Artistas famosos dos séculos 19 e 20. "Nu contra o fundo de um busto e folhas verdes"
A pintura russa distingue-se com razão da arte mundial. O fato é que até o século XVII, a pintura doméstica estava associada exclusivamente a um tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do czar-reformador - Pedro, o Grande. Graças a suas reformas, os mestres russos começaram a se envolver na pintura secular, e a pintura de ícones se separou como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Iosif Vladimirov. Então, no mundo da arte russa, o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII, surgiram os primeiros artistas que passaram do retrato para a pintura de paisagem. A simpatia pronunciada dos mestres pelos panoramas de inverno é perceptível. O século XVIII também foi lembrado pelo nascimento da pintura cotidiana. No século XIX, três tendências ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a se voltar para o gênero retrato. Foi então que surgiram retratos e autorretratos mundialmente famosos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas retratam cada vez mais o povo russo simples em seu estado oprimido. O realismo torna-se a tendência central da pintura deste período. Foi então que os Wanderers apareceram, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século XX é, naturalmente, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram significativamente seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras do abstracionismo. A pintura russa é um enorme mundo maravilhoso de artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações
"Jogadores de cartas"
Autor
Paul Cézanne
O país França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo
O artista nasceu no sul da França na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio a ele depois de uma exposição individual organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para os arredores de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de "uma peregrinação a Aix".
130x97cm
1895
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado
O trabalho de Cezanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta do assunto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não causem perplexidade ao espectador. Cézanne combinou em sua arte duas principais tradições francesas: classicismo e romantismo. Com a ajuda da textura colorida, ele deu à forma dos objetos uma plasticidade incrível.
Uma série de cinco pinturas "Card Players" foi escrita em 1890-1895. O enredo é o mesmo - várias pessoas estão jogando poker com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.
Quatro pinturas são mantidas em museus na Europa e na América (o Musée d'Orsay, o Metropolitan Museum of Art, a Barnes Foundation e o Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do O armador bilionário grego George Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores do trabalho "gratuito" de Cézanne foram o negociante de arte William Aquavella e o dono da galeria mundialmente famoso Larry Gagosian, que ofereceu cerca de US$ 220 milhões por ele. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões. O maior contrato de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. Isso foi relatado à Vanity Fair pela jornalista Alexandra Pierce. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo proprietário, e então a informação penetrou na mídia ao redor do mundo.
Em 2010, o Museu Árabe de Arte Moderna e o Museu Nacional do Catar abriram no Catar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo sheik para esse fim.
A maioriafoto carano mundo
Proprietário
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani
A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Cerca de meio século atrás, enormes reservas de petróleo e gás foram descobertas aqui, o que instantaneamente tornou o Catar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país registrou o maior PIB per capita. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani assumiu o poder em 1995, enquanto seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do atual governante, segundo especialistas, está em uma estratégia clara para o desenvolvimento do país, criando uma imagem de sucesso do Estado. O Catar agora tem uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres ganharam o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Qatar que fundou o canal de notícias Al Jazeera. As autoridades do estado árabe dão muita atenção à cultura.
2
"Número 5"
Autor
Jackson Pollock
O país EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato
Jack the Sprinkler - tal apelido foi dado a Pollock pelo público americano por sua técnica de pintura especial. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou a tinta na superfície da tela ou do papelão durante o movimento contínuo ao redor e dentro deles. Desde tenra idade, ele gostava da filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja principal mensagem é que a verdade é revelada durante um "derramamento" livre.
122x244cm
1948
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Sotheby's
O valor do trabalho de Pollock não está no resultado, mas no processo. O autor não chamou acidentalmente sua arte de "pintura de ação". Com sua mão leve, tornou-se o principal ativo da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia, cacos de vidro e escrevia com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca, uma pá. O artista era tão popular que na década de 1950 havia até imitadores na URSS. A pintura "Número 5" é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o na Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, o escritório de advocacia logo emitiu um comunicado à imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Só uma coisa é certa: o financista mexicano de fato colecionou recentemente obras de arte contemporânea. É improvável que ele tenha perdido um "peixe grande" como o "Número 5" de Pollock.
3
"Mulher III"
Autor
Willem de Kooning
O país EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato
Natural da Holanda, emigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, ocorreu uma exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo em seu autor um grande artista modernista. Durante a maior parte de sua vida ele sofreu de alcoolismo, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada trabalho. De Kooning se distingue pela impulsividade da pintura, traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe dentro dos limites da tela.
121x171cm
1953
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006 ano
em leilão privado
Na década de 1950, mulheres com olhos vazios, seios volumosos e feições feias aparecem nas pinturas de De Kooning. "Mulher III" foi a última obra desta série a participar do leilão.
Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi retirada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o "Número 5" de Jackson Pollock) vendeu a pintura ao milionário Stephen Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isso deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o Los Angeles Times.
Em um dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de "Mulher III" com a pintura de Leonardo da Vinci "Dama com Arminho". Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura discerniu a graça de uma pessoa de sangue real. Isso também é evidenciado pela coroa mal traçada coroando a cabeça de uma mulher.
4
"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"
Autor
Gustav Klimt
O país Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno
Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Três filhos de Ernest Klimt se tornaram artistas, e apenas Gustav se tornou famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte de seu pai, ele era responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Diante de suas pinturas, qualquer espectador congela: sob as finas pinceladas de ouro, o erotismo franco é claramente visível.
138x136cm
1907
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Sotheby's
O destino da pintura, que é chamada de "Mona Lisa austríaca", pode facilmente se tornar a base de um best-seller. A obra do artista se tornou a causa do conflito de todo o estado e de uma senhora idosa.
Assim, o “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata um aristocrata, a esposa de Ferdinand Bloch. Sua última vontade foi transferir a pintura para a Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento, e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria mal comprou a Golden Adele, mas depois apareceu a herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.
Em 2005, começou o julgamento de alto perfil "Maria Altman contra a República da Áustria", como resultado do qual a foto "deixou" com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas inéditas: foram negociados empréstimos, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca venceu o mal: Altman elevou o preço para US$ 300 milhões. Na época do julgamento, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que mudou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi comprada por Ronald Lauder, proprietário da New Gallery em Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para US$ 135 milhões.
