, a Bienal de Moscou, apresentações em festivais na Europa, prêmios de prestígio como PRIX CUBE, colaboração com, onde você se formou e como se interessou pela criação de arte tecnológica?

Dmitry Morozov: Sou crítico de arte por formação, estudei na Universidade Estatal Russa de Humanidades na Faculdade de História da Arte. Mas sempre me interessei por engenharia e tecnologia. Escrevi meu diploma em arquitetura modernista nos EUA, que geralmente é impossível de entender sem traçar paralelos entre tecnologia, design e arte. Além disso, sempre me interessei por música eletrônica, que por si só não existe sem tecnologia. Em algum momento, todos esses interesses se juntaram, mas a teoria deixou de ser interessante e, aos poucos, através da criação de instrumentos musicais eletrônicos, cheguei à criação de objetos e instalações.

Portanto, é difícil para mim ser responsável por todo o gênero, mas posso dizer que o formato de pequenas obras, esculturas, etc. está muito próximo de mim pessoalmente. mais como gadgets. Embora eu também tenha grandes obras, são essencialmente os mesmos gadgets em maior escala. Em primeiro lugar, me atrai nesse formato pela disponibilidade de tal linguagem para a compreensão do meu trabalho pela sociedade moderna, pois agora a “interface” se tornou mais importante que a imagem. A tecnologia tomou conta de nós completamente.

Riscos financeiros. 2015. O objeto de arte consiste em seis leitores de cartões bancários, um sistema de hardware para síntese de vídeo e som, um teclado para digitar um código PIN e um sistema de som de dois canais. Os cartões tornaram-se parte integrante da vida de uma pessoa moderna, cujo bem-estar e paz material em nível simbólico são fornecidos por informações em uma pequena faixa magnética e um código PIN de quatro dígitos. O artista entra em uma espécie de jogo psicológico com o espectador, dando-lhe a oportunidade de superar os medos associados à divulgação de informações confidenciais e, em troca, entrar em plena interação com o objeto de arte.

Como entender onde termina o Museu Politécnico e começa a própria arte?

Dmitry Morozov: Em algum lugar no meio, mas ainda um politécnico é uma coleção de artefatos, geralmente objetos utilitários, que são considerados do ponto de vista da evolução da tecnologia, enquanto a arte tecnológica é mais como um trabalho com significados e ideias, mas não carrega metas aplicadas.

Rx2, 2015 (Anastasia Alekhina, Dmitry Morozov). Instalação de som cinético. Um algoritmo de computador lê a força e a profundidade das vibrações da crosta terrestre na Internet e registra todos os terremotos acima de 0,1 na escala Richter. Em média, cerca de duzentos tremores sísmicos ocorrem por dia. As informações são convertidas em sinais que são enviados para motores acoplados a tambores acústicos Thunder Drum. Som e movimento neste caso é uma interpretação visual da atividade sísmica do planeta.

Em última análise, é a ideia e o conceito que importa em cada obra, mas a sequência da sua ocorrência pode ter uma sequência diferente. O que mais me interessa é como a tecnologia se entrelaça com nossas vidas, como as ferramentas passaram a influenciar a sociedade. Também estou muito interessado no fato de que todas as ciências e disciplinas estão muito mais próximas umas das outras do que a sociedade geralmente pensa. Também me interessa muito que toda tecnologia seja realmente muito antropomórfica, que uma pessoa esteja muito inclinada a dotar a tecnologia de propriedades humanas - falando com ela quando ela quebra ou mesmo vendo certo erotismo em algum processo. Estou muito interessado nas ideias de singularidade tecnológica, progresso e problemas que a sociedade enfrentará no futuro, quando a tecnologia continuar a se desenvolver em um nível completamente diferente.

Como você acha que será a arte do futuro? O futuro da arte tecnológica?

Dmitry Morozov: Acho que a arte tecnológica passou apenas do primeiro estágio de sua formação e continuará ganhando cada vez mais força, embora esse processo não seja linear e possa até desacelerar ou, digamos, se desenvolver “horizontalmente ” e não “verticalmente”, o que em geral acontece nesta fase. Não vou me comprometer a prever exatamente como será, mas espero de alguma forma participar desse processo.

“A coisa mais bonita que podemos experimentar na vida é o mistério. É a fonte de toda arte ou ciência verdadeira”, disse Albert Einstein. Mas quando as pessoas souberem de tudo e não houver mais mistério, o que acontecerá com a arte? Talvez no futuro seja assim: você não vai surpreender ninguém com nada, todos viram e sabem de tudo, e então a arte, a capacidade de criar obras únicas, se tornará a única maneira de mostrar a singularidade de sua personalidade?

