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No século 18, a maioria dos estados europeus foram abraçados pelo movimento iluminista. Graças às reformas de Pedro EU A Rússia aderiu ativamente a este processo, juntando-se às conquistas da civilização europeia. Sua virada para a Europa, que deu origem ao fenômeno da "europeidade russa", ocorreu de maneira típica russa - de forma abrupta e decisiva. A interação com as escolas de arte mais estabelecidas da Europa Ocidental permitiu que a arte russa seguisse o caminho do "desenvolvimento acelerado", tendo dominado as teorias estéticas europeias, gêneros e formas seculares em um tempo historicamente curto.

A principal conquista do Iluminismo russo é o florescimento da criatividade pessoal, que substitui o trabalho sem nome dos artistas da Rússia Antiga. A fórmula de Lomonosov está sendo implementada: "a terra russa dará à luz seus próprios Platões e Newtons perspicazes".

Está chegando a hora da formação ativa de uma cosmovisão secular. A arte do templo continua seu desenvolvimento, mas gradualmente desaparece em segundo plano na vida cultural da Rússia. A tradição secular é fortalecida de todas as maneiras possíveis.

Na música do XVIII século, como na literatura e na pintura, um novo estilo está se estabelecendo, próximo ao europeu classicismo.

Novas formas de vida da alta sociedade - caminhadas em parques, passeios ao longo do Neva, iluminações, bailes e "mascaradas", assembleias e recepções diplomáticas - contribuíram para o desenvolvimento generalizado música instrumental. Por ordem de Petrava, bandas de metais militares apareceram em cada regimento. Celebrações oficiais, bailes e festividades foram servidos por duas orquestras da corte e um coro da corte. O exemplo da corte foi seguido pela nobreza de São Petersburgo e Moscou, que iniciou orquestras domésticas. Orquestras de fortalezas e teatros musicais também foram criados em propriedades nobres. O fazer musical amador está se espalhando, o ensino de música se torna uma parte obrigatória da educação nobre. No final do século, uma vida musical diversificada caracterizou a vida não apenas de Moscou e São Petersburgo, mas também de outras cidades russas.

Entre as inovações musicais desconhecidas da Europa estava orquestra de trompas , criado pelo músico de câmara imperial russo I A. Maresh em nome de S. K. Naryshkin. Maresh criou um conjunto bem coordenado composto por 36 trompas (3 oitavas). Nela participavam músicos servos, que desempenhavam o papel de "chaves" ao vivo, pois cada trompa só podia emitir um som. O repertório incluía música clássica europeia, incluindo composições complexas de Haydn e Mozart.

Nos anos 30 do XVIII século na Rússia, foi criada a ópera da corte italiana, cujas apresentações eram dadas em feriados para o público "escolhido". Nesta época, São Petersburgo atraiu muitos grandes músicos europeus, principalmente italianos, incluindo os compositores F. Araya, B. Galuppi, J. Paisiello, J. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya em 1755 escreveu música para a primeira ópera com texto russo. Era um libreto de A.P. Sumarokov em um enredo das Metamorfoses de Ovídio. Ópera criada no gênero italiano Series , foi chamado Céfalo e Prócris.

Na era petrina, gêneros musicais nacionais como o concerto partes e o canto continuaram a se desenvolver.

Os Kants da época de Pedro, o Grande, eram frequentemente chamados de "Vivats" porque estão repletos de glorificações de vitórias e transformações militares ("Alegra-te, terra de Rossko"). A música dos cantos de "boas-vindas" é caracterizada por voltas de fanfarra, ritmos solenes da polonaise. Seu desempenho era frequentemente acompanhado pelo som de trombetas e sinos.

A era petrina foi o ápice do desenvolvimento do canto coral das partes. O brilhante mestre do concerto partes V.P. Titov tomou o lugar do primeiro músico na corte do czar Pedro. Foi ele quem foi instruído a escrever um concerto solene por ocasião da vitória de Poltava pelas tropas russas em 1709 ("Rtsy us now" - o nome "Triunfo de Poltava" foi estabelecido por trás da composição).

Em meados do século XVIII No século XX, o desejo de efeitos corais em concertos partidos atingiu formas hipertrofiadas: surgiram composições, cujas partituras somavam até 48 vozes. Na segunda metade do século, um novo fenômeno artístico, um concerto espiritual, substituiu o concerto solene de casal.Assim, durante todo o século XVIII, o canto coral russo percorreu um longo caminho de evolução - desde o monumental estilo partes, evocando associações com o estilo arquitetônico barroco, até os altos exemplos de classicismo na obra de M. S. Berezovsky e D. S. Bortnyansky, que criaram o tipo clássico de concerto espiritual russo.

concerto coral espiritual russo

No XVIII século, o conteúdo de gênero de obras corais expandiu-se significativamente. Houve adaptações corais de canções folclóricas, música de ópera coral, música de dança com coro (o exemplo mais famoso é a polonaise de Kozlovsky "O trovão da vitória ressoa" com as palavras de Derzhavin, que no final XVIII tornou-se o hino nacional do Império Russo).