5
"Gritar"
Autor
Edvard Munch
O país Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo
A primeira pintura de Munch, que se tornou famosa em todo o mundo, "The Sick Girl" (existe em cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, sua pintura pesada e maníaca até provocou um escândalo. No entanto, apesar das tramas deprimentes, suas pinturas têm um magnetismo especial. Pegue pelo menos "Scream".
73,5x91 cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O nome completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de uma pessoa ou de um alienígena expressa desespero e pânico - o espectador experimenta as mesmas emoções ao olhar para a imagem. Uma das principais obras do expressionismo alerta para os temas que se tornaram agudos na arte do século XX. De acordo com uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental, que sofreu durante toda a vida.
A pintura foi roubada duas vezes de diferentes museus, mas foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava pronto para ser exibido novamente no Museu Munch em 2008. Para os representantes da cultura pop, o trabalho tornou-se uma fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias-impressões dele, e a máscara do filme "Scream" é feita à imagem e semelhança do herói da imagem.
Para um enredo, Munch escreveu quatro versões da obra: a de uma coleção particular é feita em pastel. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou valor recorde para o "Scream". Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui a maior coleção de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.
6
"Nu contra o fundo de um busto e folhas verdes"
Autor
Pablo Picasso
O país Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo
De origem é espanhol, mas em espírito e residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Então ele foi para Paris e passou a maior parte de sua vida lá. É por isso que há um duplo estresse em seu sobrenome. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da opinião de que o objeto representado na tela pode ser visto de apenas um ângulo.
130x162cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele pôs fim à vadiagem, mudou-se com ela para um apartamento luxuoso. A essa altura, o reconhecimento encontrou um herói, mas o casamento foi destruído. Uma das pinturas mais caras do mundo foi criada quase por acaso - por grande amor, que, como sempre com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato representando Marie-Therese na imagem de Daphne. A pintura foi comprada pelo negociante de Nova York Paul Rosenberg e vendida em 1951 para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez, e apenas porque o artista tinha 80 anos. Após a morte do marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie's em março de 2010. Em seis décadas, o preço subiu mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou por US$ 106,5 milhões. Em 2011, uma “exposição de uma pintura” foi realizada na Grã-Bretanha, onde viu a luz pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.
7
"Oito Elfos"
Autor
Andy Warhole
O país EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop
“Sexo e festas são os únicos lugares onde você precisa aparecer pessoalmente”, disse o artista pop cult, diretor e um dos fundadores da revista Interview, o designer Andy Warhol. Ele trabalhou com Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando os símbolos da América: a sopa de Campbell e a Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.
358x208cm
1963
preço
US$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado
Os anos 60 de Warhol - a chamada era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan no Factory Studio, onde se reunia toda a boemia de Nova York. Seus representantes mais brilhantes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol experimentou a técnica de serigrafia - múltiplas repetições de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar "Eight Elvises": o espectador parece ver quadros de um filme onde a estrela ganha vida. Tudo o que o artista tanto amava está aqui: uma imagem pública ganha-ganha, cor prata e uma premonição de morte como mensagem principal.
Há dois marchands promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial hoje: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. A primeira em 2008 gastou US$ 200 milhões para comprar mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende seus quadros como cartões de Natal, só que mais caros. Mas não foram eles, mas o humilde consultor de arte francês Philippe Segalo que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender os Oito Elvis para um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol - US$ 100 milhões.
8
"Laranja,Vermelho amarelo"
Autor
Mark Rothko
O país EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato
Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, Rússia (agora Daugavpils, Letônia), em uma grande família de um farmacêutico judeu. Em 1911 eles emigraram para os EUA. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale, conseguiu uma bolsa de estudos, mas os sentimentos antissemitas o forçaram a abandonar seus estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatravam o artista e os museus o perseguiam por toda a vida.
206x236cm
1961
preço
US$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's
As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para manchas coloridas, privando-as de qualquer objetividade. No início, eles tinham tons brilhantes e, na década de 1960, foram preenchidos com marrom, roxo, engrossando para preto na época da morte do artista. Mark Rothko advertiu contra procurar qualquer significado em suas pinturas. O autor quis dizer exatamente o que disse: apenas a cor que se dissolve no ar, e nada mais. Ele recomendou olhar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador seja "arrastado" para dentro da cor, como em um funil. Atenção: ver de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito vem aos poucos, imersão completa em si mesmo, relaxamento, purificação. A cor em suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (às vezes diz-se que cura). O artista disse: "O espectador deveria chorar olhando para eles" - e realmente houve casos assim. De acordo com a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele teve no processo de trabalhar no quadro. Se você conseguiu entendê-lo em um nível tão sutil, não se surpreenda que essas obras de abstração sejam frequentemente comparadas pelos críticos com ícones.
A obra "Orange, Red, Yellow" expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu custo inicial no leilão da Christie's em Nova York é de 35 a 45 milhões de dólares. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes a estimativa. O nome do feliz proprietário da pintura, como costuma acontecer, não foi divulgado.
9
"Tríptico"
Autor
Francis Bacon
O país
Reino Unido
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo
As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e, além disso, descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o deserdou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais do filho. Bacon foi primeiro a Berlim, depois a Paris, e então seus rastros se confundem por toda a Europa. Mesmo durante sua vida, suas obras foram exibidas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.
147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
Museus de prestígio se esforçavam para possuir pinturas de Bacon, mas o público inglês empertigado não tinha pressa em desembolsar tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse dele: "O homem que pinta esses quadros horríveis".
