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O primeiro compositor romântico, Schubert é uma das figuras mais trágicas da história da cultura musical mundial. Sua vida, curta e sem intercorrências, foi interrompida quando ele estava no auge da vida e do talento. Ele não ouviu a maioria de suas composições. De muitas maneiras, o destino de sua música também foi trágico. Manuscritos de valor inestimável, em parte guardados por amigos, em parte doados a alguém e, às vezes, simplesmente perdidos em viagens intermináveis, não puderam ser reunidos por muito tempo. Sabe-se que a sinfonia “Unfinished” esperava por sua execução há mais de 40 anos, e a sinfonia em Dó maior há 11 anos. Os caminhos neles abertos por Schubert permaneceram por muito tempo desconhecidos.

Schubert era um contemporâneo mais jovem de Beethoven. Ambos viveram em Viena, suas obras coincidem no tempo: "Margarita at the Spinning Wheel" e "Forest Tsar" têm a mesma idade das 7ª e 8ª sinfonias de Beethoven, e sua 9ª sinfonia apareceu simultaneamente com "Unfinished" de Schubert. Schubert é um representante de uma geração completamente nova de artistas, nasceu em uma atmosfera de decepção e cansaço, em uma atmosfera da mais severa reação política. O fato de Schubert ter passado todo o período de sua maturidade criativa em Viena determinou em grande parte a natureza de sua arte. Em sua obra não há trabalhos relacionados à luta por um futuro feliz para a humanidade. Sua música não é caracterizada por humores heróicos. Na época de Schubert, não se falava mais em problemas humanos universais, na reorganização do mundo. A luta por tudo isso parecia inútil. O mais importante parecia ser preservar a honestidade, a pureza espiritual, os valores do mundo espiritual. Assim nasceu um movimento artístico, denominado " romantismo". Isso é arte, em que pela primeira vez o lugar central foi ocupado por um indivíduo com sua singularidade, com suas buscas, dúvidas, sofrimentos. A obra de Schubert é o alvorecer do romantismo musical. Seu herói é um herói dos tempos modernos: não é uma figura pública, não é um orador, não é um transformador ativo da realidade. Esta é uma pessoa infeliz e solitária cujas esperanças de felicidade não podem se tornar realidade. O cerne ideológico da maioria das obras de Schubert é a colisão do ideal e do real. Cada vez que a colisão de sonhos e realidade recebe uma interpretação individual, mas, via de regra, o conflito não encontra uma resolução final. Não é a luta pela afirmação de um ideal positivo que está no centro das atenções do compositor, mas a exposição mais ou menos distinta das contradições. Esta é a principal evidência da pertença de Schubert ao romantismo. Seu tema principal era o tema da privação, da desesperança trágica. Este tópico não é inventado, é tirado da vida, refletindo o destino de toda uma geração, inclusive. e o destino do próprio compositor. Como já mencionado, Schubert passou sua curta carreira na trágica obscuridade. Ele não foi acompanhado de sucesso, natural para um músico dessa magnitude.

Enquanto isso, o legado criativo de Schubert é enorme. Em termos da intensidade da criatividade e do significado artístico da música, este compositor pode ser comparado com Mozart. Entre suas composições estão óperas (10) e sinfonias, música instrumental de câmara e obras de cantata-oratório. Mas não importa quão notável seja a contribuição de Schubert para o desenvolvimento de vários gêneros musicais, na história da música seu nome está associado principalmente ao gênero canções românticas. A canção foi o elemento de Schubert, nela ele alcançou o inédito. Como observou Asafiev, “o que Beethoven realizou no campo da sinfonia, Schubert realizou no campo da canção-romance...” Na coleção completa das obras de Schubert, a série de canções é representada por uma figura enorme - mais de 600 obras. Mas a questão não é apenas quantitativa: na obra de Schubert, deu-se um salto qualitativo, que permitiu à canção assumir um lugar completamente novo em vários gêneros musicais. O gênero, que desempenhou um papel obviamente secundário na arte dos clássicos vienenses, tornou-se tão importante quanto a ópera, a sinfonia e a sonata.

Criatividade instrumental Schubert tem 9 sinfonias, mais de 25 obras instrumentais de câmara, 15 sonatas para piano, muitas peças para piano a 2 e 4 mãos. Crescendo em uma atmosfera de influência ao vivo da música de Haydn, Mozart, Beethoven, que não era o passado para ele, mas o presente, Schubert surpreendentemente rápido - já aos 17-18 anos - dominou perfeitamente as tradições do vienense escola clássica. Em seus primeiros experimentos sinfônicos, quartetos e sonatas, os ecos de Mozart são especialmente perceptíveis, em particular, a 40ª sinfonia (a obra favorita do jovem Schubert). Schubert está intimamente relacionado a Mozart por uma mentalidade lírica claramente expressa. Ao mesmo tempo, em muitos aspectos, ele atuou como herdeiro das tradições haydnianas, como evidenciado por sua proximidade com a música folclórica austro-germânica. Ele adotou dos clássicos a composição do ciclo, suas partes, os princípios básicos de organização do material. No entanto, Schubert subordinou a experiência dos clássicos vienenses a novas tarefas.

Tradições românticas e clássicas formam uma única fusão em sua arte. A dramaturgia de Schubert é fruto de um plano especial, em que a orientação lírica e o canto prevalecem como o principal princípio de desenvolvimento. Os temas sonata-sinfônicos de Schubert estão relacionados às canções - tanto em sua estrutura entoacional quanto nos métodos de apresentação e desenvolvimento, de natureza puramente instrumental. Schubert enfatiza fortemente a natureza da música

Franz Schubert. Romântico de Viena

“Como Mozart, Schubert pertencia mais a todos -
meio ambiente, pessoas, natureza do que você mesmo,
e sua música era seu canto sobre tudo, mas não pessoalmente sobre si mesmo..."
B. Asafiev

Franz Peter Schubert nasceu em 31 de janeiro de 1797 em Lichtental, um subúrbio de Viena. Suas primeiras aulas de música foram ministradas por seu pai, Franz Theodor Schubert, professor da escola paroquial de Lichtental. Então o menino ficou sob a tutela de Michael Holzer, o regente da igreja local e o velho mais gentil - ele ensinou harmonia a Schubert e tocou órgão de graça.