O principal gênero coral é o concerto espiritual russo, que serviu como uma espécie de símbolo da antiga tradição nacional. O concerto espiritual atingiu seu auge na era Catarina (1762- 1796). Era uma época favorável para a cultura russa. Uma tentativa de reviver o espírito das reformas de Pedro foi amplamente bem-sucedida. Política, economia, ciência e cultura receberam novamente um impulso para o desenvolvimento. A prática de ensinar os mais talentosos representantes da ciência e da arte no exterior foi retomada. Contatos culturais estreitos entre a Rússia e a Europa esclarecida não puderam deixar de influenciar o surgimento das primeiras experiências de criatividade do compositor profissional.

Nesse período, foram criadas mais de 500 obras do gênero concerto. Quase todos os compositores russos da segunda metade conhecidos por nós se voltaram para ele. Século XVIII.

Nascido nas profundezas da polifonia partidária, o concerto espiritual ao longo de seu desenvolvimento integrou dois princípios - a tradição do canto da igreja e o novo pensamento musical secular. O concerto ganhou popularidade tanto como parte culminante do serviço da igreja quanto como adorno das cerimônias da corte. Ele era o foco de temas e imagens que tocavam em profundos problemas morais e filosóficos.

Se “partes concerto pode ser comparado até certo ponto com concerto grosso , então a estrutura do concerto coral clássico tem características comuns com o ciclo sonata-sinfonia. Geralmente consistia em três ou quatro partes diferentes com métodos de apresentação contrastantes, na parte final, via de regra, prevaleciam os métodos de desenvolvimento polifônico.

Compositores estrangeiros de destaque que viveram em São Petersburgo (D. Sarti, B. Galuppi) deram uma grande contribuição para a formação do concerto coral clássico russo. As realizações do auge da música coral russa do Iluminismo estão associadas aos nomes de M.S. Berezovsky e D.S. Bortnyansky.

Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777)

M. S. Berezovsky é um excelente mestre da música coral russa do século XVIII, um dos primeiros representantes da escola nacional de compositores. As obras sobreviventes do compositor são pequenas em volume, mas muito significativas em sua essência histórica e artística. Na cultura musical dos anos 60-70 do século XVIII, abre uma nova etapa - a era do classicismo russo.

O nome de Berezovsky é chamado entre os fundadores do concerto coral clássico a cap p ella : suas obras, juntamente com a obra do compositor italiano Galuppi, representam a primeira etapa no desenvolvimento deste gênero.

O auge de M.S. Berezovsky tornou-se um concerto "Não me rejeite na minha velhice" . Isso é uma obra-prima universalmente reconhecida da música russa do século 18, em pé de igualdade com as mais altas realizações da arte contemporânea europeia. Pequeno em escala, o concerto é percebido como uma obra monumental épica. Sua música, revelando o mundo espiritual diversificado de uma pessoa, atinge a profundidade das emoções e a autenticidade da vida.

Tanto no texto quanto na música do concerto, a entonação pessoal é distintamente ouvida. Este é um discurso em primeira pessoa. Um pedido-súplica, invocando o Todo-Poderoso ( EU parte), é substituído por uma imagem de perseguição de uma pessoa por inimigos malévolos ( II parte - "Casar e imitá-lo") . Em seguida, segue um novo tema - uma oração de esperança ("Meu Deus, você falhou" - III parte), e finalmente, o finale, cheio de pathos protestante, dirigido contra o mal e a injustiça (“Que aqueles que caluniam minha alma sejam envergonhados e pereçam.”) O próprio fato de que todos os temas do concerto têm certas características emocionais específicas fala da novidade fundamental do estilo, que supera a neutralidade abstrata da temática do canto partes.

As quatro partes da obra estão conectadas não apenas por um único conceito dramático e lógica tonal, mas também por fios de entonação: o tema melodioso que soa nos primeiros compassos do concerto torna-se a base entoacional de todas as outras imagens. É especialmente significativo que o grão entoacional inicial se transforme num tema dinâmico e assertivo da fuga final “Que se envergonhem e desapareçam...”, que é o ápice no desenvolvimento de todo o ciclo.

Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)

D.S. Bortnyansky desenvolveu o principal tipo de concerto coral clássico russo, combinando elementos de instrumentalismo musical secular e música sacra vocal na música. Como regra, seus concertos têm três partes, alternadas de acordo com o princípio rápido - lento - rápido. Muitas vezes, a primeira parte, a mais significativa do ciclo, contém sinais de sonata, expressos na comparação de dois temas contrastantes, dispostos em uma relação tônico-dominante. O retorno à tonalidade principal ocorre ao final do movimento, mas sem repetições temáticas.

Bortnyansky possui 35 concertos para um coro misto de 4 vozes, 10 concertos para 2 coros, vários outros hinos da igreja, bem como coros seculares, incluindo a canção coral patriótica "A Singer in the Camp of Russian Warriors" na letra. V. A. Zhukovsky (1812).

Uma das obras profundas e maduras do mestre - Concerto nº 32 marcado por P.I. Tchaikovsky como "o melhor de todos os trinta e cinco". Seu texto é retirado do Salmo 38 da Bíblia, onde há tais linhas: “Dize-me, Senhor, o meu fim e o número dos meus dias, para que eu saiba qual é a minha idade... Ouve, Senhor, a minha oração , e atende ao meu clamor; não se cale às minhas lágrimas ... ". Há três movimentos no concerto, mas não há contraste entre eles. A música se distingue pela unidade do humor tristemente elegíaco e pela integridade da temática. A primeira parte abre com um tema a três vozes e que lembra o Salmo XVII século. A segunda parte é um pequeno episódio de um estrito armazém coral. O final detalhado, escrito em forma de fuga, excede o tamanho das duas primeiras partes. A música do final é dominada por uma sonoridade calma e suave, transmitindo a oração moribunda de uma pessoa que está morrendo.

Coleções de músicas russas

Para toda a cultura russa avançada XVIII século é caracterizado por um profundo interesse pelo modo de vida, costumes e costumes do povo. Começa a coleta sistemática e o estudo do folclore. O famoso escritor Mikhail Dmitrievich Chulkov compila a primeira coleção russa de textos de canções folclóricas.

Pela primeira vez, são feitas notações musicais de canções folclóricas, aparecem coleções impressas com seus arranjos: Vasily Fedorovich Trutovsky ("Coleção de canções simples russas com notas"), Nikolai Alexandrovich Lvov e Ivan Prach (“Coleção de canções folclóricas russas com suas vozes”).

A coleção Lvov-Prach inclui 100 canções, muitas das quais são exemplos clássicos do folclore russo: “Oh, você, dossel, meu dossel”, “Havia uma bétula no campo”, “Seja no jardim, no jardim” . No prefácio da coleção (“Sobre o canto folclórico russo”), N. Lvov pela primeira vez na Rússia destacou a originalidade única da polifonia coral folclórica russa.

As músicas dessas coleções foram usadas tanto por amantes da música quanto por compositores que as emprestaram para suas obras - óperas, variações instrumentais, aberturas sinfônicas.

Em meados do século XVIII século, há uma coleção única de épicos russos e canções históricas chamado "Coleção de Kirsha Danilov" . Não há informações confiáveis ​​sobre seu compilador. Supõe-se que Kirsha Danilov (Kirill Danilovich) era um cantor-improvisador, um bufão que vivia nos Urais mineiros. Ele gravou as melodias das músicas em uma linha sem texto, que é colocada separadamente.

Escola Nacional de Compositores da Rússia

Formação na segunda metade do séc. XVIII século do primeiro secular na Rússia escola de compositores. Seu nascimento foi o culminar do Iluminismo russo . O berço da escola foi São Petersburgo, onde floresceu o talento de seus representantes mais brilhantes. Entre eles estão os fundadores da ópera russa V.A. Pashkevich e E.I. Fomin, mestre da música instrumental I.E. Khandoshkin, excelentes criadores do concerto espiritual clássico M.S. Berezovsky e D.S. Bortnyansky, os criadores da câmara "canção russa" O.A. Kozlovsky e F. M. Dubiansky e outros.

A maioria dos compositores russos veio do meio popular. Eles absorveram o som animado do folclore russo desde a infância. Natural e lógica, portanto, foi a inclusão de canções folclóricas na música de ópera russa (óperas de V. A. Pashkevich e E. I. Fomin), em composições instrumentais (criatividade de I. E. Khandoshkin).

De acordo com a tradição dos séculos anteriores, os gêneros vocais, tanto seculares quanto templos, desenvolveram-se mais amplamente no Iluminismo. Entre eles estão o concerto coral espiritual, a ópera cômica e a canção de câmara. Assim como no folclore, nesses gêneros a atitude para com a palavra como base prioritária da música é preservada. O libretista é considerado o autor da ópera, e o poeta é considerado o autor da canção; o nome do compositor muitas vezes permaneceu nas sombras e, com o tempo, foi esquecido.