O período inicial em seu trabalho, o próprio artista considerou o período pós-guerra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou as principais obras-primas. Antes da participação de "Tríptico, 1976" no leilão, a obra mais cara de Bacon foi "Estudo para um retrato do Papa Inocêncio X" (52,7 milhões de dólares). No "Tríptico, 1976" o artista retrata a trama mítica da perseguição de Orestes pelas fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as fúrias são seus tormentos. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em uma coleção particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte e até generoso em russo? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, nisso ele foi significativamente influenciado por sua namorada Dasha Zhukova, que se tornou uma galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, compradas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008, ele se tornou o proprietário do Triptych. A propósito, em 2011, outra obra valiosa de Bacon foi adquirida - "Três esboços para um retrato de Lucian Freud". Fontes ocultas dizem que Roman Arkadievich voltou a ser o comprador.
10
"Lagoa com nenúfares"
Autor
Claude Monet
O país França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo
O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que "patenteou" esse método em suas telas. O primeiro trabalho significativo foi a pintura "Café da manhã na grama" (a versão original da obra de Edouard Manet). Em sua juventude, ele desenhou caricaturas e assumiu a pintura real durante suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris, ele levou um estilo de vida boêmio e não o deixou, mesmo depois de servir no exército.
210x100cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também se dedicava com entusiasmo à jardinagem, adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é reforçada por grandes traços, de uma certa distância eles se tornam invisíveis e se fundem em uma imagem texturizada e tridimensional. Na pintura do falecido Monet, um lugar especial é ocupado pelo tema da água e da vida nela. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes trazidas especialmente por ele do Japão. Quando suas flores desabrocharam, ele começou a pintar. A série Nenúfares é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até sua morte. Sua visão se deteriorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da estação e do clima, a vista do lago mudava constantemente, e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, uma compreensão da essência da natureza veio a ele. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: Museu Nacional de Arte Ocidental (Tóquio), Orangerie (Paris). A versão do próximo "Lago com nenúfares" chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.
11
Estrela falsa t
Autor
Jasper Johns
O país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop
Em 1949, Jones entrou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, ele recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta condecoração civil dos Estados Unidos.
137,2 x 170,8 cm
1959
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006 ano
em leilão privado
Como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura em plena conformidade com o original. Para suas obras, ele usou objetos simples e compreensíveis para todos: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou mapas. Não há composição clara na imagem False Start. O artista parece brincar com o espectador, muitas vezes assinando "incorretamente" as cores do quadro, virando o próprio conceito de cor: "Queria encontrar uma forma de retratar a cor para que pudesse ser determinada por algum outro método". Sua pintura mais explosiva e "insegura", segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.
12
"Sentadonuno sofá"
Autor
Amedeo Modigliani
O país Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo
Modigliani estava muitas vezes doente desde a infância, durante um delírio febril, ele reconheceu seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza, e em 1906 partiu para Paris, onde floresceu sua arte.
65x100cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010
no leilão Sotheby's
Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e mais tarde sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de Seated Nude on a Sofa em 2010. A pintura foi comprada por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, sofrendo de tuberculose, e no dia seguinte, Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também cometeu suicídio.
13
"Águia em um pinheiro"
Autor
Qi Baishi
O país China
Anos de vida 1864–1957
Estilo guohua
O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi a pintar. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura da China concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês", em 1956 recebeu o Prêmio Internacional da Paz.
10x26cm
1946
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China
Qi Baishi estava interessado nessas manifestações do mundo circundante, às quais muitos não dão importância, e essa é sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: "Tenho medo de ir ao seu país, porque há Qi Baishi na China". A composição "Eagle on a Pine Tree" é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual o produto foi comprado é recorde - 425,5 milhões de yuans. Apenas o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões de dólares.
14
"1949-A-#1"
Autor
Clifford Still
O país EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato
Aos 20 anos, ele visitou o Metropolitan Museum of Art em Nova York e ficou desapontado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso da liga de artes para estudantes, mas saiu 45 minutos após o início da aula - acabou sendo "não dele". A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se viu, e com isso o reconhecimento
79x93cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Todas as suas obras, que são mais de 800 telas e 1600 obras em papel, ainda são legadas à cidade americana, onde será inaugurado um museu com o seu nome. Denver tornou-se uma cidade assim, mas apenas a construção foi cara para as autoridades, e quatro obras foram leiloadas para completá-la. É improvável que as obras de Still sejam leiloadas novamente, o que aumentou seu preço antecipadamente. A pintura "1949-A-No.1" foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda de um máximo de 25 a 35 milhões de dólares.
15
"Composição suprematista"
Autor
Kazimir Malevich
O país Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo
Malevich estudou pintura na Escola de Arte de Kiev, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim “dominância”).
71 x 88,5 cm
1916
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
A pintura foi mantida no museu da cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a entregou. O artista pintou esta obra no mesmo ano que O Manifesto do Suprematismo, então a Sotheby`s, mesmo antes do leilão, anunciou que não entraria em uma coleção particular por menos de US$ 60 milhões. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da terra. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra "composição suprematista" do Museu MoMA para vendê-la na Phillips por US$ 17 milhões.
16
"Banhos"
Autor
Paul Gauguin
O país França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo
Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o empurravam constantemente para viajar. Na França, começou a pintar, era amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.
93,4x60,4cm
1902
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's
Em 1891, Gauguin organizou a venda de suas pinturas para usar os lucros para ir fundo na ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais se pode sentir a sutil conexão entre a natureza e o homem. Gauguin morava em uma cabana de palha e um paraíso tropical florescia em suas telas. Sua esposa era uma Tahitian Tehura de 13 anos, o que não impediu que o artista se envolvesse na promiscuidade. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava apertado lá e voltou para o Taiti. Esse período é chamado de "segundo taitiano" - foi então que a pintura "Banhos" foi pintada, uma das mais luxuosas de sua obra.
17
"Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa"
Autor
Henri Matisse
O país França
Anos de vida 1869–1954
Estilo Fauvismo
Em 1889, Henri Matisse teve um ataque de apendicite. Quando ele se recuperou da operação, sua mãe comprou tintas para ele. Primeiro, por tédio, Matisse copiou cartões postais coloridos, depois - as obras de grandes pintores que ele viu no Louvre, e no início do século 20 ele criou um estilo - o fauvismo.
