Pintura- o tipo mais comum de arte, cujas obras são criadas com tintas aplicadas em qualquer superfície.

Nas obras de arte criadas por pintores, são utilizados o desenho, a cor, o claro-escuro, a expressividade dos traços, a textura e a composição. Isso permite reproduzir no plano a riqueza colorida do mundo, o volume dos objetos, sua originalidade material qualitativa, profundidade espacial e ambiente luz-ar.

A pintura, como qualquer arte, é uma forma de consciência social, é um reflexo artístico e figurativo do mundo. Mas, refletindo o mundo, o artista ao mesmo tempo incorpora seus pensamentos e sentimentos, aspirações, ideais estéticos em suas obras, avalia os fenômenos da vida, explicando à sua maneira sua essência e significado, expressa sua compreensão do mundo.

O mundo da pintura é rico e complexo, seus tesouros foram acumulados pela humanidade ao longo de muitos milênios. As mais antigas obras de pintura foram descobertas por cientistas nas paredes de cavernas habitadas por povos primitivos. Com incrível precisão e nitidez, os primeiros artistas retrataram cenas de caça e os hábitos dos animais. Surgiu assim a arte de pintar na parede, que tinha traços característicos da pintura monumental.

pintura monumental Existem dois tipos principais de pintura monumental fresco (do fresco italiano - fresco) e mosaico (do mosaique italiano, literalmente - dedicado às musas).

Fresco- Esta é uma técnica de pintura com tintas diluídas em água pura ou cal, sobre reboco fresco e úmido.

mosaico- uma imagem feita de partículas homogêneas ou diferentes de pedra, smalt, telhas cerâmicas, que são fixadas em uma camada de solo - cal ou cimento.

O afresco e o mosaico são os principais tipos de arte monumental, que, por sua durabilidade e solidez da cor, são usados ​​para decorar volumes e planos arquitetônicos (pintura de parede, plafonds, painéis). Entre os monumentalistas russos, os nomes de A.A. Deineki, P. D. Corina, A. V. Vasnetsova, B.A. Talberg, D. M. Merpert, B. P. Miliukov e outros.

pintura de cavalete(imagem) tem um caráter e significado independentes. A amplitude e completude da cobertura da vida real se reflete na variedade de tipos inerentes à pintura de cavalete e gêneros: natureza morta, doméstico, histórico, gêneros de batalha, paisagem, retrato.

Ao contrário da pintura de cavalete monumental, não está ligada ao plano da parede e pode ser exposta livremente. O significado ideológico e artístico das obras de arte de cavalete não muda. dependendo do local onde se encontram, embora a sua sonoridade artística dependa das condições de exposição.

Além destes tipos de pintura, existem decorativo- esboços de cenários e figurinos teatrais e cinematográficos, - bem como miniaturas e iconografia.

Um monumento de alta habilidade da antiga pintura russa do século XV. à direita é considerada uma obra-prima criada por Andrei Rublev - o ícone "Trinity", armazenado na Associação de Museus de Toda a Rússia "Galeria Estadual Tretyakov" (il. 6). Aqui, de uma forma perfeita e mais elevada para o seu tempo, expressa-se o ideal moral da harmonia do espírito com o mundo e a vida. O ícone está repleto de profundo conteúdo poético e filosófico. A imagem de três anjos está inscrita num círculo que subjuga todas as linhas de contorno, cuja consistência produz um efeito quase musical. Tons claros e puros, especialmente azul centáurea ("repolho recheado") e verde transparente, fundem-se em uma gama finamente coordenada. Essas cores contrastam com o manto cereja escuro do anjo do meio, enfatizando o papel principal de sua figura na composição geral.

A beleza da pintura de ícones russos, nomes Teófano, o grego, Andrey Rublev, Dionísio, Prokhor de Gorodets, Daniil Cherny aberto ao mundo somente após o século XX. aprendeu como limpar ícones antigos de registros posteriores.

Infelizmente, há uma compreensão simplificada da arte, quando nas obras se busca a clareza obrigatória do enredo, o reconhecimento do que o pintor retratou, do ponto de vista do “semelhante” ou do “diferente”. Ao mesmo tempo, eles esquecem: nem em todos os tipos de arte se pode encontrar uma semelhança direta do que é retratado na tela com uma imagem de uma vida concreta familiar. Com esta abordagem, é difícil avaliar os méritos da pintura de Andrei Rublev. Isso sem falar nos tipos "não pictóricos" de criatividade como música, arquitetura, artes aplicadas e decorativas.

A pintura, como todas as outras formas de arte, possui uma linguagem artística especial, através da qual o artista transmite suas ideias e sentimentos que refletem a realidade. Na pintura, “uma imagem em tempo integral da realidade é realizada através de uma imagem artística, linha e cor. Apesar de toda a sua perfeição técnica, a pintura ainda não é uma obra de arte, se não despertar empatia, emoções do espectador.

Com desempenho absolutamente exato, o artista é privado da oportunidade de mostrar sua atitude em relação ao retratado, se ele se propõe a transmitir apenas semelhança!

Em mestres famosos, a imagem nunca transmite completamente e com precisão a realidade, mas apenas a exibe de um certo ponto de vista. O artista revela principalmente o que ele conscientemente ou intuitivamente considera especialmente importante, o principal neste caso. O resultado de uma atitude tão ativa em relação à realidade não será apenas uma imagem precisa, mas imagem artística da realidade, em que o autor, resumindo detalhes individuais, enfatiza a característica mais importante. Assim, a visão de mundo e a posição estética do artista se manifestam na obra.

Natureza morta- um dos gêneros independentes da pintura. A originalidade do gênero está em suas grandes possibilidades pictóricas. Através da essência material de objetos específicos, um verdadeiro artista pode, de forma figurativa, refletir os aspectos essenciais da vida, gostos e costumes, o status social das pessoas, eventos históricos importantes e, às vezes, uma época inteira. Através da seleção intencional de objetos de imagem e sua interpretação, ele expressa sua atitude em relação à realidade, revela seus pensamentos e sentimentos.

Para comparação, tomemos uma natureza morta pintada por um notável pintor soviético EM. Saryan(1880-1972), "Flores de Yerevan" (ilus. 7). O mestre expressou sua atitude em relação às flores nas palavras que se tornaram a epígrafe da monografia de seus trabalhos criativos: “O que pode ser mais bonito do que flores que adornam a vida de uma pessoa? ... Quando você vê flores, você imediatamente se contagia com um humor alegre ... A pureza de cores, transparência e profundidade que vemos nas flores só podem ser vistas na plumagem dos pássaros e frutas”1.

