Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

1

Tinatalakay ng artikulo ang ilan sa mga isyu ng pagtatrabaho sa mga watercolor sa mga klase sa pagpipinta. Ang mga watercolor ay kaakit-akit para sa kanilang pagiging naa-access, kadalisayan ng mga relasyon sa kulay. Sa kabila ng tila pagiging simple ng trabaho, ang watercolor ay isang kumplikadong pamamaraan ng pagpipinta ng easel. Ang partikular na atensyon ay binabayaran sa mga materyales, tool, teknolohikal na aspeto ng pagpipinta ng watercolor: mga pamamaraan ng glaze, "alla prima", "raw". Sa trabaho sa mahabang sketch, ang una ay madalas na ginagamit. Para sa pagpipinta sa bukas na hangin, sa mabilis na mga sketch, ang "alla prima" na paraan ay mas angkop. Ito ay kinakailangan upang maunawaan na ang mastering ang kasanayan ng watercolor painting ay hindi natutunan mula sa mga libro. Ang lahat ay natutunan sa pangmatagalang praktikal na gawain, sa pamamagitan ng personal na karanasan. Samakatuwid, ang pagsasanay ay ang pinakamahusay na paraan para sa mastering ang pamamaraan ng watercolor painting.

mga instrumento

mga materyales sa pagpipinta

paraan ng pagsulat

pagpipinta ng watercolor

1. Ang gulo ng G.V. Mga Batayan ng visual literacy: Pagguhit. Pagpipinta. Komposisyon. Ed. Ika-2, rev. at idagdag. M .: Edukasyon, - 1981 .-- 239 p.

2. Vasiliev A.A. Still life painting: watercolor: Textbook. Benepisyo. Ed. Ika-3, rev. at idagdag. Krasnodar: Publishing house ng estado ng Kuban. Unibersidad, 2004 .-- 98 p.

3. Volkov Yu.V. Magtrabaho sa mga magagandang sketch. M .: Edukasyon, 1984 .-- 31 p.

4. Skripnikova E.V. Buhay pa rin: komposisyon, pagguhit, pagpipinta: gabay sa pag-aaral / E.V. Skripnikova, A.I. Sukharev, N.P. Golovacheva, G.S. Baimukhanov. - Omsk: Publishing house ng OmGPU, 2015 .-- 150 p.

5. Skripnikova E.V., Golovacheva N.P., Sukharev A.I. Still Life Painting: Isang Gabay sa Pag-aaral. - Omsk: BOUDPO "IROOO", 2015. - 92 p.

6. Shchetinin I. D. Watercolor: Isang Praktikal na Gabay. Kurgan: Publishing house "FORT DIALOG - KURGAN", 2009. - 31 p.

Pagbubuo ng problema

Ang pamamaraan ng mga watercolor ay pinag-aralan ng mga mag-aaral sa mga faculties ng sining ng mga unibersidad sa pedagogical sa unang taon. Sa mga klase sa pagpipinta, ang mga mag-aaral ay binibigyan hindi lamang ng mga gawaing nakalarawan: paghahanap ng pangkalahatang kulay ng setting, ang mga ugnayan ng kulay-tono ng mga bagay at background, paglilipat ng dami ng mga bagay sa ilang mga kundisyon ng liwanag, pag-aaral ng mga batas at tuntunin ng aerial na pananaw, kundi pati na rin ang komposisyon at pagguhit. Una, ang gawain ay upang matutunan kung paano bumuo ng setting: upang matukoy ang mga proporsyon ng format ng sheet, upang mahanap ang laki ng imahe sa loob nito, upang ilagay ang mga bagay sa pictorial plane na may kaugnayan sa bawat isa. Pangalawa, upang matutong maunawaan at gumuhit ng mga bagay na may iba't ibang disenyo at hugis, na isinasaalang-alang ang pananaw at linya ng abot-tanaw, upang pag-aralan ang mga batas at tuntunin ng linear na pananaw. Sa aming artikulo, isinasaalang-alang lamang namin ang mga isyu ng teknolohiya ng pagpipinta ng watercolor: mga materyales, tool, iba't ibang mga teknolohikal na pamamaraan.

Ang mga watercolor ay kaakit-akit para sa kanilang pagiging naa-access, kadalisayan ng mga relasyon sa kulay. Sa kabila ng tila pagiging simple ng trabaho, ang watercolor ay isang kumplikadong pamamaraan ng pagpipinta ng easel. Upang makabisado at maunawaan ito, kailangan mong maingat na pag-aralan ang mga materyales at kasangkapan (pintura, papel, mga brush). Pagkatapos ng lahat, ang anumang malikhaing proseso ay nagsisimula dito.

Watercolor (mula sa lat. aqua- "tubig") - mga pintura, diluted na may tubig, at sa isang propesyonal na artistikong kapaligiran - at mga kuwadro na gawa gamit ang gayong mga pintura. Ang mga makukulay na pigment na ginamit sa paghahanda ng water-based na mga pintura ay kapareho ng sa iba pang mga pintura. Ngunit ang pigment ng watercolor ay labis na pino ang giniling, dinala sa isang estado kung saan, kapag nasa tubig, hindi ito tumira sa ilalim ng mahabang panahon. Ang pandikit, ang panali ng pigment na ito, ay dapat na nalulusaw sa tubig, walang kulay at nababanat. Bilang isang panali sa mga watercolor, ang iba't ibang mga pandikit ng halaman ay ginagamit (gummyra-bik, dextrin, cherry glue, honey, atbp.), Naglalaman din sila ng isang plasticizer sa anyo ng gliserin. Pinipigilan ng gliserin ang pintura na maging malutong at tuyo, dahil pinapanatili nito ang kahalumigmigan. Minsan ay idinaragdag ang bovine bile sa watercolor upang madali itong mahulog sa ibabaw ng papel at hindi gumulong habang nagsusulat, isang antiseptic (phenol), na pumipigil sa pintura na lumala mula sa amag.

Ang mga watercolor ay madaling natutunaw sa tubig, ipinahiram ang kanilang mga sarili upang hugasan at nagbibigay ng isang transparent na layer na hindi nakakasagabal sa liwanag na pagmuni-muni mula sa papel. Ngunit ang ilang mga pintura ay mas transparent (carmine, scarlet, emerald green, atbp.), Mas natutunaw ang mga ito sa tubig at mas pantay na nahuhulog sa papel. Ang iba (cadmium yellow, lemon, atbp.) ay may density, "pantakip", na bumubuo ng mga coatings sa ibabaw.

Mas mainam na mag-imbak ng mga watercolor sa isang malamig na lugar, sa labas ng direktang liwanag ng araw, upang hindi sila tumigas mula sa tuyong hangin.

Ang modernong industriya ay gumagawa ng isang malaking assortment ng watercolors. At, gaano man kayaman ang palette ng mga kulay, hindi ito magiging sapat upang ihatid ang iba't ibang kulay ng mundo sa paligid natin. Pinapalawak ng artist ang paleta ng kulay sa pamamagitan ng paghahalo ng mga pintura, parehong mekanikal at optical - sa pamamagitan ng paglalagay ng isang layer ng pintura sa isa pa. Kinakailangang pag-aralan ang mga katangian ng iba't ibang mga pintura, suriin ang kanilang mga kakayahan sa takip, kulay at light fastness. Ito ay kinakailangan upang subukan ang lahat ng posibleng mga kumbinasyon ng mga pintura, parehong isa-isa at sa mga mixtures sa bawat isa; maunawaan kung anong uri ng "dumi" ang ginawa sa mga mixtures, at kung anong mga shade ang nagkakahalaga ng pagbibigay pansin.