65,2x81 cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's
A pintura "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa" pertenceu a Yves Saint Laurent por muito tempo. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie's. A pérola da coleção vendida foi o quadro "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa", pintado em uma toalha de mesa comum em vez de tela. Como exemplo do Fauvismo, é preenchido com a energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da conhecida série de pinturas de toalhas de mesa, hoje esta obra é a única que está em coleção particular.
18
"Menina Adormecida"
Autor
RoyLee
chtenstein
O país EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop
O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de arte. Em 1949, Liechtenstein recebeu seu mestrado em Belas Artes. O interesse por quadrinhos e a capacidade de ser irônico fizeram dele um artista cult do século passado.
91x91cm
1964
preço
US$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
Uma vez, chiclete caiu nas mãos de Liechtenstein. Ele redesenhou a imagem da inserção na tela e ficou famoso. Este enredo de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus, e não há menos beleza em uma embalagem de chiclete do que em Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem finalizada, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. A pintura "Sleeping Girl" pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh por quase 50 anos, cujos herdeiros a venderam em leilão.
19
"Vitória. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
O país Holanda
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo
Seu nome verdadeiro - Cornelis - o artista mudou para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Junto com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento neoplástico. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.
27x127cm
1944
preço
US$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's
O mais "musical" dos artistas do século 20 ganhava a vida com naturezas-mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e passou o resto de sua vida lá. Jazz e Nova York - isso é o que mais o inspirou! Pintura "Vitória. Boogie Woogie é o melhor exemplo disso. Quadrados puros "marcados" foram obtidos com o uso de fita adesiva - o material preferido de Mondrian. Na América, ele foi chamado de "o imigrante mais famoso". Nos anos sessenta, Yves Saint Laurent produziu os mundialmente famosos vestidos "Mondrian" com uma grande estampa xadrez colorida.
20
"Composição nº 5"
Autor
VasiliyKandinsky
O país Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda
O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, ele tentou cooperar com as autoridades soviéticas, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele e emigrou para a Alemanha não sem dificuldades.
275x190cm
1911
preço
US$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's
Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como "arte degenerada" e não foram exibidas em nenhum lugar. Em 1939, Kandinsky tomou a cidadania francesa, em Paris participou livremente do processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, razão pela qual muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composition No. 5” é uma das obras-chave desse gênero: “A palavra “composition” soou como uma oração para mim”, disse o artista. Ao contrário de muitos seguidores, ele planejava o que iria retratar em uma tela enorme, como se estivesse escrevendo notas.
21
"Estudo de uma mulher de azul"
Autor
Fernand Léger
O país França
Anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo
Leger recebeu uma educação arquitetônica e depois foi aluno da Escola de Belas Artes de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e, no século 20, também teve sucesso como escultor.
96,5x129,5cm
1912-1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
David Normann, presidente da Sotheby's International Impressionism and Modernism, acredita que a enorme quantia paga por A Dama de Azul é inteiramente justificada. A pintura pertence à famosa coleção Leger (o artista pintou três pinturas sobre um assunto, a última delas está hoje em mãos particulares. - Ed.), e a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor deu esta obra à galeria Der Sturm, depois foi parar na coleção de Hermann Lang, um colecionador alemão de modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.
22
"Cena de rua. Berlim"
Autor
Ernst LudwigKirchner
O país Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo
Para o expressionismo alemão, Kirchner tornou-se um marco. No entanto, as autoridades locais o acusaram de adesão à "arte degenerada", o que afetou tragicamente o destino de suas pinturas e a vida do artista, que se suicidou em 1938.
95x121cm
1913
preço
US$ 38,096 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Christie's
Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços de cenas de rua. Ele foi inspirado pela agitação e nervosismo da cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, a ansiedade do artista é especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Ela foi a última obra da famosa série, vendida em leilão, as demais estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com brutalidade: 639 de suas obras foram apreendidas em galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.
23
"Em repousodançarino"
Autor
Edgar Degas
O país França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo
A história de Degas como artista começou com o fato de ter trabalhado como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar "famoso e desconhecido", e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.
64x59cm
1879
preço
US$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
“Bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar movimento”, disse Degas. As cenas da vida das bailarinas parecem espreitadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. Resting Dancer foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões - hoje é o trabalho mais caro do artista já colocado em leilão. Degas prestou muita atenção aos quadros, ele mesmo os projetou e proibiu alterá-los. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?
24
"Quadro"
Autor
Juan Miró
O país Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata
Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve do lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do poder fascista para Paris, onde viveu na pobreza com sua família. Durante este período, Miro pinta a pintura "Ajude a Espanha!", Chamando a atenção de todo o mundo para o domínio do fascismo.
89x115cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O segundo nome da pintura é "Estrela Azul". O artista escreveu no mesmo ano em que anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo o trabalho com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas, tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - uma abstração surreal. Sua "Pintura" refere-se ao ciclo de "quadros-sonhos". Quatro compradores lutaram por ela no leilão, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa, e "Pintura" se tornou a pintura mais cara do artista.
25
"Rosa Azul"
Autor
Yves Klein
O país França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática
O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, o ofício de dourador de molduras, zen-budismo e muito mais. Sua personalidade e travessuras insolentes eram muitas vezes mais interessantes do que pinturas monocromáticas.
153x199x16cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie
A primeira exposição de obras sólidas em amarelo, laranja e rosa não despertou o interesse do público. Klein se ofendeu e na próxima vez apresentou 11 telas idênticas, pintadas com ultramarino misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor ficou na história como o "Azul Klein Internacional". O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo papel à chuva, incendiando papelão, fazendo impressões de um corpo humano em tela. Em uma palavra, eu experimentei o melhor que pude. Para criar a "Rosa Azul" usei pigmentos secos, resinas, pedrinhas e uma esponja natural.
26
"À procura de Moisés"
Autor
Sir Lawrence Alma Tadema
O país Reino Unido
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo
O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo "alma" ao seu sobrenome para aparecer primeiro nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista foi premiado com o título de cavaleiro.