ópera cômica russa

Nascimento da Escola Nacional de Compositores XVIII séculos esteve intimamente ligado ao desenvolvimento da ópera russa. Começou com uma comédia musical, que contou com as obras de comédia de escritores e poetas russos: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky.

A ópera cômica era cotidiana em seu conteúdo, com um enredo descomplicado, mas fascinante, da vida cotidiana russa. Seus heróis eram camponeses perspicazes, servos, pessoas ricas mesquinhas e gananciosas, garotas ingênuas e bonitas, nobres maus e gentis.

A dramaturgia baseava-se na alternância de diálogos conversacionais com números musicais baseados em russos músicas folk. Os poetas indicavam no libreto para qual “voz” (canção popular) uma ou outra ária deveria ser cantada. Um exemplo é a ópera russa mais amada XVIII século "Melnik é um feiticeiro, um enganador e um casamenteiro" (1779) A. Ablesimov com música de M. Sokolovsky. O dramaturgo A. O. Ablesimov imediatamente escreveu seus textos com base em um determinado material de música. A contribuição de M. Sokolovsky consistiu no processamento de canções, o que poderia muito bem ter sido feito por outro músico (não é por acaso que a autoria da música foi atribuída a E. Fomin por muito tempo).

O florescimento da ópera cômica foi facilitado pelo talento de destacados atores russos - E.S. Yakovleva (no casamento de Sandunova, no palco - Uranova), atriz serva P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevsky.

Um papel de destaque no desenvolvimento da ópera russa XVIII século jogado Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742-1797) um dos maiores compositores russos XVIII século. As melhores de suas óperas (Infortúnio da carruagem, Miserly, St. Petersburg Gostiny Dvor) eram muito populares; XIX século. Pashkevich era um mestre da escrita em conjunto, caracterizações cômicas afiadas e bem direcionadas. Reproduzindo com sucesso as entonações da fala em partes vocais, ele antecipou os princípios que mais tarde caracterizam o método criativo de Dargomyzhsky e Mussorgsky.

Um artista multi-talentoso provou-se na ópera Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). Sua ópera "Cocheiros na base" .(1787) distingue-se pelo domínio do processamento coral de melodias folclóricas de vários gêneros. Para cada música, ele encontrou seu próprio estilo de processamento. A ópera apresenta as canções persistentes “O rouxinol não canta na casa do pai” e “O falcão voa alto”, canções de dança animadas “A bétula se enfureceu no campo”, “Jovem jovem, jovem jovem”, “De debaixo do carvalho, de sob o olmo”. Várias músicas selecionadas para o "Coachmen", três anos depois, quase inalteradas, entraram na "Coleção de Canções Folclóricas Russas" de N.L. Lvova - I. Pracha.

Em sua outra obra, o melodrama Orfeu (baseado em um texto de Y. Knyaznin baseado em um mito antigo, 1792), Fomin incorporou pela primeira vez um tema trágico em uma ópera russa. A música do melodrama tornou-se uma das criações mais importantes da arte russa do Iluminismo.

Na abertura, que antecedeu o melodrama, o talento de Fomin como sinfonista foi totalmente revelado. Nele, o compositor, com um incrível senso de estilo, conseguiu transmitir o pathos trágico de um mito antigo. De fato, Fomin deu o primeiro passo para a criação do sinfonismo russo. Assim, nas entranhas do teatro, como na Europa Ocidental, nasceu a futura sinfonia russa.

As óperas de Fomin foram apreciadas apenas no meio XX século. Durante a vida do compositor, seu destino no palco não foi feliz. A ópera "Coachmen on a Frame", escrita para home theater, permaneceu desconhecida do grande público. A encenação da ópera cômica The Americans (com libreto do jovem I.A. Krylov) foi proibida (o diretor dos teatros imperiais não gostou que, durante o desenvolvimento da trama, os índios queimassem dois europeus).

Letras vocais domésticas

O nascimento de uma nova camada de folclore foi de grande importância reformadora na arte popular - canção urbana.Surgiu a partir de uma canção folclórica camponesa, que se "adaptava" à vida urbana - uma nova forma de execução: sua melodia era acompanhada de acordes de algum instrumento.

Em meados do século XVIII século na Rússia, um novo tipo de música vocal está surgindo - "canção russa" . As chamadas obras para voz com acompanhamento instrumental, escritas em textos poéticos russos. Com conteúdo lírico, as "canções russas" foram as precursoras do romance russo.

O ancestral da "canção russa" era um dignitário proeminente na corte de Catarina II , um amante da música educado Grigory Nikolaevich Teplov , autor do primeiro cancioneiro impresso russo “Entretanto, ociosidade...” (1759) Em termos de estilo e forma de apresentação, as canções de Teplov representam um gênero de transição do canto ao romance com acompanhamento. A forma de suas canções é geralmente dístico.

