Im Laufe seines Lebens hat der Mensch versucht, Bewegung in seiner Kunst widerzuspiegeln. Die ersten Versuche, Bewegung in einer Zeichnung darzustellen, gehen auf etwa 2000 v. Chr. (Ägypten) zurück.

Ein weiteres Beispiel für Bewegung wurde in den Höhlen Nordspaniens gefunden: Dies ist die Zeichnung eines Ebers mit acht Beinen.

Heutzutage kann die Bewegungsübertragung durch Animationen realisiert werden.

Animation ist die künstliche Darstellung von Bewegung in Film, Fernsehen oder Computergrafiken durch die Anzeige einer Folge von Zeichnungen oder Einzelbildern in einer Frequenz, die eine ganzheitliche visuelle Wahrnehmung der Bilder gewährleistet.

Im Gegensatz zu Videos, die kontinuierliche Bewegungen verwenden, werden bei Animationen viele unabhängige Zeichnungen verwendet.

Synonym für "Animation" - "Animation"- in unserem Land sehr verbreitet. Animation und Animation sind lediglich unterschiedliche Definitionen derselben Kunstform.

Der uns geläufigere Begriff kommt vom lateinischen Wort „multi“ – viele und entspricht der traditionellen Technik der Zeichnungsreproduktion, denn damit der Held „zum Leben erwacht“, muss man seine Bewegung viele Male wiederholen: von 10 bis 30 gezeichneten Bildern pro Sekunde.

International anerkannte Berufsdefinition "Animation"(übersetzt aus dem Lateinischen „anima“ – Seele, „animation“ – Wiederbelebung, Animation) spiegelt am genauesten alle modernen technischen und künstlerischen Möglichkeiten des Animationskinos wider, denn Animationsmeister erwecken ihre Charaktere nicht nur zum Leben, sondern verleihen ihnen ein Stück ihrer Seele in ihre Schöpfung.

Aus der Geschichte der Animation

Animation hat wie jede andere Kunstform ihre eigene Geschichte. Das der Animation zugrunde liegende Trägheitsprinzip der visuellen Wahrnehmung wurde erstmals 1828 vom Franzosen Paul Roget demonstriert. Gegenstand der Demonstration war eine Scheibe mit dem Bild eines Vogels auf der einen und eines Käfigs auf der anderen Seite. Während sich die Scheibe drehte, wurde den Zuschauern die Illusion eines Vogels in einem Käfig vermittelt.

Die erste wirklich praktische Möglichkeit, Animationen zu erstellen, ergab sich aus der Entwicklung einer Kamera und eines Projektors durch Thomas A. Edison.

Bereits 1906 schuf Steward Blakton den Kurzfilm „Funny Expressions of Funny Faces“ (Humorous Phases of Funny Faces). Der Autor zeichnete an die Tafel, fotografierte, radierte und zeichnete dann erneut, fotografierte und radierte ...

Eine echte Revolution in der Welt der Animation wurde von WALT DISNEY (1901-1966), einem amerikanischen Regisseur, Künstler und Produzenten, vollzogen.

Dies ist keine vollständige Geschichte der Animation, sondern ein kleiner Exkurs vom Vorlesungsstoff. Sie können auf eigene Faust mehr über die erstaunliche und interessante Geschichte der Animation erfahren.

Animationstechnologien

Derzeit gibt es verschiedene Technologien zum Erstellen von Animationen:

Klassische (traditionelle) Animation stellt einen abwechselnden Wechsel von Zeichnungen dar, die jeweils einzeln gezeichnet werden. Dies ist ein sehr arbeitsintensiver Prozess, da die Animatoren jedes Bild einzeln erstellen müssen.

Stop-Frame-Animation (Marionette).. Im Raum platzierte Objekte werden durch den Rahmen fixiert, danach ändert sich ihre Position und wird wieder fixiert.

Sprite-Animation mithilfe einer Programmiersprache implementiert.

Morphing– Umwandlung eines Objekts in ein anderes durch Generierung einer bestimmten Anzahl von Zwischenbildern.

Farbanimation– damit ändert sich nur die Farbe, nicht aber die Position des Objekts.

3 D-Animation erstellt mit speziellen Programmen (z. B. 3D MAX). Bilder werden durch die Visualisierung einer Szene erhalten, und jede Szene besteht aus einer Reihe von Objekten, Lichtquellen und Texturen.

Bewegungsaufnahme (BewegungErfassen) – die erste Animationsrichtung, die es ermöglicht, natürliche, realistische Bewegungen in Echtzeit zu vermitteln. Sensoren werden an Stellen am Live-Schauspieler angebracht, die mit Kontrollpunkten im Computermodell ausgerichtet werden, um Bewegungen einzugeben und zu digitalisieren. Die Koordinaten und die Orientierung des Schauspielers im Raum werden an die Grafikstation übertragen und die Animationsmodelle werden zum Leben erweckt.

Prinzipien der Animation

Beim Erstellen von Animationsfilmen werden einige allgemeine Grundsätze verwendet. Die meisten davon sind für Disney-Animationen formuliert und ursprünglich auf Zeichentrickfilme angewendet, die mit traditionellen Animationstechniken erstellt wurden, aber fast alle sind auf andere Technologien anwendbar.
Hier sind die wichtigsten:

„Kompression und Dehnung“(Squash & Stretch). Dieses Prinzip revolutionierte die Welt der Animation. Der Kern des Prinzips besteht darin, dass sich ein lebender Körper bei Bewegung immer zusammenzieht und ausdehnt. Vor einem Sprung wird die Figur wie eine Feder zusammengedrückt, bei einem Sprung hingegen wird sie gedehnt. Die Hauptregel in diesem Fall ist ein konstantes Volumen – wenn ein Charakter gestreckt wird (Streckung – Verformung entlang der Y-Achse), muss er komprimiert werden, um das Volumen seines Körpers beizubehalten (Squash – Verformung entlang der X-Achse).

„Vorbereitende Maßnahme“ (Vorwegnahme). Im wirklichen Leben muss eine Person oft vorbereitende Bewegungen ausführen, um eine Aktion auszuführen. Zum Beispiel muss sich eine Person vor dem Springen hinsetzen; um etwas zu werfen, muss die Hand zurückgeführt werden. Solche Aktionen nennt man Verweigerungsbewegungen, weil Bevor die Figur etwas tut, scheint sie die Aktion abzulehnen. Diese Bewegung bereitet den Betrachter auf die nachfolgende Aktion der Figur vor und verleiht den Bewegungen Trägheit.

Bühnenperformance(Inszenierung). Damit das Publikum die Figur richtig wahrnimmt, müssen alle seine Bewegungen, Posen und Gesichtsausdrücke äußerst einfach und ausdrucksstark sein. Dieses Prinzip basiert auf der Hauptregel des Theaters. Die Kamera sollte so positioniert sein, dass der Betrachter alle Bewegungen der Figur sehen kann.

„Schlüsselbilder“ (Pose zu Pose). Vor der Entdeckung dieses Prinzips wurden Bewegungen gezeichnet, und daher war das Ergebnis schwer vorherzusagen, weil Der Künstler selbst wusste noch nicht, was er zeichnen würde. Dieses Prinzip beinhaltet die vorläufige Komposition von Bewegungen – der Künstler zeichnet die Hauptpunkte und platziert die Figur auf der Bühne, und erst dann zeichnen die Assistenten alle Rahmen der Bewegung. Dieser Ansatz steigerte die Produktivität dramatisch, weil... Alle Bewegungen wurden im Voraus geplant und das Ergebnis war genau wie beabsichtigt. Um jedoch ein bestimmtes Uhrwerk zu schaffen, war eine sorgfältige Ausarbeitung jedes einzelnen „Stücks“ erforderlich. Bei der Entwicklung ausdrucksstarker Posen steckt der Künstler sein ganzes Können hinein, sodass diese Momente für den Betrachter länger sichtbar sein sollen. Dazu führen Assistenten die Bewegungen so aus, dass die meisten Frames neben den Schlüsselposen landen. In diesem Fall scheint die Figur von einem Layout zum anderen zu wechseln, langsam aus einer Pose herauszukommen und in einer anderen langsamer zu werden.