213,4x136,7cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
O tema principal da obra de Alma-Tadema era a antiguidade. Nas pinturas, ele tentou retratar a era do Império Romano nos mínimos detalhes, para isso ele até se envolveu em escavações arqueológicas na Península dos Apeninos e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Histórias mitológicas tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi muito requisitado durante sua vida, mas depois de sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está revivendo, como evidenciado pelo custo da pintura "Em busca de Moisés", sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.
27
"Retrato de um funcionário nu dormindo"
Autor
Lucian Freud
O país Alemanha,
Reino Unido
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa
O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para o Reino Unido. As obras de Freud estão na Wallace Collection em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.
219,1 x 151,4 cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Enquanto os artistas da moda do século 20 criavam “manchas de cor na parede” positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia por ainda mais. “Eu capto os gritos da alma e o sofrimento da carne murcha”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o "legado" de Sigmund Freud. As pinturas foram tão ativamente exibidas e vendidas com sucesso que os especialistas começaram a duvidar: elas têm propriedades hipnóticas? Vendido em leilão "Retrato de um funcionário nu dormindo", segundo o Sol, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.
28
"Violino e Guitarra"
Autor
Xum gris
O país Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo
Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.
5x100cm
1913
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Gris, em suas próprias palavras, estava engajado em "arquitetura plana e colorida". Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço acidental, o que torna a criatividade relacionada à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora tivesse grande respeito por Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor até dedicou sua primeira obra cubista, Tributo a Picasso, a ele. A pintura "Violino e Violão" é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris era conhecido, favorecido por críticos e historiadores de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e são mantidas em coleções particulares.
29
"RetratoCampos de Eluard»
Autor
Salvador Dalí
O país Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo
“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o artista surrealista mais famoso. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem criou a embalagem do Chupa-Chups.
25x33cm
1929
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura "Retrato de Paul Eluard" foi pintada justamente durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiado o dever de capturar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e estava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou o dueto Dali-Gala.
30
"Aniversário"
Autor
Marc Chagall
O país Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda
Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e se aproximou dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, quando os nazistas tomaram o poder, ele partiu para os Estados Unidos com a ajuda de um cônsul americano. Ele voltou para a França apenas em 1948.
80x103cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's
A pintura "Jubileu" é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Tem todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, a sensação de um conto de fadas é preservada no cenário da vida pequeno-burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não desenhava as pessoas da vida, mas apenas da memória ou da fantasia. A pintura "Jubileu" retrata o próprio artista com sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi licitada desde então. Curiosamente, o MoMA do Museu de Arte Moderna de Nova York mantém exatamente o mesmo, apenas sob o nome "Aniversário". By the way, foi escrito mais cedo - em 1915.
rascunho preparado
Tatiana Palasova
classificação compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn №13
(maio-junho de 2013)
A cultura artística russa, cujas origens começaram com o classicismo, adquiriu um poderoso som folclórico, pois o alto classicismo, que se refletiu na pintura do século XIX, passou gradualmente do romantismo ao realismo nas belas artes russas. Os contemporâneos da época apreciavam especialmente a direção dos artistas russos, em que prevalecia o gênero histórico com ênfase em temas nacionais.
Mas, ao mesmo tempo, não houve mudanças particulares na arte da direção histórica em comparação com os mestres da segunda metade do século XVIII e desde o início da história do retrato russo. Muitas vezes, em suas obras, muitos mestres se dedicaram aos verdadeiros heróis da Rússia antiga, cujas façanhas os inspiraram a escrever telas históricas. Os pintores russos da época aprovaram seu próprio princípio de descrever um retrato, pinturas, tendo desenvolvido suas próprias direções para retratar uma pessoa, a natureza, indicando um conceito figurativo completamente independente.
Artistas russos em suas pinturas refletiam vários ideais de ascensão nacional, abandonando gradualmente os rígidos princípios do classicismo impostos pelas fundações acadêmicas. O século XIX foi marcado pelo grande florescimento da pintura russa, na qual os pintores da Rússia deixaram uma marca indelével na história da arte russa para a posteridade, imbuídos do espírito de uma reflexão abrangente da vida do povo.
Os maiores pesquisadores da pintura russa do século XIX como um todo observam um papel destacado no alto florescimento da obra dos grandes mestres russos e das belas artes. Obras únicas criadas por mestres domésticos sempre enriqueceram a cultura russa.
Artistas famosos do século 19
(1782-1836) Retratos de Kiprensky, pintados de forma soberba e sutil, trouxeram-lhe fama e verdadeiro reconhecimento entre seus contemporâneos. Suas obras Auto-retrato, A. R. Tomilova, I. V. Kusova, A. I. Korsakov 1808 Retrato de um menino Chelishchev, Golitsina A. M. 1809 Retrato de Denis Davydov, 1819 Menina com uma coroa de papoulas, o mais bem sucedido retrato de 1827 de A. S. Pushkin e outros. os retratos refletem a beleza da emoção, o refinado mundo interior das imagens e o estado de espírito. Contemporâneos compararam seu trabalho com os gêneros da poesia lírica, dedicação poética aos amigos. (1791-1830) Mestre do romantismo paisagístico russo e da compreensão lírica da natureza. Em mais de quarenta de suas pinturas, Shchedrin retratou vistas do Sorento. Entre eles estão pinturas do bairro de Sorrento. À noite, Nova Roma "Castelo do Santo Anjo", o Aterro Mergellina em Nápoles, o Grande Porto na ilha de Capri, etc.Entregando-se completamente ao romance da paisagem e ao ambiente natural da percepção, Shchedrin, por assim dizer, reabastece com suas pinturas o interesse caído de seus companheiros de tribo da época pela paisagem. Shchedrin conhecia o alvorecer de sua criatividade e reconhecimento.
