Material: Na natureza, as tulipas vêm em uma variedade de cores: vermelho, creme, rosa, amarelo, lilás, vermelho com manchas pretas na base, carmesim com uma borda branca e roxo escuro. Esta flor é melhor feita de cambraia ou seda branca engomada. O padrão de tulipa consiste em apenas 2 partes: uma pétala e uma folha. Para uma flor, você precisa de 6 pétalas e 3 folhas.

Utensílios: conjunto de pãezinhos de diversos tamanhos, corrugadoras, tesouras, pequenos alicates, pincéis para tingir pétalas, pinças, almofada de borracha macia, almofada de borracha dura, último, furador.

Técnica: as pétalas são coloridas. Para isso, coloque-os sobre uma folha de papel e pinte a parte superior com um pincel, depois vire-os com uma pinça e pinte a parte inferior. Para secar, as pétalas são colocadas em uma nova folha de papel.

Um arame é colado às pétalas secas, previamente embrulhadas em papel fino da mesma cor das pétalas.

Uma nervura central é feita na parte da frente da folha. Em seguida, o lençol é colocado sobre uma almofada de borracha macia e do lado imperfeito é ondulado com uma bolinha quente em ambos os lados da nervura central. Em seguida, na parte frontal, são feitas depressões com bulbo quente na base da folha e na parte superior. A borda da pétala é ondulada com um gancho quente de forma que adquira uma forma côncava.

Um fio é colado no meio da folha, após o que as veias são cuidadosamente marcadas ao longo da folha com uma faca.

Seis estames para uma flor são feitos de um fio fino de cerca de 4 cm de comprimento.As pontas do fio são dobradas e mergulhadas primeiro em cola e depois em semolina amarela. O pistilo de flores também é feito de arame embrulhado em papel verde. É dobrado de forma a obter 3 voltas, que são untadas com cola e mergulhadas na garupa amarela ou castanha. Os estames e pistilos estão prontos. Eles são presos à haste com fios. 3 pétalas são amarradas ao redor do núcleo e, entre elas, mais 3 pétalas são cortadas da haste de arame e embrulhadas com papel verde sob o cálice da flor. As folhas são fixadas na base do caule. As pétalas de uma flor totalmente acabada são dobradas na forma de uma lanterna.

Interação de princípios

Assim, o arranjo de flores está finalmente concluído, mas há uma outra etapa séria pela frente - a avaliação. As pessoas tendem a olhar criticamente o que fizeram com as próprias mãos. Existem certos critérios para avaliar o arranjo de flores acabado. Para simplificar, eles são divididos em dois grupos principais:

Seleção de materiais,

Princípio de localização.

Ambas as características são igualmente importantes, visto que mesmo um bom arranjo não economizará com a escolha errada dos meios de composição, e mesmo o melhor material não parecerá impressionante com erros no arranjo. Tem também um aspecto da técnica de fabricação, mas isso já é uma questão prática.

Então, vamos primeiro analisar o primeiro grupo: a análise do arranjo do ponto de vista do material utilizado. O florista em sua obra procede da forma, movimento, cores, estrutura, essência e essência desses meios.

Ao escolher um material, você deve se guiar por certos princípios:

O que deve dominar?

Onde devem ser localizados os grupos do material usado com as mesmas propriedades?

Como os contrastes devem ser posicionados para criar tensão na composição?

As peças se encaixam?

As peças se encaixam na composição geral?

As peças se enquadram no estilo de composição?

As partes da composição são adequadas para a ocasião a que se destina o arranjo?

Quanto à avaliação do princípio da disposição, a exposição recebe uma imagem única com a disposição correta e ordenada das partes. Os princípios de arranjo aplicados estão inter-relacionados com o tipo de superfície (amarrar, borrifar, agrupar) e com o estilo de composição (linear, maciço, misto).

O florista utiliza três grupos de medidas que visam organizar as partes da composição:

Medidas que levam à unificação das partes da composição, os chamados princípios de conexão. Contorno, simetria, repetição, inclinação ou intersecção, equilíbrio óptico - esta é uma lista de regras que ajudarão nisso.

Medidas que reúnem os grupos usados ​​em uma composição em um todo coerente. Agrupamento e encadeamento, construção de simetria ou assimetria, limitação e classificação - essas são as ferramentas que o florista usa neste caso.

Medidas de proporcionalidade, razão quantitativa e razão dos valores do material utilizado.

Aplicando a Razão Áurea

A proporção de valores 3: 5 ou na solução de design 1: 1,6 é a proporção do comprimento do dedo à mão, da mão ao antebraço, do comprimento do braço à altura da pessoa, e muitos outras.

Portanto, esse padrão indica crescimento orgânico e é um sinal de uma forma em desenvolvimento, o que significa que também é adequado para composições com flores.

Em um arranjo, por exemplo, não é apenas a largura geral em relação à altura. As proporções de um vaso e um buquê, o tamanho das flores e os grupos de flores também obedecem a essa lei. O florista deve correlacionar muitos valores entre si, portanto, a lei da proporção áurea é muito importante.

Cálculos com a proporção áurea

Então, sabemos que duas distâncias são em relação à razão áurea, se a maior for 1,6 vezes menor. Ou seja, sabendo uma distância, você pode calcular uma nova, que deve estar na proporção da razão áurea.

Por exemplo, se conhecemos um segmento de 25 cm de comprimento, o segmento proporcional a ele deve ser 1,6 vezes maior, ou seja, 25 x 1,6 = 40 cm. Se você deseja encontrar uma distância menor a 25 cm, também proporcional ao dourado razão, então você precisa que este número seja dividido por 1,6, ou seja, 25: 1,6 = 15,6, vamos arredondar para 15 cm. Assim, as razões 15: 25 e 25: 40 são proporcionais na proporção áurea.

Como A e B juntos formam C, que determina a distância total de dois segmentos, C é 2,6 vezes maior que A. Ou seja, você pode calcular facilmente o comprimento do segmento C, sabendo o comprimento do segmento A.

Lei da seção áurea

A distância é dividida em duas partes de modo que os dois segmentos sejam diferentes em comprimento e em uma certa proporção: a parte menor sempre se correlaciona com a maior, assim como a maior com a distância total.

Matematicamente, é assim: a distância C é dividida em dois segmentos - um pequeno segmento A e um segmento maior B. A refere-se a B como B para C (A: B = B: C).

Esse relacionamento pode ser continuado. Ou seja, um grande segmento B corresponde a toda a distância C da mesma forma que a distância C com a nova distância, que é calculada a partir de B + C e chamada D, então B: C = C: D (B + C) .

Em números concretos, será semelhante a:

2: 3 = 3: 5 (2+3)

3: 5 = 5: 8 (3+5)

5: 8 = 8: 13(5+8)

Se realizarmos ações na equação 3: 5 = 5: 8, obteremos:

Ambas as proporções são de aproximadamente 0,6. A equação está correta porque nenhum cálculo matemático preciso é necessário. Se precisarmos provar que uma distância maior, chamada de “maior”, é 1,6 vezes a “menor” ou que toda a distância é 1,6 vezes maior do que o segmento maior, devemos dividir novamente. Se tentarmos fazer isso com uma proporção de 8: 5, obteremos 1,6.

A proporção áurea na floricultura

O princípio da proporção áurea.

Algumas das principais questões da floricultura são as seguintes: como o tamanho do arranjo pode ser trazido para uma proporção favorável? Qual deve ser a proporção da altura e largura da composição? Quantas cores podem ser usadas para um formato de vaso específico?

Questões semelhantes, embora relacionadas a outros assuntos, foram feitas por escultores e matemáticos gregos há mais de 2.000 anos. E, finalmente, os gregos, ou seja, os pitagóricos, que viviam na Sicília, combinaram as diferenças de comprimento em uma consonância harmoniosa e deduziram a regularidade da proporção 1: 1,6 no pentagrama.

Uma pessoa também é adequada para essa figura geométrica, os braços e as pernas são considerados os raios da estrela, e apenas a cabeça não atinge o quinto topo. Portanto, o pentagrama é a forma geométrica básica que contém o sistema de medição de muitas imagens e, ao mesmo tempo, é a figura da razão da razão áurea.

Lei de classificação

Na música, uma voz executa o motivo principal, enquanto outras vozes apenas acompanham, dão-lhe harmonia. Na floricultura, esses conceitos também estão muito próximos. Há um motivo principal no grupo, que desempenha um papel principal, e todas as outras partes do arranjo são ajustadas a ele. Isso elimina a rivalidade. Se isso não tivesse acontecido, cada parte teria olhado sozinha e o grupo teria se separado.

Assim, as propriedades composicionais que ajudarão a destacar o motivo principal do grupo:

Tamanho: grande prevalece sobre pequeno;

Cromaticidade: a luz predomina sobre o escuro, o ativo sobre o passivo, a cor pura sobre o misto;

Forma de movimento: orgulhoso e ereto parece mais significativo do que baixo, largo e inclinado para o lado;

Posição em altura: o alto domina tudo abaixo, mesmo que o tamanho, cor e forma de movimento não sejam dominantes;

Localização: o parâmetro mais importante. Com um arranjo simétrico, o dominante fica no meio geométrico, com um arranjo assimétrico, não é;

A classificação pode variar. É fortemente expressa, por exemplo, em um buquê de estilo linear maciço com orquídeas, onde todos os outros elementos, mesmo que estejam localizados acima desta flor exótica, parecerão menos significativos. E em um buquê redondo e variegado de flores de verão, apenas as flores maiores chamam a atenção, enquanto as demais são percebidas como um fundo. Portanto, em grupos fechados, a lei da classificação é mais importante na escolha das cores do que na escolha e disposição das formas.

Em grupos flexíveis, como em agrupamentos de unidades individuais, a lei de classificação é muito importante. Graças ao seu uso, os seguintes efeitos são alcançados:

O grupo está interligado, as partes subordinadas adaptam-se ao motivo que prevalece na forma, movimento, cor e estrutura.

O grupo contém uma ideia bem compreendida, já que o dominante define o tema e tudo que está ligado a ele o enfatiza.

O grupo deve ser facilmente visível, nosso olhar se move de acordo com a gradação de significado.

Todas as partes, mesmo as mais subordinadas, devem ser bem pensadas, pois o olhar, ainda que não imediato, irá para elas.

O agrupamento com classificações claras prova a criatividade. Portanto, parece elite em comparação com um grupo onde as peças são simplesmente colocadas lado a lado.

Lei da limitação

A lei de restrição estabelece: um grupo não deve conter mais de três (no máximo quatro) partes e, portanto, o motivo do impacto. Se você pegar menos deles (por exemplo, dois), o grupo parecerá incompleto e, se houver mais, será confuso, incomensurável, confuso.

A razão para esse padrão é a seguinte. Se tomarmos apenas duas partes, então seu impacto será igual e eles estarão competindo. A harmonia é alcançada apenas pelo terceiro participante. Trindade é a personificação da perfeição. Aliás, todos vão ouvir o conhecido ditado “Deus ama uma trindade”. Na arte japonesa de arranjos florais, sempre há três linhas; nosso espaço visível é tridimensional. Todos os materiais ao nosso redor têm três estados - líquido, sólido e gasoso. No estilo clássico de roupa, é preferível um fato composto por, no máximo, 3 cores. A flor cortada é constituída por um botão, folhas e caule. No Cristianismo, estamos diante da Divina Trindade - Deus Pai, Deus Filho e o Espírito Santo.

Em outras palavras, o mundo segue o exemplo da natureza, em que a triplicidade é a personificação da perfeição.

Além disso, há também uma "parte técnica" desse fenômeno. Em uma rápida olhada, uma pessoa geralmente se lembra de três (ocasionalmente quatro) coisas diferentes. Portanto, a limitação da floricultura, baseada em três unidades básicas, torna a exposição visível e compreensível. E uma pessoa geralmente rejeita indiferentemente coisas incompreensíveis e confusas de sua percepção, elas se tornam feias para ela. Para que a composição chame a atenção e seja apreciado pelo público, você deve seguir a “regra de três”.

Projetada adequadamente de acordo com a lei da limitação, a exposição se opõe a uma eventual acumulação ou confusão emaranhada.

Mas essa limitação não se aplica apenas ao número, por exemplo, de arranjos na exposição. A composição em si parecerá mais interessante se contiver três cores ou três formas diferentes. O fato é que nosso olho não pode capturar fisicamente todas as nuances ao mesmo tempo. É por isso que os floristas dizem que “a habilidade está na limitação”. Isso não significa que você precise fazer “pelo menos alguma coisa” dos “poucos”, mas, ao contrário, colocar “muito” em ordem, transformá-lo em um quadro bem pensado.

Construção assimétrica

Em contraste com a ordem estrita de simetria, a assimetria é uma forma livre de construção de uma composição. Embora a liberdade e a facilidade sejam realmente imaginárias. O florista deve conhecer a regra do equilíbrio e saber aplicá-la, portanto, criar composições assimétricas pode ser mais difícil do que simétricas.

O primeiro e mais importante princípio de criação de uma composição assimétrica é que o motivo principal não pode ser colocado no centro geométrico da composição. Na maioria dos casos, o motivo principal é colocado no terço direito ou esquerdo da praça principal.

Entre o centro geométrico e o motivo principal, ou no motivo mais básico, está o eixo de todo o grupo com seu centro de gravidade. Só pode ser estabelecido sensualmente, e não geometricamente, como acontece com uma estrutura simétrica. Todas as partes que complementam o motivo principal são diferentes em aparência, altura e profundidade. Ao lado da parte principal está a parte secundária, e do outro lado do grupo - a terceira parte, que cria um equilíbrio óptico. A lei da alavancagem está em ação aqui e, portanto, quanto menor e, portanto, "mais fácil" o oposto do motivo principal, mais ela deve ser exposta a fim de manter o equilíbrio de todo o grupo como um todo.