"Por trás da aparente leveza e imediatismo da escrita está uma grande cultura pictórica e vasta experiência de um artista altamente talentoso. Sua capacidade, como se de um só fôlego, para escrever uma imagem grande (96x103 cm), ignorando deliberadamente os detalhes típicos da criatividade maneira do pintor, que procura transmitir o principal - a riqueza ilimitada das cores da natureza da Armênia nativa.

gênero doméstico, ou simplesmente "gênero" (da palavra francesa gênero - gênero, tipo) - o tipo mais comum de pintura de cavalete em que o artista se refere à imagem da vida em suas manifestações cotidianas.

Na bela arte russa, o gênero cotidiano assumiu uma posição de liderança no século XIX, quando 154 representantes proeminentes da tendência democrática da pintura deram sua contribuição para seu desenvolvimento: VC. Perov (1833-1882), K.A. Savitsky (1844-1905), N.A. Yaroshenko (1846-1896), V.E. Makovsky (1846-1920), I.E. Repin (1844-1930).

O indubitável sucesso criativo de A.A. Plastova (1893-1972) considera-se a pintura "Primavera", na qual a artista expressou um sentimento casto e sutil de admiração pela maternidade. Contra o pano de fundo da neve leve da primavera, a figura de uma mãe amarrando um lenço na cabeça de seu filho parece ótima. O artista dedicou muitas pinturas de gênero às situações de vida simples de seus colegas aldeões.

gênero histórico formado na arte russa na segunda metade do século XIX. Ele ajudou os principais artistas russos a prestar atenção ao passado da Pátria, aos problemas agudos da então realidade. A pintura histórica russa atingiu seu auge nos anos 80-90 do século passado na obra de IE Repin, V. I. Surikov, V. M. Vasnetsova, K.P. Bryullov. Artista russo famoso PD Corin (1892-1967) criou um tríptico (uma composição de três telas separadas conectadas por um tema comum) "Alexander Nevsky". A obra foi criada na dura época da Grande Guerra Patriótica (1942-1943). Nos anos difíceis da guerra, o artista se voltou para a imagem do grande guerreiro da Rússia Antiga, mostrando sua ligação inextricável com o povo, com a própria terra russa. O tríptico de Korin tornou-se um dos documentos mais marcantes do período heróico de nossa história, expressando a fé do artista na coragem e resiliência das pessoas que foram submetidas a severas provações.

Gênero de batalha(do francês bataille - batalha) é considerado uma espécie de gênero histórico. As obras de destaque deste gênero incluem pinturas A.A. Deineka Defesa de Petrogrado (1928), Defesa de Sebastopol (1942) e Downed Ace (1943).

Paisagem frequentemente usado como uma adição importante às pinturas históricas e de batalha cotidianas, mas também pode atuar como um gênero independente. As obras de pintura de paisagem são próximas e compreensíveis para nós, embora a pessoa na tela esteja muitas vezes ausente.

As imagens da natureza excitam todas as pessoas, dando origem a estados de espírito, experiências e pensamentos semelhantes. Quem de nós não está perto das paisagens dos pintores russos: “As gralhas chegaram” AK Savrasova, "Descongelar" F. Vasilyeva,"Centeio" I.I. Shishkin,"Noite no Dnieper" IA Kuindzhi,"Pátio de Moscou" VD. Polenova e "Acima da Paz Eterna" I.I. Levitano. Involuntariamente começamos a olhar o mundo através dos olhos de artistas que revelaram a beleza poética da natureza.

Os pintores de paisagens viam e transmitiam a natureza à sua maneira. Seus motivos favoritos eram I. K. Aivazovsky (1817-1900), retratando um estado diferente do mar, navios e pessoas lutando com os elementos. Suas telas são caracterizadas por uma gradação sutil de claro-escuro, efeito de iluminação, exaltação emocional, inclinação ao heroísmo e ao pathos.

Obras notáveis ​​neste gênero por pintores de paisagem soviéticos: ST. Gerasimov (1885-1964), o autor de pinturas como "Inverno" (1939) e "Gelo passou" (1945),

NP Krymova(1884-1958), criador das pinturas "Autumn" (1918), "Gray Day" (1923), "Noon" (1930), "Before Twilight" (1935) e outras, aquarelas P.A. Ostroumova-Lebedeva(1871-1955) - "Pavlovsk" (1921), "Petrogrado. Campo de Marte (1922), pinturas SOU. Gritsaya (n. 1917)"Jardim de Verão" (1955), "Meio-dia" (1964), "Maio. Calor da primavera "(1970), etc.

Retrato(do francês portraire - retratar) - uma imagem, uma imagem de uma pessoa ou grupo de pessoas que existe ou existiu na realidade.

Um dos critérios mais importantes para o retrato é a semelhança da imagem com o modelo (original). Existem várias soluções para a composição do retrato (busto, cintura, corpo inteiro, grupo). Mas com toda a variedade de soluções e maneiras criativas, a principal qualidade do retrato não é apenas a transferência de semelhança externa, mas também a revelação da essência espiritual da pessoa retratada, sua profissão e status social.

Na arte russa, a pintura de retratos começou sua brilhante história a partir do início do século XVIII. F.S. Rokotov (1735-1808), D.G. Levitsky (1735-1822), V.A. Borovikovsky (1757-1825) até o final do século XVIII. atingiu o nível das maiores realizações da arte mundial.

No início do século XIX. artistas russos V.A. Tropinina (1776-1857) e O.A. Kiprensky (1782-1836) criou retratos amplamente conhecidos de A.S. Pushkin.

Os Wanderers continuaram as tradições do retrato pictórico russo: V.G. Perov (1833/34-1882), N.N. Ge (1831-1894), I.N. Kramskoy (1837-1887), I.E. Repin (1844-1930) e etc

Um exemplo brilhante de resolução de composições de retratos de figuras proeminentes da ciência e da arte é uma série de telas criadas pelo artista M.V. Nesterov (1877-1942). O mestre, por assim dizer, encontrou seus heróis no momento mais intenso de seu pensamento criativo, concentrado, busca espiritual (il. 13). Foi assim que os retratos de famosos escultores soviéticos foram resolvidos IDENTIFICAÇÃO. Shadra (1934) e V.I. Mukhina (1940), acadêmico IP Pavlov (1935) e proeminente cirurgião S.S. Yudina (1935).