Ang "pure" na watercolor na pagpipinta ay pagpipinta gamit ang mga pintura nang hindi gumagamit ng puti. Dahil ang mga pintura ng watercolor ay transparent, ang papel mismo (mas madalas na karton) ay nagsisilbing "whitewash". Ang papel para sa pagpipinta ng watercolor ay gawa sa iba't ibang grado sa mga tuntunin ng density at texture. Malaki ang kahalagahan ng kulay, density, texture ng papel. Ang pinakamainam para sa mga watercolor ay mabigat na butil na papel na mahusay na nakadikit at pinaputi. Available sa fine-grained hanggang sa magaspang na burlap-like texture. Ang texture ay nag-aambag sa lalim ng tunog ng kulay, ginagawang posible para sa watercolor paint na madaling ilagay sa ibabaw ng sheet sa pantay at transparent na mga layer, at mapanatili ang kahalumigmigan sa mga pores nang mas matagal. Sa naturang papel, maaari kang magsagawa ng maraming oras ng mga sketch, pinapayagan ka nitong hugasan ang mga nabigong lugar. Sa papel na may makinis na ibabaw, ang mga pintura ay hindi magkasya nang maayos at madaling hugasan ng brush kapag nag-aaplay ng kasunod na mga layer; mahirap magsagawa ng mahabang sketch dito.

Ang pantay na pamamahagi ng pintura ng watercolor sa ibabaw ng papel ay nahahadlangan ng pagkakaroon ng mantsa ng mantsa. Samakatuwid, bago magpinta, ang papel ay dapat banlawan ng distilled water gamit ang ilang patak ng ammonia. Maaaring paputiin ang dilaw na papel sa pamamagitan ng pagbabanlaw nito ng pamunas na binasa sa hydrogen peroxide.

Sa panahon ng trabaho, dapat mong protektahan ang kaputian ng papel sa mga maliliwanag na lugar (glare, puting ibabaw ng mga bagay, atbp.). Upang mapanatili ang mga maliliwanag na lugar, maaari mong kiskisan ang mga naitalang lugar gamit ang isang talim ng labaha, isang kutsilyo, at sa isang mamasa-masa na ibabaw na may hawakan ng brush. Ang isa pang paraan ay upang takpan ang mga light spot at glare upang mai-save gamit ang rubber glue. Matapos tapusin ang trabaho sa sketch, ang pandikit ay madaling maalis gamit ang isang malambot na pambura ng lapis.

Ang kulay ng papel ay ang background, palaging nakikilahok sa pagbuo ng kulay ng buong larawan. Ang isang mahusay na papel para sa pagpipinta ng watercolor ay ang papel na may mataas na antas ng kaputian, dahil ang ibabaw nito ay sumasalamin nang mabuti sa liwanag sa pamamagitan ng mga layer ng mga pintura at nagbibigay sa kanila ng ningning, ay nagpapakita ng mga nuances ng tono. Sa pagpipinta ng watercolor, ginagamit din ang paunang toning ng puting papel. Pinagsasama ng tinted na papel ang pagpipinta, lumilikha ng coloristic na pundasyon ng etude. Ang tono nito ay nakasalalay sa mga gawaing nalutas ng artist. Sa mga watercolor, ang papel ay madalas na tinted ng mga decoction ng kape o chicory ng iba't ibang lakas. Ang tsaa ay nagbibigay ng magagandang lilim.

Upang maiwasan ang pag-warping ng papel mula sa kahalumigmigan, dapat itong nakadikit sa tablet. Ang moistened na papel ay inilapat sa tablet, na naayos sa tuktok na may isang frame. Kapag tuyo, ang papel ay umaabot nang pantay-pantay at hindi kumiwal. Upang panatilihing mas matagal ang kahalumigmigan sa papel, maaari kang maglagay ng basang materyal sa ilalim nito. Para sa maliliit na sukat ng watercolor na papel, maaaring gumamit ng pambura. Ang eraser ay isang tablet na may partikular na sukat at mas malaking frame na nakapalibot dito.

Sa bukas na hangin, ito ay maginhawa upang gumana sa tinatawag na gluing. Ang pagbubuklod ay isang pakete ng mga sheet na may siksik na karton o playwud sa base. Ang mga sheet ng papel, na nakadikit sa mga dulo, ay bumubuo ng isang bloke. Ang ginamit na top sheet ay tinanggal, na nagpapakita ng bago para sa trabaho.

Ang mga Aquarellist ay tradisyonal na gumagamit ng squirrel, kolinsky, at bristle brush, ngunit mayroon na ngayong mahusay na artipisyal na mga brush sa buhok. Ang mga brush na ito ay praktikal upang gumana, ang kanilang buhok ay hindi mas mababa kaysa sa kolinsky, habang sila ay nadagdagan ang wear resistance at higit na tibay. Maaari silang maging bilog o patag na hugis. Sa watercolor, ang mga bilog na brush ay pinaka-kapaki-pakinabang. Ang mga brush ng haligi ay itinuturing na pinakamahusay, mas matibay at nababanat, hindi gaanong kulubot. Ang kalidad ng brush ay sinusuri sa ganitong paraan. Ang brush ay inilubog sa tubig, pagkatapos, pagkatapos alisin ito mula sa tubig, ito ay inalog. Kung ang dulo ng brush ay matalim, kung gayon ang brush ay itinuturing na mabuti para sa trabaho.

Upang magpinta gamit ang mga watercolor, kailangan mong magkaroon ng mga brush na may iba't ibang laki (mula No. 8 hanggang No. 16). Ang malaking bilog na brush ay ang pangunahing tool para sa pagpipinta ng watercolor. Maaari itong magamit upang maglagay ng malalaking volume ng pintura o magsulat gamit ang dulo ng isang brush. Sa una, maaari kang makayanan gamit ang isang malaking brush, kung saan gumagana ang artist nang malaya at malawak, sa mahusay na mga relasyon. Habang lumalaki ang karanasan sa mga watercolor at nagiging mas kumplikado ang mga gawaing pang-edukasyon at malikhaing, dapat palawakin ng artist ang hanay ng mga brush.

Malaki ang kahalagahan ng palette para sa pagtatrabaho sa mga watercolor. Ang palette ay dapat na purong puti. Upang maiwasan ang pagsipsip ng pintura, ang palette ay dapat na matatag, pantay at makinis. Gumagamit sila ng palette ng puting salamin sa isang kahoy na frame, na natatakpan ng puting pintura ng langis sa ibaba, o ng puting porselana, faience. Maaari kang gumamit ng mga puting ceramic tile, isang plato, mga metal na plato na pininturahan ng puting pintura bilang isang palette; maaari ding gumana ang mga plastic palette at available sa ilang watercolor set.

Madalas na ginagamit ng mga mag-aaral ang papel bilang kanilang palette. Ang papel ay hindi angkop para sa mga layuning ito. Ang papel ay mabilis na nasisira mula sa tubig, nababad at nagpapahirap sa paggawa ng trabaho. Ang kawalan kapag nagtatrabaho sa tulad ng isang palette ay ang maluwag, babad na papel ay tumatagal ng pinakamahalaga mula sa pinaghalong pintura - mahusay na natunaw na mga pigment, nagbubuklod na mga bahagi, mga particle ng papel, pandikit at hindi gustong mga kemikal na pumapasok sa pinaghalong pintura, na nag-aalis ng transparency. at nagbibigay ng "dumi".

