다양한 장르의 노래 예시. 장르별 음악 컬렉션
전위
실험적인 음악적 창의성을 설명하기 위한 용어입니다. 새로운 표현 수단과 형태를 추구하는 것이 특징인 현대 미술의 다양한 운동을 일컫는 전통적인 이름입니다. 현대 아방가르드의 뿌리는 모더니스트 미술의 이념적, 미적 태도에 있습니다. 20세기 초반의 트렌드. 일반적으로 아방가르드의 하나 또는 다른 표현은 미적, 정치적, 사회적 교리의 "틀"에 나타납니다. 본질적으로 항상 '타자성'과 새로움을 지향하는 아방가르드는 활동의 철학으로 볼 수 있다.
음악적 구성 요소와 관련하여 텍스트의 우선성을 특징으로 하는 작곡 장르입니다. 작가가 직접 기타 반주로 연주한 곡들이다. 이는 분명히 아마추어 성격을 띠며 상당한 음악적 또는 보컬 훈련이 필요하지 않습니다.
대안
80년대 중반부터 펑크와 포스트펑크의 주류에서 탄생한 트렌드의 발전은 소위 국면에 들어섰다. "얼터너티브"(얼터너티브, 얼터너티브 록, 얼터너티브 팝/록). 지배적인 문화 전통에는 여러 하위 문화가 있으며, 그 음악을 일반적으로 "대안"이라고 합니다. 현재 '얼터너티브'는 주로 힙합, 하드코어 및 기타 트렌드가 교차하는 다양한 음악 스타일을 의미합니다.
블루스
블루스(블루스, 블루 데블스 - 슬픔, 우울) - 원래 미국 흑인 인구의 솔로 서정적 노래입니다. 초기 형식은 컨트리 블루스입니다. 이후 소위 특징적인 특징이 확립된 어반 블루스 또는 클래식 블루스는 주로 아프리카 민속 음악(싱코페이트된 리듬, 즉흥 연주, 음계 수준(보통 장조의 3도 및 7도)이 고정적으로 감소하지 않는 것에서 물려받았습니다.
보컬
노래를 위한 음악. 성악에는 반주 없이 한 성부, 여러 성부 또는 여러 성부를 위한 작품과 악기 반주로 노래하는 모든 음악 작곡(다양한 장르의 실내 성악, 악기 반주가 있는 합창단, 오페라)이 모두 포함됩니다.
재즈
재즈는 19세기와 20세기 초에 미국 남부 주에서 발전한 일종의 전문 음악 예술입니다. 가장 중요한 특징은 리듬의 기본 역할, 규칙적인 미터법 맥동, 다양한 음색 색상의 사용 등입니다.
수단이되는
악기 연주를 위한 음악(음성 참여 없음)
국가
음악학자들은 컨트리 음악을 원래 영국, 아일랜드, 스코틀랜드의 민속 음악이 혼합된 미국 음악 스타일로 정의합니다. 역사 전반에 걸쳐 스타일은 다른 스타일의 영향을 받아(그리고 결과적으로 그 발전에 영향을 미침) 그 결과 컨트리 웨스턴, 컨트리 록 등 다양한 스타일이 나타납니다.
셀티카
전통적인 영국, 아일랜드, 웨일스 음악의 형식(모티프, 멜로디 등)을 사용하는 현대 민족 음악(전자 음악 포함)의 한 유형입니다.
고전
특정 스타일이나 움직임을 나타내지 않는 용어입니다(고전주의와 혼동하지 마세요). 클래식은 최고의 예술적 요구 사항을 충족하고 깊이와 내용을 완벽한 형식과 결합한 음악 작품입니다. 고전은 어떤 기간에도 국한되지 않습니다. 먼 과거에 만들어진 작품과 현대 작곡이 모두 포함될 수 있습니다.
라틴어
라틴 아메리카와 카리브해의 모티프를 추적하거나 특정 형태의 라틴 아메리카 음악(보사, 룸바, 탱고, 삼바 등)을 사용하는 음악 작업을 하는 연주자의 음악을 설명하는 일반적인 용어입니다.
명상/휴식
이 용어는 주변, 뉴 에이지, 라운지 등과 같은 음악적 방향을 통합합니다. 통일의 원리는 언급된 방향의 기능적 목적, 즉 "휴식을 위한 음악적 배경"입니다.
금속
원래는 하드록이 발전하면서 형성된 음악적 스타일이었다. 현재 이는 특정 사운드와 이데올로기(작곡의 가사와 연주자의 이미지로 표현됨)가 모두 다른 모든 종류의 "헤비 음악"을 통합하는 용어입니다. 수많은 종류의 "메탈"(파워, 스피드, 스래시, 블랙, 둠, 데스 등)을 고려할 때 이는 음악적 방향뿐만 아니라 일종의 이데올로기로 간주되어야 합니다.
새로운 시대
청취자가 자신의 잠재의식에 몰입할 수 있도록 하는 특정 "마음 상태"를 생성하도록 설계된 현대(대부분의 경우 즉흥 연주가 아닌) 음악의 경향의 통일성을 포착하는 용어입니다. NEW AGE 음악의 기원은 재즈, 아트록, 미니멀한 성향의 어쿠스틱 실내악은 물론 일렉트로닉 음악에서도 찾아볼 수 있습니다.
펑크
70년대 중반에 '사회적 저항의 음악'(특히 록 음악의 상업화에 대한 저항)으로 확립된 운동입니다. 사회 현상으로서 펑크는 전통적으로 사회 제도에 대한 하층 및 중산층 대표자들의 불신을 표현하는 형태로 간주되었습니다. 하드코어, 스래시, 그런지는 펑크 록의 악기 기반에서 생겨났다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다.
인기 있는
상업적인 성공을 목표로 하는 경쾌한 팝 음악이 주를 이루는 다양한 스타일과 장르를 포괄하는 컨셉입니다. 현재 "팝"("팝 음악"에서 파생됨)이라는 용어는 진술에 부정적인 평가를 제공하는 데 자주 사용됩니다.
라디오 쇼
극적인 언어 및 소리 예술의 일종입니다. 모든 장르의 문학 작품 공연은 물론 라디오 극장에 특별히 적합한 연극 및 오페라 공연을 방송할 수 있는 가능성을 기반으로 하는 대중 라디오 방송의 예술 장르입니다.
리듬 블루스
RHYTHM AND BLUES는 순수한 블루스와 에너제틱한 재즈가 결합된 록 스타일 중 하나이다. 리듬 앤 블루스는 40년대 후반 시카고에서 등장했으며 이후의 대부분의 고유한 트렌드와 형태의 록을 탄생시켰습니다.(http://www.express.nsys.by:8100/index.php?sectionID=1&action=view&id= 217)
일렉트릭 기타, 색소폰, 배경 하모니를 사용하여 컨트리 블루스보다 더 풍성한 사운드를 만들어내는 1940년대 스타일의 어반 블루스 음악입니다. 그는 록 음악과 소울에 큰 영향을 미쳤습니다. 이 스타일의 클래식 연주자는 Ray Charles(Charles, Ray), B.B. King(King, B.B.), Ike 및 Tina Turner(Turner, Tina)로 간주됩니다.
바위
이데올로기로서의 록은 무엇보다도 하나 이상의 존재 구성 요소에 대한 예술가의 내부 항의입니다. 음악적인 관점에서 록은 박자가 있는 작품이고, 1~3박자가 있는 작품이다. 일반적으로 록의 악기 연주는 전기적이지만 이것이 전제 조건은 아닙니다. 록은 어쿠스틱, 합성, 심지어 순전히 보컬일 수도 있습니다. 현재 존재하는 대부분의 음악적 움직임은 록을 기반으로 합니다.
로커빌리
로커빌리(Rockabilly)는 컨트리(힐빌리라고도 함)와 블루스를 리드미컬하게 혼합한 로큰롤의 선구자입니다. 어쿠스틱 기타와 더블 베이스(로큰롤의 일렉트릭 기타와 반대)를 사용하는 것이 특징입니다.
로맨스
로맨스는 악기 반주를 동반한 성악을 위한 실내 성악 작품입니다. 로맨스에서 멜로디는 노래보다 더 자세하게 구절과 연결되어 일반적인 성격뿐만 아니라 개별 시적 이미지, 발전 및 변화도 반영합니다. 로맨스는 발라드, 비가, 바카롤, 댄스 리듬의 로맨스 등 다양한 장르로 구분됩니다.
러시아 샹송
Blatnaya 노래는 주제별(범죄 주제)에 따라 실내 성악(샹송부터 로맨스까지)의 다양한 음악 장르 작품의 통일성을 포착하는 용어입니다.
