Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Nº 20. $ 75.100.000. "Royal Red and Blue", Mark Rothko, vendido em 2012.

A tela majestosa foi uma das oito obras selecionadas pelo próprio artista para sua exposição individual no Art Institute of Chicago.

Nº 19. $ 76.700.000. O Massacre dos Inocentes por Peter Paul Rubens, criado em 1610.

A pintura foi comprada por Kenneth Thompson na Sotheby's em Londres em julho de 2002. Uma obra brilhante e dramática de Rubens pode concorrer ao título de "sucesso mais inesperado". Christie avaliou esta pintura em apenas 5 milhões de euros.

Nº 18. $ 78.100.000. Baile no Moulin de la Galette por Pierre-Auguste Renoir, pintado em 1876.

A obra foi vendida em 1990, na época foi listada como a segunda pintura mais cara do mundo já vendida. A obra-prima era de propriedade de Ryoei Saito, presidente da Daishowa Paper Manufacturing Co. Ele queria que a tela fosse cremada com ele após sua morte, mas a empresa passou por dificuldades financeiras devido a obrigações de empréstimo, então a pintura teve que ser usada como garantia.

Nº 17. 80 milhões de dólares. "Turquesa Marilyn" de Andy Warhol, pintado em 1964, vendido em 2007

Adquirido pelo Sr. Steve Cohen. O preço não foi confirmado, mas este valor é considerado verdadeiro.

Nº 16. 80 milhões de dólares. "False Start", Jasper Johns, escrito em 1959

A pintura era de propriedade de David Geffen, que a vendeu para o CEO do grupo de investimentos Citadel, Kenneth S. Griffin. É reconhecida como a pintura mais cara que foi vendida durante a vida do artista, o mestre cult Jasper Johns.

Nº 15. $ 82.500.000. "Retrato do Doutor Gachet", Vincent van Gogh, 1890.

O empresário japonês Ryoei Saito comprou a pintura em 1990 em um leilão. Naquela época, era a pintura mais cara do mundo. Em resposta ao clamor público sobre o desejo de Saito de ter a obra de arte cremada com ele após sua morte, o empresário explicou que estava expressando sua afeição altruísta pela pintura.

Nº 14. $ 86.300.000. Tríptico, Francis Bacon, 1976.

Esta obra-prima em três partes de Bacon quebrou seu recorde anterior de vendas de US$ 52,68 milhões. A pintura foi comprada pelo bilionário russo Roman Abramovich.

Nº 13. $ 87.900.000. "Retrato de Adele Bloch-Bauer II", Gustav Klimt, 1912.

O único modelo retratado duas vezes por Klimt e vendido alguns meses após a primeira versão. Este é um retrato de Bloch-Bauer, uma das quatro pinturas que arrecadaram um total de US$ 192 milhões em 2006. O comprador é desconhecido.

Nº 12. $ 95.200.000. Dora Maar com um gato, Pablo Picasso, 1941

Outra pintura de Picasso, que foi a leilão por um preço fabuloso. Em 2006, foi adquirido por um misterioso anônimo russo, que ao mesmo tempo comprou obras de Monet e Chagall no valor total de US$ 100 milhões.

Nº 11. $ 104.200.000. "Menino com um cachimbo", Pablo Picasso, 1905.

Esta é a primeira pintura a quebrar a barreira de US$ 100 milhões em 2004. Curiosamente, o nome da pessoa que demonstrou tanto interesse pelo retrato de Picasso nunca foi divulgado.

Nº 10. $ 105.400.000. Silver Car Crash (Double Crash), Andy Warhol, 1932

Esta é a obra mais cara da famosa lenda da pop art, Andy Warhol. A pintura tornou-se uma estrela da arte moderna, indo a leilão na Sotheby's.

Nº 9. $ 106.500.000. Nu, Folhas Verdes e Busto, Pablo Picasso, 1932

Esta obra-prima sensual e colorida é o Picasso mais caro já vendido em leilão. A pintura estava na coleção da Sra. Sidney F. Brody e não é exibida ao público desde 1961.

Nº 8. $ 110 milhões "Bandeira", Jasper Johns, 1958

A Bandeira é a obra mais famosa de Jasper Johns. O artista pintou sua primeira bandeira americana em 1954-55.

Nº 7. $ 119.900.000. "O Grito", Edvard Munch, 1895

Este é o trabalho mais original e colorido das quatro versões da obra-prima de Edvard Munch, The Scream. Apenas um deles permanece em mãos privadas.

Número 6. $ 135.000.000. "Retrato de Adele Bloch-Bauer I", Gustav Klimt.

Maria Altmann processou o direito de possuir a pintura, pois Adele Bloch-Bauer a legou à Galeria do Estado Austríaca, e seu marido posteriormente cancelou a doação em meio aos eventos da Segunda Guerra Mundial. Tendo entrado em direitos legais, Maria Altman vendeu o retrato para Ronald Lauder, que o exibiu em sua galeria em Nova York.

Número 5. $ 137.500.000. "Mulher III", Willem de Kooning.

Outro quadro vendido pela Geffen em 2006, mas desta vez o comprador foi o bilionário Steven A. Cohen. Esta estranha abstração faz parte de uma série de seis obras-primas de Kooning pintadas entre 1951 e 1953.

Nº 4. $ 140.000.000. "Nº 5, 1948", Jackson Pollock.

Segundo o The New York Times, o produtor e colecionador de filmes David Geffen vendeu a pintura para David Martinez, sócio-gerente da FinTech Advisory, embora este último não tenha confirmado a informação. A verdade está envolta em mistério.

FATOS INCRÍVEIS.

Nenhum de nós será capaz de apreciar este tipo de pintura em seu verdadeiro valor e ler nas entrelinhas o significado estabelecido pelo autor. Mas, no entanto, o custo das pinturas de artistas contemporâneos às vezes é apenas enlouquecendo e colecionadores e apreciadores de arte de todo o mundo vêm ao leilão para comprar a criação de que gostam.

Às vezes, por uma foto de que gostam, eles desembolsam quantias de dinheiro que até os próprios autores permanecem extremamente surpresos.

Abaixo está uma lista das pinturas modernas mais estranhas que foram vendidas por milhões de dólares.

1. "Conceito espacial" - Lucio Fontana (Lucio Fontana)

Vendido por $ 1.500.000.

Esta pintura foi vendida por um dinheiro fabuloso em um leilão em Londres. Parece que o autor simplesmente pintou a tela com cores e "rasgou" a imagem com linhas oblíquas. A pergunta é, claro, em um milhão: se o artista quer ganhar ainda mais dinheiro por tal quadro, ele deve apenas fazer outro corte?

Ou talvez quanto mais os recursos de corte cortam, maior a qualidade da imagem?

2. "Espelho Vermelho Sangue" - Gerhard Richter

Vendido por $ 1.100.000.

"Imagem - espelho" foi a leilão por 1,1 milhão. Claro que esse artista é autor de muitas obras lindas, porém, para entender essa, aparentemente, você só precisa ter nascido artista.

É difícil, se não impossível, ver nesta obra-prima algo como um espelho. Talvez o colecionador que o comprou só quisesse se ver com mais luz ao se olhar no espelho.

As pinturas mais caras

3. "Verde e branco" - Ellsworth Kelly (Ellsworth Kelly)

Vendido por $ 1.600.000.

As obras deste artista são muito controversas, os críticos divergem em suas opiniões sobre seu valor, mas, claro, essa foto é a mais que nem é verdadeira jóia.

Esta é a tela mais comum com um círculo deformado no meio, e há pessoas que estão dispostas a pagar pelo direito de adicionar essa criação à sua coleção tanto quanto custa uma pequena ilha tailandesa.

4. "Sem título" - Mark Rothko (Mark Rothko)

Vendido por $ 28.000.000.

Muitos falaram imparcialmente sobre esta imagem, mas é simplesmente chato. Se seu filho, depois de se formar na escola de arte, trouxesse esse desenho, haveria dois cenários possíveis para o desenvolvimento de eventos:

a) você ficaria terrivelmente orgulhoso e penduraria um quadro em vez de uma TV

b) diga a ele: "Bom trabalho, garoto. Vamos desenhar algo diferente da próxima vez!"

5. "Sem título" - Blinky Palermo (Blinky Palermo)

Vendido por $ 1.700.000.

Esta imagem, como muitas outras criações deste artista, é uma sobreposição de telas coloridas umas sobre as outras. Um dos críticos observou que ele olhou para esta foto por uma hora, mas não conseguiu encontrar nada nela.

Outro crítico colocou isso mais profundamente: "As pinturas de Palermo oferecem ao olhar do espectador mudanças multifacetadas de tons, enquanto traços de nuances e excessos pictóricos na superfície das telas estão completamente ausentes, em vez disso, uma pessoa pode ver cores bonitas e não diluídas."

Você tem que ser um verdadeiro profissional em seu campo para mascarar a falta de soluções de cores dessa maneira!

fotos estranhas

6. "Cão" - Joan Mira (Joan Mira)

Vendido por $ 2.200.000.

Na verdade, Mir tem muitas obras boas, mas este realmente se destaca e não da maneira mais positiva.

Ou talvez o colecionador que o comprou quisesse apenas possuir parte do legado de um artista talentoso?

7. "Fogo Branco I" - Barnett Newman (Barnett Newman)

Vendido por $ 3.800.000.

É óbvio que as pessoas que compram esse tipo de pintura são extraordinariamente ricas. Mas pessoas ricas ficam ricas por causa de sua inteligência.

Em caso afirmativo, por que um colecionador inteligente compraria tal obra de um leilão online com base na escassa descrição no site?

O nome da pintura é um termo místico que está diretamente relacionado Torá. A própria Torá visa uma profunda unidade espiritual, que Newman está tentando, segundo ele, incutir no espectador através de suas obras.

Mas é realmente assim? Ou talvez seja apenas difícil para uma pessoa inexperiente traçar a relação entre duas linhas em uma tela em branco e a Torá?

8. "Sem título" - Cy Twombly (Cy Twombly)

Vendido por $ 23.000.000.

Este trabalho foi feito às pressas em casa em papel comum usando um lápis de cera comum, ou seja, o mesmo material que usado por uma criança ao aprender a escrever no jardim de infância.

Se você entorpecer um pouco os olhos e olhar para a foto, não lhe parece que esta obra-prima é muito semelhante à tentativa de um bebê de aprender a escrever a letra “e”?

9. "Cowboy" - Ellsworth Kelly (Ellsworth Kelly)

Vendido por $ 1.700.000.