„Durch Verkehr und Überwältigung“(Follow Through / Überlappende Aktionen).
Der Kern des Prinzips besteht darin, dass Bewegung niemals aufhören sollte. Es gibt Elemente wie Ohren, Schwänze, Kleidung, die ständig in Bewegung sein müssen. „Durch Bewegung“ gewährleistet die Kontinuität der Bewegung und einen reibungslosen Übergang der Phasen, beispielsweise vom Laufen zum Gehen und umgekehrt. Die Bewegung einzelner Körperelemente, während sich der Körper nicht mehr bewegt, wird als Überlappung bezeichnet. Überwältigung drückt sich in Szenen wechselnder Bewegungsphasen aus. Wenn ein Charakter nach dem Laufen plötzlich abbremst, können die weichen Körperteile nicht zusammen mit den harten anhalten und es kommt zu einer leichten Überlappung (Haare, Ohren, Schwänze usw.). Beim Gehen beginnt die Bewegung in der Hüfte und erstreckt sich dann bis zu den Knöcheln. Dadurch sind alle Bewegungen des Charakters in einer separaten Kette verbunden und es wird möglich, die Regeln, nach denen er sich bewegt, streng zu beschreiben. Eine Bewegung, bei der ein Element dem anderen folgt, nennt man Durchgangsbewegung.

„Bewegungen in Bögen“ (Bögen). Lebende Organismen bewegen sich immer auf bogenförmigen Bahnen. Zuvor wurde die Methode der geradlinigen Bewegung verwendet, und daher sahen die Bewegungen mechanisch aus – wie die von Robotern. Die Art der Flugbahn hängt in der Regel von der Bewegungsgeschwindigkeit ab. Wenn sich die Figur scharf bewegt, wird die Flugbahn gerade, wenn sie sich jedoch langsam bewegt, wird die Flugbahn noch stärker gebogen.

Kleinere Aktionen (Sekundäre Aktionen). Oftmals werden Sekundärbewegungen eingesetzt, um der Figur mehr Ausdruckskraft zu verleihen. Sie dienen dazu, die Aufmerksamkeit auf etwas zu lenken. Beispielsweise könnte ein trauernder Charakter häufig seine Nase in ein Taschentuch putzen, während ein überraschter Charakter möglicherweise mit den Schultern zuckt. Sekundäre Aktionen sind in der Weltanimation weit verbreitet. Durch ihren Einsatz werden die Charaktere lebendiger und emotionaler.

Zeitliche Koordinierung(Zeitliche Koordinierung). Mit diesem Prinzip können Sie dem Charakter Gewicht und Stimmung verleihen. Wie beurteilt der Zuschauer das Gewicht der Charaktere? Das Gewicht des Charakters setzt sich aus Faktoren wie Bewegungsgeschwindigkeit und Trägheit zusammen. Damit sich die Figur entsprechend ihrem Gewicht bewegen kann, berechnet der Künstler die Bewegungs- und Überlappungszeit für jede Figur. Bei der Zeitberechnung werden Gewicht, Trägheit, Volumen und emotionaler Zustand des Helden berücksichtigt. Die Stimmung wird auch durch die Geschwindigkeit der Bewegungen der Figur vermittelt. So bewegt sich ein deprimierter Charakter sehr träge, während sich ein inspirierter eher energisch bewegt.

Übertreibung (Übertreiben und karikieren). Walt Disney forderte von seinen Mitarbeitern immer mehr Realismus, ja er strebte eher nach „Cartoon-Realismus“. Wenn ein Charakter traurig sein sollte, verlangte er, ihn düster zu machen, aber ein glücklicher Charakter musste blendend strahlend gemacht werden. Mit Hilfe der Übertreibung wird die emotionale Wirkung auf das Publikum erhöht, die Figur wird jedoch karikiert.

Professionelles Zeichnen. Zeichnung ist die Grundlage von allem. In den Disney Studios sieht man häufig Schilder wie: „Hat Ihre Zeichnung Gewicht, Tiefe und Ausgewogenheit?“ Der Grundsatz des professionellen Zeichnens verbietet auch das Zeichnen von „Zwillingen“. „Zwillinge“ sind alle Elemente einer Zeichnung, die sich zweimal wiederholen oder symmetrisch sind. „Zwillinge“ erscheinen sehr oft gegen den Willen des Künstlers, ohne es zu merken, zeichnet er zwei Hände in der gleichen Position.

Attraktivität (Appellieren). Die Attraktivität der Figur ist der Schlüssel zum Erfolg des gesamten Films. Woran erkennt man, ob eine Figur attraktiv ist? Jedes Objekt kann attraktiv sein, wenn man es mit Freude betrachtet und darin Einfachheit, Charme, gutes Design, Charme und Anziehungskraft entdeckt. Es ist unmöglich, den Blick von der attraktiven Figur abzuwenden. Selbst die fieseste Filmfigur muss attraktiv sein, um den Zuschauer an die Leinwand zu fesseln.

Unter Animation versteht man die Erzeugung eines bewegten Bildes auf dem Bildschirm. Oder besser gesagt, die Illusion einer kontinuierlichen Bewegung. Tatsächlich handelt es sich hierbei um eine Folge statischer Frames. Es ist auch eine technisch komplexe und sich ständig weiterentwickelnde Kunst. Wenn Ihnen also jemand sagt, dass Cartoons nicht seriös sind, protestieren Sie energisch und begründen Sie dies. Hier finden Sie ein kurzes Bildungsprogramm zu den wichtigsten Arten bewegter Bilder, aus dem deutlich wird, warum Animationen Spielfilmen in nichts nachstehen und sie in mancher Hinsicht sogar übertreffen.

Klassischer handgezeichneter Cartoon

Viele zeichneten in ihrer Kindheit Figuren an den Rändern von Notizbuchblättern und wechselten dabei mit jeder Seite die Pose. Wenn Sie ein solches Notizbuch schnell durchblättern, scheint es, als ob die Figur rennt und die Blume blüht. Die klassische Frame-by-Frame-Animation funktioniert auf ähnliche Weise.

Das Standardformat für die Bildwechselfrequenz beträgt 24 Bilder pro Sekunde. Und all diese Rahmen müssen gezeichnet werden! Bisher erfolgte dies manuell. Im Laufe der Zeit kamen spezielle Bearbeitungsprogramme zur Rettung, sodass heute nur noch Referenzrahmen von Hand gezeichnet werden. Allerdings ist die Erstellung eines Stop-Motion-Animationsfilms immer noch eine mühsame und schwierige Aufgabe.

Die erste Variante der Stop-Motion-Animation wird manchmal als Thaumatrop bezeichnet, ein scheibenförmiges Vintage-Spielzeug mit Mustern auf beiden Seiten. Durch schnelles Drehen des Kreises auf dem Faden konnte der Effekt einer Kombination von Bildern erzielt werden. Aus einem Vogel und einem Käfig wurde beispielsweise das Bild eines Vogels in einem Käfig und aus Blumen und einer Vase ein vollwertiges Stillleben. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erschienen die ersten Zeichentrickfilme. Steward Blackton führte bei einem Kurzfilm Regie „Lustige Ausdrücke auf glücklichen Gesichtern“, und Emil Kohl - „Phantasmagorie“. In beiden Filmen zeichnen die Autoren Charaktere auf eine Tafel und erwecken sie dann zum Leben. Kohl fand heraus, dass jede Bewegungsphase ein eigenes Muster benötigte und verwendete eine vertikal montierte Kamera.

Dann geschah ein großartiges Ereignis – Walt Disney kam zur Animation. Er entwickelte insbesondere eine Möglichkeit, durch die Kombination verschiedener Pläne Volumen zu erzeugen, sowie eine Schicht-für-Schicht-Technik, bei der transparente Zelluloidfolien mit Bildern übereinander gelegt wurden, sodass der Rahmen nicht mehr vorhanden sein musste von Grund auf gezeichnet. Unter Verwendung des dreifarbigen Technicolor-Systems (das monochrome Bilder kombiniert, die mit roten, blauen und grünen Filtern aufgenommen wurden) erstellte Disney den ersten Farb-Cartoon, Flowers and Trees. Er drehte auch den ersten Tontrickfilm der Geschichte („Steamboat Willie“ mit einer pfeifenden Mickey Mouse in der Hauptrolle) und den ersten abendfüllenden Zeichentrickfilm „Schneewittchen und die sieben Zwerge“, der für echtes Aufsehen sorgte.

Es stellte sich heraus, dass Animationen für Menschen unterschiedlichen Alters interessant sind. Darüber hinaus können Sie mit einzigartigen Mitteln eine besondere emotionale Wirkung erzielen.