레게
자메이카에서 큰 변화를 겪은 아프리카계 카리브해 음악과 미국 r"n"b의 다양한 스타일을 설명하는 데 사용되는 용어입니다. 스카 스타일의 발전으로 인해 등장한 것으로, 스카와 비슷한 리듬을 갖고 있으나 낮은 템포에서 차이가 난다. 종교적, 철학적 교리인 라스타파리안주의(Rastafarianism)는 레게에 큰 영향을 미쳤습니다.
랩
힙합이라는 용어는 종종 힙합의 동의어로 사용되지만, 사실 랩은 힙합 문화의 구성 요소 중 하나일 뿐입니다. 원래 랩(Rap)은 하드 펑크 리듬을 동반한 리드미컬한 패턴으로 나중에 힙합의 주요 스타일적 핵심이 되었습니다. 현대 전문가들은 랩을 여러 방향으로 나눕니다. 이 구분의 원리는 지리, 이념, 리듬, 멜로디 등입니다. 어떤 사람들은 이 단어를 리드미컬한 미국 시(Rhythmical American Poetry)로 해석합니다.
사운드 트랙
장편 영화, 애니메이션 또는 드물게는 다큐멘터리 영화의 사운드트랙인 다양한 장르의 여러 음악 작품을 편집한 것입니다. 이는 높은 예술적 장점으로 인해 독립적인 "내재적"으로 작동(배포)할 수 있습니다. " 제품.
스카
스카(Ska)는 당김음(4/4박자)이 특징인 자메이카 음악의 국가적 형식으로, 전통적인 자메이카 멘토 음악과 미국 리듬 앤 블루스의 특징을 담고 있습니다. 스카의 요소는 펑크, 록 등 다른 장르에서도 사용됩니다.
영혼
50년대 중반 미국에서 확립된 운동으로 흑인 종교음악의 한 분야의 세속적 버전입니다. 소울(Soul)은 가스펠, 블루스, 펑크가 융합된 보컬 스타일이라고도 정의됩니다.
부드러운 바위
말 그대로 "부드러운 바위"입니다. 1969년부터 1974년까지 주로 미국에서 큰 인기를 끌었습니다. 잘 편곡된 멜로디의 포크록이었습니다. 소프트 록은 형식보다는 내용("좌익" 파토스의 반향)에서 감상적인 팝 발라드와 더 달랐습니다.
춤
기능적 목적이 분명한 음악, 즉 춤을 위한 음악입니다. 각 역사적 시대는 댄스 음악의 고유한 형태와 장르를 특징으로 합니다. 현재 '댄스 음악'이라는 용어는 일반적으로 하우스, 테크노 등 일렉트로닉 음악의 여러 댄스 장르로 이해됩니다.
사람들
민속 또는 민속 음악은 사람들의 성악(주로 노래, 즉 음악 및 시적), 기악, 성악 및 음악 댄스 창의성입니다. 민속 음악은 일반적으로 구전(비 서면) 형태로 존재하며 전통 공연을 통해서만 전달되는 민속 예술 창의성(민속)의 필수적인 부분입니다.
단단한 돌
말 그대로: 단단하거나 무거운 바위. 록 음악의 일종. 하드 록 작곡은 리듬 섹션을 전면에 배치하여 주관적인 무거움 느낌을 불러일으킵니다.
하드코어
"클럽 음악 - 하드코어 스타일. 하드코어는 음악적 방향이 아니라 음악을 만드는 접근 방식입니다. 하드코어는 빠른 펑크 록, 스피드 메탈, 다크사이드 요소가 포함되어 있습니다. 일반적으로 하드코어는 가장 잔인하고, 더럽고, 시끄럽고, 무겁고, 타협하지 않는 사운드 음악. 좁은 의미로 '팝 음악 장르'로 '하드코어'라는 단어는 80년대와 90년대 초에 하드 테크노에 적용됐고, 그 이전에는 80년대에는 '하드코어'라는 단어가 하드 테크노에만 사용됐다. 위협적입니다. 시끄러운 펑크 록. 현대 하드코어는 청취자를 행복감에 빠뜨리는 액션과 혼란스러운 연주에서 지난 천년의 음악과 크게 다릅니다..." (A. Krishalovich "단단하고 단호하며 타협하지 않습니다."
힙합"...음악 방향으로서의 힙합은 처음에는 흑인 인구의 음악 문화로 미국에서 시작되었습니다. 이것은 거리와 동네의 음악입니다. 힙합의 기초는 운율이 있는 "카트"를 읽는 것입니다( 이 "카트"는 ADVISTORY(욕설)라고 불리는 특유의 뜨거운 단어가 포함된 생활 거리에 대한 이야기를 기반으로 합니다. 힙합 산업." (L. Litvinova “Hip-hop to the People”
샹송
샹송(Chanson) - 넓은 의미에서 론도, 비렐, 보드빌, 로맨스, 혁명적, 사회적 노래 등 모든 역사적, 장르적 다양성을 지닌 프랑스 노래입니다. 러시아에서는 러시아 샹송이 구별됩니다. 이는 대중이 "도둑의 노래"와 동의어인 "결합된" 용어입니다.
전자제품
그룹이나 연주자의 악기 연주에는 "라이브" 악기가 없으며 그 일부는 사운드 신디사이저로 대체됩니다. 좁은 의미에서 '일렉트로닉 뮤직'이라는 용어는 댄스 또는 소위 말하는 것을 결합한 것입니다. "댄스에 가까운" 음악 스타일. 실제로 전자 음악은 광대한 사운드 세계 전체와 화성, 작곡, 즉흥 연주 분야의 가장 현대적인 발견을 결합합니다.
주변
다양한 유형의 노이즈 효과를 사용하고 표현력이 약하거나 리듬이 전혀 없는 것이 특징인 전자 음악 스타일입니다.
민족
전통 민요의 연주와 민속 악기, 멜로디 요소, 작곡 구조, 특정 민속 음악 장르의 특징을 사용하여 표현될 수 있는 모든 민족 그룹의 음악 전통의 특징을 전달하는 음악 사람들.
창조자와 피조물의 공통언어
내 길을 가로막는 장애물이 클수록 내 이기심의 반대 속성의 성격과 속성에 따라 그 안에서 "반대로부터의 도움"을 더 많이 볼 수 있습니다.
결국, 내가 그것, 그 모든 속성 위로 올라갈 수 있다면 나는 빛처럼 될 것입니다. 그렇지 않으면 나는 어떻게 빛과 같이 될 수 있는지 모릅니다.
나는 마지막 세부사항까지 이 모든 장애물을 느껴야 합니다. 나는 그들과 합류하여 빛의 힘으로 그 위로 올라갑니다!
그러나 나에게 그 형태를 주는 것은 바로 그들이다. 왜냐하면 빛 그 자체도, 즐기고자 하는 욕구도 그 자체의 형태를 갖고 있지 않기 때문이다. 이 유사성을 어떻게 또 달성할 수 있습니까? 욕망과 빛이라는 두 가지 절대적인 반대를 연결하는 방법은 무엇입니까?
따라서 이들을 연결하는 수단으로 칸막이, 사다리 가로대, 계단 등을 중간에 배치한다. 그리고 이 모든 장애물을 흡수한 즐거움에 대한 욕구는 결국 완전히 빛과 같이 될 것입니다.
그 안에는 즐기고 싶은 동일한 욕구가 남아 있을 것입니다. 하지만 이러한 필터는 그것이 빛처럼 되도록 도와줍니다. 그는 단지 그들 위로 올라가면 됩니다! 빛을 약화시키는 장애물로 받아들이지 말고 반대 형태로 자신을 포함하십시오. 이것을 “지식 위에 믿음으로” 행하는 것이라고 합니다.
Bina가 Malchut에 포함되고 Malchut이 Bina에 대한 권력을받는 상태에서 우리는 반대로 Bina가 Malchut을 지배하기 시작하고 Bina의 속성이 결정적이도록 일어나야합니다.
무한(Keter)과 마지막 네 번째 단계인 말쿠트(Malchut) 사이의 이러한 모든 형태는 창조주의 이름(속성)이라고 불리며 빛이 말쿠트를 창조하고 그녀에게 영향을 줄 수 있는 예가 됩니다.
그리고 Malchut은 HaVaYaH의 반대 방향으로 인해 자신에서 Kether로 빛을 입힐 수 있고(빛과 대화하여) 빛처럼 될 수 있습니다. 케테르(Keter)와 말쿠트(Malchut) 사이의 이 8개의 세피로트는 빛과 욕망, 창조자와 창조 사이에서 가능한 공통 언어와 같습니다.