Kelly estudou arte por mais de quatro anos em instituições culturais em Boston e Paris antes de decidir sobre a direção do estilo de sua obra. Depois de fazer algumas pesquisas, ele concluiu que suas obras serão "bloco".

Para um olho inexperiente, a escolha pode parecer errônea, pois qual o valor desses blocos, implementados no papel? No entanto, vale a pena admitir um erro, pois do ponto de vista da economia, a escolha é muito acertada, mas do lado estético, é improvável que o autor tenha tomado a decisão certa.

10. "Tolo Azul" - Christopher Wool (Christopher Wool)

Vendido por $ 5.000.000.

Pode-se imaginar o prazer de Christopher, que é especialista em pintar palavras, quando este trabalho em particular foi vendido por uma quantia tão grande de dinheiro. Eu me pergunto quando ele pintou seu quadro, ele poderia ter pensado que seria capaz de persuadir alguém a comprá-lo?

Bravo, Cristóvão!

As pinturas mais caras de artistas

A classificação das obras mais caras de artistas vivos é uma construção que fala muito menos sobre o papel e o lugar do artista na história da arte do que sobre idade e saúde

As regras para a compilação da nossa classificação são simples: em primeiro lugar, são consideradas apenas as transações com obras de autores vivos; em segundo lugar, apenas são tidas em conta as vendas em hasta pública; e em terceiro lugar, a regra "um artista - uma obra" é observada (se dois registros pertencem a Jones na classificação das obras, apenas o mais caro permanece e o restante não é levado em consideração). A classificação é feita em dólares (à taxa de câmbio na data da venda).

1. Coelho JEFF KOONS. 1986. US$ 91,075 milhões

Quanto mais você assiste à carreira de leilão de Jeff Koons (1955), mais se convence de que nada é impossível para a arte pop. Você pode admirar as esculturas de Koons em forma de brinquedos de balão, ou pode considerá-las kitsch e de mau gosto - você tem razão. Uma coisa não pode ser negada: as instalações de Jeff Koons custam muito dinheiro.

Jeff Koons começou sua jornada para a fama como o artista vivo de maior sucesso do mundo em 2007, quando sua gigante instalação de metal Hanging Heart foi comprada por US$ 23,6 milhões na Sotheby's. A obra foi comprada pela Galeria Larry Gagosian representando Koons (na imprensa escreveu que era do interesse do bilionário ucraniano Viktor Pinchuk).A galeria adquiriu não apenas uma instalação, mas, de fato, uma obra de arte joalheira. Mesmo que a obra não seja feita de ouro (o aço inoxidável serviu de material) e é claramente maior do que um pendente comum (uma escultura com 2,7 m de altura pesa 1.600 kg), mas tem uma finalidade semelhante. dez camadas de tinta e, como resultado, foi pago um dinheiro gigantesco pela espetacular “decoração”.

Em seguida foi a venda da Purple Balloon Flower por £ 12,92 milhões ($ 25,8 milhões) na Christie's London em 30 de junho de 2008. Curiosamente, sete anos antes, os antigos donos da "Flower" compraram a obra por US$ 1,1 milhão, é fácil calcular que durante esse período seu preço de mercado aumentou quase 25 vezes.

A desaceleração do mercado de arte em 2008-2009 deu aos céticos uma razão para caluniar que a moda para Koons passou. Mas eles estavam errados: junto com o mercado de arte, o interesse pelas obras de Koons foi revivido. O sucessor de Andy Warhol ao trono do Rei do Pop atingiu seu recorde pessoal em novembro de 2012 com a venda de uma escultura multicolorida de Tulipas da série Triumph na Christie's por US$ 33,7 milhões, incluindo comissão.

Mas "Tulipas" eram "flores" no sentido literal e figurado. Apenas um ano depois, em novembro de 2013, seguiu-se a venda da escultura do cão balão de aço inoxidável (laranja): o preço do martelo chegou a US $ 58,4 milhões! Uma soma fabulosa para um artista vivo. A obra de um autor contemporâneo foi vendida pelo preço de uma pintura de Van Gogh ou Picasso. Eram as bagas...

Com este resultado, Koons reinou no topo do ranking dos artistas vivos por vários anos. Em novembro de 2018, ele foi brevemente superado por David Hockney (veja o segundo lugar em nosso ranking). Mas apenas seis meses depois, tudo voltou ao normal: em 15 de maio de 2019, em Nova York, no leilão de arte pós-guerra e contemporânea, a Christie's colocou à venda uma escultura de livro didático para Koons em 1986 - um "Coelho" de prata feito de aço inoxidável, imitando um balão de forma semelhante.

No total, Koons criou 3 dessas esculturas mais uma cópia do autor. O leilão incluiu um exemplar de "Rabbit" número 2 - da coleção da editora cult Cy Newhouse, coproprietária da editora Conde Nast (revistas Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). A prata "Rabbit" foi comprada pelo "pai do glamour" Cy Newhouse em 1992 por uma quantia impressionante para os padrões daqueles anos - US $ 1 milhão. Após 27 anos na luta de 10 licitantes, o preço do martelo da escultura foi 80 vezes maior que o preço de venda anterior. E com a comissão Premium do Comprador, o resultado final foi um recorde de US$ 91,075 milhões para todos os artistas vivos.

2. DAVID HOKNEY Retrato do artista. Piscina com duas figuras. 1972. $ 90.312.500

David Hockney (1937) é um dos mais importantes artistas britânicos do século XX. Em 2011, David Hockney foi eleito o artista britânico mais influente de todos os tempos em uma pesquisa com milhares de pintores e escultores britânicos profissionais. Ao mesmo tempo, Hockney ignorou mestres como William Turner e Francis Bacon. Seu trabalho, via de regra, é atribuído à arte pop, embora em seus primeiros trabalhos ele gravitou mais para o expressionismo no espírito de Francis Bacon.

Nascido e criado David Hockney na Inglaterra, Yorkshire. A mãe do futuro artista manteve a família em um rigor puritano, e seu pai, um simples contador que desenhava um pouco em nível amador, incentivou o filho a pintar. Com vinte e poucos anos, David mudou-se para a Califórnia, onde viveu por um total de cerca de três décadas. Ele ainda tem duas oficinas lá. Hockney fez dos heróis de suas obras os ricos locais, suas vilas, piscinas, gramados banhados pelo sol da Califórnia. Uma de suas obras mais famosas do período americano - a pintura "Splash" - é uma imagem de um feixe de spray subindo da piscina depois que uma pessoa pulou na água. Para representar esse feixe, "vivendo" não mais que dois segundos, Hockney trabalhou por duas semanas. A propósito, esta pintura foi vendida na Sotheby's por US$ 5,4 milhões em 2006 e por algum tempo foi considerada sua obra mais cara.

Hockney (1937) já está na casa dos oitenta anos, mas ainda trabalha e até inventa novas técnicas artísticas usando inovações técnicas. Uma vez que teve a ideia de fazer enormes colagens a partir de fotos Polaroid, imprimiu seus trabalhos em aparelhos de fax, e hoje o artista domina com entusiasmo o desenho no iPad. As pinturas desenhadas na tabuinha ocupam seu devido lugar em suas exposições.

Em 2005, Hockney finalmente voltou dos Estados Unidos para a Inglaterra. Agora ele pinta ao ar livre e no estúdio enormes (muitas vezes compostas por várias partes) paisagens de florestas e terrenos baldios locais. De acordo com Hockney, em seus 30 anos na Califórnia, ele se tornou tão desacostumado com a simples mudança das estações que realmente o fascina e fascina. Ciclos inteiros de seus trabalhos recentes são dedicados, por exemplo, à mesma paisagem em diferentes épocas do ano.

Em 2018, as pinturas de Hockney ultrapassaram a marca de US$ 10 milhões várias vezes. E em 15 de novembro de 2018, um novo recorde absoluto para o trabalho de um artista vivo foi registrado na Christie's - US $ 90.312.500 para a pintura "Retrato do Artista (Piscina com Duas Figuras)".

3. GERHARD RICHTER Pintura abstrata. 1986. US$ 46,3 milhões

Clássico vivo Gerhard Richter (1932) ocupa o segundo lugar em nosso ranking. O artista alemão era o líder entre os colegas vivos até bater o recorde de 58 milhões de Jeff Koons. Mas é improvável que essa circunstância possa abalar a já férrea autoridade de Richter no mercado de arte. De acordo com os resultados de 2012, o faturamento anual dos leilões do artista alemão fica atrás apenas dos de Andy Warhol e Pablo Picasso.

Por muitos anos, nada prenunciou o sucesso que caiu sobre Richter agora. Durante décadas, o artista ocupou um lugar modesto no mercado de arte contemporânea e não aspirava à fama. Podemos dizer que a fama o ultrapassou por si só. O ponto de partida é considerado por muitos como a compra do Museu MoMA de Nova York em 1995 da série de 18 de outubro de 1977 de Richter. O Museu Americano pagou US$ 3 milhões por 15 pinturas em tons de cinza e logo começou a pensar em realizar uma retrospectiva completa do artista alemão. A grandiosa exposição abriu seis anos depois, em 2001, e desde então o interesse pelo trabalho de Richter cresceu aos trancos e barrancos. De 2004 a 2008, o preço de suas pinturas triplicou. Em 2010, as obras de Richter já arrecadaram US$ 76,9 milhões, em 2011, segundo o site Artnet, as obras de Richter em leilão arrecadaram um total de US$ 200 milhões, e em 2012 (segundo Artprice) - US$ 262,7 milhões - mais do que o trabalho de qualquer outro artista vivo.

Enquanto, por exemplo, com Jasper Johns, o sucesso avassalador em leilões acompanha principalmente apenas os primeiros trabalhos, uma divisão tão acentuada não é típica para as obras de Richter: a demanda é igualmente estável para coisas de diferentes períodos criativos, dos quais havia muitos em Richter's carreira. Ao longo dos últimos sessenta anos, este artista experimentou-se em quase todos os géneros de pintura tradicionais - retrato, paisagem, marina, nu, natureza morta e, claro, abstração.

A história dos registros de leilão de Richter começou com uma série de naturezas-mortas "Velas". 27 imagens fotorrealistas de velas no início dos anos 1980, na época em que foram escritas, custavam apenas 15.000 marcos alemães (US$ 5.800) por trabalho. Mas ainda ninguém comprou Candles em sua primeira exposição na Max Hetzler Gallery em Stuttgart. Então o tema das pinturas foi chamado de antiquado; Hoje, "Velas" são consideradas obras para todos os tempos. E custam milhões de dólares.