Ein Schauspieler kann trotz der Mimikry-Fähigkeiten von Jim Carrey und dem Engagement von Christian Bale, der für Rollen bis zu 30 Kilogramm abgenommen hat, immer noch nicht über die Grenzen menschlicher Fähigkeiten hinausgehen. Doch gezeichnete Helden sind nicht verpflichtet, sich strikt an die Gesetze der Natur und der Physik zu halten. Daher kann der Künstler sie mit beliebigen Proportionen, äußeren Merkmalen und Plastizität belohnen – solange dies alles zur Offenlegung des Bildes beiträgt.

Dafür müssen wir auch Disney danken, der ein ganzes Pantheon ikonischer Charaktere geschaffen hat, deren Charakter sich in ihrem Aussehen widerspiegelt. Seine Methoden wurden von anderen Animationsregisseuren übernommen. Dank ihnen gibt es heute Hunderte unvergesslicher animierter Helden und Bösewichte.

Der Stil der klassischen Animation kann unterschiedlich sein. Disney- oder sowjetische Cartoons, europäische Original- oder sogar abstrakte Animationen, Anime – verschiedene Stile, die Sie nie verwechseln werden. Technisch gesehen handelt es sich jedoch alles um eine Stop-Motion-Animation.

Puppenanimation

Die Stop-Motion-Technologie verwendet eine Modellbühne, die wie in einem Theater als Bühnenbild dient, und Puppenschauspieler. Um die Illusion von Bewegung zu erzeugen, werden die Posen der Figuren leicht verändert, Bild für Bild fotografiert und das Ganze dann verfilmt. Solche Animationen erschienen zusammen mit dem klassischen Kino. Zum Beispiel die berühmte Szene aus dem Film „Eine Reise zum Mond“, in der ein Raumschiff den Erdtrabanten direkt ins Auge trifft – auch das ist Stop-Motion.

Puppentrickfilme sind in der Welt der Animation immer eine besondere Geschichte. Sie werden nicht zu großen Franchise-Unternehmen gemacht (was aufgrund der Komplexität der Produktion auch nicht der Fall sein wird) und sie sind auch kommerziell nicht die erfolgreichsten. Allerdings liegt in dieser Methode der Wiederbelebung der Statik ein besonderer Zauber.

Solche Cartoons ermöglichen es, Volumen zu erzeugen, zu dem klassische handgezeichnete Animationen nicht in der Lage sind, und liefern außerdem Details, ohne dass etwas gezeichnet werden muss – platzieren Sie einfach Objekte im Rahmen. Das ist jedoch alles andere als einfach. Die Kulissen für Puppentrickfilme werden von Hand geschaffen, und das ist wirklich höllische Arbeit.

Rosa gefärbtes Popcorn wurde zur Darstellung von Sakura im Film Coraline verwendet.

Jede Blume auf den Spielzeugbäumen wird von Cartoonisten mit den Händen geschaffen und je nach Bedarf für die Szene platziert. In Kubo. Das Affenhaar „Legend of the Samurai“ besteht aus winzigen Silikonstückchen, die jeweils auf die Figur geklebt wurden. All diese Dinge müssen im Voraus durchdacht werden, denn wenn das Element bereits im Material erstellt wurde, funktioniert das Drücken von „Rückgängig“ nicht. Bei der Synchronisation von Puppenanimationen wird jede Lippenbewegung des Puppenschauspielers separat erzeugt, wodurch die Mimik mit der Tonspur synchronisiert wird. Heutzutage werden viele Teile auf einem 3D-Drucker gedruckt, und dennoch ist es immer noch ein Stück Arbeit.

In den 60er und 80er Jahren erfreute sich die Puppenanimation in der UdSSR großer Beliebtheit – wegen ihrer strukturierten Materialien und ihrer gemütlichen Intimität. „Mitten“ von Roman Kachanov, wo ein Klumpen roter Wolle einen Sturm der Gefühle hervorruft, und „Plasticine Crow“ von Alexander Tatarsky mit seinem virtuosen Formenspiel (Plasticine-Animation ist auch eine Unterart von Stop-Motion) und fröhlichen Liedern, erlangte besondere Sympathie in der Bevölkerung.

Irgendwann hat die Puppenanimation die Computeranimation in puncto Komplexität und Natürlichkeit der Figurenbewegungen hinter sich gelassen. Heutzutage haben die CG-Technologien jedoch Fortschritte gemacht, und Computerhelden sind ihren Marionettenkollegen nicht unterlegen, übertreffen sie jedoch in vielerlei Hinsicht.

Mit der Zeit verloren schwierig zu produzierende und zeitaufwändige Stop-Motion-Animationen an Popularität. Seltsamerweise tut ihr das gut. Nur ideologische Regisseure, die genau wissen, worüber sie sprechen wollen und einen originellen Stil haben, entscheiden sich für die Arbeit in diesem Genre. Zum Beispiel Tim Burton mit seinen berühmten Filmen über singende Skelette und tote Haustiere oder Wes Anderson, der bei dem Film Fantastic Mr. Fox Regie führte.

Computeranimation

Dabei werden bewegte Bilder mittels computergenerierter 3D-Animation erzeugt. 3D-Objektmodelle bewegen sich und interagieren so, wie es die Regisseure wünschen.

George Lucas war einer der ersten, der Computeranimationen im Kino einsetzte. Die Spezialeffekte der frühen Star-Wars-Folgen werden von vielen Fans immer noch höher geschätzt als die Grafik moderner Filme. Lucas‘ Studio ILM arbeitete auch an vielen berühmten Epen mit herausragenden Effekten (Indiana Jones, Zurück in die Zukunft, Star Trek) sowie an dem Film Who Framed Roger Rabbit, in dem er Schauspieler und gezeichnete Charaktere kombinierte.

Dann stellte sich heraus, dass Animation nicht nur Filme mit Schauspielern bedienen, sondern auch eine eigene Welt erschaffen kann. Die Pioniere auf dem Gebiet der Computeranimation, die dafür nicht weniger leisteten als Disney für die traditionelle Animation, waren das Pixar-Studio. Heute ist es das erfolgreichste Animationsstudio in der Geschichte des Kinos.

Der animierte Kurzfilm Luxo Jr. aus dem Jahr 1986 zeigt eine kleine Tischlampe, die von einer Elternlampe bewacht wird und mit einem Ball spielt. Den Lampen wurde die Ehre zuteil, zu Comicfiguren zu werden, weil sie es uns ermöglichten, mit Licht zu arbeiten und zu zeigen, wie verschiedene Oberflächen es reflektieren. Dieser kurze Zeichentrickfilm hat das, wofür die Arbeit von Pixar immer noch gelobt wird: innovative Technologie und emotionale Lebendigkeit der Charaktere. 1995 veröffentlichte das Studio seinen ersten vollständig computergenerierten Spielfilm, Toy Story.

Das Studio verbessert ständig die Technologie und sucht nach neuen Möglichkeiten. Lockiges Haar im Wind, im Wasser versinkende Gegenstände, Wolkenbewegungen, Millionen Sandkörner am Strand ...

Um bei CG-Filmen überzeugend zu wirken, müssen Texturen, Gewicht, Flugbahnen und viele andere Faktoren berücksichtigt werden. Die Tatsache, dass Objekte virtuell sind, macht ihre „materiellen Eigenschaften“ nur noch wichtiger. Schließlich wollen Künstler und Entwickler, dass der Gummiball zurückspringt und der Stoff im Wind flattert, genau wie beim Original.

Andere Studios haben diese Methoden übernommen, zum Beispiel Blue Sky Studios, das Ice Age veröffentlichte, und Dreamworks (die Franchises Shrek, Madagascar, Kung Fu Panda, Drachenzähmen leicht gemacht).

Die Computeranimation gab dem Betrachter die Tiefe des Bildes und die Möglichkeit, mit den Charakteren zu rennen und schwindelerregende Flüge zu unternehmen. Solche rasanten Kameradrehungen waren weder im klassischen Animationsfilm noch im regulären Kino möglich. Aus diesem Grund gibt es in 3D-Cartoons so viele Rennen und Abenteuer, und Drehbücher werden unter Berücksichtigung visueller Komponenten und Dynamik geschrieben.

Natürlich sind gute Cartoons nicht nur wegen der Technik attraktiv. Doch gerade die vielfältigen Möglichkeiten der Animation ermöglichen es Regisseuren, nicht nur Erlebnisse zu vermitteln, sondern auch komplexe Themen anzusprechen. Hayao Miyazaki spricht über Harmonie mit der Natur, Tim Burton macht sogar das Reden über den Tod zum Spaß und Pixar-Filme lehren, sich selbst zu akzeptieren und die eigenen Gefühle zu verstehen.

