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O legado da escola de pintura veneziana é uma das páginas mais brilhantes da história do Renascimento italiano. A "Pérola do Adriático" - uma pitoresca cidade pitoresca com canais e palácios de mármore, espalhada por 119 ilhas nas águas do Golfo de Veneza - era a capital de uma poderosa república comercial que controlava todo o comércio entre a Europa e os países do Leste. Isso se tornou a base para a prosperidade e influência política de Veneza, que incluía em suas posses parte do norte da Itália, a costa adriática da península balcânica, territórios ultramarinos. Foi um dos principais centros de cultura italiana, impressão e educação humanista.

Ela também deu ao mundo mestres maravilhosos como Giovanni Bellini e Carpaccio, Giorgione e Ticiano, Veronese e Tintoretto. Seu trabalho enriqueceu a arte européia com descobertas artísticas tão significativas que artistas posteriores, de Rubens e Velázquez a Surikov, se voltaram constantemente para a pintura renascentista veneziana.

Os venezianos experimentaram de forma extremamente plena a sensação da alegria de ser, descobriram o mundo ao seu redor em toda a sua plenitude de vida, riqueza colorida inesgotável. Eles eram caracterizados por um gosto especial por tudo concretamente único, riqueza emocional de percepção, admiração pela diversidade física e material do mundo.

Os artistas foram atraídos pela vista bizarramente pitoresca de Veneza, a festividade e o colorido de sua vida, a aparência característica das pessoas da cidade. Mesmo pinturas sobre temas religiosos eram muitas vezes interpretadas por eles como composições históricas ou cenas de gênero monumentais. A pintura em Veneza, mais frequentemente do que em outras escolas italianas, tinha um caráter secular. Os vastos salões da magnífica residência dos governantes venezianos - o Palácio Ducal foram decorados com retratos e grandes composições históricas. Ciclos narrativos monumentais também foram escritos para as Scuols venezianas, irmandades religiosas e filantrópicas que uniam os leigos. Finalmente, em Veneza, o colecionismo privado era especialmente difundido, e os proprietários das coleções - patrícios ricos e educados - muitas vezes encomendavam pinturas baseadas em temas retirados da antiguidade ou nas obras de poetas italianos. Não é de surpreender que o maior florescimento para a Itália de gêneros puramente seculares como retrato, pintura histórica e mitológica, paisagem, cena rural esteja associado a Veneza.

A descoberta mais importante dos venezianos foram os princípios colorísticos e pictóricos desenvolvidos por eles. Entre outros artistas italianos havia muitos excelentes coloristas, dotados do senso da beleza da cor, da harmonia harmoniosa das cores. Mas a base da linguagem pictórica era o desenho e o claro-escuro, que modelavam clara e completamente a forma. A cor era entendida mais como a casca externa da forma, não sem razão, aplicando traços coloridos, os artistas os fundiam em uma superfície esmaltada perfeitamente lisa. Este estilo também foi amado por artistas holandeses, que foram os primeiros a dominar a técnica da pintura a óleo.

Os venezianos, em maior medida do que os mestres de outras escolas italianas, apreciaram as possibilidades dessa técnica e a transformaram completamente. Por exemplo, a relação dos artistas holandeses com o mundo era caracterizada por um início reverentemente contemplativo, um tom de piedade religiosa, em cada um, o assunto mais comum, eles buscavam um reflexo da mais alta beleza. A luz tornou-se o meio de transmitir essa iluminação interior. Os venezianos, que percebiam o mundo de maneira aberta e maior, quase com uma alegria pagã, viam na técnica da pintura a óleo uma oportunidade de dar corporeidade viva a tudo o que era retratado. Descobriram a riqueza da cor, suas transições tonais, que podem ser alcançadas na técnica da pintura a óleo e na expressividade da própria textura da pintura.

A pintura torna-se a base da linguagem pictórica entre os venezianos. Eles não elaboram tanto as formas graficamente, mas as moldam com traços – às vezes transparentes sem peso, às vezes densos e derretidos, penetrando com movimento interno figuras humanas, dobras de dobras de tecidos, reflexos do pôr do sol nas nuvens escuras da noite.

As características da pintura veneziana tomaram forma ao longo de um longo caminho de desenvolvimento, de quase um século e meio. O fundador da escola de pintura renascentista em Veneza foi Jacopo Bellini, o primeiro dos venezianos que se voltou para as realizações da escola florentina mais avançada da época, o estudo da antiguidade e os princípios da perspectiva linear. A parte principal de sua herança consiste em dois álbuns de desenhos com o desenvolvimento de composições para cenas multifiguradas complexas sobre temas religiosos. Nesses desenhos, destinados ao ateliê do artista, já estão transparecendo os traços característicos da escola veneziana. Eles estão imbuídos do espírito de fofoca, interesse não apenas pelo evento lendário, mas também pelo ambiente da vida real.

O sucessor da obra de Jacopo foi seu filho mais velho Gentile Bellini, o maior mestre da pintura histórica em Veneza do século XV. Em suas telas monumentais, Veneza aparece diante de nós em todo o esplendor de sua aparência bizarramente pitoresca, nos momentos de festividades e cerimônias solenes, com procissões magníficas lotadas e uma multidão heterogênea de espectadores aglomerando-se nas margens estreitas de canais e pontes corcundas.

As composições históricas de Gentile Bellini tiveram uma influência indiscutível na obra de seu irmão mais novo Vittore Carpaccio, que criou vários ciclos de pinturas monumentais para as irmandades venezianas - Scuol. A mais notável delas é a História de S. Ursula" e "Uma Cena da Vida dos Santos Jerônimo, Jorge e Tifão". Como Jacopo e Gentile Bellini, ele gostava de transferir a ação de uma lenda religiosa e a situação de sua vida contemporânea, desdobrando uma narrativa detalhada e rica em muitos detalhes da vida diante do público. Mas tudo é visto por ele com olhos diferentes - os olhos de um poeta que revela o encanto de motivos de vida tão simples como um escriba escrevendo diligentemente a partir de um ditado, um cachorro pacificamente cochilando, um piso de madeira de um píer, uma vela elástica inflada deslizando sobre a água. Tudo o que acontece é, por assim dizer, preenchido com a música interior de Carpaccio, a melodia das linhas, o deslizar dos pontos coloridos, luzes e sombras, inspirados em sentimentos humanos sinceros e tocantes.

O clima poético torna Carpaccio relacionado ao maior dos pintores venezianos do século XV - Giovanni Bellini, o filho mais novo de Jacopo. Mas seus interesses artísticos estavam em uma área um pouco diferente. O mestre não era fascinado por narração detalhada, motivos de gênero, embora tivesse a chance de trabalhar muito no gênero de pintura histórica, amado pelos venezianos. Essas telas, com exceção de uma escrita por ele junto com seu irmão Gentile, não chegaram até nós. Mas todo o charme e profundidade poética de seu talento foram revelados em composições de outro tipo. Eles não têm uma ação, um evento desdobrado. São altares monumentais representando uma Madona entronizada rodeada de santos (as chamadas “Santas Entrevistas”), ou pequenas pinturas em que, tendo como pano de fundo uma natureza tranquila e clara, vemos a Madona e o Menino imersos em pensamento ou outros personagens das lendas religiosas. Nessas composições lacônicas e simples há uma feliz plenitude de vida, concentração lírica. A linguagem pictórica do artista é caracterizada pela majestosa generalização e ordem harmônica. Giovanni Bellini está muito à frente dos mestres de sua geração, afirmando novos princípios de síntese artística na arte veneziana.

Tendo vivido até uma idade avançada, ele liderou a vida artística de Veneza por muitos anos, ocupando o cargo de pintor oficial. Os grandes venezianos Giorgione e Ticiano saíram da oficina de Bellini, cujos nomes estão associados à época mais brilhante da história da escola veneziana.