Em fevereiro de 2008 "Vela", escrito em 1983, foi inesperadamente comprado por £ 7,97 milhões (US$ 16 milhões). Este recorde pessoal permaneceu por três anos e meio. Então em outubro de 2011 outro "Vela" (1982) já foi a leilão na Christie's por £ 10,46 milhões (US$ 16,48 milhões). Com este disco, Gerhard Richter entrou pela primeira vez entre os três artistas vivos de maior sucesso, ficando atrás de Jasper Johns e Jeff Koons.

Então começou a procissão vitoriosa das "Pinturas Abstratas" de Richter. O artista pinta obras semelhantes na técnica de um autor único: ele aplica uma mistura de tintas simples sobre um fundo claro e depois as mancha na tela com um raspador longo do tamanho de um para-choque de carro. Isso resulta em intrincadas transições de cores, manchas e listras. Examinar a superfície de suas "Pinturas Abstratas" é como escavações: nelas vestígios de várias "figuras" aparecem através das lacunas de inúmeras camadas coloridas.

9 de novembro de 2011 no leilão de arte moderna e pós-guerra da Sotheby's em grande escala "Pintura abstrata (849-3)" 1997 foi sob o martelo para US$ 20,8 milhões (£ 13,2 milhões). E seis meses depois, 8 de maio de 2012 no leilão de arte pós-guerra e contemporânea da Christie's em Nova York "Pintura abstrata (798-3)" 1993 foi para um recorde US$ 21,8 milhões(incluindo comissão). Cinco meses depois - novamente um recorde: "Pintura abstrata (809-4)" da coleção do músico de rock Eric Clapton em 12 de outubro de 2012 na Sotheby's em Londres foi a leilão por £ 21,3 milhões (US$ 34,2 milhões). A barreira dos 30 milhões foi tomada por Richter com tanta facilidade, como se não se tratasse de pintura moderna, mas de obras-primas que já têm cem anos - nada menos. Embora no caso de Richter pareça que a inclusão no panteão dos "grandes" ocorreu já durante a vida do artista. Os preços alemães continuam a subir.

O próximo disco de Richter pertenceu a um trabalho fotorrealista - uma paisagem "Praça da Catedral, Milão (Domplatz, Mailand)" 1968. A obra foi vendida por 37,1 milhões no leilão da Sotheby's 14 de maio de 2013. A vista da praça mais bonita foi pintada por um artista alemão em 1968 por encomenda da Siemens Electro, especialmente para o escritório da empresa em Milão. Na época de sua escrita, era a maior obra figurativa de Richter (quase três por três metros de tamanho).

O recorde da Praça da Catedral permaneceu por quase dois anos, até 10 de fevereiro de 2015 não o interrompeu "Pintura abstrata" ( 1986): o preço do martelo atingiu £ 30,389 milhões (US$ 46,3 milhões). A Pintura Abstrata de 300,5 × 250,5 cm, colocada em leilão na Sotheby’s, é uma das primeiras obras em grande escala de Richter na técnica de seu autor especial de raspar camadas de tinta. A última vez em 1999, esta "Pintura Abstrata" foi arrematada em leilão por 607 mil dólares (deste ano até à venda actual, a obra foi exposta no Museu Ludwig de Colónia). No leilão de 10 de fevereiro de 2015, um certo cliente americano em etapas de leilão de £ 2 milhões atingiu o preço de martelo de US $ 46,3 milhões. Ou seja, desde 1999, a obra aumentou de preço em mais de 76 vezes!

4. Tsui Zhuzhuo "Grandes montanhas cobertas de neve." 2013. US$ 39,577 milhões

Durante muito tempo não acompanhamos de perto o desenvolvimento da situação no mercado de arte chinês, não querendo sobrecarregar nossos leitores com uma quantidade excessiva de informações sobre “não nossa” arte. Com exceção do dissidente Ai Weiwei, um artista não tão caro quanto ressonante, os autores chineses nos pareciam numerosos demais e distantes de nós para aprofundar o que estava acontecendo em seu mercado lá. Mas as estatísticas, como dizem, são uma senhora séria, e se estamos falando dos autores vivos mais bem-sucedidos do mundo, não podemos prescindir de uma história sobre os destacados representantes da arte contemporânea do Império Celestial.

Vamos começar com um artista chinês Cui Ruzhuo. O artista nasceu em 1944 em Pequim e morou nos EUA de 1981 a 1996. Depois de retornar à China, ele começou a ensinar na Academia Nacional de Artes. Cui Ruzhuo reinterpreta o estilo tradicional de pintura a tinta chinesa e cria as enormes telas de pergaminho que os empresários e funcionários chineses adoram presentear uns aos outros. No Ocidente, muito pouco se sabe sobre ele, embora muitos devam se lembrar da história do pergaminho de US$ 3,7 milhões que foi jogado fora por engano, confundindo-o com lixo, pelos faxineiros de um hotel de Hong Kong. Então, era o pergaminho de Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo está na casa dos 70 anos e o mercado para seu trabalho está prosperando. Mais de 60 obras deste artista ultrapassaram a marca de US$ 1 milhão, mas até agora suas obras só tiveram sucesso em leilões chineses. Os registros de Cui Ruzhuo são realmente impressionantes. Primeiro "Paisagem na Neve" no Poly Auction em Hong Kong 7 de abril de 2014 atingiu um preço de martelo de HK$ 184 milhões ( US$ 23,7 milhões).

Exatamente um ano depois 6 de abril de 2015 em um leilão especial Poly em Hong Kong dedicado exclusivamente ao trabalho de Cui Ruzhuo, uma série "O grande cenário nevado de Jiangnan montanhoso"(Jiangnan é uma região histórica na China, ocupando a margem direita do curso inferior do Yangtze.) de oito paisagens de tinta sobre papel atingiu um preço de martelo de HK$ 236 milhões ( US$ 30,444 milhões).

Um ano depois, a história se repetiu novamente: no leilão individual de Cui Ruzhuo, realizado pela Poly Auctions em Hong Kong 4 de abril de 2016 políptico em seis partes "Grandes montanhas cobertas de neve" O preço do martelo em 2013 (incluindo a comissão da casa de leilões) atingiu HK$ 306 milhões (US$ 39,577 milhões). Até agora, este é um recorde absoluto entre os artistas vivos asiáticos.

Segundo o marchand Johnson Chan, que há 30 anos trabalha com arte contemporânea chinesa, há um desejo incondicional de aumentar os preços das obras deste autor, mas tudo isso está acontecendo a um nível de preço onde colecionadores experientes dificilmente querem Para comprar alguma coisa. “Os chineses querem aumentar as classificações de seus artistas inflando os preços de seus trabalhos em grandes leilões internacionais como o organizado pela Poly em Hong Kong, mas não há dúvida de que essas classificações são completamente fabricadas”, comenta Johnson Chang sobre Cui Ruzhuo. último registro.

Isso, claro, é apenas a opinião de um único revendedor, e temos um registro real registrado em todos os bancos de dados. Então, vamos levá-lo em conta. O próprio Cui Ruzhuo, a julgar por suas declarações, está longe da modéstia de Gerhard Richter quando se trata de seu sucesso no leilão. Parece que essa corrida por recordes o está cativando seriamente. “Espero que nos próximos 5 a 10 anos os preços das minhas obras superem os preços das obras de mestres ocidentais como Picasso e Van Gogh. Este é o sonho chinês”, diz Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Bandeira. 1983. US$ 36 milhões

O terceiro lugar no ranking de artistas vivos pertence a um americano Para Jasper Johns (1930). O preço recorde atual para o trabalho de Jones é $ 36 milhões. Tanto pagou por seu famoso "Bandeira" no leilão da Christie 12 de novembro de 2014.

Uma série de pinturas de "bandeira", iniciada por Jones em meados da década de 1950, imediatamente após o retorno do artista do exército, tornou-se uma das centrais de sua obra. Ainda em sua juventude, o artista se interessou pela ideia de um readymade, a transformação de um objeto cotidiano em uma obra de arte. No entanto, as bandeiras de Jones não eram reais, elas foram pintadas em óleo sobre tela. Assim, uma obra de arte adquiria as propriedades de uma coisa da vida cotidiana, era ao mesmo tempo a imagem da bandeira e a própria bandeira. Uma série de trabalhos com bandeiras trouxe fama mundial a Jasper Johns. Mas não menos populares são suas obras abstratas. Por muitos anos, a lista das obras mais caras, compiladas de acordo com as regras acima, foi encabeçada por um resumo "Falso início". Até 2007, esta tela muito brilhante e decorativa, pintada por Jones em 1959, era considerada dona de um preço praticamente inacessível para um artista vivo (embora um clássico da vida) - $ 17 milhões. Isso é o quanto eles pagaram em ouro para o mercado de arte 1988.

Curiosamente, a experiência de Jasper Johns como recordista não foi contínua. Em 1989, ele foi interrompido pelo trabalho de seu colega Willem de Kooning: a abstração de dois metros "Mixing" foi vendida na Sotheby's por US $ 20,7 milhões. Jasper Johns teve que se mudar. Mas depois de 8 anos, em 1997, de Kooning morreu , e " False start "Jones novamente assumiu a primeira linha da classificação do leilão de artistas vivos por quase 10 anos.

Mas em 2007 tudo mudou. O disco False Start foi eclipsado pela primeira vez pelo trabalho dos jovens e ambiciosos Damien Hirst e Jeff Koons. Em seguida, houve uma venda recorde por US$ 33,6 milhões da pintura "O Inspetor do Benefício Adormecido", de Lusien Freud (já falecido, e, portanto, não participando desta classificação). Então começaram os registros de Gerhard Richter. Em geral, até agora com um recorde atual de 36 milhões, Jasper Johns, um dos mestres da arte americana do pós-guerra, trabalhando na intersecção do neodadaísmo, expressionismo abstrato e pop art, está em terceiro lugar.

6. ED RUSHAY Esmagar. 1963. US$ 30,4 milhões

O sucesso repentino da pintura "Smash" de um artista americano Edward Ruscha (n. 1937) em leilão Christie's 12 de novembro de 2014 trouxe este autor para o número dos artistas vivos mais caros. O preço recorde anterior para o trabalho de Ed Ruscha (muitas vezes o nome Ruscha é pronunciado em russo como "Rusha", mas a pronúncia correta é Ruscha) era "apenas" US $ 6,98 milhões: foi o quanto eles pagaram por sua tela "Burning Gas Estação" em 2007. Sete anos depois sua Esmagar com uma estimativa de $ 15-20 milhões, atingiu o preço de um martelo US$ 30,4 milhões. É óbvio que o mercado para as obras deste autor atingiu um novo patamar - não é à toa que Barack Obama adorna a Casa Branca com suas obras, e o próprio Larry Gagosian o expõe em suas galerias.