Walang mga espesyal na easel at sketchbook para sa watercolor painting. Ang mga pintura ay maaaring dalhin sa anumang flat drawer. Maipapayo na magsuot ng mga brush, hiwalay na nakabalot sa isang tela o ilagay sa isang "brush". Kapag ang mga brush ay isinusuot sa isang sketchbook, ang mga ito ay lumalala at nawawala ang kanilang hugis. Ang tubig ay maaaring dalhin sa malawak na leeg na flasks.

Ang maingat, masusing paghahanda ng mga materyales at kasangkapan para sa pagpipinta ng watercolor ay hindi dapat maging isang pabigat.

Mayroong ilang mga teknolohikal na paraan upang gumana sa mga watercolor. Ngunit ang mga pangunahing ay dalawang paraan: ang lessing method at ang "alla prima" na paraan. Sa trabaho sa mahabang sketch, ang una ay madalas na ginagamit. Para sa pagpipinta sa bukas na hangin, sa mabilis na mga sketch, ang "alla prima" na paraan ay mas angkop.

Ang glazing bilang isang paraan ng pagpipinta ng multilayer ay batay sa paggamit ng transparency ng watercolor paint, ang mga katangian nito ng optical na pagdaragdag ng mga kulay kapag ang isang transparent na layer ng pintura ay inilapat sa isa pa. Sa pamamagitan ng pagpapatong ng isang layer ng pintura sa isa pa, maaari kang makakuha ng higit pang mga saturated shade ng isang kulay, pati na rin ang pagbuo ng mga kumplikadong composite na kulay. Gamit ang paraan ng glaze, ang lalim ng kulay at saturation ay nakakamit sa pamamagitan ng sunud-sunod na pagpapatong ng isang mahusay na tuyo na transparent na layer na may isa pang layer ng pintura.

Ang isang mahabang etude sa pamamagitan ng paraan ng glaze ay isinasagawa sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod. Una, ang isang light linear na pagguhit ay ginawa gamit ang isang lapis o isang manipis na brush sa anumang isang kulay, pagkatapos ay ang mga malalaking eroplano ng imahe ay inilatag gamit ang isang brush, ngunit hindi sa buong puwersa, ngunit bilang isang paunang coloristic na paghahanda para sa kasunod na pagpipinta. Mula sa simula ng trabaho sa isang sketch, dapat subukan ng isa na ihatid nang tumpak hangga't maaari ang lahat ng mga ugnayan ng kalikasan. Ito ay kinakailangan upang magtatag ng isang koneksyon sa pagitan ng lahat ng mga kulay ng kalikasan, sa lahat ng oras upang ihambing ang tono ng pintura sa mga tuntunin ng saturation at liwanag.

Sa panahon ng trabaho, dapat na patuloy na ihambing ang mga ugnayan ng kulay ng mga itinatanghal na bagay, kapwa sa kalikasan at sa pag-aaral, at sa pamamagitan ng relasyon ng magkaparehong mga palatandaan: ang liwanag ng isang bagay ay inihambing sa liwanag ng isa pa, ang anino ay may isang anino. , atbp. Kinakailangang matukoy ang mga pangunahing kaibahan sa kalikasan - mga lugar at bagay ng pinakamaliwanag at pinakamadilim na tono, upang agad na maitatag ang pagkakaiba sa pagitan ng pinakamaliwanag at pinakamadilim na lugar ng kalikasan. Kadalasan nangyayari ito sa harapan o espesyal na napiling "pangunahing" bagay ng kalikasan. Kapag nagsasagawa ng isang etude, hindi maaaring limitahan ng isang tao ang kanyang sarili sa paggawa sa isa sa mga bahagi nito, sinusubukang tapusin ito kaagad, nang walang anumang koneksyon sa natitirang bahagi ng kapaligiran. Sa kalikasan, ang lahat ay magkakaugnay, at imposibleng matapat na kunin ang kulay ng itinatanghal na bagay sa paghihiwalay mula sa kapaligiran nito.

Ang isang etude ay dapat palaging isagawa ayon sa prinsipyo - mula sa pangkalahatan hanggang sa partikular. Ang pagkakaroon ng buksan ang buong pag-aaral na may magaan na malawak na gaskets (maliban sa mga magaan na lugar at mga highlight), na natiyak ang kawastuhan ng mga relasyon na kinuha, maaari kang magpatuloy sa karagdagang trabaho - sculpt ang hugis ng mga bagay, maglagay ng kalahating tono, anino, reflexes . Kapag nagtatrabaho sa mga watercolor, ipinapayong magtrabaho mula sa liwanag hanggang sa madilim. Karaniwan, ang mga itinatanghal na bagay ay unang natatakpan ng malawak na magaan na mga layer ng mga pintura, na sa mga tuntunin ng lakas ng tono ay tumutugma sa pinakamaliwanag na lugar ng mga itinatanghal na bagay. Pagkatapos ay inilapat ang mga anino. Pagkatapos nito, ang mga semitone ay tinutukoy sa pamamagitan ng paghahambing ng mga ito sa bawat isa.

Gamit ang paraan ng glaze, ang layer ng pintura, para sa lahat ng multilayerness nito (mas mabuti na hindi hihigit sa tatlong layer, kung hindi man ang mga pintura ay mawawalan ng transparency, ang tinatawag na dumi ay nakuha) ay dapat manatiling manipis at transparent upang magpadala ng liwanag na makikita mula sa ibabaw ng papel sa pamamagitan ng mismo. Nasa unang pagpaparehistro, kinakailangan na malinaw na balangkasin ang mga kaibahan - ang pinakamalaking pagkakaiba sa kapasidad ng pagtitipon ng liwanag at ang ratio ng mainit at malamig na mga tono.

Ito ay ipinapayong gumamit ng katawan, opaque na mga pintura sa dulo ng trabaho upang lumikha ng higit na materyalidad, objectivity, at kalubhaan. Dapat alalahanin na kapag tuyo, ang mga watercolor ay nawawalan ng lakas ng kulay - nagpapagaan sila ng halos isang-katlo ng kanilang orihinal na lakas. Samakatuwid, kinakailangan upang gawing mas puspos, maliwanag, ang nais na mga kulay, upang maiwasan ang katamaran ng pagpipinta.

Ang isa pang paraan ng pagpipinta ng watercolor ay ang "alla prima" na pamamaraan, kung saan sila ay nagpinta kaagad, nang walang sunud-sunod na pagpapatong ng mga layer ng pintura, ang bawat detalye ay nagsisimula at nagtatapos sa isang hakbang. Ang lahat ng mga kulay ay kinuha nang sabay-sabay sa buong puwersa, na nagpapahintulot sa paggamit ng mga mekanikal na mixtures ng mga pintura, i.e. bumuo ng nais na kulay mula sa ilang mga pintura sa palette. Kapag nagtatrabaho sa pamamaraang "alla prima", hindi ginagamit ang maraming pagpaparehistro. Ang pamamaraang ito ay mas katanggap-tanggap sa bukas na hangin. Kadalasan, ginagamit ng mga pintor ng watercolor ang parehong mga pamamaraan.