A arte está ligada aos sentimentos - o que acontecerá com eles no futuro? Talvez a criação de versões alternativas da história, novos planetas e galáxias, elementos químicos sejam considerados arte? Realidade virtual e biotecnologias, metamorfoses e imortalidade – o que podemos esperar do amanhã?

A palestra dá continuidade ao ciclo educativo dedicado ao futuro, lançado na biblioteca em abril de 2014. Palestras anteriores abordaram temas como o futuro da humanidade como espécie e a possibilidade de estender radicalmente a vida usando métodos científicos.

Embora muitas vezes pareça aos representantes modernos do mundo da arte que a arte é uma esfera completamente autônoma da vida social, que em seu desenvolvimento não depende de novas tecnologias, os futurólogos acreditam que não é assim. As ferramentas dos artistas e artistas modernos não são apenas um pincel, uma tela, uma argila ou um cinzel de mármore. No processo de criação de uma obra de arte, são utilizados dispositivos e programas de alta tecnologia - tablets de desenho, programas de desenho e processamento de imagem, programas de modelagem 3D, equipamentos de vídeo sofisticados e equipamentos de informática de última geração. E as ideias que inspiram os artistas contemporâneos são extraídas das realidades da sociedade moderna, que se transforma rapidamente sob a influência do progresso científico e tecnológico.

Esperamos por si no dia 20 de Junho às 19:00 na Biblioteca da Juventude. Svetlov. (Moscou, rua Bolshaya Sadovaya, 1, estação de metrô Mayakovskaya)

Materiais de referência:

• Valeria Viktorovna Udalova (pseudônimo Valeria Pride) é futuróloga, socióloga, uma das fundadoras e líderes do Movimento Transhumanista Russo, divulgador da ciência. Autor e co-autor de mais de uma centena de artigos e livros sobre o desenvolvimento da ciência e tecnologia. Diretor Geral da única crioempresa russa KrioRus". Mais sobre o palestrante.
• O Movimento Transumanista Russo (RTD) é uma organização pública, uma grande comunidade de defensores do uso de tecnologias inovadoras para aumentar gradualmente as capacidades físicas, intelectuais e outras de uma pessoa para sua transição para o próximo nível evolutivo, de humano para pós-humano .

reflexão Andrey Bely sobre a arte do futuro. Palestra 1907. Publ. no satélite. artigos "Simbolismo". 1910.

Vemos claramente o caminho que o desenvolvimento tomará arte do futuro; a ideia deste caminho nasce em nós da antinomia que vemos na arte do nosso tempo. As formas de arte existentes tendem a se desintegrar: sua diferenciação é infinita: isso é facilitado pelo desenvolvimento da tecnologia: o conceito de progresso técnico substitui cada vez mais o conceito de vivo.

Por outro lado, as variedades de formas de arte se fundem; isso não se expressa de forma alguma na destruição das linhas que separam duas formas de arte adjacentes: o desejo de síntese expressa em tentativas de organizar essas formas em torno de uma das formas tomadas como centro.

Surge assim a predominância da música sobre as outras artes. É assim que o desejo de mistérios como uma síntese de todas as formas possíveis. Mas a música corrompe as formas das artes afins tanto quanto as nutre em outro aspecto: uma falsa penetração do espírito da música é um indicador de decadência: somos cativados pela forma desse declínio - esta é a nossa doença: um sabão bolha - antes de estourar - brilha com todas as cores do arco-íris: um tapete de arco-íris exotismo esconde por trás tanto a plenitude quanto o vazio: e se a arte do futuro construísse suas formas, imitando a música pura, a arte do futuro teria o caráter do budismo.

A contemplação na arte é um meio: é um meio para ouvir o chamado à criatividade vital. Na arte dissolvida pela música, a contemplação se tornaria a meta: ela faria do contemplador um espectador impessoal de suas próprias experiências: a arte do futuro, afogada na música, pararia para sempre o desenvolvimento das artes.

Se a arte do futuro é entendida como arte, que é uma síntese das formas atualmente existentes, então qual é o princípio unificador da criatividade? Você pode, claro, vestir a roupa de um ator e rezar no altar: o coro pode ao mesmo tempo executar ditirambos escritos pelos melhores letristas de seu tempo: a música acompanhará os ditirambos: a dança acompanhará a música: o os melhores artistas de seu tempo criarão uma ilusão ao nosso redor, etc. , etc. Para que tudo isso? Para transformar algumas horas de vida em um sonho e depois quebrar esse sonho com a realidade?