A pintura é um tipo de arte, que consiste em criar pinturas, pinturas que refletem de forma mais completa e realista a realidade.

Uma obra de arte feita com tintas (óleo, têmpera, aquarela, guache etc.) aplicadas em uma superfície dura é chamada de pintura. O principal meio expressivo da pintura é a cor, sua capacidade de evocar vários sentimentos, associações, potencializa a emotividade da imagem. O artista geralmente desenha a cor necessária para pintar em uma paleta e depois transforma a tinta em cor no plano da imagem, criando uma ordem de cores - coloração. Pela natureza das combinações de cores, pode ser quente e frio, alegre e triste, calmo e tenso, claro e escuro.

As imagens da pintura são muito claras e convincentes. A pintura é capaz de transmitir volume e espaço, natureza em um plano, revelar o complexo mundo dos sentimentos e personagens humanos, encarnar ideias universais, eventos do passado histórico, imagens mitológicas e um vôo de fantasia.

Ao contrário da pintura como um tipo independente de belas artes, a abordagem pictórica (método) também pode ser usada em seus outros tipos: no desenho, no grafismo e até na escultura. A essência da abordagem pictórica está na representação de um objeto em relação à luz espacial circundante e ao ambiente aéreo, em uma gradação fina de transições tonais.

Variedade de objetos e eventos do mundo circundante, próximo

interesse dos artistas por eles levou ao surgimento durante o século XVII -

Séculos XX gêneros de pintura: retrato, natureza morta, paisagem, animalesco, cotidiano (pintura de gênero), mitológico, histórico, gêneros de batalha. Nas obras de pintura, pode-se encontrar uma combinação de gêneros ou seus elementos. Por exemplo, uma natureza morta ou paisagem pode complementar com sucesso uma imagem de retrato.

De acordo com as técnicas e materiais utilizados, a pintura pode ser dividida nos seguintes tipos: óleo, têmpera, cera (encáustica), esmalte, cola, tintas à base de água sobre gesso úmido (fresco), etc. Em alguns casos, é difícil para separar a pintura dos gráficos. Trabalhos feitos em aquarela, guache, pastel, podem remeter tanto à pintura quanto à grafia.

A pintura pode ser de camada única, executada imediatamente, e multicamada, incluindo pintura de base e envidraçamento, camadas transparentes e translúcidas de tinta aplicadas à camada de tinta seca. Isso alcança as melhores nuances e tons de cor.

Importantes meios de expressão artística na pintura são, além da cor (cor), a mancha e a natureza do traço, o processamento da superfície colorida (textura), as valeras, mostrando as mudanças mais sutis de tom dependendo da iluminação, os reflexos que surgem da interação de cores adjacentes.

A construção de volume e espaço na pintura está associada a uma perspectiva linear e aérea, propriedades espaciais de cores quentes e frias, modelagem de luz e sombra da forma e transferência do tom geral de cor da tela. Para criar uma imagem, além da cor, você precisa de um bom desenho e composição expressiva. O artista, via de regra, começa a trabalhar na tela procurando a solução mais bem-sucedida nos esboços. Então, em numerosos esboços pictóricos da natureza, ele

trabalha os elementos necessários da composição. O trabalho em uma pintura pode começar com o desenho de uma composição com um pincel, pintura de base e

escrevendo diretamente a tela por um ou outro meio pictórico. Além disso, mesmo esboços e esboços preparatórios às vezes têm um valor artístico independente, especialmente se pertencerem ao pincel de um pintor famoso. A pintura é uma arte muito antiga que evoluiu ao longo de muitos séculos, desde as pinturas rupestres paleolíticas até as últimas tendências da pintura do século XX. A pintura tem uma ampla gama de possibilidades para incorporar uma ideia do realismo ao abstracionismo. Enormes tesouros espirituais foram acumulados no curso de seu desenvolvimento. Nos tempos antigos, havia o desejo de reproduzir o mundo real da forma como uma pessoa o vê. Isso fez com que surgissem os princípios do claro-escuro, elementos de perspectiva, o aparecimento de imagens pictóricas tridimensionais. Novas possibilidades temáticas para retratar a realidade por meios pictóricos foram reveladas. A pintura servia para decorar templos, habitações, túmulos e outras estruturas, e estava em unidade artística com a arquitetura e a escultura.

A pintura medieval era predominantemente religiosa em conteúdo. Distinguiu-se pela expressão de cores sonoras, principalmente locais, contornos expressivos.

O fundo de afrescos e pinturas, via de regra, era condicional, abstrato ou dourado, incorporando a ideia divina em seu misterioso brilho. O simbolismo das cores desempenhou um papel significativo.

No Renascimento, o sentido da harmonia do universo, o antropocentrismo (o homem no centro do universo) refletia-se em composições pictóricas sobre temas religiosos e mitológicos, em retratos, cenas domésticas e históricas. O papel da pintura aumentou, tendo desenvolvido um sistema de perspectiva linear e aérea com base científica, o claro-escuro.

Aparece a pintura abstrata, que marcou a rejeição da figuratividade e a expressão ativa da atitude pessoal do artista em relação ao mundo, a emotividade e a convencionalidade da cor, o exagero e a geometrização

formas, decoratividade e associatividade de soluções composicionais.

No século XX. a busca por novas cores e meios técnicos de criar pinturas continua, o que sem dúvida levará ao surgimento de novos estilos na pintura, mas a pintura a óleo continua sendo uma das técnicas mais queridas dos artistas.

Gêneros de pintura (gênero francês - gênero, tipo) - a divisão histórica das pinturas de acordo com os temas e objetos da imagem. Na pintura moderna, existem os seguintes gêneros: retrato, histórico, mitológico, batalha, vida cotidiana, paisagem, natureza morta, gênero animalesco.

Embora o conceito de "gênero" tenha surgido na pintura há relativamente pouco tempo, certas diferenças de gênero existem desde os tempos antigos: imagens de animais em cavernas da era paleolítica, retratos do Egito Antigo e da Mesopotâmia de 3000 aC, paisagens e naturezas-mortas nos estilos helenístico e romano mosaicos e afrescos. A formação do gênero como sistema na pintura de cavalete começou na Europa nos séculos XV-XV. e terminou principalmente no século XVII, quando, além da divisão das belas artes em gêneros, surgiu o conceito de gêneros "altos" e "baixos", dependendo do assunto da imagem, tema, enredo.