O gênero da "canção russa" estava intimamente ligado à tradição folclórica. Não é de surpreender, portanto, que muitas canções de autores tenham se tornado folclóricas ("Aqui a troika postal corre" de Ivan Rupin com a letra de F. N. Glinka).

No final do XVIII séculos, mestres talentosos do gênero vocal de câmara estão sendo promovidos - Fedor Dubyansky e Osip Kozlovsky . As “canções russas” criadas por eles, que já possuem uma parte de piano bastante desenvolvida e uma forma mais complexa, podem ser consideradas os primeiros romances russos. Ecos da vida urbana são claramente audíveis neles (“The Dove Dove Moans” de Dubyansky, “Sweet Evening Sat”, “A Cruel Fate” de Kozlovsky).

As "canções russas" poemas amplamente utilizados por poetas famosos: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Com seu conteúdo figurativo, estão associados aos humores típicos da arte. sentimentalismo. Via de regra, são letras de amor: os tormentos e as delícias do amor, a separação, a traição e o ciúme, "uma paixão cruel".

As "canções russas" anônimas publicadas por F. Meyer ("Coleção das melhores canções russas", 1781) também foram muito populares.

Música instrumental de câmara

Nos anos 70-80 do século XVIII século, a formação do instrumentalismo de câmara profissional começou na Rússia. Nessa época, os músicos russos dominavam as formas complexas da música instrumental, desenvolvendo os gêneros de sonata solo, variações e conjunto de câmara. Esse processo estava intimamente ligado à disseminação onipresente da produção musical caseira. Por muito tempo, a música da vida urbana ou da propriedade permaneceu o “meio nutritivo” no qual amadureceram os primeiros brotos do estilo instrumental nacional.

Os primeiros conjuntos instrumentais russos pertencem a Dmitry Bortnyansky. Trata-se de um quinteto de piano e da Sinfonia de Câmara, que na verdade é um septeto para piano, harpa, dois violinos, viola da gamba, fagote e violoncelo.

Especialmente favoritos eram todos os tipos de peças de dança - minuetos, polonesas, ecosses, danças campestres - e variações sobre os temas de canções folclóricas para vários instrumentos. Muitas dessas variações para o violino criadas Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804), um representante da escola de São Petersburgo - compositor, violinista, maestro e professor virtuoso excepcional, Khandoshkin era famoso pela arte da improvisação, ele também era bom em tocar viola, violão e balalaica.

Na história da música russa, o nome de Khandoshkin está associado à criação da escola nacional de violino. A maior parte de sua herança criativa é composta por variações sobre temas de canções folclóricas russas e sonatas para violino, dois violinos, violino e viola ou violino com baixo. Com essas composições, a música instrumental de câmara russa saiu pela primeira vez do círculo fechado de fazer música em casa, adquirindo um alcance virtuoso. Também é importante que eles alcancem uma unidade bastante orgânica da língua instrumental europeia e do folclore russo. Pesquisadores acreditam que as melodias de algumas das canções tomadas pelo compositor como temas para variações foram gravadas por ele pela primeira vez.

Variações de temas russos para piano foram escritas por Trutovsky (por exemplo, sobre o tema da música folclórica “Na floresta havia muitos mosquitos), Karaulov, bem como músicos estrangeiros que trabalhavam na Rússia.

O papel dos músicos estrangeiros no desenvolvimento da música russa foi duplo. As justas censuras do público avançado foram causadas pela admiração cega dos círculos aristocráticos por tudo o que é estrangeiro, associada à subestimação da arte russa. Ao mesmo tempo, as atividades de compositores, intérpretes e professores estrangeiros contribuíram para a ascensão geral da cultura musical e a formação de músicos profissionais nacionais.

O destino de sua herança criativa é dramático: a maioria das obras do compositor, que foram executadas ao longo do século XIX, permaneceram manuscritas e foram mantidas na Capela de Canto da Corte. Nas primeiras décadas XX século, todo o arquivo mais rico da capela com autógrafos únicos de muitos compositores russos foi queimado.