Dies ist der umfassendste Überblick über alle Aspekte des Konzepts Animation mit den besten Beispielen laut Herausgeber.

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Gesichter des Krieges: Jaina. Eine Mischung aus CG ART, 3D und Spezialeffekten ermöglicht es Ihnen, relativ kostengünstige Mini-Storys für Blizzard-Videos zu erstellen. CGI + 3D-Animation. Social-Viral-Video, das Sie vielleicht verpasst haben. Drehbuch, Regie und Produktion: Lubomir Arsov

Weitere Beispiele moderner Animation erwarten Sie weiter unten...

Arten von Animationen

Seit dem Aufkommen der einfachsten Animation wurde eine große Vielfalt an Typen und Stilen erfunden. Lassen Sie uns überlegen 5 Haupttypen :

• Traditionelle Animation;
• 2D-Vektoranimation;
• 3D-Computeranimation;
• Bewegungsgrafiken;
• Puppenanimation;

Traditionelle Animation (2D, Cel, handgezeichnet)

Traditionelle Animation, manchmal auch Cel-Animation genannt, ist eine der älteren Formen der Animation. Drin:

• Der Animator zeichnet jedes Bild, um eine Bewegungssequenz zu erstellen.
• Aufeinanderfolgende Zeichnungen, die schnell nacheinander belichtet werden, erzeugen die Illusion von Bewegung.

Das einfachste Beispiel einer solchen Animation ist alte Disney-Cartoons.

Zeichentrickfilm „Mowgli“

Wie entsteht traditionelle Animation?

• Der Animator bereitet das Arbeitsfeld vor: Ein transparentes Blatt Papier wird auf einem speziellen Bildschirm mit Hintergrundbeleuchtung befestigt.
• mit einem Buntstift wird eine Zeichnung auf ein Blatt Papier gezeichnet;
• Die Zeichnung sollte grob und ungefähr sein. Dies geschieht, um zu sehen, wie viele Frames für die ideale Bewegung der Figur erstellt werden müssen;
• Sobald die Aufräumarbeiten und Zwischenzeichnungen abgeschlossen sind, beginnt die Produktion damit, jedes einzelne Bild zu filmen.

Wie 1938 animierte Videos entstanden

Moderne Animatoren können vom manuellen Zeichnen von Charakteren und Rahmen Abstand nehmen. Stattdessen nutzen sie Computer, Tablets und Stifte.

Beispiele moderner traditioneller Animation

Eluvium. Autor Stas Santimov Bist du wie ich in der Welt verloren? Geschrieben von Steve Kats

Wo soll ich anfangen?

Mit einem Grundstudium können Sie in den Beruf einsteigen

Der Vorteil des Unterrichts ist eine konsequente Untersuchung des Prozesses der Animationserstellung nach dem Prinzip „vom Einfachen zum Komplexen“.

Um die ersten Schritte beim Erstellen von Animationen zu unternehmen, müssen Sie außerdem grundlegende Programme beherrschen wie:

Photoshop wird bei der Betrachtung von Animationssoftware oft übersehen, und seine Funktionen sind perfekt auf das Bild-für-Bild-Zeichnen jedes Stils zugeschnitten. Mit der Timeline-Funktion von Photoshop können Sie Animationen erstellen, indem Sie Bild für Bild mithilfe von Bow Skinning zeichnen.

• Das durchschnittliche Gehalt eines Animators im Westen beträgt 4.250 US-Dollar pro Monat;
• In unserer Region variiert es stark (im Studio, freiberuflich, aus der Ferne – von 400 bis 3500 US-Dollar pro Monat).

2D-Vektoranimation

Bojack Horseman (TV-Serie auf Netflix)

2D-Animation ist ein Begriff, der sich auf traditionelle handgezeichnete Animationen bezieht. Es kann sich auch auf Computer-Vektoranimationen beziehen, die traditionelle Techniken verwenden.

Prinzip 2D-Animationen

Zur Erstellung von Vektoranimationen werden die gleichen Methoden wie bei herkömmlichen Animationen verwendet.

Diese Flexibilität ermöglicht es auch einem Anfänger, sein erstes passables Video zu erstellen.

Wie lernt man?

Während herkömmliche Animationen erfordern, dass Sie ein guter Künstler sind, ist dies bei Computeranimationen nicht der Fall. 3D-Animationen ähneln eher einer Konstruktion als einer Zeichnung.

3D-Animationstechnologien haben viele Gemeinsamkeiten mit Stop-Motion, da sie einen bildbasierten Ansatz verfolgen. Aber in 3D ist die Umsetzung von Aufgaben einfacher zu bewältigen, da es sich um ein digitales Feld handelt.

3D-Modell

Anstatt eine Figur zu zeichnen oder aus Ton zu erschaffen, wird das Objekt bei der 3D-Animation digital erstellt. Später werden sie mit einem „Skelett“ ausgestattet, das die Bewegung der Modelle ermöglicht.

Animationen werden erstellt, indem Modelle auf bestimmten Schlüsselbildern erstellt werden. Der Computer berechnet und interpoliert dann zwischen diesen Bildern, um Bewegung zu erzeugen.

Unten sehen Sie ein visuelles Beispiel für den Prozess der Erstellung eines 3D-Modells in Blender.

Beispiele moderner 3D-Animation

Gepostet von ManvsMachine

Nike Air Max

Autor - PlatigeImage

Wonder Woman – Prolog | Making of

Beruf als 3D-Animator: Wo soll ich anfangen?

Der Beruf ist hart umkämpft, da diese Animation hauptsächlich kommerziellen Zwecken dient.

Wo kann ein Motion Designer arbeiten:

• In den Studios
• Freiberuflich tätig
• Vorlagen verkaufen
• Erstellen Sie Lernprodukte

Das durchschnittliche Gehalt eines Motion Designers im Westen beträgt 5.000 US-Dollar pro Monat; in unserem Land beginnt das Gehalt eines Spezialisten bei 700 US-Dollar pro Monat.

Stop-Motion (Puppenanimation)

Stoppen Sie die Bewegung– Dabei wird ein Objekt nach einem aufgenommenen Bild angehalten und nacheinander bewegt, um ein neues Foto und eine neue Bewegung aufzunehmen. Wenn man die aufgenommenen Fotos nacheinander abspielt, entsteht die Illusion einer Bewegung. So erhalten Sie Stop-Motion.

Diese Technik ähnelt der herkömmlichen Animation, jedoch verwendet der Animator anstelle von Zeichnungen echte Materialien.

Der Prozess der Arbeit an der Serie Robot Chicken

Ich liebe alle Formen der Animation, aber Stop-Motion hat etwas Einzigartiges und Besonderes: Es fühlt sich realer an. Aber ich denke, es ist auch irgendwie eine einsame und dunkle Sache.

Tim Burton

Entwicklung von Stop Motion

Stop-Motion-Animationen verwenden nacheinander fotografierte Objekte, um die Illusion von Bewegung zu erzeugen.

Beispiel einer Stop-Motion-Animation

Der Prozess der Erstellung einer Stop-Motion-Animation ist langwierig, da jedes Objekt Millimeter für Millimeter sorgfältig bewegt werden muss. Jedes aufgenommene Bild muss lediglich einen reibungslosen Bewegungsablauf des Objekts erzeugen.

Beispiele moderner Puppenanimation

Ein weiteres Beispiel von Robot Chicken, gepostet von Bruna Berford

Der Beruf des Puppenanimators: Wo fängt man an, wie viel verdient man?

Sie müssen in die Tiefen des Berufs eines Stop-Motion-Designers vordringen, indem Sie Dragonframe und iStopMotion beherrschen

Der Beruf des Stop-Motion-Designers hat sich auf dem Arbeitsmarkt nach und nach wiederbelebt. Stop-Motion ist heute eine kostengünstige Methode, bei der es leicht ist, guten künstlerischen Geschmack und Geduld zu zeigen. Darum verdienen Designer gutes Geld:

• Durchschnittsverdienst im Westen - 3864 $/Monat;
• bei uns – ab 1000 $/Monat.

Arten von Animationen

Schauen wir uns an, welche Arten von Animationen es gibt.

GIF-Animation

GIF (mit Dateierweiterung .gif) ist ein Bilddateiformat, das durch die Kombination mehrerer anderer Bilder oder Frames zu einem animiert wird.

Beispiel-GIF. (zur Verkleinerung in mp4 konvertiert)

Im Gegensatz zum JPEG-Format (.jpg) verwenden GIFs normalerweise einen Komprimierungsalgorithmus namens LZW-Kodierung, der die Bildqualität nicht beeinträchtigt und eine einfache Speicherung der Datei in Bytes ermöglicht.