Ed Ruscha nunca aspirou a Nova York do pós-guerra com sua mania pelo expressionismo abstrato. Em vez disso, por mais de 40 anos, ele buscou inspiração na Califórnia, para onde se mudou de Nebraska aos 18 anos. O artista esteve na origem de uma nova tendência na arte, chamada pop art. Juntamente com Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud e outros cantores da cultura popular, Edward Ruscha participou da exposição New Image of Ordinary Things do Museu Pasadena em 1962, que se tornou a primeira exposição de arte pop americana em museu. No entanto, o próprio Ed Ruscha não gosta quando seu trabalho é atribuído à arte pop, ao conceitualismo ou a alguma outra tendência da arte.

Seu estilo único é chamado de "pintura de texto". A partir do final da década de 1950, Ed Ruscha começou a pintar palavras. Assim como para Warhol uma lata de sopa se tornou uma obra de arte, para Ed Ruscha, palavras e frases comuns, tiradas de um outdoor ou embalagem de um supermercado, ou dos créditos de um filme (Hollywood estava sempre ao lado de Ruscha, e ao contrário de muitos de seus colegas artistas, Rushey respeitava a "fábrica dos sonhos"). As palavras em suas telas adquirem propriedades de objetos tridimensionais, são naturezas-mortas reais feitas de palavras. Ao olhar para suas telas, a primeira coisa que vem à mente é a percepção visual e sonora da palavra desenhada, e só depois disso - o significado semântico. Este último, via de regra, não pode ser decifrado inequivocamente; as palavras e frases escolhidas por Ruscha podem ser interpretadas de diferentes maneiras. A mesma palavra amarela brilhante "Smash" em um fundo azul profundo pode ser percebida como um chamado agressivo para esmagar algo ou alguém em pedacinhos; como um adjetivo isolado fora de contexto (parte de alguma manchete de jornal, por exemplo), ou simplesmente como uma única palavra capturada em um fluxo urbano de imagens visuais. Ed Ruscha se diverte com essa incerteza. “Sempre tive um profundo respeito por coisas estranhas e inexplicáveis… As explicações, de certa forma, matam uma coisa”, disse ele em entrevista.

7. LÃ DE CRISTO Sem título (RIOT). 1990. US$ 29,93 milhões

artista americano Christopher Wool(1955) entrou pela primeira vez no ranking de artistas vivos em 2013 - após a venda de Apocalypse Now por US $ 26,5 milhões. Esse recorde imediatamente o colocou no mesmo nível de Jasper Johns e Gerhard Richter. O valor dessa transação histórica - mais de US$ 20 milhões - surpreendeu a muitos, pois antes dela os preços das obras do artista não ultrapassavam US$ 8 milhões. : o histórico do artista incluiu 48 transações de leilão no valor de mais de US$ 1 milhão, sendo que 22 delas (quase a metade) ocorreram em 2013. Dois anos depois, o número de obras de Chris Wool, que vendeu mais de US$ 1 milhão, chegou a 70, e um novo recorde pessoal não tardou a chegar. Em leilão Sotheby's 12 de maio de 2015 trabalho "Sem título (RIOT)" foi vendido por $ 29,93 milhões incluindo o Prêmio do Comprador.

Christopher Wool é mais conhecido por suas letras pretas em grande escala em folhas de alumínio brancas. São eles que, via de regra, batem recordes em leilões. Essas são todas as coisas do final dos anos 1980 e início dos anos 1990. Como diz a lenda, uma noite Wool estava andando por Nova York à noite e de repente viu grafites em letras pretas em um novo caminhão branco - as palavras sexo e amor. Essa visão o impressionou tanto que ele imediatamente voltou ao estúdio e escreveu sua própria versão com as mesmas palavras. O ano era 1987, e a busca posterior do artista por palavras e frases para suas obras "literais" refletem o espírito contraditório dessa época. Esta é a chamada "vender a casa, vender o carro, vender as crianças", tirada por Wool do filme "Apocalypse Now", e a palavra "FOOL" ("tolo") em letras maiúsculas, e a palavra "RIOT" ("rebelião"), frequentemente encontrada nas manchetes dos jornais da época.

Palavras e frases Lã aplicada a chapas de alumínio utilizando stencils com tintas alquídicas ou esmaltadas, deixando deliberadamente riscos, marcas de stencil e outros indícios do processo criativo. O artista dividiu as palavras para que o espectador não entendesse imediatamente o significado. No início, você vê apenas um aglomerado de letras, ou seja, você percebe a palavra como um objeto visual, e só então você lê e decifra o significado da frase ou palavra. Wool usou uma fonte que estava em uso pelos militares dos EUA após a Segunda Guerra Mundial, o que aumenta a impressão de uma ordem, uma diretiva, um slogan. Essas obras de "carta" são percebidas como parte da paisagem urbana, como pichações ilegais que violaram a limpeza da superfície de algum objeto da rua. Esta série de obras de Christopher Wool é reconhecida como um dos ápices da abstração linguística e, portanto, muito valorizada pelos amantes da arte contemporânea.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. US$ 28,81 milhões

Britânico Peter Doig(1959), embora pertença à geração de pós-modernistas de Koons e Hirst, escolheu para si um gênero de paisagem completamente tradicional, que por muito tempo não foi favorável aos artistas avançados. Com seu trabalho, Peter Doig revive o interesse do público pela pintura figurativa. Seu trabalho é muito apreciado por críticos e não especialistas, e prova disso é o rápido aumento dos preços de suas obras. Se no início dos anos 1990 suas paisagens custavam vários milhares de dólares, agora a conta chega a milhões.

O trabalho de Doig é muitas vezes referido como realismo mágico. Baseado em paisagens reais, ele cria imagens fantasiosas, misteriosas e muitas vezes sombrias. O artista gosta de retratar objetos abandonados pelas pessoas: um prédio em ruínas construído por Le Corbusier no meio de uma floresta ou uma canoa branca vazia na superfície de um lago da floresta. Além da natureza e da imaginação, Doig se inspira em filmes de terror, cartões postais antigos, fotografias, vídeos amadores e assim por diante. As pinturas de Doig são coloridas, intrincadas, decorativas e não provocativas. É bom ter uma pintura assim. A baixa produtividade do autor também desperta o interesse dos colecionadores: o artista radicado em Trinidad não realiza mais de uma dúzia de pinturas por ano.

No início dos anos 2000, as paisagens individuais do artista foram vendidas por várias centenas de milhares de dólares. Ao mesmo tempo, o trabalho de Doig foi incluído na Saatchi Gallery, na Bienal do Whitney Museum e na coleção do MoMA. Em 2006, a barreira do leilão de US$ 1 milhão foi superada e, no ano seguinte, ocorreu um avanço inesperado: a obra "White Canoe", oferecida na Sotheby's em 7 de fevereiro de 2007 com uma estimativa de US$ 0,8-1,2 milhão, foi cinco vezes maior do que a estimativa preliminar e foi vendido por £ 5,7 milhões ($ 11,3 milhões). Naquela época, era um preço recorde para o trabalho de um artista europeu vivo.

Em 2008, Doig realizou exposições individuais na Tate Gallery e no Museu de Arte Moderna de Paris. Os preços de vários milhões de dólares para o trabalho de Doig tornaram-se a norma. O registro pessoal de Peter Doig foi recentemente atualizado várias vezes ao ano - só temos tempo para mudar a imagem e o lugar deste artista em nosso ranking de autores vivos.

O trabalho mais caro de Peter Doig até hoje é a paisagem de neve de Rosedale de 1991. Curiosamente, o recorde não foi estabelecido na Sotheby's ou na Christie's, mas no leilão de arte contemporânea da Phillips. Isso aconteceu em 18 de maio de 2017. Uma vista de Rosedale coberto de neve, um bairro em Toronto, foi vendida a um comprador de telefone por US$ 28,81 milhões, cerca de US$ 3 milhões a mais que o recorde anterior (US$ 25,9 milhões para "Swallowed in the Mire"). A pintura "Rosedale" fez parte da exposição chave de Doig na Whitechapel Gallery em Londres em 1998 e, em geral, esta obra era nova para o mercado e, portanto, o preço recorde é bem merecido.

9. FRANK STELLA Pinheiros do cabo. 1959. US$ 28 milhões

Frank Stella é um brilhante representante da abstração pós-pintura e do minimalismo na arte. Em um certo estágio, é referido como um estilo de pintura de borda dura. A princípio, Stella contrastou a estrita geometria, monocromia ascética e estruturação de suas pinturas com a espontaneidade e aleatoriedade das telas de expressionistas abstratos como Jackson Pollock.

No final da década de 1950, o artista foi descoberto pelo famoso galerista Leo Castelli e foi premiado com uma exposição pela primeira vez. Nele, ele apresentou as chamadas "Pinturas Negras" - telas pintadas com linhas pretas paralelas com finas lacunas de tela não pintada entre elas. As linhas se dobram em formas geométricas, que lembram um pouco as ilusões de ótica, as próprias imagens que piscam, se movem, torcem, criam uma sensação de espaço profundo se você olhar para elas por um longo tempo. Stella continuou o tema das linhas paralelas com finas tiras divisórias em seus trabalhos em alumínio e cobre. As cores, a base pictórica e até a forma das pinturas mudaram (entre outros, destacam-se os trabalhos em forma das letras U, T, L). Mas o princípio principal de sua pintura ainda consistia na clareza do contorno, monumentalidade, forma simples, monocromia. Nas décadas seguintes, Stella se afastou dessa pintura geométrica para formas e linhas suaves e naturais, e de pinturas monocromáticas para transições de cores brilhantes e variadas. Na década de 1970, Stella foi cativada pelos enormes padrões usados ​​para pintar navios. O artista os utilizou para grandes pinturas com elementos de assemblage - ele incluiu pedaços de tubos de aço ou telas de arame em suas obras.

Em suas primeiras entrevistas, Frank Stella fala com franqueza sobre os significados colocados em seu trabalho, ou melhor, sobre sua ausência: "O que você vê é o que você vê". A pintura é um objeto em si, não uma reprodução de nada. "É uma superfície plana com tinta e nada mais", disse Stella.

Bem, assinada por Frank Stella, esta "superfície com tinta" pode valer milhões de dólares hoje. Pela primeira vez no ranking de artistas vivos, Frank Stella ficou em 2015 com a venda de Delaware Crossing (1961) por US$ 13,69 milhões, incluindo comissão.