O saldo pode ser ajustado das seguintes maneiras:

Alterando o peso óptico das partes principais ou secundárias;

Removendo ou aproximando uma peça do eixo do grupo.

Outras partes de conexão da exposição podem ser adicionadas aos três elementos principais.

É muito difícil criar uma exposição assimétrica, uma vez que nem tudo nela está sujeito a regras estritas de geometria. Muitas vezes, um observador pode achá-la bonita sem entender o que exatamente causa esses sentimentos. Isso é o que torna o grupo assimétrico atraente.

O impacto das composições assimétricas é frágil, livre, irrestrito, acidental. Como cada parte é única, as diferenças se tornam mais visíveis e dramáticas do que a simetria. Você pode sentir movimento, ação e reação, harmonia. Portanto, a assimetria tem algo em comum com a essência de todo o material vivo em exibição.

Assim, vivacidade e desenvolvimento, liberdade e variedade de flores e plantas se expressam melhor em composições assimétricas do que em simétricas. Esse efeito pode ser aprimorado pela riqueza das combinações de cores com tons suaves ou pelo uso de formas gráficas. Você pode suavizar a assimetria com a ajuda de uma ou duas cores claras ou através de peças individuais simetricamente projetadas.

A estrutura assimétrica é usada para todos os estilos vegetativo, massivo e linear. Composições livres permitem que o olhar se mova livremente por todas as partes da exposição, enquanto o grupo simétrico chama a atenção no meio. Em grandes decorações, exposições temáticas, a assimetria é usada se houver uma ocasião alegre, alegre ou romântica. E em uma composição fúnebre, só pode ser usado se quiser enfatizar a personalidade extraordinária do falecido.

Simetria na composição

O eixo da composição deve passar por seu centro geométrico. É também o eixo da simetria ao mesmo tempo. O centro óptico de gravidade deve estar em um eixo que divide visualmente o arranjo em duas metades.

Tudo de um lado deve ser repetido do outro lado em uma imagem espelhada, ter a mesma cor e aparência, estender-se à mesma distância do eixo do grupo e estar na mesma altura e profundidade.

Essa harmonia só pode ser válida opticamente. A aparência à direita deve corresponder à aparência à esquerda, embora na verdade o número de cores na composição em lados diferentes possa ser diferente. Por exemplo, nosso rosto, nos parece, tem exatamente as mesmas metades, mas se você olhar de perto, pode encontrar certas diferenças.

A composição simétrica é fácil de entender, afeta de forma clara e estrita, como uma figura geométrica. Assim, ela personifica algo claro e mensurável, estaticamente calmo, rígido e solene. Portanto, o princípio da simetria é adequado para uma ocasião solene ou oficial, decoração de igreja, decoração de palco para feriados.

Os floristas usam os seguintes meios simétricos de composição: árvores modeladas, guirlandas, colunas de flores ou pirâmides de flores, arranjos decorativos e até paredes de flores.

Se o florista quiser suavizar a severidade da construção simétrica, ele pode usar motivos mais soltos, cores mais claras e delicadas, formas fluidas graciosamente.

Também deve ser lembrado que a simetria só tem um efeito correto em uma perspectiva central, portanto, as composições devem ser definidas de acordo.

As composições feitas em um estilo maciço têm contornos geometricamente claros e atendem aos requisitos de clareza e simplicidade, mesmo que sejam feitas em um estilo decorativo e tenham uma forma em queda, cúpula e cônica. Exposições linearmente massivas raramente são simétricas, mas em casos raros, elas agem de uma maneira incomum e atraente.

Imagine que você tem um plano de folha à sua frente, absolutamente sem nenhum elemento de imagem. Simplificando, uma lousa em branco. Como isso é percebido por nós? Naturalmente, o plano da folha não contém nenhuma informação, é por nós percebido como sem sentido, vazio, desorganizado. Mas! Basta colocar nele qualquer ponto, ou linha, traço e esse plano começa a ganhar vida. Isso significa que nossos elementos pictóricos, qualquer um - um ponto, uma linha, um traço - entram em uma conexão espacial com ele, formando uma espécie de laço semântico. Simplificando, o avião e qualquer elemento nele começam a interagir, a conduzir um diálogo um com o outro e a nos "contar" sobre algo.

Assim, obtemos a composição mais primitiva, o que é até difícil chamar assim, mas é isso.

Mais. Você e eu temos uma ferramenta universal que nos foi dada pela natureza: nossos olhos, nossa visão. Então, nosso olho vê e percebe o mundo ao nosso redor em proporções e proporções. O que isso significa? Nossa visão é capaz de sentir harmonia, e aquilo que não é harmonioso. Nosso olho é capaz de encontrar a diferença entre a discrepância entre os tamanhos das partes individuais e do todo, ou vice-versa, para ver uma correspondência completa. A visão é capaz de detectar combinações de cores que não irritam os olhos, ou vice-versa - elas podem ser completamente desarmônicas. Direi mais, nosso instinto natural desde o início, quer você goste ou não, luta por um senso de harmonia em tudo. E, subconscientemente, obriga, pelo sentimento, a compor objetos e suas partes, de modo que nenhuma parte da composição se torne estranha ou desproporcional. Você só precisa aprenda a ouvir seus sentimentos e entender como conseguir harmonia, ou seja, fazer uma boa composição. Qualquer.

Vá em frente. Vamos pegar alguma forma, por exemplo, um círculo e tentar colocá-lo em lugares diferentes no plano da folha. Podemos ver, sentir que em alguns casos ela ocupará uma posição mais estável, em outros será instável. Figura à esquerda: veja como nossa visão funciona - parece que o lugar mais estável para um círculo é a coincidência de seu centro com o centro geométrico do plano da folha (desenhando linhas diagonais de canto a canto da folha, nós obter o centro da folha na interseção dessas linhas). Entretanto, isso não é tudo. Devido a uma ilusão de ótica (o olho superestima ligeiramente a parte superior e subestima a parte inferior do plano), percebe-se que o círculo está ligeiramente deslocado para baixo. Você sente como o círculo é atraído pela base do quadrado? O círculo não é sentido distintamente no meio ou abaixo, e isso resulta em um mal-entendido de sua posição, a desarmonia é sentida. Como alcançar a harmonia? Em que posição deve estar o círculo para que o percebamos harmoniosamente no plano do lençol? Naturalmente, ele precisa ser um pouco aumentado. Veja a foto à direita. O círculo parece estável? Ocupa exatamente o seu lugar na praça. Assim, nossa composição mais simples será mais harmoniosa e, portanto, mais correta.
Compreensão: o plano e o objeto formam uma espécie de conexão espacial condicional que podemos corrigir.

Nosso plano inicialmente tem uma certa estrutura condicional, mesmo que ainda não exista um único elemento nele. O plano pode ser dividido em eixos - horizontal, vertical, diagonal. Temos a estrutura - olhe para a foto à esquerda. No centro do plano (centro geométrico), todas as forças dessa estrutura oculta estão em um estado de equilíbrio, e a parte central do plano é percebida ativamente e as partes não centrais passivamente. É assim que nos sentimos. Essa percepção do espaço condicional, então nossa visão busca encontrar a paz. Esse entendimento é bastante arbitrário, mas verdadeiro.

O olho busca ver harmonia no que está observando - ele determina o centro de nossa composição, que por ele parece mais ativo, todo o resto é mais passivo. Isso é o que apenas o estudo de um plano em branco da folha pode nos dar. Além disso, isso é o que apenas o estudo de uma forma quadrada, o plano da folha, pode nos dar. Mas o princípio é o mesmo. Trata-se da estrutura do plano da folha.

Mas seria bastante insuficiente desmembrar o plano ou compor a composição de um elemento em uma folha. É chato e não precisa de ninguém, nem de você nem do espectador. Sempre há mais, mais variado e muito mais interessante.

Agora vamos tentar compor outra composição, mas com vários participantes. Veja a foto à esquerda. O que vemos, o que sentimos? E sentimos que nossa composição não é harmoniosa, porque suas partes individuais não estão equilibradas. Os temas são fortemente deslocados para a esquerda, deixando espaços vazios, desnecessários e não utilizados na composição à direita. E o olho sempre se esforça para equilibrar tudo e alcançar a harmonia. O que precisamos fazer aqui? Naturalmente, equilibre as partes da composição de modo que elas formem harmoniosamente uma grande composição e façam parte de um todo. Precisamos ter certeza de que nossa visão é confortável.

Olhe para a foto à direita. É assim que você se sente mais harmonioso? Acho que sim. O que isso significa? Na percepção visual dos elementos e do plano da folha e na análise das suas ligações: sente-se a influência das forças internas da estrutura do plano no comportamento dos elementos figurativos. O que isso significa? Nossos elementos que participam da composição interagem com os eixos condicionais diagonal, vertical e horizontal do plano. Conseguimos um equilíbrio visual estável de todos os componentes da composição em relação ao centro geométrico. Mesmo que não haja uma única figura aqui no meio, elas se equilibram, formando juntos o centro onde a visão o espera, portanto, é mais confortável olhar para este desenho do que para o anterior.

E se você adicionar mais alguns elementos, então neste caso eles devem ser um pouco mais fracos em tamanho ou tom (ou cor) e em um determinado local, para não derrubar visualmente o centro geométrico da composição, caso contrário você terá mudar a disposição dos elementos para voltar a alcançar a harmonia, ou seja, a percepção harmoniosa. Isso é em relação ao conceito centro geométrico de composição, que agora introduzimos no estudo.

Você deve sempre se esforçar para um equilíbrio visual estável de todos os componentes da composição em suas várias direções - para cima e para baixo, direita e esquerda, diagonalmente. E a composição deve ser harmoniosa em qualquer posição, em qualquer curva - vire sua composição de cabeça para baixo, ou 90 graus, também deve ser agradável de olhar, sem nenhum indício de desconforto. E é mais fácil supor que o centro geométrico da composição está na intersecção das linhas diagonais ou um pouco mais acima, é neste lugar que os olhos, depois de verem a própria composição, seja ela qual for, acabam por se deter e encontrar " descanso ", acalma-se neste local, mesmo que não haja nenhum objeto sobre ele. Este é um lugar condicional. E uma composição harmoniosa é considerada aquela quando não é mais necessário introduzir novos elementos ou removê-los. Todos os atores que participam de toda a composição estão subordinados a uma ideia comum.

Noções básicas de composição - equilíbrio estático e equilíbrio dinâmico

A composição deve ser harmoniosa e suas áreas individuais devem ser equilibradas. Vamos além e analisamos os seguintes conceitos:

Equilíbrio estático e equilíbrio dinâmico... São formas de equilibrar a composição, formas de criar harmonia. Os métodos são diferentes, pois afetam nossa visão de maneiras diferentes. Digamos que temos duas composições. Vemos a figura à esquerda: o que temos? Temos uma composição na qual fazem parte um círculo e listras. Isso mostra o equilíbrio estático de um círculo e listras. Como isso é alcançado? Em primeiro lugar, se você olhar para a estrutura oculta da folha de composição, pode entender que ela é construída principalmente ao longo dos eixos horizontal e vertical. Mais do que estático. Em segundo lugar: são usados ​​elementos estáticos - um círculo e listras, o círculo é equilibrado com listras e não voa para fora do plano e o centro visual geométrico condicional está localizado na interseção das diagonais, a composição também pode ser vista de todos os lados , sem causar desarmonia.
Agora olhamos para a foto à direita. Vemos um equilíbrio dinâmico de vários semicírculos e círculos com destaque para a cor dominante. Como o equilíbrio dinâmico é alcançado? Se você olhar para a estrutura oculta da folha, então, além dos eixos horizontal e vertical de construção da composição, você pode ver claramente o uso do eixo diagonal. A sua presença, uso, dá origem a um círculo vermelho, que nesta composição é um ponto dominante, dominante, uma área em que o olho presta atenção em primeiro lugar. Apresentamos o conceito centro de composição.

Centro de composição. Dominante

Centro composicional, dominante, como entender: na composição da esquerda existe um certo centro composicional, ou dominante, que é o ponto de partida da composição e ao qual todos os outros elementos obedecem. Podemos dizer mais: todos os outros elementos aumentam o significado do dominante e "jogam junto" com ele.

Temos um personagem principal dominante e elementos secundários. Itens menores também podem ser categorizados de acordo com sua importância. Mais significativo - acentos e menos significativo - elementos secundários. Seu significado é determinado apenas pelo conteúdo da história, o enredo da composição e, portanto, todos os elementos da composição são importantes e devem estar subordinados uns aos outros, "torcidos" em um todo.

O centro de composição depende de:

1. Seu tamanho e o tamanho de outros elementos.

2. Posições no avião.

3. A forma do elemento, que é diferente da forma de outros elementos.

4. A textura de um item que é diferente da textura de outros itens.

5. Cores. Ao aplicar um contraste (cor oposta) à cor dos elementos secundários (uma cor brilhante em um ambiente neutro e vice-versa, ou uma cor cromática entre as acromáticas, ou uma cor quente com uma gama fria geral de elementos secundários, ou uma cor escura entre as claras ...

6. Desenvolvimento. O elemento principal, o dominante, é mais elaborado que os secundários.

Centros de composição geométrica e composicional

Continuando ... Este dominante, um elemento ativo conspícuo, não está localizado no centro da folha, mas seu peso e atividade são suportados por muitos elementos secundários localizados diagonalmente mais adiante, em oposição a este dominante. Se você desenhar outra diagonal, em ambos os lados o "peso" da composição será condicionalmente o mesmo. A composição é equilibrada verticalmente, horizontalmente e diagonalmente. São usados ​​elementos que diferem em atividade da composição anterior - eles são mais ativamente localizados e mais ativos em sua forma. Embora se localizem elementarmente, ao longo de uma grade convencional e a estrutura da composição seja simples, mas, além disso, a composição possui um equilíbrio dinâmico, pois conduz o espectador ao longo de uma determinada trajetória.

