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Belas artes podem dar toda uma gama de emoções. Algumas fotos fazem você olhar para elas por horas, enquanto outras literalmente chocam, surpreendem e explodem sua visão de mundo. Existem obras-primas que fazem você pensar e procurar um significado secreto. Algumas pinturas estão envoltas em mistérios místicos, enquanto em outras o principal é seu preço exorbitante.

Existem muitas pinturas estranhas na história da pintura mundial. Em nossa classificação, deliberadamente não mencionaremos Salvador Dali, que foi um mestre no gênero e cujo nome vem à mente primeiro. E embora o próprio conceito de estranheza seja subjetivo, pode-se destacar aquelas obras conhecidas que são claramente fora do comum.

Edvard Munch "O Grito" A obra, de 91x73,5 cm, foi criada em 1893. Munch pintou em óleos, pastéis e têmpera, hoje a pintura é mantida na Galeria Nacional de Oslo. A criação do artista tornou-se um marco para o impressionismo, geralmente é uma das pinturas mais famosas do mundo hoje. O próprio Munch contou a história de sua criação: "Eu estava andando pelo caminho com dois amigos. Neste momento o sol estava se pondo. De repente, o céu ficou vermelho como sangue, parei, me sentindo exausto, e encostei-me na cerca. Olhei para o sangue e as chamas sobre o azulado "fiorde e cidade negros. Meus amigos continuaram, e eu fiquei ali, tremendo de excitação, sentindo o choro interminável penetrante da natureza". Existem duas versões da interpretação do significado traçado. Pode-se considerar que o personagem retratado é tomado de horror e grita silenciosamente, pressionando as mãos nos ouvidos. Outra versão diz que o homem fechou os ouvidos com os gritos ao seu redor. No total, Munch criou até 4 versões de "The Scream". Alguns especialistas acreditam que esta imagem é uma manifestação clássica da psicose maníaco-depressiva da qual o artista sofria. Quando Munch foi atendido na clínica, ele não voltou a essa tela.

Paul Gauguin "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?". No Museu de Belas Artes de Boston encontra-se esta obra impressionista de 139,1 x 374,6 cm, pintada a óleo sobre tela em 1897-1898. Esta profunda obra foi escrita por Gauguin no Taiti, onde se aposentou da agitação da vida parisiense. O quadro tornou-se tão importante para o artista que no final ele até quis se suicidar. Gauguin acreditava que ela era cabeça e ombros o melhor que ele havia criado antes. O artista acreditava que não poderia mais criar algo melhor ou semelhante, simplesmente não tinha mais nada pelo que lutar. Gauguin viveu mais 5 anos, provando a veracidade de seus julgamentos. Ele mesmo disse que sua imagem principal deveria ser vista da direita para a esquerda. Nele há três grupos principais de figuras, que personificam as questões com as quais a tela se intitula. Três mulheres com um filho mostram o início da vida, no meio as pessoas simbolizam a maturidade, enquanto a velhice é representada por uma mulher idosa que aguarda a morte. Parece que ela chegou a um acordo com isso e está pensando em algo próprio. A seus pés está um pássaro branco, simbolizando a falta de sentido das palavras.

Pablo Picasso "Guernica" A criação de Picasso é mantida no Museu Reina Sofia em Madrid. Uma grande pintura medindo 349 por 776 cm é pintada em óleo sobre tela. Este afresco de tela foi criado em 1937. A imagem fala sobre o ataque de pilotos voluntários fascistas na cidade de Guernica. Como resultado desses eventos, a cidade com uma população de 6 mil pessoas foi completamente varrida da face da terra. O artista criou esta imagem em apenas um mês. Nos primeiros dias, Picasso trabalhou por 10-12 horas, em seus primeiros esboços a ideia principal já era visível. Como resultado, a imagem se tornou uma das melhores ilustrações de todos os horrores do fascismo, da crueldade e da dor humana. Em "Guernica" pode-se considerar uma cena de atrocidade, violência, morte, sofrimento e desamparo. Embora as razões para isso não sejam explicitamente declaradas, elas são claras na história. Diz-se que em 1940 Pablo Picasso foi mesmo convocado para a Gestapo em Paris. Ele foi imediatamente perguntado: "Você fez isso?". Ao que o artista respondeu: "Não, você fez isso".