Sucesso e reconhecimento, o patrocínio das pessoas mais altas chegou a Berezovsky cedo. Já em tenra idade, tendo se tornado famoso na Rússia, ele logo se tornou o primeiro compositor russo a ser aceito como membro da famosa Academia de Bolonha. No entanto, apesar de todas as altas distinções, depois de retornar à sua terra natal após uma estadia de 9 anos no exterior, Maxim Berezovsky não conseguiu alcançar nenhuma posição notável. Sua inscrição na Capela da Corte para o modesto cargo de funcionário comum claramente não correspondia nem à experiência estrangeira adquirida nem às possibilidades criativas. Obviamente, isso causou ao compositor um sentimento de amarga decepção, embora suas composições espirituais corais fossem aprendidas por todos os amantes do canto da igreja e muito apreciadas por seus contemporâneos. capela, militares e servos orquestras, teatros privados ou foram educados em casa. No ambiente cultural XVIII No século XX, a música ocupava a posição mais baixa, era inteiramente dependente do clientelismo, e o próprio músico na sociedade aristocrática ocupava a posição de semi-servo. As criações de autores russos eram frequentemente consideradas música de "segunda classe" em comparação com as obras de alemães ou italianos. Nem um único mestre doméstico alcançou uma alta posição na corte.

O esperto e astuto moleiro Thaddeus, fingindo ser um feiticeiro todo-poderoso, confundiu completamente a cabeça de seus ingênuos vizinhos. No entanto, tudo termina com um feliz casamento da menina Anyuta e do belo rapaz da aldeia Filimon.

Na estação postal - uma armação - os cocheiros se reúnem. Entre eles está o jovem cocheiro Timofey, que teve sucesso tanto no rosto, no intelecto e na destreza. Com ele está uma jovem e bela esposa, Fadeevna, que ama o marido. Mas Timothy tem um inimigo invejoso e pior - o ladrão e desonesto Filka Prolaza. Este Filka sonha em vender o sortudo Timothy como recruta e tomar posse de sua esposa, que há muito o atrai. E Timothy teria sido um soldado, se não fosse um oficial de passagem. Ele ajuda a libertar Timothy como o único ganha-pão de uma família camponesa do serviço. O próprio Filka entra nos soldados.

O melodrama é uma peça teatral com música que se alterna com a recitação e, às vezes, é executada simultaneamente com a pronúncia do texto.

O classicismo musical e as principais etapas de seu desenvolvimento

Classicismo (de lat. сlassicus - exemplar) - um estilo de arte dos séculos XVII - XVIII. O nome "classicismo" vem do apelo à antiguidade clássica como o mais alto padrão de perfeição estética. Representantes do classicismo extraíram seu ideal estético de amostras de arte antiga. O classicismo baseava-se na crença na razoabilidade do ser, na presença de ordem e harmonia na natureza e no mundo interior do homem. A estética do classicismo contém a soma de regras estritas obrigatórias que uma obra de arte deve cumprir. O mais importante deles é a exigência de equilíbrio entre beleza e verdade, clareza lógica, harmonia e completude da composição, proporções estritas e uma clara distinção entre gêneros.

No desenvolvimento do classicismo, 2 etapas são observadas:

Classicismo do século XVII, que se desenvolveu em parte na luta com a arte do barroco, em parte na interação com ela.

Classicismo iluminista do século XVIII.

O classicismo do século XVII é, em muitos aspectos, a antítese do barroco. Recebe sua expressão mais completa na França. Este foi o apogeu da monarquia absoluta, que forneceu o mais alto patrocínio à arte da corte e exigiu pompa e esplendor dela. As tragédias de Corneille e Racine, assim como as comédias de Molière, em cuja obra Lully se baseou, tornaram-se o auge do classicismo francês no campo da arte teatral. Suas "tragédias líricas" trazem a marca do impacto do classicismo (lógica estrita de construção, heroísmo, caráter contido), embora também tenham traços barrocos - o esplendor de suas óperas, a abundância de danças, procissões, coros.

O classicismo do século XVIII coincidiu com o Iluminismo. O Iluminismo é um amplo movimento na filosofia, literatura e arte que envolveu todos os países europeus. O nome "Iluminismo" se explica pelo fato de que os filósofos desta época (Voltaire, Diderot, Rousseau) buscaram educar seus concidadãos, tentaram resolver questões da estrutura da sociedade humana, da natureza humana e de seus direitos. Os iluministas partiram da ideia da onipotência da mente humana. A fé em uma pessoa, em sua mente, determina o humor brilhante e otimista inerente às visões das figuras do Iluminismo.

A ópera está no centro das disputas musicais e estéticas. Os enciclopedistas franceses o consideravam um gênero em que deveria ser restaurada a síntese das artes que existiam no teatro antigo. Essa ideia formou a base de K.V. Gluck.

A grande conquista do classicismo iluminista é a criação do gênero da sinfonia (ciclo sonata-sinfonia) e da forma sonata, que está associada à obra de compositores da escola de Mannheim. A escola de Mannheim foi formada na cidade de Mannheim (Alemanha) em meados do século XVIII com base em uma capela da corte, na qual trabalhavam principalmente músicos tchecos (o maior representante foi o tcheco Jan Stamitz). No trabalho dos compositores da escola de Mannheim, a estrutura de 4 partes da sinfonia e a composição clássica da orquestra foram estabelecidas.