Quatro anos depois, em 15 de maio de 2019, um novo recorde foi estabelecido pelo trabalho inicial (1959) “Cape of Pines”: o preço do martelo foi superior a US$ 28 milhões, incluindo comissão. Esta é uma das 29 "pinturas negras" - as mesmas com as quais Stella estreou em sua primeira exposição em Nova York. O graduado da Universidade de Princeton, Frank Stella, tinha então 23 anos. Ele muitas vezes não tinha dinheiro suficiente para pintar a óleo para artistas. O jovem artista fazia luar como reparo, gostava muito das cores puras da tinta, e então surgiu a ideia de trabalhar com essa tinta sobre tela. Com tinta esmalte preto, Stella pinta listras paralelas, deixando entre elas linhas finas de tela sem primer. Além disso, escreve sem réguas, a olho nu, sem esboço preliminar. Stella nunca sabia exatamente quantas linhas pretas apareceriam em uma determinada pintura. Por exemplo, na pintura “Cape of Pines”, há 35. O título da obra refere-se ao nome do cabo na Baía de Massachusetts - Point of Pines. No início do século XX, possuía um grande parque de diversões, e hoje é um dos bairros da cidade de Revere.

10. YOSHITOMO NARA Faca atrás das costas. 2000. US$ 24,95 milhões

Yoshitomo Nara (1959) é uma das figuras-chave da arte neo-pop japonesa. Japonês - porque, apesar da fama mundial e de muitos anos de trabalho no exterior, seu trabalho ainda se distingue por uma identidade nacional pronunciada. Os personagens favoritos de Nara são meninas e cachorros no estilo dos mangás e animes japoneses. As imagens que ele inventou por muitos anos “foram para o povo”: elas são impressas em camisetas, lembranças e vários “merch” são feitos com elas. Nascido em uma família pobre, longe da capital, ele não é apenas amado por seu talento, mas também apreciado como uma pessoa que se fez. O artista trabalha de forma rápida e expressiva. Sabe-se que algumas de suas obras-primas foram concluídas literalmente da noite para o dia. As pinturas e esculturas de Yoshitomo Nara, via de regra, são muito concisas, e até poupadoras em meios expressivos, mas sempre carregam uma forte carga emocional. As adolescentes de Nara muitas vezes olham para o espectador com um olhar indelicado. Em seus olhos - impudência, desafio e agressão. Nas mãos - depois uma faca, depois um cigarro. Há uma opinião de que as perversões de comportamento retratadas são uma reação à moralidade pública opressiva, vários tabus e os princípios de educação adotados pelos japoneses. A severidade e a vergonha quase medievais conduzem os problemas para dentro, criam o terreno para uma explosão emocional retardada. "Faca nas costas" apenas reflete amplamente uma das principais ideias do artista. Neste trabalho há um olhar de ódio de uma menina, e uma mão ameaçadoramente ferida atrás das costas. Até 2019, as pinturas e esculturas de Yoshitomo Nara já ultrapassaram a marca de um milhão, ou mesmo vários milhões, mais de uma vez. Mas vinte milhões - pela primeira vez. Nara é uma das artistas japonesas mais famosas do mundo. E agora o mais caro dos vivos. Em 6 de outubro de 2109, na Sotheby's em Hong Kong, ele pegou esse título de Takashi Murakami e superou visivelmente a artista de vanguarda de 90 anos Yayoi Kusama (os preços máximos de leilão para suas pinturas já estão se aproximando de US $ 9 milhões).

11. ZENG FANZHI A última Ceia. 2001. US$ 23,3 milhões

Na Sotheby's Hong Kong 5 de outubro de 2013 tela de escala de ano "A última Ceia" artista de Pequim Zeng Fanzhi (1964) foi vendido por um valor recorde de 160 milhões de dólares de Hong Kong - US$ 23,3 milhões EUA. O custo final do trabalho de Fanzhi, escrito, é claro, sob a influência de Leonardo da Vinci, acabou sendo o dobro da estimativa preliminar de cerca de US$ 10 milhões. 9,6 milhões pago no leilão da Christie's Hong Kong em maio de 2008 pelo trabalho Série Máscara. 1996 Não. 6".

"A Última Ceia" é a maior (2,2 × 4 metros) pintura de Fanzhi na série "Máscaras", cobrindo o período de 1994 a 2001. O ciclo é dedicado à evolução da sociedade chinesa sob a influência das reformas econômicas. A introdução de elementos de uma economia de mercado pelo governo da RPC levou à urbanização e à desunião dos chineses. Fanzhi retrata os habitantes das cidades chinesas modernas, que precisam lutar por um lugar ao sol. A conhecida composição do afresco de Leonardo na leitura de Fanzhi assume um significado completamente diferente: a cena é transferida de Jerusalém para a sala de aula de uma escola chinesa com placas hieroglíficas típicas nas paredes. "Cristo" e "apóstolos" se transformaram em pioneiros com gravata escarlate, e apenas "Judas" usa gravata de ouro - esta é uma metáfora para o capitalismo ocidental, penetrando e destruindo o modo de vida usual em um país socialista.

As obras de Zeng Fanzhi estão estilisticamente próximas do expressionismo europeu e são igualmente dramáticas. Mas, ao mesmo tempo, eles estão cheios de símbolos e especificidades chinesas. Essa versatilidade atrai colecionadores chineses e ocidentais para o trabalho do artista. Uma confirmação direta disso é a proveniência de A Última Ceia: a obra foi colocada em leilão pelo famoso colecionador da vanguarda chinesa dos anos 1980 e início dos anos 1990, o barão belga Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Ponte. 1980. US$ 20,6 milhões

Em leilão Christie's 13 de maio de 2015 trabalho abstrato "Ponte" artista americano de 85 anos Robert Ryman(Robert Ryman) foi vendido por US$ 20,6 milhões levando em conta a comissão - duas vezes mais caro que a estimativa mais baixa.

Robert Ryman(1930) não percebeu imediatamente que queria se tornar um artista. Aos 23 anos, mudou-se de Nashville, Tennessee, para Nova York, querendo se tornar um saxofonista de jazz. Enquanto isso, ele não se tornou um músico famoso, ele teve que ganhar dinheiro extra como segurança no MoMA, onde conheceu Saul LeWitt e Dan Flavin. A primeira trabalhava no museu como secretária noturna e a segunda como segurança e ascensorista. Inspirado nas obras de expressionistas abstratos que viu no MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock e Newman - Robert Ryman começou a pintar em 1955.

Ryman é frequentemente chamado de minimalista, mas prefere ser chamado de "realista" porque não está interessado em criar ilusões, apenas demonstra as qualidades dos materiais que usa. A maioria de suas obras são pintadas com tintas de todos os tons possíveis de branco (do acinzentado ou amarelado ao branco deslumbrante) com base em uma forma quadrada lacônica. Durante sua carreira, Robert Ryman experimentou muitos materiais e técnicas: pintou em óleos, acrílicos, caseína, esmalte, pastel, guache, etc. sobre tela, aço, plexiglass, alumínio, papel, papelão ondulado, vinil, papel de parede, etc. amigo, um restaurador profissional, Orrin Riley, aconselhou-o sobre a causticidade dos materiais que ele pensava em usar. Como um artista disse uma vez: “Eu nunca tenho uma pergunta que escrever, o principal - como escrever". É tudo sobre a textura, a natureza dos traços, a fronteira entre a superfície colorida e as bordas da base, bem como a relação entre a obra e a parede. Desde 1975, um elemento especial de seu trabalho tem sido as luminárias, que Ryman desenha por si mesmo e deliberadamente as deixa visíveis, enfatizando seu trabalho "tão real quanto as paredes nas quais elas são penduradas são reais". Ryman prefere dar "nomes" às obras em vez de "títulos". O "nome" é o que ajuda a distinguir uma obra da outra, e Ryman muitas vezes nomeia suas obras por marcas de tintas, empresas, etc., e o "título" reivindica algum tipo de alusões e significados profundamente ocultos, cuja presença em seu obras que o artista nega regularmente. Nada além de material e técnica importa.

13. Damien Hirst Primavera sonolenta. 2002. US$ 19,2 milhões

artista inglês Para Damien Hirst (1965) estava destinado a ser o primeiro a ocupar o primeiro lugar nesta classificação em uma disputa com o clássico vivo Jasper Johns. O já mencionado trabalho "False Start" poderia permanecer um líder inafundável por muito tempo se 21 de junho de 2007 instalação na época, Hirst, 42 anos "Primavera Adormecida"(2002) não foi vendido na Sotheby's por £ 9,76 milhões, ou seja, por US$ 19,2 milhões. A obra, aliás, tem um formato bastante inusitado. Por um lado, esta é uma vitrine com manequins de pílulas (6.136 pílulas), na verdade, uma instalação clássica. E por outro lado, esta vitrine é plana (10 cm de profundidade), encaixada em uma moldura e pendurada na parede como um painel de plasma, proporcionando plenamente o conforto de posse inerente às pinturas. Em 2002, a irmã da instalação, Sleepy Winter, foi vendida por US$ 7,4 milhões, mais da metade do preço. Alguém "explicou" a diferença de preço pelo fato de os tablets ficarem mais desbotados no inverno. Mas é claro que essa explicação é absolutamente infundada, porque o mecanismo de precificação dessas coisas não está mais associado ao seu efeito decorativo.

Em 2007, muitos reconheceram Hirst como o autor da obra mais cara entre os artistas vivos. A questão, porém, é da categoria "dependendo de como contar". O fato é que Hurst foi vendido por libras caras, e Jones por dólares que agora caíram de preço, e até vinte anos atrás. Mas mesmo se contarmos pelo valor de face, sem levar em conta a inflação de 20 anos, o trabalho de Hirst era mais caro em dólares e o de Jones em libras. A situação era limítrofe, e todos eram livres para decidir quem considerar o mais caro. Mas Hurst resistiu em primeiro lugar não por muito tempo. No mesmo 2007, ele foi deslocado do primeiro lugar por Koons com seu "Hanging Heart".