Giorgione da Castelfranco viveu uma vida curta. Ele morreu com a idade de trinta e três anos durante uma das pragas freqüentes da época. Seu legado é pequeno: algumas das pinturas de Giorgione, que ficaram inacabadas, foram concluídas por um jovem companheiro e assistente na oficina, Ticiano. No entanto, as poucas pinturas de Giorgione seriam uma revelação para os contemporâneos. Este é o primeiro artista na Itália, cujos temas seculares prevaleceram decisivamente sobre os religiosos, determinaram todo o sistema de criatividade.

Ele criou uma nova imagem profundamente poética do mundo, incomum para a arte italiana da época, com sua inclinação para grandiosidade, monumentalidade, entonações heróicas. Nas pinturas de Giorgione, vemos um mundo idílico, belo e simples, cheio de silêncio pensativo.

Giovanni Bellini. "Retrato do Doge Leonardo Loredan".
Manteiga. Por volta de 1501.

A arte de Giorgione foi uma verdadeira revolução na pintura veneziana, teve um enorme impacto em seus contemporâneos, incluindo Ticiano, cuja obra os leitores da revista já tiveram a oportunidade de conhecer. Lembre-se que Ticiano é uma figura central na história da escola veneziana. Saindo da oficina de Giovanni Bellini e colaborando com Giorgione em sua juventude, ele herdou as melhores tradições dos mestres mais antigos. Mas este é um artista de outra escala e temperamento criativo, marcante na versatilidade e amplitude abrangente de seu gênio. Em termos de grandiosidade da visão de mundo, a atividade heróica das imagens de Ticiano só pode ser comparada com Michelangelo.

Ticiano revelou as possibilidades verdadeiramente inesgotáveis ​​de cor e pintura. Na juventude, adorava cores ricas e claras como esmalte, extraindo acordes poderosos de suas comparações, e na velhice desenvolveu o famoso “modo tardio”, tão novo que não encontrou compreensão entre a maioria de seus contemporâneos. A superfície de suas últimas telas de perto é um caos fantástico de pinceladas aplicadas aleatoriamente. Mas à distância, as manchas de cor espalhadas pela superfície se fundem, e figuras humanas cheias de vida, prédios, paisagens aparecem diante de nossos olhos – como que em eterno desenvolvimento, cheios de drama.

O último e último período do Renascimento veneziano está associado à obra de Veronese e Tintoretto.

Paolo Veronese era uma dessas naturezas alegres e ensolaradas a quem a vida se revela no aspecto mais alegre e festivo. Sem a profundidade de Giorgione e Ticiano, ele ao mesmo tempo era dotado de um elevado senso de beleza, o melhor dom decorativo e um verdadeiro amor pela vida. Em enormes telas, resplandecentes de cores preciosas, resolvidas em uma primorosa tonalidade prateada, contra o pano de fundo de magnífica arquitetura, vemos uma multidão colorida de brilho vital - patrícios e nobres damas em magníficos mantos, soldados e plebeus, músicos, servos, anões .

Nessa multidão, os heróis das lendas religiosas às vezes quase se perdem. Veronese chegou a comparecer perante o tribunal da Inquisição, que o acusou de ousar retratar em uma das composições muitos personagens que nada tinham a ver com temas religiosos.

O artista adora especialmente o tema das festas (“Casamento em Caná”, “Festa na Casa de Levi”), transformando modestas refeições evangélicas em magníficos espetáculos festivos. A vitalidade das imagens de Veronese é tal que Surikov chamou uma de suas pinturas de "natureza empurrada para trás da moldura". Mas esta é a natureza, limpa de todos os toques da vida cotidiana, dotada de significado renascentista, enobrecida pelo esplendor da paleta do artista, a beleza decorativa do ritmo. Ao contrário de Ticiano, Veronese trabalhou muito no campo da pintura monumental e decorativa e foi um destacado decorador veneziano do Renascimento.

O último grande mestre de Veneza do século XVI, Jacopo Tintoretto, parece ser uma natureza complexa e rebelde, um buscador de novos caminhos na arte, que sentiu aguda e dolorosamente os dramáticos conflitos da realidade moderna.

Tintoretto introduz um arbitrário pessoal, muitas vezes subjetivo, a partir de sua interpretação, subordinando figuras humanas a algumas forças desconhecidas que as dispersam e circundam. Ao acelerar a contração da perspectiva, ele cria a ilusão de uma corrida rápida do espaço, escolhendo pontos de vista inusitados e alterando intrinsecamente os contornos das figuras. Cenas simples e cotidianas são transformadas pela invasão de uma luz fantástica surreal. Ao mesmo tempo, o mundo mantém sua grandeza, repleta de ecos de grandes dramas humanos, confrontos de paixões e personagens.

O maior feito criativo de Tintoretto foi a criação de um extenso, composto por mais de vinte grandes painéis de parede e muitas composições de plafond, um ciclo pictórico na Scuola di San Rocco, no qual o artista trabalhou por quase um quarto de século - a partir de 1564 para 1587. De acordo com a riqueza inesgotável da fantasia artística, de acordo com a amplitude do mundo, acomodando tanto a tragédia universal (“Gólgota”), quanto um milagre que transforma a cabana de um pobre pastor (“A Natividade de Cristo”), e a misteriosa grandeza do natureza (“Maria Madalena no Deserto”) e altas façanhas do espírito humano (“Cristo diante de Pilatos”), este ciclo é inigualável na arte da Itália. Como uma sinfonia majestosa e trágica, completa, junto com outras obras de Tintoretto, a história da escola de pintura renascentista veneziana.

Renascimento tardio

Ao contrário da arte da Itália Central, onde a pintura se desenvolveu em estreita conexão com a arquitetura e a escultura, em Veneza no século XIV. a pintura dominava. Na obra de Giorgione e Ticiano, foi feita uma transição para a pintura de cavalete com o uso ativo de tintas a óleo. Uma das razões para a transição foi determinada pelo clima de Veneza, em que o afresco está mal preservado. Outra razão é que a pintura de cavalete aparece em conexão com o crescimento de temas seculares e a ampliação do círculo de objetos incluídos no círculo de atenção dos pintores. Junto com o estabelecimento da pintura de cavalete, a diversidade de gêneros está aumentando. Assim, Ticiano criou pinturas sobre temas mitológicos, retratos, composições sobre temas bíblicos. Na obra de representantes do Renascimento tardio - Veronese e Tintoretto, ocorreu uma nova decolagem da pintura monumental.

Giorgio da Castelfranco apelidado Giorgione(1477-1510) viveu uma vida curta. Seu apelido é derivado da palavra "zorzo", que no dialeto veneziano significava "uma pessoa da origem mais baixa". Giorgione era um membro das camadas culturais de Veneza. As tramas de suas pinturas, como Trovoada, três filósofos difícil de interpretar. Alguns de seus melhores trabalhos são "Vênus adormecido" e "Judith" em que o artista alcançou a harmonia do homem e da natureza. Ticiano estudou no ateliê do artista, que aprendeu muito com seu professor. Em 1510 Giorgione morreu de peste.

Ticiano Vecellio(1476-1576) estudou com Giovanni Bellini, depois em 1507 entrou na oficina de Giorgione, que primeiro confiou a Ticiano a conclusão de seu trabalho. Após a morte de Giorgione, Ticiano, tendo concluído algumas de suas obras e aceitado várias de suas encomendas, abriu sua oficina.

Nessa época, em vários retratos, entre os quais "Salomé", "Senhora atrás do banheiro" e "Flora" ele encarna sua ideia de beleza.

Em 1516 o artista cria Ascensão de Nossa Senhora (Assunta) para a igreja de Santa Maria Gloriosa em Veneza - a imagem mostra como um grupo de apóstolos gesticulando animadamente vê a Mãe de Deus subindo, cercada de anjos, para o céu.