(1776-1857) Um notável pintor de retratos russo, nativo de servos. Seus famosos trabalhos de pintura: A Rendeira, também Retrato de Pushkin A.S., gravador E.O. Skotnikova, Um velho - um mendigo, caracterizado por uma cor clara Retrato de um filho, 1826 Spinner, Goldsmith, essas obras atraíram especialmente a atenção dos contemporâneos. 1846 Tropinin desenvolveu seu próprio estilo figurativo de retrato, caracterizando um gênero específico de pintura de Moscou. Naquela época, Tropinin tornou-se a figura central do beau monde de Moscou.(1780-1847) O fundador do gênero cotidiano camponês, Seu famoso retrato do Ceifador, pintura > Ceifadores, Moça com lenço na cabeça, Primavera em terra arável, Camponesa com centáureas, Zakharka e outros. Pode-se destacar especialmente sobre a pintura Gumno, que atraiu a atenção do imperador Alexandre 1, ele foi tocado pelas imagens vívidas dos camponeses, transmitidas com veracidade pelo autor. Ele amava as pessoas comuns, encontrando uma certa letra nisso, isso se refletia em suas pinturas que mostravam a difícil vida camponesa. seus melhores trabalhos foram criados na década de 20. (1799-1852) Mestre de Pinturas Históricas, O Último Dia de Pompéia em uma enxurrada de habitantes condenados fogem da fúria do Monte Vesúvio. A imagem causou uma impressão impressionante em seus contemporâneos. Ele escreve magistralmente pinturas seculares, usando a amazona e retratos em momentos coloridos brilhantes na composição da imagem, Condessa Yu. P. Samoilova. Suas pinturas e retratos são compostos de contrastes de luz e sombra. . Sob a influência do classicismo acadêmico tradicional, Karl Bryullov dotou suas pinturas de autenticidade histórica, espírito romântico e verdade psicológica. (1806-1858) Magnífico mestre do gênero histórico. Por cerca de duas décadas, Ivanov trabalhou em sua pintura principal A Aparição de Cristo ao Povo, enfatizando seu desejo apaixonado de retratar a vinda de Jesus Cristo à Terra. Na fase inicial, estas são as pinturas de Apolo, Jacinto e Cipreste 1831-1833, a Aparição de Cristo a Maria Madalena após a ressurreição de 1835. Durante sua curta vida, Ivanov criou muitas obras, para cada pintura ele pinta muitos esboços de paisagens, retratos. Ivanov, homem de extraordinária inteligência, sempre procurou mostrar em suas obras os elementos dos movimentos populares. (1815-1852) Mestre da direção satírica, que lançou as bases do realismo crítico no gênero cotidiano. The Fresh Cavalier 1847 e The Picky Bride 1847,
Renascimento (Renascença). Itália. séculos XV-XVI. capitalismo primitivo. O país é governado por banqueiros ricos. Eles estão interessados em arte e ciência.
Os ricos e poderosos reúnem os talentosos e sábios ao seu redor. Poetas, filósofos, pintores e escultores conversam diariamente com seus patronos. Em algum momento, parecia que o povo era governado por sábios, como Platão queria.
Lembre-se dos antigos romanos e gregos. Eles também construíram uma sociedade de cidadãos livres, onde o principal valor é uma pessoa (sem contar os escravos, é claro).
O Renascimento não está apenas copiando a arte das civilizações antigas. Esta é uma mistura. Mitologia e Cristianismo. Realismo da natureza e sinceridade das imagens. Beleza física e espiritual.
Foi apenas um flash. O período do Alto Renascimento é de cerca de 30 anos! De 1490 a 1527 Desde o início do florescimento da criatividade de Leonardo. Antes do saque de Roma.
A miragem de um mundo ideal rapidamente se desvaneceu. A Itália era muito frágil. Ela logo foi escravizada por outro ditador.
No entanto, esses 30 anos determinaram as principais características da pintura europeia para 500 anos à frente! Até .
Realismo de imagem. Antropocentrismo (quando o centro do mundo é o Homem). Perspectiva linear. Pinturas à óleo. Retrato. Panorama…
Incrivelmente, nesses 30 anos, vários mestres brilhantes trabalharam ao mesmo tempo. Outras vezes eles nascem um em 1000 anos.
Leonardo, Michelangelo, Rafael e Ticiano são os titãs do Renascimento. Mas é impossível não mencionar seus dois antecessores: Giotto e Masaccio. Sem a qual não haveria Renascimento.
1. Giotto (1267-1337)
Paulo Ucello. Giotto da Bondogni. Fragmento da pintura “Cinco Mestres do Renascimento Florentino”. Começo do século XVI. .
século XIV. Proto-Renascimento. Seu personagem principal é Giotto. Este é um mestre que sozinho revolucionou a arte. 200 anos antes do Alto Renascimento. Se não fosse por ele, dificilmente teria chegado a era da qual a humanidade tanto se orgulha.
Antes de Giotto havia ícones e afrescos. Eles foram criados de acordo com os cânones bizantinos. Rostos em vez de rostos. figuras planas. Incompatibilidade proporcional. Em vez de uma paisagem - um fundo dourado. Como, por exemplo, neste ícone.
Guido da Siena. Adoração dos Magos. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Museum, Alemanha.
E de repente aparecem os afrescos de Giotto. Eles têm grandes figuras. Rostos de pessoas nobres. Velho e jovem. Triste. Triste. Surpreso. Vários.
Afrescos de Giotto na Igreja Scrovegni em Pádua (1302-1305). Esquerda: Lamentação de Cristo. Meio: Beijo de Judas (detalhe). À direita: Anunciação de Santa Ana (mãe de Maria), fragmento.
A principal criação de Giotto é um ciclo de seus afrescos na Capela Scrovegni em Pádua. Quando esta igreja foi aberta aos paroquianos, multidões de pessoas afluíram para ela. Eles nunca viram isso.
Afinal, Giotto fez algo inédito. Ele traduziu as histórias bíblicas em uma linguagem simples e compreensível. E eles se tornaram muito mais acessíveis às pessoas comuns.
Giotto. Adoração dos Magos. 1303-1305 Fresco na Capela Scrovegni em Pádua, Itália.
É isso que será característico de muitos mestres do Renascimento. Laconismo de imagens. Emoções vivas dos personagens. Realismo.
Leia mais sobre os afrescos do mestre no artigo.
Giotto era admirado. Mas sua inovação não foi mais desenvolvida. A moda do gótico internacional chegou à Itália.