추상 표현주의
추상 표현주의전후(XX세기 40년대 후반~50년대) 추상 미술 발전 단계. 이 용어 자체는 20년대 독일 미술 평론가에 의해 소개되었습니다. E. 폰 시도우 (E. von Sydow)는 표현주의 예술의 특정 측면을 언급합니다. 1929년 American Barr는 이 표현을 사용하여 칸딘스키의 초기 작품을 특징짓고, 1947년에는 그 작품을 “추상 표현주의”라고 불렀습니다. 윌레마 드 쿠닝가그리고 대구 무리. 그 이후로 추상 표현주의의 개념은 상당히 광범위하고 문체적, 기술적으로 다양한 추상 회화(나중에 조각) 분야로 통합되었으며, 이는 1950년대에 급속한 발전을 이루었습니다. 미국, 유럽, 그리고 전 세계에 걸쳐요. 추상 표현주의의 직접적인 조상은 초기로 간주됩니다. 칸딘스키, 표현주의자, 오르피스트, 부분적으로는 다다이스트, 초현실주의자 등이 정신적 자동주의 원칙을 갖고 있습니다. 추상 표현주의의 철학적, 미학적 기초는 주로 전후 시대에 유행했던 실존주의 철학이었습니다.
미래학자들의 2030년 예측
1. 인류는 인간의 두뇌와 기계가 하나의 시스템으로 들어가는 글로벌 컴퓨터 네트워크로 통합될 것입니다. 각 사람의 행동은 정보매체에 기록될 수 있고, 삶의 과정에서도 기록될 수 있다. 시스템의 각 거주자에게는 전자 IP 주소가 할당되어 시스템에 존재할 수 있습니다.
2. 영토 제한 없이 통합된 사이버네틱스 통제 법적 시스템이 확립됩니다.
3. 새로운 직업이 나타날 것이며, 그중에서도 고도로 전문화된 전문가가 주된 역할을 맡게 될 것입니다.
4. 현대 교통의 모습이 바뀌면서 항공 여행이 등장하게 될 것입니다.
5. 거대 도시는 계속 확장될 것이며, 인구의 극히 일부만이 교외에 남게 될 것입니다.
6. 인류 개선을 위한 연구인 우생학 금지에도 불구하고 인간 유전적 개선은 계속될 것입니다.
7. 지구의 인구가 증가함에 따라 추가적인 영양이 필요할 것이므로 현재 생산성을 몇 배나 초과하는 유전자 변형 동식물을 갖춘 바이오팜이 나타날 것입니다.
8. 전기와 석유를 완전히 대체하는 대체 에너지와 연료원이 등장할 것입니다.
9. 빛의 속도보다 수백 배 빠른 새로운 유형의 무선 통신이 나타날 것입니다. 현재의 정보 전송 방식은 홀로그램 방식으로 대체될 예정입니다.
10. 사람들 사이의 의사소통은 텔레프레즌스 기술의 도움을 받을 것입니다. 인공 순간이동 방식을 사용하게 됩니다.
11. 인간의 두뇌로 제어되는 장치가 많이 있을 것이다.
음악 장르.
음악(그리스어 μουσική, 그리스어 Μούσα의 형용사 - 뮤즈) - 예술은 시간에 따라 특별히 조직된 소리와 침묵의 예술적 이미지를 구현하는 수단입니다.
음악 장르- 특별하고 독특한 문체적 특징으로 구별되는 일종의 음악, 음악 작품입니다. 음악에서 장르의 개념은 내용과 형식의 범주 사이의 경계에 있으며 사용된 표현 수단의 복합성을 바탕으로 작품의 객관적인 내용을 판단할 수 있게 해줍니다. 일반적으로 역사적으로 확립된 음악 작품의 종류와 유형을 특징으로 합니다. 음악학에서는 장르를 결정하는 요소 중 어느 것이 주요 요소로 간주되는지에 따라 음악 장르를 분류하는 다양한 시스템이 개발되었습니다. 종종 동일한 작품이 다른 관점에서 특징지어질 수도 있고, 동일한 장르가 여러 장르 그룹으로 분류될 수도 있습니다. 예를 들어, 오페라에 포함된 성악과 기악의 다양한 장르처럼 '장르 안의 장르'도 구분할 수 있습니다. 오페라는 본질적으로 다양한 유형의 예술을 결합한 종합 장르입니다. 따라서 분류할 때 어떤 요소 또는 여러 요소의 조합이 결정적인지 염두에 둘 필요가 있다. 장르 특징은 서로 얽힐 수 있습니다(예: 노래 및 댄스 장르). 연주자의 구성과 연주 방법에 따라 장르의 가장 일반적인 분류가 결정됩니다. 이것은 우선 보컬 장르와 악기 장르로의 구분입니다. 일부 장르는 분류하기 어려운 복잡한 역사를 가지고 있습니다. 따라서 칸타타는 실내악 솔로 작품일 수도 있고 혼합 작곡(xop, 솔리스트, 오케스트라)을 위한 대규모 작곡일 수도 있습니다.
장르-특정 음악과 관련된 일종의 모델입니다. 내용의 실행, 목적, 형식 및 성격에 대한 특정 조건이 있습니다. 따라서 자장가의 목적은 아기를 진정시키는 것이므로 "흔들리는"억양과 특징적인 리듬이 특징입니다. 행진에서 - 음악의 모든 표현 수단이 명확한 단계에 적용됩니다.
가장 간단한 장르 분류는 다음과 같습니다. 실행 방법으로. 다음은 두 개의 큰 그룹입니다.
수단이되는(행진곡, 왈츠, 연습곡, 소나타, 푸가, 교향곡);
보컬 장르(아리아, 노래, 로맨스, 칸타타, 오페라, 뮤지컬).
장르의 또 다른 유형은 다음과 같습니다. 공연환경과 함께. 그것은 음악 장르가 있다고 주장하는 과학자 A. Sokhor의 것입니다.
1. 의식그리고 숭배(시편, 미사, 진혼곡) - 일반화된 이미지, 합창 원리의 지배성, 대다수 청취자들의 동일한 분위기가 특징입니다.
찬송가(그리스어: "찬양의 노래") - 구약성서에 나오는 유대교 및 기독교 종교 시와 기도의 찬송입니다.
대량의- 가톨릭 교회의 라틴 예식의 주요 예배입니다. 개회 예식, 말씀 전례, 성찬 전례, 폐회 예식으로 구성됩니다.
레퀴엠(라틴어 "휴식") - 가톨릭과 루터교 교회의 장례식(미사)은 정교회의 장례식에 해당합니다.
2. 대량 가구 장르(다양한 노래, 행진 및 춤: 폴카, 왈츠, 래그타임, 발라드, 성가) - 단순한 형식과 친숙한 억양이 특징입니다.
3. 콘서트 장르(오라토리오, 소나타, 4중주, 교향곡) – 일반적으로 콘서트 홀에서 연주되며, 서정적인 음색이 작가의 자기 표현입니다.
오라토리오- 합창단, 솔리스트, 오케스트라를 위한 주요 음악 작품입니다. 무대 액션이 없다는 점에서 오페라와 다르며, 더 큰 크기와 분기 플롯이 있다는 점에서 칸타타와 다릅니다.
소나타(이탈리아어: 소리)는 기악의 한 장르이자 소나타 형식이라는 음악형식이기도 하다. 실내악기와 피아노를 위해 작곡되었습니다. 일반적으로 솔로 또는 듀엣입니다.
사중주- 4명의 음악가, 성악가 또는 악기 연주자로 구성된 음악 앙상블.
교향곡(그리스어 "자음", "유포니") - 오케스트라를 위한 음악 작품입니다. 일반적으로 교향곡은 대규모 혼합 작곡 오케스트라(심포닉)를 위해 작성되지만 현악, 실내악, 관악기 및 기타 오케스트라를 위한 교향곡도 있습니다. 교향곡에는 합창단과 솔로 보컬이 포함될 수 있습니다.
민속 음악, 뮤지컬 민속 또는 민속 음악 (영어 민속 음악)은 민속 예술 (민속)의 필수적인 부분 인 사람들의 음악적, 시적 창의성으로, 일반적으로 구전 (기록되지 않은) 형태로 존재하며 대대로 이어집니다. 세대.
영적인 음악- 교회 예배나 일상생활에서 연주하기 위한 종교적 성격의 가사와 관련된 음악 작품.
고전 음악(라틴어 classicus에서 유래 - 모범적) - 시간의 시험을 견뎌온 지난 몇 년간 뛰어난 작곡가들의 모범적인 음악 작품입니다. 필요한 비율에 따라 특정 규칙과 표준에 따라 작곡되었으며 심포니 오케스트라, 앙상블 또는 솔리스트의 연주를 위한 음악 작품입니다.
라틴 아메리카 음악(스페인어 música latinoamericana) - 라틴 아메리카 국가의 음악 스타일과 장르뿐만 아니라 다른 주 영토에 밀집되어 살고 대규모 라틴 아메리카 커뮤니티(예: 미국)를 형성하는 이들 국가 출신 사람들의 음악에 대한 일반화된 이름입니다. ).