Em 1525, Ticiano se casa com Cecilia, sua amada, com quem teve dois filhos. O artista neste momento adora imagens saudáveis ​​e sensuais, usa cores sonoras e profundas. Após a morte de Bellini, o lugar do artista da Escola Veneziana da República passou para Ticiano. Ticiano continua a reforma da pintura, iniciada por Giorgione: prefere telas grandes que permitem uma ampla e livre sobreposição de cores. Na camada inicial, imediatamente após a secagem, aplicou pinceladas mais ou menos densas, mas fluidas, misturadas com vernizes transparentes e brilhantes ( envidraçamento), finalizando a imagem intensificando os tons e sombras mais claros com traços que adquirem quase personagem corpus. O esboço correspondia à preparação emocional geral, mas em si estava completo.

A convite do Papa Paulo III, Ticiano se muda para Roma. Novos temas aparecem em sua arte - o drama da luta, da tensão. Então Ticiano e seu filho partem para Augsburgo para Carlos V. Em sua corte, o mestre escreve muito, especialmente recebe muitas encomendas da Espanha - o rei Filipe II lhe encomenda várias pinturas. No início dos anos 50. Ticiano volta a Veneza, mas continua a trabalhar para o rei espanhol. Os retratos de Ticiano distinguem-se pela vitalidade. NO "Retrato do Papa Paulo III com seus sobrinhos"é mostrado um encontro de três pessoas, cada uma das quais está associada a outros sentimentos secretos. Em 1548, Ticiano escreveu dois retratos de Carlos V. Em um, ele é apresentado como um triunfante que conquistou uma vitória - vestido de armadura, usando um capacete com pluma. O segundo retrato mostra o imperador em um tradicional terno preto espanhol, sentado em uma poltrona contra o pano de fundo de uma loggia.

No início dos anos 50. Ticiano, encomendado por Filipe II, que se tornou imperador após a abdicação de seu pai Carlos V, pintou sete telas sobre temas mitológicos, que ele chamou de "poemas", interpretando temas mitológicos como metáforas da vida humana. Em geral, a antiguidade era muito atraente para o artista. Entre as melhores pinturas sobre os temas da antiguidade "Vênus de Urbino", "Vênus e Adonis", "Danae", "Baco e Ariadne".

Nas pinturas sobre temas religiosos, o artista alcança um alto grau de psicologismo e expressividade ( "Denário de César", "Madalena Penitente").

Nos últimos anos de sua vida, Ticiano viveu em Veneza. Em suas obras, a ansiedade e a decepção são crescentes. Ele se volta cada vez mais para tramas dramáticas - cenas de martírio e sofrimento, nas quais também soam notas trágicas (" São Sebastião"). Aqui o artista usa estilo de escrita pastoso- estes são traços texturizados poderosos e ásperos.

Paulo Veronese(1528-1588). P.Caliari, apelidado de seu local de nascimento, nasceu em Verona. Chegando a Veneza, ele imediatamente se torna famoso por seu trabalho no Palazzo do Doge. Até o fim de sua vida, durante 35 anos Veronese trabalhou na decoração e glorificação de Veneza ( "Casamento em Caná da Galiléia"). A pintura de Veronese é toda construída em cores. Ele sabia comparar cores individuais de tal forma que sua aproximação criava um som particularmente intenso. Eles começam a queimar como pedras preciosas. Ao contrário de Ticiano, que era principalmente um pintor de cavalete, Veronese é um decorador nato. Antes de Veronese, pinturas individuais de cavalete eram colocadas nas paredes para decorar os interiores, e uma unidade decorativa geral, uma fusão sintética de pintura e arquitetura, não funcionava. Veronese foi o primeiro dos artistas venezianos a criar conjuntos decorativos inteiros, pintando as paredes de igrejas, mosteiros, palácios e vilas de alto a baixo, inscrevendo sua pintura na arquitetura. Para esses fins, ele usou a técnica do afresco. Em seus murais, e principalmente nos plafonds, Veronese utilizou fortes escorços, ousadas reduções espaciais, projetadas para ver a imagem de baixo para cima ( "Vênus e Adonis", "Vênus e Marte"). Em seus plafonds, ele "abriu o céu".

Jacopo Tintoretto(nome real Jacopo Robusti, 1518-1594). A pintura de Tintoretto marca o fim da versão italiana do Renascimento. Tintoretto gravitou em torno de ciclos pictóricos de natureza temática complexa; ele usou assuntos raros e nunca antes vistos. Ciclo dos Milagres de S. A marca na Academia de Veneza e em Milão Brera (Milão) apresenta-se em formas que fogem às habituais soluções pictóricas. Crônicas históricas do Palácio Ducal retratando batalhas mostram uma abundância de variações e audácia de design. Nos antigos temas mitológicos, Tintoretto continuou essa interpretação livre-poética dos motivos, cujo início foi estabelecido pela "poesia" de Ticiano. A imagem é um exemplo "Origem da Via Láctea". Ele usou novas fontes de enredo. na foto "Salvando Arsínoe" o artista partiu do arranjo do poema do autor romano Lucan na lenda medieval francesa e escreveu "Tancred and Clorinda" a partir do poema de Tasso.

Tintoretto repetidamente se referia ao enredo de A Última Ceia. Numa pintura da igreja de Santa Trovaso, as palavras de Cristo, como golpes, dispersaram os discípulos chocados. Uma característica específica do trabalho de Tintoretto é sugestividade(sugestão), dinâmica, brilho expressivo de motivos naturais, multidimensionalidade espacial.

A última das cidades italianas, não antes de meados do século XV, Veneza estava imbuída das ideias do Renascimento. Ao contrário do resto da Itália, ela viveu à sua maneira. Cidade próspera que evitava conflitos militares, centro do comércio marítimo, Veneza era autossuficiente. Seus mestres se mantiveram de tal forma que quando o florentino Vasari, em meados do século XVI, começou a coletar material para as Vidas dos Pintores, Escultores e Arquitetos Mais Famosos, não conseguiu obter detalhes das biografias de pessoas que viveram um século antes, e uniu todos em um pequeno capítulo.


Bellini. "Milagre na ponte de São Lourenço". Do ponto de vista dos artistas venezianos, todos os santos viviam em Veneza e navegavam nas gôndolas.

Os mestres de Veneza não procuraram estudar ruínas antigas em Roma. Eles gostavam muito mais de Bizâncio e do Oriente Árabe, com os quais a República de Veneza negociava. Além disso, eles não tinham pressa em renunciar à arte medieval. E dois dos edifícios mais famosos da cidade - a Catedral de São Marcos e o Palácio Ducal - são dois belos "buquês" arquitetônicos: os motivos da arte bizantina entraram no primeiro, e o arco de lanceta medieval e o padrão árabe coexistem no segundo.

Leonardo da Vinci, o grande florentino, condenou os pintores que gostavam demais da beleza da cor, considerando o relevo como a principal vantagem da pintura. Os venezianos tinham sua própria opinião sobre este assunto. Até aprenderam a criar a ilusão de volume, quase sem recorrer à cor e à sombra, mas usando diferentes tonalidades da mesma cor. É assim que se escreve "Sleeping Venus" de Giorgione.

Giorgione. "Trovoada". O enredo do filme permanece um mistério. Mas é claro que o artista estava mais interessado no clima, no estado de espírito do personagem no presente, neste caso, o momento pré-tempestade.

Artistas do início da Renascença pintaram pinturas e afrescos com têmpera, inventados na antiguidade. As tintas a óleo são conhecidas desde a antiguidade, mas os pintores ficaram imbuídos de simpatia por elas apenas no século XV. Os mestres holandeses foram os primeiros a aperfeiçoar a técnica da pintura a óleo.

Como Veneza foi construída em ilhas no meio do mar, os afrescos foram rapidamente destruídos devido à alta umidade do ar. Os mestres não sabiam escrever nas lousas, como Botticelli escreveu sua Adoração dos Magos: havia muita água ao redor, mas pouca floresta. Eles pintavam em tela com tintas a óleo, e nisso eles eram mais como pintores contemporâneos do que outros pintores renascentistas.