Upang lumikha ng mga paglipat ng liwanag na kulay, lalo na sa mga madilim na lugar, sa mga pagpindot ng mga bagay at eroplano, kinakailangan na ang mga gilid ng inilapat na mga stroke ay sumanib. Para sa mga ito, ang papel ay pre-moistened sa tubig. Ang pamamaraang ito ay tinatawag na "raw" na gawain.

Upang pabagalin ang pagpapatayo ng mga pintura sa panahon ng trabaho, maaari mong gamitin ang mga solusyon ng gliserin, sabon o pulot sa tubig, kung saan ang mga pintura ay natunaw.

Ito ay kinakailangan upang maunawaan na ang mastering ang kasanayan ng watercolor painting ay hindi natutunan mula sa mga libro. Ang lahat ay natutunan sa pangmatagalang praktikal na gawain, sa pamamagitan ng personal na karanasan. Samakatuwid, ang pagsasanay ay ang pinakamahusay na paraan sa mastering ang pamamaraan ng watercolor painting.

Mga Reviewer:

Medvedev L.G., Doktor ng Pedagogical Sciences, Propesor, Dean ng Faculty of Arts, Omsk State Pedagogical University, Omsk;

Shalyapin OV, Doktor ng Pedagogical Sciences, Propesor, Pinuno ng Kagawaran ng Pagguhit, Pagpipinta at Edukasyon sa Sining ng Institute of Arts ng Federal State Budgetary Educational Institution ng Higher Professional Education "NGPU", Novosibirsk.

Sanggunian sa bibliograpiya

Sukharev A.I., Shchetinin I.D. TECHNOLOGY OF WATER PAINTING // Mga modernong problema ng agham at edukasyon. - 2015. - Hindi. 2-2.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=21931 (petsa ng access: 02/01/2020). Dinadala namin sa iyong pansin ang mga journal na inilathala ng "Academy of Natural Sciences"

1) Pagpili ng tema:

sa aking thesis, bumaling ako sa isa sa mga uri ng fine art - pagpipinta. Landscape ang napili bilang tema ng akda. Angkop na sipiin ang pahayag ng sikat na pintor ng landscape ng Russia na si I.I. Shishkina: "Ang pagpipinta ay dapat na isang kumpletong ilusyon, at hindi ito makakamit nang walang isang komprehensibong pag-aaral ng mga napiling motibo kung saan naramdaman ng artist ang pinakadakilang atraksyon, na nanatili sa kanyang mga alaala sa pagkabata, iyon ay, ang tanawin ay hindi lamang pambansa. , ngunit lokal din." (Abeldyaeva I. G. School of Fine Arts. Isyu 5. - M., 1962).

Ang pamantayan sa pagpili ng tema ay ang aking personal na saloobin sa lokal na seascape. Ang pagnanais na ihatid sa larawan ang isang maaraw na estado, ang tanawin ng Tsemesskaya Bay na pamilyar mula sa pagkabata, na kinumpleto ng mga modernong gusali ng daungan.

2) Pagkolekta ng materyal:

Ang pagpipinta ay ang paglikha ng isang holistic na imahe ng kalikasan, ito ay isang artistikong generalization, ang pagbabago ng kalikasan sa tulong ng imahinasyon ng artist. Imposibleng baguhin nang maganda ang hindi mo alam. Samakatuwid, ang paglikha ng isang landscape ay palaging nauuna sa pangmatagalang gawain sa mga sketch mula sa kalikasan. "Dapat mong tingnan ang kalikasan nang simple, maingat, sinusubukan na maunawaan ang pangkalahatang impresyon nito, at pumunta mula dito sa mga detalye ..." (Masters of Soviet Art on the Landscape, 1965).

Upang makumpleto ang gawain, isang koleksyon ng materyal na paghahanda ang isinagawa. Ito ay mga sketch, pencil sketch, short-term at long-term pictorial sketch na gawa sa kalikasan.

(Appendix A, Fig. A1-A6). Ang pangunahing bentahe ng isang sketch ng landscape ay ang paglipat ng isang tiyak na estado ng pag-iilaw ng kalikasan, ang impluwensya ng kapaligiran ng hangin at isang makabuluhang espasyo. Ang mga sketch ay isinagawa sa iba't ibang oras ng taon, sa iba't ibang oras ng araw.

3) compositional at coloristic na solusyon:

Ang integridad ng komposisyon ng isang pictorial etude ay nakasalalay sa ugnayan sa pagitan ng pangunahin at pangalawa, sa pag-uugnay ng buong larawan sa isang gawa. Kapag na-highlight ang compositional center, dapat na sinasadya ng artist na gawing pangkalahatan ang mga detalye, pahinain ang tono at lakas ng kulay ng mga bagay na lumalayo mula sa compositional center, ipasailalim ang lahat ng tonal at kulay na relasyon sa pangunahing isa.

4) karton (paghahanda na pagguhit):

na nilinaw ang konsepto sa mga sketch at sketch, na natagpuan ang isang linear at kulay na komposisyon, kailangan mong simulan ang pagguhit ng buong komposisyon sa karton o papel (Appendix A, Fig. A7). Ang karton ay ginawa sa buong laki gamit ang isang lapis at uling. Sa loob nito, ang komposisyon na solusyon, ang likas na katangian ng anyo at proporsyon ng mga bagay, ang mga gawain ng aerial at linear na pananaw ay hinahasa at dinadala sa pagkumpleto, ang pagpaplano ng landscape ay tinutukoy, ang compositional center ay ginagawa. Pagkatapos nito, ang pagguhit mula sa karton (sa pamamagitan ng pagsubaybay sa papel o pulbos) ay inilipat sa canvas.

5) Pagpinta sa canvas:

pagkatapos ng mga compositional na paghahanap at paggawa ng karton, maaari kang magsimulang magpinta sa canvas, simula sa underpainting, paglilinaw ng mga relasyon sa tonal at kulay, paglalagay ng mga anino, pag-aayos ng mga detalye. Pagkatapos ay darating ang generalization at pagkumpleto ng gawain (Appendix A, Fig. A8-A14).

1. Kung mayroon kang karanasan sa lapis, maaari mong ligtas na simulan ang pag-aaral ng pagpipinta;
2. Kung wala kang karanasan, inirerekumenda muna namin na kunin mo ang Basic Course sa paaralan ng pagpipinta para sa mga matatanda. Matapos makumpleto ang kursong ito, magiging mas madali para sa iyo ang pagpinta;
3. Kung mayroon kang malubhang karanasan sa pagguhit gamit ang lapis at mga pintura, maaari kang magsimula, sa ilalim ng gabay ng isang may karanasan na guro, upang lumikha ng iyong sariling larawan, kopyahin ang mga master o bumuo ng iyong mga ideya.