Somente depois de 100 anos aparecerá um digno sucessor de Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Auto-retrato (fragmento do afresco “São Pedro no púlpito”). 1425-1427 A Capela Brancacci em Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.
Começo do século XV. O chamado Primeiro Renascimento. Outro inovador entra em cena.
Masaccio foi o primeiro artista a usar a perspectiva linear. Foi projetado por seu amigo, o arquiteto Brunelleschi. Agora, o mundo retratado tornou-se semelhante ao real. A arquitetura de brinquedos é coisa do passado.
Masaccio. São Pedro cura com sua sombra. 1425-1427 A Capela Brancacci em Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.
Adotou o realismo de Giotto. No entanto, ao contrário de seu antecessor, ele já conhecia bem a anatomia.
Em vez de personagens em blocos, Giotto é gente lindamente construída. Assim como os gregos antigos.
Masaccio. Batismo de neófitos. 1426-1427 Capela Brancacci, Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, Itália.
Masaccio. Exílio do Paraíso. 1426-1427 Fresco na Capela Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florença, Itália.
Masaccio viveu uma vida curta. Ele morreu, como seu pai, inesperadamente. Aos 27 anos.
No entanto, ele tinha muitos seguidores. Mestres das gerações seguintes foram à Capela Brancacci para aprender com seus afrescos.
Assim, a inovação de Masaccio foi adotada por todos os grandes artistas da Alta Renascença.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Auto-retrato. 1512 Biblioteca Real em Turim, Itália.
Leonardo da Vinci é um dos titãs do Renascimento. Ele influenciou muito o desenvolvimento da pintura.
Foi da Vinci que elevou o status do próprio artista. Graças a ele, os representantes dessa profissão não são mais apenas artesãos. Estes são os criadores e aristocratas do espírito.
Leonardo fez um grande avanço principalmente no retrato.
Ele acreditava que nada deveria distrair a imagem principal. O olho não deve vagar de um detalhe para outro. Assim surgiram seus famosos retratos. Conciso. Harmonioso.
Leonardo da Vinci. Senhora com um arminho. 1489-1490 Museu Chertoryski, Cracóvia.
A principal inovação de Leonardo é que ele encontrou uma maneira de tornar as imagens... vivas.
Antes dele, os personagens dos retratos pareciam manequins. As linhas eram claras. Todos os detalhes são cuidadosamente desenhados. Um desenho pintado não poderia estar vivo.
Leonardo inventou o método sfumato. Ele borrou as linhas. Fez a transição da luz para a sombra muito suave. Seus personagens parecem estar cobertos por uma névoa quase imperceptível. Os personagens ganharam vida.
4. Michelangelo (1475-1564)
Daniele da Volterra. Michelangelo (detalhe). 1544 Museu Metropolitano de Arte, Nova York.
Michelangelo se considerava um escultor. Mas ele era um mestre universal. Como seus outros colegas da Renascença. Portanto, sua herança pictórica não é menos grandiosa.
Ele é reconhecível principalmente por personagens fisicamente desenvolvidos. Ele retratou um homem perfeito em quem a beleza física significa beleza espiritual.
Portanto, todos os seus personagens são tão musculosos, resistentes. Até mulheres e velhos.
Michelangelo. Fragmentos do afresco do Juízo Final na Capela Sistina, Vaticano.
Muitas vezes Michelangelo pintou o personagem nu. E então eu adicionei roupas por cima. Para tornar o corpo o mais em relevo possível.
Ele pintou o teto da Capela Sistina sozinho. Embora isso seja algumas centenas de números! Ele nem deixou ninguém esfregar a tinta. Sim, ele era anti-social. Ele tinha uma personalidade dura e briguenta. Mas acima de tudo, ele estava insatisfeito consigo mesmo.
Michelangelo. Fragmento do afresco "Criação de Adão". 1511 Capela Sistina, Vaticano.
Michelangelo viveu uma vida longa. Sobreviveu ao declínio do Renascimento. Para ele, foi uma tragédia pessoal. Suas obras posteriores estão cheias de tristeza e tristeza.
Em geral, o caminho criativo de Michelangelo é único. Suas primeiras obras são o elogio do herói humano. Livre e corajoso. Nas melhores tradições da Grécia Antiga. Como seu Davi.
Nos últimos anos de vida - estas são imagens trágicas. Uma pedra deliberadamente talhada em bruto. Como se diante de nós estão monumentos às vítimas do fascismo do século XX. Olhe para a sua "Pieta".
Esculturas de Michelangelo na Academia de Belas Artes de Florença. Esquerda: Davi. 1504 Direita: Pietà de Palestrina. 1555
Como isso é possível? Um artista passou por todos os estágios da arte desde o Renascimento até o século 20 em uma vida. O que as próximas gerações farão? Siga seu próprio caminho. Sabendo que a fasquia foi muito alta.
5. Rafael (1483-1520)
6. Ticiano (1488-1576).
Ticiano. Autorretrato (detalhe). 1562.
Ticiano era um colorista insuperável. Ele também experimentou muito com composição. Em geral, ele era um inovador ousado.
Por tal brilho de talento, todos o amavam. Chamado de "o rei dos pintores e o pintor dos reis".
Falando em Ticiano, quero colocar um ponto de exclamação após cada frase. Afinal, foi ele quem trouxe a dinâmica à pintura. Patos. Entusiasmo. Cor brilhante. Brilho de cores.
Ticiano. Ascensão de Maria. 1515-1518 Igreja de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Veneza.
No final de sua vida, ele desenvolveu uma técnica de escrita incomum. Os golpes são rápidos e grossos. A tinta foi aplicada com um pincel ou com os dedos. A partir disso - as imagens ficam ainda mais vivas, respirando. E as tramas são ainda mais dinâmicas e dramáticas.
Ticiano. Tarquínio e Lucrécia. 1571 Museu Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra.
Isso não te lembra nada? Claro, é uma técnica. E a técnica de artistas do século XIX: Barbizon e. Ticiano, como Michelangelo, passará por 500 anos de pintura em uma vida. É por isso que ele é um gênio.