Seremos respondidos: "Bem, e quanto ao mistério?"

Mas o mistério tinha um significado religioso vivo: para mistério do futuro tinha o mesmo significado, devemos levá-lo para além da arte. Deveria ser para todos. Não, e o início da arte do futuro não está na síntese das artes!

O artista é antes de tudo um homem; então ele é um especialista em seu ofício; talvez seu trabalho influencie a vida; mas as condições artesanais que acompanham a criatividade limitam essa influência: o artista moderno está preso à forma; é impossível exigir dele que cante, dance e pinte, ou mesmo desfrute de todo tipo de sutilezas estéticas; e, portanto, é impossível exigir dele um esforço de síntese; esse desejo teria se expressado na selvageria, no retorno às formas primitivas do passado distante, e a criatividade primitiva, desenvolvendo-se naturalmente, levou a arte à complexidade das formas existentes; um retorno ao passado traria esse passado de volta ao presente.

A síntese das artes a partir de um retorno ao passado distante é impossível. com base em uma reunião mecânica de formas existentes também é impossível: tal reunião levaria a arte ao ecletismo morto; o templo da arte se transformaria em museu de arte, onde as musas são bonecas de cera, nada mais.

Se uma conexão externa é impossível, um retorno ao passado é igualmente impossível, então temos a complexidade do presente. Podemos falar sobre a arte do futuro? Talvez seja apenas uma complicação do presente.

Mas isso não.

Atualmente, a avaliação de uma obra de arte está ligada às condições especiais da técnica artística: por mais forte que seja um talento, ele está ligado a todo o passado técnico de sua arte; o momento do conhecimento, o estudo da própria arte, determina cada vez mais o desenvolvimento do talento; o poder do método, sua influência no desenvolvimento da criatividade está crescendo aos trancos e barrancos; individualismo da criatividade atualmente, há mais frequentemente um individualismo do método de trabalho; esse individualismo é apenas um refinamento do método da escola à qual o artista está associado; individualismo desse tipo é especialização; está em relação inversa à individualidade do próprio artista; o artista, para criar, deve primeiro saber; o conhecimento, por outro lado, decompõe a criatividade, e o artista cai em um círculo fatal de contradições; a evolução técnica das artes o torna seu escravo; é-lhe impossível abandonar o passado técnico; o artista do presente está se tornando cada vez mais um cientista; no processo dessa transformação, fogem dele os últimos objetivos da arte; o campo das artes está sendo aproximado pelo progresso técnico do campo do conhecimento; a arte é um grupo de um tipo especial de conhecimento.

O conhecimento do método da criatividade substitui a criatividade; mas a criatividade é anterior ao conhecimento; ela cria os próprios objetos do conhecimento.

Ao encerrar a criatividade em formas de arte existentes, nós a condenamos ao poder do método; e torna-se conhecimento por conhecimento sem objeto; A "não-objetividade" na arte é uma confissão viva do Impressionismo? E como a "não-objetividade" se estabelece na arte, o método da criatividade torna-se "um objeto em si", o que implica uma extrema individualização: encontrar o próprio método - esse é o objetivo da criatividade; tal visão de criatividade nos levará inevitavelmente a uma completa desintegração das formas de arte, onde cada obra é sua própria forma: sob tal condição, o caos interno se estabelecerá na arte.

Se é possível criar um novo templo sobre as ruínas de um templo aparentemente desmoronado, então é impossível erigir esse templo sobre as infinitas formas-átomos nas quais as formas existentes serão lançadas sem abandonar as próprias formas: assim transferir a questão do propósito da arte da consideração dos produtos da criatividade para os próprios processos criatividade: produtos da criatividade - cinzas e magma: processos de criatividade - lava fluindo.