Mga gawa sa pagpipinta

Natalia Kudryavtseva 3 buwan ng pagsasanay (langis);	Nastya Khokhlova 3 buwang pag-aaral (pastel)	5 buwang pagsasanay (mantikilya)	Nastya Trosnova humigit-kumulang 6 na buwan ng pagsasanay (pastel)

Elya Grudina (12 taong gulang) 6 na buwang pagsasanay (mantikilya)	Katya Popova (16 taong gulang) 8 buwang pagsasanay (mantikilya)	Tanya Nigai (24 taong gulang) 7 buwang pagsasanay (mantikilya)

Elena Orlova mga 2 taong pag-aaral (watercolor)	Valya Shvets (27 taong gulang) 4 na buwan ng pagsasanay (pastel)	Valya Shvets (27 taong gulang) 8 buwang pagsasanay (pastel)

Mga graphic

Ipinapalagay ng indibidwal na diskarte na ginamit sa Art-Idea studio na ang guro ay nakikipagtulungan sa iyo batay sa iyong mga layunin at pangangailangan. Sa pagsasaalang-alang na ito, maaari mong pagbutihin ang anumang diskarte sa pagguhit na interesado sa iyo, maging ito ay manipis at transparent na watercolor o mas malagkit na pamamaraan ng pagpipinta ng langis. Gayundin sa paaralan ng pagpipinta para sa mga matatanda maaari kang maging pamilyar sa pinaka-pinong pamamaraan ng pastel, makintab na pamamaraan ng gouache, matte tempera o dry brush technique.

Sa paaralan ng Art-Idea, ang pagpipinta ay maaaring ituro sa mga matatanda at bata.

Pagpipinta ng paaralan

Mga gawa na ginawa gamit ang isang palette knife

Papunta sa pagpipinta ng paaralan, karaniwan naming ipinapalagay na kami ay magpinta sa isang piraso ng papel at isang brush! Ito ang aming karaniwang ideya. Kawili-wiling katotohanan: Hindi inirerekomenda ng paaralang Italyano ng pagpipinta ang paggamit ng mga brush para sa isang baguhan na pintor. Sa simula, natututo silang magpakita ng isang bagay sa pangkalahatan at gamit lamang ang isang palette knife. Inililihis ng brush ang atensyon patungo sa maliliit na bagay na hindi pa kailangan sa maagang yugto ng pag-aaral.

Ang pag-aaral tungkol sa kulay ay lubhang kapana-panabik! Marahil ay narinig mo na ang iba't ibang kulay ay nakakaapekto sa isang tao sa iba't ibang paraan. Kaya ang pula ay nakaka-excite, at ang asul ay nagpapatahimik, ang dilaw ay nagdudulot ng kagalakan, at ang berdeng pagkakaisa. Ang mga dalisay na maliliwanag na kulay ay madalas na kulang sa buhay ng isang modernong tao, kaya ang nalulumbay na kalooban at kawalan ng pag-asa. Pagsasanay sa pagpipinta sa ganitong diwa, ito ay nakapagpapagaling para sa karamihan ng mga tao, nagdaragdag ng panginginig ng boses at pagkakatugma ng mga kulay na iyon sa kanilang buhay na kulang sa kanila! Mayroong kahit na tulad ng isang direksyon - art therapy, kung saan ang mga tao ay ginagamot sa tulong ng kulay. Kaya, ang pagpipinta ay madalas na nagkakasundo hindi lamang sa kaluluwa, kundi pati na rin sa katawan ng tao!

Pagsasanay sa pagpipinta nagaganap sa Studio №1(m. pl. Vosstaniya) o Studio №2(m. prospect ng Enlightenment o m. Grazhdansky pr.)

Ang gawa ni Dmitry Revyakin ay napaka-magkakaibang at sumasaklaw sa isang malawak na hanay ng mga lugar - mula sa oil painting at tempera hanggang sa wood carving at ang paglikha ng mga orihinal na item sa estilo ng "Steampunk". Ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng mga gawa na siyang tanda ng may-akda - pagpipinta at pag-ukit ng kahoy sa isang gawa. Ang versatility ng artistikong kasanayan at ang mataas na antas ng kasanayan ni Dmitry Revyakin ay nagpapahintulot sa kanya na lumikha ng orihinal na mga malikhaing gawa na kumakatawan sa organikong pagkakaisa ng pagpipinta at woodcarving - mga kuwadro na gawa at mga frame bilang pagpapatuloy ng semantiko nito.

Ang pagpipinta ni Dmitry Revyakin ay puno ng pagmamahal sa kalikasan ng Russia. Ang kanyang mga pintura ay nagsasalita ng walang katapusang sari-saring kagandahan, ang kagandahan ng lahat ng panahon at ang magalang na saloobin ng pintor sa kanyang tinubuang lupa. Ang mga landscape at still life sa langis ay nailalarawan sa pamamagitan ng ningning ng pagsulat, ang pagpapahayag ng mga detalye, ang kagandahan ng mga light nuances, at isang pangkalahatang pakiramdam ng kasiyahan.

Mga kopya ng mga pintura
(Ang mga pintura ay ginawa sa mga master class)

Piliin ang (mga) larawan, sa pagkakasunud-sunod, sa halip na ang pangalan ng pelikula, ipahiwatig ang pangalan ng larawan at sa loob ng 1-6 na oras makakatanggap ka ng mga detalye ng pagbabayad sa pamamagitan ng koreo

Gusto mo bang bumili ng pagpipinta sa pinakamababang presyo sa Moscow? Makipag-ugnay sa amin, dahil sa mga master class ng pagpipinta, nagsusulat si Dmitry ng isang larawan, na nagpapaliwanag sa mga mag-aaral kung paano ipinta ito o ang landscape na iyon, buhay pa rin, at pagkatapos ay ibinebenta namin ito. Ang pinaka murang oil painting Dito lang! Kung makakita ka ng mga painting na mas mura sa Moscow kaysa sa studio ni Leonardo, isulat sa amin kung saan ang lugar na ito! Maaari mong panoorin at mag-order ng oil painting o pagbili mula sa ibaba. Si Dmitry Revyakin ay isang mahusay na pintor at master ng kanyang craft, magagawa mo mag-order kanya kopya anumang kilala mga kuwadro na gawa o mag-order ng isang pagpipinta mula sa isang larawan... Nasa ibaba ang isang bahagi ng mga gawa ng may-akda ni Dmitry Revyakin (lahat ng mga pagpipinta ay ibinebenta).

Wood carving ni D.V. Revyakina.

Si Dmitry ay nakikibahagi sa woodcarving, gumagana sa pamamaraan ng marquetry. Maaari mong makita ang mga larawan ng D.V. Revyakin sa ibaba.
Ang wood carving ay isang tradisyonal na sining ng Russia na kinikilala sa buong mundo. Ang mga bagay na gawa sa natural na kahoy ay pinupuno ang interior ng espesyal na coziness at init, lumikha ng imahe ng isang bahay na mayaman sa mga tradisyon at pinahahalagahan ang katatagan. Ang site ay naglalaman ng mga sumusunod na produktong woodcarving na mabibili mo: chaban (tea board), mirror frame, jewelry box, inukit na kasangkapan, atbp.

Steampunk.

D.V. Gumaganap ang Revyakin ng trabaho sa istilong Steampunk (tingnan ang larawan sa ibaba). Maaari kang mag-order ng steampunk portrait, na naka-frame sa isang steampunk frame. Magagawa ng artist ang anumang utos. Ang Steampunk (o steampunk) ay isang direksyon na batay sa pantasya na lumilikha ng isang bagong katotohanan, mga bagay, gamit ang mekanikal at teknolohikal na mga elemento ng mga steam engine. Ang Steampunk, bilang isang istilo, ay karaniwan sa pagpipinta, graphics, eskultura at disenyo, at ang mga pang-araw-araw na bagay na nilikha sa istilong Steampunk ay napakapopular sa mga kabataan. Maaari ka ring mag-order ng isang pantasiya na larawan, at si Dmitry ay magpinta ng isang mahusay na larawan.

Plein na hangin.