블루스미국에 거주하는 흑인 음악가들이 만들어낸 음악 스타일이다. 블루스는 19세기 말 미시시피 강 삼각주 부근의 남부 주에서 처음 연주되기 시작했습니다. 이 스타일의 음악은 매우 다양하며, 많은 음악가들이 자신만의 연주 스타일을 만들어냈습니다.
재즈(잉글리시 재즈)는 19세기 말에서 20세기 초 미국에서 아프리카와 유럽 문화의 통합으로 생겨나 이후 널리 퍼진 음악 예술의 한 형태입니다. 재즈 음악 언어의 특징은 처음에는 즉흥 연주, 당김음에 기반한 폴리리듬, 리듬 질감을 연주하는 독특한 기술 세트인 스윙이었습니다. 재즈 음악가와 작곡가의 새로운 리듬 및 하모닉 모델 개발로 인해 재즈가 더욱 발전했습니다.
국가(컨트리 음악의 영어 국가-농촌 음악)은 가장 널리 퍼진 북미 민속 음악 유형으로 미국 팝 음악보다 인기가 열등하지 않습니다.
음악 속의 로맨스- 사랑을 중심으로 서정적인 내용을 담은 짧은 시를 바탕으로 작곡한 성악곡입니다.
전자음악(독일 Elektronische Musik, 영어 전자 음악, 구어체로 "전자 공학"이라고도 함)은 전자 악기 및 기술(대개 특수 컴퓨터 프로그램을 사용하여)을 사용하여 만들어진 음악을 나타내는 광범위한 음악 장르입니다.
록 음악(영어: 록 음악)은 대중음악의 여러 분야에 대한 일반적인 이름입니다. "rock"이라는 단어 - (영어에서 "pump, sway, sway"로 번역됨) - 이 경우 "roll", "twist"와 유사하게 특정 형태의 움직임과 관련된 이러한 방향의 특징적인 리듬 감각을 나타냅니다. "스윙" ", "흔들기" 등등. 예를 들어 전자 악기의 사용이나 창의적인 자급자족(록 음악가는 일반적으로 자신의 작곡을 연주함)과 같은 록 음악의 일부 독특한 특징은 부차적이며 종종 오해를 불러일으킵니다.
레게(영어 reggae, 또 다른 철자는 "reggae"임)은 1960년대에 등장하여 1970년대부터 인기를 끌었던 자메이카 대중음악입니다.
대중 음악(대중 음악의 영어 팝 음악) - 현대 대중 문화의 일종 인 현대 음악의 방향. 대중음악과는 별개의 장르, 즉 기억하기 쉬운 노래이다.
일반 컬렉션 외에도 우리는 주제별 컬렉션의 도움을 받아 기꺼이 이야기하는 더 많은 틈새 하위 장르에도 관심이 있습니다. 예를 들어, 대중적인 작곡에 익숙해지거나 분위기에 푹 빠질 수 있습니다.
전자 팬은 행성의 주요 차트를 연구하여 선택한 현장의 신제품에 대해 알아볼 수 있습니다. 컬렉션에는 패셔너블한 베이스 음악, 인기 있는 클럽 히트곡, 바쁜 밤의 유흥 이벤트가 포함되어 있습니다.
또한 상황별 기준에 따라 장르 음악을 그룹화했습니다. 예를 들어 최신 음악을 다운로드하거나 비슷한 스타일의 감정가들과 함께 편안한 저녁 시간을 보낼 수 있습니다. 팬을 위해 이 섹션에는 90년대 클래식 작곡과 이 장르의 팬을 위한 보다 구체적인 민속 음악이 담긴 재생 목록이 바로 다운로드 가능하게 포함되어 있습니다.
컬렉션을 다운로드하거나 온라인으로 들으시겠습니까?
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개념과 기능
일반적인 이해에서 음악은 특정 유형의 인간 소리 활동입니다. 사람의 생각과 의지 표현을 들을 수 있는 형태로 표현하는 것이 가능합니다. 음악은 문화 전체와 마찬가지로 결정적인 사회적, 심리적 역할을 합니다. 사회와 개인을 대상으로 다양한 자질을 형성하는 도구입니다. 사회에서 지배적인 음악의 경향과 유형을 비롯한 여러 요인에 따라 문화 형성의 수단이 될 수도 있고 반대로 미적 구성 요소를 억제하는 수단이 될 수도 있습니다. 따라서 기능 중에서 다음과 같은 기능을 구분할 수 있습니다.
교육적인;
미적인;
정리;
보상;
재미있는.
음악의 도움으로 사람의 자질과 기분에 영향을 미칠 수 있습니다. 따라서 일부 멜로디는 회복력과 용기를 키우고 말하자면 내부 힘을 동원합니다. 반대로 다른 유형의 음악은 애지중지하거나 낭만적인 분위기를 조성합니다.
주요 음악 유형
음악 문화는 엄청나게 다양하므로 시간적 요인과 공간적 요인을 기반으로 특정 분류가 있습니다. 민족 음악, 클래식, 재즈, 블루스, 팝 음악, 힙합, 록, 컨트리, 펑크, 레게, 현대, 전자 및 기악 음악과 같은 유형의 음악이 있습니다. 차례로 이러한 영역은 별도의 하위 유형으로 나뉩니다. 예를 들어 민족 음악은 러시아 멜로디, 스페인어, 집시, 켈트족 등 세계 여러 민족의 음악 스타일을 강조합니다.
록 음악은 로큰롤, 얼터너티브 록, 펑크 및 테크노 록, 러시안 록과 같은 스타일로 표현됩니다. 디스코, 펑크, 리듬, 블루스 등 소위 혼합 장르도 있습니다. 이러한 다양성은 인간이 자신의 내면 세계를 개별적으로 표현하는 능력과 단일 사운드 공간의 다양한 측면을 마스터하는 능력의 결과입니다.
예술 형식으로서의 음악
음악이 예술 형식 중 하나로 간주되는 것은 당연한 일입니다. 그것은 인간의 영혼과 마음의 인식과 잠재의식 수준에 강한 영향을 미칩니다. 이러한 유형의 창의적 활동은 아름다움과 도덕적 가치의 법칙에 따라 사회의 영적 인식을 변화시키는 능력으로 구별됩니다.
다른 예술과 마찬가지로 음악 콘텐츠는 뗄래야 뗄 수 없을 정도로 연결되어 있으며 시대의 역사적, 국가적, 미적 이상과 창작자 자신에 따라 달라집니다. 그 안에서 사회와 개인의 정신적, 감각적, 지적, 경험적, 문화적 원리의 통일과 상호작용이 가능하다. 예술 형식으로서의 음악은 가치, 영감, 아름다움과 같은 개념과 불가분의 관계가 있습니다. 또한 많은 사람들은 그것을 절대 정신의 본질과 동일시합니다.
클래식과 종교음악
대부분의 경우 클래식 음악에는 예술의 특정 역사적 시대에 만들어진 작품이 포함됩니다. 이 방향의 작품은 가장 높은 예술적 요구 사항을 충족하고 깊이, 내용 및 형태의 완벽성 개념을 결합합니다. 필요한 비율을 유지하면서 특정 규칙과 표준에 따라 작성되었습니다.
클래식 음악을 연주하는 주요 악기로는 관악기, 현악기, 건반악기가 있습니다. 이 음악은 장르도 다양합니다. 여기에는 교향곡, 모음곡, 오페라, 소나타 및 종교 음악이 포함됩니다. 이러한 유형의 음악은 시간의 시험을 견뎌 왔으며 현대 사회에서 많은 청중을 보유하고 있습니다.
현대적인 방향
현대 음악은 너무 다양하고 다면적이어서 모든 장르를 하나의 논리적 분류로 축소하는 것조차 어렵습니다. 그 중 일부는 문화적 관점에서 흥미롭고, 다른 일부는 상업적 관점에서 흥미롭습니다. 마지막 요소에 대해 이야기하면 우선 팝 음악을 의미합니다. 한편으로는 힙합, 록, 재즈 등 모든 대중 음악이 포함될 수 있습니다. 그러나 이 개념의 좁은 의미는 여러 가지 특정 특성을 전제로 합니다. 주로 편곡의 단순성과 멜로디에 의해 결정되며, 악기 구성 요소보다는 보컬과 리듬에 중점을 둡니다. 또한 현대 음악 유형에는 R'n'B 장르, 디스코, 래그타임, 샹송 등이 있습니다.