A energia criadora da humanidade não errou ao escolher o caminho pelo qual se formaram as formas que hoje nos cativam? Não é necessário analisar as próprias leis da criatividade antes de concordar com a arte quando ela nos aparece em formas? Essas formas não são a essência do passado distante da criatividade? Se o fluxo criativo também mergulhar agora na vida ao longo das bordas petrificadas, cujo ponto mais alto é música, mais baixo - arquitetura: afinal, identificadas essas formas, nós as transformamos em uma série de meios técnicos que arrefecem a criatividade: transformamos a criatividade em conhecimento: um cometa em sua cauda cintilante, apenas iluminando o caminho por onde a criatividade percorreu: música, pintura, arquitetura, escultura, poesia - tudo já é um passado obsoleto: aqui na pedra, na pintura, no som e na palavra, deu-se o processo de transformação da vida outrora viva e agora morta; ritmo musical - o vento que cruzou o céu da alma; correndo por este céu, ardentemente definhando na expectativa da criação, o ritmo musical - "a voz da frieza do fino" - engrossava as nuvens dos mitos poéticos: e o mito cortinava o céu da alma, brilhando com milhares de cores: petrificado em pedra; o fluxo criativo criou um mito de nuvem vivo; mas o mito congelou e se desintegrou em cores e pedras.

surgiu mundo da arte como um templo tumular da criatividade da vida.

Fixando o processo criativo em uma forma, nós, em essência, nos ordenamos a ver nas cinzas e no magma a própria lava: é por isso que nossa perspectiva sobre o futuro da arte é sem esperança: ordenamos que esse futuro seja cinzas: igualmente matamos criatividade, depois combinando seus fragmentos em uma pilha (síntese das artes), depois fragmentando essas formas ao infinito (diferenciação das artes).

E aqui. e ali o passado é ressuscitado; tanto aqui como ali estamos à mercê dos queridos mortos; e os sons maravilhosos da sinfonia de Beethoven, e os sons vitoriosos dos ditirambos dionisíacos (Nietzsche) - todos estes são sons mortos: pensamos que estes são reis vestidos de linho fino, e estes são cadáveres embalsamados; eles vêm até nós para nos encantar com a morte.

Com a arte, com a vida, a situação é muito mais grave do que pensamos: o abismo sobre o qual penduramos é mais profundo, mais escuro. Para sair do círculo vicioso das contradições, devemos parar de falar sobre qualquer coisa, seja arte, conhecimento ou nossa própria vida. Devemos esquecer o presente: devemos recriar tudo novamente; para fazer isso, devemos nos recriar.

E a única ladeira que ainda podemos subir somos nós mesmos. No topo esperamos pelo nosso "eu".

Aqui está a resposta para o artista: se ele quer permanecer um artista sem deixar de ser humano, ele deve se tornar sua própria forma de arte. Somente esta forma de criatividade nos promete salvação. Aqui está o caminho do futuro da arte.

O mundo moderno da arte não pode ser conquistado apenas pela pintura, nem apenas pela música. Mas se todos os itens acima forem combinados e definir corretamente a luz - o sucesso é garantido. O que é: saciedade de um citadino ou evolução da arte? Seja como for, as exposições multimídia correm pelos lofts metropolitanos em um esquadrão alegre, e só podemos adivinhar o que esperar no futuro?

Origem do conceito

Tudo começou nos anos 60 com uma leve introdução do artista inglês Dick Higgins e da equipe criativa da Fluxus: “Gostaria de sugerir que o uso da intermedia é uma forma mais ou menos universal de abandonar o pictórico na arte, pois da nossa nova mentalidade é mais continuidade do que separação".

As ideias de liberdade e renovação da arte, que estavam no ar desde a década de 1950, resultaram em uma única forma, incompreensível, mas extremamente divertida: uma simbiose de texto, música e imagens. No entanto, a universalidade das habilidades do artista está fora de questão, o conceito de D. Higgins implica apenas a rejeição da divisão de gêneros, a classificação da arte, o sistema de formação profissional do artista.

Apesar de o próprio conceito de D. Higgins não ter sido amplamente utilizado, a ideia de incluir diferentes artes na estrutura da obra foi usada por muitos de seus contemporâneos: N. J. Pike, J. Belson, J. Whitney, J .Yalkut, S. Bartlett, C. Jacobs, P. Rist, F. Templeton, D. Graham, J. Jonas e outros.

Quanto mais longe, mais emocionante: nos anos 70-80, o termo "intermídia" substitui "multimídia". Agora instalações e performances com a inclusão de elementos de cinema, vídeo, telas de slides são realizadas sob a nova bandeira de “ambientes múltiplos”.

A diferença entre os termos "multimídia" e "arte multimídia"

A terminologia ainda é confusa nos dias de hoje. Práticas artísticas baseadas em experimentos multicamadas também podem ser definidas como "multimídia", E como " arte multimídia". O primeiro termo refere-se às já conhecidas práticas de artes visuais das décadas de 1960-1990, associadas à inclusão de mais de uma forma de arte na estrutura de uma obra.