Justamente às vésperas do declínio global dos preços da arte contemporânea, Hirst empreendeu um empreendimento sem precedentes para um jovem artista - um leilão solo de suas obras, que ocorreu em 15 de setembro de 2008 em Londres. A notícia da falência do banco Lehman Brothers anunciada no dia anterior não saciou o apetite dos amantes da arte contemporânea: das 223 obras oferecidas pela Sotheby's, apenas cinco não encontraram novos donos (um dos compradores, aliás, foi Victor Pinchuk). Trabalhar "Bezerro Dourado"- uma enorme efígie de um touro em formol, coroado com um disco dourado, - trouxe £ 10,3 milhões ($ 18,6 milhões). Este é o melhor resultado de Hurst se medido em libras (na moeda em que o negócio foi feito). No entanto, estamos no ranking em termos de dólares, então (que o Bezerro de Ouro nos perdoe) consideraremos a melhor venda de Hirst como Sleepy Spring.

Desde 2008, Hirst não teve vendas de Sleepy Spring e Golden Calf. Novos registros da década de 2010 - para o trabalho de Richter, Jones, Fanzhi, Wool e Koons - levaram Damien para a sexta linha de nossa classificação. Mas não vamos fazer um julgamento categórico sobre o declínio da era Hirst. Segundo analistas, Hurst como um "superstar" já entrou na história, o que significa que eles vão comprá-lo por muito tempo; no entanto, o maior valor no futuro está previsto para obras criadas no período mais inovador de sua carreira, ou seja, na década de 1990.

14. Maurício Cattelan Ele. 2001. US$ 17,19 milhões

O italiano Maurizio Cattelan (1960) chegou à arte depois de trabalhar como segurança, cozinheiro, jardineiro e designer de móveis. O autor autodidata tornou-se mundialmente famoso por suas esculturas e instalações irônicas. Ele deixou cair um meteorito no Papa, transformou a esposa de um cliente em um troféu de caça, abriu um buraco no chão de um Museu dos Antigos Mestres, ergueu um dedo médio gigante para a bolsa de valores em Milão, trouxe um burro vivo para a feira Frieze . Em um futuro próximo, Cattelan promete instalar um banheiro dourado no Museu Guggenheim. No final, as travessuras de Maurizio Cattelan foram amplamente reconhecidas no mundo da arte: ele é convidado para a Bienal de Veneza (a instalação "Outros" em 2011 - um bando de dois mil pombos que olha ameaçadoramente de todos os tubos e vigas para a multidão de visitantes passando abaixo), arranjar uma retrospectiva no Museu Guggenheim de Nova York (novembro de 2011) e, finalmente, pagar muito dinheiro por suas esculturas.

Desde 2010, o trabalho mais caro de Maurizio Cattelan é uma escultura de cera de um homem espiando por um buraco no chão, aparentemente semelhante ao próprio artista ("Sem título", 2001). Esta escultura-instalação, que existe na quantidade de três exemplares mais a cópia do autor, foi exibida pela primeira vez no Museu Boijmans van Beuningen em Roterdão. Então esse personagem travesso olhou para fora de um buraco no chão do salão com pinturas de pintores holandeses dos séculos XVIII e XIX. Maurizio Cattellan nesta obra se associa a um criminoso ousado invadindo o espaço sagrado da sala do museu com pinturas de grandes mestres. Assim, ele quer privar a arte do halo de santidade que as paredes do museu lhe conferem. A obra, para expor que toda vez que é preciso fazer buracos no chão, foi vendida por US$ 7,922 milhões na Sotheby's.

O recorde ficou até 8 de maio de 2016, quando o trabalho ainda mais provocativo de Cattelan, Ele, retratando um Hitler ajoelhado, foi vendido por US$ 17,189 milhões.A coisa é estranha. O nome é estranho. A seleção de personagens é arriscada. Como tudo com Cattelan. O que Ele quer dizer? "Sua" ou "Sua majestade infernal"? É claro que definitivamente não estamos falando de cantar a imagem do Fuhrer. Neste trabalho, Hitler aparece de uma forma indefesa e lamentável. E absurdamente - a encarnação de Satanás é feita do tamanho de uma criança, vestida com uma fantasia de colegial e ajoelhada com uma expressão humilde no rosto. Para Cattelan, essa imagem é um convite à reflexão sobre a natureza do mal absoluto e uma forma de se livrar dos medos. Aliás, a escultura “Ele” é bem conhecida do público ocidental. Seus irmãos da série foram exibidos mais de 10 vezes nos principais museus do mundo, incluindo o Centro Pompidou e o Museu Solomon Guggenheim.

15. MARC GROTJAN Sem título (S III Lançado na França Face 43.14). 2011. US$ 16,8 milhões

Em 17 de maio de 2017, uma das pinturas mais poderosas de Marc Grotjan já colocadas em leilão apareceu no leilão noturno da Christie's em Nova York. A pintura "Sem título (S III lançado para a França Face 43.14)" foi colocada pelo colecionador parisiense Patrick Seguin com uma estimativa de US$ 13-16 milhões, e como a venda do lote foi garantida por um terceiro, ninguém ficou particularmente surpreendido com o estabelecimento de um novo recorde pessoal de leilão pelo artista de 49 anos. O preço do martelo de US$ 14,75 milhões (US$ 16,8 milhões com o Buyer's Premium) superou o recorde anterior de leilões de Grotjan em mais de US$ 10 milhões, permitindo-lhe entrar no clube de artistas vivos cujo trabalho é vendido por oito dígitos. Mesmos resultados de sete dígitos (vendas de mais de US $ 1 milhão, mas não mais de US $ 10 milhões) no cofrinho de leilão Mark Grotyan por cerca de trinta.

Mark Grotjan (1968), em cuja obra os especialistas veem a influência do modernismo, do minimalismo abstrato, do pop e da op art, chegou à sua identidade corporativa em meados da década de 1990, depois de se mudar com seu amigo Brent Peterson para Los Angeles e abrir uma galeria lá "Quarto 702". Como o próprio artista lembra, nessa época ele começou a pensar no que vinha primeiro para ele na arte. Ele estava procurando o motivo com o qual ele poderia experimentar. E percebi que ele sempre se interessou por linha e cor. Experimentos no espírito do raionismo e minimalismo com perspectiva linear, numerosos pontos de fuga e formas triangulares abstratas multicoloridas acabaram por trazer fama mundial a Grotjan.

De paisagens abstratas e coloridas com múltiplos horizontes e pontos de fuga, ele acabou com formas triangulares que lembram asas de borboletas. Pinturas de Grotjan 2001–2007 Eles chamam isso de "Borboletas". Hoje, mover o ponto de fuga ou usar vários pontos de fuga ao mesmo tempo, espaçados no espaço, é considerado uma das técnicas mais poderosas do artista.

A próxima grande série de trabalhos foi chamada de "Faces"; nas linhas abstratas desta série pode-se adivinhar os traços de um rosto humano, simplificado ao estado de uma máscara no espírito de Matisse, Jawlensky ou Brancusi. Falando da derradeira simplificação e estilização das formas, da solução composicional das pinturas, quando os contornos dispersos dos olhos e bocas parecem nos olhar do mato da floresta, os pesquisadores notam a ligação dos "Faces" de Grotjan com a arte das tribos primitivas da África e Oceania, enquanto o próprio artista simplesmente "gosta da imagem olhos olhando para fora da selva. Às vezes eu imaginava rostos de babuínos ou macacos. Não posso dizer que fui consciente ou inconscientemente influenciado pela arte africana primitiva, mas sim por artistas que foram influenciados por ela. Picasso é o exemplo mais óbvio."

As obras da série "Faces" são chamadas de brutais e elegantes, agradáveis ​​aos olhos e agradáveis ​​à mente. Com o passar do tempo, a textura dessas obras também muda: para criar o efeito de espaço interno, o artista usa pinceladas largas de tinta grossa, até espirrando no estilo de Pollock, mas a superfície da pintura é nivelada para que, após um exame mais atento , parece completamente plana. A pintura recordista do leilão Sem título (S III Lançado na França Face 43.14) pertence a esta célebre série de Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Meu caubói solitário. US$ 15,16 milhões

japonês Takashi Murakami (1962) entrou em nossa classificação com escultura "Meu Vaqueiro Solitário", vendido na Sotheby's em maio de 2008 por $ 15,16 milhões. Com esta venda, Takashi Murakami foi por muito tempo considerado o artista asiático vivo de maior sucesso - até ser eclipsado pela venda de The Last Supper por Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami trabalha como artista, escultor, designer de moda e animador. Murakami queria tomar algo realmente japonês como base de seu trabalho, sem empréstimos ocidentais ou quaisquer outros. Em seus anos de estudante, ele era fascinado pela arte tradicional japonesa de nihonga, mais tarde foi substituída pela arte popular de anime e mangá. Assim nasceu o psicodélico Mr DOB, padrões de flores sorridentes e esculturas de fibra de vidro brilhantes e brilhantes, como se tivessem acabado de sair das páginas dos quadrinhos japoneses. Alguns consideram a arte de Murakami como fast food e a personificação da vulgaridade, outros chamam o artista do japonês Andy Warhol - e nas fileiras deste último, como vemos, há muitas pessoas muito ricas.

Murakami emprestou o nome para sua escultura de The Lonely Cowboys (1968), de Andy Warhol, que os japoneses, como ele mesmo admitiu, nunca assistiram, mas ele gostou muito da combinação de palavras. Murakami com uma escultura agradou os fãs de quadrinhos eróticos japoneses e riu deles. Aumentado de tamanho e, além disso, também tridimensional, o herói do anime se transforma em um fetiche da cultura de massa. Essa afirmação artística está bem no espírito da pop art clássica ocidental (lembre-se do conjunto de móveis de Allen Jones ou Pink Panther de Koons), mas com um toque nacional.

17. KAWS. Álbum KAWS. 2005. $ 14.784.505

KAWS é o pseudônimo do artista americano Brian Donelly de Nova Jersey. Ele é o participante mais jovem da nossa classificação, nascido em 1974. Donelly começou como animador na Disney (desenhando cenários para o desenho animado "101 Dálmatas" e outros). Eu me interesso por grafite desde jovem. No início, seu design de assinatura era uma caveira com "X"s no lugar das órbitas oculares. O trabalho do jovem escritor tem sido amado por pessoas do show business e da indústria da moda: ele fez a capa do álbum Kanye West, lançou colaborações para Nike, Comme des Garçons e Uniqlo. Com o tempo, KAWS tornou-se uma figura bem conhecida no mundo da arte contemporânea. Sua estatueta de assinatura do Mickey Mouse chegou a museus, espaços públicos e coleções particulares. Certa vez, a KAWS lançou um brinquedo de vinil de edição limitada com a marca My Plastic Heart, e de repente eles se tornaram objeto de grande interesse de colecionadores. Um dos colecionadores apaixonados desses "brinquedos" é o fundador do Black Star, o rapper Timati: ele colecionou quase completamente toda a série de "Cavs Companions".