Nota: a composição à direita não é de forma alguma criada com tintas sobre papel, mas gostei muito dela e, no fundo, no geral, não muda, é também uma composição. Continuar ...

Você diz, onde está o centro geométrico da composição? A resposta é: o centro geométrico da composição está onde deveria estar. Inicialmente, pode parecer que ele está localizado onde o dominante está localizado. Mas o dominante é mais um sotaque, o ponto de partida da composição, ou seja, o centro composicional. No entanto, não podemos esquecer que também existe uma estrutura oculta da composição, cujo centro geométrico está localizado como na composição à esquerda. O visualizador volta seu primeiro olhar para centro de composição, dominante, mas depois de considerá-lo, e depois de revisar toda a composição, seus olhos ainda pararam em centro geométrico, direito? Verifique você mesmo, siga seus sentimentos. Ele encontrou "paz" ali, o lugar mais confortável. De vez em quando, ele examina novamente a composição, prestando atenção ao dominante, mas depois se acalma no centro geométrico. Portanto, esse equilíbrio é chamado de dinâmico, ele introduz movimento - a atenção visual não se espalha de maneira uniforme pela composição, mas segue um determinado curso que o artista criou. Seu olho encontrará movimento no centro de composição, mas não será capaz de se acalmar ali. E é precisamente com o sucesso da construção da composição, ou seja, com o uso correto do centro geométrico, que ela se torna harmoniosamente visível em qualquer ângulo. E o centro composicional - a partir dele, a composição passa a dialogar com o espectador, é um trecho da composição que permite controlar a atenção do espectador e direcioná-la na direção certa.

Composição estática e composição dinâmica

Aqui chegamos aos seguintes termos que precisamos considerar. Esses termos diferem em significado de equilíbrio estático e dinâmico, o que significa: você pode equilibrar qualquer composição de maneiras diferentes. Então, o que é composição estática? É um estado de composição em que os elementos equilibrados como um todo dão a impressão de sua imobilidade estável.

1. Composição, a partir da qual é possível observar visualmente com clareza o uso da estrutura oculta da chapa para a construção. Em uma composição estática, há uma ordem de construção condicional.

2. Os assuntos para uma composição estática são selecionados mais próximos em forma, peso, textura.

3. Existe uma certa suavidade na solução tonal.

4. O esquema de cores é baseado em nuances - cores semelhantes.

Composição dinâmica, respectivamente, podem ser construídos de maneira oposta. É um estado de composição em que os elementos que se equilibram entre si dão a impressão de serem movimento e dinâmica interna.

Repito: mas, seja qual for a composição, você sempre precisa se esforçar para um equilíbrio visual estável de todos os componentes da composição em suas várias direções - para cima e para baixo, direita e esquerda, diagonalmente.

E a composição deve ser harmoniosa em qualquer posição, em qualquer curva - vire sua composição de cabeça para baixo, ou em 90 graus, com as massas gerais e manchas coloridas / tonais, também deve ser vista de maneira agradável, sem nenhum indício de desconforto.

Noções básicas de composição - exercícios

Exercícios adicionais podem ser feitos com guache, como apliques, lápis de cor e outros materiais com os quais seu coração deseje trabalhar. Você pode realizar desde o exercício que lhe parece mais fácil ou interessante até o mais difícil.

1. Equilibre alguns elementos de formato simples em um plano quadrado. Siga o mesmo princípio para compor um motivo simples de paisagem.

2. A partir de simples motivos estilizados de formas naturais, faça o esboço de uma composição fechada (não extrapolando a fotografia), encerrada em formato de folha. Composição fechada - a ação é torcida apenas no espaço que você usa, completude total. As composições têm um movimento circular.

3. Organize vários triângulos e círculos de acordo com o princípio da composição dinâmica (disposição assimétrica das figuras no plano), variando a cor, a luminosidade das figuras e o fundo.

4. Aplicando o princípio de divisão dos elementos da composição, equilibre várias formas de diferentes configurações em um formato retangular. Siga este princípio para realizar uma composição simples sobre um tópico arbitrário.

5. A partir de motivos estilizados simples de formas naturais, aplicando o princípio da articulação dos elementos, esboce uma composição aberta. Uma composição aberta é uma composição que pode ser desenvolvida posteriormente - em largura e altura.

6. Divida o plano da folha em uma estrutura condicional de acordo com o sentimento e componha uma composição a partir dela: a solução é preto e branco.

Meios expressivos de composição

Os meios expressivos de composição nas artes decorativas e aplicadas incluem linha, ponto, mancha, cor, textura ... Esses meios são ao mesmo tempo elementos da composição. A partir das tarefas e objetivos traçados e tendo em conta as possibilidades de um determinado material, o artista utiliza os meios de expressão necessários.

A linha é o principal elemento de modelagem que transmite com mais precisão a natureza dos contornos de qualquer forma. A linha tem uma dupla função, sendo um meio de representação e um meio de expressão.

Existem três tipos de linhas:

Linhas retas: verticais, horizontais, oblíquas
Curvas: círculos, arcos
Curvas com raio de curvatura variável: parábolas, hipérboles e seus segmentos

A expressividade da percepção associativa das linhas depende da natureza do seu contorno, tonalidade e som de cor.

Linhas transmitem:

Vertical - aspiração ascendente

Inclinado - instabilidade, queda

Linhas - movimento variável

Ondulado - movimento uniforme e suave, balanço

Espiral - diminuiu o movimento de rotação, acelerando em direção ao centro

Rodada - movimento fechado

Oval - a aspiração da forma de foco.

Linhas grossas projetam-se para frente e linhas finas retrocedem para a profundidade do plano. Fazendo esboços da composição, eles criam combinações de certas linhas, manchas que estimulam a manifestação de suas propriedades plásticas e de cor.

A ponta é amplamente utilizada como um dos meios de expressão em muitas obras de arte decorativa e aplicada. Ajuda a revelar a textura da imagem, a transferir o espaço condicional.

O local é usado para a organização rítmica de motivos ornamentais não pictóricos. Spots de várias configurações, organizados em uma composição específica, adquirem expressividade artística e, afetando emocionalmente o espectador, evocam nele o clima adequado.

Os artistas em suas obras costumam usar como elementos pictóricos figuras geométricas: círculo, quadrado, triângulo. As composições deles podem simbolizar o movimento do tempo, os ritmos da vida humana.

A organização rítmica de motivos ornamentais a partir de elementos não gráficos (manchas de configuração abstrata, silhuetas de figuras geométricas), combinados em estruturas composicionais, torna-se um meio de expressão artística.

Mais ferramentas de composição

1. Subordinação: uma pessoa no primeiro segundo começa a perceber a composição como uma imagem de silhueta contra um determinado fundo: a área da silhueta, o desenho da linha de contorno, o grau de compactação, tom, cor, textura da superfície , e assim por diante.

2. Simetria e assimetria: Um meio eficaz de alcançar o equilíbrio em uma composição é a simetria - o arranjo regular dos elementos da forma em relação a um plano, eixo ou ponto.

Assimetria - a harmonia de uma composição assimétrica é alcançada mais difícil, é baseada na utilização de uma combinação de vários padrões de construção da composição. No entanto, as composições baseadas nos princípios da assimetria não são de forma alguma inferiores em valor estético às simétricas. Ao trabalhar a sua estrutura espacial, a artista alia simetria e assimetria, apostando na regularidade dominante (simetria ou assimetria), utiliza a assimetria para realçar os principais elementos da composição.

3. As proporções são a interconexão quantitativa das partes individuais da composição entre si e com o todo, sujeito a uma determinada lei. Uma composição organizada por proporções é percebida com muito mais facilidade e rapidez do que uma massa visualmente desorganizada. As proporções subdividem-se em modulares (aritmética), quando se acrescenta a inter-relação das partes com o todo, pela repetição de um único tamanho dado, e geométricas, que se baseiam na igualdade das relações e se manifestam na semelhança geométrica das divisões das formas.

4. Nuança e contraste: as relações de nuance são diferenças menores, fracamente expressas em tamanho, padrão, textura, cor e localização no espaço da folha. Como meio de composição, a nuance pode se manifestar em proporções, ritmo, cores e relações tonais e plásticas.
Contraste: consiste em uma oposição pronunciada dos elementos da composição. O contraste torna a imagem perceptível, destaca-a das outras. Existem contrastes: direções de movimento, tamanho, massa condicional, forma, cor, luz, estrutura ou textura. Com contraste direcional, horizontal versus vertical, incline da esquerda para a direita - incline da direita para a esquerda. Em contraste com o tamanho, alto versus baixo, longo versus curto, largo versus estreito. Com o contraste da massa, o elemento visualmente pesado da composição está localizado próximo ao pulmão. Com o contraste da forma, as formas angulares "duras" são contrastadas com as formas arredondadas "suaves". Com contraste claro, as áreas claras da superfície são contrastadas com as escuras.

6. O ritmo é uma certa ordenação dos elementos com as mesmas características de uma composição, criada pela repetição de elementos, alternando-os, aumentando ou diminuindo. O padrão mais simples com base no qual uma composição é construída é a repetição de elementos e os intervalos entre eles, chamados de ritmo modular ou repetição métrica.

A série métrica pode ser simples, consistindo em um elemento da forma, repetida em intervalos regulares no espaço (a), ou complexa.

Uma série métrica complexa consiste em grupos de elementos idênticos (c) ou pode incluir elementos individuais que diferem dos elementos principais da série em forma, tamanho ou cor (b).

A combinação de várias linhas métricas, combinadas em uma composição, revive significativamente a forma. Em geral, a ordem métrica expressa repouso estático e relativo.

Uma certa direção pode ser dada à composição, criando um ritmo dinâmico, que se baseia nas leis das proporções geométricas, aumentando (diminuindo) o tamanho de elementos semelhantes ou mudando regularmente os intervalos entre os mesmos elementos da série (a - e). Um ritmo mais ativo é obtido com uma mudança simultânea no tamanho dos elementos e nos intervalos entre eles (e).
Com o aumento do grau de ritmo, a dinâmica composicional da forma aumenta na direção da condensação da série rítmica.

Para criar uma série rítmica, você pode usar uma mudança regular na intensidade da cor. Em condições de repetição métrica, a ilusão de ritmo é criada como resultado de uma diminuição ou aumento gradual na intensidade da cor de um elemento. Quando os tamanhos dos elementos mudam, a cor pode intensificar o ritmo se o aumento em sua intensidade ocorrer simultaneamente com o aumento no tamanho dos elementos, ou equilibrar visualmente o ritmo se a intensidade da cor diminuir com o aumento no tamanho dos elementos. O papel organizador do ritmo em uma composição depende do tamanho relativo dos elementos que compõem a série rítmica e de seu número (para criar uma série, você precisa ter pelo menos quatro a cinco elementos).

Cores quentes e brilhantes são usadas para realçar os elementos ativos da composição. Cores frias removem-nos visualmente. A cor afeta ativamente a psique humana, é capaz de evocar uma variedade de sentimentos e experiências: agradar e entristecer, revigorar e oprimir. A cor atua sobre uma pessoa independentemente de sua vontade, já que até 90% das informações recebemos através da vista. Estudos experimentais mostram que ocorre menos fadiga ocular ao observar a cor relacionada à parte intermediária do espectro (área verde-amarela). As cores nesta área proporcionam uma percepção de cores mais estável, e as partes extremas do espectro (violeta e vermelho) causam maior fadiga ocular e irritação do sistema nervoso.

De acordo com o grau de influência na psique humana, todas as cores são divididas em ativas e passivas. As cores ativas (vermelho, amarelo, laranja) têm um efeito estimulante, aceleram os processos vitais do corpo. As cores passivas (azul, violeta) têm o efeito oposto: acalmam, relaxam, diminuem a eficiência. O desempenho máximo é observado quando o verde é aplicado.

A necessidade humana natural é harmonia de cores = subordinação de todas as cores da composição a uma única ideia composicional... Toda a variedade de harmonias de cores pode ser dividida em combinações de nuances com base na convergência (identidade de tonalidade, luminosidade ou saturação) e combinações contrastantes com base na oposição.

Existem sete opções de harmonia de cores com base em semelhanças:

1. a mesma saturação em diferentes tons de luminosidade e cor;

2. a mesma luminosidade com saturação e tom de cor diferentes;

3. o mesmo tom de cor em saturação e luminosidade diferentes;

4. a mesma leveza e saturação com tom de cor diferente;

5. o mesmo tom de cor e luminosidade com saturação diferente;

6. o mesmo tom de cor e saturação em diferentes luminosidade;

7. o mesmo tom de cor, leveza e saturação de todos os elementos da composição.

Com a mudança de tonalidade, a harmonia pode ser alcançada combinando duas cores principais e intermediárias (por exemplo, amarelo, verde e mostarda) ou contrastando a tonalidade. Combinações contrastantes são feitas de cores complementares (por exemplo, vermelho com verde frio, azul com laranja, roxo com amarelo ...) ou de tríades de cores que são equidistantes na roda de cores (por exemplo, amarelo, magenta, verde- azul, vermelho, verde e azul-violeta). A harmonia de cores é formada não apenas por combinações de cores cromáticas, mas também cromáticas saturadas com acromáticas (azul e cinza, marrom e cinza e assim por diante).

Exercícios mais ...

1. Esboce um motivo natural com uma linha e uma mancha

2. Realizar uma composição temática usando meios gráficos de expressão - linha, mancha, ponto

3. A partir de objetos livremente colocados no espaço, componha uma composição equilibrada de uma natureza-morta, sem recorrer a abreviações em perspectiva de objetos e planos espaciais

8. Explodir o plano de um círculo inscrito em um quadrado (solução em preto e branco) e compor uma composição de rappoport a partir dos círculos desmembrados. Você pode fazer o mesmo com outras formas geométricas.