O gênero "alto" incluiu gêneros históricos e mitológicos, enquanto o gênero "baixo" incluiu retrato, paisagem e natureza morta. Essa gradação de gêneros durou até o século XIX. Assim, na Holanda do século XVII, foram precisamente os gêneros "baixos" que se tornaram líderes na pintura (paisagem, gênero cotidiano, natureza morta), e o retrato cerimonial, que formalmente pertencia ao gênero "baixo" do retrato, fez não lhe pertence.

Tendo se tornado uma forma de reflexão da vida, os gêneros da pintura, com toda a estabilidade dos traços comuns, não são invariáveis, eles se desenvolvem junto com a vida, mudando à medida que a arte se desenvolve. Alguns gêneros morrem ou adquirem um novo significado (por exemplo, o gênero mitológico), novos surgem, geralmente dentro dos pré-existentes (por exemplo, uma paisagem arquitetônica e uma marina apareceram no gênero paisagem). Há obras que combinam vários gêneros (por exemplo, uma combinação do gênero cotidiano com uma paisagem, um retrato de grupo com um gênero histórico).

Um gênero de arte que reflete a aparência externa e interna de uma pessoa ou grupo de pessoas é chamado retrato. Este gênero é difundido não apenas na pintura, mas também na escultura, gráficos, etc. Os principais requisitos para um retrato são a transferência de semelhança externa e a revelação do mundo interior, a essência do caráter de uma pessoa. Pela natureza da imagem, distinguem-se dois grupos principais: retratos cerimoniais e de câmara. O retrato cerimonial mostra uma pessoa em pleno crescimento (a cavalo, em pé ou sentado), contra um fundo arquitetônico ou paisagístico. Em um retrato de câmara, uma imagem de meio comprimento ou peito é usada em um fundo neutro. Um autorretrato se destaca em um grupo especial - a imagem do artista de si mesmo.

O retrato é um dos gêneros mais antigos das belas artes, originalmente tinha um propósito cult, era identificado com a alma do falecido. No mundo antigo, o retrato se desenvolveu mais na escultura, bem como nos retratos pictóricos - retratos Faiyum dos séculos I e III. Na Idade Média, o conceito de retrato foi substituído por imagens generalizadas, embora existam algumas características individuais na representação de figuras históricas em afrescos, mosaicos, ícones e miniaturas. O gótico tardio e o renascimento é um período turbulento no desenvolvimento do retrato, quando o gênero retrato está emergindo, atingindo as alturas da fé humanista no homem e da compreensão de sua vida espiritual.

O gênero de belas artes dedicado a eventos e personagens históricos é chamado gênero histórico. O gênero histórico, caracterizado pela monumentalidade, há muito se desenvolve na pintura de parede. Do Renascimento ao século XIX artistas usavam os enredos da mitologia antiga, lendas cristãs. Muitas vezes, os eventos históricos reais retratados na imagem estavam saturados de personagens alegóricos mitológicos ou bíblicos.

O gênero histórico está entrelaçado com outros - o gênero cotidiano (cenas históricas e cotidianas), retrato (imagem de figuras históricas do passado, composições retrato-históricas), paisagem ("paisagem histórica"), se funde com o gênero batalha.

O gênero histórico se materializa em formas de cavalete e monumental, em miniaturas e ilustrações. Originário da antiguidade, o gênero histórico combinou eventos históricos reais com mitos. Nos países do Oriente Antigo, havia até tipos de composições simbólicas (a apoteose das vitórias militares do monarca, a transferência do poder para ele por uma divindade) e ciclos narrativos de murais e relevos. Na Grécia antiga havia imagens escultóricas de heróis históricos, na Roma antiga foram criados relevos com cenas de campanhas militares e triunfos.

Na Idade Média na Europa, os acontecimentos históricos se refletiam nas miniaturas das crônicas, nos ícones. O gênero histórico na pintura de cavalete começou a tomar forma na Europa durante o Renascimento, nos séculos XVII e XVIII. era considerado um gênero "alto", trazendo à tona (enredos religiosos, mitológicos, alegóricos, na verdade históricos).

As imagens do gênero histórico estavam repletas de conteúdo dramático, altos ideais estéticos e profundidade das relações humanas.

O gênero de belas artes dedicado aos heróis e eventos que contam os mitos dos povos antigos é chamado gênero mitológico(do grego. mythos - tradição). O gênero mitológico entra em contato com o histórico e toma forma no Renascimento, quando as lendas antigas ofereciam as mais ricas oportunidades para a encarnação de histórias e personagens com implicações éticas complexas, muitas vezes alegóricas. No século XVII -- cedo No século XIX, nas obras do gênero mitológico, amplia-se o leque de problemas morais, estéticos, que se encarnam em altos ideais artísticos e ou se aproximam da vida ou criam um espetáculo festivo. Dos séculos XIX-XX. os temas dos mitos germânicos, celtas, indianos e eslavos tornaram-se populares.

gênero de batalha(do francês bataille - batalha) é um gênero de pintura que faz parte do gênero histórico, mitológico e é especializado em retratar batalhas, façanhas militares, operações militares, glorificando as proezas militares, a fúria da batalha, o triunfo da vitória. O gênero de batalha pode incluir elementos de outros gêneros - doméstico, retrato, paisagem, animalesco, natureza morta.

Um gênero de belas artes que mostra cenas do cotidiano, vida pessoal de uma pessoa, vida cotidiana da vida camponesa e urbana, é chamado gênero cotidiano. Um apelo à vida e aos costumes do povo já se encontra nas pinturas e relevos do Antigo Oriente, na pintura e escultura em vasos antigos, nos ícones medievais e nos livros de horas. Mas o gênero cotidiano se destacou e adquiriu formas características apenas como fenômeno da arte secular de cavalete. Suas principais características começaram a tomar forma nos séculos XIV - XV. em pinturas de altar, relevos, tapeçarias, miniaturas na Holanda, Alemanha, França. No século 16, na Holanda, o gênero cotidiano começou a se desenvolver rapidamente e ficou isolado. Um de seus fundadores foi Hieronymus Bosch.

O desenvolvimento do gênero cotidiano na Europa foi muito influenciado pela obra de Pieter Brueghel: ele se move para um gênero cotidiano puro, mostra que a vida cotidiana pode ser objeto de estudo e fonte de beleza. O século XVII pode ser chamado de século do gênero cotidiano em todas as escolas de pintura da Europa.