O trabalho de KAWS estabeleceu um recorde para a obra de um artista - US$ 14,7 milhões - no leilão da Sotheby's em Hong Kong em 1º de abril de 2019. Costumava estar na coleção do estilista japonês Nigo. O KAWS Album é uma homenagem à capa do famoso álbum dos Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" em 1967. Só que em vez de pessoas, tem Kimpsons - personagens estilizados da série de desenhos animados dos Simpsons com "X"s em vez de olhos.

18. JIN SHAN noiva tadjique. 1983. US$ 13,89 milhões

Entre os artistas chineses relativamente jovens e contemporâneos, todos pertencentes à chamada “nova onda” do final dos anos 1980 na arte chinesa, nossa classificação inesperadamente incluiu um representante de uma geração completamente diferente e uma escola diferente. Jin Shan (Jin Shangyi), que agora tem mais de 80 anos, pertence aos brilhantes representantes da primeira geração de artistas da China comunista. As visões deste grupo de artistas foram formadas em grande parte sob a influência do aliado comunista mais próximo - a URSS.

A arte soviética oficial, o realismo socialista, a pintura a óleo, que ainda era incomum para a China (em oposição à pintura tradicional chinesa) estavam no auge da popularidade na década de 1950, e o artista soviético Konstantin veio ensinar na Universidade de Arte de Pequim por três anos (de 1954 a 1957) Methodievich Maksimov. Jin Shani, que na época era o mais novo do grupo, entrou em sua classe. O artista sempre se lembrava de seu professor com muito carinho, dizendo que foi Maksimov quem o ensinou a entender e retratar corretamente o modelo. K. M. Maksimov trouxe à tona toda uma galáxia de realistas chineses, agora clássicos.

Na obra de Jin Shan pode-se sentir a influência tanto do "estilo severo" soviético quanto da escola européia de pintura. O artista dedicou muito tempo ao estudo da herança do Renascimento e do classicismo, enquanto considerava necessário preservar o espírito chinês em suas obras. A pintura "Tajik Bride", pintada em 1983, é considerada uma obra-prima universalmente reconhecida, um novo marco na obra de Jin Shan. Foi ela quem foi colocada no leilão do China Guardian em novembro de 2013 e vendeu várias vezes mais caro do que a estimativa - por US$ 13,89 milhões, incluindo comissão.

19. BANKSY O Parlamento decadente. 2008. US$ 12,14 milhões

Pinturas murais com a etiqueta Banksy começaram a aparecer nas paredes das cidades (primeiro no Reino Unido e depois em todo o mundo) no final dos anos 1990. Seus grafites filosóficos e ao mesmo tempo afiados foram dedicados aos problemas do ataque do Estado às liberdades dos cidadãos, crimes contra o meio ambiente, consumo irresponsável e a desumanidade do sistema de migração ilegal. Com o tempo, as "recriminações" de Banksy ganharam popularidade na mídia sem precedentes. De fato, tornou-se um dos principais porta-vozes da opinião pública condenando a hipocrisia de Estados e corporações, produzindo crescente injustiça no sistema capitalista.

O significado de Banksy, o senso de "nervo do tempo" e a precisão de suas metáforas foram apreciados não apenas pelo público, mas também pelos colecionadores. Na década de 2010, centenas de milhares ou até mais de um milhão de dólares foram doados por suas obras. Chegou ao ponto em que o grafite de Banksy foi quebrado e roubado junto com pedaços de paredes.

Em uma era de vigilância digital avançada, Banksy ainda consegue permanecer anônimo. Há uma versão que não é mais uma pessoa, mas um grupo de vários artistas, liderados por uma mulher talentosa. Isso explicaria muita coisa. E a diferença externa dos escritores capturados nas lentes das câmeras das testemunhas, e o método impessoal de aplicação do estêncil (dá alta velocidade e não requer a participação direta do autor), e o romantismo tocante dos temas das pinturas (bolas, flocos de neve, etc.). Seja como for, as pessoas do projeto Banksy, incluindo seus assistentes, sabem ficar de boca fechada.

Em 2019, o trabalho mais caro de Banksy inesperadamente se tornou uma tela de quatro metros Devolved Parliament (“degradado”, “decomposto” ou “delegado”) parlamento). Chimpanzés discutindo na Câmara dos Comuns parecem estar zombando do público no ano do escandaloso Brexit. É surpreendente que a pintura tenha sido pintada 10 anos antes dessa virada histórica e, portanto, alguém a considere profética. Em um leilão da Sotheby's em 3 de outubro de 2019, um comprador desconhecido comprou o petróleo por US$ 12.143.000 em uma licitação feroz - seis vezes o preço da estimativa preliminar.

20. JOHN CURREN "Doce e simples." 1999. US$ 12,007 milhões

artista americano John Curran (1962) conhecido por suas pinturas figurativas satíricas sobre temas sexuais e sociais provocantes. O trabalho de Curren consegue combinar as técnicas de pintura dos antigos mestres (especialmente Lucas Cranach, o Velho e os maneiristas) e fotografia de moda de revistas brilhantes. Alcançando mais grotesco, Karren muitas vezes distorce as proporções do corpo humano, aumenta ou reduz suas partes individuais, retrata heróis em poses quebradas e educadas.

Curren começou em 1989 com retratos de meninas redesenhados de um álbum escolar; continuou no início dos anos 1990 com fotos de beldades peitudas inspiradas em fotos da Cosmopolitan e da Playboy; em 1992, apareceram retratos de senhoras idosas ricas; e em 1994, Curren casou-se com a escultora Rachel Feinstein, que se tornou sua principal musa e modelo por muitos anos. No final dos anos 1990, as proezas técnicas de Currin, combinadas com o kitsch e o grotesco de suas pinturas, trouxeram-lhe popularidade. Em 2003, Larry Gagosian assumiu a promoção do artista, e se um negociante como Gagosian assumir o autor, o sucesso é garantido. Em 2004, uma retrospectiva de John Curran foi realizada no Whitney Museum.

Por volta dessa época, seu trabalho começou a ser vendido por seis dígitos. O recorde atual de uma pintura de John Curran pertence à Sweet and Simple, vendida em 15 de novembro de 2016 na Christie's por US$ 12 milhões. Agora com mais de 50 anos, este é definitivamente um avanço na carreira. Seu recorde anterior, em 2008, era de US$ 5,5 milhões (pagos, aliás, pelo mesmo trabalho "Bonito e Simples").

21. BRICE MARDEN O Assistido. 1996-1999 US$ 10,917 milhões

Outro artista abstrato americano vivo em nosso ranking é Bryce Marden (1938). As obras de Marden no estilo do minimalismo, e desde o final da década de 1980 - pintura gestual, distinguem-se por uma paleta de autor única, ligeiramente suave. As combinações de cores nas obras de Marden são inspiradas em suas viagens ao redor do mundo - Grécia, Índia, Tailândia, Sri Lanka. Entre os autores que influenciaram a formação de Marden estão Jackson Pollock (no início dos anos 1960 Marden trabalhou como segurança no Museu Judaico, onde observou pessoalmente os “pingos de Pollock”), Alberto Giacometti (conheceu seu trabalho em Paris) e Robert Rauschenberg (alguns enquanto Marden trabalhava como seu assistente). A primeira etapa do trabalho de Marden é dedicada às telas minimalistas clássicas, compostas por blocos retangulares coloridos (horizontais ou verticais). Ao contrário de muitos outros minimalistas que buscavam a qualidade ideal das obras, como se impressas por uma máquina, e não desenhadas por uma pessoa, Marden reteve traços da obra do artista, combinando diferentes materiais (cera e tintas a óleo). Desde meados da década de 1980, sob a influência da caligrafia oriental, a abstração geométrica foi substituída por linhas sinuosas, semelhantes a meandros, cujo fundo eram os mesmos campos de cores monocromáticas. Uma dessas obras "meandros" - "The Attended" - foi vendida na Sotheby's em novembro de 2013 por US$ 10,917 milhões, incluindo comissão.

22. ZHANG XIAOGANG Amor eterno. US$ 10,2 milhões

Outro representante da arte contemporânea chinesa é um simbolista e surrealista Zhang Xiaogang (1958). Na Sotheby's Hong Kong 3 de abril de 2011, onde foi vendida a vanguarda chinesa da coleção do barão belga Guy Ullens, um tríptico de Zhang Xiaogang "Amor eterno" foi vendido por $ 10,2 milhões. Naquela época, era um recorde não só para o artista, mas para toda a arte contemporânea chinesa. Dizem que a obra de Xiaogang foi comprada pela esposa do bilionário Wang Wei, que está prestes a abrir seu próprio museu.

Zhang Xiaogang, que gosta de misticismo e filosofia oriental, escreveu a história do "Amor Eterno" em três partes - vida, morte e renascimento. Este tríptico foi apresentado na icônica exposição China/Avant-Garde de 1989 no Museu Nacional de Arte. Também em 1989, manifestações estudantis foram brutalmente reprimidas na Praça da Paz Celestial pelos militares. Após esse trágico evento, os parafusos começaram a apertar - a exposição no Museu Nacional foi dispersada, muitos artistas emigraram. Em resposta ao realismo socialista imposto de cima, surgiu uma direção de realismo cínico, um dos principais representantes do qual foi Zhang Xiaogang.

23. BRUCE NAUMAN Desamparado Henry Moore. 1967. US$ 9,9 milhões

americano Bruce Nauman (1941), o vencedor do prêmio principal da 48ª Bienal de Veneza (1999), há muito que tem seu recorde. Nauman começou sua carreira nos anos sessenta. Os conhecedores o chamam, junto com Andy Warhol e Joseph Beuys, de uma das figuras mais influentes da arte da segunda metade do século XX. No entanto, a rica intelectualidade e a absoluta não-decorativa de algumas de suas obras obviamente impediram seu rápido reconhecimento e sucesso junto ao público em geral. Nauman muitas vezes experimenta com a linguagem, descobrindo significados inesperados de frases familiares. As palavras tornam-se os personagens centrais de muitas de suas obras, incluindo pseudo-sinais e painéis de néon. O próprio Nauman se autodenomina escultor, embora nos últimos quarenta anos tenha se testado em gêneros completamente diferentes - escultura, fotografia, videoarte, performances, gráficos. No início da década de 1990, Larry Gagosian proferiu as palavras proféticas: "O valor real do trabalho de Naumann ainda não foi percebido". E assim aconteceu: 17 de maio de 2001 na Christie's por Naumann em 1967 "Indefeso Henry Moore (vista traseira)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) estabeleceu um novo recorde no segmento de arte pós-guerra. Um molde das mãos de Naumann amarrado nas costas, feito de gesso e cera, foi para o martelo por US $ 9,9 milhões na coleção do magnata francês François Pinault (segundo outras fontes, a americana Phyllis Wattis). A estimativa do trabalho foi de apenas US$ 2-3 milhões, então o resultado foi uma verdadeira surpresa para todos.

