay ipinakita sa anyo ng mga replika ng mga tauhan (monologo at diyalogo);

4) ang dula bilang isang uri ng panitikan ay walang iba't ibang masining at biswal na paraan gaya ng epiko: ang pananalita at gawa ang pangunahing paraan ng paglikha ng imahe ng isang bayani;

5) ang dami ng teksto at ang tagal ng aksyon ay limitado ng balangkas ng entablado;

6) ang mga kinakailangan ng sining ng entablado ay nagdidikta ng isang tampok ng drama bilang isang uri ng pagmamalabis (hyperbolization): "pagmamalabis ng mga kaganapan, pagmamalabis ng mga damdamin at pagmamalabis ng mga pagpapahayag" (LN Tolstoy) - sa madaling salita, theatrical showiness, nadagdagan pagpapahayag; ramdam ng manonood ng dula ang kondisyon ng mga nangyayari, na napakahusay na sinabi ni A.S. Pushkin: "Ang pinaka kakanyahan ng dramatikong sining ay hindi kasama ang pagiging totoo... kapag nagbabasa ng isang tula, isang nobela, madalas nating nakakalimutan ang ating sarili at naniniwala na ang insidente na inilarawan ay hindi kathang-isip, ngunit ang katotohanan. Sa isang oda, sa isang elehiya, maiisip natin na ipinakita ng makata ang kanyang tunay na damdamin, sa totoong mga pangyayari. Ngunit nasaan ang kredibilidad sa isang gusali na nahahati sa dalawang bahagi, kung saan ang isa ay puno ng mga manonood na sumang-ayon atbp.

Drama (sinaunang Griyego δρᾶμα - gawa, aksyon) - isa sa tatlong uri ng panitikan, kasama ang epiko at liriko, ay sabay na nabibilang sa dalawang uri ng sining: panitikan at teatro. Nilalayon na i-play sa entablado, ang drama ay pormal na naiiba sa epiko at liriko na tula dahil ang teksto dito ay ipinakita sa anyo ng mga replika ng mga tauhan at mga pahayag ng may-akda at, bilang panuntunan, ay nahahati sa mga aksyon at penomena. Anumang akdang pampanitikan na binuo sa isang dialogical na anyo, kabilang ang komedya, trahedya, drama (bilang isang genre), komedya, vaudeville, atbp., ay tumutukoy sa drama sa isang paraan o iba pa.

Mula noong sinaunang panahon, ito ay umiral sa alamat o pampanitikan na anyo sa iba't ibang mga tao; nang nakapag-iisa sa isa't isa, ang mga sinaunang Griyego, ang mga sinaunang Indian, ang mga Intsik, ang mga Hapones, at ang mga Indian ng Amerika ay lumikha ng kanilang sariling mga dramatikong tradisyon.

Literal na isinalin mula sa sinaunang Griyego, ang drama ay nangangahulugang "aksyon".

Mga uri ng drama trahedya drama (genre) drama para sa pagbabasa (play para sa pagbabasa)

Melodrama hierodrama mystery comedy vaudeville farce zaju

Kasaysayan ng drama Ang mga simulain ng drama - sa primitive na tula, kung saan ang mga elemento ng lyrics, epiko at drama na umusbong sa kalaunan ay nagsanib na may kaugnayan sa musika at gayahin ang mga paggalaw. Mas maaga kaysa sa iba pang mga tao, ang drama bilang isang espesyal na uri ng tula ay nabuo sa mga Hindu at Griyego.

Mga sayaw ng Dionysian

Ang dramang Griyego, na bumubuo ng mga seryosong relihiyoso at mitolohiyang mga balangkas (trahedya) at mga nakakatuwang iginuhit mula sa modernong buhay (komedya), ay umabot sa mataas na pagiging perpekto at noong ika-16 na siglo ay isang modelo para sa European na drama, na hanggang sa panahong iyon ay walang sining na pinoproseso ang relihiyon at pagsasalaysay ng mga sekular na plot (mga misteryo, mga drama at interlude sa paaralan, fastnachtspiel, sottises).