Mehr darüber, was GIF ist, können Sie auf Wikipedia lesen.

Beispiele für GIF-Animationen

Beispiele für jeden Geschmack finden Sie auf dem Portal giphy.com

Wie erstelle ich selbst ein GIF?

• Wir haben zuvor über die schnellsten geschrieben.
• Hier ist noch eine nützliche Tutorial zum Erstellen von GIFs in Adobe After Effects.

Kineographie

Schauen Sie sich auch die Meinung an Kann Anime Mainstream werden?(auf Englisch).

Beispiele japanischer Animationen

Prison School Anime Flavours of Youth

Wie entsteht Anime?

Der Anime-Erstellungsprozess besteht aus mehreren Phasen:

• Suche nach Animations- und Charakterideen;
• Ausarbeiten eines Konzepts (Charaktere, die Haupthandlung sind durchdacht, einige erste Skizzen werden angefertigt);
• ein detailliertes Drehbuch schreiben;
• Zeichnen von Charakteren und Hintergründen;
• Beispiel-Storyboard;
• Skizzen oder Skizzen werden in digitaler Form präsentiert.

Video – Wie Anime entsteht

12 Prinzipien zum Erstellen von Animationen

1. Komprimierung und Dekomprimierung

Nach diesem Prinzip können Animationsobjekte komprimiert oder gedehnt werden, um Geschwindigkeit, Impuls, Gewicht und Masse des Objekts zu vermitteln.

Diese Technik kann verwendet werden, um die Sprungkraft oder Härte eines Objekts anzuzeigen (z. B. um zu zeigen, welcher Ball in einem animierten Video mit Wasser gefüllt ist und welcher nur eine Bowlingkugel ist). Auch Künstler nutzen dieses Prinzip, um die Mimik und Emotionen der Figur zu vermitteln.

Wichtig: Die Größe eines Objekts sollte sich nicht ändern, je nachdem, ob es gestaucht oder gestreckt wird.

Erstes Prinzip der Animation

2. Vorbereitung zum Handeln

Es dient dazu, den Betrachter auf jede Aktion der Zeichentrickfigur vorzubereiten.

Diese Technik wird beispielsweise verwendet, um zu zeigen, dass eine Figur sich auf einen Sprung vorbereitet. In diesem Fall besteht die Vorbereitung darin, dass der Charakter sich hinhockt, seine Kräfte sammelt und beginnt, sich aufzurichten, bis er in der Luft ist, was einem Sprung gleichkommt.

Wichtig: Ohne Vorbereitung auf irgendeine Aktion werden alle weiteren Schritte des Charakters unrealistisch und unplausibel erscheinen. Der Künstler kann diesen Moment nicht verpassen, da der Betrachter einfach nicht versteht, was die Figur in den nächsten Sekunden tun möchte, und das Anschauen eines solchen Videos einfach uninteressant sein wird.

Vorbereitung zum Handeln- Dies ist eine obligatorische Technik zur Aufrechterhaltung der Aufmerksamkeit.

Zweites Prinzip der Animation

3. Nachstellung

Ziel Dieses Prinzip besteht darin, die kreative Absicht des Autors so genau wie möglich darzustellen.

Bei jeder Animation ist es wichtig, den Blick des Betrachters auf einen Moment oder eine wichtige Nuance, die Bewegung einer Figur oder ein laufendes Ereignis zu lenken. Die Inszenierung lenkt gleichsam die Aufmerksamkeit auf das Wesentliche.

Beachten Sie, dass es bei diesem Prinzip notwendig ist, Nahaufnahmen mit einem entfernten Hintergrund abzuwechseln. Eine Nahaufnahme zeigt meist die Mimik der Figur, während im Hintergrund dynamische oder statische Ereignisse des Multimediavideos ablaufen.

Wichtig: In jeder Szene und im gesamten Video sollte die Handlung so klar wie möglich sein und im Fokus stehen. Andernfalls wird der Betrachter den Kern der Idee des Autors einfach nicht erfassen.

Das dritte Prinzip der Animation

4. Spontanes Handeln und Von Pose zu Pose

Prinzip spontane Aktion besteht darin, dass mehrere Zeichnungen nacheinander ohne konkreten Aktions- und Endplan erstellt werden.

Prinzip von Pose zu Pose besteht darin, dass der Künstler jeden letzten Bewegungspunkt zeichnet und erst danach Zwischenpositionen und Bewegungen zeichnet.

Wichtig: Das Prinzip von Pose zu Pose spart dem Künstler Kraft und Zeit, weil er dadurch genau weiß, was auf dem Bildschirm passieren wird und wie alles ausgehen wird. Bei spontaner Aktion gibt es keinen solchen Bonus – wenn der Künstler etwas falsch gezeichnet hat, muss er alles neu zeichnen.

Spontanes Handeln eignet sich gut zur Darstellung von Feuer, Tropfen, Wolken, Rauch und Staub, und es vermittelt auch perfekt die Ästhetik und Unvorhersehbarkeit natürlicher Phänomene.

Das vierte Prinzip der Animation

5. Trägheit und Überlappung

Dieses Prinzip wird angewendet, sodass sich Teile seiner Kleidung, Haare, Arme oder sogar Beine durch Trägheit weiter bewegen, nachdem die Figur angehalten hat. Dadurch wirkt der Stopp natürlicher und löst beim Betrachter keine Beschwerden über die Unnatürlichkeit des Bildes aus.

Trägheit und Überlappung lassen die Bewegungen, den Körper und den Charakter der Animation lebendiger erscheinen.

Zu dieser Gruppe gehört auch folgender Grundsatz: Kerl Wenn sich der Kopf des Charakters dreht, bewegen sich dank des Zugs seine Haare oder Wangen (wie die einer Bulldogge) langsam und federnd dahinter.

Das fünfte Prinzip der Animation

6. Machen Sie am Anfang und am Ende langsamer

Das Prinzip besteht darin, dass alle Bewegungen zunächst langsam ausgeführt werden, dann beschleunigt werden und am Ende wieder langsamer werden. Dies geschieht, um die Natürlichkeit des Videos zu maximieren und die gezeichnete Figur der Realität näher zu bringen.

Nur Roboter bewegen sich mit der gleichen Geschwindigkeit, daher versucht der Künstler, alle Bewegungen seiner Figuren in unterschiedlichen Amplituden und mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten darzustellen.

Wichtig: Verlangsamung wird nicht in allen Fällen verwendet. Um beispielsweise die Bewegung einer Kugel darzustellen, ist eine Verzögerung nicht notwendig, aber um die Bewegung einer Pistole während eines Schusses darzustellen, schon.

Das sechste Prinzip der Animation

7. Bögen

Ohne Berücksichtigung der Bogenbewegung des Charakters treten offensichtliche Fehler auf und werden zu mechanisch.

Absolut alle Charakterbewegungen werden nach dem Bogenprinzip ausgeführt, und zwar nicht, weil sie alle gleichmäßig sein müssen, sondern weil ein Bogen eine viel größere Flugbahn umreißen und dem Charakter die Möglichkeit geben kann, sich so natürlich wie möglich zu bewegen.

Das siebte Prinzip der Animation

8. Ausdrucksstarke Berührungen

Dieses Prinzip wird oft mit Überlappung verwechselt, aber das ist falsch. Ausdrucksstarke Striche sind Merkmale der Bewegungen einer Figur, die ihr Würze verleihen.

Ausdrucksstarke Berührungen verleihen den Bewegungen der Figur den Charakter des Augenblicks und der Stimmung. Wenn der Charakter böse ist, wird seine zweite Hand beim Klopfen an die Tür zur Faust geballt. Diese Berührung ist vielleicht nicht so auffällig, aber sie vermittelt perfekt die echten, echten Gefühle einer Person.

Ein Künstler, der so kleinen Details Bedeutung beimisst, erweckt die Animation zum Leben.

Das achte Prinzip der Animation

9. Bildrate

Der Gesamtcharakter der Animation hängt davon ab, wie viele Frames der Künstler zwischen den Hauptaktionen zeichnet.

Durch Ändern der Bildrate kann ein Animator bis zu 10 Geschichten erzählen. Wenn es viele Posen zwischen den Hauptbildern gibt und diese nahe beieinander liegen, werden die Bewegungen sehr langsam sein, und wenn es wenige Bilder gibt und sie weit voneinander entfernt sind, werden die Bewegungen sehr schnell sein .