Si Dmitry Revyakin ay madalas na nagsusulat mula sa kalikasan. Ang sinumang artista ay kumpirmahin na ang isang tao ay makakakuha ng karanasan ng isang tunay na pintor sa pamamagitan lamang ng pagtatrabaho sa open air, pag-aaral ng kalikasan. Ito ay isang kamangha-manghang aktibidad upang makahanap ng isang lugar sa kalikasan at magpinta ng isang magandang tanawin mula sa kalikasan nang maaga sa umaga. Pinakamainam na magtrabaho sa umaga o gabi, dahil ang mga kulay ay pinaka-interesante sa artist sa oras na ito. Pag-aaral ng kalikasan, makikilala mo ang tunay, hindi imbento na mga shade, hanapin at ihambing ang mga kumplikadong kumbinasyon ng kulay sa katotohanan sa paligid mo.
"Ang isang pagpipinta mula sa isang pintor ay hindi magiging perpekto kung siya ay kukuha ng mga larawan ng iba bilang isang inspirasyon; kung siya ay natututo sa mga paksa ng kalikasan, siya ay magbubunga ng isang magandang bunga" Leonardo Da Vinci.

Teknik sa pagpipinta- isang hanay ng mga pamamaraan para sa paggamit ng mga masining na materyales at kasangkapan.

Mga tradisyunal na pamamaraan ng pagpipinta: encaustic, tempera, pader (dayap), pandikit at iba pang uri. Mula noong ika-15 siglo, ang pamamaraan ng pagpipinta gamit ang mga pintura ng langis ay naging popular; sa ika-20 siglo, lumilitaw ang mga sintetikong pintura na may isang panali na gawa sa mga polimer (acrylic, vinyl, atbp.). Ang gouache, watercolor, Chinese ink at semi-painting technique - pastel - ay tinutukoy din bilang pagpipinta.

WATERCOLOR

Watercolor(mula sa Italyano. "aquarello") - nangangahulugang pagpipinta gamit ang water-based na mga pintura.

Mayroong maraming mga artistikong diskarte sa watercolor: nagtatrabaho sa hilaw na papel ("A la Prima"), nagtatrabaho sa tuyong papel, pagpuno, paghuhugas, gamit ang mga lapis ng watercolor, tinta, nagtatrabaho sa isang tuyong brush, gamit ang isang palette na kutsilyo, asin, multi -layer painting, gamit ang mixed media.

Mga uri ng mga diskarte sa watercolor:

tuyo - pagpipinta sa tuyong papel, patuyuin ang bawat layer ng pintura bago ilapat ang susunod

basa, basang watercolor, alla prima - pagpipinta sa hilaw na papel. Ang wet technique ay gumagamit ng daloy ng mga watercolor at lumilikha ng hindi pangkaraniwang mga epekto ng kulay. Ang paggamit ng pamamaraang ito ay nangangailangan ng kaalaman sa moisture content ng papel at karanasan sa mismong pamamaraan.

Ang Alla prima (ala prima) (nagmula sa Italyano na alla prima - sa unang sandali) ay isang uri ng oil at watercolor painting technique, na kinabibilangan ng pagpapatupad ng isang larawan (o isang fragment nito) sa isang session, nang walang paunang pagpaparehistro at underpainting.

Ang Fill ay isang napaka-kagiliw-giliw na pamamaraan sa watercolor. Ang mga makinis na paglipat ng kulay ay nagbibigay-daan sa iyo upang epektibong ilarawan ang kalangitan, tubig, mga bundok.

Ang kutsilyo ng palette ay ginagamit hindi lamang sa pagpipinta ng langis, kundi pati na rin sa pagpipinta ng watercolor. Sa isang palette na kutsilyo, maaari mong bigyang-diin ang mga balangkas ng mga bundok, bato, bato, ulap, alon ng dagat, ilarawan ang mga puno, bulaklak.

Ang absorbency ng asin ay ginagamit upang lumikha ng mga kawili-wiling epekto ng watercolor. Sa tulong ng asin, maaari mong palamutihan ang parang na may mga bulaklak, kumuha ng isang mobile air na kapaligiran sa larawan, gumagalaw ng mga paglipat ng tonal.

Ang pagpipinta ng multilayer ay mayaman sa kulay. Sa pagpipinta ng multilayer, ginagamit ang lahat ng artistikong pamamaraan ng pagtatrabaho sa mga watercolor.

Ang watercolor ay isa sa pinakamahirap na diskarte sa pagpipinta. Ang pangunahing kalidad ng mga watercolor ay transparency at airiness ng imahe. Ang maliwanag na pagiging simple at kadalian ng pagguhit gamit ang watercolor ay panlilinlang. Ang pagpipinta ng watercolor ay nangangailangan ng kasanayan gamit ang isang brush, kasanayan sa pagtingin sa tono at kulay, kaalaman sa mga batas ng paghahalo ng mga kulay at paglalagay ng isang layer ng pintura sa papel. Mayroong maraming mga diskarte sa watercolor: nagtatrabaho sa tuyong papel, nagtatrabaho sa hilaw na papel ("A la Prima"), gamit ang mga lapis ng watercolor, tinta, multi-layer na pagpipinta, dry brushing, pagpuno, paghuhugas, gamit ang isang palette na kutsilyo, asin, gamit ang mixed media.

Ang mga watercolor, sa kabila ng tila pagiging simple at kadalian ng pagguhit, ay isang napaka-komplikadong pamamaraan ng pagpipinta. Ang pagpipinta ng watercolor ay nangangailangan ng kasanayan gamit ang isang brush, kasanayan sa pagtingin sa tono at kulay, kaalaman sa mga batas ng paghahalo ng mga kulay at paglalagay ng isang layer ng pintura sa papel.

Para sa gawaing watercolor, ang papel ay isa sa pinakamahalagang materyales. Ang kalidad, uri, relief, density, butil, sukat nito ay mahalaga. Depende sa kalidad ng papel, ang mga watercolor ay inilalapat sa papel sa iba't ibang paraan, hinihigop, at tuyo.

LAPIS

Ang lapis ay isang materyales sa pagguhit. Pagkilala sa pagitan ng mga itim na lead na lapis at mga kulay na lapis. Ang pagguhit ng lapis ay ginagawa sa papel gamit ang shading, tonal spot, at chiaroscuro.

Ang mga lapis ng watercolor ay isang uri ng mga lapis na may kulay na nalulusaw sa tubig. Ang mga paraan para sa paggamit ng mga lapis ng watercolor ay iba-iba: ang pag-blur ng isang guhit gamit ang isang lapis ng watercolor na may tubig, ang pagtatrabaho sa isang lapis ng watercolor na babad sa tubig, ang pagtatrabaho sa isang lapis sa basang papel, atbp. Ang pagguhit ay mas mahirap.

Sa tulong ng isang lapis, maaari kang makakuha ng walang katapusang maraming mga kakulay, mga gradasyon ng tono. Ang pagguhit ay gumagamit ng mga lapis ng iba't ibang antas ng lambot.

Ang trabaho sa isang graphic na pagguhit ay nagsisimula sa isang nakabubuo na pagguhit, i.e. pagguhit ng mga panlabas na contours ng isang bagay gamit ang mga linya ng konstruksiyon, kadalasang may medium-soft na lapis H, HB, B, F, pagkatapos ay sa isang pagguhit ng tono, kung saan walang mga contour na linya ng mga bagay, at ang mga hangganan ng mga bagay ay ipinahiwatig ng pagtatabing, kung kinakailangan, gumamit ng mas malambot na mga lapis. Ang pinakamahirap ay 9H, ang pinakamalambot ay 9B.