A escola de Mannheim tornou-se a precursora da escola clássica vienense - uma direção musical que denota a obra de Haydn, Mozart, Beethoven. Na obra dos clássicos vienenses, formou-se finalmente o ciclo sonata-sinfonia, que se tornou um clássico, assim como os gêneros de conjunto de câmara e concerto.

Entre os gêneros instrumentais, vários tipos de música de entretenimento cotidiano eram especialmente populares - serenatas, diversões que soavam ao ar livre à noite. Divertimento (entretenimento francês) - obras instrumentais de várias partes para um conjunto de câmara ou orquestra, combinando as características de uma sonata e uma suíte e perto de uma serenata, noturna.

K. V. Gluck - o grande reformador da ópera

Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - um alemão de nascimento (nascido em Erasbach (Baviera, Alemanha)), no entanto, é um dos representantes proeminentes da escola clássica vienense.

As atividades de reforma de Gluck ocorreram em Viena e Paris e foram realizadas de acordo com a estética do classicismo. No total, Gluck escreveu cerca de 40 óperas - italianas e francesas, bufas e serias, tradicionais e inovadoras. Foi graças a este último que ele garantiu um lugar de destaque na história da música.

Os princípios da reforma de Gluck são descritos em seu prefácio à partitura da ópera Alceste. Eles se resumem a isso:

A música deve expressar o texto poético da ópera; ela não pode existir sozinha, fora da ação dramática. Assim, Gluck reforça significativamente o papel da base literária e dramática da ópera, subordinando a música ao drama.

A ópera deve ter um impacto moral sobre uma pessoa, daí o apelo a temas antigos com seu alto pathos e nobreza (“Orfeu e Eurídice”, “Paris e Helena”, “Iphigenia in Aulis”). G. Berlioz chamou Gluck de "Ésquilo da música".

A ópera deve respeitar os "três grandes princípios da beleza em todas as artes" - "simplicidade, verdade e naturalidade". É preciso livrar a ópera do virtuosismo excessivo e da ornamentação vocal (inerente à ópera italiana), tramas intrincadas.

Não deve haver um contraste acentuado entre a ária e o recitativo. Gluck substitui o recitativo secco por um acompanhamento, pelo que se aproxima de uma ária (na ópera séria tradicional, os recitativos serviam apenas como ligação entre os números dos concertos).

Gluck também interpreta as árias de uma maneira nova: ele introduz características de liberdade de improvisação, conecta o desenvolvimento do material musical com uma mudança no estado psicológico do herói. Árias, recitativos e coros combinam-se em grandes cenas dramáticas.

A abertura deve antecipar o conteúdo da ópera, introduzir os ouvintes em sua atmosfera.

O balé não deve ser um número intersticial que não esteja relacionado com a ação da ópera. Sua introdução deve ser determinada pelo curso da ação dramática.

A maioria desses princípios foi incorporada na ópera Orfeu e Eurídice (estreada em 1762). Esta ópera marca o início de uma nova etapa não só na obra de Gluck, mas também na história de toda a ópera europeia. Orfeu foi seguido por outra de suas óperas pioneiras, Alceste (1767).

Em Paris, Gluck escreveu outras óperas reformistas: Ifigênia em Aulis (1774), Armida (1777), Ifigênia em Tauris (1779). A encenação de cada um deles se transformou em um evento grandioso na vida de Paris, causando uma acalorada polêmica entre os "Glukistas" e "Picchinistas" - partidários da ópera tradicional italiana, que foi personificada pelo compositor napolitano Nicolo Picchini (1728 - 1800). A vitória de Gluck nesta controvérsia foi marcada pelo triunfo de sua ópera Ifigênia em Tauris.

Assim, Gluck transformou a ópera em uma arte de altos ideais educacionais, saturando-a de profundo conteúdo moral e revelando sentimentos humanos genuínos no palco. A reforma operística de Gluck teve uma influência frutífera tanto em seus contemporâneos quanto nas gerações subsequentes de compositores (especialmente os clássicos vienenses).

"A influência das ideias do Iluminismo" - movimento iluminista. A Guerra Revolucionária Americana. "Idade de Ouro" da nobreza russa. Estado da Rússia. Catarina, a Grande. "Sobre o Contrato Social, ou os Princípios do Direito Político". A revolta de Pugachev. Jean-Jacques Rousseau. Movimento Iluminista Americano. A política do "absolutismo esclarecido" na Rússia.

"Iluminismo" - Iluminismo-. Iluminismo Alemão. Carlos Montesquieu. Nasceu em Genebra na família de um relojoeiro. Música. Jonathan Swift (1667-1745). Ideias de enciclopedistas. Nomeie os iluministas franceses. Qual é o significado do lema do Iluminismo? O valor das atividades dos iluministas. A Inglaterra é o berço do Iluminismo. Enciclopedistas.