Aos onze anos, Schubert entrou na capela imperial como corista e, despedindo-se de sua terra natal, partiu para Viena (felizmente, dos subúrbios à cidade foi um tiro de pedra). Agora ele morava no condenado real imperial - um internato privilegiado. E ele foi para o ensino médio. Isto é o que seu pai sonhava.

Mas sua vida era sombria: levantando-se de madrugada, longas e cansativas paradas nos kliros, guardas onipresentes que sempre sabem encontrar uma falha nos meninos, pelo que deveriam ser açoitados ou forçados a repetir orações inúmeras vezes. A existência de Franz, acostumada à dócil orientação de Holzer, teria sido completamente inútil se não fossem os novos amigos - eles se tornavam amigos tanto mais fortes e desinteressadamente quanto mais os educadores estimulavam as crianças a fofocas e denúncias, supostamente destinadas a "salvar as almas dos companheiros perdidos."

Cinco anos (1808 - 1813), passados ​​pelo compositor na prisão, teriam sido insuportavelmente difíceis para ele, se não fossem os verdadeiros amigos que aqui encontrou. Da esquerda para a direita F. Schubert, I. Yenger, A. Hüttenbrenner.

E se não fosse pela música. O talento do jovem Schubert foi notado pelo maestro da corte - Antonio Salieri. Ele continuou a estudar com ele mesmo após sua saída da escola em 1813 (devido ao fato de que a voz do cantor adulto começou a falhar e perdeu o “cristalismo” necessário).

Em 1814, um evento de grande importância ocorreu em Viena - a estreia da ópera Fidelio de Beethoven. A tradição diz que Schubert vendeu todos os seus livros escolares para entrar nesta estreia. Talvez a situação não tenha sido tão dramática, mas sabe-se com certeza que Franz Schubert permaneceu fã de Beethoven até o fim de sua curta vida.

O mesmo ano foi marcado para Schubert por eventos mais prosaicos. Ele foi trabalhar na mesma escola onde seu pai lecionava. A atividade pedagógica parecia ao jovem músico chata, ingrata, infinitamente distante de suas altas necessidades. Mas ele estava bem ciente de que não poderia ser um fardo para uma família que já mal conseguia sobreviver.

Apesar de todas as dificuldades, aqueles quatro anos que o compositor dedicou ao ensino foram muito frutíferos. No final de 1816, Franz Schubert já era autor de cinco sinfonias, quatro missas e quatro óperas. E o mais importante - ele encontrou um gênero que logo o glorificou. Encontrei uma canção onde a música e a poesia tão magicamente se fundiram, dois elementos, sem os quais o compositor não poderia imaginar a sua existência.

Em Schubert, entretanto, amadureceu sua decisão, que ele colocou em prática em 1818. Ele deixou a escola, decidindo dedicar todas as suas forças à música. Este passo foi ousado, se não imprudente. O músico não tinha outra renda, exceto o salário de professor.

Toda a vida futura de Schubert é um feito criativo. Experimentando grande necessidade e privação, ele criou um trabalho após o outro.

A pobreza e a adversidade o impediram de se casar com a namorada. O nome dela era Teresa Coffin. Ela cantou no coral da igreja. A mãe da menina tinha grandes esperanças para seu casamento. Naturalmente, Schubert não conseguiu arranjar isso. Você pode viver com a música, mas não pode viver com ela. E a mãe deu a filha em casamento a um confeiteiro. Isso foi um golpe para Schubert.

Alguns anos depois, surgiu um novo sentimento, ainda mais desesperador. Ele se apaixonou por um representante de uma das famílias mais nobres e ricas da Hungria - Caroline Esterhazy. Para entender o que o compositor sentiu então, é preciso ler as linhas de sua carta a um de seus amigos: “Sinto-me a pessoa mais miserável, mais miserável do mundo... Imagine uma pessoa cujas mais brilhantes esperanças se transformaram em nada. , a quem o amor e a amizade nada trazem, exceto o mais profundo sofrimento, em que a inspiração para o belo (pelo menos induzindo a criatividade) ameaça desaparecer..."

Nesses tempos difíceis, os encontros com os amigos se tornaram uma saída para Schubert. Os jovens conheceram a literatura, a poesia de diferentes épocas. A performance de música alternava com a leitura de poesia, acompanhada de danças. Às vezes, essas reuniões eram dedicadas à música de Schubert. Eles até começaram a chamá-los de "Schubertiads". O compositor sentou-se ao piano e imediatamente compôs valsas, landlers e outras danças. Muitos deles nem sequer são registrados. Se cantava suas canções, sempre despertava a admiração dos ouvintes.

Ele nunca foi convidado para se apresentar em um concerto público. Ele não era conhecido na corte. Os editores, aproveitando-se de sua impraticabilidade, pagavam-lhe centavos, enquanto eles próprios ganhavam muito dinheiro. E grandes obras que não podiam ter grande demanda não foram publicadas. Acontece que ele não tinha nada para pagar pelo quarto e muitas vezes morava com seus amigos. Ele não tinha seu próprio piano, então compôs sem um instrumento. Ele não tinha dinheiro para comprar um terno novo. Aconteceu que por vários dias seguidos ele comeu apenas bolachas.

O pai estava certo: a profissão de músico não trouxe fama a Schubert, sucesso retumbante, glória, boa sorte. Ela trouxe apenas sofrimento e desejo.

Mas ela lhe deu a felicidade da criatividade, tempestuosa, contínua, inspirada. Ele trabalhava sistematicamente, todos os dias. “Componho todas as manhãs, quando termino uma peça, começo outra”, admitiu o compositor. Ele compunha com muita rapidez e facilidade, como Mozart. A lista completa de suas obras inclui mais de mil números. Mas ele viveu apenas 31 anos!

Enquanto isso, a fama de Schubert crescia. Suas músicas viraram moda. Em 1828 foram publicadas as suas obras mais importantes e, em março desse ano, teve lugar um dos seus concertos mais significativos. Com os rendimentos dele, Schubert comprou um piano. Ele sonhava em possuir este "instrumento real". Mas por muito tempo ele não teve a chance de aproveitar a aquisição. Apenas alguns meses depois, Schubert contraiu febre tifóide. Ele resistiu desesperadamente à doença, fez planos para o futuro, tentou trabalhar na cama ...