No século XVIII. na França, a pintura de gênero é associada à representação de cenas galantes, "pastorais", torna-se refinada e graciosa, irônica. As obras do gênero cotidiano são diversas: mostravam o calor da vida doméstica e o exotismo de terras distantes, experiências sentimentais e paixões românticas. O gênero cotidiano, focado em mostrar a vida camponesa e a vida de um morador da cidade, desenvolveu-se vividamente na pintura russa do século XIX: por exemplo, nas obras de A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, V.G. Perov, I.E. Repin.

O gênero de belas artes, onde o principal é a imagem da natureza, o meio ambiente, vistas do campo, cidades, monumentos históricos, é chamado paisagem(pagamento francês). Há paisagem rural, urbana, arquitetônica, industrial, marinha (marinha) e paisagem fluvial.

Na antiguidade e na Idade Média, a paisagem aparece nas pinturas de templos, palácios, ícones e miniaturas. Na arte européia, os pintores venezianos do Renascimento foram os primeiros a se voltar para a imagem da natureza. A partir do século XVI a paisagem torna-se um gênero independente, suas variedades e direções se formam: paisagem lírica, heróica, documental. No século 19 as descobertas criativas dos mestres da paisagem, sua saturação com questões sociais, o desenvolvimento do plein air (imagem do ambiente natural) culminou nas conquistas do impressionismo, que deu novas oportunidades na transmissão pictórica da profundidade espacial, a variabilidade do ambiente de luz e ar, e a complexidade das cores.

Um gênero de arte que mostra utensílios domésticos, trabalho, criatividade, flores, frutas, caça morta, peixes capturados, colocados em um ambiente doméstico real, é chamado natureza morta(fr. nature morte - natureza morta). Uma natureza morta pode ser dotada de um significado simbólico complexo, desempenhar o papel de um painel decorativo, ser um assim chamado. "engano", que dá uma reprodução ilusória de objetos ou figuras reais, causando o efeito da presença da natureza genuína.

A imagem dos objetos é conhecida na arte da antiguidade e da Idade Média. Mas a primeira natureza morta na pintura de cavalete é a pintura do artista veneziano Jacopo de Barbari "Perdiz com flecha e luvas". Já no século XVI, a natureza morta é dividida em vários tipos: o interior de uma cozinha com ou sem pessoas, uma mesa posta em ambiente rural, "vanitas" com objetos simbólicos (um vaso de flores, uma vela apagada, instrumentos musicais ). A natureza morta holandesa era especialmente rica, modesta na cor e nas coisas retratadas, mas requintada na textura expressiva dos objetos, no jogo de cor e luz.

Um gênero de arte que retrata animais é chamado gênero animal(do lat. animal - animal). O artista animal presta atenção às características artísticas e figurativas do animal, seus hábitos, expressividade decorativa da figura, silhueta. Muitas vezes os animais são dotados de características inerentes às pessoas, ações e experiências. Imagens de animais são frequentemente encontradas em esculturas antigas, pinturas de vasos.

- este é um dos principais tipos de belas artes; é uma representação artística do mundo objetivo com tintas coloridas na superfície. A pintura é dividida em: cavalete, monumental e decorativa.

- representado principalmente por trabalhos realizados com tintas a óleo sobre tela (papelão, tábuas de madeira ou nuas). É a forma mais popular de pintura. É essa forma que geralmente é aplicada ao termo " pintura".

é uma técnica de desenho em paredes no projeto de edifícios e elementos arquitetônicos em edifícios. Especialmente comum na Europa fresco - pintura monumental sobre gesso úmido com tintas hidrossolúveis. Esta técnica de desenho é bem conhecida desde a antiguidade. Mais tarde, esta técnica foi usada no projeto de muitos templos religiosos cristãos e suas abóbadas.

pintura decorativa - (da palavra latina de decoro - decorar) é uma forma de desenhar e desenhar imagens em objetos e detalhes de interiores, paredes, móveis e outros itens decorativos. Refere-se às artes e ofícios.

As possibilidades da arte pictórica são especialmente reveladas pela pintura de cavalete do século XV, a partir do momento da massificação das tintas a óleo. É nele que está disponível uma variedade especial de conteúdo e profunda elaboração de forma. No centro dos meios artísticos pictóricos estão as cores (as possibilidades das cores), em unidade inseparável com o claro-escuro, e a linha; a cor e o claro-escuro são desenvolvidos e desenvolvidos por técnicas de pintura com uma plenitude e brilho inacessíveis a outras formas de arte. Daí a perfeição da modelagem volumétrica e espacial inerente à pintura realista, a transmissão viva e precisa da realidade, a possibilidade de realizar os enredos concebidos pelo artista (e métodos de construção das composições) e outras virtudes pictóricas.

Outra diferença nas diferenças dos tipos de pintura é a técnica de execução de acordo com os tipos de tintas. Nem sempre há características comuns suficientes para determinar. A fronteira entre pintura e grafismo em cada caso individual: por exemplo, trabalhos feitos em aquarela ou pastel podem pertencer a ambas as áreas, dependendo da abordagem do artista e das tarefas que lhe são atribuídas. Embora os desenhos em papel estejam relacionados com os gráficos, o uso de várias técnicas de pintura às vezes obscurece a distinção entre pintura e grafismo.

Deve-se levar em conta que o próprio termo semântico "pintura" é uma palavra do idioma russo. Foi usado como um termo durante a formação das belas artes na Rússia durante a era barroca. O uso da palavra "pintura" naquela época aplicava-se apenas a um certo tipo de representação realista com tintas. Mas originalmente vem da técnica de pintura de ícones da igreja, que usa a palavra "escrever" (referindo-se à escrita) porque esta palavra é uma tradução do significado em textos gregos (aqui estão tais "dificuldades de tradução"). O desenvolvimento na Rússia de sua própria escola de arte e a herança do conhecimento acadêmico europeu no campo da arte, desenvolveu o escopo da palavra russa "pintura", inscrevendo-a na terminologia educacional e na linguagem literária. Mas na língua russa, uma característica do significado do verbo "escrever" foi formada em relação à escrita e ao desenho.

Gêneros de pintura

No decorrer do desenvolvimento das belas artes, vários gêneros clássicos de pinturas foram formados, que adquiriram características e regras próprias.