Jan van Eyck "Retrato dos Arnolfinis". Esta pintura foi pintada em 1434 em óleo sobre madeira. As dimensões da obra-prima são 81,8 x 59,7 cm e está armazenada na Galeria Nacional de Londres. Presumivelmente, a pintura retrata Giovanni di Nicolao Arnolfini com sua esposa. O trabalho é um dos mais difíceis na escola ocidental de pintura durante o Renascimento do Norte. Esta famosa pintura tem um grande número de símbolos, alegorias e várias pistas. O que é apenas a assinatura do artista "Jan van Eyck esteve aqui". Como resultado, a imagem não é apenas uma obra de arte, mas um verdadeiro documento histórico. Afinal, retrata um evento real que van Eyck capturou. Esta imagem tornou-se recentemente muito popular na Rússia, porque a semelhança de Arnolfini com Vladimir Putin é perceptível a olho nu.

Mikhail Vrubel "Demônio Sentado". A Galeria Tretyakov possui esta obra-prima de Mikhail Vrubel, pintada a óleo em 1890. As dimensões da tela são 114x211 cm, o demônio aqui retratado é surpreendente. Ele aparece como um jovem triste com cabelos compridos. Normalmente as pessoas não imaginam espíritos malignos dessa maneira. O próprio Vrubel disse sobre sua tela mais famosa que, em seu entendimento, o demônio não é tanto um espírito maligno quanto um sofredor. Ao mesmo tempo, não se pode negar-lhe autoridade e majestade. O demônio de Vrubel é uma imagem, antes de tudo, do espírito humano, reinando dentro de nós de constante luta consigo mesmo e dúvidas. Esta criatura, cercada de flores, tragicamente apertou as mãos, seus olhos enormes olham tristemente para longe. Toda a composição expressa o constrangimento da figura do demônio. É como se ele estivesse ensanduichado nessa imagem entre a parte superior e inferior do porta-retratos.

Vasily Vereshchagin "A Apoteose da Guerra". O quadro foi pintado em 1871, mas nele o autor parecia prever os horrores das futuras Guerras Mundiais. O tamanho da tela 127x197 cm está armazenado na Galeria Tretyakov. Vereshchagin é considerado um dos melhores pintores de batalha da pintura russa. No entanto, ele não escreveu guerras e batalhas porque as amava. O artista tentou transmitir às pessoas sua atitude negativa em relação à guerra por meio da arte. Certa vez, Vereshchagin prometeu não mais escrever imagens de batalhas. Afinal, o artista levou a dor de cada soldado ferido e morto muito perto de seu coração. O resultado de uma atitude tão sincera em relação a este tema foi a "Apoteose da Guerra". Uma imagem terrível e fascinante retrata uma montanha de crânios humanos em um campo com corvos ao redor. Vereshchagin criou uma tela emocional, atrás de cada crânio em uma enorme pilha, a história e o destino de personalidades e pessoas próximas a elas podem ser rastreadas. O próprio artista sarcasticamente chamou essa pintura de natureza morta, porque retrata a natureza morta. Todos os detalhes da "Apoteose da Guerra" gritam sobre a morte e o vazio, isso pode ser visto até no fundo amarelo da terra. E o azul do céu só enfatiza a morte. A ideia dos horrores da guerra é enfatizada por buracos de bala e marcas de sabre nos crânios.

Grant Wood "gótico americano". Esta pequena pintura mede 74 por 62 cm, foi criada em 1930 e agora é mantida no Art Institute of Chicago. A pintura é um dos exemplos mais famosos da arte americana do século passado. Já em nosso tempo, o nome de "American Gothic" é frequentemente mencionado na mídia. A imagem mostra um pai bastante sombrio e sua filha. Numerosos detalhes falam sobre a gravidade, puritanismo e rigidez dessas pessoas. Eles têm rostos descontentes, forcados agressivos aparecem no meio da foto e as roupas do casal são antiquadas mesmo para os padrões da época. Até a costura da roupa do agricultor segue o formato do forcado, dobrando a ameaça para aqueles que invadem seu modo de vida. Os detalhes da imagem podem ser estudados infinitamente, sentindo fisicamente desconforto. Curiosamente, uma vez em uma competição no Art Institute of Chicago, a imagem foi aceita pelos juízes como humorística. Mas o povo de Iowa ofendeu o artista porque ele os colocou em uma perspectiva tão desagradável. O modelo para a mulher era a irmã de Wood, mas o dentista do pintor tornou-se o protótipo do homem raivoso.