Os artistas venezianos tratavam a ciência com frieza. Eles não diferiram em versatilidade de talentos, sabendo apenas uma coisa - pintura. Mas eles eram surpreendentemente alegres e alegremente transferiam para a tela tudo o que agradava aos olhos: arquitetura veneziana, canais, pontes e barcos com gondoleiros, uma paisagem tempestuosa. Giovanni Bellini, um artista famoso em seu tempo na cidade, foi levado, segundo Vasari, pela pintura de retratos e contagiou seus concidadãos com ela que todo veneziano que alcançou qualquer posição significativa estava com pressa para encomendar seu retrato. E seu irmão Gentile parecia chocar o sultão turco nas profundezas de sua alma pintando-o da natureza: quando ele viu seu “segundo eu”, o sultão considerou um milagre. Ticiano pintou muitos retratos. As pessoas vivas eram mais interessantes para os artistas de Veneza do que os heróis ideais.

O fato de Veneza estar atrasada com inovações acabou sendo uma coisa boa. Foi ela quem preservou, da melhor forma que pôde, as conquistas do Renascimento italiano nos anos em que se desvaneceu em outras cidades. A escola de pintura veneziana tornou-se uma ponte entre o Renascimento e a arte que o substituiu.

A pintura veneziana atingiu um florescimento especial, distinguido por sua riqueza e riqueza de cores. A admiração pagã pela beleza física foi combinada aqui com o interesse pela vida espiritual do homem. A percepção sensorial do mundo era mais direta do que a dos florentinos e provocou o desenvolvimento da paisagem.

Giorgione. O palco do Alto Renascimento em Veneza abre a arte de Giorgio Barbarelli da Castelfranco, apelidado de Giorgione (por volta de 1477-1510), que desempenhou o mesmo papel para a pintura veneziana que Leonardo fez para a Itália Central.

Comparada com a clara racionalidade da arte de Leonardo, a pintura de Giorgione é permeada de profundo lirismo e contemplação. A paisagem, que ocupa lugar de destaque em sua obra, contribui para a divulgação da poesia e harmonia de suas imagens perfeitas. A conexão harmoniosa do homem com a natureza é uma característica importante da obra de Giorgione. Formado entre humanistas, músicos, poetas, ele próprio um músico notável, Giorgione encontra em suas composições a melhor musicalidade dos ritmos. A cor desempenha um papel enorme neles. Tintas de som, colocadas em camadas transparentes, suavizam os contornos. O artista usa habilmente as propriedades da pintura a óleo. A variedade de tons e tons de transição o ajuda a alcançar a unidade de volume, luz, cor e espaço. Entre suas primeiras obras, Judith (por volta de 1502, São Petersburgo, Hermitage) atrai com terno devaneio, lirismo sutil. A heroína bíblica é retratada como uma jovem e bela mulher contra o pano de fundo da natureza silenciosa. No entanto, uma estranha nota perturbadora é introduzida nesta composição aparentemente harmoniosa pela espada na mão da heroína e a cabeça decepada do inimigo, pisoteado por ela.

Nas pinturas "A Tempestade" (por volta de 1505, Veneza, Galeria da Academia) e "Concerto Country" (por volta de 1508-1510, Paris, Louvre), cujos enredos permaneceram não identificados, o clima é criado não apenas pelas pessoas, mas também por natureza: pré-tempestuosa - no primeiro e calmamente radiante, solene - no segundo. Contra o pano de fundo da paisagem, as pessoas são retratadas, imersas no pensamento, como se esperassem algo ou tocando música, constituindo um todo inseparável com a natureza ao seu redor.

A combinação do ideal harmonioso com a caracterização concreto-individual de uma pessoa distingue os retratos pintados por Giorgione. Atrai com profundidade de pensamento, nobreza de caráter, devaneio e espiritualidade de Antonio Brocardo (1508-1510, Budapeste, Museu de Belas Artes). A imagem de perfeita beleza sublime e poesia recebe sua encarnação ideal na "Vênus Adormecida" (por volta de 1508-1510, Dresden, Galeria de Arte). Ela é apresentada contra o pano de fundo de uma paisagem rural, imersa em um sono tranquilo. O ritmo suave dos contornos lineares de sua figura harmoniza-se sutilmente com as linhas suaves das colinas suaves, com a calma pensativa da natureza. Todos os contornos são suavizados, a plasticidade é idealmente bonita, as formas suavemente modeladas são proporcionalmente proporcionais. Nuances sutis de tons dourados transmitem o calor de um corpo nu. Giorgione morreu no auge de sua vida da peste, nunca tendo completado sua pintura mais perfeita. A paisagem da foto foi completada por Ticiano, que completou outras encomendas confiadas a Giorgione.

Ticiano. Por muitos anos, a arte de seu chefe, Ticiano (1485/1490-1576), determinou o desenvolvimento da escola de pintura veneziana. Junto com a arte de Leonardo, Rafael e Michelangelo, parece ser o auge do Alto Renascimento. A fidelidade de Ticiano aos princípios humanistas, a fé na vontade, na razão e nas capacidades humanas, o poderoso colorismo conferem a suas obras uma enorme força atrativa. Em sua obra, a originalidade do realismo da escola de pintura veneziana é finalmente revelada. A atitude do artista é de sangue puro, o conhecimento da vida é profundo e multifacetado. A versatilidade do seu talento manifestou-se no desenvolvimento de vários géneros e temas líricos e dramáticos.

Ao contrário de Giorgione, que morreu cedo, Ticiano viveu uma vida longa e feliz, cheia de trabalho criativo inspirado. Ele nasceu na cidade de Cadore, viveu toda a sua vida em Veneza, estudou lá - primeiro com Bellini e depois com Giorgione. Só por pouco tempo, já tendo alcançado fama, viajou a convite de clientes para Roma e Augsburgo, preferindo trabalhar no ambiente de sua espaçosa casa hospitaleira, onde seus amigos e artistas humanistas frequentemente se reuniam, entre eles o escritor Aretino, o arquiteto Sansovino.

A obra dos mestres que trabalharam em Veneza, um dos centros mais importantes da vida intelectual e artística da Itália no século XVI, adquiriu uma coloração completamente especial. Aqui, nessa época, desenvolveu-se uma cultura arquitetônica excepcionalmente única e alta, inextricavelmente ligada à história da cidade, às especificidades de sua construção e às peculiaridades da vida veneziana.

Veneza surpreenderam muitos visitantes e estrangeiros com a amplitude das conexões internacionais, o grande número de navios ancorados na Laguna e nos ancoradouros no meio da cidade, mercadorias exóticas na promenade dei Schiavoni e além, no centro comercial de Veneza (na a Ponte Rialto). Fiquei impressionado com o esplendor das festividades da igreja e cerimônias civis, que se transformaram em fantásticos desfiles navais.

O ar livre do Renascimento e do humanismo não foi algemado em Veneza pelo regime da Contra-Reforma. Ao longo do século XVI a liberdade de religião foi preservada aqui, a ciência se desenvolveu mais ou menos livremente e a impressão de livros se expandiu.

Depois de 1527, quando muitos humanistas e artistas deixaram Roma, Veneza tornou-se seu refúgio. Aretino, Sansovino, Serlio vieram aqui. Como em Roma, e antes disso em Florença, Urbino, Mântua e outros, a filantropia e a paixão por colecionar manuscritos, livros e obras de arte se desenvolveram cada vez mais aqui. A nobreza veneziana competiu na decoração da cidade com belos edifícios públicos e palácios privados, pintados e adornados com esculturas. A paixão geral pela ciência foi expressa na publicação de tratados científicos, por exemplo, o trabalho sobre matemática aplicada de Luca Pacioli "Sobre a proporção divina", publicado em 1509. Uma variedade de gêneros floresceu na literatura - do epistolar ao dramático.

Alturas notáveis ​​alcançadas no século XVI. pintura veneziana. Foi aqui nas composições multifiguras de Carpaccio (1480-1520), um dos primeiros verdadeiros paisagistas, nas grandiosas telas festivas de Veronese (1528-1588), que nasceu a arte da cor. Um tesouro inesgotável de imagens humanas foi criado pelo brilhante Ticiano (1477-1576); grande drama foi alcançado por Tintoretto (1518-1594).