Retrato- Esta é uma imagem realista de uma pessoa na qual o artista tenta obter semelhança com o original. Um dos gêneros mais populares de pintura. A maioria dos clientes utilizou o talento dos artistas para perpetuar a própria imagem ou, querendo obter a imagem de um ente querido, familiar, etc. Os clientes procuravam obter uma semelhança de retrato (ou mesmo embelezá-lo) deixando uma encarnação visual na história. Retratos de vários estilos são a parte mais maciça da exposição da maioria dos museus de arte e coleções particulares. Este gênero também inclui um tipo de retrato como auto-retrato - uma imagem do próprio artista, escrita por ele mesmo.

Paisagem- um dos gêneros pictóricos populares em que o artista busca mostrar a natureza, sua beleza ou peculiaridade. Diferentes tipos de natureza (o clima da estação e o clima) têm um impacto emocional vívido em qualquer espectador - essa é uma característica psicológica de uma pessoa. O desejo de obter uma impressão emocional das paisagens fez deste gênero um dos mais populares na criação artística.

- este género assemelha-se em muitos aspectos à paisagem, mas tem uma característica fundamental: as pinturas retratam paisagens com a participação de objectos arquitectónicos, edifícios ou cidades. Uma direção especial são as vistas das ruas das cidades que transmitem a atmosfera do local. Outra direção desse gênero é a imagem da beleza da arquitetura de um determinado edifício - sua aparência ou a imagem de seus interiores.

- um gênero em que o enredo principal das pinturas é um evento histórico ou sua interpretação pelo artista. Curiosamente, este gênero inclui um grande número de pinturas sobre um tema bíblico. Já na Idade Média, as cenas bíblicas eram consideradas eventos “históricos” e a igreja era a principal cliente dessas pinturas. Cenas bíblicas "históricas" estão presentes na obra da maioria dos artistas. O renascimento da pintura histórica ocorre durante o neoclassicismo, quando os artistas se voltam para tramas históricas conhecidas, eventos da antiguidade ou lendas nacionais.

- reflete cenas de guerras e batalhas. Um recurso não é apenas o desejo de refletir um evento histórico, mas também de transmitir ao espectador a exaltação emocional do feito e do heroísmo. Posteriormente, esse gênero também se torna político, permitindo que o artista transmita ao espectador sua visão (sua atitude) sobre o que está acontecendo. Podemos ver um efeito semelhante de um sotaque político e a força do talento do artista na obra de V. Vereshchagin.

- Este é um gênero de pintura com composições de objetos inanimados, usando flores, produtos, utensílios. Este gênero é um dos mais recentes e foi formado na escola holandesa de pintura. Talvez sua aparência se deva à peculiaridade da escola holandesa. O auge econômico do século 17 na Holanda levou a um desejo de luxo acessível (pinturas) em um número significativo da população. Essa situação atraiu um grande número de artistas para a Holanda, causando intensa competição entre eles. Modelos e oficinas (pessoas com roupas apropriadas) não estavam disponíveis para artistas pobres. Desenhando quadros para venda, usavam meios improvisados ​​(objetos) para compor pinturas. Esta situação na história da escola holandesa é a razão para o desenvolvimento da pintura de gênero.

Pintura de gênero - o enredo das pinturas são cenas cotidianas da vida cotidiana ou feriados, geralmente com a participação de pessoas comuns. Assim como a natureza morta, tornou-se difundida entre os artistas da Holanda no século XVII. Durante o período do romantismo e do neoclassicismo, esse gênero ganha um novo nascimento, as pinturas tendem não tanto a refletir a vida cotidiana, mas a romantizá-la, a introduzir um certo significado ou moralidade na trama.

Marina- um tipo de paisagem que retrata vistas para o mar, paisagens costeiras com vista para o mar, nascer e pôr do sol no mar, navios ou até batalhas navais. Embora exista um gênero de batalha separado, as batalhas navais ainda pertencem ao gênero marina. O desenvolvimento e a popularização desse gênero também podem ser atribuídos à escola holandesa do século XVII. Ele era popular na Rússia graças ao trabalho de Aivazovsky.

- uma característica desse gênero é a criação de pinturas realistas que retratam a beleza de animais e pássaros. Uma das características interessantes deste gênero é a presença de pinturas que retratam animais inexistentes ou míticos. Artistas que se especializam em imagens de animais são chamados animalistas.

História da pintura

A necessidade de uma imagem realista existe desde os tempos antigos, mas tinha uma série de desvantagens devido à falta de tecnologia, uma escola sistemática e educação. Nos tempos antigos, muitas vezes você pode encontrar exemplos de pintura aplicada e monumental com a técnica de pintura em gesso. Na antiguidade, mais importância era dada ao talento do artista, os artistas eram limitados na tecnologia de fabricação de tintas e na oportunidade de receber uma educação sistemática. Mas já na antiguidade formaram-se conhecimentos e obras especializadas (Vitruvius), que serão a base de um novo florescimento da arte europeia no Renascimento. A pintura decorativa teve um desenvolvimento significativo durante a antiguidade grega e romana (a escola foi perdida na Idade Média), cujo nível foi alcançado somente após o século XV.

Pintura de um afresco romano (Pompéia, século I aC), um exemplo do estado da arte da pintura antiga:

A "Idade das Trevas" da Idade Média, o cristianismo militante e a Inquisição levam à proibição do estudo do patrimônio artístico da antiguidade. A vasta experiência dos antigos mestres, conhecimentos no campo das proporções, composição, arquitetura e escultura são proibidos, e muitos tesouros artísticos são destruídos por causa de sua dedicação a divindades antigas. O retorno aos valores da arte e da ciência na Europa ocorre apenas durante o Renascimento (renascimento).

Artistas do início da Renascença (renascimento) precisam recuperar o atraso e reviver as conquistas e o nível dos artistas antigos. O que admiramos no trabalho dos primeiros artistas do Renascimento foi o nível dos mestres de Roma. Um exemplo claro da perda de vários séculos de desenvolvimento da arte (e civilização) europeia durante a "idade das trevas" da Idade Média, o cristianismo militante e a Inquisição - a diferença entre essas pinturas de 14 séculos!

O surgimento e disseminação da tecnologia de fazer tintas a óleo e da técnica de desenhá-las no século XV dá origem ao desenvolvimento da pintura de cavalete e de um tipo especial de produção de artistas - pinturas a óleo coloridas sobre tela ou madeira.