Artista e composição

Agora não se trata de como compor uma composição, mas sim das forças que o impelem a criá-la. Essas forças são muito mais fortes e mais eficientes do que você faria por completo e passam muitas horas estudando os aspectos técnicos de sua criação, mas invista moderadamente pelo menos um pouco de sua alma no processo. É uma forte motivação, força motivadora. Você é um artista, independentemente dos conhecimentos e habilidades que possui e em que estágio de desenvolvimento se encontra. Você é um ARTISTA, uma pessoa criativa. Antes de criar uma composição, qualquer pessoa, você nutre uma ideia, pensa, sente emoções, observa sua criação ainda dentro de você. Alguns de nós sonham com isso em um sonho, alguns de nós estão sob a influência desse processo mágico todos os dias, às vezes ele apenas nos impede de viver como todas as pessoas comuns, porque o criamos desde o início dentro de nós mesmos. Qualquer composição, qualquer criação é uma sublimação daquelas sensações e experiências que acompanham o artista e crescem nele, na sua mente. E então, um dia, em um momento, você entende que aqui está, a criação, agora pode nascer no mundo e você finalmente entendeu o que deve fazer. E a composição nasce. Agora, nada pode parar seu processo criativo. E, de um modo geral, a composição é o estado de espírito do artista, o pensamento, a própria ideia que ele joga no plano sem vida de uma folha ou tela, obrigando-o a VIVER sua própria vida peculiar, não como todo mundo. E mesmo que o artista não seja muito bom em estudar as leis de compor uma composição em uma folha, o poder criativo da criação é muitas vezes maior, todo o resto é um negócio lucrativo. Não tenha medo de expressar seus pensamentos e sentimentos. Ousado e simples, misterioso e malvado, alegre e fantástico ... ninguém pode falar melhor de seus pensamentos, só você.

Um desejo constante de melhorar a qualidade de vida, incluindo seu lado artístico e estético atualiza investigação fundamental no domínio dos fundamentos da arte - composição. Hoje em dia, é considerada em três hipóstases: a expressão da estrutura da própria obra, a disciplina científica da direção arquitetônica, artística e de história da arte sobre o design visual de uma ideia em uma obra, também podem chamar uma obra acabada como sinônimo de obra.

Também é relevante porque é muito comum contraditório a atitude perante a composição como um conjunto de regras e técnicas que podem resolver todos os problemas do artista. Como se a composição fosse uma disciplina tão lógica, sistemática e funcional. Mas este não é o caso. Apesar da importância fundamental apontada da norma para a unidade de ensino, comunicação profissional e prática de acordo com uma avaliação empírica geral, não há sistema na composição. Embora o artista gráfico e teórico da arte NN Volkov, em seu livro "Composição na Pintura" de 1977, tenha falado da necessidade de criar uma teoria da composição, e também formulado uma série de tarefas básicas que a teoria da composição foi projetada para resolver como ciência, esses pensamentos não adquiriram sua solução lógica nem na estética, nem na história da arte, nem na pedagogia. Os interessados ​​em questões de composição se deparam com um objetivo problema ausência nas artes visuais de uma teoria normativa unificada da composição. A experiência acumulada historicamente e o conhecimento da composição aparecem constantemente na literatura científica e educacional, no entanto, cada cientista, artista ou professor interpreta sua estrutura e conteúdo, muitas vezes irracionalmente em seu próprio critério em seu próprio arranjo com conteúdo individual muito diferente. Isso pode ser visto comparando vários estudos, livros, notas de palestras, cursos de vídeo, etc. Mesmo entre cientistas de renome não há acordo. Por exemplo, Artista do Povo da URSS e Professor, Acadêmico da Academia de Artes da URSS, E.A. Kibrik, de acordo com as memórias de outro artista, cientista e professor E.V. O mesmo trabalhador homenageado da escola superior da Rússia, Doutor em Pedagogia, professor, membro do Sindicato dos Artistas EV Shorokhov em sua obra "Composição" nomeia tais leis como a lei da integridade, a lei dos contrastes, a lei da novidade , a lei da subordinação de todos os meios de composição a um conceito ideológico, a lei da vitalidade, a lei da influência da "moldura". Além disso, ele se refere às regras de composição como ritmo, centro de composição do enredo, simetria, assimetria, paralelismo da composição, a localização da coisa principal no fundo. O cientista atribui a transferência da impressão de monumentalidade, espaço, linhas horizontais e verticais, direções diagonais aos métodos de composição. Por meios - linha, linhas tracejadas, ponto (tonal e colorido), claro-escuro, leis da perspectiva linear e aérea. Isso levanta a questão dos motivos para tal classificação. Por que o contraste, de acordo com E.V. Shorokhov, é uma lei, e não um meio (junto com o ritmo) que expressa o centro de composição e o significado da obra? Por que um traço, um traço, uma mancha são os meios de composição, quando são elementos morfológicos de toda a arte. Em outras palavras, as classificações existentes não resistem a críticas.

Vindo do problema, o trabalho assombra propósito simular uma variante da estrutura da composição com uma explicação do conteúdo dos seus elementos, tanto para ajudar os alunos como para o desenho, e considerar a possibilidade de aceitá-la como normativa. Ou seja, para convocar artistas, historiadores da arte e professores, eles vão pactuar de uma vez por todas e propor um modelo.

Base teórica A mesma experiência acumulada e conhecimento capturado em trabalhos teóricos, entradas de diário, correspondência de artistas, professores, críticos de arte L.B. Alberti, E.A.Kibrik, V.A.Favorsky, K.F Yuona, EV Shorokhova, NN Volkova, MV Alpatova, GI Panksenova e outros. teoria da percepção humana de uma imagem, desenvolvida pelos psicólogos alemães da Gestalt K. Koffka, M. Wertheimer, R. Arnheim. Base metodológica O trabalho foi composto principalmente por uma análise de diferentes teorias, sua comparação, crítica pelo prisma da lógica e da funcionalidade, síntese, estruturação e modelagem.

A essência conceito do autor o modelo da teoria da composição (expresso no diagrama lógico-estrutural da Figura 1), amplamente baseado na experiência e no conhecimento disponíveis, expressa um novo sistema de visões e abordagens de sua organização. A arte é cumulativa por natureza (novas conquistas não cancelam as antigas, mas são adicionadas ao tesouro comum de conquistas) e a experiência comprovada de criar beleza, com padrões de trabalho, fatos e formas de expressar ideias concebidas objetivamente identificados, deve ser introduzidos em vários grupos de elementos estruturais pela relação de função e subordinados na medida de sua capacidade de expressar a intenção do artista.

O mais difícil é combinar em um modelo o processo composicional (o algoritmo recomendado para trabalhar uma obra) e a propedêutica teórica da composição, porque são lógicas de estruturação completamente diferentes. A dificuldade reside no fato de que na vida real há um processo e há um conteúdo teórico do processo e, no conhecimento teórico, o algoritmo para trabalhar uma composição pode ser considerado na estrutura de métodos de identificação de uma imagem artística. Parece conveniente classificar as etapas do processo com o seu conteúdo teórico, mas é difícil fazê-lo visto que a composição se desenvolve integralmente desde o início e nas etapas de concepção, decisão e execução. determinar apenas o grau de elaboração de uma obra com o mesmo conteúdo teórico. Portanto, a decisão do autor é dividir a teoria e a prática em duas seções não relacionadas: a composição como processo e a propedêutica composicional, embora na vida estejam interligadas. E este não é um desejo ambicioso de apreender a imensidão, mas a necessidade de separação detalhada e nova generalização, necessária para descrever o quadro geral do conhecimento composicional.

Naturalmente, em primeiro lugar, como qualquer disciplina científica, propedêutica composicional deve descrever a definição, fundamentos científicos e conexões interdisciplinares, a história do desenvolvimento e outros elementos necessários do aparato científico da disciplina. Nesta parte, pode-se argumentar que as várias teorias da composição são conceitualmente as mesmas. Você também pode concordar com a variedade de definições como cada um deles introduz apenas nuances específicas na explicação geral do termo, que (pela definição mais simples, por exemplo, de S. I. Ozhegov), coincide com uma tradução direta e, portanto, a composição, arranjo das partes.

Além disso, a categoria fundamental para dominar a propedêutica composicional é imagem artística... É ele quem, raciocinando logicamente, determina todas as escolhas do outro artista após a ideia, partindo da direção e do tipo de arte, terminando com os métodos específicos de organização dos elementos pictóricos na obra. Nesta seção do conhecimento, deve-se considerar a definição, a história do desenvolvimento do conceito e os conceitos filosóficos de sua compreensão. Com base na definição de uma imagem artística como uma forma de interpretar o mundo em objetos que influenciam esteticamente, a teoria deve ser dividida e posteriormente considerada no contexto de inter-relação e diferenças. temas funciona e método a sua apresentação, uma vez que as categorias respondem a questões fundamentalmente diferentes: o tema é “o que desenhar” e o método é “como desenhar”. A divisão ajuda a identificar vetores de aprendizagem e aplicar o conhecimento na prática na análise crítica. A inter-relação das seções se manifesta no fato de que o tema em grande parte determina os métodos, mas o mesmo tema, dependendo das preferências do autor, pode encontrar sua personificação visual por diferentes métodos. Na opinião do autor, os grupos de conhecimento úteis para a composição são considerados com maior precisão no paradigma dos métodos de expressão de uma imagem artística. Assim, os métodos incluem uma série de opções associadas com enredo, tipo de artes plásticas, (pintura, gráficos, escultura), direção(arte objetiva ou não objetiva), material e técnica em que a ideia afetará o visualizador de forma mais eficaz. Deve-se notar que, na prática, o artista não se impõe a tarefa experimental de escolher uma forma, direção e gênero de arte, mas trabalha mais ou menos constantemente em um determinado gênero, material e maneira, devido a interesses pessoais, inclinações, imagem. expectativas (ou visão pré-criada) ... Em outras palavras, um pintor raramente se transforma em gráfico, um abstracionista em um realista, etc. Como regra, uma pesquisa de esboço é realizada na direção do enredo e da técnica. Para completar a teoria, deve-se designar propriedades de objetos do mundo transmitido, procedendo da regra de ouro da formação da imagem, que afirma que o material da obra, a cor com que é pintada e a própria forma devem convergir harmoniosamente na obra. Quanto às tendências na arte, as seções dedicadas à comparação de composição não objetiva e assunto (gênero (refletindo um gênero de arte) ou associativa (violando a unidade aristotélica clássica)) são importantes. Do ponto de vista do autor, no nível dos esboços de pesquisa iniciais, o desenvolvimento de uma imagem na arte do objeto pode parecer uma distribuição muito abstrata de escuridão e luz, manchas grandes e pequenas de objetos futuros do mundo observado. Consequentemente, as abordagens à tradição de quaisquer propriedades da composição têm características semelhantes e recomendações gerais, bem como especificidade. Mais adiante no artigo, é proposta a introdução na composição dos métodos meios de realçar as imagens, que são conhecidos da literatura: alegoria, antítese, hipérbole, grotesco, litota, metáfora, citação e outros. Em graus variados, eles podem influenciar a leitura da trama ou personagem de cada personagem e em uma obra de arte. Um tópico separado para arte não foi desenvolvido, mas tem potencial para pesquisa. Por exemplo, para transmitir o caráter com mais força, os traços individuais são mostrados um pouco grotescamente, reforçados. Lembremos também os conhecidos simbolistas russos M. A. Vrubel e V. E. Borisov-Musatov, bem como G. Klimt, cujas imagens são inteiramente alegorias e personificações. Ao mesmo tempo, a formação de uma imagem também pode incluir estilização em dois aspectos principais: dar um estilo específico à época e ao país, ou a interpretação do autor da forma para agradar à ideia. E, claro, uma seção grande e complexa pertence ao método de expressar uma imagem. organização da composição ou a colocação de todos os elementos pictóricos em termos de limites físicos ou lógicos. Esta seção inclui e descreve princípios, as leis, regulamentos, truques, instalações construir uma composição, bem como tipos, tipos e propriedades, ou seja, especificamente, o que determina a localização do elemento pictórico em uma ou outra parte do formato. Com base na análise e comparação de várias teorias, é em termos de leis e regras que as discrepâncias massivas são reveladas. É compreensível, porque a correlação de princípios, leis, padrões e regras é um problema filosófico e científico urgente para as humanidades. Nem as ciências políticas, nem a história, nem a linguística, nem a ética, a estética e a história da arte estabelecem quaisquer leis científicas, mas fornecem uma explicação causal para os fenômenos em estudo ou destacam afirmações avaliativas.