O compositor morreu em 19 de novembro de 1828, aos 31 anos, após duas semanas de febre. Schubert foi enterrado no cemitério central ao lado do túmulo de Beethoven, não muito longe do monumento a Mozart, os túmulos de Gluck, Brahms. I. Strauss - foi assim que finalmente ocorreu o pleno reconhecimento do compositor.

O conhecido poeta Grillparzer da época escreveu em um modesto monumento a Schubert no cemitério de Viena: “A morte enterrou um rico tesouro aqui, mas ainda mais esperanças maravilhosas”.

Sons de música

"A beleza por si só deve inspirar um homem ao longo de sua vida -
isso é verdade, mas o esplendor dessa inspiração deve iluminar todo o resto..."
F. Schubert

Oitava Sinfonia em Si menor "Inacabada"

Os destinos de muitas grandes obras (assim como seus autores) estão cheios de vicissitudes. Todos os possíveis deles caíram para a parte da sinfonia "Inacabada".

Os amigos adoravam as canções de Franz Schubert. Como soavam suaves, como tocavam inconfundivelmente as cordas mais profundas da alma, essas canções! Mas aqui está a “grande forma” ... Não, os amigos tentaram não perturbar o querido Franz, no entanto, entre eles, não, não, e eles deixaram escapar: “Ainda assim, isso não é dele”.

Schubert escreveu a "Sinfonia Inacabada" em 1822-23. E dois anos depois ele deu sua pontuação para um de seus melhores e mais antigos amigos - Anselm Huttenbrenner. Para um amigo presenteá-lo à Sociedade de Amantes da Música da cidade de Graz. Mas o amigo não contou. Para o melhor, provavelmente. Não querendo "desgraçar o querido Franz" aos olhos de um público esclarecido. O próprio Huttenbrenner escreveu música (preferindo, entre outras coisas, uma forma grande). Ele a entendia. E ele não simpatizava com os esforços sinfônicos de seu amigo de escola.

Aconteceu que uma das melhores obras de Schubert "não existia" até 1865. A primeira apresentação de "Unfinished" aconteceu quase quarenta anos após a morte do compositor. Conduzida por Johann Gerbeck, que acidentalmente descobriu a partitura da sinfonia.

"Unfinished Symphony" consiste em duas partes. Uma sinfonia clássica é sempre uma de quatro movimentos. A versão que o compositor queria terminá-la, “acrescentar ao volume requerido”, mas não teve tempo, deve ser dispensada imediatamente. Esboços para a terceira parte foram preservados - incertos, tímidos. Era como se o próprio Schubert não soubesse se essas tentativas de esboçar eram necessárias. Por dois anos, a partitura da sinfonia foi “envelhecida” em sua mesa antes de passar para as mãos do judicioso Huttenbrenner. Durante esses dois anos, Schubert teve tempo para se certificar de que - não, não há necessidade de "terminar". Em duas partes da sinfonia, ele se expressou completamente, “cantou” nelas todo o seu amor pelo mundo, toda a ansiedade e anseio que uma pessoa está condenada a definhar neste mundo.

Uma pessoa passa por duas fases principais na vida - juventude e maturidade. E em duas partes da sinfonia de Schubert, a nitidez das colisões com a vida na juventude e a profundidade da compreensão do sentido da vida na maturidade. Um eterno entrelaçamento de alegria e tristeza, sofrimento e delícias da vida.

Como uma tempestade - com rajadas de vento, trovões distantes - começa a "Sinfonia Inacabada" de Schubert.

Quinteto em Lá Maior "Truta"

O Quinteto de Trutas (às vezes também chamado de Quinteto Forellen) também é, como a Sinfonia Inacabada, incomum em termos de forma. É composto por cinco partes (e não quatro, como é habitual), e é executado por violino, viola, violoncelo, contrabaixo e piano.

Na época mais feliz de sua vida, Schubert escreveu este quinteto. Era 1819. Junto com Vogl, o compositor viaja pela Alta Áustria. Vogl, um nativo dessas partes, generosamente os "compartilha" com Schubert. Mas não foi só a alegria de conhecer novos lugares e pessoas que trouxe Schubert nessa jornada. Pela primeira vez, ele estava pessoalmente convencido de que era conhecido não apenas em Viena, mas em um estreito círculo de amigos. Que quase todas as casas levemente "musicais" têm cópias manuscritas de suas músicas. Sua própria popularidade não apenas o surpreendeu, como o surpreendeu.

Na cidade austríaca de Steyr, Schubert e Vogl conheceram um admirador apaixonado das canções de Schubert, o industrial Sylvester Paumgartner. Repetidamente ele pediu a seus amigos que tocassem a música "Trout" para ele. Ele poderia ouvi-la infinitamente. Para ele, Schubert (que adorava levar alegria às pessoas mais do que tudo no mundo) escreveu o Quinteto Forellen, na quarta parte da qual soa a melodia da música Trout.

No quinteto, a energia jovem fervilha, transborda. Os sonhos impulsivos são substituídos pela tristeza, a tristeza dá novamente lugar aos sonhos, a alegria sonora do ser, que só é possível aos vinte e dois anos. O tema do quarto movimento, simples, quase ingênuo, graciosamente conduzido pelo violino, salpica com muitas variações. E a "Trout" termina com uma dança desenfreada e cintilante, inspirada em Schubert, provavelmente nas danças dos camponeses da Alta Áustria.

"Ave Maria"

A beleza sobrenatural dessa música fez da oração à Virgem Maria a composição religiosa mais popular de Schubert. Pertence ao número de romances-orações fora da igreja criados por compositores românticos. No arranjo para voz e coro de meninos, a pureza e inocência da música é enfatizada.

"Serenata"

Uma verdadeira jóia de letras vocais é "Serenade" de F. Schubert. Este trabalho é um dos mais brilhantes e sonhadores da obra de Schubert. A melodia da dança suave é acompanhada por um ritmo característico que imita o som de um violão, pois era ao acompanhamento de um violão ou bandolim que se cantavam serenatas para belos amantes. Uma melodia que emociona a alma há quase dois séculos...