A pintura recebeu um grande salto no desenvolvimento qualitativo no Renascimento, em grande parte devido à obra de Leon Battista Alberti (1404-1472). Ele primeiro esboçou os fundamentos da perspectiva na pintura (o tratado "On Painting" em 1436). A ele (o seu trabalho de sistematização do conhecimento científico) a escola de arte europeia deve o aparecimento (revival) de uma perspectiva realista e de proporções naturais nas pinturas dos artistas. O famoso e familiar desenho de Leonardo da Vinci "Homem Vitruviano"(proporções humanas) de 1493, dedicado à sistematização do antigo conhecimento de proporções e composição de Vitrúvio, foi criado por Leonardo meio século depois do tratado de Alberti "Sobre a Pintura". E o trabalho de Leonardo é uma continuação do desenvolvimento da escola de arte europeia (italiana) do Renascimento.

Mas a pintura recebeu um desenvolvimento brilhante e maciço, a partir dos séculos 16-17, quando a técnica da pintura a óleo se difundiu, várias tecnologias para fazer tintas apareceram e escolas de pintura foram formadas. É o sistema de conhecimento e educação artística (técnica de desenho), combinado com a demanda por obras de arte da aristocracia e dos monarcas, que leva ao rápido florescimento das belas artes na Europa (período barroco).

As possibilidades financeiras ilimitadas das monarquias, aristocracia e empresários europeus tornaram-se um excelente terreno para o desenvolvimento da pintura nos séculos XVII-XIX. E o enfraquecimento da influência da igreja e do modo de vida secular (multiplicado pelo desenvolvimento do protestantismo) permitiu o nascimento de muitos temas, estilos e tendências na pintura (barroco e rococó).

No decorrer do desenvolvimento das artes plásticas, os artistas formaram muitos estilos e técnicas que levam ao mais alto nível de realismo nas obras. No final do século 19 (com o advento das tendências modernistas), transformações interessantes começaram na pintura. A disponibilidade de educação artística, a concorrência massiva e as altas exigências do público (e compradores) sobre a habilidade dos artistas dão origem a novos rumos nas formas de expressão. As belas artes não se limitam mais apenas ao nível da técnica de performance, os artistas se esforçam para trazer significados especiais, formas de "olhar" e filosofia para as obras. O que muitas vezes vai em detrimento do nível de desempenho, torna-se especulação ou uma forma de ultraje. A variedade de estilos emergentes, discussões animadas e até escândalos dão origem ao desenvolvimento do interesse por novas formas de pintura.

As modernas tecnologias de desenho por computador (digital) estão relacionadas a gráficos e não podem ser chamadas de pintura, embora muitos programas e equipamentos de computador permitam repetir completamente qualquer técnica de pintura com tintas.

). No entanto, no âmbito deste artigo, consideraremos apenas a arte do assunto.

Historicamente, todos os gêneros foram divididos em altos e baixos. PARA alto gênero ou a pintura histórica incluíam obras de natureza monumental, portadoras de algum tipo de moralidade, uma ideia significativa, demonstrando eventos históricos, militares associados à religião, mitologia ou ficção.

PARA gênero baixo incluía tudo relacionado à vida cotidiana. São naturezas-mortas, retratos, pinturas cotidianas, paisagens, animalismos, imagens de pessoas nuas e assim por diante.

Animalismo (lat. animal - animal)

O gênero animalesco surgiu na antiguidade, quando os primeiros povos pintavam animais predadores nas rochas. Gradualmente, essa direção se transformou em um gênero independente, implicando uma imagem expressiva de qualquer animal. Os animalistas costumam mostrar um grande interesse pelo mundo animal, por exemplo, podem ser excelentes cavaleiros, manter animais de estimação ou simplesmente estudar seus hábitos por muito tempo. Como resultado da intenção do artista, os animais podem parecer realistas ou na forma de imagens artísticas.

Entre os artistas russos, muitos eram bem versados ​​em cavalos, por exemplo, e. Assim, na famosa pintura de Vasnetsov “Heroes”, os cavalos heróicos são retratados com a maior habilidade: cores, comportamento animal, freios e sua conexão com os cavaleiros são cuidadosamente pensados. Serov não gostava de pessoas e considerava o cavalo de muitas maneiras melhor do que um homem, e é por isso que muitas vezes o retratava em uma variedade de cenas. embora pintasse animais, ele não se considerava um pintor de animais, então os ursos em sua famosa pintura “Manhã em uma floresta de pinheiros” foram criados pelo pintor de animais K. Savitsky.

Nos tempos czaristas, os retratos com animais de estimação, que eram caros ao homem, tornaram-se especialmente populares. Por exemplo, na foto, a imperatriz Catarina II apareceu com seu amado cachorro. Os animais também estiveram presentes nos retratos de outros artistas russos.

Exemplos de pinturas de artistas russos famosos no gênero doméstico

pintura de história

Este gênero implica pinturas monumentais que são projetadas para transmitir à sociedade uma ideia grandiosa, qualquer verdade, moralidade ou demonstrar eventos significativos. Inclui obras sobre temas históricos, mitológicos, religiosos, folclóricos, além de cenas militares.

Nos estados antigos, mitos e lendas eram considerados eventos passados ​​​​por muito tempo, por isso eram frequentemente retratados em afrescos ou vasos. Mais tarde, os artistas começaram a separar os eventos da ficção, que se expressava principalmente na representação de cenas de batalha. Na Roma antiga, no Egito e na Grécia, os guerreiros vitoriosos frequentemente retratavam cenas de batalhas heróicas nos escudos para demonstrar seu triunfo sobre o inimigo.

Na Idade Média, devido ao domínio do dogma da igreja, os temas religiosos prevaleceram, no Renascimento, a sociedade voltou-se para o passado principalmente para glorificar seus estados e governantes, e desde o século XVIII, esse gênero foi muitas vezes voltado para educar os jovens. pessoas. Na Rússia, o gênero se difundiu no século 19, quando os artistas muitas vezes tentavam analisar a vida da sociedade russa.

Nas obras de artistas russos, a pintura de batalha foi apresentada, por exemplo, e. Temas mitológicos e religiosos em suas pinturas afetados,. A pintura histórica prevaleceu entre as pessoas, o folclore - entre eles.