Antes dessa venda lendária, apenas duas das obras de Naumann haviam ultrapassado a marca de um milhão de dólares. E em toda a sua carreira de leilões até agora, apenas seis obras, além de "Henry Moore ...", chegaram a somas de sete dígitos, mas seus resultados ainda não podem ser comparados a nove milhões.

"Helpless Henry Moore" é uma das séries de trabalhos polêmicos de Naumann sobre a figura de Henry Moore (1898–1986), um artista britânico que foi considerado um dos maiores escultores do século XX nos anos sessenta. Jovens autores, que se viram à sombra de um mestre reconhecido, então o atacaram com críticas ferozes. A obra de Naumann é uma resposta a essa crítica e ao mesmo tempo uma reflexão sobre o tema da criatividade. O título da obra torna-se um trocadilho, pois conecta dois significados da palavra inglesa vinculado - vinculado (no sentido literal) e condenado a um certo destino.

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Por alguma razão, somos apenas bem promovidos "Quadrado preto de Malevich, por exemplo... que haja uma boa gestão.
No entanto, ainda existem muitas fotos de tal plano que, olhando para elas, você pensa: "Bem, para QUE, para que TANTO dinheiro?!" :))

Os dez exemplos de pintura dados são exemplos vívidos de como você pode obter um dinheiro fabuloso por qualquer pique (desenhado por uma criança de cinco anos ou comprado em um mercado de pulgas, por exemplo), tendo inventado um nome alto para isso , escrevendo uma incrível história de criação e colocando-a em um dos leilões mais famosos do mundo:

1. "O conceito de espaço, esperando" Lucio Fontana - R$ 1,5 milhão

'Concept of Space, Waiting', do artista Lucio Fontana, foi vendido por US$ 1,5 milhão em leilão em Londres. Este trabalho é uma tela de uma cor com fendas longitudinais. A pergunta em um milhão: o valor dessa pintura aumentará se você fizer mais alguns furos nela?

2. "Blood Red Mirror", de Gerhard Richter - US$ 1,1 milhão

"Mirror" foi vendido por 1,1 milhão. Percebendo o valor do resto das obras de Gerhard Richter, é difícil entender o valor desta. É apenas tinta vermelha aplicada com um leve degradê no espelho, certo? Talvez o colecionador que comprou esta peça só quisesse se ver em um espelho em uma cor fora do padrão.

3. Greenblot por Ellsworth Kelly - US$ 1,6 milhão

Esta pintura foi vendida por US $ 1,6 milhão. Até onde sabemos, a maioria das obras de Ellsworth Kelly não alcança grandes somas, mas esta tela é uma exceção. Sim, apesar do fato de que esta é apenas uma tela com um círculo deformado no meio, havia um conhecedor e pagou por isso tanto quanto custa uma pequena ilha tailandesa.

4 Sem título (1961) Mark Rothko - $ 28 milhões

Esta obra de Mark Rothko foi vendida em leilão por mais de US$ 28 milhões. “Terrível” talvez seja um exagero, mas “chato” é provavelmente a descrição mais precisa dessa imagem. O que você diria se seu filho, depois de estudar por um ano na escola de arte, trouxesse uma obra-prima dessas para casa? Bem, por exemplo: a) eles ficavam orgulhosos e penduravam na parede ou c) diziam: “Muito bom... mas da próxima vez tente desenhar algo mais reconhecível”.

5. "Sem título" Blinky Palermo - US$ 1,7 milhão

Este trabalho foi vendido em leilão por US $ 1,7 milhão. "Sem título", como o resto da obra de Palermo, é uma combinação de listras multicoloridas. Um dos críticos de arte descreveu esta obra de arte da seguinte forma: “As telas de Palermo dão ao espectador pouco, se houver, apenas pequenas mudanças de tom, não há traços pictóricos. Em vez disso, eles mostram ao espectador cores puras e não diluídas." Bravo! É simplesmente incrível que alguém possa descrever um trabalho tão pouco rico em elementos e até encontrar momentos positivos nele!

6. "Pintura (Cão)", de Joan Miro - US$ 2,2 milhões

Esta obra de Joan Miró foi vendida em leilão por 2,2 milhões de dólares. Entre as outras belas obras de Miro, esta nos parece uma anomalia. É difícil entender por que o colecionador comprou esta pintura - talvez ele só quisesse possuir parte do legado do grande mestre?

7. White Fire I, Barnett Newman - US$ 3,8 milhões

White Fire I de Barnett Newman foi comprado por US$ 3,8 milhões. “O nome “Fogo Branco” é um termo místico originário da Torá. Como tal, é definitivamente preenchido com um profundo sentimento espiritual que Newman estava tentando transmitir ao público de sua imagem. Sério? Duas linhas em uma tela em branco estão diretamente relacionadas à Torá?

8. Sem título Cy Twombly - US$ 2,3 milhões

Esta pintura de Cy Twombly foi vendida por US$ 2,3 milhões no leilão da Christie's. Este trabalho foi feito com lápis de cor sobre papel, ou seja, quase da mesma forma, e com os mesmos materiais com que tentam desenhar as primeiras letras no jardim de infância. Visto de lado, parece uma criança de cinco anos praticando a escrita da letra "e", não é?

9 Cowboy, Ellsworth Kelly - US$ 1,7 milhão

O cowboy de Ellsworth, Kelly, foi vendido em leilão por US$ 1,7 milhão. Kelly estudou pintura no Museu de Belas Artes de Boston e Paris por mais de quatro anos antes de desenvolver seu próprio estilo. Ele decidiu criar um estilo que consiste principalmente em blocos sobre tela. Um iniciante pode pensar que esta é uma má escolha: o que há de tão especial em poliedros no papel? No entanto, do ponto de vista econômico, Kelly acertou em cheio. E a estética? Dificilmente.

10 Blue Fool Christopher Wool - $ 5 milhões

E, finalmente, a imagem com o nome simbólico "The Blue Fool" é a conclusão mais digna deste artigo. Foi vendido em leilão por mais de US$ 5 milhões. É difícil resistir a pensar que Christopher, especialista em escrever palavras em tela, deu boas risadas quando esta pintura foi vendida. Convencer alguém a comprar uma pintura com o eloquente "Fool" azul escrito nela é simplesmente... bravo, Christopher!

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A arte não conhece fronteiras, especialmente quando se trata de pinturas. Alguns artistas criam telas magníficas, que, infelizmente, só são reconhecidas após sua morte, e alguns permanecem perdidos no tempo. As pinturas são uma espécie de espelho na consciência, nas sensações e na visão de mundo do artista. Mas nem todas as telas podem ser entendidas na primeira vez e, às vezes, mesmo se você olhar para a imagem cem vezes, mesmo assim, haverá apenas rabiscos diante de seus olhos. Alguns vêem isso como arte, enquanto outros simplesmente torcem os dedos na cabeça. Mas, apesar disso, essas "obras-primas" são vendidas por um dinheiro fabuloso.

O famoso pintor italiano Lucio Fontana e seu conceito espacial. Expectativa"

Graças a essas linhas de corte na imagem, Fontana ficou famosa em todo o mundo. Esta obra de arte foi vendida por um milhão e meio de dólares em um leilão. A tela é feita no estilo do espacialismo. Essa direção da arte reúne pintura e escultura, supostamente unindo espaço, tempo, som, movimento e cor. Alguns veem nesta foto uma espécie de cortina que está prestes a se abrir na frente do espectador, mas enquanto ela está fechada, todos estão esperando por algo.

Famoso escultor catalão, pintor e artista gráfico Joan Miro e sua pintura mundialmente famosa "Cão"

As pinturas de Joan Miro são específicas e nem todos vão gostar delas. Basicamente, o artista trabalhava na direção da arte abstrata, mas, apesar disso, o surrealismo também estava próximo dele. Suas pinturas se assemelham a desenhos infantis, figuras que se assemelham apenas remotamente a algumas imagens compreensíveis. A pintura de Joan Miro "Cão" foi vendida em um dos leilões por 2,2 milhões de dólares.

Gerhard Richter

Gerhard Richter é um artista mundialmente famoso. Apesar de sua idade venerável e um derrame, o homem continua a encantar museus e colecionadores famosos com suas obras. Um artista famoso lança cerca de duzentas pinturas por ano. Vale a pena notar que Richter é um dos artistas mais caros do mundo, e a fotografia acima da pintura está longe de ser a cópia mais cara. A tela abstrata custou a um dos colecionadores seis milhões de dólares, mas pela pintura mais cara do artista, ele teve que pagar até 46,3 milhões de dólares.

Cy Twombly

Se você olhar atentamente para todas as pinturas do famoso artista do século 20, Cy Twomblin, podemos dizer com confiança que todas são feitas no estilo da arte abstrata. Esta obra de arte foi vendida em um dos leilões por nove milhões de dólares.

Christopher Wool e seu famoso "Apocalypse Now"

Christopher Wool ficou famoso apenas em 2013, depois que sua pintura chamada "Apocalypse Now" foi vendida por vinte e seis milhões e meio de dólares. Após esse acordo bem-sucedido, os preços de suas pinturas dispararam e ele agora é um dos artistas mais bem pagos de Nova York. Suas pinturas adornam exposições, e também são compradas ativamente por vários colecionadores e admiradores deste artista.

Robert Ryman e sua famosa pintura chamada "A Ponte"

Esta pintura do famoso artista Robert Ryman em um leilão em 2015 simplesmente cativou a todos. Para a tela foi pago 20,6 milhões de dólares. Robert Ryman é considerado pela maioria dos artistas como um minimalista, mas, como o próprio diz, ele é mais "realista" em seu trabalho. Ele não está nada interessado em toda essa ilusão pomposa que alguns de seus colegas criam em suas pinturas. Robert gosta de mostrar o lado real das coisas.

Jasper Johns e sua famosa pintura de bandeira

Em leilão em 2014, uma pintura do artista vivo Jasper Johns pagou trinta e seis milhões de dólares, o que automaticamente o colocou na categoria dos artistas mais bem pagos do nosso tempo. As bandeiras se tornaram uma figura central no trabalho de Jasper imediatamente depois que ele voltou do exército.