Leia sobre a famosa obra-prima do mestre no artigo.
Os artistas renascentistas são donos de um grande conhecimento. Para deixar tal legado, foi preciso estudar muito. No campo da história, astrologia, física e assim por diante.
Portanto, cada uma de suas imagens nos faz pensar. Por que é mostrado? Qual é a mensagem criptografada aqui?
Quase nunca estão errados. Porque eles pensaram minuciosamente em seu trabalho futuro. Eles usaram toda a bagagem de seu conhecimento.
Eles eram mais do que artistas. Eles eram filósofos. Eles nos explicaram o mundo através da pintura.
É por isso que eles sempre serão profundamente interessantes para nós.
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Leonardo di ser Piero da Vinci (15 de abril de 1452 - 2 de maio de 1519) foi um pintor, arquiteto, filósofo, músico, escritor, explorador, matemático, engenheiro, anatomista, inventor e geólogo italiano. Conhecido por suas pinturas, das quais as mais famosas são A Última Ceia e Mona Lisa, além de inúmeras invenções que estavam muito à frente de seu tempo, mas que ficaram apenas no papel. Além disso, Leonardo da Vinci deu uma importante contribuição para o desenvolvimento da anatomia, astronomia e tecnologia.
Raphael Santi (28 de março de 1483 – 6 de abril de 1520) foi um grande pintor e arquiteto italiano ativo durante o Renascimento, abrangendo o período do final do século XV aos primeiros anos do século XVI. Tradicionalmente, Rafael é considerado um dos três grandes mestres desse período, junto com Michelangelo e Leonardo da Vinci. Muitas de suas obras estão no Palácio Apostólico do Vaticano, em uma sala chamada Estância de Rafael. Entre outros, aqui está sua obra mais famosa - "A Escola de Atenas".
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (6 de junho de 1599 - 6 de agosto de 1660) foi um pintor espanhol, retratista, pintor da corte do rei Filipe IV, o maior representante da época de ouro da pintura espanhola. Além de inúmeras pinturas que retratam cenas históricas e culturais do passado, pintou muitos retratos da família real espanhola, bem como outras figuras europeias famosas. A obra mais famosa de Velasquez é a pintura "La Meninas" (ou "Família de Filipe IV") de 1656, localizada no Museu do Prado, em Madri.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz e Picasso (25 de outubro de 1881 - 8 de abril de 1973) é um artista e escultor espanhol mundialmente famoso, fundador da direção em fine artes - cubismo. Considerado um dos maiores artistas que influenciou o desenvolvimento das artes plásticas no século XX. Especialistas, foi reconhecido como o melhor artista entre os que viveram nos últimos 100 anos, bem como o mais “caro” do mundo. Durante sua vida, Picasso criou cerca de 20 mil obras (segundo outras fontes, 80 mil).
Vincent Willem van Gogh (30 de março de 1853 - 29 de julho de 1890) foi um famoso pintor holandês que ganhou fama somente após sua morte. Segundo muitos especialistas, Van Gogh é um dos maiores artistas da história da arte europeia, bem como um dos representantes mais proeminentes do pós-impressionismo. Autor de mais de 2.100 obras de arte, incluindo 870 pinturas, 1.000 desenhos e 133 esboços. Seus inúmeros autorretratos, paisagens e retratos estão entre as obras de arte mais reconhecidas e caras do mundo. A obra mais famosa de Vincent van Gogh, talvez, seja considerada uma série de pinturas chamadas "Girassóis".
Michelangelo Buonarroti (6 de março de 1475 - 18 de fevereiro de 1564) é um escultor, artista, arquiteto, poeta e pensador italiano mundialmente famoso que deixou uma marca indelével em toda a cultura mundial. A obra mais famosa do artista, talvez, sejam os afrescos no teto da Capela Sistina. Entre suas esculturas, as mais famosas são "Pieta" ("Lamentação de Cristo") e "David". Das obras de arquitetura - o desenho da cúpula da Basílica de São Pedro. Curiosamente, Michelangelo se tornou o primeiro representante da arte da Europa Ocidental, cuja biografia foi escrita durante sua vida.
Em quarto lugar no ranking dos artistas mais famosos do mundo está Masaccio (21 de dezembro de 1401-1428) - um grande artista italiano que teve um enorme impacto em outros mestres. Masaccio viveu uma vida muito curta, então há poucas evidências biográficas sobre ele. Apenas quatro de seus afrescos sobreviveram, que, sem dúvida, são obra de Masaccio. Acredita-se que outros tenham sido destruídos. A obra mais famosa de Masaccio é o afresco da Trindade na igreja de Santa Maria Novella em Florença, Itália.
Peter Paul Rubens (28 de junho de 1577 - 30 de maio de 1640) foi um pintor flamengo (sul da Holanda), um dos maiores artistas da era barroca, conhecido por seu estilo extravagante. Considerado o artista mais versátil de seu tempo. Em suas obras, Rubens enfatizou e incorporou a vitalidade e a sensualidade da cor. Pintou inúmeros retratos, paisagens e pinturas históricas com temas mitológicos, religiosos e alegóricos. A obra mais famosa de Rubens é o tríptico "Descida da Cruz" escrito no período de 1610 a 1614 e que trouxe ao artista fama mundial.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 de setembro de 1571 - 18 de julho de 1610) foi um grande artista italiano do início do período barroco, fundador da pintura realista europeia do século XVII. Em suas obras, Caravaggio usou habilmente os contrastes de luz e sombra, focando nos detalhes. Muitas vezes retratado romanos comuns, pessoas das ruas e mercados nas imagens de santos e madonas. Exemplos são "O Evangelista Mateus", "Baco", "Conversão de Saulo", etc. .
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) foi um famoso pintor e gravador holandês que é considerado o maior e mais famoso artista do mundo. Autor de cerca de 600 pinturas, 300 gravuras e 2 mil desenhos. Sua característica é um jogo magistral com efeitos de luz e sombras profundas. A obra mais famosa de Rembrandt é a pintura de quatro metros "Night Watch", escrita em 1642 e agora guardada no Museu do Estado de Amsterdã.