Amantes de René Magritte. A pintura foi pintada em 1928 em óleo sobre tela. Neste caso, há duas opções. Em um deles, um homem e uma mulher estão se beijando, apenas suas cabeças estão envoltas em um pano branco. Em outra versão da pintura, os amantes olham para o espectador. Desenhado e surpreende, e fascina. Figuras sem rosto simbolizam a cegueira do amor. Sabe-se que os amantes não veem ninguém por perto, mas não podemos ver seus verdadeiros sentimentos. Mesmo umas para as outras, essas pessoas, cegas pelo sentimento, são na verdade um mistério. E embora a mensagem principal da foto pareça clara, "Lovers" ainda faz você olhar para eles e pensar em amor. Em Magritte, em geral, quase todas as pinturas são quebra-cabeças, completamente impossíveis de resolver. Afinal, essas telas levantam as principais questões sobre o sentido da nossa vida. Neles, o artista fala sobre a natureza ilusória do que vemos, sobre o fato de que existem muitas coisas misteriosas ao nosso redor que tentamos não perceber.

Marc Chagall "Caminhada". A pintura foi pintada em óleo sobre tela em 1917, agora é mantida na Galeria Estatal Tretyakov. Em suas obras, Marc Chagall costuma ser sério, mas aqui se permitiu mostrar sentimentos. A imagem expressa a felicidade pessoal do artista, é cheia de amor e alegorias. Seu "Walk" é um auto-retrato, onde Chagall retratou sua esposa Bella ao lado dele. Sua escolhida sobe no céu, ela está prestes a arrastar o artista para lá, que já está quase no chão, tocando-o apenas com as pontas dos sapatos. Na outra mão do homem é um chapim. Podemos dizer que foi assim que Chagall retratou sua felicidade. Ele tem um guindaste no céu na forma de uma mulher amada e um chapim em suas mãos, com o que ele quis dizer seu trabalho.

Hieronymus Bosch "Jardim das Delícias Terrenas". Esta tela de 389x220 cm está guardada no Museu Espanhol do Pravo. Bosch pintou a pintura a óleo sobre madeira entre 1500 e 1510. Este é o tríptico mais famoso de Bosch, embora a pintura tenha três partes, leva o nome da central, dedicada à voluptuosidade. O significado da imagem estranha está sendo constantemente debatido, não existe tal interpretação que seja reconhecida como a única verdadeira. O interesse pelo tríptico surge devido aos muitos pequenos detalhes que expressam a ideia principal. Há figuras translúcidas, estruturas inusitadas, monstros, pesadelos e visões que se tornaram realidade, e variações infernais da realidade. O artista conseguiu olhar tudo isso com um olhar penetrante e perscrutador, tendo conseguido combinar elementos díspares em uma única tela. Alguns pesquisadores tentaram ver na foto um reflexo da vida humana, que o autor mostrou em vão. Outros encontraram imagens de amor, outros encontraram o triunfo da voluptuosidade. No entanto, é duvidoso que o autor estivesse tentando glorificar os prazeres carnais. Afinal, as figuras das pessoas são retratadas com frieza e inocência. Sim, e as autoridades da igreja reagiram bastante favoravelmente a esta pintura de Bosch.