Sa pagguhit gamit ang isang lapis, ipinapayong gumawa ng kaunting mga pagwawasto hangga't maaari at maingat na gumamit ng isang pambura upang hindi mag-iwan ng mga mantsa, upang ang pagguhit ay magmukhang sariwa at maayos. Mas mainam na huwag gumamit ng balahibo sa pagguhit ng lapis para sa parehong mga kadahilanan. Upang mailapat ang tono, ginagamit ang pamamaraan ng pagtatabing. Ang mga stroke ay maaaring magkakaiba sa direksyon, haba, lapad, presyon ng lapis. Ang direksyon ng stroke (pahalang, patayo, pahilig) ay tinutukoy ng hugis, laki ng bagay, ang paggalaw ng ibabaw sa pagguhit.

Ang larawan ng lapis ay lumalabas na napaka-makatotohanan at puno ng liwanag. Sa katunayan, sa tulong ng isang lapis, maaari mong ihatid ang maraming mga kakulay, ang lalim at dami ng imahe, ang mga paglipat ng liwanag at lilim.

Ang pagguhit ng lapis ay naayos na may isang fixative, kaya ang pagguhit ay hindi mawawala ang kalinawan nito, hindi pahid kahit na hinawakan ng isang kamay, at nananatili sa mahabang panahon.

MANTIKA

Ang pagpipinta ng langis sa canvas ay ang pinakasikat na pamamaraan ng pagpipinta. Ang pagpipinta ng langis ay nagbibigay sa master ng walang limitasyong bilang ng mga paraan upang ilarawan at ihatid ang mood ng mundo sa paligid niya. Pastose o mahangin na transparent na mga stroke kung saan makikita ang canvas, na lumilikha ng isang lunas na may isang palette na kutsilyo, glazing, gamit ang mga transparent o opaque na mga pintura, iba't ibang mga pagkakaiba-iba ng paghahalo ng mga kulay - lahat ng iba't ibang mga diskarte sa oil painting ay nagpapahintulot sa artist na mahanap at maihatid ang mood, ang dami ng mga bagay na inilalarawan, ang kapaligiran ng hangin, lumikha ng isang ilusyon na espasyo, ihatid ang kayamanan ng mga kakulay ng nakapaligid na mundo.

Ang pagpipinta ng langis ay may sariling kakaiba - ang larawan ay pininturahan sa ilang mga layer (2-3), ang bawat layer ay kailangang matuyo ng ilang araw, depende sa mga materyales na ginamit, samakatuwid, ang isang oil painting ay karaniwang pininturahan mula sa ilang araw hanggang ilang linggo.

Ang linen na canvas ay ang pinaka-angkop para sa pagpipinta ng langis. Ang linen ay matibay at may makulay na texture. Ang mga linen canvases ay may iba't ibang laki ng butil. Para sa mga portrait at pagpipinta na may detalyadong pagguhit, isang pinong butil, mas makinis na canvas ang ginagamit. Ang isang coarse-grained canvas ay angkop para sa pagpipinta na may binibigkas na texture (mga bato, bato, puno), pasty na pagpipinta at pagpipinta gamit ang isang palette na kutsilyo. Noong nakaraan, ginamit ng pagpipinta ang pamamaraan ng glazing, paglalapat ng mga pintura sa manipis na mga layer, kaya ang pagkamagaspang ng layer ng linen ay nagbigay ng kagandahan ng larawan. Sa ngayon, ang pamamaraan ng mga pasty stroke ay kadalasang ginagamit sa pagpipinta. Gayunpaman, ang kalidad ng canvas ay mahalaga para sa pagpapahayag ng pagpipinta.

Ang cotton canvas ay isang matibay at murang materyal, na angkop para sa pagpipinta na may mga pastel stroke.

Sa oil painting, ginagamit din ang mga base tulad ng burlap, playwud, hardboard, metal, at maging papel.

Ang mga canvases ay nakaunat sa ibabaw ng karton at sa isang stretcher. Ang canvas sa karton ay manipis at kadalasan ay hindi lumalabas sa malalaking sukat, at hindi lalampas sa 50 * 70. Ang mga ito ay magaan at madaling dalhin. Ang mga canvases sa isang stretcher ay mas mahal, ang mga nakahandang canvases sa isang stretcher ay maaaring umabot sa laki na 1.2m by 1.5m. Ang natapos na pagpipinta ay naka-frame.

Bago magtrabaho sa langis, ang mga canvases ay nakadikit at primed. Ito ay upang matiyak na ang pintura ng langis ay hindi sumisira sa canvas at para sa pintura na nakadikit nang maayos sa canvas.

Ang mga oil painting ay kadalasang pinipintura sa pamamagitan ng paglalagay ng canvas sa isang easel. Sa oil painting, ginagamit ang palette knife technique. Palette knife - isang tool na gawa sa flexible steel sa anyo ng kutsilyo o spatula na may curved handle. Ang iba't ibang hugis ng kutsilyo ng palette ay nakakatulong upang makamit ang iba't ibang texture, relief, volume. Maaari mo ring ilapat ang pantay, makinis na mga stroke gamit ang isang palette knife. Ang talim ng isang palette na kutsilyo ay maaari ding gamitin upang lumikha ng mga pinong linya - patayo, pahalang, magulo.

PASTEL

Pastel(mula sa lat. pasta - kuwarta) - isang pamamaraan ng pagpipinta at pagguhit sa isang magaspang na ibabaw ng papel at karton na may mga pastel. Ang pastel ay isa sa mga pinaka-hindi pangkaraniwang uri ng mga visual na materyales. Ang pagpipinta gamit ang mga pastel ay mahangin at banayad. Ang subtlety at biyaya ng pastel technique ay nagbibigay sa mga painting ng isang kasiglahan, sa isang lugar na hindi kapani-paniwala at magic. Sa pamamaraan ng "dry" pastel, ang pamamaraan ng "shading" ay malawakang ginagamit, na nagbibigay ng epekto ng malambot na mga transition at lambing ng kulay. Ang pastel ay inilapat sa magaspang na papel. Mahalaga ang kulay ng papel. Ang kulay ng background, na nagpapakita sa pamamagitan ng mga stroke ng pastel, ay nagdudulot ng isang tiyak na mood, nagpapahina o nagpapatindi sa mga epekto ng kulay ng larawan. Ang mga pagpipinta ng pastel ay naayos na may fixative at nakaimbak sa ilalim ng salamin.

Ang pamamaraan ng pastel ay nakakuha ng malawak na katanyagan at umabot sa kasaganaan nito noong ika-18 siglo. Ang Pastel ay may kakayahang magbigay ng anumang plot ng pambihirang lambot at lambing. Sa diskarteng ito, maaari kang gumawa ng anumang paksa - mula sa mga landscape hanggang sa mga guhit ng mga tao.

Ang mga bentahe ng mga pastel ay nasa malaking kalayaan para sa artist: pinapayagan ka nitong alisin at i-overlap ang buong mga layer ng pagpipinta, upang ihinto at ipagpatuloy ang trabaho anumang oras. Pinagsasama ng Pastel ang mga posibilidad ng pagpipinta at pagguhit. Maaari siyang gumuhit at magsulat, magtrabaho gamit ang pagtatabing o isang lugar ng pagpipinta, tuyo at basang brush.