As serenatas eram trabalhos realizados à noite ou à noite na rua (a expressão italiana "al sereno" significa ao ar livre) em frente à casa daquele a quem a serenata é dedicada. Na maioria das vezes - na frente da varanda de uma bela dama.

Apresentação

Incluído:

1. Apresentação, ppsx;
2. Sons de música:
Schubert. Sinfonia "Inacabada", mp3;
Schubert. Serenata, mp3;
Schubert. Ave Maria, mp3;
Schubert. Quinteto em Lá maior "Truta", movimento IV, mp3;
3. Artigo de acompanhamento, docx.

TRABALHO DO CURSO

na disciplina "História da música estrangeira"

sobre o tema: " Romantismo na música e a imagem criativa de Franz Schubert »

Realizada

aluno do grupo MZ-113 A.A. Nikulina

Livro de registro nº 5103511

verificado

cândido. história da arte, professor associado L.V. Kordyukov

Ecaterimburgo, 2016

INTRODUÇÃO

Franz Schubert é um compositor austríaco, um dos fundadores do romantismo na música, autor de cerca de 600 composições vocais, nove sinfonias, além de um grande número de música de câmara e piano solo. Em suas magníficas obras, ele contrastava a realidade cotidiana com a riqueza do mundo interior de uma pessoa pequena. O cerne ideológico da maioria das obras de Schubert é a colisão do ideal e do real.

O primeiro compositor romântico, Schubert é uma das figuras mais trágicas da história da cultura musical mundial. Sua vida, curta e sem intercorrências, foi interrompida quando ele estava no auge da vida e do talento. Ele não ouviu a maioria de suas composições. De muitas maneiras, o destino de sua música também foi trágico. Manuscritos de valor inestimável, em parte guardados por amigos, em parte doados a alguém e, às vezes, simplesmente perdidos em viagens intermináveis, não puderam ser reunidos por muito tempo.

Cada vez que a colisão dos sonhos e da realidade recebe uma interpretação individual, mas, via de regra, conflito não é resolvido. Não é a luta pela afirmação de um ideal positivo que está no centro das atenções do compositor, mas a exposição mais ou menos distinta das contradições. Esta é a principal evidência da pertença de Schubert ao romantismo. Seu tema principal foi tema de privação, desesperança trágica. Este tópico não é inventado, é tirado da vida, refletindo o destino de toda uma geração, inclusive. e o destino do próprio compositor. Como já mencionado, Schubert passou sua curta carreira na trágica obscuridade. Ele não foi acompanhado de sucesso, natural para um músico dessa magnitude.

O romantismo foi uma espécie de reação ao Iluminismo com seu culto à razão. Sua ocorrência deveu-se a vários motivos. O mais importante deles é decepção com os resultados da Revolução Francesa que não justificava as esperanças nele depositadas.

Para um romântico visão de mundo caracterizado por um conflito agudo entre a realidade e o sonho. A realidade é baixa e não espiritual. Um sonho é algo belo, perfeito, mas inatingível e incompreensível para a mente.

O romantismo contrastava a prosa da vida com o belo reino do espírito, "a vida do coração". Os românticos acreditavam que os sentimentos constituem uma camada mais profunda da alma do que a mente. Não é por acaso que a música foi declarada a forma ideal de arte, que, por sua especificidade, expressa mais plenamente os movimentos da alma. Exatamente música na era do romantismo assumiu um lugar de liderança no sistema de artes.

Este artigo examina o conteúdo e as características do estilo criativo de Franz Schubert no contexto da arte musical romântica.

O objetivo da obra é revelar a imagem criativa de Schubert, generalizar a contribuição do compositor para o romantismo europeu do século XIX e destacar as características especiais da música dessa época.

Durante o trabalho é necessário resolver as seguintes tarefas:

1) revelar os traços estilísticos da música do romantismo, seus pré-requisitos e traços característicos;

2) considerar Franz Schubert o primeiro compositor do romantismo;

3) analisar a imagem criativa de Schubert e as características de sua obra;

4) analisar as obras de Franz Schubert.

O trabalho é composto por uma introdução, dois capítulos principais, uma conclusão, uma lista de referências e um apêndice.

CAPÍTULO 1. CRIATIVIDADE DE SCHUBERT NO CONTEXTO DO ROMANTISMO EUROPEU

Romantismo na música europeia do século XIX. Recursos de estilo

A era do romantismo é um dos períodos mais interessantes e agitados da história da humanidade. A Revolução Francesa, as formidáveis ​​campanhas de Napoleão, o redesenho do mapa da Europa, a quebra do velho modo de vida e das relações humanas centenárias - tal foi o tempo que os primeiros românticos encontraram.

A mudança nas tendências artísticas foi consequência das enormes mudanças sociais que marcaram a vida social da Europa na virada dos dois séculos.

O pré-requisito mais importante para esse fenômeno na arte dos países europeus foi o movimento das massas, despertado pela Grande Revolução Francesa.

A revolução, que abriu uma nova era na história da humanidade, levou a um tremendo aumento na força espiritual dos povos da Europa. A luta pelo triunfo dos ideais democráticos caracteriza a história europeia do período em análise.

Intrinsecamente ligado ao movimento de libertação popular, surgiu um novo tipo de artista - uma figura pública avançada que lutou pela completa emancipação das forças espirituais do homem, pelas mais altas leis da justiça. Não apenas escritores como Shelley, Heine ou Hugo, mas também músicos muitas vezes defendiam suas convicções pegando uma caneta. Alto desenvolvimento intelectual, ampla visão ideológica, consciência civil caracterizam Weber, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner, Liszt e muitos outros compositores do século XIX.

Ao mesmo tempo, o fator decisivo na formação da ideologia dos artistas da nova época foi a profunda decepção do público em geral com os resultados da Grande Revolução Francesa. A natureza ilusória dos ideais do Iluminismo foi revelada. Os princípios de "liberdade, igualdade e fraternidade" permaneceram um sonho utópico. O sistema burguês, que substituiu o regime feudal-absolutista, se distinguiu por formas impiedosas de exploração das massas.

Enganados na melhor das esperanças, incapazes de aceitar a realidade, os artistas do novo tempo manifestaram seu protesto contra a nova ordem das coisas.