Não menos significativas foram as mudanças que ocorreram na arquitetura veneziana. Durante o período em análise, o sistema de meios artísticos e expressivos que se desenvolveu na Toscana e em Roma foi adaptado às necessidades locais, e as tradições locais foram combinadas com a monumentalidade romana. Foi assim que se formou em Veneza uma versão completamente original do estilo clássico renascentista. A natureza deste estilo foi determinada, por um lado, pela estabilidade das tradições bizantinas, orientais e góticas, originalmente retrabalhadas e firmemente assimiladas pela Veneza conservadora e, por outro, pelas características únicas da paisagem veneziana.

A localização exclusiva de Veneza nas ilhas no meio da lagoa, o aperto dos edifícios, apenas interrompido em alguns lugares por pequenas praças, a desordem da rede de canais que a cortam e ruas estreitas, às vezes com menos de um metro de largura ligados por inúmeras pontes, a primazia das hidrovias e gôndolas, como principal meio de transporte - são os traços mais característicos desta cidade única, na qual mesmo uma pequena área adquiriu o valor de um salão aberto (Fig. 23).

A sua aparência, que sobreviveu aos nossos dias, finalmente tomou forma durante o século XVI, quando o Grande Canal - a principal artéria da água - foi decorado com vários palácios majestosos e a construção dos principais centros públicos e comerciais da cidade foi finalmente determinado.

Sansovino, tendo entendido corretamente o significado urbano da Piazza San Marco, abriu-a para um canal e uma lagoa, encontrando os meios necessários para expressar na arquitetura a própria essência da cidade como capital de uma poderosa potência marítima. Palladio e Longhena, que trabalharam depois de Sansovino, completaram a formação da silhueta urbana, colocando várias igrejas nos pontos decisivos do planejamento da cidade (o mosteiro de San Giorgio Maggiore, as igrejas de Il Redentore e Santa Maria della Salute. de desenvolvimento urbano, que é o pano de fundo para muitos edifícios únicos, os traços mais persistentes de uma cultura arquitetônica peculiar e muito elevada de Veneza (Fig. 24, 25, 26).

Fig.24. Veneza. Casa no Ross Quay; à direita é um dos canais
Fig.25. Veneza. Canal Ony Santi; direito palacetto na quadra de Solda
Fig.26. Veneza. Edifícios residenciais do século XVI.: 1 - casa na calle dei Furlani; 2 - casa na Salidzada dei Greci; 3 - uma casa no aterro de Ross; 4 - casas no campo Santa Marina; 5 - casa no aterro de San Giuseppe; 6 - palacetto na quadra da Solda; 7 - palacetto na calle del Olio

Na construção de habitação ordinária de Veneza do século XVI. em geral, os tipos desenvolvidos no século anterior ou mesmo antes desenvolvidos. Para os segmentos mais pobres da população, eles continuaram a construir conjuntos de edifícios multiseção, localizados paralelamente às laterais de um pátio estreito, contendo dependências e apartamentos separados para famílias dos funcionários mais baixos da república (casa no Campo Santa Marina; ver Fig. 26.4); construíram casas de dois e vários seções com apartamentos de um ou dois andares cada, com entradas e escadas independentes; casas de desenvolvedores mais ricos com dois apartamentos localizados um sobre o outro e isolados de acordo com o mesmo princípio (casa na calle dei Furlani, ver Fig. 26.1); as residências dos mercadores, já se aproximando do plano dos palácios da nobreza veneziana, mas em termos de natureza e escala da arquitetura, ainda permaneciam inteiramente no círculo dos edifícios comuns.

No século XVI, aparentemente, os métodos de planejamento, os métodos construtivos e a composição da fachada dos edifícios finalmente tomaram forma. Eles formaram a aparência arquitetônica de edifícios residenciais comuns em Veneza, que sobreviveu até hoje.

Os traços característicos das casas do século XVI. houve, em primeiro lugar, o aumento do número de andares de dois ou três para três ou quatro andares e a expansão dos edifícios; assim, a largura dos asilos nos séculos XII e XIII. igualou, via de regra, a profundidade de uma sala; no século 15 prédios residenciais geralmente já tinham duas fileiras de cômodos, mas agora isso se tornou a regra, e em alguns casos até apartamentos inteiros são orientados para um lado da fachada (complexo no campo Santa Marina). Estas circunstâncias, bem como o desejo do indispensável isolamento de cada apartamento, levaram ao desenvolvimento de um layout extremamente sofisticado das secções.

Construtores desconhecidos mostraram grande engenhosidade, organizando pátios claros, fazendo entradas para o primeiro e o andar superior de diferentes lados do edifício, inscrevendo lances de escadas que levam a diferentes apartamentos um sobre o outro (como pode ser visto em alguns desenhos de Leonardo da Vinci) , inclinando lances separados de escadas nas paredes longitudinais duplas do casco. A partir do século XVI na construção residencial, como nos palácios, às vezes são encontradas escadas em espiral; o exemplo mais famoso é a escada em espiral exterior com arcadas no Palazzo Contarini-Minelli (séculos XV-XVI).

Nas casas bloqueadas, adotava-se uma estrutura de piso do vestíbulo (o chamado "aule"), servindo a dois ou três cômodos ou apartamentos - característica que antes era difundida nas casas individuais mais ricas ou nos palácios da nobreza. Esse recurso de planejamento tornou-se típico no século seguinte em moradias para pobres, que tinham uma planta compacta com apartamentos e quartos agrupados em torno de uma quadra de luz fechada.

Pelos séculos XV-XVI. as formas e técnicas de equipamentos de construção também foram estabelecidas. Com solos venezianos saturados de água, a redução do peso do edifício era de grande importância. As estacas de madeira serviram de fundação por muito tempo, mas se antes fossem usadas pilhas curtas (cerca de um metro de comprimento), que serviam apenas para compactar o solo, mas: não para transferir a pressão do edifício para as camadas mais densas subjacentes, então a partir do século XVI. começou a cravar estacas realmente longas (9 peças por 1 m2). Em cima deles, uma grelha de carvalho ou lariço foi disposta, sobre a qual foi colocada uma base de pedra sobre argamassa de cimento. As paredes dos rolamentos foram feitas com 2-3 tijolos de espessura.

Os tetos eram de madeira, já que as abóbadas, que tinham um peso significativo, exigiam paredes de alvenaria mais maciças que aguentassem o empurrão. As vigas eram colocadas com bastante frequência (a distância entre elas era de uma largura e meia a duas larguras de viga) e geralmente deixadas sem bainha. Mas em casas mais ricas, palácios e prédios públicos eles eram cercados, pintados e decorados com esculturas de madeira e estuque. Pisos de ladrilhos de pedra ou tijolos colocados sobre uma camada intermediária de plástico forneceram à estrutura alguma flexibilidade e a capacidade de suportar assentamentos irregulares de paredes. Os vãos das instalações foram determinados pelo comprimento da madeira importada (4,8-7,2 m), que normalmente não era cortada. Os telhados eram inclinados, com telhas em caibros de madeira, às vezes com um ralo de pedra ao longo da borda.

Embora as casas geralmente não fossem aquecidas, uma lareira foi instalada nas cozinhas e na sala principal ou no hall. As casas tinham um sistema de esgoto, ainda que primitivo - as latrinas eram feitas na cozinha, em nichos acima dos tirantes com canais embutidos na parede. Os orifícios de saída nas marés altas eram inundados com água e, nas marés baixas, levava esgoto para a lagoa. Um método semelhante também foi encontrado em outras cidades italianas (por exemplo, em Milão).