Die Standardbildrate für Kino beträgt 24. Animationen werden auch in einem, zwei oder drei Bildern gezeichnet.

Wichtig: Je öfter sich die Rahmen ändern, desto sorgfältiger müssen sie gezeichnet werden.

Das neunte Prinzip der Animation

10. Hyperbolisierung

Das Prinzip besteht darin, dass fast jeder Gesichtsausdruck, jeder Gesichtsausdruck und jede Emotion einzigartig gemacht werden muss.

Mit diesem Prinzip lässt sich ein trauriges Gefühl noch trauriger und ein fröhliches Gefühl noch fröhlicher machen. Bei der Hyperbolisierung geht es nicht um eine Verzerrung von Emotionen und Mimik, sondern darum, Bewegungen und Mimik noch überzeugender zu machen.

Das Prinzip der Hyperbolisierung ist immer angemessen, da es jedes Video interessanter, reichhaltiger und vollständiger macht.

Der optimale Grad der Übertreibung ist schwer zu bestimmen. Daher müssen Sie die Idee zunächst maximal übertreiben und sie dann an das Video anpassen.

Zehntes Prinzip der Animation

11. Zeichnung

Nach diesem Prinzip müssen Sie so zeichnen, dass die Zeichnung im Rahmen des dreidimensionalen Raums dargestellt wird. Die Masse, das Volumen und die Ausgewogenheit des Charakters vermitteln.

Wenn Sie eine Figur von allen Seiten zeichnen, wird der Animationsprozess erheblich vereinfacht.

Wichtig: Wenn Sie eine Figur skizzieren, verwenden Sie am besten geometrische Standardformen wie Kugeln, Würfel und Zylinder anstelle von Quadraten und Rechtecken. Achten Sie außerdem darauf, dass die gezeichnete Figur nicht flach ausfällt.

Das elfte Prinzip der Animation

12. Charismatisch

Der Grundsatz lautet, dass der gezeichnete Held interessant und ungewöhnlich sein muss, das heißt, er muss beim Betrachter Emotionen hervorrufen, fesselnd sein und eine Wendung haben.

Die Schönheit einer Figur ist nicht unbedingt charismatisch. Diese Eigenschaft kann in jedem Detail zum Ausdruck kommen, in einer Figur oder in allen Figuren im Video enthalten sein.

Wichtig: Sie können die Ausstrahlung einer Figur erreichen, indem Sie die Form des Objekts und die Proportionen variieren und auch ein charakteristisches Detail hervorheben. Es muss ungewöhnlich sein und sich vom Gesamtbild des Charakters der Figur abheben.

Zwölftes Prinzip der Animation

Trends (Trends) in der Animation

Heutzutage entwickelt sich die Animation zu einer Vielzahl unterschiedlicher und spannender Möglichkeiten, Geschichten und Ideen zu erzählen. Dank der Entstehung neuer Fortschritte in der Technologie und den Telekommunikationstechnologien, Neue Trends im Animationsbereich.

• Sehen.

Hier sind die beliebtesten:

3D im Retro- und Vintage-Stil

Ein Stil der 3D-Animation, der wieder populär wird, ist der Retrofuturismus. Dies ermöglicht eine Fantasy-Ästhetik, von der die Menschen Ende der 70er und Anfang der 80er Jahre dachten, dass die Zukunft aussehen könnte.

Technik: Der Einsatz üppiger Lichteffekte und pixeliger digitaler Elemente dient dazu, das Gelände und die Charaktere in einer Retro-Welt zu schaffen.

Hochkontrastreiche Cel-Animation

Dies ist ein Animationstrend, der seit mehreren Jahren auf dem Vormarsch ist und von einigen der Top-Unternehmen der Welt genutzt wird, darunter Nike, Nickelodeon, Disney, Cartoon Network und sogar für die Winter X-Spiele.

Helle, kontrastierende Farben in Kombination mit kantigen Designs verleihen der Animation einen schlichten, fast Cel-ähnlichen Stil.

Ergebnis- eine lustige Sequenz, von der man kaum wegsehen kann.

Einige der besten Beispiele stammen von Golden Wolf, einer Animationsproduktionsfirma mit Sitz in London.

Mischen Sie 2D und 3D

Ein Trend, der in den letzten Jahren begann und weiter zunimmt, ist die Erstellung von Animationen, die wie eine Kombination aus 2D und 3D aussehen.

Sie müssen nicht lange suchen, um ein Tutorial zu finden, das Ihnen zeigt, wie Sie mithilfe des Cel-Shaders zum Rendern von 3D einen flachen 2D-Look erzielen.

Indem sie 3D-Objekten ein 2D-Aussehen verleihen, können Animatoren ausdrucksstarke, illustrative Elemente schaffen, die sofort die Aufmerksamkeit des Betrachters erregen und klare und farbenfrohe Informationen liefern.

Supersurrealismus

Wenn es einen großartigen Animationstrend gibt, der die Kraft der CGI-Bilder voll ausnutzt, dann ist es der surrealistische Stil.

Der hypersurreale Animationseffekt basiert auf der Kombination fotorealistischer Elemente mit fantastischer Bildsprache, um traumhafte Welten und Aktionen zu erschaffen.

Es gibt ein Beispiel für eine Animation wie „The Dreamer“ von Roof Studio für Honda, die den Zuschauer auf eine skurrile Reise mitnimmt, während ein realistisches Fahrzeug durch die Wildnis navigiert.

Dynamische Animation von Funktionen in Anwendungen

Anstatt statische Bilder oder ausschließlich Text zu verwenden, verwenden viele Apps im Jahr 2018 funktionale Animationen, die die Aufmerksamkeit des Benutzers mit einer lebendigen, interessanten Benutzeroberfläche fesseln.

Dazu gehört die Verwendung von Animationen zur Verbesserung von Navigationselementen, zur Bestätigung von Benutzereingaben, zum Vergrößern und Verkleinern von Inhalten usw.

Die Wiederbelebung der 2D-Animation im Marketing

In der Unterhaltungsbranche, etwa bei Filmen und Videospielen, verschwand die 2D-Animation fast vollständig, als 3D auf den Markt kam. Seitdem haben Unternehmen das Gefühl, dass es keinen besseren Weg gibt, Publikum, Spieler und potenzielle Kunden zu fesseln als 3D-Animationen, auch wenn dies mehr Zeit und Mühe erfordert.

Lektion aus der Serie: „Arbeiten im Flash-Editor“

Animation(von lat. Animare– animieren) – Nachahmung der Bewegung oder Formänderung statischer Objekte.

Neben dem Begriff „Animation“ gibt es auch den Begriff „Animation“ (von lat. Multiplikation- Multiplikation, Reproduktion).

Personal- Hierbei handelt es sich um gezeichnete oder fotografierte Bilder aufeinanderfolgender Bewegungsphasen von Objekten oder deren Teilen. Beim Betrachten einer Bildfolge wird die Illusion der darin dargestellten statischen Charaktere lebendig.

Um den Effekt einer sanften Änderung der Form und Position von Objekten zu erzielen, sollte die Bildrate, basierend auf den Eigenschaften der menschlichen Wahrnehmung, mindestens 12-16 Bilder pro Sekunde betragen.

Filme nutzen 24 Bilder pro Sekunde, Fernsehen 25 oder 30 Bilder pro Sekunde.

Das Zeichnen aller Bewegungsphasen (Rahmen) in den ersten Cartoons erforderte enorme Arbeitskosten. Für einen Cartoon mit einer Dauer von 5 Minuten und einer Frequenz von 24 Bildern pro Sekunde werden also 7200 Zeichnungen benötigt. Gleichzeitig enthalten viele Frames sich wiederholende Fragmente, die viele Male neu gezeichnet werden mussten.

Daher seit den 20er Jahren. 20. Jahrhundert begann, vereinfachte Animationstechnologie zu verwenden: Transparente Filme mit wechselnden beweglichen Elementen wurden auf eine statische, unveränderliche Zeichnung aufgebracht. Dies war der erste Schritt zur Mechanisierung der Arbeit eines Animators, die in der Computertechnologie entwickelt wurde.

Bei Computeranimationen werden nur wenige Referenzbilder gezeichnet (sie werden als „Referenzrahmen“ bezeichnet). Schlüssel) und Zwischenwerte werden von Computerprogrammen generiert (berechnet). Eine unabhängige Animation einzelner Bildelemente wird erreicht, indem für jede Figur grafische Objekte erstellt und auf verschiedenen Ebenen platziert werden (ähnlich den Transparenzen in der klassischen Animation).