As conclusões e propostas do autor para esta seção foram previamente detalhadas e baseadas em evidências no artigo "O conceito da teoria da organização da composição nas artes visuais", no nº 4 da revista "Arte e Educação" de 2017. A ideia central do artigo era centrar-se nos princípios da composição, e se propunha privar as leis e normas de seu lugar independente na estrutura e colocá-las a serviço do cumprimento do princípio. Afinal, que tipo de estrutura um criador pode ter? Até Aristóteles, Platão, Quintiliano disseram que a arte não obedece a leis (embora falassem sobre a arte da pedagogia). Por um lado, os gostos estéticos em constante mudança da sociedade, levando em consideração o desenvolvimento da tecnologia, tornam impossível aplicar categoricamente leis e regras "testadas pelo tempo" (formuladas para atingir o ideal estético de uma determinada época e direção) para arte contemporânea. Por outro lado, as leis gerais não são adequadas para resolver tarefas individuais não repetitivas, porque em uma composição a ideia dita sua solução de uma forma e de outra - de uma forma diametralmente oposta. A desvantagem de todas as leis e regras peremptórias é que nenhuma análise séria da conexão entre o conteúdo da composição e as formas de expressão composicionais procuradas é realizada. Portanto, as leis e os regulamentos não são adequados para expressar uma ideia. No entanto, é promissor introduzir a experiência acumulada, distribuindo funções de acordo com o parentesco, na estrutura da tentativa princípios, nos quais você pode confiar ao resolver problemas relacionados à expressão de uma ideia. Além disso, ambos com valor positivo e vice-versa. De fato, em filosofia, um princípio é o mesmo que um fundamento, aquilo que está por trás de um certo corpo de conhecimento ou fatos. A lei é perfeita para descrever as manifestações físicas e matemáticas do mundo circundante, mas onde a variedade de manifestações humanas (culturais) na vida não se encaixam em uma forma clara e completa da lei, o princípio dá grande liberdade para generalizações. Mas as leis e regras podem ser formuladas para descrever e obter conformidade com um princípio específico. Talvez essa abordagem pareça radical para a comunidade profissional. É difícil abandonar o conhecimento de uma vez, para o qual uma atitude profissional e de valor se desenvolveu ao longo dos anos. Justifiquemos o ponto de vista pelo fato de que uma regra geralmente é uma instrução clara do que deve ser feito para alcançar o cumprimento de uma determinada condição. Imediatamente surge a questão de saber o quê, se estamos falando de composição em geral e de ideias de autores sempre diferentes. E tudo se encaixa quando alcançamos o cumprimento de um determinado princípio. O direito é uma categoria que denota conexões objetivas, significativas, recorrentes e estáveis ​​dentro de um fenômeno ou entre fenômenos, componentes de um sistema, refletindo os mecanismos de sua auto-organização, desenvolvimento e funcionamento. Nos dicionários filosóficos, a interpretação das leis e dos princípios é amplamente sinônima, e o problema da correlação também é eterno, como uma disputa entre o materialismo e o idealismo, porque, falando do mesmo fenômeno, as leis são descritivas e os princípios determinam os rumos da ação. A cientista e professora Maria Aleksandrovna Erofeeva chegou às mesmas conclusões em sua pesquisa. Mesmo que ela o tenha feito pela pedagogia, o grão racional pode ser extrapolado para as artes plásticas. O sentido de suas conclusões reside no fato de as leis não conterem diretrizes diretas para as atividades práticas. Eles são apenas uma base teórica para o desenvolvimento e aprimoramento de regras e princípios. Como resultado, recomendações e requisitos práticos são expressos em princípios e regras. Eles (princípios) como diretrizes, princípios fundamentais determinam o conteúdo e recomendações práticas, caracterizam as formas de utilização das leis e padrões de acordo com os objetivos pretendidos. Lados separados deste ou daquele princípio revelam as regras. As regras seguem os princípios.

Então, a estrutura proposta da organização da composição pode ser semelhante à descrita abaixo. Além disso, o princípio do equilíbrio será nomeado, o que exige uma distribuição uniforme dos elementos pictóricos dentro do formato, mas pode ser omitido por causa da ideia do autor. A lei pode soar assim: um objeto pictórico colocado próximo à borda do formato atrai muita atenção e causa uma sensação de esforço para a borda, desconforto e superação da metade da folha em que está inserido. É claro que você pode equilibrar o plano pictórico colocando um objeto nas proximidades da borda oposta. A regra será a seguinte: para criar sensações equilibradas, você deve dividir o formato dos eixos horizontal e vertical em quatro partes e preencher cada um com elementos pictóricos. Mas com a condição de que seja precisamente o equilíbrio que precisa ser alcançado. Esta é a metodologia pela qual um cientista meticuloso pode, ele mesmo, formular uma série de leis e regras. O artigo apresenta a tarefa de identificar um lugar na estrutura dos grandes grupos.

O conjunto de princípios será constituído por: proporcionalidade, equilíbrio, estruturação, integridade, expressividade, originalidade e novidade, manifestação da passagem do tempo, veracidade (ou vitalidade), tendo em conta a psicologia e fisiologia da percepção. Proporcionalidade, na verdade, reside no fato de que dentro dos limites físicos ou lógicos do plano pictórico, o conjunto de elementos interagentes da composição não deve ser pequeno (para que haja vazios em que nada acontece) ou grande (para que um sentimento de aperto é criado). Equilíbrio propõe a disposição dos elementos figurativos, evitando que seu volume se acumule em qualquer parte da folha, deixando o restante vazio. Estruturação como princípio, determina a identificação do principal e a subordinação do secundário a ele. quanto mais simples e claro o sistema de inter-relações de elementos e cores na composição, mais inteligível ele é. Integridade por princípio, chama a perceber a composição como uma unidade de ideia, forma, escala, cor, técnicas e material, em que nada pode ser movido ou substituído, da qual nada pode ser tirado e à qual nada pode ser adicionado. sem prejuízo do impacto emocional. Expressividade centra-se nesta reflexão artística da realidade, que desperta e mantém a atenção e o interesse do público. Originalidade e a novidade é determinada não pelo desenvolvimento de um autor até então inexistente, mas por um afastamento do chamado "mainstream" e encontrando o círculo de interesses do autor e uma linguagem visual diferente de qualquer outra. Exibindo a passagem do tempo formulado pela primeira vez por N.N. Volkov (embora ele a tenha chamado de lei da vitalidade), explicando que o momento representado na trama deve conter uma sugestão de desenvolvimento passado e futuro. Veracidade como princípio, recomenda que o artista aborde apenas temas que lhe são inteiramente conhecidos, a fim de corresponder a toda a verdade da vida. O princípio de levar em consideração a psicologia e a fisiologia da percepção o espectador convida o artista a modelar a interpretação correta de sua obra pelo espectador, levando em consideração a linguagem dos símbolos gráficos e cores, códigos culturais, fundamentos fisiológicos da visão e psicologia da percepção. Na verdade, além do nível semântico de percepção, onde os enredos do mundo objetivo são decifrados, também são criados níveis que afetam o observador por ressonância com sensações profundas, associações, gestalts - os blocos de construção da psique. Não é por acaso que as descobertas científicas dos psicólogos alemães da Gestalt K. Koffka e M. Wertheimer sobre a percepção humana desempenham um papel importante para o campo das artes plásticas. O livro "Arte e Percepção Visual" de R. Arnheim é de grande importância para as artes plásticas.

Para garantir o cumprimento dos princípios, além das leis e regulamentos, o nível mais baixo é recepções e caminhos... Pode-se citar muitos deles, por exemplo, enquadrar uma figura com folhagem na Renascença, introduzir na composição através da sombra em primeiro plano, inscrever elementos da composição de forma geométrica, engrossar e afinar, pausar e sobrepor, aproximar todas as linhas de perspectiva da imagem no centro de composição, etc. O momento definidor de uma técnica ou método é a concretude da questão a ser resolvida, na organização de um elemento ou grupo. É inútil listá-los e descrevê-los, porque, como resultado de muitos anos de prática, os seus próprios podem ser desenvolvidos.

Também conhecido e importante para a organização da composição é um grupo de agentes morfológicos (que determinam objetivamente a aparência). Não faz diferença se você compõe a composição de forma consciente ou intuitiva, eles estão sempre presentes com intensidade variável. Geralmente são chamados de meios expressivos ou meios de expressar um plano. Às vezes, eles também são chamados de "meios de harmonização da composição". O significado dos meios é, em primeiro lugar, identificar o centro composicional ou o principal na obra. Em segundo lugar, ao definir as formas, tamanhos, alternância, brilho e cromaticidade dos elementos pictóricos, eles criam um sistema de acentos, estímulos para a percepção do espectador, direcionando-o ao longo da trajetória concebida pelo artista, revelando de um nó semântico a outro o completo imagem da intenção do autor. Em terceiro lugar, eles revelam o clima emocional da obra, conferindo à composição propriedades como, por exemplo, estática, dinâmica, maciez, leveza, calma, tensão, etc. A lista de ferramentas consiste em formato, contraste, nuance, tom, cor, ritmo (metro), escala e proporção.

Formato de imagem, em vez disso, sua forma geométrica e proporções freqüentemente determinam a percepção da imagem. Contraste como meio artístico consiste em opor duas qualidades opostas para enfatizar a atenção. Contrastes técnicos de formas, cores, tons conferem à composição uma força decorativa. Semântica contrastes determinar a natureza da imagem artística. Ao contrário do contraste, nuances acalmar a percepção do espectador, generalizar os elementos em um todo. Habilidade expressiva ritmoé a trajetória que o olhar deve percorrer para "passar" de um objeto a outro. Se a distância não for grande e o olho "salta" rapidamente de um elemento para outro, o ritmo se acelera e vice-versa. Além disso, o ritmo da pintura se manifesta na construção do sistema cor-tonal da imagem e na energia das pinceladas coloridas. A escala o significado semântico ou escassez do objeto de desenho, sensações massivas e leves podem ser expressas. Ao mesmo tempo, a experiência do autor notou: as formas grandes tendem a combinar visualmente os menores em grupos, as médias, via de regra, desempenham a tarefa principal de criar um enredo e as pequenas decoram primorosamente a obra. Proporções permitem que você crie certas sensações emocionais de elevação ou agachamento na imagem, para obter efeitos decorativos e estilizações. Um grande aspecto da proporção na arte está associado ao uso da proporção áurea. Tom no princípio de contrastes, destaca a coisa principal e também pode definir o clima emocional geral. Por analogia com as observações da vida, as imagens escuras são associativamente associadas a estados mentais difíceis e patológicos e, ao contrário, as claras estão associadas à alegria e à pureza. Cor transmite significado e humor emocional com qualidades próprias (saturação, tom de cor, leveza) e impróprias (tendo níveis mentais, fisiológicos, culturais, religiosos, sociais, étnicos e individuais de sua percepção).

Para as qualidades e propriedades da composição propõe-se atribuir conceitos associativos como sua natureza estática, dinamismo, simetria e assimetria, maciez, leveza, delicadeza, sonoridade, surdez, escuridão, leveza, etc. Essas qualidades são criadas no trabalho pelos meios listados anteriormente. Eles não servem como um fim em si mesmos, mas apenas como uma forma de transmitir o estado geral, de atingir um certo humor emocional no trabalho.

Tipos de composição invariavelmente chamado de dois: fechado, ou seja, limitado ao longo das bordas da folha por formas pictóricas como "asas"; e abrir, com bordas abertas livres do plano pictórico.

Tipos de composição também é chamado de forma consistente em várias literaturas com base no arranjo espacial dos elementos. Existem três tipos de composição: frontal, volumétrico e profundo - espacial... A composição frontal (planar) é uma composição bidimensional, é desenvolvida horizontalmente e verticalmente. É inerente a obras decorativas baseadas em divisões planas de forma, composições ornamentais e possivelmente algumas manifestações de abstracionismo. A composição volumétrica é caracterizada pela distribuição da massa ao longo de 3 coordenadas espaciais, formando uma forma tridimensional, por exemplo, uma escultura redonda. A composição espacial de profundidade é caracterizada pela criação de imagens projetadas para a percepção de largura, altura e profundidade, ou seja, uma imagem realística comum que copia o mundo observado com suas três dimensões.

Se considerarmos a composição como processo, então a prática define três fases principais: Projeto, solução, execução... Este é um conhecimento puramente aplicado e otimizado pela experiência, que permite que você trabalhe rapidamente em uma obra criativa, ao mesmo tempo em que atinge a correspondência mais expressiva da obra com a imagem-expectativa da imaginação do autor. O conteúdo das etapas é descrito em detalhes em um artigo separado previamente publicado "Etapas do trabalho de renderização". Nós apenas denotamos que Projeto caracterizado pelo desenho de formas aceitáveis ​​de incorporação visual em um esboço de busca por uma visão de uma ideia pré-criada na imaginação. Em outras palavras, nesta fase, um esboço superficial é necessário de forma livre, sem desenho concreto de detalhes de todos os tipos de opções de exibição de tema que vêm à mente, uma vez que É difícil transmitir com precisão uma apresentação dinâmica sem fronteiras. Um método comum de formar uma imagem artística é escrever um conto antes do trabalho e visualizá-lo linha por linha em uma composição. Na fase de concepção, é necessário atingir o cumprimento dos requisitos de integridade, subordinação, porte, novidade, expressividade, etc. É importante estabelecer uma interação harmoniosa das massas do principal e do secundário, grande e pequeno, escuro e claro nas condições de "impacto da moldura". Criar por meio da expressividade um sistema de estímulos visuais que oriente o olhar e o pensamento do observador ao longo da trajetória concebida pela artista. Todas as qualidades listadas inicialmente encontradas, com uma atitude cuidadosa no processo de trabalho, não irão desaparecer em lugar nenhum. Caso contrário, eles não terão de onde vir na apresentação final. O número de esboços depende do grau de aproximação da ideia-conceito e do design da versão, que delineia a trajetória exata de desenvolvimento posterior detalhado. Para o palco soluções segue-se, tendo previamente selecionado uma das opções de esboço mais potenciais, desenvolver seus pontos fortes e trabalhar detalhadamente cada imagem ou personagem, encontrar belos movimentos, clarificar linhas, escalas, ritmos, tons. É necessário limpar a trama de detalhes confusos que, quando percebidos, causam sub-significados e associações perturbadoras. Nesta fase, se necessário (dependendo da direção da arte), é feita uma saída para um material em grande escala que reflita a verdade da vida: esboços da natureza são criados e aplicados, fotos e uso da Internet. O método de ajuste fino da imagem com a ajuda de aleijados também é típico para este estágio. A conclusão lógica da etapa é a criação de "papelão" (um esboço detalhado em tamanho real da pintura para transferência para tela) para trabalhos futuros. Execução- a etapa final do trabalho sobre a obra, em que nada muda na solução encontrada. Um esboço ou projeto é incorporado com muita precisão ao material. Não é permitida a conjectura de um esboço no esforço de valorizar a expressão artística da obra, sem antes analisar o possível resultado.

O artigo levanta um tópico complexo e define tais tarefas que, ao que parece, não podem ser realizadas de maneira ideal. Apesar disso, o modelo da teoria da composição do autor é conceitualmente apresentado e pode ser, senão a espinha dorsal, a razão para outros desenvolvimentos fundamentais. O artigo pretende, em primeiro lugar, chamar a atenção para a necessidade de verificar com lógica muitos desenvolvimentos existentes sobre o tema e, em segundo lugar, induzir os colegas a terem ideias entre si, possivelmente com base no modelo proposto.