Fig.27. Veneza. Poços. No pátio do Volto Santo, século XV; no pátio da Igreja de San Giovanni Crisóstomo; planta e seção do pátio com poço (esquema de dispositivo de drenagem)

O abastecimento de água em Veneza há muito (desde o século 12) ocupou as autoridades da cidade, uma vez que mesmo os aquíferos profundos forneciam água salgada adequada apenas para as necessidades domésticas. Os poços, principal fonte de abastecimento de água, estavam cheios de precipitação atmosférica, cuja recolha dos telhados dos edifícios e da superfície dos quintais exigia dispositivos muito complexos (Fig. 27). A água da chuva foi coletada de toda a superfície do pátio pavimentado, que possuía declives para quatro furos. Através deles, penetrava em peculiares galerias-caixotões, imersas em uma camada de areia que servia de filtro, e desembocava no fundo de um vasto reservatório de argila embutido no solo (sua forma e tamanho dependiam da forma e do tamanho do Jardim). Os poços eram geralmente construídos por autoridades da cidade ou cidadãos eminentes. Pedra dobrável de água, mármore ou mesmo bacias de bronze, cobertas de talha e decoradas com o brasão do doador, eram verdadeiras obras de arte (um poço de bronze no pátio do Palácio Ducal).

As fachadas dos edifícios residenciais comuns em Veneza eram uma evidência clara de que as altas qualidades estéticas e artísticas de um edifício podem ser alcançadas através do uso hábil de formas elementares, funcionalmente ou estruturalmente necessárias, sem a introdução de detalhes adicionais complexos e o uso de materiais caros. As paredes de tijolos das casas às vezes eram rebocadas e pintadas de cinza ou vermelho. Neste contexto, sobressaíam as arquitraves de portas e janelas em pedra branca. O revestimento de mármore era usado apenas nas casas das pessoas mais ricas e nos palácios.

A expressividade artística das fachadas foi determinada pelo agrupamento magistral, por vezes virtuoso, de vãos de janelas e chaminés e varandas salientes do plano da fachada (este último apareceu no século XV apenas em habitações mais ricas). Frequentemente havia uma alternância piso a piso de janelas e pilares - sua localização não era na mesma vertical (como, por exemplo, as fachadas frontais das casas no Campo Santa Marina ou a fachada de uma casa no aterro San Giuseppe, veja a Fig. 26). As principais salas de estar e áreas comuns (aule) foram distinguidas na fachada por aberturas em arco duplo e triplo. A oposição contrastante de aberturas e paredes é uma técnica tradicional da arquitetura veneziana; ele recebeu desenvolvimento magnífico em casas e palácios mais ricos.

Para a construção de moradias comuns no século XVI, assim como no século XV, os bancos são característicos, às vezes ocupando todos os cômodos do primeiro andar da casa, com vista para a rua. Cada loja ou oficina de artesão tinha uma entrada independente com uma vitrine coberta por uma arquitrave de madeira sobre esbeltos pilares quadrados esculpidos em uma única peça de pedra.

Em contraste com as lojas, as galerias no térreo das casas comuns eram dispostas apenas se não houvesse outra maneira de fazer uma passagem ao longo da casa. Mas eles eram uma característica distintiva dos edifícios e conjuntos públicos - galerias em arco são encontradas em todos os edifícios do conjunto central veneziano: no Palácio Ducal, na Biblioteca Sansovino, na Antiga e na Nova Procurações; nas instalações comerciais da Fabbrique Nuove perto de Rialto, no Palazzo de Dieci Savi. Nas casas mais ricas, eram comuns os terraços de madeira erguidos acima dos telhados, chamados (como em Roma) altans, que quase não sobreviveram, mas são bem conhecidos pelas pinturas e desenhos.

Complexo residencial no Campo Santa Marina(Fig. 26.4), constituído por dois edifícios paralelos de quatro pisos, ligados na extremidade por um arco decorativo, podem servir de exemplo de construção para os pobres. O centro de cada seção típica aqui era um salão que se repetia pelos andares, em torno do qual se agrupavam os alojamentos, destinados no terceiro e quarto andares à ocupação cômodo a cômodo. As instalações do segundo andar podem ser separadas em um apartamento independente devido ao arranjo de entradas e escadas separadas. O primeiro andar era ocupado por lojas.

Casa na rua dei Furlani(Fig. 26.1) é um exemplo de moradia um pouco mais rica. Como em muitas outras casas venezianas, localizadas em um terreno estreito e alongado, as principais instalações do segundo e terceiro andares ocupavam toda a largura do edifício ao longo da fachada. Dois apartamentos isolados foram dispostos em dois andares cada. As escadas para o segundo apartamento começavam em um pequeno pátio de luz.

Casa à beira-mar de San Giuseppe(Fig. 26.5) pertencia inteiramente a um proprietário. Duas lojas foram alugadas. Na parte central da casa havia um vestíbulo com uma escada, em cujas laterais se agrupavam os demais cômodos.

Palacetto na corte de Solda(Fig. 26.5; exatamente datado de 1560) pertencia ao comerciante Aleviz Solta, que aqui vivia com uma família de 20 pessoas. Este edifício, com um salão central destacado na fachada por um conjunto de janelas em arco, aproxima-se da tipologia de um palácio, embora todas as salas nele sejam pequenas e destinadas a habitação, e não a festividades e cerimónias magníficas. As fachadas do edifício são correspondentemente modestas.

As características que se desenvolveram na construção de moradias comuns de Veneza também são características dos palácios da nobreza. O pátio não é o centro da composição neles, mas é movido para a profundidade do local. Entre as dependências cerimoniais do segundo andar, destaca-se o aul. Todos os meios de expressividade arquitetônica concentram-se na fachada principal, voltada para o canal; as fachadas laterais e traseiras são deixadas desordenadas e muitas vezes inacabadas.

De salientar a leveza construtiva da arquitectura palaciana, a área relativamente grande das aberturas e a sua localização própria de Veneza (um conjunto de aberturas ricamente processadas ao longo do eixo da fachada e duas janelas simétricas - acentos - ao longo das arestas do plano da fachada).

Uma nova tendência que penetrou na arquitetura de Veneza no final do século XV, que recebeu aqui uma coloração local pronunciada na obra de Pietro Lombardo e seus filhos e Antonio Rizzo, que realizou várias obras no Palácio Ducal e na Praça de São Marcos Praça, nas primeiras décadas do século XVI. continuou a se desenvolver. Seus contemporâneos trabalharam no mesmo espírito Spavento e mestres da geração mais jovem - Bartolomeo Bon, o Jovem , Scarpagno e etc

Bartolomeo Bon, o Jovem(falecido em 1525), que substituiu Pietro Lombardo como arquiteto-chefe do Palácio Ducal, ao mesmo tempo continuou a construção das Velhas Procurações na Piazza San Marco, colocou a scuola de San Rocco e iniciou a construção do Palazzo dei Camerlengi perto do Ponte Rialto. Ambos, como muitos de seus outros edifícios, foram posteriormente concluídos por Scarpagnino (ele morreu em 1549).

Palazzo dei Camerlengi(Fig. 28) - a sede dos coletores de impostos venezianos - apesar da semelhança externa com os palácios da nobreza veneziana, difere no layout e orientação da fachada principal, que não está voltada para o Grande Canal, mas para a Ponte Rialto . Este arranjo do palazzo garantiu sua conexão com os edifícios comerciais circundantes. As instalações estão agrupadas simetricamente ao longo dos lados do corredor, ao longo de todo o edifício. As fachadas, de estrutura gótica, totalmente recortadas no segundo e terceiro pisos por janelas de arco duplo e triplo, adquiriram, contudo, graças às divisões de ordem, uma ordem puramente renascentista (cf. Fig. 39).

Escola de San Rocco(1517-1549) é um exemplo característico de um edifício com uma clara estrutura de ordem clássica da fachada, combinada com ricos embutidos de mármore tradicionais de Veneza. No seu aspecto, porém, graças ao desprendimento do entablamento e à introdução de frontões unindo aberturas em arco aos pares, havia traços característicos da arquitetura da época seguinte, que inclui também os interiores de dois grandes salões pintados por Tintoretto (Fig. 29).