Arte multimídia é sinônimo do termo mais comum “arte digital” ou “arte de novas mídias” na Europa Ocidental. Em sua manifestação, a arte multimídia é mais harmoniosa que seus antecessores: atualizações forçadas dão lugar a uma reação natural ao progresso tecnológico. E aqui não foi sem paradoxos: no mundo moderno, em uma grande cidade, onde a informação é abundante e a restrição é escassa, o cidadão médio está muito disposto a olhar para a multimídia. E assim aconteceu com uma série de mostras multimídia populares, apresentando o trabalho de grandes artistas de todo o mundo através de projeções digitais.

“Nossas exposições são relevantes apenas porque em um momento e em um lugar você pode ver todas as obras de Van Gogh ou as pinturas mais significativas dos impressionistas. Enquanto os originais estão em vários museus do mundo ou em coleções particulares, nós os temos todos juntos, em tamanho ampliado e acompanhados de uma música maravilhosa”, comenta o sucesso das exposições. Kira Marinina, diretora de relações públicas da iVision- organizador na Rússia.

Os opositores dos espetáculos multimídia também estão na onda da popularização da arte, não veem as atividades educativas, dizem, “vão olhar e esquecer”. No entanto, é difícil chamar a arte multimídia de “substituto da arte”, agora é mais um jovem indeciso, seja instrumento de expressão do pensamento do artista, seja uma nova direção, cujas perspectivas dependem do aventureirismo do criador.

Mostra multimídia “Grandes modernistas. Revolução na arte

“É impossível considerar uma mostra multimídia e uma exposição clássica de museu de pintura como intercambiáveis ​​por muitas razões. Existe uma convenção artística interna, segundo a qual o autor da obra (e posteriormente o museu que expõe a obra) determina o conteúdo, o formato e o método de exibição, e isso não está sujeito a alterações. Além disso, é tecnicamente impossível, pois nenhum método de exibição representativo é capaz de transmitir toda a nuance da camada de cor e a textura do traço neste estágio. O display multimídia trabalha mais com o conteúdo da obra, é baseado no enredo da imagem e ajuda o espectador a ativar a imaginação e ver as nuances que não são óbvias à primeira vista.

É claro que, embora as exposições multimídia continuem sendo uma tendência da moda, no futuro elas se desenvolverão e, possivelmente, se formarão como uma direção separada na arte. Na exposição “Grandes Modernistas. Revolution in Art" é uma tentativa experimental de ir além da representação da pintura, animando não as pinturas em si, mas criando um ambiente gráfico separado no qual essas pinturas são integradas, mas existem apenas alguns vídeos desse tipo até agora. Assim, por exemplo, para "reviver" composições planas e de Kandinsky, nossos designers destacaram os principais padrões nas pinturas de cada um dos artistas e criaram mundos 3D a partir deles, dentro dos quais o espectador pode se mover. Ou seja, já não se trata apenas de uma apresentação de slides à música, mas de uma verdadeira viagem ao universo de Kandinsky e Malevich…”, explica curador do ARTPLAY Design Center Yasha Yavorskaya.

Texto: Daria Logashova

Existe um futuro para o artesanato popular russo e as artes tradicionais? Natalia Nekhlebova descobriu

O artesanato popular e as artes tradicionais, que sobreviveram a guerras, revoluções, poder soviético e perestroika, encontraram-se à beira da extinção na nova Rússia: a produção está caindo ano a ano, as vendas não estão crescendo e o número de artesãos está diminuindo inexoravelmente. Apenas um milagre poderia salvar a indústria única do triste destino. E parece que pode acontecer. Como a identidade russa foi dobrada e por que o empresário de São Petersburgo Anton tem a chance de permanecer na memória de muitas gerações de artesãos, Ogonyok descobriu

Natalia Nekhlebova

"Tudo está estável com o artesanato popular", diz Gennady Drozhzhin, presidente do conselho da associação "Artesanato Artístico Popular da Rússia", "é consistentemente ruim". E explica: há 25 anos que a nossa "base da cultura nacional originária" (é assim que o Ministério da Indústria e Comércio define o artesanato popular nos seus documentos) está a morrer silenciosamente...