A. S. Chuvashov

Lista de fontes usadas

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Instituição educacional estadual

educação profissional superior

Departamento de Design e Processamento de Materiais Artísticos

"Teoria da composição"

Contente

• Introdução
• 1.1 Integridade
• 2. Tipos de composição
• 2.1 Composição fechada
• 2.2 Composição aberta
• 2.3 Composição simétrica
• 2.4 Composição assimétrica
• 2.5 Composição estática
• 2.6 Composição dinâmica
• 3. Formas de composição
• 3.4 Composição volumétrica
• 3.6 Composições de combinaçãoeuformulários
• 4.1 Agrupamento
• 4.2 Sobreposição e moldura
• 4.3 Membros
• 4.4 Formato
• 4.5 Escala e proporção
• 4.6 Ritmo e medidor
• 4.7 Contraste e nuance
• 4,8 Cor
• 4.9 Eixos de composição
• 4.10 Simetria
• 4.11 Textura e textura
• 4.12 Estilo
• 6. Estilo e unidade de estilo
• 7. Composição associativa
• Lista bibliográfica

Introdução

Pinturas com dois ou mais centros composicionais são utilizadas pelos artistas para mostrar vários eventos ocorrendo simultaneamente e de igual importância.

Em uma foto, vários métodos para destacar o item principal podem ser usados ​​de uma só vez.

Por exemplo, usando a técnica do “isolamento” - retratando o principal isolado de outros objetos, destacando-o com tamanho e cor - você pode conseguir a construção de uma composição original.

É importante que todos os métodos de realce do centro de composição do enredo não sejam aplicados formalmente, mas que revelem da melhor forma a intenção do artista e o conteúdo da obra.

1. Sinais formais de composição

Artistas que lutam apaixonadamente por sua próxima obra-prima, mudando de cor e forma pela centésima vez, alcançando a perfeição no trabalho, às vezes se surpreendem ao descobrir que sua paleta, onde simplesmente misturaram cores, acaba sendo a mesma tela abstrata cintilante que carrega beleza sem nenhum conteúdo temático ...

Uma combinação aleatória de cores colocou o eixo em uma composição que não foi planejada com antecedência, mas apareceu por si mesma. Isso significa que ainda existe uma correlação puramente formal de elementos, neste caso cores, que produz um senso de ordem. Pode-se chamar de leis da composição, mas em relação à arte não quero aplicar essa palavra dura "lei", que não permite ao artista agir livremente. Portanto, chamaremos essas proporções de características da composição. são muitos, mas de todos os signos distinguem-se os mais essenciais, absolutamente necessários em qualquer forma organizada.

Portanto, existem três características formais principais da composição:

integridade;

subordinação do secundário ao principal, ou seja, a presença de um dominante;

equilíbrio.

1.1 Integridade

Se a imagem ou objeto é completamente captado pelo olhar como um todo, claramente não se divide em partes independentes separadas, então há integridade como o primeiro sinal da composição. Integridade não pode ser entendida necessariamente como algum tipo de monólito soldado; essa sensação é mais complicada, entre os elementos da composição podem haver lacunas, lacunas, mas apesar da gravitação dos elementos entre si, sua interpenetração distingue visualmente a imagem ou objeto do espaço circundante. A integridade pode estar na composição da imagem em relação à moldura, pode ser como um ponto colorístico de toda a imagem em relação ao campo da parede, ou pode estar dentro da imagem de forma que o objeto ou figura não desintegrar em pontos aleatórios separados.

Integridade é a unidade interna da composição.

1.2 Subordinação do menor ao principal (presença de um dominante)

No teatro, costuma-se dizer que o rei não é interpretado pelo rei, mas por sua comitiva. A composição também tem seus próprios "reis" e a "comitiva" que os rodeia, como instrumentos solo e uma orquestra. O elemento principal da composição costuma ser imediatamente marcante, é para ele, o principal, que servem todos os outros elementos secundários, sombreando, destacando ou direcionando o olhar no exame da obra. Este é o centro semântico da composição. Em nenhum caso, o conceito de centro de uma composição está relacionado apenas com o centro geométrico da imagem. O centro, foco da composição, o seu elemento principal pode estar tanto em primeiro plano como ao longe, pode estar na periferia ou literalmente a meio da fotografia - tanto faz, o principal é que o secundário os elementos “fazem o rei”, trazem o olhar ao ápice da imagem, que por sua vez se submetem um ao outro.

1.3 Equilíbrio (estático e dinâmico)

Este não é um conceito fácil, embora, à primeira vista, não haja nada de complicado aqui. O equilíbrio da composição está, por definição, associado à simetria, mas a composição simétrica tem a qualidade do equilíbrio desde o início, como um dado, então não há nada para falar aqui. Interessa-nos apenas aquela composição onde os elementos se situam sem eixo ou centro de simetria, onde tudo se constrói segundo o princípio da intuição artística numa situação muito específica.

A composição pode ser equilibrada por um campo vazio ou por um único ponto colocado em um determinado local da imagem, mas no caso geral é impossível indicar em qual local e qual intensidade de cor o ponto deve estar. É verdade que podemos notar de antemão: quanto mais brilhante a cor, menor pode ser o ponto de contrapeso.

Uma atenção particular deve ser dada ao equilíbrio em composições dinâmicas, onde a tarefa artística está precisamente na violação, destruição do equilíbrio e paz. Curiosamente, a composição mais assimétrica direcionada para além da tela nas obras de arte é sempre cuidadosamente equilibrada. Você pode se convencer disso por uma operação simples: é o suficiente para cobrir parte da imagem - e a composição da parte restante se desintegrará, ficará fragmentada, inacabada.

composição imagem formal

2. Tipos de composição

2.1 Composição fechada

Uma imagem com composição fechada encaixa-se na moldura de tal forma que não tende para as bordas, mas, por assim dizer, se fecha sobre si mesma. O olhar do observador se desloca do foco da composição para os elementos periféricos, retorna através de outros elementos periféricos novamente para o foco, ou seja, tende de qualquer lugar da composição para o seu centro.

Uma característica distintiva de uma composição fechada é a presença de campos. Nesse caso, a integridade da imagem se manifesta no sentido literal - contra qualquer fundo, o ponto composicional tem limites claros, todos os elementos composicionais estão intimamente relacionados entre si, plasticamente compactos.

2.2 Composição aberta

O preenchimento do espaço visual com uma composição aberta pode ser duplo. Ou são detalhes que vão além da moldura, fáceis de imaginar fora da imagem, ou é um grande espaço aberto no qual o foco da composição está imerso, dando origem ao desenvolvimento, ao movimento de elementos subordinados. Nesse caso, não há um aperto do olhar no centro da composição, pelo contrário, o olhar sai livremente da imagem com alguma conjectura da parte não expressa.

A composição aberta é centrífuga; ela tende a se mover para a frente ou deslizar ao longo de uma trajetória em espiral. Pode ser bem complexo, mas sempre acaba se afastando do centro. Muitas vezes, o centro da própria composição está ausente, ou melhor, a composição consiste em um conjunto de minicentros iguais que preenchem o campo da imagem.

2.3 Composição simétrica

A principal característica de uma composição simétrica é o equilíbrio. Ele mantém a imagem com tanta firmeza que também é a base da integridade. A simetria atende a uma das leis mais profundas da natureza - a busca pela sustentabilidade. É fácil construir uma imagem simétrica, basta definir os limites da imagem e o eixo de simetria, depois repetir o desenho em uma imagem espelhada. A simetria é harmoniosa, mas se todas as imagens forem simétricas, depois de algum tempo estaremos rodeados de obras alegres, mas monótonas.

A criatividade artística vai tão além da correção geométrica que em muitos casos é necessário quebrar deliberadamente a simetria da composição, caso contrário, é difícil transmitir movimento, mudança, contradição. Ao mesmo tempo, a simetria, como a álgebra que verifica a harmonia, será sempre um juiz, uma lembrança da ordem original, do equilíbrio.

2.4 Composição assimétrica

As composições assimétricas não contêm eixos ou pontos de simetria, a criação de formas nelas é mais livre, mas não se deve pensar que a assimetria elimina o problema do equilíbrio. Ao contrário, é nas composições assimétricas que os autores prestam especial atenção ao equilíbrio como condição indispensável para a competente construção de um quadro.

2.5 Composição estática

Estáveis, imóveis, muitas vezes simetricamente equilibradas, as composições desse tipo são calmas, silenciosas, evocam a impressão de auto-afirmação, carregam não uma descrição ilustrativa, não um acontecimento, mas profundidade, filosofia.

2.6 Composição dinâmica

Externamente instável, propenso ao movimento, assimetria, abertura, esse tipo de composição reflete perfeitamente o nosso tempo com seu culto à velocidade, pressão, vida caleidoscópica, sede de novidades, rapidez da moda, com pensamento clip. A dinâmica freqüentemente exclui majestade, solidez, perfeição clássica; mas seria um grande erro considerar o simples descuido no trabalho como dinâmica, são conceitos completamente desiguais. As composições dinâmicas são mais complexas e individuais, portanto, requerem pensamento cuidadoso e desempenho magistral.

Se os três pares de composições acima forem comparados entre si e tentarmos encontrar uma relação entre eles, então, com um leve alongamento, devemos admitir que os primeiros tipos em cada par são uma família e os segundos são outra família. Em outras palavras, as composições estáticas são quase sempre simétricas e frequentemente fechadas, enquanto as dinâmicas são assimétricas e abertas. Mas nem sempre é assim, não se vê uma ligação rígida de classificação entre os pares, aliás, ao definir as composições segundo outros critérios iniciais, temos que criar outra linha, que por conveniência não chamaremos mais de tipos, mas de formas de composição , onde a aparência da obra desempenha um papel decisivo. ...

3. Formas de composição

Todas as disciplinas do ciclo projetivo, da geometria descritiva ao projeto arquitetônico, dão o conceito dos elementos que constituem a forma do mundo circundante:

ponto;

linha;

avião;

superfície volumétrica;

espaço.

Usando esses conceitos, é fácil classificar as formas de composição. Basta lembrar que as belas-artes não funcionam com objetos matemáticos, portanto, um ponto, como lugar geométrico do espaço que não tem dimensões, é claro que não pode ser uma forma de composição. Para os artistas, um ponto pode ser um círculo, um borrão ou qualquer ponto compacto centralizado no centro. As mesmas observações se aplicam a linhas, planos e espaço tridimensional.

Assim, as formas da composição, nomeadas de uma forma ou de outra, não são definições, mas apenas aproximadamente designadas como geométricas.

3.1 Composição de pontos (centrada)

em uma composição de pontos, o centro é sempre visível; pode ser um centro de simetria no sentido literal ou um centro condicional em uma composição assimétrica, em torno do qual os elementos composicionais que constituem o ponto ativo estão localizados de forma compacta e aproximadamente equidistante. Uma composição de pontos é sempre centrípeta, mesmo que suas partes pareçam afastar-se do centro, o foco da composição torna-se automaticamente o principal elemento organizador da imagem. O significado do centro é mais enfatizado na composição circular.

A composição pontual (centrada) é caracterizada pela maior integridade e equilíbrio, é fácil de construir, muito conveniente para dominar as primeiras técnicas de escrita profissional. Para uma composição de pontos, o formato do campo visual é de grande importância. Em muitos casos, o formato determina diretamente a forma específica e a proporção da imagem ou, ao contrário, a imagem determina o formato específico.

3.2 Composição da fita linear

Na teoria dos ornamentos, o arranjo de elementos repetidos ao longo de uma linha reta ou curva aberta é chamado de simetria translacional. Em geral, a composição da fita não tem necessariamente que consistir em elementos repetidos, mas seu arranjo geral é geralmente alongado em qualquer direção, o que sugere a presença de uma linha central imaginária em relação à qual a imagem é construída. A composição linear da fita é aberta e freqüentemente dinâmica. O formato do campo visual permite relativa liberdade, aqui a imagem e o campo não estão tão rigidamente ligados entre si em dimensões absolutas, o principal é o alongamento do formato.

Em uma composição em fita, a segunda das três características principais da composição costuma ser mascarada, a subordinação da secundária à principal, portanto é muito importante identificar o elemento principal nela. Se for um ornamento, então o elemento principal é repetido nos elementos repetidos que se dividem em mini-imagens separadas. Se a composição for única, o elemento principal não será mascarado.

3.3 Composição plana (frontal)

O próprio nome sugere que todo o plano da folha é preenchido com uma imagem. Tal composição não tem eixos e um centro de simetria, não tende a se tornar um ponto compacto, não tem um único foco pronunciado. O plano da folha (como um todo) determina a integridade da imagem. A composição frontal é frequentemente utilizada na criação de obras decorativas - tapetes, pinturas, ornamentos de tecidos, bem como em pinturas abstratas e realistas, em vitrais, mosaicos. Essa composição gravita em direção ao tipo aberto. Uma composição plana (frontal) não deve ser considerada apenas aquela em que o volume aparente dos objetos desaparece e é substituído por manchas coloridas planas. Uma pintura realista multifacetada com a transferência de ilusões espaciais e volumétricas, segundo a classificação formal, pertence à composição frontal.

3.4 Composição volumétrica

Seria muito ousado chamar qualquer pintura de composição volumétrica. Esta forma composicional se estende a formas de arte tridimensionais - escultura, cerâmica, arquitetura, etc. Sua diferença de todas as formas anteriores é que a percepção da obra ocorre sequencialmente a partir de vários pontos de observação, de vários ângulos. A integridade da silhueta é de igual importância em diferentes curvas. A composição volumétrica inclui uma nova qualidade - extensão no tempo; é visto de diferentes ângulos, não pode ser totalmente capturado por um único olhar. A exceção é o relevo, sendo uma forma intermediária em que o claro-escuro volumétrico desempenha o papel de uma linha e de uma mancha.