전자음악
물론 현대음악의 가장 널리 보급되고 인기 있는 분야 중 하나는 전자음악이다. 신디사이저, 컴퓨터, 샘플러 또는 드럼 머신과 같은 전자 장비를 사용하여 생성됩니다. 이러한 유형의 음악에는 약 200가지 스타일이 포함됩니다. 그 중 가장 유명한 것은 클럽 음악이며 디스코, 클럽 등에서 연주됩니다. 전자 음악에는 테크노, 하우스, 트랜스 및 덥스텝 스타일도 포함됩니다.
또 다른 인기 있는 스타일은 라운지입니다. 이 용어는 "밝은 배경음"으로 번역됩니다. 라운지 음악은 즉흥 연주뿐만 아니라 재즈 영향, 보사노바, 일렉트로닉 방향도 추적합니다. 기본적으로 이러한 음악은 바, 카페, 호텔, 상점에서 가볍고 눈에 띄지 않는 분위기를 조성합니다.
다양한 유형의 음악은 특징적인 구조적, 문화적 특징이 다르며 다양한 청중을 대상으로 하며 개별 작업과 기능을 수행합니다.
감정의 움직임.
뮤지컬 극작
음악 스타일
음악적 형식
4) 음악적 구성의 미학적 질서로, 형태성 또는 형태 없음으로 나타납니다.
5) 음악 이론 과학의 한 분야 중 하나입니다.
따라서 음악 형식의 두 가지 범주가 고려됩니다.
a) 넓은 의미에서 - 콘텐츠를 구현하는 방식으로;
b) 밀접하게 - 전체적 구성으로 결합된 음악 작품의 기능적으로 다른 섹션과 부분을 배포하기 위한 계획입니다. 그렇지 않으면 호출됩니다. 구성 또는 구성 계획의 형태.
구성의 형태에는 두 가지 측면이 있습니다.
*) 음악 콘텐츠, 장르 및 주제, 음악 존재 형태와 관련된 외부, 이는 기본 장르에 특히 중요합니다.
*) 내부, 내부 조직, 측면, 요소 공개와 관련됩니다.
구성 기능:
1) 작업 내용에 따라 결정되는 의미;
2) 청취자의 인식을 관리하는 것을 목표로 하는 의사소통.
분석방법 및 형태
분석의 주요 문제는 형식과 내용의 관계입니다. 분석 작업:
a) 음악이 표현하는 감정과 감정을 공식화합니다.
b) 이를 위해 어떤 수단이 사용되었는지;
c) 작곡가의 스타일, 장르, 창의성을 탄생시킨 시대와 콘텐츠를 연결합니다. 위의 사항은 분석의 별도 측면으로 간주되어 독립적인 형태로 분리될 수 있습니다.
분석 형태(Yu. Kholopov에 따르면) :
1) 실천미학으로서의 분석. 이는 음악의 패턴을 추적하고 평가하는 것으로 구성됩니다. 분석에 포함된 음악적 현상에 대한 인식과 미적 경험은 분석의 특정 부분에 구체적인 미학 연구, 실천적 미학의 성격을 부여합니다.
2) 분석 설명. 이 종은 새로운 현상이 기술될 때만 과학적 가치가 있습니다. 설명은 일반적으로 알려진 용어로 음악 텍스트를 다시 말하는 것입니다.
3) 전체적 또는 복잡한 분석. V. Zuckerman의 방법. 이는 에세이와 관련된 광범위한 정보를 분석에 포함시키는 것으로 구성됩니다. 내용과 형식은 불가분의 통일성으로 간주됩니다. Zuckerman: "분석은 지식뿐만 아니라 감성도 필요하기 때문에 과학과 예술의 종합입니다."
4) 정량 및 측정 분석. 이것은 문자 그대로의 분석, 즉 전체를 요소로 나누는 것입니다. 여기서 문제는 측정의 주요 대상이 부정확하기 때문에 발생합니다.
더 넓은 관점에서 볼 때 분석 자체는 종합과 전혀 분리될 수 없습니다. 이것은 사고와 인지의 단일 과정의 양면입니다. 분석은 전체론적이어야 할 뿐만 아니라, 가치 기반즉, 존재를 감지해야 합니다. 영적인 연결.음악 분석은 다음과 같은 경우 음악을 남기지 않습니다.
*) 음악의 기술적 수단을 미학적으로 표현함
*) 음악의 소리 형식을 보존합니다. 즉, 음악적 예를 들어 작동합니다.
가치 분석은 미적 경험을 통해 음악의 비유적이고 감성적인 측면을 드러냅니다. 분석의 가치 방법에서 '수단'은 주로 음악 형식의 틀 내에서 해석됩니다. 따라서 분석의 대상으로서 형태 개념의 지배적인 의미가 있습니다.
음악 연설의 구조
음악 형식은 구조의 계층 구조(상호 종속)가 특징입니다. 음악 형식은 여러 섹션으로 구성되며 각 섹션은 하위 섹션으로 나뉩니다. 이 기간에는 다음 하위 섹션이 포함됩니다.
1) 문장 – 종지에 의해 완료되는 기간의 가장 큰 부분;
2) 구 – 휴지기로 구분된 문장의 일부;
3) 동기 - 하나의 강력한 몫과 관련된 형태의 최소 구조 요소.
미터법 모양 구조
임시 예술로서의 음악에서는 비례성, 즉 부분의 비례성이 중요합니다. 음악 형식에서는 강한 비트 수에 따라 다음과 같은 미터법 구조가 구별됩니다.
1) 직각도 - "4시계 부품"(Sposobin). 직각도는 움직임(댄스, 행진)과 관련된 장르에서 일반적입니다.
2) 비직사각형 - 직각도 원칙 위반(3+3, 6+6권). 러시아 민요의 특징.
간단한 두 부분으로 구성된 형식
단순 형식은 2~3개의 부분으로 구성된 형식으로 각 부분은 마침표만큼 복잡하지 않습니다. 기간과의 차이점은 발달 섹션이 있다는 것입니다. 노래나 댄스 음악에서 단순한 형태가 생겨났습니다. 사용 영역: 노래, 악기 미니어처, 장르 및 일상 음악.
간단한 2부분 형식두 부분 또는 기간으로 구성된 형식으로, 첫 번째 부분은 음악적 사고의 표현이고 두 번째 부분은 그 발전과 완성입니다. 단순한 2부분 형식은 대조되는 형식으로 구분됩니다. A+B그리고 개발 A+A1.
1) 대조 (비반복).구조는 장르적 특성을 지닌 리드-코러스(r.n.p. "Dubinushka")입니다.
2) 현상(복제): aa1+va1여기서 두 번째 섹션은 두 가지 구성으로 구성됩니다. V – 소위 "중간"이라는 주제의 업데이트 및 개발; a1 - 첫 번째 섹션의 두 번째 문장을 반복합니다.
간단한 3부 형식.
단순한 3부 형식은 첫 번째 부분이 음악적 사고를 표현하고, 두 번째 부분이 전개 또는 새로운 음악적 사고를 표현하고, 세 번째 부분이 재현을 통해 완성되는 형식입니다. . 중간 부분의 주제 자료에 따라 간단한 3부분 형식의 2가지 종류가 있습니다.
1) 발달적(단일 주제) AA1A.중간 부분은 음조-고조파 불안정, 강장제 회피, 편차, 분수 구조, 시퀀스, 테마의 다성화(차이콥스키, "Barcarolle")가 특징입니다.
2) 대비되는(두 개의 어두운) AVA.중간 부분은 완성도가 없는 비설명형 시기로, 마지막에는 불안정한 조화가 쌓이게 된다(차이코프스키, 로맨스 "시끄러운 공 사이에서").
재현에는 두 가지 유형이 있습니다.
a) 정확한(문자 그대로, 정적, 다 카포)
b) 수정 - 변경, 확장 또는 단축(드물게).
단순한 3부분 형식의 변형 - 3부 5부 형식 ABABA(리스트, “사랑의 꿈”).
복잡한 모양
이는 2~3개의 부분으로 구성되며 각 부분(적어도 하나)은 단순한 모양입니다. 그것은 반대되는 비유적인 영역과 뚜렷한 대조를 이룹니다.
복잡한 두 부분으로 구성된 형식
적용 분야: 실내악, 오페라 음악, 기악(모차르트, 판타지아 D 단조)에서는 덜 자주 사용됩니다. 두 가지 종류가 있습니다.
1) 인식되지 않거나 인식되지 않음 AA1(바흐, HTC II, 전주곡 No. 2,8,9,10,15,20; Scriabin, 전주곡 op.11 No. 3,16,21);
2) 대조 AB. ( Bach, HTC I, Preludes No. 3,21) 형식의 무결성은 부분의 불평등으로 인해 촉진됩니다.
a) 1부 – 입문, 2부 – 메인(오페라 "Ivan Susanin"의 Glinka, Cavatina 및 Antonida의 론도). 또는 사냥꾼의 합창(Weber, 오페라 "The Magic Shooter"): 2부 – 합창.