Scarpagnino, juntamente com Spavento (d. 1509), reconstruiu um grande armazém dos comerciantes alemães Fondaccodei Tedeschi (1505-1508) - um carré de vários andares com um pátio espaçoso e um cais de loggia com vista para um grande canal (Giorgione e Ticiano decorou as paredes do edifício do lado de fora com afrescos, mas eles não foram preservados). Os mesmos dois mestres construíram os chamados Fabbrique Vecchie - edifícios para escritórios comerciais, equipados com lojas e arcadas nos pisos térreos (ver Fig. 39, 41).

Na arquitetura religiosa do início do século XVI. deve ser marcado Igreja de São Salvatore, fundada por Giorgio Spavento, que completa uma importante linha no desenvolvimento do tipo basílica do templo. Em todas as suas três naves (das quais a do meio tem o dobro da largura das laterais), há uma alternância sucessiva de quadrangular, coberta de cúpulas hemisféricas, e estreita, coberta de abóbadas semicirculares, celas da planta, que atinge maior clareza da construção espacial, na qual, no entanto, o centro é menos pronunciado (ver Fig. Fig. 58).

Uma nova etapa no desenvolvimento da arquitetura renascentista em Veneza começou com a chegada dos mestres romanos. Eles eram principalmente Sebastiano Serlio , arquiteto e teórico.

Serlio(nascido em 1475 em Bolonha, morreu em 1555 em Fontainebleau na França) viveu em Roma até 1527, onde trabalhou com Peruzzi. De lá, mudou-se para Veneza. Aqui ele consultou o projeto da igreja de San Francesco della Vigna (1533), fez desenhos para o teto da igreja da biblioteca de San Marco (1538) e desenhos do palco para o teatro na casa de Colleoni Porto em Vicenza (1539), bem como um modelo para a reconstrução da basílica.

Entrando ao serviço do rei francês Francisco I, Serlio em 1541 foi nomeado arquiteto-chefe do palácio em Fontainebleau. Seu edifício mais importante na França foi o Château d'Ancy le Franc.

Serlio é conhecido principalmente por seu trabalho teórico. Seu tratado de arquitetura começou a aparecer em 1537 em livros separados.

As atividades de Serlio contribuíram em grande parte para o renascimento do interesse da sociedade veneziana pela teoria da arquitetura, em particular pelos problemas de harmonia e proporções, como evidenciado pela discussão e uma espécie de concurso realizado em 1533 em conexão com o projeto do igreja de San Francesco della Vigna, iniciada segundo os planos de Sansovino (ver. Fig. 58). A fachada da igreja, em que a grande ordem da parte central foi combinada com uma pequena ordem correspondente às naves laterais, só foi concluída em 1568-1572. desenhado por Palladio.

Serlio é creditado em Veneza apenas com a conclusão dos palácios de Caen, mas os muitos planos e fachadas de edifícios retratados em seu tratado, para os quais ele usou a herança de Peruzzi, tiveram uma grande influência não apenas em seus contemporâneos, mas também em muitos gerações subsequentes de arquitetos na Itália e em outros países.

O maior mestre que determinou o desenvolvimento da arquitetura veneziana no século XVI foi Jacopo Sansovino , um estudante de Bramante, que se estabeleceu em Veneza após o saque de Roma.

Jacopo Tatti(1486-1570), que adotou o apelido Sansovino, nasceu em Florença e morreu em Veneza. A primeira metade de sua vida foi passada em Roma (1503-1510 e 1518-1527) e Florença (1510-1517), onde trabalhou principalmente como escultor.

Em 1520 participou do concurso para o projeto da igreja de San Giovanni dei Fiorentini. Em 1527, Sansovino mudou-se para Veneza, onde em 1529 se tornou o chefe dos Procuradores de San Marco, ou seja, o chefe de todas as obras de construção da República de Veneza.

Sua obra arquitetônica mais importante em Veneza inclui: a restauração das cúpulas da Catedral de San Marco; a construção da Scuola della Misericordia (1532-1545); construção do centro público da cidade - Piazza San Marco e Piazzetta, onde completou as Velhas Procurações e ergueu a Biblioteca (1537-1554, concluída por Scamozzi) e Loggetta (desde 1537); construção de uma casa da moeda - Dzekka (desde 1537); decoração da Escadaria Dourada do Palácio Ducal (1554); Palazzo Corner della Ca Grande (desde 1532); projetos dos palácios Grimani e Dolphin Manin; conclusão do centro comercial da cidade com a construção da Fabbrique Nuove e do mercado de Rialto (1552-1555); construção das igrejas de San Fantino (1549-1564), San Maurizio e outras.

Foi Sansovino quem deu passos decisivos para aplicar o estilo “clássico” desenvolvido em Roma às tradições arquitetônicas de Veneza.

Palazzo Corner della Ca Grande(Fig. 30) - um exemplo do processamento do tipo composicional dos palácios florentinos e romanos de acordo com as necessidades e gostos venezianos.

Ao contrário da maioria dos palácios venezianos construídos em pequenos terrenos, era possível organizar um grande pátio no Palazzo Corner. No entanto, se nos palácios florentinos do século XV. e romano do século XVI. os alojamentos estavam estaticamente localizados ao redor do pátio, que era o centro da vida fechada de um cidadão rico e o núcleo de toda a composição, aqui Sansovino organiza todas as instalações de acordo com uma das funções mais importantes da vida aristocrática veneziana: magníficas festividades e recepções. Portanto, um grupo de quartos se desenrola solenemente ao longo da linha de movimento dos hóspedes da loggia de entrada (píer) através do espaçoso vestíbulo e escadas até as salas de recepção no andar principal (segundo e, de fato, terceiro) com janelas na fachada , na extensão de água do canal.

O primeiro e o intermediário (de serviço) elevados ao subsolo são unidos por uma forte alvenaria rústica, formando o nível inferior das fachadas principal e pátio. Os andares seguintes (salas de recepção neles correspondem a dois andares de instalações residenciais) são expressos na fachada principal por dois níveis de colunas de três quartos das ordens jônica e composta. A rica plasticidade, o ritmo acentuado das colunas dispostas aos pares e as amplas janelas em arco com varandas conferem ao edifício uma magnificência excepcional.

A alocação da loggia de entrada central, a escada piramidal hospitaleiramente descendo para a água, a proporção de paredes estreitas e aberturas alargadas - tudo isso é específico da arquitetura do palácio veneziano do século XVI.

Sansovino não se limitava de forma alguma aos palácios. E embora a fama de sua vida estivesse associada em maior medida à escultura (na qual seu papel era comparado ao papel de Ticiano na pintura), o principal mérito de Sansovino é a conclusão do conjunto central da cidade (Fig. 31-33).

A reconstrução do território adjacente ao Palácio Ducal, entre a Piazza San Marco e o cais, começou em 1537 com a construção de três edifícios ao mesmo tempo - Zecchi, a nova Biblioteca (no local dos celeiros de grãos) e Logetta (no local de um edifício destruído por um raio ao pé do campanário). Sansovino, avaliando corretamente as possibilidades de ampliar e completar a Piazza San Marco, começou a demolir os caóticos edifícios que a separavam da lagoa, criando então um charmoso Piazzetta.

Assim, ele abriu oportunidades magníficas para organizar as festividades queridas pelos venezianos e cerimônias solenes de estado, que afirmavam o poder da República de Veneza e se desenrolavam na água, em frente ao Palácio Ducal e na catedral. A fachada norte da Biblioteca predeterminava o terceiro lado e a forma geral da Praça de São Marcos, que se completou com a construção das Novas Procurações e o edifício do lado oeste (1810). Os mastros de bandeira instalados em 1505 por A. Leopardi e a pavimentação de mármore constituem um elemento essencial deste grandioso salão aberto (175 m de comprimento, 56-82 m de largura), que se tornou o centro da vida pública em Veneza e fica de frente para o fantasticamente rico de cinco arcos fachada da catedral.