Mga uri ng pastel:

tuyo- ginawa mula sa pigment sa pamamagitan ng pagpindot nang walang pagdaragdag ng langis

langis- ay ginawa mula sa isang pigment na may linseed oil sa pamamagitan ng pagpindot.

waks- ginawa mula sa pigment sa pamamagitan ng pagpindot sa pagdaragdag ng wax

Ang mga pamamaraan para sa pagtatrabaho sa mga pastel ay iba-iba. Ang mga pastel stroke ay ipinapahid gamit ang iyong mga daliri, mga espesyal na stub, mga leather roller, mga silk square brush, mga malambot na tampon. Ang pamamaraan ng pastel ay napaka banayad at kumplikado sa mga overlay nito na may pastel na "glaze" ng kulay sa kulay. Ang pastel ay inilapat na may mga spot, stroke, glazes.

Upang gumana sa mga lapis ng pastel, kailangan mo ng mga base na humahawak sa pastel, na pumipigil sa pagbuhos nito. Gumagana ang mga pastel sa magaspang na grado ng papel, tulad ng "torchon", Whatman paper, emery paper, sa maluwag, fleecy na karton, suede, parchment, canvas. Ang pinakamagandang base ay suede, kung saan nakasulat ang ilan sa mga klasikong piraso. Ang mga guhit ng pastel ay naayos na may mga espesyal na fixative na pumipigil sa pagbuhos ng mga pastel.

Si Edgar Degas ay isang hindi maunahang master ng pastel. Si Degas ay may matalas na mata at isang hindi nagkakamali na pattern, na nagpapahintulot sa kanya na makamit ang mga hindi pa nagagawang epekto sa mga pastel. Kailanman ay hindi naging ganoon kagalang-galang ang mga guhit ng pastel, napakahusay na pabaya at napakamahal sa kulay. Sa kanyang mga huling gawa, na nakapagpapaalaala sa isang maligaya na kaleidoscope ng mga ilaw, si E. Degas ay nahuhumaling sa pagnanais na ihatid ang ritmo at paggalaw ng eksena. Upang bigyan ang mga kulay ng isang espesyal na shine at gawing glow, ang artist ay dissolved ang mga pastel na may mainit na tubig, ginagawa itong isang uri ng pintura ng langis, at inilapat ito sa canvas gamit ang isang brush. Noong Pebrero 2007, sa auction ng Sotheby sa London, ang pastel ni Degas na "Three dancers in purple skirts" ay naibenta sa halagang $ 7.87 milyon. Sa Russia, ang mga pastel master ay nagtrabaho sa mga pastel tulad ng Repin, Serov, Levitan, Kustodiev, Petrov-Vodkin.

SANGINA

Ang hanay ng kulay ng sanguine, materyal para sa pagguhit, mula kayumanggi hanggang malapit sa pula. Sa tulong ng sanguine, ang mga tono ng katawan ng tao ay mahusay na naihatid, kaya ang mga larawang ginawa ng sanguine ay mukhang napaka-natural. Ang pamamaraan ng pagguhit mula sa buhay gamit ang sanguine ay kilala mula pa noong Renaissance (Leonardo da Vinci, Raphael). Kadalasan, ang sanguine ay pinagsama sa uling o lapis ng Italyano. Upang matiyak ang higit na tibay, ang mga guhit ng sanguine ay naayos na may fixative o inilagay sa ilalim ng salamin.

Ang Sanguine ay kilala mula pa noong unang panahon. Noon ginawang posible ng sanguine na ipasok ang kulay ng laman sa pagguhit. Ang pamamaraan ng pagguhit ng sanguine ay laganap sa Renaissance. Ang mga artista ng Renaissance ay binuo at malawak na ginamit ang pamamaraan ng "tatlong lapis": inilapat nila ang isang guhit na may sanguine o sepia at uling sa tinted na papel, at pagkatapos ay i-highlight ang nais na mga lugar na may puting tisa.

Sanguine(mula sa Latin na "sanguineus" - "pula ng dugo") - ito ay mga lapis ng pula-kayumanggi na tono. Ang Sanguine ay ginawa mula sa pinong gadgad na sinunog na sienna at luad. Tulad ng mga pastel, uling at sarsa, ang sanguine ay isang malambot na materyal na hinuhubog sa mga parisukat o bilog na krayola habang gumagawa.

Sa tulong ng sanguine, ang mga tono ng katawan ng tao ay mahusay na naihatid, kaya ang mga larawang ginawa ng sanguine ay mukhang napaka-natural.

Ang pamamaraan ng sanguine ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng mga malawak na stroke at pagtatabing na may mga stroke ng matalim na mga bloke ng sanguine. Ang magagandang mga guhit ng sanguine ay nakuha sa isang tinted na background, lalo na kapag ang uling at tisa ay idinagdag sa pangunahing materyal ("tatlong lapis" na pamamaraan).

Para sa pagguhit, pumili ng isang sanguine ng gayong lilim na mas nababagay sa mga kakaibang katangian ng kalikasan. Halimbawa, mainam na magpinta ng hubad na katawan na may mapula-pula na sanguine, at isang tanawin - isang kulay-abo-kayumanggi o sepia sanguine.

Minsan ang sanguine ay pinagsama sa uling, na nagbibigay ng malamig na lilim. Ang kaibahan ng mainit at malamig na lilim ay nagbibigay ng isang espesyal na kagandahan sa naturang mga gawa.

Para sa higit na tibay, ang mga disenyo ng sanguine ay maaaring ma-secure ng isang fixative o ilagay sa ilalim ng salamin.

TEMPERA

Tempera(mula sa Latin na "temperare" - upang pagsamahin) - isang panali ng mga pintura, na binubuo ng isang natural o artipisyal na emulsyon. Bago ang pagpapabuti ng mga pintura ng langis ni J. Van Eyck (ika-15 siglo), ang medieval egg tempera ay isa sa pinakasikat at laganap na uri ng pagpipinta sa Europa, ngunit unti-unting nawala ang kahalagahan nito.

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, ang kabiguan na sumunod sa huling pagpipinta ng langis ay ang simula ng paghahanap para sa mga bagong panali para sa mga pintura, at ang nakalimutang tempera, na ang mga mahusay na napanatili na mga gawa ay nagsasalita nang mahusay para sa kanilang sarili, muling umaakit ng interes.

Sa kaibahan sa oil painting at sinaunang tempera, ang bagong tempera ay hindi nangangailangan ng isang tiyak na sistema ng pagpipinta mula sa pintor, na nagbibigay sa kanya sa paggalang na ito ng kumpletong kalayaan, na magagamit niya nang walang anumang pinsala sa lakas ng pagpipinta. Ang tempera, hindi tulad ng langis, ay mabilis na natutuyo. Ang mga pagpipinta ng tempera, na pinahiran ng barnis, ay hindi mas mababa sa kulay kaysa sa pagpipinta ng langis, at sa mga tuntunin ng kawalan ng pagbabago at tibay, ang mga pintura ng tempera ay higit na nakahihigit sa mga pintura ng langis.

Ang mga graphic na materyales at diskarte ay iba-iba, ngunit, bilang isang patakaran, ang batayan ay isang sheet ng papel. Malaki ang papel ng kulay at texture ng papel. Ang mga makukulay na materyales at diskarte ay tinutukoy ng uri ng mga graphic.