Gustav Klimt "Três Idades da Mulher" Esta pintura está alojada na Galeria Nacional de Arte Moderna de Roma. A tela quadrada, com 180 cm de largura, foi pintada em óleo sobre tela em 1905. Esta imagem expressa alegria e tristeza ao mesmo tempo. O artista em três figuras foi capaz de mostrar toda a vida de uma mulher. O primeiro, ainda criança, é extremamente despreocupado. Uma mulher madura expressa paz, e a última idade simboliza o desespero. Ao mesmo tempo, a meia idade é organicamente tecida no ornamento da vida, e a velha se destaca visivelmente em seu pano de fundo. O claro contraste entre a jovem e a idosa é simbólico. Se o florescimento da vida é acompanhado por inúmeras possibilidades e mudanças, então a última fase é de constância arraigada e conflito com a realidade. Tal imagem atrai a atenção e faz você pensar sobre a intenção do artista, sua profundidade. Ele contém toda a vida com sua inevitabilidade e metamorfoses.

Egon Schiele "Família". Esta tela de 152,5 x 162,5 cm foi pintada a óleo em 1918. Agora está armazenado no Belvedere de Viena. O professor de Schiele era o próprio Klimt, mas o aluno não tentou copiá-lo diligentemente, procurando seus próprios métodos de expressão. Podemos dizer com segurança que o trabalho de Schiele é ainda muito mais trágico, assustador e estranho do que o de Klimt. Alguns elementos hoje seriam chamados de pornográficos, há muitas perversões diferentes aqui, o naturalismo está presente em toda a sua beleza. Ao mesmo tempo, as imagens são literalmente permeadas por algum tipo de desespero doloroso. O auge do trabalho de Schiele e sua pintura mais recente é A Família. Nesta tela, o desespero é levado ao máximo, enquanto a obra em si se mostrou o menos estranha para o autor. Depois que a esposa grávida de Schiele morreu de gripe espanhola, e pouco antes de sua morte, esta obra-prima foi criada. Apenas 3 dias se passaram entre as duas mortes, eles foram suficientes para o artista se retratar com sua esposa e seu filho ainda não nascido. Naquela época, Schiele tinha apenas 28 anos.

Frida Kahlo "As Duas Fridas" A pintura nasceu em 1939. A artista mexicana Frida Kahlo ficou famosa após o lançamento de um filme sobre ela com Salma Hayek no papel-título. A base do trabalho da artista foram seus autorretratos. Ela mesma explicou esse fato da seguinte forma: "Escrevo-me porque passo muito tempo sozinha e porque sou o assunto que melhor conheço". É interessante que Frida não sorria em nenhuma de suas telas. Seu rosto está sério, até um pouco triste. As sobrancelhas grossas fundidas e um bigode quase imperceptível acima dos lábios franzidos expressam a máxima seriedade. As ideias das pinturas estão nas figuras, no fundo e nos detalhes do que envolve Frida. O simbolismo das pinturas é baseado nas tradições nacionais do México, intimamente entrelaçadas com a antiga mitologia indiana. "Duas Fridas" é uma das melhores fotos do mexicano. Exibe de forma original os princípios masculino e feminino, que possuem um único sistema circulatório. Assim, o artista mostrou a unidade e integridade desses dois opostos.

Claude Monet "Ponte Waterloo. Efeito Nevoeiro". No Hermitage de São Petersburgo você pode encontrar esta pintura de Monet. Foi pintado em óleo sobre tela em 1899. Ao examinar atentamente a imagem, ela aparece como uma mancha roxa com traços grossos aplicados a ela. No entanto, afastando-se da tela, o espectador compreende toda a sua magia. A princípio, vagos semicírculos passando pelo centro da imagem tornam-se visíveis, aparecem os contornos dos barcos. E a uma distância de alguns metros, você já pode ver todos os elementos da imagem conectados em uma cadeia lógica.

Jackson Pollock "Número 5, 1948". Pollock é um clássico do gênero expressionista abstrato. Sua pintura mais famosa é de longe a mais cara do mundo. E o artista pintou em 1948, simplesmente derramando tinta a óleo sobre um painel de fibra de 240x120 cm no chão. Em 2006, esta pintura foi vendida na Sotheby's por US$ 140 milhões. O proprietário anterior, colecionador e produtor de filmes David Giffen, o vendeu para o financista mexicano David Martinez. Pollock disse que decidiu se afastar de ferramentas artísticas familiares como cavalete, tintas e pincéis. Suas ferramentas eram paus, facas, pás e tinta derramada. Ele também usou uma mistura dela com areia ou até mesmo cacos de vidro. Começando a criar. Pollock se entrega à inspiração sem sequer perceber o que está fazendo. Só então vem a realização do perfeito. Ao mesmo tempo, o artista não tem medo de destruir a imagem ou alterá-la inadvertidamente - a imagem começa a viver sua própria vida. A tarefa de Pollock é ajudá-la a nascer, a sair. Mas se o mestre perder o contato com sua criação, o resultado será caos e sujeira. Se for bem-sucedida, a imagem incorporará pura harmonia, a facilidade de receber e incorporar a inspiração.