Assim surgiu uma nova direção artística - o romantismo.
Belinsky escreve em seus escritos:

“O romantismo não pertence apenas à arte, não apenas à poesia: sua fonte está no que a fonte da arte e da poesia é na vida... , o mais íntimo da vida de seu coração. No peito e no coração do homem; sentimentos, o amor é uma manifestação ou ação do romantismo e, portanto, quase todas as pessoas são românticas. A esfera do romantismo é “o solo misterioso da alma e do coração, de onde surgem todas as aspirações indefinidas para o melhor e o sublime, tentando encontrar satisfação nos ideais criados pela fantasia”.

A denúncia da estreiteza burguesa, do filistinismo inerte, do filistinismo forma a base da plataforma ideológica do romantismo. Determinava principalmente o conteúdo dos clássicos artísticos da época. Mas é precisamente na natureza da atitude crítica à realidade capitalista que reside a diferença entre suas duas correntes principais; revela-se em função dos interesses de que círculos sociais esta ou aquela arte reflecte objectivamente.

O romantismo na arte como um todo é um fenômeno complexo e heterogêneo. Cada uma das duas principais correntes mencionadas acima tinha suas próprias variedades e nuances. Em cada cultura nacional, dependendo do desenvolvimento sociopolítico do país, sua história, a constituição psicológica do povo, as tradições artísticas, as características estilísticas do romantismo assumiram formas peculiares. Daí a multiplicidade de suas ramificações nacionais características. E mesmo na obra de artistas românticos individuais, correntes de romantismo diferentes, às vezes contraditórias, às vezes cruzadas, entrelaçadas.

A libertação do indivíduo da psicologia da sociedade feudal levou à afirmação do alto valor do mundo espiritual do homem. A profundidade e variedade de experiências emocionais são de grande interesse para os artistas. A sutil elaboração de imagens líricas e psicológicas é uma das principais conquistas da arte do século XIX. Verdadeiramente refletindo a complexa vida interior das pessoas, o romantismo abriu uma nova esfera de sentimentos na arte.

E na criatividade musical, o tema da “confissão lírica” adquire importância dominante, especialmente as letras de amor, que revelam mais plenamente o mundo interior do “herói”. Este tema percorre como um fio vermelho toda a arte do romantismo, dos romances de câmara de Schubert às sinfonias monumentais de Berlioz, aos grandiosos dramas musicais de Wagner. Nenhum dos compositores clássicos criou na música imagens tão diversas e finamente delineadas da natureza, imagens tão convincentemente desenvolvidas de langor e sonhos, sofrimento e explosão espiritual, como os românticos.

O tema heróico-revolucionário soa de uma maneira nova nas obras dos românticos, que foi uma das principais na obra musical da "era gluco-Beethoven". Refratada através do humor pessoal do artista, adquire uma aparência patética característica. Ao mesmo tempo, em contraste com as tradições clássicas, o tema do heroísmo entre os românticos é interpretado não em uma refração nacional universal, mas enfaticamente patriótica.

Para a arte musical da nova era, o interesse pela cultura nacional teve consequências de enorme significado.

O século XIX é caracterizado pelo florescimento de escolas de música nacionais baseadas nas tradições da arte popular. Isso se aplica não apenas aos países que já nos dois séculos anteriores produziram compositores de importância mundial (como Itália, França, Áustria, Alemanha). Várias culturas nacionais (Rússia, Polônia, República Tcheca, Noruega e outras), que até então permaneciam na sombra, apareceram no cenário mundial com suas próprias escolas nacionais independentes, muitas das quais começaram a desempenhar um papel importante e por vezes um papel de liderança no desenvolvimento da música pan-europeia.

Nos tempos modernos, no entanto, a confiança no local, "local", nacional torna-se o momento decisivo da arte musical. As realizações pan-europeias são doravante compostas pelas contribuições de muitas escolas nacionais distintas.

Como resultado do novo conteúdo ideológico da arte, surgiram novas técnicas expressivas, características de todos os diversos ramos do romantismo. Essa semelhança nos permite falar da unidade do método artístico do romantismo como um todo, que o distingue igualmente tanto do classicismo do Iluminismo quanto do realismo crítico do século XIX. É igualmente característico dos dramas de Hugo, da poesia de Byron e dos poemas sinfônicos de Liszt.

Podemos dizer que a principal característica deste método é o aumento da expressividade emocional. O artista romântico transmitia em sua arte uma animada ebulição de paixões, que não se encaixava nos esquemas usuais da estética iluminista. A primazia do sentimento sobre a razão é um axioma da teoria do romantismo. No grau de excitação, paixão, colorido das obras de arte do século XIX, em primeiro lugar, manifesta-se a originalidade da expressão romântica. Não é por acaso que a música, cuja especificidade expressiva correspondia mais plenamente à estrutura romântica dos sentimentos, foi declarada pelos românticos uma forma ideal de arte.

Uma característica igualmente importante do método romântico é a ficção fantástica. O mundo imaginário, por assim dizer, eleva o artista acima da realidade pouco atraente. Segundo Belinsky, a esfera do romantismo era aquele “solo da alma e do coração, de onde brotam todas as aspirações indefinidas para o melhor e o sublime, tentando encontrar satisfação nos ideais criados pela fantasia.

Essa profunda necessidade dos artistas românticos foi soberbamente respondida pela nova esfera fabulosamente panteísta das imagens, emprestadas do folclore, das antigas lendas medievais. Para a criatividade musical do século XIX, foi, como veremos mais adiante, de suma importância.

As novas conquistas da arte romântica, que enriqueceram significativamente a expressividade artística em relação à fase classicista, incluem a exibição dos fenômenos em sua contradição e unidade dialética. Superando as distinções condicionais inerentes ao classicismo entre o reino do sublime e o mundano, os artistas do século XIX uniram deliberadamente os conflitos da vida, enfatizando não apenas seu contraste, mas também sua conexão interna. Um princípio semelhante de "dramaturgia da antítese" está subjacente a muitas obras desse período. É típico do teatro romântico de Hugo, das óperas de Meyerbeer, dos ciclos instrumentais de Schumann, Berlioz.