Notas trágicas nas palavras do chefe da associação podem ser entendidas: o volume de produção está caindo ano a ano, o número de artesãos está diminuindo constantemente. Se na União Soviética cerca de 100 mil artesãos trabalhavam nas empresas de artes e ofícios populares, agora os detentores da "identidade nacional" nas vastas extensões russas são menos de 20 mil. Um quadro típico: nas empresas onde trabalhavam 200-300 pessoas, restam apenas 15 e todas estão em idade de reforma. E eles trabalham mais por hábito do que por dinheiro - em um terço das fábricas outrora famosas, o salário não passa de 10 mil rublos. Naturalmente, por esse dinheiro, os jovens não se sentarão para pintar bandejas de Zhostovo, debruçar-se sobre esculturas de Bogorodsk, rendas de Yelets ou miniaturas de Fedoskino. "Noventa e nove por cento do artesanato popular precisa de assistência de emergência", afirma a associação. E eles adicionam cores sombrias a uma imagem monótona: no ano passado, as empresas produziram produtos no valor de 5 bilhões de rublos, mas não podem vendê-los, um terço das empresas tem lucratividade de 0,1 a 3%, mais da metade não é lucrativa. Chefe de um dos ofícios de arte mais famosos da Rússia "pintura Khokhloma" Elena Krayushkina suspira: "Não há necessidade de falar sobre lucro".

O que é isto? Ninguém precisa do nosso brinquedo Dymkovo, caixa Palekh, miniaturas de laca, que, em teoria, podem alimentar regiões inteiras, desenvolver o turismo rural?

Identidade indescritível

Na URSS, todas as empresas de artesanato popular funcionavam de acordo com a ordem estatal. Os produtos eram comprados centralmente, transportados para as lojas e deixados como presentes para convidados estrangeiros de alto escalão. Grandes salões de arte funcionavam nas grandes cidades, onde todo o artesanato era apresentado. As feiras eram realizadas regularmente em Leipzig e Edimburgo - a tradicional lembrança russa era rapidamente exportada...

Em seguida, a ordem estatal foi substituída pelo mercado e pela moda caprichosa. O que costumava ser considerado a "herança milenar" e quase a "alma do povo" se transformou em kitsch para os novos russos. E para os estrangeiros, até mesmo se mostrou inacessível - estradas quebradas e a falta de uma infraestrutura turística amigável cortaram até os fãs dos mestres: as empresas de artesanato estão localizadas principalmente em aldeias que simplesmente não eram acessíveis.

Como resultado, hoje não existe uma rede de distribuição de objetos tradicionais de orgulho nacional. As empresas simplesmente não podem abrir pontos de venda - elas teriam algo para pagar pela luz. "O custo do aluguel em Moscou e São Petersburgo é exorbitante", diz Elena Krayushkina, "taxas colossais para 1 metro quadrado. Não poderíamos nem sonhar com esses valores!"

Apenas os sortudos recebem fundos - são 79 empresas que conseguiram entrar no Registro de Artesanato Folclórico do Ministério da Indústria e Comércio. Entrar nele é o maior sonho para os detentores de artesanato original

Para artesanatos conhecidos, como, por exemplo, Khokhloma, um dos principais mercados de vendas são os clientes corporativos atacadistas. Mas aqui não estamos falando de arte, mas dos caprichos do cliente - as empresas encomendam presentes para os funcionários, confiando em sua própria criatividade, para que todos os tipos de jogos apareçam: bonecas aninhadas com um pen drive embutido, ou laptops pintados "sob Khokhloma". Certa vez, até o trono real foi feito por uma fábrica Khokhloma na luta pela vingança de algum admirador da autocracia. E, para ser honesto, redesenhou várias capacidades para a produção de móveis comuns do país - a demanda é estável. Mas a produção de Khokhloma é em grande escala e as pequenas empresas que produzem produtos comerciais exclusivos não têm essa oportunidade de ganhar dinheiro.