"A Guerra da Independência e a Educação dos Estados Unidos" - George Washington. Material complementar ao tema em forma de apresentação no 7º ano, à disciplina "Nova História". A Guerra da Independência e a Formação dos Estados Unidos. A residência do presidente dos Estados Unidos é a Casa Branca. Rendição das tropas britânicas em Yorktown. A entrada cerimonial de Washington em Nova York. Assinatura da Declaração de Independência das Províncias Unidas.

"Cultura do Iluminismo" - O pathos da atividade de Goethe se opõe à reconciliação filistéia com a realidade. 4. Enciclopedistas. Os centros da ideologia e filosofia do Iluminismo foram a França, a Inglaterra e a Alemanha. Os iluministas viram livrar-se de todos os problemas sociais na disseminação do conhecimento. Os enciclopedistas acreditavam que as "idéias" afetam o progresso social real.

"Iluminismo, Classicismo, Sentimentalismo" - Henry Fielding. Sentindo-me. Beethoven. Limitação da mente. Educação. Diderot. Ascensão da arte musical. Retrato de Lopukhina. T.J. Smollett. J.-J. Rousseau. Nicolau Boileau. Jonathan swift. França. Com o que se parece. Iluminismo, classicismo, sentimentalismo. Crítico. essência do classicismo. Carlos Gozzi. Classicismo.

"Europa do século XVIII" - O objetivo principal é a dominação no Báltico. estrutura política interna. D. Cantemir Aram Oleg. As guerras e revoluções do século XIX pouco fizeram para mudar os contornos dos países europeus. Sociedade. Política estrangeira. EUROPA na segunda metade dos séculos XVII-XVIII.

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35. Arte Musical na Era do Iluminismo

A arte musical pode ser equiparada ao teatro e à arte literária. Óperas e outras obras musicais foram escritas sobre os temas das obras de grandes escritores e dramaturgos.

O desenvolvimento da arte musical está principalmente associado aos nomes de grandes compositores como J. S. Bach, G. F. Handel, J. Haydn, W. A. ​​Mozart, L. W. Beethoven e etc

Um mestre insuperável da polifonia foi um compositor, organista e cravista alemão Johann Sebastian Bach (1685-1750). Suas obras foram permeadas de profundo significado filosófico e alta ética. Ele foi capaz de resumir as conquistas na arte da música que seus predecessores haviam alcançado. Suas composições mais conhecidas são o Cravo Bem Temperado (1722-1744), a Paixão de João (1724), a Paixão de Mateus (1727 e 1729), muitos concertos e cantatas, a Missa Siminor (1747-1749) e outras.

Ao contrário de J.S. Bach, que não escreveu uma única ópera, o compositor e organista alemão Georg Friedrich Handel (1685–1759) pertencem a mais de quarenta óperas. Assim como obras sobre temas bíblicos (oratórios "Israel no Egito" (1739), "Saul" (1739), "Messias" (1742), "Sansão" (1743), "Judas Macabeu" (1747), etc.) , concertos de órgão, sonatas, suítes, etc.

O mestre dos gêneros instrumentais clássicos como sinfonias, quartetos, bem como formas sonatas foi o grande compositor austríaco

Joseph Haydn (1732-1809). Foi graças a ele que a composição clássica da orquestra foi formada. Possui vários oratórios (“As Estações” (1801), “A Criação do Mundo” (1798)), 104 sinfonias, 83 quartetos, 52 sonatas para piano, 14 messit.d.

Outro compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), foi uma criança prodígio, graças ao qual se tornou famoso na primeira infância. Possui mais de 20 óperas, entre elas as famosas As Bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787), A Flauta Mágica (1791), mais de 50 sinfonias, muitos concertos, obras para piano (sonatas, fantasias, variações), inacabadas "Requiem" (1791), canções, missas, etc.

O destino difícil que marcou toda a criatividade foi com o compositor alemão Ludwig van Beethoven (1770-1827). Seu gênio se manifestou já na infância e não o deixou em um problema terrível para qualquer compositor e músico - perda auditiva. O caráter filosófico pode ser traçado em suas obras. Muitas obras foram influenciadas por suas visões republicanas como compositor. Beethoven possui nove sinfonias, sonatas instrumentais (Moonlight, Pathétique), dezesseis quartetos de cordas, conjuntos, a ópera Fidelio, aberturas (Egmont, Coriolanus), concertos para piano e outras obras.

Sua famosa expressão: "A música deve incendiar os corações humanos". Ele seguiu essa ideia até o fim de sua vida.