Ang mga manunulat ng dulang Pranses, na ginagaya ang mga Griyego, ay mahigpit na sumunod sa ilang mga probisyon na itinuturing na hindi nagbabago para sa aesthetic na dignidad ng drama, tulad ng: ang pagkakaisa ng oras at lugar; ang tagal ng episode na inilalarawan sa entablado ay hindi dapat lumampas sa isang araw; ang aksyon ay dapat maganap sa parehong lugar; ang drama ay dapat na bumuo ng tama sa 3-5 na mga gawa, mula sa balangkas (paglilinaw ng paunang posisyon at mga karakter ng mga karakter) hanggang sa gitnang pagtaas at pagbaba (pagbabago sa mga posisyon at relasyon) hanggang sa denouement (karaniwang isang kalamidad); ang bilang ng mga aktor ay napakalimitado (karaniwan ay 3 hanggang 5); ang mga ito ay eksklusibo ang pinakamataas na kinatawan ng lipunan (mga hari, reyna, prinsipe at prinsesa) at ang kanilang mga pinakamalapit na tagapaglingkod, mga pinagkakatiwalaan, na ipinakilala sa entablado para sa kaginhawaan ng pagsasagawa ng diyalogo at paggawa ng mga pangungusap. Ito ang mga pangunahing tampok ng French classical drama (Corneille, Racine).

Ang kahigpitan ng mga kinakailangan ng klasikal na istilo ay hindi na gaanong iginagalang sa mga komedya (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), na unti-unting lumipat mula sa conventionality hanggang sa paglalarawan ng ordinaryong buhay (genre). Ang gawa ni Shakespeare, na malaya sa mga klasikal na kombensiyon, ay nagbukas ng mga bagong landas para sa drama. Ang pagtatapos ng ika-18 at ang unang kalahati ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng paglitaw ng mga romantikong at pambansang drama: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang realismo ay pumalit sa European drama (Dumas son, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Sa huling quarter ng ika-19 na siglo, sa ilalim ng impluwensya nina Ibsen at Maeterlinck, ang simbolismo ay nagsimulang humawak sa eksena sa Europa (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Ang disenyo ng isang dramatikong gawain Hindi tulad ng iba pang akdang tuluyan at tula, ang mga dramatikong akda ay may mahigpit na tinukoy na istraktura. Ang isang dramatikong akda ay binubuo ng mga salit-salit na bloke ng teksto, bawat isa ay may sariling layunin, at na-highlight ng palalimbagan upang madali silang makilala sa isa't isa. Maaaring kasama sa dramatikong teksto ang mga sumusunod na bloke:

Ang listahan ng mga character ay karaniwang matatagpuan bago ang pangunahing teksto ng trabaho. Sa loob nito, kung kinakailangan, ang isang maikling paglalarawan ng bayani ay ibinigay (edad, mga tampok ng hitsura, atbp.)

Panlabas na pananalita - isang paglalarawan ng aksyon, sitwasyon, hitsura at pag-alis ng mga tauhan. Madalas na nai-type alinman sa pinababang laki, o sa parehong font tulad ng mga replika, ngunit sa mas malaking format. Sa panlabas na puna, maaaring ibigay ang mga pangalan ng mga bayani, at kung ang bayani ay lilitaw sa unang pagkakataon, ang kanyang pangalan ay karagdagang naka-highlight. Halimbawa:

Ang silid, na tinatawag pa ring nursery. Ang isa sa mga pinto ay patungo sa silid ni Anna. Liwayway, malapit nang sisikat ang araw. Mayo na, namumukadkad ang mga puno ng cherry, pero malamig sa garden, matinee. Sarado ang mga bintana sa kwarto.

Pumasok si Dunyasha na may dalang kandila at si Lopakhin na may hawak na libro.