A composição volumétrica é muito sensível à iluminação da obra, e o papel principal é desempenhado não pela intensidade da luz, mas pela sua direção.

O relevo deve ser iluminado por uma luz rasteira, não uma luz frontal, mas isso não basta, é preciso levar em consideração de que lado a luz deve incidir, já que o aspecto da obra muda completamente com a mudança no direção das sombras.

O autor cria uma composição volumétrica e a completa com iluminação.

3.5 Composição espacial

O espaço é moldado por arquitetos e, em certa medida, designers. A interação de volumes e planos, tecnologia e estética, com que operam os arquitetos, não é uma tarefa direta das belas-artes, mas a composição espacial passa a ser objeto da atenção do artista se for construída a partir de elementos artísticos e decorativos volumétricos, de alguma forma localizados no espaço . Em primeiro lugar, é uma composição de palco que inclui decorações, adereços, móveis, etc. Em segundo lugar, a organização rítmica dos grupos na dança (ou seja, a cor e a forma dos trajes). Em terceiro lugar, combinações de exibição de elementos decorativos em salas ou vitrines. Em todas essas composições, o espaço entre os objetos é usado ativamente.

Como em uma composição volumétrica, a iluminação desempenha um papel importante aqui. O jogo de luz e sombra, volume e cor pode mudar radicalmente a percepção da composição espacial.

Freqüentemente, eles confundem a composição espacial como uma forma com uma pintura que transmite a ilusão de espaço. Não há espaço real na imagem, na forma é uma composição plana (frontal), na qual o arranjo de manchas de cor sequencialmente, por assim dizer, remove objetos do observador para a profundidade da imagem, mas a própria construção de a imagem percorre todo o plano.

3.6 Combinação de formas composicionais

Em obras concretas reais, as formas de composição em sua forma pura nem sempre são encontradas. Como tudo na vida, a composição de uma pintura ou produto utiliza elementos e princípios de diferentes formas. O ornamento atende melhor e mais precisamente à classificação pura. Aliás, foi o ornamento a base sobre a qual, em primeiro lugar, foram revelados os padrões e formas da composição. Pintura de cavalete, pintura monumental, gravura de assunto, ilustração muitas vezes não se encaixam nas formas geometricamente simplificadas da composição. Claro, muitas vezes eles mostram um quadrado, um círculo, uma fita e horizontais e verticais, mas tudo isso se combina, em movimento livre, em entrelaçamento.

4. Técnicas e meios de composição

Se você pegar várias formas geométricas e tentar colocá-las em uma composição, terá que admitir que só pode fazer duas operações com as formas - agrupá-las ou sobrepô-las uma sobre a outra. Se algum grande plano monótono precisa ser transformado em uma composição, então, muito provavelmente, esse plano terá de ser dividido em uma fileira rítmica de qualquer maneira - com cor, relevo, fendas. Se você precisar aproximar ou afastar visualmente um objeto, pode usar o efeito de aproximação do vermelho ou o efeito de remoção do azul. Em suma, existem métodos formais e ao mesmo tempo reais de composição e os meios correspondentes que o artista utiliza no processo de criação de uma obra.

4.1 Agrupamento

Essa técnica é a mais comum e, na verdade, a primeira etapa na composição de uma composição. A concentração de elementos em um lugar e a rarefação sucessiva em outro, a alocação de um centro de composição, equilíbrio ou instabilidade dinâmica, imobilidade estática ou o desejo de se mover - tudo dentro das forças do grupo. Qualquer imagem, em primeiro lugar, contém elementos que de alguma forma estão localizados mutuamente em relação uns aos outros, mas agora estamos falando de uma composição formal, então vamos começar com as formas geométricas. O agrupamento envolve composição e espaços, ou seja, a distância entre os elementos. Você pode agrupar manchas, linhas, pontos, sombras e partes iluminadas de uma imagem, cores quentes e frias, tamanhos de formas, texturas e texturas - em uma palavra, tudo o que visualmente difere um do outro.

4.2 Sobreposição e moldura

Em termos de ação composicional, este é um agrupamento que ultrapassou os limites das figuras. Colocando elementos ou seus fragmentos um sob o outro, a sobreposição parcial de silhuetas é um modelo do esquema de composição da imagem ao transferir perspectivas próximas, distantes e sufocantes do meio. Esta técnica parece especialmente eficaz quando a mudança de cor, contraste e escala com a remoção de planos é usada simultaneamente.

4.3 Membros

Existem dois métodos práticos de trabalhar com escultura. De acordo com o primeiro método, a argila é aplicada em partes na moldura e gradualmente vai adquirindo a forma desejada. De acordo com o segundo método, aproximadamente a massa total da figura é obtida e então todo o excesso de argila é removido, a forma, por assim dizer, é liberada de massas desnecessárias. Algo semelhante acontece no nascimento de uma composição.

O agrupamento e sobreposição é semelhante ao primeiro método do escultor, e a articulação é semelhante ao segundo método, ou seja, a técnica de articulação extrai uma estrutura composicional detalhada de uma grande superfície monotônica.

A articulação é uma técnica secundária, em geral é o avesso do agrupamento e trata da base composicional já existente, conferindo à obra uma expressividade rítmica. As pinturas de Filonov são um exemplo típico de construção de uma composição por divisão. Neles, cada elemento figurativo da composição é dividido em uma série de manchas de cor, o que confere à obra uma originalidade especial, e do ponto de vista da composição, a imagem é percebida principalmente como uma combinação dessas células de cor, e só então como imagem de figuras e objetos. A articulação é amplamente utilizada na arquitetura de ordens antigas e templos góticos ao construtivismo do século XX.

Independentemente das tarefas artísticas específicas, gêneros, maneiras, imagens, premissas morais, o artista usa apenas algumas técnicas formais ao criar uma composição. Uma gama infinitamente ampla de resultados específicos é fornecida por esses meios, aquelas ferramentas composicionais que, embora permaneçam formais, já são portadoras de categorias estéticas, que correspondem à nossa percepção sensorial do mundo. Isso é ritmo, contraste, cor, senso de proporção e outras manifestações de nossa consciência da ordem na natureza.

É absolutamente impossível dar preferência a qualquer um dos meios de composição, aceitar sua desigualdade, pois, nesta obra, a seqüência de sua consideração é puro acaso. É verdade que um dos fundos pode ser colocado primeiro na ordem. A composição geralmente começa com a escolha de um determinado formato - este será o primeiro meio de composição.

4.4 Formato

a grande maioria das fotos é retangular. Portanto, existem três formatos possíveis: vertical, horizontal, quadrado. Tais formas de composições como centro, muito provavelmente requerem um campo quadrado, fita linear, formato ativamente alongado, plano frontal, dependendo da tarefa específica, pode se encaixar em qualquer formato. Paisagem panorâmica ou retrato. -. pintura multi-figuras ou pintura ornamental - cada uma das composições requer seu próprio formato, e não apenas a relação de aspecto, mas também o tamanho absoluto do formato é de grande importância. Os artistas gráficos derivaram empiricamente a seguinte lei: quanto menor a composição, relativamente grandes devem ser os campos de trabalho. Bookplates, marcas registradas, emblemas, qualquer grafema semelhante ficam bem em folhas nas quais as margens são muito maiores do que a própria imagem. Para uma composição do tamanho de uma folha Whatman, as margens devem ser muito pequenas (3-5 cm).

O formato, se definido com antecedência, torna-se diretamente um dos meios de composição, pois a relação de aspecto e o tamanho absoluto da folha determinam imediatamente as formas possíveis da composição, o grau de seu detalhamento, dão, por assim dizer , um embrião da ideia composicional. Além do formato retangular, pode ser oval, redondo, poligonal e em geral qualquer, dependendo disso, as tarefas composicionais também mudam.

4.5 Escala e proporção

Tocamos na questão da escala no parágrafo anterior. Como meio de composição, a escala funciona estrategicamente, por assim dizer. Basta comparar a obra gráfica com a obra decorativa monumental para entender como a escala afeta a forma da composição.

O aspecto formal da obra gráfica é a delicadeza de todos os seus elementos, visto de perto. Uma composição monumental certamente tem grande generalização, alguma rigidez de forma, simplificação de detalhes. À medida que a escala aumenta, os requisitos de equilíbrio e integridade da composição aumentam.

Se considerarmos a escala dentro da composição, então a relação entre os elementos é regulada pela proporção. A conhecida razão áurea, isto é, tal relação proporcional entre os elementos, quando o todo se refere à parte maior, como a maior parte se refere ao menor, é percebida como harmoniosa não só na sensação, mas também logicamente. De um modo geral, a proporcionalidade da escala como meio de composição muda praticamente em constante mudança, em qualquer ordenação de figuras ou objetos. Nem todas as proporções são consistentes umas com as outras, então a escala interna e a proporção são uma ferramenta de composição muito sutil baseada na intuição. Escala e proporção são os principais meios de transmitir perspectiva - reduzir elementos na profundidade de uma pintura cria uma sensação de espaço.

4.6 Ritmo e medidor

O ritmo, por definição, é uma alternância uniforme de elementos. Já que estamos falando de composição, é especialmente necessário observar a uniformidade da alternância. A regularidade é a forma mais simples de ritmo de marcha. Na composição, a alternância uniforme dos elementos é definida pela palavra "metro" (daí o metrônomo). O medidor mais primitivo, indiferente e frio é quando os tamanhos dos elementos e os tamanhos das lacunas são iguais. A expressividade e, consequentemente, a complexidade do ritmo aumentam se os intervalos entre os elementos mudam constantemente.

Nesse caso, as seguintes opções são possíveis:

a alternância de elementos acelera ou desacelera naturalmente;

as distâncias entre os elementos não são de natureza regular regular, mas são alongadas ou

estreito sem uma métrica explícita.

A segunda opção tem mais possibilidades, embora seja mais difícil de construir - o que torna a composição internamente tensa, com maior mistério.

O ritmo como meio de composição é freqüentemente usado em combinação com a proporção: então os elementos não apenas se alternam, mas eles próprios mudam de tamanho de acordo com alguma regularidade (ornamento) ou livremente.

4.7 Contraste e nuance

De um modo geral, o contraste é um parente próximo do ritmo. A vizinhança de elementos nitidamente diferentes (em área, cor, claro-escuro, forma, etc.) é semelhante à alternância rítmica, apenas sincopada, eliminada da contagem direta. O contraste confere poder expressivo à composição, com a ajuda do contraste é fácil destacar os elementos principais, o contraste amplia a faixa dinâmica da composição. No entanto, em contrastes muito nítidos, existe o perigo de violar a integridade da composição: portanto, a nuance atua como um meio alternativo - um contraste suavizante e equilibrado. Nuance, criando integridade, em algum ponto pode não deixar nada de contraste, transformar a composição em uma monotonia lenta. Um senso de proporção é necessário em tudo. Lembre-se de que na Grécia antiga era considerado um indicador do desenvolvimento mental de uma pessoa.

4,8 Cor

Três qualidades de cor padrão - matiz (cor em si), saturação e luminosidade - estão intimamente relacionadas a uma característica incomum, mas muito importante para uma composição - o brilho. É o brilho que distingue visualmente o objeto, desempenha o papel de contraste. Quando a composição é construída principalmente com cores, a integridade é alcançada pela convergência de pontos em luminosidade, então a diferença de matiz e saturação pode permanecer significativa. Se a harmonia da composição for construída em tons monocromáticos ou semelhantes, então também é desejável reduzir a diferença de luminosidade. esta situação é muito semelhante a meios de composição como contraste ou nuance. Freqüentemente, a propriedade da cor é usada para criar a ilusão de um objeto se aproximando ou se afastando: tons ricos e quentes parecem aproximá-lo e tons frios e pouco saturados se afastam. Assim, o espaço pode ser transmitido apenas com a ajuda da cor. A cor como meio de composição está presente literalmente em todas as imagens, independentemente de suas tarefas e formas composicionais. A onipresença da cor lhe dá o direito de ser considerada um meio de composição universal e necessário (isto é, a cor não pode ser contornada).

4.9 Eixos de composição

Estamos falando não apenas dos eixos de simetria nas composições das fitas, que são apenas um caso especial dos eixos composicionais, mas em maior medida daquelas direções de desenvolvimento da composição que conduzem o olhar do observador, criando a impressão de movimento ou repouso . Esses eixos podem ser verticais, horizontais, diagonais e a chamada perspectiva (levando à profundidade da imagem). A orientação vertical dá solenidade, buscando o espírito, a horizontalidade, por assim dizer, demonstra ao observador um movimento vagaroso, o diagonalismo é o mais dinâmico;

ele enfatiza o desenvolvimento. Os eixos de perspectiva ocupam um lugar especial. Por um lado, eles correspondem à propriedade natural do aparelho ocular, que percebe os objetos como convergindo para um ponto com distância do observador ao infinito, e por outro lado, eles atraem o olhar para a profundidade da imagem, fazem o espectador é um participante do evento. Em interação com outros meios de composição, os eixos muitas vezes aparecem em combinação uns com os outros, formando conexões complexas em cruz em várias passagens.

4.10 Simetria

Existe um provérbio francês: se você não sabe mentir, diga a verdade. Por analogia com este provérbio, os artistas têm uma regra: se você não sabe como construir uma composição, faça simetria. Como meio de composição em termos de eficiência e simplicidade, a simetria é incomparável, porque é inicialmente equilibrada e holística; além disso, não requer nenhum esforço criativo especial: basta espelhar uma coisa na outra - e a composição é pronto. É outra questão se é apropriado significa "em uma obra específica, mas formalmente é uma situação em que todos ganham.

4.11 Textura e textura

A textura é a natureza da superfície: suavidade, aspereza, relevo. Indicadores texturizados carregam certas características de um meio de composição, embora não tão claramente e não tão categoricamente como, digamos, ritmo e cor. O artista completa a composição com a textura da superfície.