Os traços característicos do método da nova arte do século XIX devem incluir também a atração pela concretude figurativa, que é enfatizada pelo delineamento de detalhes característicos. O detalhamento é um fenômeno típico da arte dos tempos modernos, mesmo para o trabalho daquelas figuras que não eram românticas. Na música, essa tendência se manifesta no desejo de refinamento máximo da imagem, de uma diferenciação significativa da linguagem musical em comparação com a arte do classicismo.

A formação artística formal do romantismo foi formada nas correntes estilísticas do rococó e do sentimentalismo, mas uma mudança decisiva na consciência ocorreu sob a influência da Revolução Francesa. De particular interesse foi a tentativa de resolver o problema da liberdade e profunda decepção - o fim malsucedido dessa tentativa.

Escritores, artistas, músicos testemunharam eventos históricos grandiosos, convulsões revolucionárias que transformaram a vida de forma irreconhecível. Muitos deles acolheram com entusiasmo as mudanças, admiraram a proclamação das ideias de Liberdade, Igualdade e Fraternidade.

Mas, com o passar do tempo, perceberam que a nova ordem social estava longe da sociedade que os filósofos do século XVIII prefiguravam. É hora da decepção.

Na filosofia e na arte do início do século, ressoavam notas trágicas de dúvida sobre a possibilidade de transformar o mundo segundo os princípios da Razão. As tentativas de fugir da realidade e ao mesmo tempo compreendê-la provocaram o surgimento de um novo sistema de visão de mundo - o Romantismo.

A síntese das artes, cantada pelos românticos, influenciou os meios de expressão musical. A melodia tornou-se mais individual, sensível à poética da palavra, e o acompanhamento deixou de ser neutro e típico na textura.

A harmonia foi enriquecida com cores inéditas para contar as experiências do herói romântico. Assim, as entonações românticas do langor transmitiam perfeitamente as harmonias alteradas que intensificam a tensão. Os românticos também adoravam o efeito de claro-escuro, quando o maior era substituído pelo menor de mesmo nome, e os acordes dos degraus laterais e a bela justaposição de teclas. Novos efeitos também foram encontrados nos modos naturais, especialmente quando era necessário transmitir o espírito folclórico ou imagens fantásticas na música.

Em geral, a melodia dos românticos prezava pela continuidade do desenvolvimento, rejeitava qualquer repetição automática, evitava a regularidade dos acentos e respirava expressividade em cada um de seus motivos. E a textura tornou-se um elo tão importante que seu papel é comparável ao da melodia.

Disse: "Nunca peça nada! Nunca e nada, e principalmente para aqueles que são mais fortes que você. Eles vão oferecer e dar tudo sozinhos!

Esta citação da obra imortal "O Mestre e Margarita" caracteriza a vida do compositor austríaco Franz Schubert, familiar à maior parte da canção "Ave Maria" ("Terceira Canção de Ellen").

Durante sua vida, ele não lutou pela fama. Embora as obras do austríaco fossem distribuídas de todos os salões de Viena, Schubert vivia extremamente mal. Certa vez o escritor pendurou sua sobrecasaca na sacada com os bolsos virados do avesso. Esse gesto foi dirigido aos credores e significava que não havia mais nada a tirar de Schubert. Conhecendo a doçura da glória apenas fugazmente, Franz morreu aos 31 anos. Mas séculos depois, esse gênio musical tornou-se reconhecido não só em sua terra natal, mas em todo o mundo: a herança criativa de Schubert é imensa, compôs cerca de mil obras: canções, valsas, sonatas, serenatas e outras composições.

Infância e juventude

Franz Peter Schubert nasceu na Áustria, não muito longe da pitoresca cidade de Viena. O menino superdotado cresceu em uma família pobre comum: seu pai, o professor Franz Theodor, veio de uma família camponesa, e sua mãe, a cozinheira Elisabeth (nascida Fitz), era filha de um reparador da Silésia. Além de Franz, o casal criou mais quatro filhos (dos 14 filhos nascidos, 9 morreram na infância).

Não é de surpreender que o futuro maestro tenha demonstrado amor pelas notas desde cedo, porque a música “fluía” constantemente em sua casa: Schubert Sr. adorava tocar violino e violoncelo como um amador, e o irmão de Franz gostava de piano e cravo. Franz Jr. estava cercado por um delicioso mundo de melodias, pois a hospitaleira família Schubert frequentemente recebia convidados, organizando noites musicais.

Percebendo o talento de seu filho, que aos sete anos tocava música nas teclas sem estudar as notas, os pais atribuíram Franz à escola paroquial Lichtental, onde o menino tentou dominar o órgão, e M. Holzer ensinou o jovem Schubert a arte vocal, que ele dominou até a fama.

Quando o futuro compositor tinha 11 anos, foi aceito como coralista na capela da corte, localizada em Viena, e também se matriculou em uma escola com uma pensão Konvikt, onde fez seus melhores amigos. Em uma instituição de ensino, Schubert aprendeu zelosamente o básico da música, mas matemática e latim eram ruins para o menino.

Vale dizer que ninguém duvidou do talento do jovem austríaco. Wenzel Ruzicka, que ensinou a Franz a voz de baixo de uma composição musical polifônica, declarou certa vez:

“Não tenho nada para ensiná-lo! Ele já sabe tudo do Senhor Deus.

E em 1808, para deleite de seus pais, Schubert foi aceito no coro imperial. Quando o menino tinha 13 anos, ele escreveu independentemente sua primeira composição musical séria e, após 2 anos, o reconhecido compositor Antonio Salieri começou a trabalhar com o jovem, que nem recebeu uma recompensa monetária do jovem Franz.

Música

Quando a voz juvenil sonora de Schubert começou a falhar, o jovem compositor, por razões óbvias, foi forçado a deixar Konvikt. O pai de Franz sonhou que ele entraria no seminário de professores e seguiria seus passos. Schubert não resistiu à vontade de seus pais, então, após a formatura, começou a trabalhar em uma escola onde ensinava o alfabeto até o ensino fundamental.

No entanto, um homem cuja vida era uma paixão pela música, o nobre trabalho de um professor não era do seu agrado. Portanto, entre as lições que Franz só despertavam desprezo, ele se sentava à mesa e compunha obras, e também estudava as obras de e Gluck.