Em Moscou ou São Petersburgo hoje você pode comprar qualquer coisa. Exceto... produtos russos tradicionais. Nem a renda real de Vologda nem os caixões de Palekh podem ser encontrados. Falsificações chinesas, produtos bielorrussos e ucranianos em lojas de souvenirs, mesmo nas cidades do Anel de Ouro, estão afastando o fabricante original. "Muitas agências de viagens resolvem o problema de fornecer lembranças aos turistas em detrimento de produtos chineses importados baratos", diz a Folk Art Crafts Association. E admitem: é quase impossível combatê-lo. "O volume de produtos ilegais que violam direitos autorais é várias vezes maior que o faturamento da nossa empresa", diz Elena Krayushkina. "Havia vários tribunais. Fizemos compras de teste de produtos falsificados de diferentes empresários individuais. no Tribunal Arbitral. No Tribunal processo de papelada, IP são enterrados, o caso ultrapassa a jurisdição do Tribunal Arbitral e é transferido para o Tribunal Mundial, onde os infratores recebem uma multa de 2 mil rublos. E daí? Nada: a multa foi paga e um mês depois os mesmos infratores abrem novos empresários individuais e continuam a fazer o mesmo. O processo custou-lhes uma mísera multa, e nós pagamos o exame, gastamos dinheiro com advogados ... Ou seja, o tribunal nos custa 150-200 mil, e eles - 2 mil. E qual é o ponto em tais casos judiciais?"

Não foi projetado para todos

O estado apoia a pesca pontual e migalhas. No entanto, é bom que pelo menos seja assim que a vida mal brilha em muitos apenas graças aos subsídios (450 milhões de rublos foram alocados este ano). As empresas podem usar subsídios para pagar gás, eletricidade, transporte ferroviário e atividades de exposição. Mas desesperadamente não há dinheiro suficiente para cobrir todas as despesas, além disso, apenas os sortudos recebem fundos - são 79 empresas que conseguiram entrar no Registro de Artesanato Artístico Popular do Ministério da Indústria e Comércio. Entrar nela é o maior sonho para os detentores de artesanato original. E o sonho depende da sorte e do favor dos membros da comissão artística do ministério.

A sorte é caprichosa e não sorri para todos. Por exemplo, o mosaico russo - o famoso ofício de criar painéis de pedra colorida - tenta entrar nesse registro há 10 anos e ainda não consegue. A arte única existe há 300 anos, seus mestres decoravam a Catedral de Santo Isaac nos tempos czaristas e, na era soviética, membros do Politburo deram painéis caros de jaspe dos Urais a convidados estrangeiros. Mas acontece que isso não é suficiente para a comissão ministerial encarregada das entradas no registro.

“No conselho artístico nos perguntaram onde estão as montanhas na região do Volga”, diz Nail Badtredinov, chefe da empresa NHP Artel, sobre desventuras no escritório. o resto. E o que eles devem responder? Nossas montanhas habituais. Urais. E o cinturão de jaspe passa por muitos assentamentos ... Outra vez, nossa papelada estava incorreta, então descobrimos que não éramos tradicionais o suficiente. Aqui está o aplicativo novamente. Nós esperamos. Nós esperamos...

A Associação de Artesanato Folclórico luta há muito tempo por incentivos fiscais. E parecem mesmo ter sido prometidas na estratégia setorial para o desenvolvimento das artes e ofícios populares até 2020, compilada pelo Ministério da Indústria e Comércio em 2015. Em geral, muita coisa boa é escrita lá, mas até agora tudo continua no papel. Mas na vida, quase todos os impostos e prêmios de seguro das empresas de nossa cultura popular original são pagos integralmente. "Empregamos 700 pessoas. 90% do trabalho manual", diz Elena Krayushkina, "a maior parte dispendiosa do custo do produto são os salários e impostos sobre os salários, quase 75% do custo é uma quantia colossal. E pagamos tudo impostos e prêmios de seguro como grandes empresas de alta tecnologia e automatizadas. Isso é um fardo insuportável para nós."

O trabalho manual - principal característica do artesanato popular - é caro. Isso é o que mergulha as empresas em uma falta de rentabilidade irremediável. “Aqueles artesanatos populares que abandonaram o trabalho manual estão se saindo melhor”, admite Drozhzhin. Estes são, por exemplo, xales Pavlovsky Posad - o padrão outrora único sobre eles agora é desenhado não por um artesão, mas por uma impressora. E a identidade perdida não parece incomodar os curadores da indústria: o Ministério da Indústria e Comércio estabeleceu a tarefa de aumentar o número de empreendimentos artesanais de arte popular com uma participação mínima de mão de obra. Ou seja, como tal, eles deixarão de fabricar produtos verdadeiramente comerciais, mas farão produtos baratos. Eles estão prontos para alocar dinheiro do estado para isso - para comprar equipamentos. Mas isso salvará os guardiões de artesanatos antigos e pequenos negócios que não conseguem abrir uma loja?