Die wichtigsten Arten der Computeranimation: Einzelbildanimation und automatische Animation (Bewegungen und Formen).

Die Bild-für-Bild-Animation (Animation) besteht aus der Zeichnung aller Bewegungsphasen. Alle Frames sind Schlüsselframes.

Die automatische Animation besteht aus dem Zeichnen von Schlüsselbildern, die den Hauptphasen oder -stadien der Bewegung entsprechen, und dem anschließenden automatischen Ausfüllen der Zwischenbilder.

Jede Animation basiert auf der Aufzeichnung der Bewegungsphasen von Objekten und bestimmt zu jedem Zeitpunkt deren Position, Form, Größe und andere Eigenschaften, wie z. B. die Farbe. Dieser Vorgang wird als Phaseneinstellung oder Timing bezeichnet.

Um die Arbeitskosten zu senken und Fehler bei der Arbeit am Computer zu vermeiden, ist es sinnvoll, die Phasen zunächst auf Papier zu skizzieren.

Wenn Sie die Bewegung unbelebter Objekte animieren, können Sie sich darauf beschränken, die Bewegungsbahn anzuzeigen und Objekte an den wichtigsten Positionen zu fixieren.
Beispiel 1. Ein horizontal geworfener Ball trifft dreimal auf dem Boden. Zeichnen Sie mehrere Bewegungsphasen.

Zeichnen wir die Flugbahn des Ballzentrums. Lassen Sie uns die Position des Balls in den Momenten des Aufpralls auf den Boden (1, 2, 3) und des größten Anstiegs (2, 4) darstellen. Fügen wir noch ein paar Zwischenbestimmungen hinzu.

Beispiel 2. Zeichnen Sie die Bewegungsphasen eines gehenden und rennenden Mannes.

Lassen Sie uns die Bewegungsphasen wie in der Abbildung dargestellt darstellen.

Verfahren Animationen erstellen Schritt für Schritt wollten wir in diesem Artikel behandeln. Die fertigen Exemplare können Sie sich auf der Website des Studios ansehen. Und hier werden wir über den Prozess sprechen. Nachdem Sie diesen Text gelesen haben, werden Sie in der Lage sein, zu verstehen, wie die Arbeit in diesem Bereich normalerweise funktioniert, wer an dem Prozess beteiligt ist (eine kurze Beschreibung der Arbeit von Textern, Drehbuchautoren, Künstlern, Animatoren, Ansagern, Toningenieuren) und eine erhalten erste Idee, wo Sie mit dem Erlernen der Animation beginnen können.

Es ist besser, die Arbeit in mehrere Hauptphasen zu unterteilen und Schritt für Schritt vorzugehen; bei der Erstellung von Animationen ist Klarheit erforderlich.

ERSTELLUNG EINES CARTOONS

Artikel

So erstellen Sie einen Cartoon

Die Leute fragen oft, wie Cartoons entstehen? In diesem Artikel versuchen wir kurz, aber anschaulich zu erklären, wie dieser Prozess aussieht. Viel hängt davon ab, warum Sie einen Cartoon brauchen.

Wenn Sie für Ihr Unternehmen ein animiertes Video bestellen möchten, müssen Sie sich natürlich an Profis wenden. Wenn Sie den Cartoon Ihren Freunden oder Verwandten schenken, können Sie etwas Einfacheres tun, aber es ist besser, alles richtig zu machen. Dies ist ein langsamer Prozess und erfordert die Professionalität aller Prozessbeteiligten.

Wenn Sie lernen möchten, wie Sie selbst Cartoons erstellen oder Ihre Arbeit irgendwie mit Cartoons verbinden, dann hilft Ihnen dieser Text verstehen, wie das alles ungefähr geschieht und wer an diesem Prozess beteiligt ist.

Phasen der Schöpfung

Es ist besser, die Arbeit in mehrere Hauptphasen zu unterteilen. Es ist bequemer, die Arbeit in Teile zu unterteilen und Schritt für Schritt voranzuschreiten, insbesondere wenn Sie einen Cartoon nicht zu Ihrem eigenen Vergnügen, sondern für jemand anderen erstellen und beim Erstellen einer Animation Klarheit benötigen.

1. Ein Cartoon-Skript schreiben

In dieser Phase entwickelt der Texter ein Gesamtkonzept, eine Idee für den Cartoon. Oftmals haben die Leute bereits eine Vorstellung davon, was sie in einem Cartoon sehen möchten. Manchmal kommt es sogar vor, dass das Drehbuch bereits fertig entwickelt ist.

Ist dies nicht der Fall, wird ein Brief (so etwas wie ein Fragebogen) erstellt, in dem die wichtigsten Fragen aufgeführt sind, deren Beantwortung vorgeschlagen wird. In der Regel handelt es sich hierbei um Fragen zu den verfolgten Zielen, zur Zielgruppe, die mit der Erstellung des Zeichentrickfilms angesprochen wird, zur Dauer des Zeichentrickfilms, zu Stilvorlieben, Sprachausgabe usw.

Nachdem Sie ein solches Briefing ausgefüllt haben, wird die Situation viel klarer und Sie können mit der Erstellung eines Cartoon-Skripts fortfahren. Nach einem fertigen Briefing bietet der Drehbuchautor in der Regel mehrere verschiedene Drehbuchideen zur Auswahl an. Die ausgewählte Option wird zu einem vollwertigen Skript entwickelt.

Sobald das Drehbuch genehmigt ist, kann die Charakterentwicklung beginnen.

2. Charakterentwicklung

Die Charakterentwicklung beginnt meist dann, wenn die Hauptziele des Zeichentrickfilms, die Zielgruppe und stilistische Vorlieben bereits bekannt sind. Je nach Drehbuch entwickelt der Illustrator oder sogenannte Konzeptkünstler das Bild jeder einzelnen Zeichentrickfigur. Manchmal wird in einem separaten Schritt, noch vor dem Zeichnen der Charaktere, eine Beschreibung des Charakters jedes einzelnen Charakters entwickelt – beispielsweise ein Porträt jedes einzelnen Charakters in Textform. Dies geschieht, damit der Künstler bei der Entwicklung eines visuellen Bildes den Charakter der Figur bereits klar versteht.

Zunächst fertigt der Künstler in der Regel einige grobe Skizzen an, einfache Skizzen mit Bleistift oder auf einem Tablet. In diesem Stadium sind weder Farbe noch Klarheit der Zeichnung wichtig. Die Hauptsache ist, zunächst ein passendes Bild zu finden. Es werden 1-3 verschiedene Versionen des Charakterbildes erstellt. Wenn Ihnen etwas nicht gefällt, können Sie zusätzliche Optionen festlegen.

Nach der Genehmigung der Skizze erfolgt im nächsten Schritt die Fertigstellung und endgültige Zeichnung in Farbe und Vektor (sofern es sich um einen Flash-Cartoon handelt).

Dies geschieht bei jedem der Charaktere. Wenn alle Charaktere entwickelt sind und genehmigt, können Sie bedenkenlos mit dem Storyboarding beginnen.

3. Storyboard

Es ist zu beachten, dass Storyboarding grundsätzlich ein optionaler Schritt ist. Mithilfe eines Storyboards können Sie bereits vor Beginn der Animationserstellung nachvollziehen, wie der Zeichentrickfilm ungefähr aussehen wird. Wenn es diesbezüglich also besondere Wünsche oder Anliegen gibt, kann ein Storyboard für einen Zeichentrickfilm hilfreich sein.

Der Kern eines Storyboards ist einfach: Es handelt sich um eine statische Zeichnung der Hauptszenen eines Zeichentrickfilms. Anhand des Storyboards können Sie nachvollziehen, wie die Szenen im Zeichentrickfilm aussehen werden, ihre Reihenfolge, Dauer (wenn das Storyboard über einen Timecode verfügt), die Position der Hauptobjekte im Hintergrund und auch die Position der Charaktere relativ zum Hintergrund.

Beispiel-Storyboard für einen Cartoon

Das Storyboard kann schwarz-weiß in Form einer Bleistiftskizze oder farbig als Raster oder Vektor sein. Detaillierung und Zeichnung können auch unterschiedlich sein – alles hängt von der Komplexität des Cartoons und den Aufgaben ab.

Normalerweise reicht ein Storyboard aus, um zu verstehen, wie alles im Cartoon aussehen wird. Sobald das Storyboard fertig ist, können Sie in den meisten Fällen mit der Erstellung von Animationen beginnen. Aber in manchen Fällen (wenn Sie hundertprozentige Sicherheit benötigen, dass alles im Cartoon genau so ist, wie Sie es möchten) Es ist eine weitere Zwischenstufe erforderlich – eine Animation.