복잡한 세 부분으로 구성된 형식
이것은 3개의 부분으로 구성된 평판이 좋은 형태이며, 각 부분은 단순한 형태입니다. 이 양식에는 두 개의 대조되는 이미지가 포함되어 있고 그 뒤에 첫 번째 이미지가 확보되어 있습니다. 기원의 역사: 17세기 기악 및 성악 – 댄스 사이클, 아리아 다 카포. 사용 영역: 소나타 교향악 주기의 중간 부분, 개별 악기 작품, 로맨스, 아리아, 합창단. 품종:
1) ASA 2) AA1A(아리아 다 카포) 3) ABCA(낭만주의자를 위한)
첫 번째 부분의 특징: 대비 부족 - 단색 2부분 또는 3부분 형태.
역사적으로 중간 부분에는 두 가지 유형이 있었습니다.
1) 중간 부분 트리오 , 새로운 소재의 제시가 개발보다 우선하는 곳입니다. 이 구조는 안정적이고 형태가 완벽하며 음조 조화 구조가 뚜렷하며 외부 부분과 휴지로 명확하게 분리되어 있습니다(라흐마니노프, G단조 전주곡).
2) 중간 부분 - 삽화 , 프레젠테이션보다 개발이 우선하는 곳입니다. 이 구성은 음조, 화성, 구조적으로 불안정하며 재현으로 부드럽게 전환됩니다(차이콥스키, "2월").
낭만주의자들에게는 트리오와 에피소드의 구분이 모호합니다.
반복 유형:
1) 정확한 (모차르트, 교향곡 g단조, 3악장)
2) 다양함(쇼팽, D플랫 장조의 야상곡)
3) 역동적인, 첫 번째 부분의 주제 자료에 대한 비유적 재검토와 새로운 비유적 대조(쇼팽, 다단조 녹턴)를 포함합니다.
암호– 사후 재현 추가를 개발했습니다. 최종 합성 기능을 수행합니다. 주요 특징: 토닉 기관 포인트, 플라갈 턴.
변형 형태
변주형이란 주제를 제시하고 이를 수정된 형식으로 반복하는 형식을 말합니다. AA1A2…부품 수는 제한되지 않습니다. 의미는 주제에 내재된 다양한 형상적 상태를 공개하는 것입니다.
유래 – 민속 공연 전통과 관련이 있습니다. 사용 영역: 독립 작품, 소나타 교향곡 사이클의 일부.
변주(주제를 전개하는 방식)와 변주, 즉 변주형식을 구별할 필요가 있다.
역사적 변형 유형:
1) 빈티지 변형(XVI – XVII 세기). 바소 오스티나토의 변형. 2가지 유형:
ㅏ) 파사칼리아– 큰 형태, 마에스토소(Maestoso) 베이스의 지속적인 테마는 다양합니다.
비) 샤콘느– 챔버, 서정적. 일반적으로 큰 형태로 포함됩니다. 변하지 않은 고조파 공식은 다양합니다.
17세기 말에는 파사칼리아와 샤콘느의 차이가 지워졌습니다(바흐, 샤콘 D단조; 헨델, 파사칼리아 G단조 모음곡, no. 7).
2) 엄격한 변형. VKSh의 변형. 비유적이고 장식적인 변형입니다.
테마 기능:
1) 중간 음역, 2) 적당한 템포, 3) 코드 질감,
4) 테마의 명확한 기능성, 5) 테마의 노래와 춤의 성격,
6) 형식 – 단순한 두 부분, 덜 자주 – 세 부분, 더 덜 자주 – 기간.
변형의 원리:테마를 전체적으로 재현하여 세부 사항을 풍부하게 합니다.
주제가 변경됩니다.멜로디 패턴, 리듬, 질감, 템포 등
다음 사항은 변경되지 않습니다.조화로운 계획, 형태 , 음조(동일한 이름이나 병렬로 한 번 대체 가능)
멜로디 개발 기술: a)장식, 비)성가, V)변형 변환. (모차르트, 소나타 A장조, 11번, 1악장).
3) 무료 변형.그들은 19세기 초 낭만주의 작곡가들의 작품에서 자리를 잡았습니다. 장르별 변주. 각 변주곡은 주제에 따른 독립극과 같습니다. 주제는 대조되는 이미지를 만들기 위한 핑계일 뿐이다. 변주 원리: 주제 요소는 독립적인 개발의 대상입니다(라흐마니노프, "파가니니 주제에 관한 랩소디").
이중 변형.
이는 두 가지 주제의 변형입니다. 주제는 개별적으로 또는 하나씩 달라질 수 있습니다(Glinka, “Kamarinskaya”).
글린카 변형(소프라노 오스티나토).
주제는 동일하게 유지되고 반주는 변경됩니다(Glinka, 오페라 "Ruslan and Lyudmila"의 페르시아 합창단).
소나타 형식
소나타 형식은 제1부(제시부)가 두 주제의 음조 대비를 바탕으로 하는 형식이다. 섹션 2(개발)에서는 이를 집중적으로 개발합니다. 세 번째 부분(반복)은 주제를 음조로 통일시킵니다.
소나타 형식은 기악 동음이의 형식 중 가장 높은 형식으로, 다른 모든 형식의 특징을 흡수하고 있다. 복잡한 구조 덕분에 소나타 형식은 밝은 비유적 대비를 반영하고 전개 과정에서 복잡한 내용을 구현하며 이미지의 질적 변화를 보여줄 수 있습니다.
소나타 형식은 마침내 고등 예술 학교 작곡가들의 작품에서 형성되었습니다. 소나타-교향곡 주기의 극단적인 부분에서 단악장 프로그램 오케스트라 작품(서곡, 환상, 회화, 시)의 형태, 오페라 서곡의 형태로 사용됩니다. 성악(글린카의 오페라 “루슬란과 류드밀라”에 나오는 루슬란의 아리아)에서는 거의 발견되지 않습니다.
소나타 형식에는 제시부, 전개부, 코다라는 세 가지 필수 부분이 있습니다. 그 외에도 소개 및 코드와 같은 추가 항목이 있을 수 있습니다.
박람회
이것은 드라마의 시작인 음악적 이미지의 전시이다. 주요 부분과 보조 부분의 색조(주제) 대비를 기반으로 합니다. 파티와 주제의 개념을 구별할 필요가 있습니다. 파티는 설명이나 재현의 한 부분입니다. 테마는 이미지를 특징짓는 음악적 소재입니다.
메인 파티– 활동적이고 의지가 강한 성격을 띠는 경우가 더 많습니다(코드 사운드에 따른 움직임, 충동적인 리듬). 종종 다양한 요소의 내부 대비가 포함됩니다.
사이드 배치– 종종 서정적 성격을 띠고 있습니다. 일반적으로 이것은 선율적인 장르의 댄스 테마입니다. 때때로 한 부분이 여러 주제로 구성되기도 합니다(베토벤, "에로이카" 교향곡 1악장). 종종 사이드 배치에는 주요 배치의 요소 도입, 연결 배치인 골절(교대)이 포함됩니다. 이는 긴장감을 불러일으키고 전개의 드라마를 예고한다.
일반적인 음조 관계:
Gl.p. (전공) – 하위. (D 키)
Gl.p. (미성년자) – ab.p. (병행 전공)
메인 파티와 사이드 파티 외에도 전시회에는 구속력 있는 당사자 는 주요 부분과 보조 부분을 색조와 주제별로 연결하여 주요 부분에 축적된 에너지를 방출합니다. 연결 부분의 주요 특징은 음조 불안정입니다. 연결 부분은 개발된 구성부터 짧은 링크(슈베르트, "미완성" 교향곡, 1악장)까지 규모가 다양할 수 있습니다.
최종 게임– 설명을 요약하고 측면 부분의 색조를 설정합니다. 그것은 종종 박람회 주제의 자료를 기반으로 구축되며, 새로운 주제를 기반으로 하는 경우는 적습니다.
개발
이것이 뮤지컬 액션의 발전이자 정점이다. 전시 주제 간의 대비가 깊어지거나 부드러워집니다. 더 자주 개발은 더 적극적이고 내부적으로 갈등하는 주요 당사자의 주제를 기반으로 합니다. 테마 개발을 위한 기본 기술:
1) 테마를 요소와 음조, 고조파, 질감, 음역, 음색 개발로 조각화합니다.
2) 주제의 다성 화.
개발은 여러 섹션으로 구성될 수 있으며 각 섹션에는 고유한 정점(소위 파동)이 있습니다. 불안정한 함수의 에너지 축적을 기반으로 하는 마지막 섹션은 다음과 같습니다. 전구 물질이번 전시에서는 볼 수 없었던 새로운 전개 화두의 등장을 삽화(쇼스타코비치, <레닌그라드> 교향곡 1악장)
재현부
이것은 음조의 통일성을 바탕으로 주제가 수렴되는 음악적 행동의 결정체입니다. 소나타 형식의 재현은 다음과 같습니다.