A textura é amplamente utilizada por escultores, arquitetos, designers. Na pintura, desempenha, senão um auxiliar, pelo menos não o papel mais importante, mas por vezes atua como meio igual de composição artística, como, por exemplo, nas pinturas de Van Gogh. A textura raramente é usada em gráficos, onde um parente próximo da textura desempenha um papel significativamente maior - a chamada textura, isto é, o padrão de superfície visível (textura de madeira, tecido, mármore, etc.). A textura tem uma variedade verdadeiramente ilimitada, em muitos casos é a textura que cria o aspecto estético da peça.

4.12 Estilo

Este meio de composição está principalmente associado às artes decorativas, onde a organização rítmica do conjunto é muito importante. Estilização - generalização e simplificação das figuras representadas em termos de padrão e cor, trazendo as figuras para uma forma conveniente para ornamento. A segunda hipóstase de formas estilizadas é um meio de design, arte monumental. Finalmente, a estilização é usada em artes visuais de cavalete para realçar a decoratividade.

A estilização é especialmente amplamente utilizada na criação de ornamentos florais. As formas naturais, tiradas da vida, estão muito sobrecarregadas com detalhes insignificantes, plasticidade aleatória, uma abundância de nuances de cores. Os esboços da natureza são o material de base para o estilo. Ao estilizar, a artista revela o padrão decorativo das formas, descarta acidentes, simplifica os detalhes e encontra uma base rítmica para a imagem. A forma estilizada se encaixa facilmente em qualquer tipo de transformações simétricas, tem a estabilidade da mônada no mais complexo entrelaçamento de elementos.

5. O aspecto estético da composição formal

Pintura abstrata de V. Kandinsky, Suprematismo de K. Malevich, retangularidade de Mondrian, na verdade, são obras construídas como pura composição formal. Eles contêm grande poder emocional não por descritividade ou objetividade, mas pelo arranjo mútuo e forma de manchas coloridas. Outra coisa não pode ser negada: os meios de composição formal têm sido usados ​​por artistas desde tempos imemoriais, e os críticos de arte há muito usam os mesmos termos que usamos. Intuitivamente, os artistas compreenderam o lado estético da composição formal mesmo no período dos clássicos distantes, então, quando Kandinsky surgiu com a ideia maluca da não necessidade

base temática da fotografia, esta mostrava o eixo como conclusão lógica da verdade que paira no ar de que sem aqueles signos e meios de composição, de que falamos aqui, não pode haver obra de arte. Kandinsky decidiu fazer o que outros não ousaram fazer antes dele - preservar todas as características formais da composição e remover literatura e uma história do quadro. E a imagem aparentemente vazia sobre nada e sobre ninguém revelou-se muito viável. Os realistas aceitaram o ato de Kandinsky com grande resistência e, embora haja boas razões para essa resistência, já está claro para muitos que a abstração carrega uma certa energia emocional.

O autor de forma alguma fará seus próprios julgamentos e avaliações do processo artístico, nossa tarefa é mais simples - cantar os elogios de uma composição formal, para enfatizar sua eficácia efetiva.

A divisão condicional das formas e meios de composição em elementos componentes, esperamos, não irá interferir na preservação do frescor da percepção, não irá destruir a admiração alegre pela beleza do mundo real, não irá substituir a comunhão sincera com a natureza com análise seca. A composição formal consiste apenas em notas, sons e acordes individuais, na melhor das hipóteses, peças de exercícios. A melodia ainda está por vir.

6. Estilo e unidade de estilo

Isso se refere ao estilo individual, dentro da mesma composição. As características estáveis ​​da imagem dos elementos e sua interconexão constituem uma unidade estilística. Parece que na composição formal este problema não deveria surgir de forma alguma, mas afinal, a composição formal facilmente se transforma em ornamento, além disso, o próprio ornamento é, de fato, uma das formas de composição abstrata. A unidade do estilo torna-se uma condição necessária para a percepção estética; a rigor, em qualquer imagem acabada, independentemente da sua finalidade e tipo, pelo facto de uma pessoa viver numa determinada época, estar rodeada de objectos com características artísticas específicas, um conjunto de estampas psicológicas sistémicas, o sentido de estilo de uma pessoa é inerente ao subconsciente.

7. Composição associativa

Associação é uma conexão psicológica de idéias sobre vários objetos e fenômenos, desenvolvida pela experiência de vida. Na verdade, todo objeto evoca algum tipo de associação, cada forma expressa um certo caráter (esquimó - neve, norte; céu noturno - infinito; pantera - graça e engano). A palavra "carnaval" tem uma associação muito simples. São cores brilhantes, dinâmicas, flashes de fogo, contrastes.

E se tomarmos conexões mais sutis, por exemplo, os sons de um violino, os poemas de Maiakovsky, então entraremos naquela seção da composição que exigirá um processo de pensamento adicional, pura criatividade, que vai além da habilidade técnica. A criatividade é um processo quase incontrolável; se a versificação pode ser aprendida, a poesia não pode ser aprendida. Mas ainda.

Vamos tentar abaixar um pouco, aterrar o problema, talvez assim nosso raciocínio possa trazer benefícios tangíveis. Voltemos às formas e meios de composição que estão mais intimamente relacionados com o lado externo da imagem, ou seja, são materiais em si: cor, contraste, simetria, textura, etc. Esses meios estão ativamente associados a objetos e conceitos abstratos, são facilmente aplicáveis ​​e, o mais importante, são facilmente traduzidos em palavras. Vamos listar aleatoriamente alguns conceitos que não estão relacionados entre si, apenas os primeiros que vieram à mente:

emoção;

o país;

Escritor;

música;

Cada um dos conceitos pode ser concretizado, dado o nome da composição. EMOÇÃO: Medo, Tristeza, Alegria, Ternura.

Lista bibliográfica

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2. Wipper, W.R. Artigos sobre arte [Texto]: / V.R. Whipper. - M: Academy, 1992.-- 227 p.

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5. Kipnik, D.I. Técnica de pintura [Texto] / D.I. Kipnik. - M: Ciência. - 1950 .-- p. 158.

6. Lipatov, V.I. Cores do tempo [Texto]: / V.I. Lipatov. - M: Education, 1983.-- 165 p.

7. Enciclopédia de arte popular: Arquitetura. Pintura. Escultura. Gráficos. Arte decorativa [Texto]: / sob a direção de V.M. Campo. - M: Enciclopédia Soviética, 1986.-- 447 p.

8. Tribis, E.E. Pintura. O que uma pessoa moderna deve saber sobre seu [Texto] / E.E. Tribis. - M: RIPOL CLASSIC, 2003 .-- 384 p.

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Sessão de treinamento # 1.

Tópico 1. Teoria e tipos de composição. Conceitos Básicos.

Conceitos e termos básicos sobre o tema:

Tipos de composição: frontal, volumétrica, volumétrico-espacial. Os principais elementos da composição: ponto, linha, ponto, plano, volume. Composição formal, técnicas, meios, leis, regras de composição. Desenho artístico-figurativo, dominante, integridade.Simetria, assimetria, simetria axial (espelho), simetria central. Eixo e centro de simetria.

Plano de estudo do tema

Tipos de composição.

Elementos da composição.

Composição formal.

Trabalho prático nº 1 (tarefa 1).

Publique novo material.

Composição (do latimcompositio) - significa a composição, conexão e arranjo mútuo de várias partes em um único todo de acordo com qualquer ideia. (Composição de romance, sinfonia, pintura, ornamento).

Nas artes visuais, composição é a construção de uma obra de arte, condicionada por seu conteúdo, caráter e finalidade. Os elementos mais importantes da imagem não são colocados aleatoriamente, mas formam formas geométricas simples: um círculo, um quadrado, um triângulo, um retângulo, uma oval.

Tipos de composição

Como sabem, existem vários tipos principais de composição inerentes às principais artes espaciais. A arquitetura é caracterizada pela composição espacial (frontal, volumétrica, profundidade-espacial). A pintura é caracterizada por grafismo pictórico-plano, escultura - plástico-volumétrico, cavalete e livro - composição gráfico-linear.

Consideremos 3 tipos principais de composição: frontal, volumétrica, volumétrico-espacial.

Frontal. Distribuição dos elementos em duas direções: vertical e horizontal. Inclui composições planas e relevos.

Volumétrico. Distribuição do elemento pelas coordenadas de altura, largura e profundidade.

Volumétrico-espacial. Consiste em várias composições volumétricas localizadas no espaço em intervalos regulares.

Composição frontal

O próprio nome sugere que todo o plano da folha é preenchido com uma imagem. Tal composição não tem eixos e um centro de simetria, não tende a se tornar um ponto compacto, não tem um único foco pronunciado. A composição frontal é frequentemente utilizada na criação de obras decorativas - tapetes, pinturas, ornamentos de tecidos, bem como em pinturas abstratas e realistas, em vitrais, mosaicos. Normalmente, essa composição é aberta.

As condições de que depende a preservação da frontalidade da composição:

1) Uma certa proporção entre as dimensões verticais e horizontais.

2) A frontalidade depende da silhueta do avião.

3) Depende da natureza dos elementos em profundidade.

4) Textura da superfície, cor ...

Arroz. 1. Composição frontal

Composição volumétrica.

Esta forma composicional está incluída em formas tridimensionais de arte - escultura, cerâmica, arquitetura. Sua diferença está no fato de que a percepção da obra ocorre sequencialmente a partir de vários pontos de observação, em vários ângulos. A composição volumétrica inclui uma nova qualidade - extensão no tempo; é visto de diferentes ângulos, não pode ser totalmente capturado pelo olhar. A exceção é o relevo, sendo uma forma intermediária em que o claro-escuro volumétrico desempenha o papel de uma linha e de uma mancha.

Arroz. 2 Composição volumétrica.

Composição espacial.

O espaço é moldado por arquitetos e, em certa medida, designers. A interação de volumes e planos, tecnologia e estética utilizada pelos arquitetos não é uma tarefa direta das belas-artes, mas a composição espacial passa a ser objeto da atenção do artista se for construída a partir de elementos artísticos e decorativos volumétricos, de alguma forma localizados no espaço.

Arroz. 3. Composição espacial

Freqüentemente, eles confundem a composição espacial como uma forma com uma pintura que transmite a ilusão de espaço. Na imagem não há espaço real, na forma é uma composição plana, na qual o arranjo de manchas de cor sequencialmente, por assim dizer, remove objetos do observador para a profundidade da imagem, mas a própria construção da imagem vai ao longo de todo o plano.

Elementos de composição

Elementos básicos: ponto, linha, ponto, plano, volume.

A primeira base para o impacto da pintura em uma pessoa, como acreditava Leonardo da Vinci, é um ponto, a segunda é uma linha, a terceira é uma superfície e a quarta é um corpo revestido de uma superfície.

Terpontos e linhas sem propriedades (exceto por uma coisa: se um ponto é aumentado para um certo tamanho, ele se transforma em uma mancha e vice-versa).

Classificação de propriedadepontos:

Físico: dimensional (tamanhos e proporções)

Plástico (forma e estrutura)

Propriedades da superfície da mancha (cor, textura, textura, etc.)

Elementos subjetivos: (consistem em combinações de físicos): expressividade / inexpressividade, estático / dinâmico.

A essência do conceito de "harmonia"

Harmonia, traduzido do grego, é consonância, harmonia, o oposto do caos. Harmonia significa alto nível de ordem e atende aos critérios estéticos de perfeição e beleza. No que diz respeito à composição, a harmonia é entendida como sua característica formal.

A essência do conceito de "formalidade"

Composição formal. A forma está interligada com o conteúdo, mas é possível separar a forma do conteúdo substituindo objetos realistas por objetos formais (ou abstratos), mas de forma que a composição formal expresse a ideia e o design artístico-figurativo por meio de:

Características e propriedades dos elementos da composição

Através da organização estrutural dos elementos da composição.

Existem 3 principais sinais formais de uma composição:

1. Integridade.

Esta é a unidade interna da composição. A integridade pode estar na composição da imagem em relação à moldura, pode ser como um ponto colorístico de toda a imagem em relação ao campo da parede, ou pode estar dentro da imagem de forma que o objeto ou figura não desintegrar em pontos aleatórios separados.

Os princípios fundamentais da composição, garantindo a obtenção de sua integridade composicional, são: a unidade do todo e das partes da forma; subordinação dos elementos da forma; equilíbrio dos elementos do formulário; proporcionalidade dos elementos do formulário.

2. Subordinação do menor ao principal, isto éa presença de um dominante.

Dominante - o elemento principal da composição, que deve chamar a atenção de imediato.Este é o centro semântico da composição. , não coincide necessariamente com o centro geométrico, mas isso é o principal na obra e todos os elementos secundários atraem o olhar do observador.

O centro (foco) da composição determina toda a imagem.

3. Saldo - a base da harmonia no trabalho.

Equilíbrio é a colocação dos elementos da composição, em que cada objeto está em uma posição estável.

Para estabelecer o equilíbrio em uma composição, a forma, a direção e a localização dos elementos pictóricos são importantes.

Simetria e assimetria

Simetria - assimetria - categorias de composição, expressando a lei física da igualdade de momentos de forças e associada ao princípio do equilíbrio.

Simetria é a identidade dos elementos do formulário que estão igualmente localizados em relação à linha central (eixo) de simetria, ao centro de simetria e ao plano de simetria. Tipos de simetria - espelho, axial (a compatibilidade é obtida girando a figura em torno do eixo de simetria), helicoidal.

Assimetria - ausência ou violação de simetria. Percebido visualmente (em oposição a composições simétricas estáticas) como dinâmica, movimento. Uma composição assimétrica é mais complexa, mais expressiva, mais interessante do que uma simétrica, mas requer uma intuição bem desenvolvida, um sutil senso de equilíbrio.

A simetria é sempre equilibrada; a assimetria requer equilíbrio visual.

Trabalho de laboratório - não fornecido.

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