O mundo funciona de forma diferente. Na Alemanha, por exemplo, as indústrias que utilizam mão de obra manual têm benefícios fiscais significativos, pois permitem a recuperação total dos custos em poucos anos. Há muito menor do que na Rússia, o custo de aluguel de espaço de varejo. No Canadá, existe um sistema de distribuição centralizado: o mestre entrega os produtos que fez à cooperativa, que os envia aos pontos de venda. Na França, se os graduados das escolas de arte forem trabalhar com artesãos ou em organizações especializadas em trabalhos de arte manual, receberão por três anos um pagamento adicional que lhes proporcionará ganhos acima da média da região. E no Japão, os artesãos populares têm o status de tesouro nacional. E o estado tem a garantia de resgatar os produtos de mestres e seus alunos para reabastecer fundos de museus e presentes, para venda em outros países.

Altos funcionários estão cientes do triste destino do artesanato popular russo: a Associação "Artesanato Artístico Popular da Rússia" realiza conferências anuais, se comunica com o Ministério da Indústria e Comércio e bombardeia os chefes das regiões com pedidos de ajuda. Infelizmente...

Mas, como se vê, outro método funciona perfeitamente para nós - alcançar o céu.

Palavra do Primeiro

Anton Georgiev comprou a falida fábrica Krestetskaya Stochka na vila de Kresttsy, região de Novgorod, há dois anos. Com todos os "problemas genéricos" da indústria, que foram discutidos acima, enfrentei diretamente. Corri para os principais: para quem vender rendas Krestets e por que o estado não ajuda. Mas ele, ao contrário de seus colegas, teve muita sorte: estava entre os 10 empresários que se encontraram com Vladimir Putin em Veliky Novgorod no final de abril.

Anton não divulga os detalhes da reunião, apenas admite que relatou ao presidente: tudo é consistentemente ruim com a pesca. Ele acrescenta que depois disso todos os funcionários responsáveis ​​de repente se animaram. E depois a crônica oficial: uma semana depois, soube-se que o presidente havia instruído o governo a desenvolver "um plano de medidas para garantir a preservação, o renascimento e o desenvolvimento das artes e ofícios populares". Encarrega-se, em particular, de refletir sobre a utilização dos produtos das artes e ofícios populares em programas de educação complementar e educação de crianças, a formação de educação profissional especializada, o desenvolvimento do turismo doméstico e receptivo em locais de existência tradicional de folclore. Artes e Ofícios. E o mais importante - houve uma resposta para a pergunta: "Quem vai comprar?". Propõe-se, no âmbito do sistema de contratos federais, criar um sistema de compras estaduais prioritárias de artesanato para repor fundos de museus, coleções em instituições educacionais e culturais. Além disso, todos os ministérios, Rosneft, Gazprom têm fundos de presentes - eles também comprarão. Dmitry Medvedev deve informar sobre a criação de um plano que inclua todos esses cargos ao presidente no final de agosto ...

Delineando todas essas perspectivas róseas, Anton, não sem orgulho, disse a Ogonyok: o fundo de presentes do presidente já havia decidido comprar obras de Krestetskaya Stochka. E a fábrica de Georgiev recebeu um pedido estadual da região de Novgorod.

É salvação? “Se os fundos de presentes comprarem produtos de nós, as coleções do museu serão de alguma forma reabastecidas com elementos de artesanato, isso será de grande ajuda”, diz Elena Krayushkina. “Na União Soviética, um grande número de nossos trabalhos foi para fundos de doação”, concorda Nail Badtredinov, “se tudo voltar, é claro, isso nos ajudará”.

Os artesãos esperam que os ministérios, afetados pelas instruções dadas pelo presidente, agora de alguma forma "se unam em nome da salvação das tradições russas". E sonham: o rosturismo incluirá empreendimentos artesanais no roteiro turístico federal; O Ministério da Cultura instruirá a Galeria Tretyakov e o Hermitage a comprar produtos deles; O Ministério da Educação ajudará na formação de pessoal; O Ministério da Indústria e Comércio vai criar uma rede de lojas nas grandes cidades, onde será apresentado todo o artesanato popular...

“Uma pessoa iria para um presente e entenderia que está indo para um presente feito na Rússia, é um objeto de coleção, pode ser herdado por outra geração”, sonha a associação. Mas eles também estão dispostos a satisfazer desejos mais modestos: se os departamentos não dominarem tudo isso ou acabarem (não constroem estradas, não criam infraestrutura turística, não abrem lojas etc.), então pelo menos compram à força “produtos da cultura original nacional” para brindes.

E então de que outra forma preservá-la, nossa originalidade? ..