Exemplos de pinturas de artistas russos famosos no gênero de pintura histórica

Natureza morta (fr. nature - nature e morte - dead)

Este gênero de pintura está associado à representação de objetos inanimados. Podem ser flores, frutas, pratos, caça, utensílios de cozinha e outros itens, a partir dos quais o artista costuma compor uma composição de acordo com seu plano.

As primeiras naturezas-mortas apareceram em países antigos. No antigo Egito, era costume representar oferendas aos deuses na forma de vários pratos. Ao mesmo tempo, o reconhecimento do assunto estava em primeiro lugar, de modo que os artistas antigos não se importavam particularmente com o claro-escuro ou a textura dos objetos de natureza morta. Na Grécia e Roma antigas, flores e frutas eram encontradas em pinturas e em casas para decorar o interior, de modo que já eram retratadas de maneira mais confiável e pitoresca. A formação e o florescimento desse gênero ocorrem nos séculos XVI e XVII, quando as naturezas-mortas começaram a conter significados religiosos e outros ocultos. Ao mesmo tempo, suas muitas variedades apareceram, dependendo do assunto da imagem (flor, fruta, cientista, etc.).

Na Rússia, o auge da natureza morta cai apenas no século 20, já que antes era usado principalmente para fins educacionais. Mas esse desenvolvimento foi rápido e capturado, incluindo o abstracionismo com todas as suas direções. Por exemplo, ele criou belos arranjos de flores, preferiu, trabalhou e muitas vezes “reviveu” suas naturezas-mortas, dando ao espectador a impressão de que os pratos estavam prestes a cair da mesa ou que todos os objetos agora começariam a girar.

Os objetos retratados pelos artistas, é claro, também foram influenciados por suas visões teóricas ou visão de mundo, estado de espírito. Então, esses eram objetos retratados de acordo com o princípio da perspectiva esférica descoberto por ele, e as naturezas-mortas expressionistas eram marcantes em seu drama.

Muitos artistas russos usavam a natureza morta principalmente para fins educacionais. Assim, ele não apenas aperfeiçoou suas habilidades artísticas, mas também realizou muitos experimentos, colocando objetos de diferentes maneiras, trabalhando com luz e cor. experimentou a forma e a cor da linha, ora passando do realismo ao puro primitivismo, ora misturando os dois estilos.

Outros artistas combinaram em naturezas-mortas o que retrataram anteriormente e suas coisas favoritas. Por exemplo, nas pinturas você pode encontrar seu vaso favorito, notas musicais e o retrato de sua esposa que ele criou antes, mas ele retratava flores amadas desde a infância.

Muitos outros artistas russos trabalharam no mesmo gênero, por exemplo, e outros.

Exemplos de pinturas de artistas russos famosos no gênero natureza morta

Nu (fr. nudite - nudez, abreviado nu)

Este gênero é projetado para retratar a beleza do corpo nu e apareceu antes mesmo de nossa era. No mundo antigo, grande atenção foi dada ao desenvolvimento físico, pois a sobrevivência de toda a raça humana dependia dele. Assim, na Grécia antiga, os atletas tradicionalmente competiam nus para que meninos e jovens pudessem ver seus corpos bem desenvolvidos e lutar pela mesma perfeição física. Aproximadamente nos séculos VII-VI. BC e. Também apareceram estátuas masculinas nuas, personificando o poder físico de um homem. Figuras femininas, ao contrário, sempre apareciam diante da platéia em mantos, já que não era costume expor o corpo feminino.

Nas eras subsequentes, as atitudes em relação aos corpos nus mudaram. Assim, nos dias do helenismo (a partir do final do século VI aC), a resistência desapareceu em segundo plano, dando lugar à admiração da figura masculina. Ao mesmo tempo, as primeiras figuras nuas femininas começaram a aparecer. Na época barroca, as mulheres com formas magníficas eram consideradas ideais, durante o rococó a sensualidade tornou-se uma prioridade, e nos séculos 19-20, pinturas ou esculturas com corpos nus (especialmente homens) eram frequentemente proibidas.

Artistas russos se voltaram repetidamente para o gênero nu em suas obras. Então, são bailarinas com atributos teatrais, são meninas ou mulheres posando no centro de tramas monumentais. Isso é um monte de mulheres sensuais, inclusive em casais, essa é toda uma série de pinturas que retratam mulheres nuas em várias atividades, e são meninas cheias de inocência. Alguns, por exemplo, retratavam homens completamente nus, embora tais pinturas não fossem bem-vindas pela sociedade de sua época.

Exemplos de pinturas de artistas russos famosos no gênero nu

Paisagem (fr. Paysage, de pays - area)

Neste gênero, a prioridade é a imagem do ambiente natural ou construído pelo homem: recantos naturais, vistas de cidades, vilas, monumentos, etc. Dependendo do objeto selecionado, distinguem-se paisagens naturais, industriais, marinhas, rurais, líricas e outras.

As primeiras paisagens de artistas antigos foram encontradas na arte rupestre neolítica e eram imagens de árvores, rios ou lagos. Mais tarde, o motivo natural foi usado para decorar a casa. Na Idade Média, a paisagem foi quase totalmente substituída por temas religiosos, e no Renascimento, pelo contrário, a relação harmoniosa entre o homem e a natureza veio à tona.

Na Rússia, a pintura de paisagem vem se desenvolvendo desde o século 18 e foi inicialmente limitada (paisagens foram criadas nesse estilo, por exemplo e), mas depois toda uma galáxia de talentosos artistas russos enriqueceu esse gênero com técnicas de diferentes estilos e tendências. criou a chamada paisagem discreta, ou seja, em vez de perseguir vistas espetaculares, retratou os momentos mais íntimos da natureza russa. e chegou a uma paisagem lírica que impressionou o público com um humor sutilmente transmitido.

E esta é uma paisagem épica, quando se mostra ao espectador toda a grandeza do mundo circundante. eternamente voltado para a antiguidade, E. Volkov sabia como transformar qualquer paisagem discreta em uma imagem poética, maravilhava o espectador com sua luz maravilhosa nas paisagens e podia admirar infinitamente cantos de floresta, parques, pôr do sol e transmitir esse amor ao espectador.

Cada um dos pintores de paisagens se concentrou em uma paisagem que o fascinou de maneira especialmente forte. Muitos artistas não conseguiram passar por projetos de construção em grande escala e pintaram muitas paisagens industriais e urbanas. Entre eles estão as obras de , e outros artistas. fascinado por monumentos, e