Em 1814 escreveu a ópera O Castelo do Prazer de Satã e uma Missa em Fá Maior. E aos 20 anos, Schubert tornou-se autor de pelo menos cinco sinfonias, sete sonatas e trezentas canções. A música não saiu nem por um minuto do pensamento de Schubert: o talentoso escritor acordou ainda no meio da noite para ter tempo de escrever a melodia que soou em um sonho.

Em seu tempo livre, o austríaco organizava noites musicais: conhecidos e amigos íntimos apareciam na casa de Schubert, que não deixava o piano e muitas vezes improvisava.

Na primavera de 1816, Franz tentou conseguir um emprego como chefe da capela do coro, mas seus planos não estavam destinados a se tornar realidade. Logo, graças a amigos, Schubert conheceu o famoso barítono austríaco Johann Fogal.

Foi esse intérprete de romances que ajudou Schubert a se firmar na vida: ele cantava canções com o acompanhamento de Franz nos salões de música de Viena.

Mas não se pode dizer que o austríaco dominasse o instrumento de teclado com tanta maestria quanto, por exemplo, Beethoven. Ele nem sempre causava a impressão certa no público ouvinte, então Fogal chamava a atenção do público nas apresentações.

Em 1817, Franz tornou-se o autor da música para a canção "Trout" com as palavras de seu homônimo Christian Schubert. O compositor também se tornou famoso graças à música da famosa balada do escritor alemão "The Forest King", e no inverno de 1818 "Erlafsee" de Franz foi publicado por uma editora, embora antes da fama de Schubert, os editores constantemente encontrassem um desculpa para recusar o jovem artista.

Vale a pena notar que, durante os anos de pico de popularidade, Franz adquiriu conhecidos lucrativos. Assim, seus companheiros (o escritor Bauernfeld, o compositor Huttenbrenner, o artista Schwind e outros amigos) ajudaram o músico com dinheiro.

Quando Schubert finalmente se convenceu de sua vocação, em 1818 deixou o trabalho na escola. Mas seu pai não gostou da decisão espontânea de seu filho, então ele privou seu filho adulto de assistência material. Por causa disso, Franz teve que pedir aos amigos um lugar para dormir.

A fortuna na vida do compositor era muito mutável. A ópera Alfonso e Estrella baseada em uma composição de Schober, que Franz considerou seu sucesso, foi rejeitada. Nesse sentido, a situação financeira de Schubert piorou. Também em 1822, o compositor contraiu uma doença que prejudicou sua saúde. Em meados do verão, Franz mudou-se para Zeliz, onde se estabeleceu na propriedade do Conde Johann Esterházy. Lá, Schubert deu aulas de música para seus filhos.

Em 1823, Schubert tornou-se membro honorário dos sindicatos musicais da Estíria e Linz. No mesmo ano, o músico compõe o ciclo de canções "The Beautiful Miller's Woman" com as palavras do poeta romântico Wilhelm Müller. Essas músicas falam sobre um jovem que foi em busca da felicidade.

Mas a felicidade do jovem estava no amor: quando viu a filha do moleiro, a flecha de Cupido atingiu seu coração. Mas o amado chamou a atenção para seu rival, o jovem caçador, então o sentimento alegre e sublime do viajante logo se transformou em tristeza desesperada.

Após o tremendo sucesso de The Beautiful Miller's Girl no inverno e outono de 1827, Schubert trabalhou em outro ciclo chamado The Winter Journey. A música, escrita com as palavras de Muller, distingue-se pelo pessimismo. O próprio Franz chamou sua ideia de "uma grinalda de músicas assustadoras". Vale ressaltar que Schubert escreveu composições tão sombrias sobre amor não correspondido pouco antes de sua própria morte.

A biografia de Franz indica que às vezes ele teve que viver em sótãos em ruínas, onde, à luz de uma tocha acesa, compôs grandes obras em pedaços de papel gorduroso. O compositor era extremamente pobre, mas não queria viver da ajuda financeira de seus amigos.

“O que vai acontecer comigo…”, escreveu Schubert, “provavelmente terei que ir de porta em porta e mendigar pão na minha velhice, como o harpista de Goethe”.

Mas Franz nem imaginava que não teria velhice. Quando o músico estava à beira do desespero, a deusa do destino sorriu para ele novamente: em 1828, Schubert foi eleito membro da Sociedade dos Amigos da Música de Viena e, em 26 de março, o compositor deu seu primeiro concerto. A apresentação foi triunfante, e o salão foi arrancado de aplausos ruidosos. Neste dia, Franz pela primeira e última vez em sua vida aprendeu o que é o verdadeiro sucesso.

Vida pessoal

Em vida, o grande compositor era muito tímido e tímido. Portanto, muitos da comitiva do escritor lucraram com sua credulidade. A situação financeira de Franz tornou-se um obstáculo no caminho da felicidade, porque sua amada escolheu um noivo rico.

O amor de Schubert chamava-se Teresa, a Corcunda. Franz conheceu essa pessoa especial enquanto estava no coro da igreja. Vale a pena notar que a garota loura não era conhecida como uma beleza, mas, pelo contrário, tinha uma aparência comum: seu rosto pálido estava “adornado” com marcas de varíola, e cílios esparsos e brancos “ostentavam” em suas pálpebras .

Mas não foi a aparência que atraiu Schubert na escolha de uma dama do coração. Ele ficou lisonjeado que Teresa ouvia música com admiração e inspiração, e nesses momentos seu rosto assumiu um olhar corado, e a felicidade brilhou em seus olhos.

Mas, como a menina foi criada sem pai, sua mãe insistiu que ela escolhesse o último entre o amor e o dinheiro. Portanto, Gorb se casou com um rico confeiteiro.

As demais informações sobre a vida pessoal de Schubert são muito escassas. Segundo rumores, em 1822 o compositor foi infectado com sífilis - na época uma doença incurável. Com base nisso, podemos supor que Franz não desdenhava visitar bordéis.

Morte

No outono de 1828, Franz Schubert foi atormentado por uma febre de duas semanas causada por uma doença intestinal infecciosa - febre tifóide. Em 19 de novembro, aos 32 anos, faleceu o grande compositor.

O austríaco (de acordo com seu último desejo) foi enterrado no cemitério Waering ao lado do túmulo de seu ídolo, Beethoven.