Joan Miro "Homem e mulher em frente a um monte de excrementos". Esta pintura está agora mantida no fundo do artista na Espanha. Foi pintado a óleo sobre uma folha de cobre em 1935 em apenas uma semana de 15 a 22 de outubro. O tamanho da criação é de apenas 23x32 cm.Apesar de um nome tão provocativo, a imagem fala dos horrores das guerras civis. O próprio autor descreveu assim os eventos daqueles anos que ocorreram na Espanha. Miro tentou mostrar um período de agitação. Na foto, você pode ver um homem e uma mulher imóveis, que, no entanto, são atraídos um pelo outro. A tela está saturada de flores venenosas sinistras, juntamente com genitais aumentados, parece deliberadamente repugnante e repugnantemente sexy.

Jacek Yerka "Erosão". Nas obras deste neo-surrealista polonês, imagens da realidade, entrelaçadas, dão origem a uma nova realidade. De certa forma, até mesmo imagens tocantes são extremamente detalhadas. Eles sentem os ecos dos surrealistas do passado, de Bosch a Dali. Yerka cresceu em uma atmosfera de arquitetura medieval que milagrosamente sobreviveu aos bombardeios da Segunda Guerra Mundial. Começou a desenhar antes mesmo de entrar na universidade. Lá eles tentaram mudar seu estilo para um mais moderno e menos detalhado, mas o próprio Yerka manteve sua individualidade. Hoje, suas pinturas incomuns são exibidas não apenas na Polônia, mas também na Alemanha, França, Mônaco e EUA. Eles estão em várias coleções ao redor do mundo.

Bill Stoneham "As mãos resistem a ele" O quadro, pintado em 1972, dificilmente pode ser considerado um clássico da pintura. No entanto, não há dúvida de que está entre as mais estranhas criações de artistas. A imagem mostra um menino, uma boneca está ao lado dele e várias palmas são pressionadas contra o vidro por trás. Esta tela é estranha, misteriosa e um tanto mística. Já se tornou lendário. Dizem que por causa dessa foto alguém morreu, e as crianças nela estão vivas. Ela parece realmente assustadora. Não é de surpreender que a imagem evoque medos e fantasias terríveis para pessoas com uma psique doente. O próprio Stoneham garantiu que se pintou aos 5 anos de idade. A porta atrás do menino é uma barreira entre a realidade e o mundo dos sonhos. A boneca é um guia que pode levar uma criança de um mundo para outro. As mãos são vidas alternativas ou possibilidades de uma pessoa. A pintura ficou famosa em fevereiro de 2000. Foi colocado à venda no eBay, dizendo que era assombrado. No final, Hands Resist Him foi comprado por US$ 1.025 por Kim Smith. Logo o comprador foi literalmente inundado com cartas com histórias terríveis associadas à pintura e exigências para destruir esta tela.

“Você não deve perder a fé na humanidade. A humanidade é como um oceano, e algumas gotas sujas não podem sujar todo o oceano”, disse Mahatma Gandhi. O coração humano é multifacetado e a manifestação dos sentimentos e aspirações das pessoas não é menos diversificada. Esta seleção de fotografias reflete o desejo indomável de uma pessoa de viver, de dar amor, mas ao mesmo tempo - que desespero e tristeza ela pode experimentar. Esta é a história da humanidade, boa e ruim, como é.

1. O menino faminto e o missionário

2. Dentro da câmara de gás em Auschwitz

3. Cirurgião cardíaco

Um cirurgião cardíaco após uma operação bem-sucedida de transplante de coração de 23 horas. Seu assistente dorme no canto.