1) 정확한(베토벤, 교향곡 3번, 1악장)
2) 역동적인 – 전시회 주제에 대한 비유적인 재검토; 재현의 시작은 전개의 정점과 일치한다(쇼스타코비치, 교향곡 7번, 1악장)
3) 거울(쇼팽, 발라드 1번, 사단조)
4) 미완성, 주요 부분이 누락되어 코다(쇼팽, 소나타 2번, B플랫 단조)에 나타납니다.
암호
그 기능은 개발을 요약하고 대조를 통일하며 주요 아이디어를 확인하는 것입니다. 노출의 대비가 강할수록 개발의 발전이 더욱 역동적이 될수록 코드의 가치는 더욱 커집니다. 소나타 형식 코다(coda)는 두 번째 전개와 유사할 수 있습니다. 일반적으로 코드는 전시회의 주제 자료를 기반으로 작성되며 새로운 주제에 대한 경우는 적습니다.
론도 소나타
론도형식과 소나타형식의 중간형식이다. 계획 : AVA C AB1A,어디 아바– 박람회, 와 함께– 에피소드 , AB1A- 반복. 중간(중앙) 에피소드는 이전 테마의 전개로 대체될 수 있습니다. V. Zuckerman의 정의에 따르면, “론도 소나타는 3개(때때로 4개) 에피소드로 구성된 론도 유형으로, 극단적인 에피소드는 소나타 형식의 제시부 및 재현부의 측면 부분과 주제 및 음조가 동일한 비율로 구성됩니다. . 품종:
1) 중심 에피소드인 경우 와 함께– 제시 주제를 발전시킨 다음 소나타 형식에 접근하는 형식입니다.
2) 중앙 섹션의 경우 와 함께- 에피소드, 그 다음 - 론도.
소나타 형식의 징후:
*) 테마의 색조 대비 ㅏ그리고 안에시작 부분과 끝 부분의 음색 통일성
*) 에피소드 안에-중간 구조는 아니지만 Ch와 대조됩니다. n. 독립된 정당으로서
소나타 형식과의 차이점
*) ch의 반복. 전시와 재현이 끝나면
론도의 징후:
*) 후렴을 적어도 세 번 반복
*) 장르-댄스 테마
론도와의 차이점:
*) 새로운 키로 새로운 에피소드를 반복합니다.
적용 분야: 소나타-교향악 사이클의 피날레, 때로는 독립된 작품. 도입부는 론도 소나타의 전형적인 특징은 아니지만 가능합니다. 베토벤, 소나타 8번, 피날레, 중간 부분 – 에피소드. 모차르트, 소나타 17번, 피날레, 중간 부분 – 발전부).
순환 형태
순환 형태는 공통 디자인으로 통합된 여러 개의 완성된 대조 부분으로 구성된 형태입니다.
순환 형태에는 두 가지 유형이 있습니다.
1) 스위트, 부분의 대비가 우세한 경우,
2) 소나타 교향곡(성악-교향곡, 성악, 기악) 주기, 가장 중요한 것은주기의 통일성입니다.
모음곡.
이것은 다양한 연극으로 구성된 순환 작품입니다. 역사적인 유형의 제품군:
1) 에인션트 스위트룸 (파르티타). XVI-XVIII 세기. 4가지 댄스로 구성됩니다.
a) 알레망드(독일 무용) – 느린 템포, 4/4, 다성음악;
b) 차임벨(프랑스 무용) – 적당한 템포, 3/4, 다성음악;
c) 사라반드(스페인 댄스) – 느린 템포, 3/4, 코드 질감;
d) 공연(영어 댄스) – 빠른 템포, 삼중주단 리듬. 메인 댄스 외에도 가보트, 미뉴에트, 부레 등의 추가 댄스가 때때로 모음곡에 도입되었습니다. 모음곡은 전주곡이나 토카타로 시작되었습니다. (바흐, 영어, 독일어, 프랑스어 모음곡).
2) 스위트 VKSH . 주요 장르: 카세이션, 다양화, 세레나데(모차르트, “Little Night Serenade”). 의무 춤을 거부하고 소나타-교향악 사이클과의 화해가 있습니다.
3) 뉴 스위트 (19세기 2분기). 특징: 프로그래밍의 중요성, 부품을 특정 플롯과 결합, 부품 대비 증가(Schumann, "Carnival"). 모음곡은 연극, 발레, 오페라(그리그, 페르귄트)의 주요 악곡으로 구성될 수 있습니다.
소나타 교향곡 사이클
소나타-교향곡 사이클에는 교향곡, 소나타, 협주곡, 4중주 장르가 포함됩니다. 고전 소나타-교향곡 사이클은 소나타 형식의 알레그로, 느린 악장, 미뉴에트(나중에 스케르초), 피날레 등 4악장으로 구성됩니다. 협주곡과 소나타 장르에는 미뉴에트가 없습니다. 사이클 부분의 구성적 통일성은 전체의 템포 구성, 음조 조화, 주제 및 비유적 연결에서 나타납니다.
소나타-교향곡 사이클의 일부는 말하자면 작곡의 개념을 전체적으로 드러내는 단계입니다. 주기의 각 부분에는 고유한 일반적인 장르와 형식이 있습니다.
1부(소나타 알레그로) – 소나타 형식.
2 부(안단테, 아다지오) – 복잡한 3부 형식, 전개가 없는 소나타 형식, 변주 형식, 때로는 론도.
3부(미뉴에트)는 복잡한 3부분 형식입니다.
4부(피날레) – 소나타 형식 또는 론도(론도 소나타).
음조 연결: 바깥쪽 부분은 같은 조 또는 같은 조로 작성되고, 두 번째 부분은 S 키, 같은 키 또는 평행으로 작성됩니다. 세 번째 부분은 기본 키에 있습니다.
자유 형태와 혼합 형태
이는 고전 음악 형식과 낭만주의 음악 형식의 전형적인 체계에 맞지 않거나 다양한 형식의 특징을 결합한 비순환적 음악 형식입니다. 자유 형식은 혼합 형식에서 소나타 형식이 다른 형식과 결합된다는 점에서 혼합 형식과 다릅니다. 자유 형식에서는 모음 형식이 다른 형식과 결합됩니다. 자유 형식은 재미있는 악기 음악(스트라우스 왈츠, 메들리) 장르와 관련이 있습니다. Rondality는 종종 지침 원칙이 됩니다. 각각의 새로운 음악 이미지는 완전한 형태를 갖습니다. 프로그램이 있는 에세이에는 자유 형식이 일반적입니다.
바로크 시대의 자유로운 형태 - 오르간과 클라비어 환상 및 관련 장르. 18세기 후반 자유형식의 특징은 동음이의와 다성음의 혼합이다.
19세기에 자유 형식과 혼합 형식(발라드, 시, 랩소디)의 중요성이 커진 것은 낭만주의 미학에 의해 결정되었습니다. 대조되는 주제의 철저한 표현, 전개 강도의 증가, 이미지의 변형 및 수렴, 재현 코다 부분의 역 동성이 특징입니다.
19~20세기에는 자유 형식이 형식(프로그램)에 영향을 미치는 계획을 기반으로 했습니다. 20세기 후반에는 개별적인 '형태의 구성'이 구성의 원리가 되었다.
다성적 형태
1) 하나의 주제 개발을 기반으로 한 시뮬레이션.
2) 비모방(대조), 다양한 주제의 동시 조합(대조)을 기반으로 합니다.
다성음악은 14세기에 아카펠라 합창단을 위한 교회 음악의 한 형태로 유래되었습니다. 주요 다성음악 장르: 푸가, 푸게트, 라이서카르, 인벤션 등
둔주곡
푸가는 모방 다성음악의 가장 높은 형태입니다. 푸가의 주요 구성 요소: 주제, 대답, 대비, 막간 (주제 요소의 개발을 기반으로 한 주제 간 구성) 및 스트레타 (한 목소리로 주제 소개를 모방하여 다른 목소리로 끝날 때까지)
푸가는 일반적으로 세 부분으로 구성됩니다.
섹션 1개– 박람회. 테마별 성부를 T-D 비율로 순차적으로 입력한 것입니다. 주제에 대한 두 번째와 세 번째 발표 사이와 전체 설명이 끝난 후 막간이 재생됩니다.
섹션 2– 개발은 하위 키에서 테마를 수행하는 것을 기반으로 합니다. 테마 및 막간 변환이 사용됩니다.
섹션 3- 반복. 모든 목소리에서 수행되는 테마 (기본 키)의 반환으로 시작됩니다.