• Franz Schubert comprou um piano de cauda com o lucro do concerto triunfante em 1828.
• No outono de 1822, o compositor escreveu a "Sinfonia nº 8", que ficou na história como a "Sinfonia Inacabada". O fato é que a princípio Franz criou essa obra na forma de esboço e depois na partitura. Mas, por alguma razão desconhecida, Schubert nunca concluiu o trabalho na ideia. Segundo rumores, as partes restantes do manuscrito foram perdidas e foram mantidas por amigos do austríaco.

• Alguns erroneamente atribuem a Schubert a autoria do título da peça improvisada. Mas a frase "Momento musical" foi cunhada pela editora Leidesdorf.
• Schubert adorava Goethe. O músico sonhava em conhecer melhor esse famoso escritor, mas seu sonho não estava destinado a se tornar realidade.
• A grande sinfonia em dó maior de Schubert foi encontrada 10 anos após sua morte.

• Um asteróide descoberto em 1904 recebeu o nome da peça Rosamund de Franz.
• Após a morte do compositor, restou uma massa de manuscritos inéditos. Durante muito tempo as pessoas não sabiam o que era composto por Schubert.

Discografia

Músicas (mais de 600 no total)

• Ciclo "O Belo Moleiro" (1823)
• Ciclo "Winter Way" (1827)
• Coleção "Canção do Cisne" (1827-1828, póstuma)
• Cerca de 70 músicas para textos de Goethe
• Cerca de 50 músicas para textos de Schiller

Sinfonias

• Primeiro D-dur (1813)
• Segundo B-dur (1815)
• Terceiro D-dur (1815)
• Quarto c-moll "Trágico" (1816)
• Quinta B maior (1816)
• Sexto C-dur (1818)

Quartetos (total 22)

• Quarteto B-dur op. 168 (1814)
• Sol menor quarteto (1815)
• Um quarteto menor op. 29 (1824)
• Quarteto em d-moll (1824-1826)
• Quarteto G-dur op. 161 (1826)

Franz Schubert (31 de janeiro de 1797 - 19 de novembro de 1828) foi um famoso compositor e pianista austríaco. Fundador do romantismo musical. Nos ciclos de canções, Schubert encarnava o mundo espiritual de um contemporâneo - "um jovem do século XIX". Escreveu ok. 600 canções (às palavras de F. Schiller, I.V. Goethe, H. Heine e outros), incluindo dos ciclos “The Beautiful Miller's Woman” (1823), “The Winter Road” (1827, ambas às palavras de W. Muller); 9 sinfonias (incluindo "Unfinished", 1822), quartetos, trios, quinteto de piano "Trout" (1819); sonatas para piano (St. 20), improvisos, fantasias, valsas, latifundiários, etc. Escreveu também obras para violão.

Existem muitos arranjos de obras de Schubert para violão (A. Diabelli, I.K. Mertz e outros).

Sobre Franz Schubert e seu trabalho

Valery Agababov

Músicos e amantes da música vão se interessar em saber que Franz Schubert, sem ter piano em casa há vários anos, usava principalmente o violão para compor suas obras. Sua famosa "Serenata" foi marcada como "para violão" no manuscrito. E se ouvirmos mais atentamente a música melodiosa e simples de F. Schubert, ficaremos surpresos ao notar que muito do que ele escreveu no gênero canção e dança tem um caráter pronunciado de “guitarra”.

Franz Schubert (1797-1828) é um grande compositor austríaco. Nascido na família de um professor de escola. Cresceu no convento vienense, onde estudou baixo geral com V. Ruzicka, contraponto e composição com A. Salieri.

De 1814 a 1818 trabalhou como professor assistente na escola de seu pai. Em torno de Schubert havia um círculo de amigos-admiradores de sua obra (incluindo os poetas F. Schober e I. Mayrhofer, os artistas M. Schwind e L. Kupilviser, o cantor I. M. Fogl, que se tornou um propagandista de suas canções). Esses encontros amistosos com Schubert ficaram na história sob o nome de "Schubertiad". Como professor de música das filhas do Conde I. Esterhazy, Schubert viajou para a Hungria, junto com Vogl viajou para a Alta Áustria e Salzburgo. Em 1828, poucos meses antes da morte de Schubert, ocorreu o concerto de seu autor, que foi um grande sucesso.

O lugar mais importante no legado de F. Schubert é ocupado por canções para voz e piano (cerca de 600 canções). Um dos maiores melodistas, Schubert reformulou o gênero da canção, dotando-o de conteúdo profundo. Schubert criou um novo tipo de canção de desenvolvimento, bem como os primeiros samples altamente artísticos do ciclo vocal ("The Beautiful Miller's Woman", "Winter Way"). Peru pertence a óperas de Schubert, singspiel, missas, cantatas, oratórios, quartetos para vozes masculinas e femininas (ele usou o violão como instrumento de acompanhamento em coros masculinos e op. 11 e 16).

Na música instrumental de Schubert, baseada nas tradições dos compositores da escola clássica vienense, a temática cantônica adquiriu grande importância. Ele criou 9 sinfonias, 8 aberturas. Os exemplos máximos do sinfonismo romântico são a sinfonia lírico-dramática "Unfinished" e a majestosa sinfonia heróica-épica "Big".

A música para piano é uma área importante do trabalho de Schubert. Influenciado por Beethoven, Schubert estabeleceu a tradição da livre interpretação romântica do gênero sonata para piano (23). A fantasia "Andarilho" antecipa as formas "poéticas" dos românticos (F. Liszt). Impromptu (11) e momentos musicais (6) de Schubert são as primeiras miniaturas românticas próximas às obras de F. Chopin e R. Schumann. Minetos de piano, valsas, "danças alemãs", landlers, ecosses, etc. refletiam o desejo do compositor de poetizar gêneros de dança. Schubert escreveu mais de 400 danças.

A obra de F. Schubert está intimamente ligada à arte folclórica austríaca, à música cotidiana de Viena, embora raramente tenha usado temas folclóricos genuínos em suas composições.

F. Schubert é o primeiro grande representante do romantismo musical, que, segundo o acadêmico B.V. Asafiev, expressou "as alegrias e tristezas da vida" da maneira "como a maioria das pessoas sente e gostaria de transmitir".

Revista "Guitarrista", №1, 2004