4. Pai e filho (1949 e 2009)

5. No funeral do professor

O menino brasileiro Diego Frazao Torvato, 12, toca violino no funeral de seu professor. Com a ajuda da música, o professor ajudou o rapaz a escapar da pobreza e da crueldade.

6. Um soldado russo toca um piano abandonado na Chechênia em 1994.

7. Um jovem acabou de descobrir que seu irmão foi morto.

Fonte 8Cristãos defendem os muçulmanos durante a oração durante as revoltas de 2011 no Cairo.

Fonte 9A bombeiro dá água a um coala durante os grandes incêndios florestais australianos em 2009.

10. Terry Gurrola abraça sua filha após retornar do serviço no Iraque, onde permaneceu por 7 meses.

11. Os sem-teto na Índia esperam por comida grátis, que é distribuída na mesquita antes do feriado de Eid al-Fitr em Nova Delhi, Índia.

12. Zanzhir

O cão Zanjir salvou milhares de vidas durante uma série de atentados a bomba em Mumbai em março de 1993. Zanjir encontrou mais de 3.329 kg de explosivos, 600 detonadores, 249 granadas de mão e 6.406 projéteis reais. Ele foi enterrado com todas as honras em 2000.

13. "Homem em queda"

Um homem cai do World Trade Center em 11 de setembro de 2011.

14. Alcoólatra e seu filho

15. Casal abraçado nas ruínas de uma fábrica desmoronada

16. Pôr do sol em Marte

17. Na comunidade cigana

Um menino cigano de cinco anos na véspera de Ano Novo de 2006 na comunidade cigana de St. Jacques, no sul da França. Nesta comunidade, fumar não é proibido para meninos e é considerado comum e normal.

18. Hang Te Yu, de 29 anos, cobriu o rosto com as mãos, de pé sobre as ruínas de sua casa

Em maio de 2008, o ciclone Nargis atingiu a costa sul de Mianmar, matando mais de 100.000 pessoas e deixando milhões de desabrigados.

19. Um amigo dedicado

Um cachorro chamado Leau está sentado no túmulo de seu ex-dono, que morreu em deslizamentos de terra devastadores perto do Rio de Janeiro em 2011, pelo segundo dia consecutivo.

20. “Espere por mim, papai”

21. Um veterano idoso que serviu como petroleiro durante a Segunda Guerra Mundial finalmente encontrou o tanque em que passou toda a guerra

22. "O poder das flores"

23. Uma mulher senta-se entre as ruínas após o mais forte terremoto e tsunami na cidade japonesa de Natori em março de 2011

1. Deonardo da Vinci. Monalisa. A foto mais reconhecível do mundo tem muito a ensinar aos fotógrafos, mas o principal disso é como deve ser a relação com o assunto. Como já foi dito muitas vezes, seu sorriso fala do vínculo especial entre artista e modelo. É isso que todo fotógrafo deve buscar ao criar retratos.

2. Rafael. escola de Atenas. Muitos fotógrafos preferem tirar fotos de objetos individuais. Uma pessoa, uma coisa e um momento. Este trabalho é daqueles tempos em que uma tela levava meia hora para considerá-la. Há uma dúzia de situações diferentes e nenhuma delas interfere na outra. É muito importante ser capaz de compor uma cena multifacetada em um quadro.

3. Jan Vermeer. Garota com Brinco de Pérola. Vermeer adorava a luz da janela. Esta é a melhor luz para retratos. Quando usamos iluminação de estúdio ou flash, estamos tentando obter pelo menos uma luz tão boa quanto possível. Assim como no retrato de Mona Lisa, há uma conexão com o artista, que é transmitida ao espectador.

4. Edward Hopper. Falcões noturnos. Todos os fotógrafos estão em busca daqueles breves momentos que irão posteriormente "ganchar" o espectador. Esta imagem chama a atenção devido à sua calma. Os fotógrafos deveriam tentar ver e capturar momentos como este.

5. M. Escher. Bola de mão e espelho. Uma das coisas que qualquer fotógrafo deve ser capaz de fazer é mostrar perspectiva na fotografia.