재현은 stretta를 광범위하게 사용합니다.
한 가지 주제로 이루어진 푸가는 단순 푸가, 두 가지 주제로 이루어진 푸가는 더블, 세 가지 주제로 이루어진 푸가는 트리플이라 불린다. 이중 및 삼중 푸가는 개별 또는 공동 노출로 제공됩니다. 푸가는 섹션 1 – 제시부, 섹션 2 – 자유의 두 부분으로 구성된 구조를 가질 수 있습니다.
푸게타 –덜 심각한 성격의 작은 푸가. 단순한 유형의 모방을 기반으로 합니다.
성악 및 합창 음악 형성의 특징
텍스트와 음악의 합성으로 인해 보컬 형식의 개별 부분이 악기 형식보다 덜 완전하다는 사실이 발생합니다. 따라서 보컬 형식의 초기 기간은 종종 절반 케이던스로 끝납니다. 내부구조가 자유로운 초기의 비정방형 구조를 자주 접하게 된다.
보컬 형식의 또 다른 특징인 주제 개발에 대한 적합성이 낮다는 점은 두 가지 이유와 관련이 있습니다.
2) 시적 텍스트의 통일된 운율 및 구조적 구조를 가지고 있습니다.
이것이 성악에서 소나타 형식이 드물게 사용되는 이유 중 하나입니다.
시적 텍스트의 균일한 구조는 중간에 설명 구조의 구조가 보존되지만 음조 조화, 멜로디, 질감 변화가 있다는 사실로 이어질 수 있습니다. 소위 "변형 중간"이 발생합니다.
기악보다 더 자주 변주곡이 성악에서도 발견됩니다.
보컬 형식은 다양한 형성 원리의 상호침투를 통해 합성 형식으로 이어지는 것이 특징입니다.
성악의 특별한 형태 중에는 역사적으로 매우 안정적인 것으로 입증된 세 가지 주요 유형이 있습니다.
1) 커플릿 형태
2) 다양한 형태
3) 음성 형태를 통해.
음악은 다른 예술 형식과 달리 오로지 청각적 인식에만 다루어지기 때문에 이해하기 복잡하고 어려운 예술 형식입니다. 음악의 내용을 구성하는 문제에 대해 다양한 관점이 있습니다.
1) "음악은 삶에서 얻은 경험이 필요하지 않은 완전히 타고난 내부적입니다"(I. Goethe).
2) G. Laroche: “음악은 시대의 전반적인 정신을 반영합니다.”
3) E. Hanslick: “음악에는 내용이 없습니다”(즉, 정보가 없습니다). “음악 콘텐츠는 소리 형식의 움직임입니다.”
4) B. Asafiev: “푸가는 논리의 여왕이다.”
5) 우선 음악은 사람의 감정세계를 반영한다. 감정 자체는 의미가 없습니다. 감정의 세계는 항상 움직이고 있습니다. 그래서 음악의 기본은 감정의 움직임. L. Mazel에 따르면 음악에는 감정과 사고의 통일성이 있어야 합니다. 감정을 이해하고 생각을 느껴야 합니다.
우리는 일종의 '의사소통 기관'인 억양 청취를 통해 음악 콘텐츠를 인식합니다. 억양 청각은 음악적 대담자의 4가지 감정 상태를 식별합니다.
a) 부름 - 주저 없이 날카롭게, 점진적으로(상승하는 움직임)
b) 청원 - 애처롭고 불확실함(하향 움직임);
c) 연주 – 활기차고 편안하며 능숙합니다(운동 동작).
d) 명상 – 차분하고 신중하게(같은 속도로 돌아갑니다).
뮤지컬 극작
뮤지컬 무대 장르(오페라, 발레, 오페레타)의 작품에서 극적인 액션을 구현하기 위한 표현 수단 및 기술 시스템입니다. 뮤지컬 극작술은 예술 형식 중 하나인 드라마의 일반 법칙에 기반을 두고 있습니다. 즉, 행동력과 반작용력 사이의 투쟁에서 드러나는 뚜렷한 중심 갈등의 존재입니다. 극적인 개념(설명, 플롯, 전개, 클라이막스, 결말) 전개의 특정 순서 단계입니다. 이러한 일반적인 패턴은 표현 수단의 성격에 따라 음악 및 연극 예술의 각 유형에서 특정한 굴절을 발견하며, 음악의 역할은 문학 드라마의 구성과 달리 구성의 여러 특징을 결정합니다.
역사적 발전 과정에서 오페라-낭송, 아리아, 아리오소, 앙상블, 합창단과 같은 무대 동작을 구현하는 데 사용되는 특정 형식이 나타났습니다. 발레에는 클래식 댄스와 캐릭터 댄스, 앙상블이 포함됩니다. 이러한 양식은 변경되지 않습니다. 따라서 특정 교향곡 개발 기술(라이트모티프 등)로 인해 오페라 극작술이 풍부해졌습니다. 뮤지컬과 풍경 장르의 작품에는 변주, 론다적 느낌, 소나타의 징후가 있습니다.
극작법의 개념은 기악 작품에도 적용됩니다. 따라서 극작법은 교향곡의 특정 형태 중 하나입니다 (교향곡의 방법은 주제주의의 극적인 발전 방법에 지나지 않기 때문입니다).
음악 장르와 분류 원리
음악작품의 내용을 드러내는 데 있어서 장르의 역할은 중요하다. 장르란 원칙적으로 음악의 사회적 역할, 존재조건, 연주수단의 조건 등을 가리킨다. 장르는 역사적으로 확립된 음악 작품의 유형, 유형, 다양성으로, 여러 특성에 따라 결합되고 차별화됩니다.
러시아 음악학에서는 V. Zuckerman과 A. Sokhor가 장르 문제를 연구했습니다. Zuckerman은 콘텐츠의 성격에 따라 서정적, 서사적, 모터적, 회화적 장르를 구분합니다. 소코르는 공연과 존재의 조건에 따라 일상(일상), 미사일상, 콘서트, 연극 등 장르를 구분한다. 이것은 장르의 가장 일반적인 분류이며, 그 안에는 구분이 있을 수 있습니다(Bobrovsky는 이를 "2차 장르"로 정의합니다).
장르는 단순형과 복합형으로 나눌 수도 있습니다. 단순함 - 노래, 춤, 행진. 그들은 또한 더 작은 것들로 나뉩니다 (노래-노동, 서정적 등, 행진-장례식, 군대 등). 단순한 장르는 실용적인 목적을 강조하는 일상 장르라고도 불립니다. 복잡한 장르는 공연수단에 따라 체계화될 수 있다.
1) 악기 장르 - 교향곡, 실내악, 독주곡
2) 성악 장르 - 합창, 앙상블, 반주가 있는 솔로
3) 기악과 성악 장르의 혼합 - 칸타타, 오라토리오
4) 연극 장르 - 오페라, 발레, 오페레타 등
음악 스타일
음악 스타일(라틴어 "스타일러스" - 필기구, 즉 표현 방식)은 표현 수단의 체계성을 포착하는 미학과 미술사 개념입니다. 미학에서는 스타일이라는 범주가 이전에 주로 컬트 음악이었던 전문 음악의 차별화와 관련하여 16세기 말에 나타났습니다. 17세기에 스타일은 장르와 민족학교의 특성을 의미했다. 17세기 이래로 역사적 시대의 스타일(다성 스타일과 새로운 스타일 - 동음이의-하모닉)이라는 더 넓은 의미가 추가되었습니다. 19 세기에 스타일의 개념은 작곡가의 개별 작문 스타일이라는 좁은 의미를 얻었습니다. 20세기에는 한 작곡가의 작품의 여러 단계 사이에 때때로 급격한 차이가 있기 때문에 스타일이 작가의 작품 기간이나 별도의 작품을 결정합니다.
음악 스타일의 개념은 작품의 표현 수단의 통일성, 유기적 상호 관계, 개별 작곡가의 언어에서 전통과 혁신 간의 관계를 나타내는 평가적인 의미를 갖습니다.
음악적 형식
음악에서 '형식'의 개념은 여러 가지 의미로 사용됩니다.
1) 미학적, 철학적 범주, 즉 콘텐츠의 음악적 구현 또는 콘텐츠 구현을 목표로 하는 음악적 표현 수단(멜로디, 화성, 리듬, 음색 등)의 전체적인 구성입니다. 이것은 가장 넓은 의미의 형태이다.
2) 음악적 개념, 즉 작곡 유형, Asafiev에 따른 형식 구성표, 작곡 형식(예: 소나타 형식, 푸가 등).
3) 개별적이고 독특한 음악 작품의 모습. Asafiev: "소나타 구성표는 하나뿐이지만 소나타 형식 자체만큼 그 표현 형식도 다양합니다."