Ang mga replika ay ang mga salitang binibigkas ng mga tauhan. Ang mga puna ay dapat na unahan ng pangalan ng aktor at maaaring may kasamang panloob na mga komento. Halimbawa:

Dunyasha. Akala ko umalis ka na. (Listens.) Eto, parang papunta na sila.

LOPAKHIN (nakikinig). Hindi ... kumuha ng bagahe, pagkatapos ay oo ...

Ang mga panloob na pananalita, hindi tulad ng mga panlabas na pahayag, ay maikling inilalarawan ang mga aksyon na nagaganap sa panahon ng pagbigkas ng isang replika ng bayani, o ang mga tampok ng pagbigkas. Kung ang ilang kumplikadong aksyon ay nagaganap sa panahon ng pagbigkas ng isang cue, dapat itong ilarawan gamit ang isang panlabas na cue, habang nagpapahiwatig sa alinman sa pangungusap mismo o sa cue sa tulong ng isang panloob na pangungusap na ang aktor ay patuloy na nagsasalita sa panahon ng aksyon. Ang panloob na tala ay tumutukoy lamang sa isang partikular na linya ng isang partikular na aktor. Ito ay pinaghihiwalay mula sa replika sa pamamagitan ng mga bracket, maaari itong i-type sa italics.

Ang pinakakaraniwan ay dalawang paraan ng pagdidisenyo ng mga dramatikong gawa: libro at sinehan. Kung sa format ng libro ay maaaring gamitin ang iba't ibang estilo ng font, iba't ibang laki, atbp. upang paghiwalayin ang mga bahagi ng isang dramatikong gawa, kung gayon sa mga cinematographic na sitwasyon ay kaugalian na gumamit lamang ng isang monospaced typewriter na font, at upang paghiwalayin ang mga bahagi ng isang gawa, gumamit ng padding, pag-type sa ibang format, pag-type sa lahat ng mga capitals, discharge, atbp. - iyon ay, ang mga paraan lamang na magagamit sa isang makinilya. Pinahintulutan nito ang mga script na mabago nang maraming beses habang ginagawa ang mga ito, habang pinapanatili ang pagiging madaling mabasa. .

Drama sa Russia

Ang drama ay dinala sa Russia mula sa Kanluran sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Ang malayang dramatikong panitikan ay lilitaw lamang sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Hanggang sa unang quarter ng ika-19 na siglo, nanaig ang klasikal na direksyon sa drama, kapwa sa trahedya at sa comedy at comedy opera; pinakamahusay na mga may-akda: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; I. Ang pagtatangka ni Lukin na itawag ang atensyon ng mga manunulat ng dula sa paglalarawan ng buhay at kaugalian ng Russia ay nanatiling walang kabuluhan: ang lahat ng kanilang mga dula ay walang buhay, stilted at dayuhan sa katotohanan ng Russia, maliban sa sikat na "Undergrowth" at "Brigadier" ni Fonvizin, " Yabeda" ni Kapnist at ilang komedya ni IA Krylov .

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin ay naging mga imitator ng magaan na French drama at comedy, at ang Kukolnik ay isang kinatawan ng stilted patriotic drama. Ang komedya ni Griboyedov na Woe from Wit, kalaunan ay naging batayan ng Russian daily drama ang Inspector General ni Gogol, Marriage. Pagkatapos ng Gogol, kahit na sa vaudeville (D. Lensky, F. Koni, Sollogub, Karatygin), kapansin-pansin ang pagnanais na mapalapit sa buhay.

Nagbigay si Ostrovsky ng isang bilang ng mga kapansin-pansin na makasaysayang salaysay at pang-araw-araw na komedya. Pagkatapos niya, ang dramang Ruso ay nakatayo sa matibay na lupa; ang pinakakilalang manunulat ng dula: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya. Solovyov, N. Chaev, gr. A. Tolstoy, c. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Prinsipe Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorky, L. Andreev at iba pa.