6. Norman Rockwell Rumores. Narrativa através de expressões faciais. Não precisamos conhecer os rumores em si para entender o que está acontecendo nesta foto. A capacidade de captar uma expressão facial “faladora” é uma habilidade importante para um fotógrafo.

7. Norman Rockwell A fuga. Norman Rockwell tinha o dom de invocar as memórias dos espectadores quando viam suas pinturas. A história que esta obra conta é muito mais do que um livro inteiro às vezes pode contar. Crie essa foto e ela lhe trará sucesso.

8. Andy Warhol. Alguns fotógrafos se esforçam para encontrar um assunto para fotografar. Eles estão procurando por algo emocionante. É muito mais importante poder transformar uma coisa simples em algo extraordinário, e foi exatamente isso que Warhol fez com as latas de sopa.

9. Gustav Klimt. Beijo. Muitos fotógrafos seguem as últimas tendências da fotografia. Há um milhão de imagens na Internet usando HDR (High Dynamic Range), quando três quadros da mesma cena são filmados em diferentes exposições e combinados usando um editor. É um erro supor que há novidade suficiente para que você possa fotografar qualquer coisa usando essa técnica e obter uma boa fotografia. Klimt ficou muito famoso por suas pinturas estilizadas, mas é nesta que ele mostra um momento de profunda conexão entre os objetos. Isso deve servir de lição para todos os fotógrafos.

11. Michelangelo. Teto da Capela Sistina. Uma boa habilidade para um fotógrafo é olhar as coisas de diferentes ângulos para obter a melhor foto. Não deixe que uma postura estranha atrapalhe a inspiração. Atire mesmo se você tiver que olhar para cima.

12. Salvador Dalí. As Três Esfinges da Ilha de Bikini. É importante ver as formas e texturas repetidas em uma fotografia e criar boas fotos com base nelas.

13. Grafittis de Banksy. Banksy é um mestre em combinar o incompatível. Você espera ver uma coisa, mas ele te surpreende com algo completamente diferente.

14. William Blake. Grande arquiteto. Blake pode ensinar fotógrafos a combinar inspiração e técnica.

15. Vincent van Gogh. Café noturno. Devemos tirar fotos de coisas que significam algo para nós. Quando você olha para esta foto, você entende que este café tinha um certo significado para Van Gogh, era importante para ele.

16. Katsushika Hokusai. Grande onda de Kanagawa. Momentos decisivos não acontecem apenas na vida das pessoas. Os fotógrafos devem procurar momentos semelhantes no mundo ao seu redor.

17. Hiroshige. Uma mulher andando pela estrada pelos campos. O fotógrafo deve garantir que tudo no quadro corresponda às ações do assunto principal. Por exemplo, aqui as linhas das árvores, o caminho e as pessoas são paralelos.

18. Obras de Edgar Muller. Müller é um mestre da perspectiva. Dependendo da distância de onde você olha para o seu trabalho, a ilusão de profundidade muda radicalmente. Isso pode ensinar os fotógrafos a nunca parar de procurar o ângulo certo.

19. Georgia O'Keeffe. Poppy. Existe toda uma "subcultura" de fotografia de flora. Georgia O'Keeffe é ótima para obter inspiração para fotografar flores.

20. Emily Carr. Kitwancool. Emily Kar era conhecida por suas pinturas de totens. Ela passou a vida inteira procurando totens para seu trabalho. Os fotógrafos devem estar sempre atentos aos projetos. Um determinado assunto que pode ser estudado e mostrado através de uma série de fotografias.

21. Pierre Auguste Renoir. Baile no Moulin de la Galette. Este é um ótimo exemplo de representação de muitos objetos que não estão em competição com o objeto principal.

22. Grant Wood. Gótico americano. A pintura "American Gothic" de Grant Wood é um grande exemplo de como o assunto projeta, reflete o ambiente. Grant Wood tentou imaginar que tipo de pessoas poderia viver na casa ao fundo. Esta casa e o casal têm uma semelhança quase física.

23. Édouard Monet. Chez le pere Lathuille. Esta cena poderia ter sido uma fotografia de rua.