Fig.36. Veneza. Biblioteca de São Marcos. Desenhos e fachada final, biblioteca e Loggetta. I. Sansovino

Biblioteca de São Marcos(Fig. 35, 36), destinada à coleção de livros e manuscritos, doada em 1468 à República de Veneza pelo Cardeal Vissarion, é um edifício comprido (cerca de 80 m), inteiramente feito de mármore branco. Falta-lhe um centro composicional próprio. Sua fachada é uma arcada de ordem de dois níveis (com colunas de três quartos da ordem toscana na parte inferior e da ordem jônica no topo), extraordinariamente rica em plasticidade e claro-escuro. A arcada inferior forma uma loggia profunda de meio corpo. Atrás dela há uma série de estabelecimentos comerciais e a entrada da biblioteca, marcada por cariátides. Uma escadaria solene no meio do edifício leva ao segundo andar, ao vestíbulo (concluído posteriormente por Scamozzi) e por ele ao salão principal da biblioteca.

Sansovino tentou usar um novo desenho de um teto falso abobadado no salão, fazendo-o de tijolo, mas a abóbada e parte da parede desmoronaram (1545). A abóbada elíptica existente, decorada com pinturas de Ticiano e Veronese, é feita de estuque.

As aberturas em arco do segundo andar, tomadas em conjunto como uma galeria contínua, repousam sobre colunas jônicas duplas que desenvolvem em profundidade a plasticidade da fachada. Devido a isso, toda a espessura da parede está envolvida na formação da aparência externa da estrutura. Um alto friso triglifo entre os pisos e um friso ainda mais desenvolvido, coberto de relevos, do entablamento superior, escondendo o terceiro andar do edifício com despensas e coroado por uma rica cornija com balaustrada e esculturas, unem os dois níveis da biblioteca numa composição integral, insuperável em esplendor e solenidade festivas.

Aos pés do Campanário de São Marcos, o mestre erigiu uma escultura ricamente decorada Loggett, ligando a torre medieval com os edifícios posteriores do conjunto (Logetta foi destruído durante a queda do campanário em 1902; em 1911 ambos os edifícios foram restaurados). Durante cerimônias públicas e festividades, o terraço da Loghetta, ligeiramente elevado acima do nível da praça, servia de plataforma para os nobres venezianos. Localizado na junção da Piazza San Marco e Piazzetta, este pequeno edifício com fachada de mármore branco com sótão alto, coberto de relevos e coroado com balaustrada, é um elemento importante do conjunto brilhante do centro veneziano.

Localizado atrás da biblioteca próximo à sua fachada final, o Zecca (hortelã) tem uma aparência mais fechada, quase severa. O núcleo do edifício é o pátio, que serve no rés-do-chão como único meio de comunicação entre as instalações envolventes, que ocupam toda a profundidade dos edifícios (Fig. 37). O edifício é feito de mármore cinza. A plasticidade das paredes é complicada pela ferrugem e pelas arquitraves das janelas, cujos coroamentos são pesados ​​e contrastam com a leve horizontal da fina arquitrave que se encontra acima. A cornija fortemente saliente do segundo andar, aparentemente, deveria coroar todo o edifício (o terceiro andar foi adicionado mais tarde, mas durante a vida de Sansovino); agora ele priva a integridade da composição da fachada, sobrecarregada de detalhes.

Notável é a liberdade com que os pisos de Zecca, inferiores aos pisos da biblioteca, se conjugam com esta última, realçando a diferença de finalidade e aparência dos edifícios (ver Fig. 36).

Na segunda metade do século XVI. os arquitetos Rusconi, Antonio da Ponte, Scamozzi e Palladio trabalharam em Veneza.

Rusconi(c. 1520-1587) começou em 1563 a construção de uma prisão, situada no aterro dei Schiavoni e separada do Palácio Ducal apenas por um canal estreito (Fig. 33, 38). O núcleo do edifício era formado por fileiras de celas solitárias, verdadeiros sacos de pedra, separados das paredes externas por um corredor que não deixava os prisioneiros contato com o mundo exterior. A severa fachada de mármore cinza foi feita por A. da Ponte após a morte de Rusconi.

Antonio da Ponte (1512-1597) pertence à conclusão do centro comercial de Veneza, onde construiu a ponte de pedra Rialto (1588-1592), cujo arco de vão único é enquadrado por duas fileiras de lojas (Fig. 40).

Fig.38. Veneza. Prisão, desde 1563 Rusconi, desde 1589 A. da Ponte. Planta, fachada poente e um fragmento da meridional; Ponte dos Suspiros
	Arroz. 43. Sabbioneta. Teatro e Câmara Municipal, 1588 Scamozzi

Vincenzo Scamozzi , autor de tratados teóricos, foi ao mesmo tempo o último grande arquiteto do Cinquecento em Veneza.

Vincenzo Scamozzi(1552-1616) - filho do arquiteto Giovanni Scamozzi. Em Vicenza, ele construiu vários palácios, incluindo Porta (1592) e Trissino (1592); ele completou a construção do teatro Olimpico, Palladio (1585), etc. Em Veneza, Scamozzi construiu as Novas Procurações (iniciadas em 1584), os palácios da Câmara Municipal (1558), Contarini (1606), etc., interiores concluídos no Palácio Ducal (1586), projetos para a Ponte Rialto (1587). Ele completou a construção e decoração das instalações da Biblioteca Sansovino (1597), participou da conclusão da fachada da igreja de San Giorgio Maggiore (1601), etc. Ele construiu as vilas Verlato perto de Vicenza (1574), Pisani perto Lonigo (1576), Trevisan no Piave (1609) e outras, estendendo-se também a outras cidades italianas: Pádua - Igreja de San Gaetano (1586); Bérgamo - Palácio Público (1611); Génova - Palácio Ravaschieri (1611); Sabbioneta - palácio ducal, câmara municipal e teatro (1588; fig. 43).

Scamozzi também visitou a Hungria, Morávia, Silésia, Áustria e outros estados, projetou palácios para o Duque de Sbaras na Polônia (1604), na Boêmia a catedral de Salzburgo (1611), na França fortificações de Nancy, etc.

Scamozzi participou em várias obras de fortificação e engenharia (a colocação da fortaleza de Palma, 1593; o projeto de uma ponte sobre o Piave).

O resultado do estudo e esboços de monumentos antigos (viagem a Roma e Nápoles em 1577-1581) foi publicado por Scamozzi em 1581 no livro "Conversas sobre Antiguidades Romanas".

A conclusão de seu trabalho foi o tratado teórico Conceitos Gerais de Arquitetura, publicado em Veneza (1615).

Os primeiros edifícios de Scamozzi são caracterizados por uma certa secura das formas e um desejo de uma interpretação plana da fachada (Villa Verlato perto de Vicenza). Mas a obra veneziana mais importante de Scamozzi - Novas Procurações(1584), onde construiu 17 arcos (os restantes foram concluídos pela sua aluna Longena), construídos no espírito de Sansovino (Fig. 42). Scamozzi baseou esta composição no ritmo forte e na rica plasticidade dos pórticos em arco da Biblioteca. Incluindo o terceiro andar na composição, resolveu de forma desenfreada e convincente o problema de anexar os três andares da Procuração à Biblioteca, iluminando a cornija de coroamento e sutilmente levando em conta que a junção dos edifícios está parcialmente escondida pelo campanário. Desta forma, ele conseguiu conectar bem os dois edifícios com o conjunto da Piazza San Marco.

Embora com o tempo Scamozzi seja o último grande arquiteto do Renascimento, mas seu verdadeiro consumador foi Palladio- o mestre mais profundo e original da arquitetura do norte da Itália de meados do século XVI.

Capítulo “Arquitetura do Norte da Itália”, subseção “Arquitetura da Itália 1520-1580”, seção “Arquitetura Renascentista na Itália”, enciclopédia “História Geral da Arquitetura. Volume V. Arquitetura da Europa Ocidental séculos XV-XVI. Renascimento". Editor-chefe: V.F. Marcuson. Autores: V. F. Marcuson (Introdução, G. Romano, Sanmicheli, Veneza, Palladio), A.I. Opochinskaya (Casas de habitação em Veneza), A.G. Tsires (Teatro Palladio, Alessi). Moscou, Stroyizdat, 1967