4. Animiert

Ein Animatic ist ein animiertes Storyboard. Das sind keine statischen Bilder mehr, aber auch kein Cartoon – irgendwas dazwischen. Eine Animation wird normalerweise streng nach dem Storyboard und der Zeit des Cartoons erstellt (wenn der Cartoon 30 Sekunden lang ist, dann wird die Animation genau für 30 Sekunden erstellt, damit Sie die Dauer jeder Szene nachvollziehen können, bevor sie durch die ersetzt wird). nächste).

Ein Beispiel für die Erstellung einer Animation

Die wichtigsten Momente können bereits in Animatics (komplett oder bedingt) animiert werden. Etwas kann schematisch mit Pfeilen dargestellt werden, einige zusätzliche erklärende Rahmen werden eingefügt, etwas wird mit Text beschriftet usw. Die Animation muss nicht sauber sein. Seine Funktion besteht darin, den Stoff aus dem Storyboard verständlicher zu machen.

5. Einen Cartoon erstellen

Die Animation ist fertig und genehmigt. Jetzt können Sie mit der Erstellung eines Cartoons beginnen. Der Animator verfügt bereits über alles Notwendige dafür. Parallel zur Animation kann ein Hintergrundkünstler an Hintergründen arbeiten. Außerdem ist für einen vollwertigen Zeichentrickfilm in der Regel eine Animationsvertonung erforderlich.

Die Vertonung kann unterschiedlich komplex sein und aus den folgenden Komponenten bestehen: Erzählung oder Arbeit der Schauspieler, Synchronisation von Ereignissen in einem Zeichentrickfilm, Hinzufügen von Musik, Schreiben von Gedichten, Liedern, Originalmusik, Mischen des gesamten Materials.

Aber kommen wir zurück zur Animation. Jeder Animator hat sein eigenes Arbeitsschema, das ihm am besten gefällt und an das er gewöhnt ist. Meistens zeichnet der Animator zunächst mithilfe der Animation die Hauptstandorte der Charaktere. Danach beginnt die Animation der Zwischenbilder zwischen diesen Orten und allem anderen.

Grundprinzipien der Animation

Bei der klassischen Animation (Animation) wird ein Zeichentrickfilm aus einer Abfolge statischer Bilder (Frames) erstellt. Die Bildrate kann unterschiedlich sein (meistens liegt sie zwischen 12 und 30 Bildern pro Sekunde). Das heißt, pro Sekunde werden 12 bis 30 Bilder angezeigt, die sich jeweils geringfügig vom vorherigen unterscheiden. Dadurch entsteht der Anschein von Bewegung.

Je mehr Bilder pro Sekunde, desto flüssiger ist die Bewegung; je weniger, desto abgehackter. Für Flash-Cartoons im Internet werden am häufigsten 12–18 Bilder pro Sekunde verwendet – dies liegt daran, dass die Erstellung von 24–30 Bildern pro Sekunde doppelt so lange dauert wie 12–15. Für das Fernsehen beträgt der Standard Pal 24-25 Bilder, für NTSC 30 Bilder pro Sekunde. Aber natürlich ist es für das Internet besser, die gleichen 24-25 Bilder pro Sekunde zu machen – solche Animationen sehen flüssiger und schöner aus.

Es muss gesagt werden, dass Cartoons für das Internet in der Regel Flash-Cartoons sind. Dieses Animationsprogramm richtet sich speziell an das Internet und verfügt über eine Reihe von Funktionen, die die Arbeit an einem Cartoon erleichtern und die Größe der endgültigen Datei reduzieren.

Die Größe einer Cartoon-Datei war vor ein paar Jahren sehr wichtig, als noch jeder Modems benutzte und eine weit verbreitete Nutzung von Online-Videos nicht in Frage kam – alles wurde zu langsam geladen. Damals war das SWF-Format für Cartoons unverzichtbar. Mittlerweile hat sich die Situation jedoch stark verändert – das Internet ist schnell und kostengünstig geworden und Zeichentrickfilme werden immer häufiger ins Videoformat übersetzt.

Videoanimation im Flash-Programm

Auch für die Optimierung der Arbeit eines Animators bietet Flash interessante Lösungen. Klassische Frame-by-Frame-Animationen sind sehr arbeitsintensiv und für das Internet in der Regel völlig unrentabel. In Flash können Sie Animationen sowohl Bild für Bild als auch durch Weiterleitung (mithilfe von Bewegungs-Tweening) erstellen. In den neuesten Versionen des Programms wurde außerdem die Möglichkeit hinzugefügt, Animationen auf dem Skelett zu erstellen, und natürlich die Verwendung von Symbolen ( (Animationsteile können in einer Schleife wiederholt und bei Bedarf mehrfach verwendet werden.) All dies trägt erheblich dazu bei, die Zeit zu verkürzen und die Animation zu beschleunigen. Natürlich sieht die Animation nach Skelett, Neupositionierung oder Bild für Bild in jedem dieser Fälle anders aus. Am klügsten ist es, diese Optionen zu kombinieren, um das optimale Ergebnis zu erzielen.

Postproduktion, Compositing für Cartoons

Postproduktion und Compositing für Cartoons sind Arbeiten, die erledigt werden können, nachdem der Cartoon fertig ist. Dies ist ein optionaler Schritt (Flash-Cartoons werden normalerweise ohne diesen Schritt erstellt). Diese Phase darf jedoch nicht unterschätzt werden, wenn es darum geht, schöne Rasterbilder in einem Zeichentrickfilm zu verwenden, interessante Farbeffekte zu erzielen oder einen Zeichentrickfilm für das Fernsehen zu erstellen. Animationen können in gemischten Medien erfolgen. Beispielsweise kann es sich um ein Video von Personen handeln, das mit Chromakey (auf grünem Hintergrund, der anschließend beim Compositing entfernt wird) aufgenommen wurde. Nehmen wir an, in diesem Video tanzen einige Leute. Sie können animierte Hintergründe erstellen und diese tanzenden Menschen dort platzieren, das heißt, sie werden in einem solchen Cartoon-Land tanzen. Oder umgekehrt können Fotos oder Videos als Hintergrund verwendet und animierte Charaktere darüber eingeblendet werden.

Sie können zum Beispiel ein Restaurant filmen und dann einen animierten Koch machen, der durch das Restaurant geht und erzählt, wie alles darin funktioniert. Mit Hilfe von Compositing können Sie eine schöne organische Kombination von Animationen mit Hintergründen erzielen, Farbkorrekturen vornehmen usw. All dies ermöglicht es Ihnen, den Cartoon so attraktiv und vollständig wie möglich zu gestalten.

Es muss gesagt werden, dass Cartoons für das Internet in der Regel Flash-Cartoons sind. Dieses Animationsprogramm richtet sich speziell an das Internet und verfügt über eine Reihe von Funktionen, die das Arbeiten an einem Cartoon und das Verkleinern erleichtern endgültige Dateigröße

Animationsprogramme

Es gibt viele Programme zum Arbeiten mit Animationen. Es gibt verschiedene Techniken und Animationen sowie verschiedene Versionen von Programmen, mit denen Sie Cartoons in bestimmten Techniken erstellen können.

Die beliebtesten davon: Adobe Flash, Toonz, Toon Boom Studio, Adobe After Effects, Anime Studio. Es gibt viele andere, aber wir werden uns in diesem Artikel auf diese beschränken.

Aufgrund seiner flexiblen Funktionen hat sich Flash zu einem führenden Unternehmen bei der Erstellung von Animationen für das Internet entwickelt. Toon Boom Studio kann als Analogon bezeichnet werden, das natürlich seine eigenen Eigenschaften hat und keine Programmierfunktionen wie Flash hat.

Toonz eignet sich eher für Stop-Motion-Animationen. After Effects ist ein sehr leistungsfähiges Programm zum Erstellen von Effekten, TV-Design und Compositing, und Sie können darin auch Rasteranimationen erstellen. Anime Studio ist wegen seiner Einfachheit, der Möglichkeit, das Skelett zu animieren, und der hochwertigen Rasterdarstellung interessant.

Im Allgemeinen hängt alles von den Aufgaben und Vorlieben ab. Es gibt auch Programme für 3D-Animation, Knetanimation usw. Aber das ist ein separates Gespräch.

Sehen Sie sich hier die Cartoons unseres Studios an: