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Nach der Veröffentlichung in „Russian Waist“ hatte die Kritik, die „Woe from Wit“ bereits aus den Listen kannte, Gelegenheit, die Komödie auf den Seiten der Presse ausführlich zu diskutieren. Unter den zahlreichen Antworten ist die Rezension von A. S. Puschkin hervorzuheben. Puschkin hatte, wie er selbst zugibt, „sehr viel Spaß beim Lesen der Komödie“ und lobte vor allem die Genauigkeit der Sprache. Zugleich machte er einige grundsätzliche Bemerkungen zur Verletzung der Glaubwürdigkeit der Charaktere und zur mangelnden Motivation der komödiantischen Intrige. In einem Brief an P. A. Vyazemsky schrieb er: „... In der ganzen Komödie gibt es keinen Plan, keinen Hauptgedanken, keine Wahrheit.

Chatsky ist überhaupt kein kluger Mensch – aber Griboyedov ist sehr klug.“ In einem Brief an A. A. Bestuzhev milderte Puschkin seine Einschätzung etwas ab, blieb aber gegenüber Chatsky standhaft: „Wer ist in der Komödie „Woe from Wit“ der kluge Charakter? Antwort: Gribojedow.“ Puschkin verstand „Woe from Wit“ im Einklang mit der europäischen Komödie über den „klugen Kerl“. Er sah Gribojedow insofern als inkonsequent an, als Chatsky Reschetilows Dummheit bemerkte, und er selbst befand sich in der gleichen seltsamen und zweifelhaften Lage: Er predigte unter denen, die ihn nicht verstehen, und spricht, wenn ihm niemand zuhört. Warum ist er in diesem Fall schlauer als Famusov oder Reshetilov? Chatsky drückt kluge Gedanken aus. Woher hat er sie, wenn er nicht schlau ist? Gribojedow erzählte ihm davon. Folglich ist Chatsky ein Übermittler von Gribojedows Ideen, ein argumentierender Held, der dem Publikum den Standpunkt des Autors vermittelt 1. Als Helden-Denker erhält Chatsky die Möglichkeit, das Publikum direkt anzusprechen. Doch dann schwächt sich seine Verbindung zu den Charakteren, die er weder wahrnimmt noch hört, deutlich ab. Es stellt sich heraus, dass der Held, nachdem er diese Interaktion verloren hat, sich aus diesem Grund in komischen, lächerlichen Situationen befindet.

Natürlich verstand Puschkin gut, dass es nicht Gribojedows Absicht war, Chatsky zu diskreditieren, aber das geschah unfreiwillig, weil Gribojedow die Regeln der klassizistischen Dramaturgie nicht vollständig überwunden hatte. Der sogenannte Realismus von „Woe from Wit“ ist immer noch sehr konventionell, obwohl die Komödie einen entscheidenden Schritt in die realistische Richtung machte, insbesondere bei der Vermittlung der Moral und Charaktere der Gesellschaft in Sprache und Versen. Die Schwäche bei der Umsetzung des Plans bestand darin, dass der Autor in der Komödie präsent war, während er sich in einem wirklich realistischen Drama nicht offenbaren sollte. Die Idee des Autors muss aus der Interaktion der Charaktere entstehen.

1 Chatsky verbindet mit Gribojedow einige gemeinsame Gefühle: Der Autor von „Woe from Wit“ erlebte genau wie sein Held eine dramatische Zwietracht zwischen Tagträumen und Skeptizismus; Er sagte über sich selbst, dass er sich wie ein Verfolgter fühle, der von seinen Mitmenschen nicht verstanden werde, dass er davon träume, „wo man einen Winkel der Einsamkeit finden kann“. Gleichzeitig unternahm Gribojedow konkrete Versuche, Chatsky als eigenständige Person und nicht als Sprachrohr des Autors darzustellen und dem Helden Charakterzüge zu verleihen, die für seine Bekannten charakteristisch sind. Im Allgemeinen ist der Abstand zwischen Gribojedow und Chatski jedoch gering. Die Tagträumerei loszuwerden und sie zu überwinden, ist also nicht nur der spirituelle Weg von Chatsky, sondern auch des Schöpfers seines Bildes.

Literatur-Kritik
Goncharov Iwan Alexandrowitsch
„Eine Million Torments“ (Artikel von I. A. Goncharov)

Die Komödie „Woe from Wit“ sticht in der Literatur irgendwie heraus und unterscheidet sich durch ihre Jugendlichkeit, Frische und stärkere Vitalität von anderen Werken des Wortes. Sie ist wie ein hundertjähriger alter Mann, um den herum jeder, nachdem er seine Zeit ausgelebt hat, der Reihe nach stirbt und sich hinlegt und er kräftig und frisch zwischen den Gräbern alter Menschen und den Wiegen neuer Menschen wandelt. Und es kommt niemandem in den Sinn, dass er eines Tages an der Reihe sein wird.

Alle Prominenten ersten Ranges wurden natürlich nicht umsonst in den sogenannten „Tempel der Unsterblichkeit“ aufgenommen. Sie alle haben viel, und andere, wie zum Beispiel Puschkin, haben viel mehr Rechte auf Langlebigkeit als Gribojedow. Sie können nicht nahe beieinander platziert werden. Puschkin ist riesig, fruchtbar, stark, reich. Er ist für die russische Kunst das, was Lomonossow für die russische Aufklärung im Allgemeinen ist. Puschkin übernahm seine gesamte Ära, er selbst schuf eine andere, gründete Künstlerschulen – er nahm alles in dieser Ära für sich, außer dem, was Gribojedow annehmen konnte und worüber Puschkin nicht einverstanden war.

Trotz Puschkins Genie verblassen seine Haupthelden, wie auch die Helden seines Jahrhunderts, bereits und gehören der Vergangenheit an. Seine brillanten Kreationen dienen zwar weiterhin als Vorbilder und Kunstquellen, gehen aber selbst in die Geschichte ein. Wir haben Onegin, seine Zeit und sein Umfeld studiert, die Bedeutung dieses Typus abgewogen und bestimmt, aber wir finden im modernen Jahrhundert keine lebenden Spuren dieser Persönlichkeit mehr, obwohl die Schöpfung dieses Typus in der Literatur unauslöschlich bleiben wird. Selbst die späteren Helden des Jahrhunderts, zum Beispiel Petchorin von Lermontov, die wie Onegin ihre Zeit repräsentieren, versteinern jedoch in ihrer Unbeweglichkeit, wie Statuen auf Gräbern. Wir sprechen hier nicht von den mehr oder weniger klugen Typen, die später auftauchten und die es schafften, zu Lebzeiten der Autoren ins Grab zu gehen und dabei einige Rechte am literarischen Gedächtnis zu hinterlassen.

Sie nannten Fonvizins „Undergrown“ eine unsterbliche Komödie – und das zu Recht – ihre lebhafte, heiße Zeit dauerte etwa ein halbes Jahrhundert: das ist enorm für ein Werk der Worte. Aber jetzt gibt es in „The Minor“ keinen einzigen Hinweis auf das Leben, und die Komödie hat sich, nachdem sie ihren Zweck erfüllt hat, in ein historisches Denkmal verwandelt.

„Woe from Wit“ erschien vor Onegin, Pechorin, überlebte sie, überstand die Gogol-Zeit unbeschadet, lebte diese ein halbes Jahrhundert seit seinem Erscheinen und lebt immer noch sein unvergängliches Leben, wird noch viele weitere Epochen überleben und trotzdem nicht seine Vitalität verlieren .

Warum ist das so und was ist „Woe from Wit“ überhaupt?

Die Kritik verdrängte die Komödie nicht von dem Platz, den sie einst eingenommen hatte, als wüsste sie nicht, wo sie sie einordnen sollte. Die mündliche Beurteilung war der gedruckten voraus, ebenso wie das Stück selbst der Drucklegung um Längen voraus war. Aber die gebildeten Massen wussten es tatsächlich zu schätzen. Sie erkannte sofort seine Schönheit und fand keine Mängel, riss das Manuskript in Stücke, in Verse, Halbverse, verbreitete das ganze Salz und die Weisheit des Stücks in der Umgangssprache, als hätte sie eine Million in Zehn-Kopeken-Stücke verwandelt, und würzte das Gespräch mit Gribojedows Sprüchen so sehr, dass sie die Komödie buchstäblich bis zur Sättigung erschöpfte.

Aber auch diesen Test bestand das Stück – und es wurde nicht nur nicht vulgär, sondern schien den Lesern auch lieber zu werden und fand in jedem von ihnen einen Gönner, Kritiker und Freund, wie Krylovs Fabeln, die ihre literarische Kraft nicht verloren. vom Buch zur lebendigen Rede übergegangen.

Die gedruckte Kritik hat immer nur die Bühnenaufführung des Stücks mit mehr oder weniger Strenge behandelt, die Komödie selbst kaum berührt und sich in fragmentarischen, unvollständigen und widersprüchlichen Rezensionen geäußert. Es wurde ein für alle Mal entschieden, dass die Komödie ein vorbildliches Werk war, und damit schlossen alle Frieden.

Was sollte ein Schauspieler tun, wenn er über seine Rolle in diesem Stück nachdenkt? Sich allein auf das eigene Urteil zu verlassen, ist ein Mangel an Selbstwertgefühl, und nach vierzig Jahren ist es unmöglich, den Reden der öffentlichen Meinung zuzuhören, ohne sich in kleinlichen Analysen zu verlieren. Es bleibt übrig, aus dem unzähligen Chor der geäußerten und geäußerten Meinungen auf einige allgemeine Schlussfolgerungen einzugehen, die am häufigsten wiederholt werden, und darauf Ihren eigenen Bewertungsplan aufzubauen.

Manche legen in der Komödie Wert auf ein Bild der Moskauer Sitten einer bestimmten Epoche, die Schaffung lebender Typen und ihre geschickte Gruppierung. Das ganze Stück scheint ein Kreis von Gesichtern zu sein, die dem Leser bekannt sind und darüber hinaus so eindeutig und geschlossen wie ein Kartenspiel. Die Gesichter von Famusov, Molchalin, Skalozub und anderen waren so fest ins Gedächtnis eingebrannt wie Könige, Buben und Damen im Kartenspiel, und jeder hatte eine mehr oder weniger einheitliche Vorstellung von allen Gesichtern, bis auf eines – Chatsky. Sie sind also alle korrekt und streng gezeichnet und daher jedem bekannt geworden. Nur über Chatsky sind viele ratlos: Was ist er? Es ist, als wäre er die dreiundfünfzigste mysteriöse Karte im Deck. Wenn es im Verständnis anderer Menschen kaum Meinungsverschiedenheiten gab, dann sind die Differenzen bei Chatsky im Gegenteil noch nicht vorbei und werden vielleicht noch lange nicht enden.

Andere, die dem Bild der Moral, der Treue der Typen gerecht werden, legen Wert auf das eher epigrammatische Salz der Sprache, die lebendige Satire – die Moral, mit der das Stück noch immer wie eine unerschöpfliche Quelle jeden in jedem alltäglichen Schritt des Lebens versorgt.

Doch über die „Komödie“ selbst, die Handlung, gehen beide Kenner fast schweigend hinweg, viele leugnen sogar die konventionelle Bühnenbewegung.

Trotzdem gehen beide Juroren jedes Mal, wenn das Personal in den Rollen wechselt, ins Theater und es entsteht wieder ein lebhaftes Gespräch über die Aufführung dieser oder jener Rolle und über die Rollen selbst, wie in einem neuen Stück.

All diese verschiedenen Eindrücke und die darauf basierende Sichtweise jedes Einzelnen dienen als beste Definition des Stücks, das heißt, dass die Komödie „Woe from Wit“ ein Bild der Moral und eine Galerie lebender Typen und ein ewiges ist. scharfe, beißende Satire und gleichzeitig Komödie und – sagen wir mal – vor allem Komödie, die in anderen Literaturen kaum zu finden ist, wenn wir die Gesamtheit aller anderen genannten Bedingungen akzeptieren. Als Gemälde ist es zweifellos riesig. Ihre Leinwand fängt einen langen Abschnitt des russischen Lebens ein – von Katharina bis Kaiser Nikolaus. Die Gruppe von zwanzig Gesichtern spiegelte wie ein Lichtstrahl in einem Wassertropfen das gesamte ehemalige Moskau, seine Gestaltung, seinen damaligen Geist, seinen historischen Moment und seine Moral wider. Und das mit einer solchen künstlerischen, objektiven Vollständigkeit und Sicherheit, dass es in unserem Land nur Puschkin und Gogol gab.

In einem Bild, in dem es keinen einzigen blassen Fleck, keinen einzigen fremden Strich oder Ton gibt, fühlt sich der Betrachter und Leser auch jetzt, in unserer Zeit, unter lebenden Menschen. Sowohl das Allgemeine als auch die Details – all dies ist nicht komponiert, sondern vollständig aus Moskauer Wohnzimmern übernommen und ins Buch und auf die Bühne übertragen, mit aller Wärme und mit dem ganzen „besonderen Eindruck“ Moskaus – von Famusov bis ins Kleinste Berührungen, an Fürst Tugoukhovsky und an den Lakaien Petersilie, ohne die das Bild nicht vollständig wäre.

Allerdings handelt es sich für uns noch nicht um ein vollständig abgeschlossenes Geschichtsbild: Wir haben uns nicht so weit von der Epoche entfernt, dass zwischen ihr und unserer Zeit ein unüberwindbarer Abgrund liegen würde. Die Färbung wurde überhaupt nicht geglättet; Das Jahrhundert hat sich nicht wie ein abgeschnittenes Stück von unserem getrennt: Wir haben etwas von dort geerbt, obwohl sich die Famusovs, Molchalins, Zagoretskys usw. so verändert haben, dass sie nicht mehr in die Haut von Griboyedovs Typen passen. Die harten Gesichtszüge sind natürlich überholt: Kein Famusov wird Maxim Petrowitsch jetzt einladen, ein Narr zu werden und ein Beispiel zu geben, zumindest so positiv und deutlich, dass Molchalin, selbst vor der Magd, jetzt heimlich die Gebote seines Vaters bekennt ihm vermacht; Ein solcher Skalozub, ein solcher Zagoretsky sind selbst in einem fernen Outback unmöglich. Aber solange es einen Wunsch nach Ehre abgesehen von Verdiensten gibt, solange es Herren und Jäger gibt, die zufrieden sind und „Belohnungen annehmen und glücklich leben“, solange werden Klatsch, Müßiggang und Leere nicht als Laster, sondern als solche vorherrschen Elemente des gesellschaftlichen Lebens – solange natürlich die Merkmale der Famusovs, Molchalins und anderer in der modernen Gesellschaft aufblitzen, besteht keine Notwendigkeit, dass dieser „besondere Abdruck“, auf den Famusov stolz war, aus Moskau selbst gelöscht wird.

Natürlich bleiben universelle menschliche Modelle immer bestehen, auch wenn sie aufgrund vorübergehender Veränderungen auch zu unkenntlich gewordenen Typen werden, so dass Künstler manchmal nach längerer Zeit die Grundzüge der Moral und der menschlichen Natur im Allgemeinen an deren Stelle aktualisieren müssen die einst in Bildern erschienen und ihnen im Geiste ihrer Zeit neues Fleisch und Blut verliehen. Tartuffe ist natürlich ein ewiger Typ, Falstaff ist ein ewiger Charakter, aber beide und viele noch berühmte ähnliche Prototypen von Leidenschaften, Lastern usw. verschwanden im Nebel der Antike, verloren fast ihr lebendiges Bild und verwandelten sich in eine Idee, in ein Konventionelles, ein Konzept, das zum gebräuchlichen Namen für Laster geworden ist und uns nicht mehr als lebendige Lektion, sondern als Porträt einer historischen Galerie dient.

Dies ist insbesondere auf Gribojedows Komödie zurückzuführen. Darin ist das lokale Kolorit zu grell und die Bezeichnung der Charaktere selbst so streng abgegrenzt und mit einer solchen Detailrealität versehen, dass allgemeine menschliche Züge unter gesellschaftlichen Stellungen, Rängen, Kostümen usw. kaum hervortreten können.

Als Bild moderner Moral war die Komödie „Woe from Wit“ bereits teilweise ein Anachronismus, als sie in den 30er Jahren auf der Moskauer Bühne erschien. Bereits Shchepkin, Mochalov, Lvova-Sinetskaya, Lensky, Orlov und Saburov spielten nicht nach dem Leben, sondern nach einer neuen Legende. Und dann begannen die scharfen Schläge zu verschwinden. Chatsky selbst wettert gegen das „vergangene Jahrhundert“, als die Komödie geschrieben wurde, und zwar zwischen 1815 und 1820.

Wie man vergleicht und sieht (sagt er)
Das gegenwärtige Jahrhundert und das vergangene Jahrhundert,
Die Legende ist frisch, aber kaum zu glauben -

Und über seine Zeit äußert er sich so:

Jetzt kann jeder freier atmen –

Ich habe dein Alter beschimpft
Gnadenlos, -

Er sagt zu Famusov.

Von dem Lokalkolorit ist daher nur noch wenig übrig geblieben: Rangleidenschaft, Speichelleckerei, Leere. Aber mit einigen Reformen können sich die Reihen entfernen, Speichelleckerei im Ausmaß von Molchalinskys Lakaien versteckt sich bereits in der Dunkelheit, und die Poesie der Früchte ist einer strengen und rationalen Richtung in militärischen Angelegenheiten gewichen.

Aber es gibt immer noch einige lebendige Spuren, und sie verhindern immer noch, dass sich das Gemälde in ein vollendetes historisches Flachrelief verwandelt. Diese Zukunft liegt noch weit vor ihr.

Salz, ein Epigramm, eine Satire, dieser umgangssprachliche Vers scheint niemals zu sterben, genau wie der darin verstreute scharfe und ätzende, lebendige russische Geist, den Gribojedow wie eine Art Geisterzauberer in seinem Schloss einsperrte, und er streut dort Böses mit Fell. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass jemals eine andere, natürlichere, einfachere, mehr dem Leben entnommene Sprache erscheinen könnte. Prosa und Vers verschmolzen hier zu etwas Untrennbarem, so scheint es, damit es einfacher wäre, sie im Gedächtnis zu behalten und all die Intelligenz, den Humor, die Witze und den Zorn des russischen Geistes und der russischen Sprache, die der Autor gesammelt hat, wieder in Umlauf zu bringen. Diese Sprache wurde dem Autor auf die gleiche Weise gegeben wie einer Gruppe dieser Individuen, wie die Hauptbedeutung der Komödie gegeben wurde, wie alles zusammengegeben wurde, als ob es auf einmal ausströmte, und alles eine außergewöhnliche Komödie bildete - sowohl im engeren Sinne, wie ein Bühnenstück, als auch im weiteren Sinne, wie ein Komödienleben. Es hätte nichts anderes als eine Komödie sein können.

Lassen wir zunächst die beiden Hauptaspekte des Stücks hinter uns, die so klar für sich sprechen und daher die meisten Bewunderer haben – nämlich das Zeitbild mit einer Gruppe lebender Porträts und das Salz der Sprache Wenden wir uns der Komödie als Bühnenstück zu, dann der Komödie im Allgemeinen, ihrer allgemeinen Bedeutung, ihrem Hauptgrund in sozialer und literarischer Bedeutung, und schließlich sprechen wir über ihre Aufführung auf der Bühne.

Wir sind seit langem daran gewöhnt zu sagen, dass es in einem Theaterstück keine Bewegung, also keine Handlung gibt. Wieso gibt es keine Bewegung? Es gibt – lebendig, kontinuierlich, von Chatskys erstem Auftritt auf der Bühne bis zu seinem letzten Wort: „Kutsche für mich, Kutsche!“

Dies ist eine subtile, intelligente, elegante und leidenschaftliche Komödie im engeren, technischen Sinne, die in kleinen psychologischen Details wahr ist, für den Zuschauer jedoch schwer fassbar ist, weil sie durch die typischen Gesichter der Helden, die raffinierte Zeichnung und die Farbe der Figuren verdeckt wird Ort, die Epoche, der Charme der Sprache, all die poetischen Kräfte, die in dem Stück so reichlich zum Ausdruck kommen. Die Handlung, also die eigentliche Intrige darin, erscheint vor diesen kapitalen Aspekten blass, überflüssig, fast unnötig.

Erst beim Herumfahren im Eingangsbereich scheint der Zuschauer von der unerwarteten Katastrophe, die zwischen den Hauptfiguren ausgebrochen ist, zu erwachen und sich plötzlich an die komödiantische Intrige zu erinnern. Aber auch dann nicht mehr lange. Die enorme, wahre Bedeutung der Komödie wächst bereits vor ihm.

Die Hauptrolle spielt natürlich die Rolle von Chatsky, ohne die es keine Komödie gäbe, aber vielleicht ein Bild der Moral.

Gribojedow selbst führte Chatskys Kummer auf seinen Verstand zurück, aber Puschkin bestritt ihm jeglichen Verstand.

Man könnte meinen, dass Gribojedow ihm aus väterlicher Liebe zu seinem Helden im Titel schmeichelte, als wollte er den Leser warnen, dass sein Held klug ist und alle anderen um ihn herum nicht klug sind.

Sowohl Onegin als auch Petschorin erwiesen sich als handlungsunfähig und unfähig, eine aktive Rolle zu übernehmen, obwohl beide vage begriffen, dass alles um sie herum verfallen war. Sie waren sogar „verlegen“, trugen „Unzufriedenheit“ in sich und wanderten wie Schatten „mit melancholischer Faulheit“ umher. Aber da sie die Leere des Lebens und die müßige Herrschaft verachteten, gaben sie ihm nach und dachten nicht daran, dagegen anzukämpfen oder ganz zu fliehen. Unzufriedenheit und Bitterkeit hinderten Onegin nicht daran, ein Dandy zu sein, sowohl im Theater als auch auf einem Ball und in einem schicken Restaurant zu „glänzen“, mit Mädchen zu flirten und sie ernsthaft in der Ehe zu umwerben, und Petchorin daran, mit interessanter Langeweile und Untergang zu glänzen seine Faulheit und Bitterkeit zwischen Prinzessin Mary und Beloy und geben Sie dann vor dem dummen Maxim Maksimovich vor, ihnen gegenüber gleichgültig zu sein: Diese Gleichgültigkeit galt als die Quintessenz des Don Juanismus. Beide schmachteten, erstickten in ihrer Umgebung und wussten nicht, was sie wollen sollten. Onegin versuchte zu lesen, gähnte aber und gab auf, weil er und Petschorin nur die Wissenschaft der „zärtlichen Leidenschaft“ kannten und für alles andere „etwas und irgendwie“ lernten – und sie hatten nichts zu tun.

Im Gegenteil, Chatsky bereitete sich offenbar ernsthaft auf seine Aktivitäten vor. „Er schreibt und übersetzt wunderbar“, sagt Famusov über ihn, und alle sprechen von seiner hohen Intelligenz. Er reiste natürlich aus gutem Grund, studierte, las, machte sich offenbar an die Arbeit, pflegte Beziehungen zu Ministern und trennte sich – der Grund dafür ist nicht schwer zu erraten:

Ich würde gerne dienen, aber bedient zu werden ist widerlich! -

Er deutet sich selbst an. Von „sehnsüchtiger Faulheit, müßiger Langeweile“ und noch weniger von „zärtlicher Leidenschaft“ als Wissenschaft und Beschäftigung ist keine Rede. Er liebt es ernsthaft und sieht Sophia als seine zukünftige Frau.

In der Zwischenzeit musste Chatsky den bitteren Kelch bis auf den Grund austrinken, da er bei niemandem „lebendiges Mitgefühl“ fand, und ging und nahm nur „eine Million Qualen“ mit sich.

Weder Onegin noch Petchorin hätten im Allgemeinen so dumm gehandelt, insbesondere in Bezug auf Liebe und Heiratsvermittlung. Aber sie sind bereits blass geworden und haben sich für uns in Steinstatuen verwandelt, und Chatsky bleibt und wird für seine „Dummheit“ immer am Leben bleiben.

Der Leser erinnert sich natürlich an alles, was Chatsky getan hat. Lassen Sie uns den Verlauf des Stücks ein wenig nachzeichnen und versuchen, daraus das dramatische Interesse der Komödie hervorzuheben, die Bewegung, die sich durch das gesamte Stück zieht, wie ein unsichtbarer, aber lebendiger Faden, der alle Teile und Gesichter der Komödie miteinander verbindet. Chatsky rennt direkt aus der Kutsche zu Sophia, ohne bei ihm anzuhalten, küsst ihr herzlich die Hand, schaut ihr in die Augen, freut sich über das Date, hofft, eine Antwort auf sein altes Gefühl zu finden – und findet sie nicht. Ihm fielen zwei Veränderungen auf: Sie wurde ungewöhnlich hübscher und kühlte sich ihm gegenüber ab – ebenfalls ungewöhnlich.

Das verwirrte ihn, verärgerte ihn und irritierte ihn ein wenig. Vergeblich versucht er, das Salz des Humors in sein Gespräch zu streuen, teils spielt er mit seiner Stärke, die Sophia früher natürlich gefiel, als sie ihn liebte, teils unter dem Einfluss von Ärger und Enttäuschung. Jeder versteht es, er hat jeden durchgemacht – von Sophias Vater bis Molchalin – und mit welch treffenden Zügen zeichnet er Moskau, und wie viele dieser Gedichte sind in lebendige Sprache übergegangen! Doch alles ist umsonst: zarte Erinnerungen, Witze – nichts hilft. Er erträgt nichts als Kälte von ihr, bis er, als er Molchalin ätzend berührt, auch einen Nerv in ihr berührt. Sie fragt ihn bereits mit versteckter Wut, ob er nicht zufällig „gute Dinge über jemanden gesagt hat“, und verschwindet am Eingang ihres Vaters, indem sie Chatsky fast mit dem Kopf an diesen verrät, das heißt, ihn zum Helden des erzählten Traums erklärt schon einmal sein Vater.

Von diesem Moment an kam es zu einem heißen Duell zwischen ihr und Chatsky, der lebhaftesten Handlung, einer Komödie im engeren Sinne, an der zwei Personen eine enge Rolle spielten – Molchalin und Lisa.

Jeder Schritt, fast jedes Wort im Stück ist eng mit dem Spiel seiner Gefühle für Sophia verbunden, irritiert durch eine Art Lüge in ihren Handlungen, die er bis zum Schluss nur schwer enträtseln kann. Sein ganzer Geist und seine ganze Kraft stecken in diesem Kampf: Er diente als Motiv, als Grund zur Verärgerung für die „Millionen von Qualen“, unter deren Einfluss er nur die ihm von Gribojedow angedeutete Rolle spielen konnte, eine Rolle von viel größerer, höherer Bedeutung als die erfolglose Liebe, kurz gesagt, die Rolle, für die die ganze Komödie geboren wurde.

Chatsky bemerkt Famusov kaum, beantwortet kalt und geistesabwesend seine Frage: Wo warst du? - „Interessiert es mich jetzt?“ - sagt er und verspricht, wiederzukommen, geht und sagt zu dem, was ihn beschäftigt:

Wie Sofja Pawlowna für Sie hübscher geworden ist!

Bei seinem zweiten Besuch beginnt er das Gespräch erneut über Sofja Pawlowna: „Ist sie nicht krank? War sie traurig? - und er ist so überwältigt von dem Gefühl, das von ihrer blühenden Schönheit und ihrer Kälte ihm gegenüber geschürt wird, dass er, als sein Vater ihn fragt, ob er sie heiraten will, geistesabwesend fragt: „Was brauchst du!“ Und dann fügt er gleichgültig, nur aus Anstand, hinzu:

Lass mich dich umwerben, was würdest du mir sagen?

Und während er der Antwort kaum zuhört, äußert er sich träge zum Ratschlag „dienen“:

Ich würde gerne dienen, aber bedient zu werden ist widerlich!

Er kam nach Moskau und nach Famusov, offensichtlich für Sophia und nur für Sophia. Die anderen sind ihm egal: Er ärgert sich immer noch darüber, dass er statt ihr nur Famusov gefunden hat. „Wie konnte sie nicht hier sein?“ - fragt er sich und erinnert sich an seine frühere Jugendliebe, die in ihm „weder Distanz, noch Unterhaltung, noch Ortswechsel abkühlte“ – und wird von ihrer Kälte gequält.

Er ist gelangweilt und unterhält sich mit Famusov, und erst Famusovs positive Herausforderung eines Streits bringt Chatsky aus seiner Konzentration:

Das ist alles, Sie sind alle stolz;

Famusov spricht und zeichnet dann ein so grobes und hässliches Bild der Unterwürfigkeit, dass Chatsky es nicht ertragen konnte und seinerseits eine Parallele zwischen dem „vergangenen“ Jahrhundert und dem „gegenwärtigen“ Jahrhundert zog.

Doch seine Verärgerung hält sich noch in Grenzen: Er scheint sich zu schämen, dass er beschlossen hat, Famusov von seinen Konzepten abzuschneiden; er beeilt sich, einzufügen, dass „er nicht über seinen Onkel spricht“, den Famusov als Beispiel anführte, und fordert diesen sogar auf, sein Alter zu beschimpfen. Schließlich versucht er auf jede erdenkliche Weise, das Gespräch zu vertuschen, da er sieht, wie Famusov gedeckt hat seine Ohren, beruhigt ihn, entschuldigt sich fast.

Es ist nicht mein Wunsch, Argumente in die Länge zu ziehen, -

Er sagt. Er ist bereit, wieder in sich selbst einzutreten. Doch er wird durch Famusovs unerwarteten Hinweis auf das Gerücht über Skalozubs Heiratsvermittlung geweckt:

Es ist, als würde er Sofjuschka heiraten... usw.

Chatsky spitzte die Ohren.

Wie viel Aufhebens er macht, was für eine Beweglichkeit!
„Und Sophia? Gibt es hier wirklich eine Art Bräutigam?“ -

Er sagt und fügt dann hinzu:

Ah - sag der Liebe das Ende,

Wer wird für drei Jahre weggehen! -

Aber er selbst glaubt immer noch nicht daran und folgt dem Beispiel aller Liebenden, bis sich dieses Liebesaxiom bis zum Ende auf ihn auswirkt.

Famusov bestätigt seinen Hinweis auf Skalozubs Heirat, drängt diesem den Gedanken an „die Frau des Generals“ auf und lädt ihn fast offensichtlich zu einer Partnervermittlung ein.

Diese Hinweise auf die Ehe weckten bei Chatsky Zweifel an den Gründen für Sophias Veränderung ihm gegenüber. Er stimmte sogar Famusovs Bitte zu, „falsche Ideen“ aufzugeben und vor dem Gast zu schweigen. Aber es machte sich bereits Ärger breit, und er mischte sich zunächst beiläufig in das Gespräch ein, und dann, verärgert über Famusovs unbeholfenes Lob seiner Intelligenz usw., erhöhte er seinen Ton und beschloss mit einem scharfen Monolog: „Wer sind die Richter?“ ?“ usw. Hier beginnt ein weiterer Kampf, ein wichtiger und ernster, ein ganzer Kampf. Hier erklingt in wenigen Worten das Hauptmotiv, wie in der Ouvertüre von Opern, und weist auf den wahren Sinn und Zweck der Komödie hin. Sowohl Famusov als auch Chatsky warfen sich gegenseitig den Fehdehandschuh hin:

Wenn wir nur sehen könnten, was unsere Väter getan haben
Sie sollten lernen, indem Sie auf Ihre Ältesten schauen! -

Der militärische Schrei von Famusov war zu hören. Wer sind diese Ältesten und „Richter“?

Für die Altersschwäche der Jahre
Ihre Feindschaft gegenüber einem freien Leben ist unversöhnlich, -

Chatsky antwortet und führt aus -

Die gemeinsten Merkmale des vergangenen Lebens.

Es bildeten sich zwei Lager, einerseits ein ganzes Lager der Famusovs und aller Brüder der „Väter und Ältesten“, andererseits ein leidenschaftlicher und tapferer Kämpfer, „der Feind der Suche“. Dies ist ein Kampf um Leben und Tod, ein Kampf ums Dasein, wie die neuesten Naturforscher die natürliche Generationenfolge in der Tierwelt definieren. Famusov will ein „Ass“ sein: „Silber und Gold essen, in einem Zug fahren, mit Orden bedeckt sein, reich sein und Kinder reich sehen, in Rängen, in Orden und mit einem Schlüssel“ – und so weiter endlos und so weiter Dies nur deshalb, weil er Papiere unterschreibt, ohne sie zu lesen, und vor einer Sache Angst hat – „damit sich nicht viele davon ansammeln.“

Chatsky strebt nach einem „freien Leben“, „um Wissenschaft und Kunst zu betreiben“ und fordert „Dienst an der Sache, nicht an Einzelpersonen“ usw. Auf wessen Seite steht der Sieg? Die Komödie bereitet Chatsky nur „eine Million Qualen“ und lässt Famusov und seine Brüder offenbar in der gleichen Lage wie zuvor, ohne etwas über die Folgen des Kampfes zu sagen.

Diese Konsequenzen kennen wir mittlerweile. Sie erschienen mit dem Aufkommen der Komödie, noch im Manuskript, im Licht – und wie eine Epidemie erfassten sie ganz Russland!

In der Zwischenzeit nimmt die Intrige der Liebe ihren Lauf, korrekt, mit subtiler psychologischer Treue, die dem Autor in jedem anderen Stück ohne andere kolossale Gribojedow-Schönheiten einen Namen machen könnte.

Sophias Ohnmacht, als Molchalin vom Pferd fiel, ihr so ​​nachlässig ausgedrücktes Mitgefühl für ihn, Chatskys neue Sarkasmen über Molchalin – all das erschwerte die Handlung und bildete den Hauptpunkt, der in den Gedichten Handlung genannt wurde. Hier konzentrierte sich das dramatische Interesse. Chatsky hätte fast die Wahrheit erraten:

Verwirrung, Ohnmacht, Eile, Wut! verängstigt!
(anlässlich des Sturzes Molchalins vom Pferd)
Das alles kann man spüren
Wenn du deinen einzigen Freund verlierst,

Sagt er und geht voller Aufregung, voller Misstrauen gegenüber den beiden Rivalen.

Im dritten Akt begibt er sich vor allen anderen zum Ball mit dem Ziel, Sophia „zu einem Geständnis zu zwingen“ – und geht mit zitternder Ungeduld direkt zur Sache mit der Frage: „Wen liebt sie?“

Nach einer ausweichenden Antwort gibt sie zu, dass sie seine „Anderen“ bevorzuge. Es scheint klar. Er sieht das selbst und sagt sogar:

Und was will ich, wenn alles entschieden ist?
Für mich ist es eine Schlinge, aber für sie ist es lustig!

Allerdings steigt er, wie alle Liebenden, trotz seiner „Intelligenz“ ein und wird angesichts ihrer Gleichgültigkeit bereits schwächer. Er wirft eine Waffe, die gegen einen glücklichen Gegner nutzlos ist – einen direkten Angriff auf ihn – und lässt sich herab, so zu tun:

Einmal in meinem Leben werde ich so tun, als ob –

Er beschließt – um „das Rätsel zu lösen“, aber eigentlich, um Sophia festzuhalten, als sie mit einem neuen Pfeil, der auf Molchalin abgefeuert wurde, davonstürmte. Das ist kein Vorwand, sondern ein Zugeständnis, mit dem er um etwas betteln will, um das man nicht erbetteln kann – Liebe, wenn es keine gibt. In seiner Rede sind bereits ein flehender Ton, sanfte Vorwürfe, Beschwerden zu hören:

Aber hat er diese Leidenschaft, dieses Gefühl, diese Begeisterung ...
Damit er außer dir die ganze Welt hat
Kam es Ihnen wie Staub und Eitelkeit vor?
Damit jeder Herzschlag
Die Liebe beschleunigte sich auf dich zu... -

Er sagt und schließlich:

Damit ich gleichgültiger mit dem Verlust umgehen kann,
Als Mensch – Du, der mit Dir aufgewachsen ist –
Als dein Freund, als dein Bruder,
Lass mich sicherstellen...

Das sind schon Tränen. Er berührt ernste Saiten des Gefühls:

Ich kann mich vor Wahnsinn hüten
Ich werde weitergehen, um mich zu erkälten, mich zu erkälten ... -

Er kommt zu dem Schluss. Dann blieb mir nur noch, auf die Knie zu fallen und zu schluchzen. Die Überreste seines Geistes bewahren ihn vor nutzloser Demütigung.

Eine solch meisterhafte Szene, ausgedrückt in solchen Versen, wird in kaum einem anderen dramatischen Werk dargestellt. Es ist unmöglich, das Gefühl edler und nüchterner auszudrücken, wie es von Chatsky ausgedrückt wurde, es ist unmöglich, es subtiler und anmutiger auszudrücken

A. A. Bestuzhev verteidigte Gribojedow und lobte seine Komödie in „Der Polarstern“, O. M. Somov in „Sohn des Vaterlandes“, V. F. Odoevsky und N. A. Polevoy in „Moscow Telegraph“. Die Dekabristen und alle, die damals zur Verteidigung von „Woe from Wit“ schrieben, bewiesen die Originalität der Komödie und ihre Übereinstimmung mit der russischen Realität. A. A. Bestuzhev bezeichnete Gribojedows Komödie in dem Artikel „Ein Blick auf die russische Literatur im Jahr 1824 und Anfang 1825“ als ein „Phänomen“, das es seit der Zeit von Fonvizins „Der Kleine“ nicht mehr gegeben habe. Er findet sein Verdienst in Gribojedows Verstand und Witz, in der Tatsache, dass „der Autor den Regeln nicht gefällt“, er zeichnet kühn und scharf eine Schar von Charakteren, ein lebendiges Bild der Moskauer Moral, und nutzt dabei die „beispiellose Geläufigkeit“ von „ umgangssprachliches Russisch in Versen.“ Bestuschew prophezeite, dass „die Zukunft diese Komödie zu schätzen wissen und sie zu den ersten Volksschöpfungen zählen wird“.

Die Kritik der Dekabristen betonte den Zusammenstoß im Spiel zweier gegensätzlicher gesellschaftlicher Kräfte. Die Gegner versuchten ihr Bestes, dies zu verbergen. Die Freunde des Schriftstellers mussten die Spezifität der Handlung von „Woe from Wit“ und ihre meisterhafte Konstruktion beweisen.

Anscheinend hatte Puschkin noch eine andere Überlegung. Die Komödie ging der Frage nach dem Schicksal zahlreicher „guter Kerle“, die vom säkularen Umfeld abwichen, aus dem Weg, widersetzte sich ihr aber nicht wie Chatsky. Sie sehen die Vulgarität des Lebens um sie herum, aber sie selbst zollen den Vorurteilen der Welt Tribut. Puschkin war damit beschäftigt, diesen umstrittenen Typus junger Menschen der 20er Jahre in Eugen Onegin darzustellen. Und auch nach dem 14. Dezember 1825 blieben sie, nachdem sie die Prüfungen der Zeit überstanden hatten, weiterhin zu den Besten. Später wurden sie zu Petchorin, Beltov, Rudin. Es liegt historische Wahrheit im Bild des Enthusiasten Chatsky, Wahrheit im scharfen Bild der Moral in „Woe from Wit“. Aber sowohl im Doppelbild Onegins als auch in den abgemilderten Bildern von Puschkins Roman steckt historische Wahrheit. Dies entsprach genau den Widersprüchen der edlen Helden, die weit vom Volk entfernt waren und nicht in der Lage waren, mit den Interessen und Vorurteilen ihrer Klasse zu brechen. Gribojedow zeigte die aktive, wirksame Seite der sozialen Bewegung, Puschkin – ihre skeptische, widersprüchliche Seite. Gribojedow zeigte, wie die Adligen gegen die Ungerechtigkeit rebellieren, Puschkin – wie sie kämpfen und Frieden damit schließen. Gribojedow zeigte den Kampf des Helden mit der Gesellschaft, Puschkin – den Kampf in der Seele des Helden, der die Widersprüche der Gesellschaft in sich trägt. Aber beide Wahrheiten sind wichtig und real. Und beide großen realistischen Künstler spiegelten die fortschrittliche Bewegung in all ihrem Heldentum und ihrer historischen Widersprüchlichkeit wider.

Die Zukunft wird dies würdig zu schätzen wissen

Komödie und platzierte sie unter den ersten

Volkskreationen.

A. Bestuschew

Komödie „Woe from Wit“

und ein Bild der Moral und eine Galerie der Lebenden

Typen und immer scharfe, brennende Satire,

und gleichzeitig eine Komödie...

I. A. Goncharov

Fast ein halbes Jahrhundert nachdem A. S. Griboyedov seine große Komödie „Woe from Wit“ schuf, kehrte 1872 der talentierteste russische Schriftsteller, Autor der berühmten Romane „Eine gewöhnliche Geschichte“, „Oblomov“ und „Cliff“, aus dem Stück zurück. Woe from Wit“ schrieb Notizen zu dieser Komödie, aus denen dann der Artikel „A Million Torments“ entstand – das beste Werk der kritischen Literatur über Gribojedows Meisterwerk.

Goncharov beginnt den Artikel mit einer sehr kühnen Aussage, dass „Woe from Wit“ im Gegensatz zu den größten literarischen Werken (er nennt Puschkins „Eugen Onegin“ und Lermontovs „Held unserer Zeit“) niemals altern und nicht einfach nur ein literarisches Werk werden wird Denkmal, wenn auch ein brillantes: „„Woe from Wit“ erschien vor Onegin, Petschorin, überlebte sie, überstand die Gogol-Zeit unbeschadet, lebte diese ein halbes Jahrhundert seit seiner Entstehung und alles lebt sein unvergängliches Leben, wird viele überleben mehr Epochen und alles wird seine Vitalität nicht verlieren.“

Warum? Goncharov beantwortet diese Frage ausführlich und beweist, dass die unvergängliche Jugend der Komödie durch ihre Treue zur Wahrheit des Lebens erklärt wird: ein wahrheitsgetreues Bild der Moral des Moskauer Adels nach dem Krieg von 1812, die Vitalität und psychologische Wahrheit der Charaktere, die Entdeckung von Chatsky als einem neuen Helden der Ära (vor Gris-Boedov gab es in der Literatur keine derartigen Charaktere), in der innovativen Sprache der Komödie. Er betont die Typizität der von Gribojedow geschaffenen Bilder des russischen Lebens und seiner Helden, das Ausmaß der Handlung, obwohl sie nur einen Tag dauert. Die Komödienleinwand fängt einen langen historischen Zeitraum ein – von Katharina II. bis Nikolaus I., und der Betrachter und Leser hat auch ein halbes Jahrhundert später das Gefühl, unter lebenden Menschen zu sein, so wahrhaftig sind die von Gribojedow geschaffenen Charaktere. Ja, in dieser Zeit haben sich die Famusovs, die Molchalins, die Skalozubs, die Zagoretskys verändert: Jetzt wird kein Famusov Maxim Petrowitsch als Vorbild geben, kein Molchalin wird zugeben, welche Gebote seines Vaters er gehorsam erfüllt usw. Aber vorerst da wird der Wunsch bestehen, unverdiente Ehrungen zu erhalten, „Auszeichnungen entgegenzunehmen und glücklich zu leben“, solange es Menschen gibt, für die es selbstverständlich erscheint, „es nicht zu wagen, eine eigene Meinung zu haben“, während Klatsch, Müßiggang, Leere vorherrschen und Dies wird von der Gesellschaft nicht verurteilt, Gribojedows Helden werden nicht altern, nicht der Vergangenheit angehören.

„Chatsky ist vor allem ein Aufdecker von Lügen und allem, was überholt ist, was neues Leben übertönt.“ Im Gegensatz zu Onegin und Petschorin weiß er, was er will und gibt nicht auf. Er erleidet eine vorübergehende – aber nur vorübergehende – Niederlage. „Chatsky ist von der Menge an alter Macht gebrochen, nachdem er ihr wiederum mit der Qualität neuer Macht einen tödlichen Schlag versetzt hat. Er ist der ewige Ankläger der Lügen, die im Sprichwort verborgen sind: „Allein auf dem Feld ist kein Krieger.“ Nein, ein Krieger, wenn er Chatsky ist, und zwar ein Sieger, aber ein fortgeschrittener Krieger, ein Scharmützler und immer ein Opfer.“

Darüber hinaus zieht Goncharov die wichtigste Schlussfolgerung über Chatskys Typizität: „Chatsky ist bei jedem Wandel von einem Jahrhundert zum anderen unvermeidlich.“ Und wenn Sie den Artikel lesen, verstehen Sie: Chatsky mag zu verschiedenen Zeiten anders aussehen, anders sprechen, aber sein unkontrollierbarer Impuls, sein leidenschaftlicher Wunsch nach Wahrheit, Ehrlichkeit und Selbstlosigkeit machen ihn zu einem Zeitgenossen und Verbündeten des fortgeschrittenen Teils aller Generationen. Material von der Website

Der Autor erklärt ausführlich die Charaktere und die Psychologie der anderen Helden der Komödie: Famusov, Sophia, Molchalin, und seine Argumente sind sehr überzeugend. Goncharov, ein Kenner menschlicher Charaktere, schätzt das Talent des Psychologen Gribojedow sehr hoch ein. Das brillante Talent Gribojedows als Dramatiker zeigte sich laut Goncharov in der Art und Weise, wie er es schaffte, die wichtigsten gesellschaftlichen Themen seiner Zeit in dem Werk anzusprechen, die Komödie nicht „auszutrocknen“ und nicht schwerfällig zu machen. Die Satire in „Woe from Wit“ wird sehr natürlich wahrgenommen, ohne weder komische noch tragische Motive zu übertönen. Alles ist wie im Leben: Die Famusovs, die Silencers und die Skalozubs sind lustig, aber auch gruselig; die kluge Sophia selbst begann zu klatschen und erklärte Chatsky für verrückt; der einst würdige Mann Platon Michailowitsch ist vulgär geworden; Repetilov und Zagoretsky werden als Nichtwesen in die Gesellschaft aufgenommen.

Goncharov schätzt nicht weniger die Beherrschung der Sprache von „Woe from Wit“ und sieht in der Sprache einen der Hauptgründe für die Popularität der Komödie. Seinen Worten zufolge „verstreute das Publikum das ganze Salz und die ganze Weisheit des Stücks in die umgangssprachliche Sprache ... und würzte das Gespräch mit Gribojedows Sprüchen so sehr, dass es die Komödie buchstäblich bis zur Sättigung erschöpfte.“ Aber nachdem sie vom Buch zur Live-Rede übergegangen war, wurde die Komödie den Lesern noch lieber, so genau, weise und überzeugend waren Gribojedows „geflügelte Ausdrücke“, so natürlich waren die Sprachmerkmale der Helden, sehr vielfältig, aber immer wahrheitsgetreu und entschlossen durch die Psychologie der Helden und ihren sozialen Status.

Goncharov gab „Ich brenne vor Witz“ zu Recht eine sehr hohe Bewertung ab und identifizierte (und die Zeit hat dies bestätigt!) seinen Platz in der Geschichte der russischen Literatur richtig und sagte seine Unsterblichkeit genau voraus.

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EINFÜHRUNG

Seit mehr als hundert Jahren ist Chatskys heiße, wütende Stimme von der Bühne zu hören, die zum Kampf gegen die Sklaverei, gegen Klassenvorurteile, gegen Ignoranz und Dunkelheit aufruft. Die leidenschaftlichen Monologe des Helden von Gribojedows unsterblicher Komödie „Woe from Wit“ verteidigen das Neue, das Fortgeschrittene, gegen das die in der Komödie verspotteten Famusovs und Skalozubs zu den Waffen greifen:

„Jetzt lasst einen von uns

Unter den jungen Leuten wird es einen Feind der Suche geben,

Ohne einen Platz oder eine Beförderung zu fordern,

Er wird seinen Geist auf die Wissenschaft konzentrieren und wissensdurstig sein;

Oder Gott selbst wird Hitze in seiner Seele erregen

Zu den kreativen, hohen und schönen Künsten,

Sie sofort: - Raub! Feuer!

Und er wird unter ihnen als Träumer bekannt sein! gefährlich!!"

Nicht umsonst betrachteten die Dekabristen Gribojedow als einen der ihren, und nicht umsonst war seine Komödie, wie der Dekabrist Belyaev schreibt, „aufgeregt, ihr bissiger Spott wurde auswendig wiederholt, und Chatskys Worte über Leibeigene, die es waren.“ einzeln verkauft, wütend.“

Alexander Sergejewitsch Gribojedow wurde in eine adlige Adelsfamilie hineingeboren. Er erhielt eine ausgezeichnete Ausbildung: Er belegte einen Kurs an zwei Fakultäten der Moskauer Universität – mündliche und juristische Fakultät – und studierte auch Naturmathematik, die ihm der Krieg von 1812 nicht abschließen konnte. Gribojedow beherrschte acht Sprachen und war ein talentierter Musiker. Puschkin bezeichnete ihn als einen „der klügsten Menschen Russlands“.

Das Studium an der Universität im Kreis fortgeschrittener studentischer Jugendlicher nährte und entwickelte in Gribojedow eine feurige Liebe zu seinem Heimatland und den leidenschaftlichen Wunsch, ihm zu dienen. Während des Vaterländischen Krieges von 1812 trat er als Freiwilliger dem Husarenregiment bei. Nach seiner Rückkehr aus dem Militärdienst beschäftigte sich Gribojedow mit literarischer Arbeit und verband diese seit 1817 mit dem Dienst im Kollegium für auswärtige Angelegenheiten. Im folgenden Jahr reist er als Botschaftssekretär nach Persien.

In Persien und dann in Georgien arbeitete Gribojedow an der bereits 1818 konzipierten Komödie „Woe from Wit“. Er beendete es 1824 nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg. Aufgrund der Zensur wurde die Veröffentlichung und Produktion der Komödie verboten und sie verbreitete sich schnell auf den Listen in ganz Russland. „Seit 1823 verbreitete sich Gribojedows handgeschriebene Komödie „Woe from Wit“ in der Öffentlichkeit. Sie machte einen schrecklichen Lärm, erregte Empörung und Hass bei allen, die sich von Amts wegen mit Literatur beschäftigten, und nur bei wenigen , von der jüngeren Generation und denen, die nicht zu den bekannten Schriftstellern und keiner literarischen Partei gehörten, waren davon begeistert. Zehn Jahre lang zirkulierte es von Hand zu Hand und zerfiel in tausende Exemplare: Das Publikum lernte es auswendig Feinde hatten bereits ihre Stimme und Bedeutung verloren, zerstört durch den Strom neuer Meinungen, und es erschien in der Presse, als sie keinen einzigen Feind mehr hatte, als sie sie nicht bewundern und nicht in den Himmel preisen konnte. Sie nicht als geniales Werk anzuerkennen, galt als vorbildlicher schlechter Geschmack. Erst 1862 wurde es vollständig gedruckt.

Das anklagende Pathos der Figur des Antagonisten der Famus-Gesellschaft in der Entwurfsfassung des Werkes wurde durch die semantische Transparenz des Nachnamens des Helden – Chadsky – unterstrichen. Es wird angenommen, und dies wird durch die Etymologie des Namens der Hauptfigur bestätigt, dass der Prototyp von Chatsky der in Ungnade gefallene Philosoph P. Ya war. Dies spiegelte Gribojedows ideologischen und thematischen Fokus auf die Verkörperung des Konflikts zwischen einem einsamen Menschen und einer spirituellen Welt wider. Schon die Partitur des Verhaltens der Figur veranschaulichte die Ideen der Dekabristen, die es für notwendig hielten, überall fortschrittliche Ansichten zum Ausdruck zu bringen: sowohl auf dem Ball als auch in der Adelsversammlung. Der soziale Charakter, die Publizität der Monologe des Helden, das subversive Pathos seiner sozialen Stellung ließen sich aus dem im Nachnamen enthaltenen Bild der Meinungsverschiedenheit ablesen: Chadsky ist ein Raucher, der aufrührerische Ideen äußert.

In der Endfassung der Komödie werden sowohl Titel als auch Nachname der Hauptfigur geändert, was die Möglichkeit vielfältiger Interpretationen des Bilder- und Konfliktsystems eröffnet. „Nur unter dem Druck der Zensur war Gribojedow gezwungen, den Titel seiner Komödie auf den Kopf zu stellen. Er hieß „Woe to Wit“, und das ist ein völlig erschöpfender Titel ist genau das Gegenteil. Anstelle von „Narr“ – „selbst“ Dummkopf“... Tatsächlich schrieb Gribojedow ein Stück über eine bisher unbekannte Zivilisation mit europäischen Manieren und einer absolut asiatischen Lebensweise. Was manche heute Eurasien nennen, andere einfach Asiape. Letzteres ist näher an der Wahrheit als „Wehe dem Geist“ ist zutreffender als „Wehe aus deinem Geist“. Die Anpassung der Hauptthese ermöglichte es, den Umfang der Kommentierung und Analyse der wichtigsten ideologischen und thematischen Kategorie zu erweitern. „Woe from Wit“ erlebt nicht nur Chatsky, sondern auch Sophia, die von der verräterischen Auserwählten getäuscht wird. Auch Molchalin, dessen ehrgeizige Pläne nicht in Erfüllung gehen werden, wird auf die Probe gestellt. In Famusovs Haus herrscht Angst, die ihn dazu veranlasst, nach überzeugenderen Wegen zu suchen, um seine eigenen Ideale zu verteidigen.

Im Jahr 1826 wurde Gribojedow im Kaukasus wegen des Verdachts auf Verbindungen zu den Dekabristen verhaftet. Die Ermittlungen konnten Gribojedows Verbindungen zu den Dekabristen nicht beweisen, weshalb er freigelassen wurde. Die Polizei verlor den Schriftsteller jedoch nicht aus den Augen. Im Jahr 1828 wurde Gribojedow als talentierter Diplomat mit einer wichtigen Mission betraut: dem Abschluss eines Friedensvertrages mit Persien. Gribojedow erfüllte diese Mission mit Bravour, er wurde von Zar Nikolaus I. freundlich empfangen und zum bevollmächtigten Botschafter in Persien ernannt.

Im Kontext des Kampfes zwischen Russland und England um östliche Märkte war dieser Posten sehr gefährlich. Für die persische Regierung wurde Gribojedow zum Feind und ersetzte „eine einzelne Person durch eine zwanzigtausend Mann starke Armee“.

Im Jahr 1829 griff eine fanatische Menschenmenge die russische Botschaft in Teheran an. Gribojedow wurde getötet. Er wurde in Tiflis, auf dem Berg, im Kloster St. David beigesetzt. Am Grab des Schriftstellers errichtete seine junge Frau Nina Chavchavadze, die Tochter eines berühmten georgischen Schriftstellers, ein Denkmal mit einer kurzen und berührenden Inschrift: „Dein Geist und deine Taten sind im russischen Gedächtnis unsterblich, aber warum hat meine Liebe dich überlebt?“

Über die Komödie „Woe from Wit“ ist viel geschrieben worden und wenn wir noch einen kritischen Artikel schreiben, wird es zu banal. Relevanter ist jedoch der Vergleich kritischer Meinungen untereinander. Versuchen wir in dieser Arbeit, einige kritische Interpretationen dieser Arbeit zu analysieren. Um dieses Ziel zu erreichen, betrachten wir die Haltung der Kritiker zu den Bildern des Stücks und vergleichen diese Beziehungen miteinander. Ich möchte auch darüber nachdenken, wie Kritiker die Struktur des Werks charakterisieren und was Gribojedows Innovation war. Die erhaltenen Forschungsergebnisse können im Bildungsprozess verwendet werden, um das Werk von Gribojedow und seine Komödie „Woe from Wit“ zu studieren.

ABSCHNITT 1. KRITISCHE INTERPRETATIONEN DER STRUKTUR DES WERKES

1.1 Gribojedows Neuerung in seinem Stück „Woe from Wit“

Komödie Gribojedow-Konflikt Chatsky Famusova

Griboyedovs Innovation liegt auch in der Schaffung eines neuen Genres für die russische Literatur. „Woe from Wit“ kann als eine Art Liebeskomödie eingestuft werden, aber das dramatische Pathos, das den Konflikt durchdringt, erlaubt es uns nicht, den Genrecharakter des Werks einzuschränken, indem es auf die Erfahrungen der Hauptfigur und das Missverständnis, das sie durch sie hat, hinweist umgebende Gesellschaft. Das Vorhandensein zweier Intrigen zerstört die übliche klassizistische Struktur, die aus Molieres Komödien bekannt ist, und führt parallele Handlungsstränge in Gribojedows Werk ein. Die kompositorischen Elemente eines dramatischen Konflikts – liebeshäuslicher und gesellschaftspolitischer – fallen in Anfang und Ende zusammen. Der Höhepunkt der gesellschaftspolitischen Intrige ist Chatskys Monolog. Die gleichberechtigte Präsenz zweier Handlungsstränge und die Erweiterung des thematischen Materials erlauben keine Interpretation des Stücks im Kontext eines ausschließlich komödiantischen Genres. „Woe from Wit“ lässt sich auf eines der ersten tragikomischen Experimente der russischen Literatur zurückführen, was auch durch die Besonderheit der Auflösung bestätigt wird, wenn die beabsichtigten Konflikte nicht gelöst werden, sondern offen für Fortsetzung und spätere Interpretation sind. Was sagt Belinsky zu dem Stück? Hören wir ihm zu: „Woe from Wit“ ist keine Komödie, weil die Grundidee fehlt oder, noch besser, falsch ist; Es handelt sich nicht um eine künstlerische Schöpfung, da es an Selbstintegrität und damit an Objektivität mangelt, die eine notwendige Voraussetzung für Kreativität darstellt. „Woe from Wit“ ist eine Satire, keine Komödie: Satire kann es nicht sein künstlerisch arbeiten. Und in dieser Hinsicht steht „Woe from Wit“ in unermesslichem, unendlichem Abstand unter „Der Generalinspekteur“, als eine vollkommen künstlerische Schöpfung, die den höchsten Ansprüchen der Kunst und den philosophischen Grundgesetzen der Kreativität voll und ganz gerecht wird. Aber „Woe from Wit“ ist in höchstem Maße poetisch eine Schöpfung, eine Reihe von Einzelbildern und Originalfiguren, ohne Bezug zum Ganzen, kunstvoll gezeichnet mit breitem, meisterhaftem Pinsel, mit fester Hand, die, wenn sie zitterte, nicht aus Schwäche, sondern aus brodelnder, edler Empörung kam,<с>was die junge Seele noch nicht kontrollieren konnte. In dieser Hinsicht ist „Woe from Wit“ in seiner Gesamtheit eine Art hässliches Gebäude, unbedeutend in seinem Zweck, wie zum Beispiel eine Scheune, aber ein Gebäude aus kostbarem Parian-Marmor, mit Goldverzierungen, wunderbaren Schnitzereien, elegante Kolumnen. .. Und in dieser Hinsicht steht „Woe from Wit“ auf demselben unermesslichen und unendlichen Raum über Fonvizins Komödien, wie auch unter „Der Generalinspekteur“. Das heißt, Belinsky sieht ein originelles, einzigartiges Werk, aber er wird von der Frage gequält: Was ist das – eine Komödie oder eine Tragödie? und sogar absurd, und die Charaktere selbst haben eine reiche, vielfältige Bandbreite an Gefühlen.“ Gribojedow zerstört alle Genrekanons, er schafft etwas Neues, Originelles. Allerdings war die Zerstörung des Genrekanons nicht die Hauptaufgabe des Autors. Der Einsatz bestimmter künstlerischer Mittel und dramatischer Techniken wurde durch spezifische kreative Umstände diktiert, die sich im Prozess der Arbeit am Stück ergaben, und nicht durch irgendwelche abstrakten theoretischen Postulate. Als die Anforderungen des Klassizismus Gribojedows Fähigkeiten einschränkten und es ihm nicht erlaubten, den gewünschten künstlerischen Effekt zu erzielen, lehnte er sie daher entschieden ab.

Was werden uns Kritiker über die Struktur des Werkes sagen? „... in der Komödie gibt es kein Ganzes, weil es keine Idee gibt. Sie werden uns sagen, dass es im Gegenteil eine Idee gibt und dass es sich um den Widerspruch eines intelligenten und tiefsinnigen Menschen mit der Gesellschaft handelt, in der er lebt.“ Leben...? Folglich ist Chatskys Widerspruch zufällig und kein Widerspruch zur Gesellschaft, sondern ein Widerspruch zum Kreis der Gesellschaft. Wo kann die Grundidee eines Kunstwerks nur das sogenannte sein? „Konkrete“ Idee in der philosophischen Sprache, das heißt eine Idee, die sowohl ihre Entwicklung als auch ihren eigenen Grund und ihre Rechtfertigung enthält und die allein parallel zu ihrer dialektischen Entwicklung zu einem vernünftigen Phänomen werden kann. Es ist offensichtlich, dass Gribojedows Idee verwirrend war war ihm unklar und wurde daher von einer Art unausgegorener Person erkannt.“ Für Belinsky ist es nicht leicht, Gribojedows Plan zu verstehen. Aber genau das unterscheidet Woe from Wit völlig von anderen dramatischen Werken. Belinsky versuchte sorgfältig, „Woe from Wit“ mit Gogols „Der Generalinspekteur“ zu vergleichen. Aber das sind völlig zwei verschiedene Werke, es ist, als würde man zwei Brüder vergleichen: einen Kopf, zwei Arme, zwei Beine. Und weiter? Wären die Gesichtszüge dieser beiden Menschen absolut ähnlich? Nein, jeder Mensch ist einzigartig, daher sind „Woe from Wit“ und „The Inspector General“ auf ihre Art einzigartig.

„Inzwischen gibt es in dem Stück wirklich keine faszinierende Bewegung von Anfang an, die federnd zum Ende führt. Was passiert dann in den vier Akten von „Woe from Wit“? Es gibt keine derartigen Ereignisse in dem Stück ... nichts Faszinierendes, das Sie dazu zwingt, gespannt auf die Auflösung zu warten. Und es gibt nicht nur keine Ereignisse, auch verbale Debatten, Argumente, Erklärungen und das Erlernen der Wahrheit sind in das Stück eingestreut, als ob Der Autor hat sie absichtlich durcheinander gebracht und eine zusammenhängende Reihenfolge vermieden.“ Aber Intrige war nicht die Hauptsache. Griboyedovs Problem. Das im Titel enthaltene Thesenthema lässt sich auf alle Charaktere übertragen und wird durch die existenziellen Formen ihrer Selbstverwirklichung veranschaulicht. Die in der Literatur des 18. Jahrhunderts so beliebte Kategorie des Geistes wird von Gribojedow im Kontext veränderter ethischer und ästhetischer Prioritäten und Themen, die für das frühe 19. Jahrhundert relevant waren, neu überdacht. Die Komödie stellt zwei Arten „vernünftigen“ Verhaltens gegenüber: Das erste ist rein schützender Natur; Die zweite beinhaltet die Zerstörung archaischer Dogmen. „Über die Komödie „Woe from Wit“ kann man sagen, dass darin viermal nichts passiert. Und die Zeitgenossen, selbst diejenigen, die die poetischen Vorzüge der Komödie und die Stärke des darin enthaltenen gesellschaftspolitischen Prinzips sehr schätzten, haben das immer noch vorhergesagt Aber wie diejenigen von denen, die die erste Inszenierung zumindest einzelner Szenen der Komödie erlebten, überrascht waren (das war der Wille der Zensur) und von der intensiven Aufmerksamkeit des Zuschauers überzeugt waren, ein beispielloser Erfolg ." Denn „die Originalität von Gribojedows Stück liegt darin, dass es keine bestimmte Haupttendenz des Lebens – weder dramatisch noch komödiantisch – besonders hervorhebt. Sie stehen in enger Verbindung miteinander.“ Welches Ziel verfolgte Gribojedow? Belinsky erzählt uns: „... der Autor von „Woe from Wit“ hatte eindeutig ein äußeres Ziel – die moderne Gesellschaft in böser Satire lächerlich zu machen, und wählte dafür die Komödie als Mittel: „ Gribojedows Lachen in „Woe from Wit“ hilft uns dabei, das große Wesen der Kunst zu verstehen, das für die Gesellschaft, für Sie und mich, existiert.“ Lachen wird von Schriftstellern seit langem genutzt, um negative Phänomene in der Gesellschaft aufzuzeigen, und der Autor von „Woe from Wit“ nutzte dieselbe Technik. Formal löst Griboyedov die Konfliktsituation zugunsten der Famusov-Gesellschaft, aber die philosophische Richtigkeit der ideologischen Position liegt bei Chatsky. Eine solche Lösung demonstriert den Triumph einer personifizierten Idee über eine Welt, die dem Diktat einer überholten Moral unterworfen ist. Ein wichtiges Merkmal von „Woe from Wit“ ist das Umdenken komischer Figuren und komischer Situationen: In komischen Widersprüchen entdeckt der Autor verborgenes tragisches Potenzial. Ohne den Leser die Komik des Geschehens vergessen zu lassen, betont Gribojedow die tragische Bedeutung der Ereignisse. Das tragische Pathos steigert sich im Finale des Stücks, wenn alle Hauptfiguren des Stücks (einschließlich Famusov und Molchalin) nicht in traditionellen komödiantischen Rollen auftreten, sondern eher an tragische Helden erinnern.

Gribojedows dramatische Neuerung lag auch darin, dass er den Genrekanon der klassischen „hohen“ Komödie aufgab. Er verzichtet auf den alexandrinischen Vers, der zum Schreiben der „Standard“-Komödien der Klassiker verwendet wurde, und ersetzt ihn durch freien Jambisch, der es ermöglichte, Schattierungen einer lebhaften Umgangssprache zu vermitteln: „... Gribojedows Komödie wurde erstens geschrieben nicht in sechsbeinigen Jamben mit pyitischen Freiheiten, sondern in freien Versen, wie zuvor, wurden nur Fabeln geschrieben; zweitens wurde es nicht in einer Büchersprache geschrieben, die niemand sprach, die kein Volk auf der Welt kannte, und die Vor allem die Russen hatten es nicht gehört oder gesehen, aber drittens atmete jedes Wort von Gribojedows Komödie komisches Leben ein, erstaunt über die Geschwindigkeit des Geistes, die Originalität der Wendungen, die Poesie der Bilder, so dass fast jeder Vers darin wurde zu einem Sprichwort oder Sprichwort und eignet sich zur Anwendung auf diesen oder jenen Lebensumstand, – und nach den russischen Klassikern, die sich gerade dadurch von den Franzosen unterschieden, die Sprache der Komödie, wenn sie wollte als vorbildlich angesehen werden, musste sicherlich Schwere, Ungeschicklichkeit, Dummheit, Raffinesse der Witze, prosaische Ausdrücke und schwere Langeweile im Eindruck zur Schau stellen; viertens lehnte Gribojedows Komödie künstliche Liebe, Denker, Hausräuber und den gesamten vulgären, abgenutzten Mechanismus des antiken Dramas ab; und das Wichtigste und Unverzeihlichste daran war Talent, helles, lebendiges, frisches, starkes, kraftvolles Talent ...“ Nachdem wir Belinsky gelesen haben, mag es für uns scheinen, dass es nichts Besseres über das Stück zu sagen gibt. Aber lassen Sie uns Hören Sie dem folgenden Kritiker zu: „Gribojedow bereicherte die Sprache mit Elementen der alltäglichen Umgangssprache und setzte damit die Entwicklung der russischen Literatursprache fort.“ Sein Name steht in dieser Hinsicht auf einer Stufe mit Krylow und Puschkin. Er gab Beispiele für die Individualisierung der Sprache jedes Charakters, eine Rede, die von entscheidender Bedeutung ist, sozial gerechtfertigt und künstlerisch vollständig ist.“ Aus diesen beiden Aussagen kommen wir zu dem Schluss, dass Gribojedows besonderes Können in der organischen Einführung des Reichtums des Russischen liegt Sprache in die Sprachpartitur der Charaktere einfließen lässt Die Einbeziehung von Folklore in die Monologe der Helden ist unterschiedlich und entspricht ihren Vorstellungen von der „geistigen“ Norm. Chatsky greift gerne auf das Vokabular und die künstlerischen Techniken der Volkskunst zurück. Famusov predigt die Ideale des „vergangenen Jahrhunderts“; mit seiner Leidenschaft für Archaismen versinnbildlicht er die Irrelevanz ethischer Richtlinien, die sich seit der Zeit von „Otschakowski und der Eroberung der Krim“ nicht geändert haben. Die Verwendung differenzierter Sprachmerkmale durch den Autor verleiht den Charakteren der Komödie eine besondere Lebendigkeit.

ABSCHNITT 2. KRITISCHE INTERPRETATIONEN DER CHARAKTERE DES STÜCKS

2.1 Merkmale der Bildkonstruktion im Stück

Der realistische Charakter der Komödie liegt in der Schaffung einer besonderen künstlerischen Welt, in der jeder Held sein eigenes „Wehe des Geistes“ erlebt. Das Prinzip der „Einheit der Charaktere“ – die Grundlage des klassizistischen Dramas – erwies sich für Gribojedow als völlig inakzeptabel. Auf Geradlinigkeit und Einseitigkeit in der Darstellung der Hauptfiguren wird verzichtet, alle Charaktere werden als komplexe und widersprüchliche Menschen dargestellt. Der Autor ist bestrebt, sowohl das Gute als auch das Schlechte in seinen Charakteren aufzuzeigen. „Die vom Dramatiker gezeichneten Porträts ermöglichen es, viele wesentliche Informationen zu gewinnen.“ Famusov wird als edler Herr dargestellt, zu dem ganz Moskau gehört, aber am Ende des Stücks hat er Angst, zum allgemeinen Gespött zu werden, und die zweite Bedeutung seines Nachnamens (von lateinisch fama – „Gerücht“) wird enthüllt in der Bemerkung der Figur: „Ah! Mein Gott! Was wird Prinzessin Marya sagen?“ Sophias Charakter orientiert sich an den Bildern positiver Heldinnen früherer Literatur, doch in der Komödie erstreckt sich ihre Weisheit auf die Idealisierung eines ungeborenen Liebhabers und den Wunsch, den romantischen Idealen gerecht zu werden, die sie aus französischen Büchern erfasst hat.

Chatsky wird von der Gesellschaft gemieden; seine kühnen Aussagen erschrecken seine Umgebung mit seiner Offenheit und Kategorisierung. Die „Millionenqualen“ des Helden bestehen darin, dass er seine erbärmlichen Gefühle vor einer säkularen Menge vergeblich verschwendet. Gribojedow ignoriert nicht das Schicksal der Nebenfiguren, die eine gesellschaftliche Kompromissentscheidung getroffen haben. Platon Michailowitsch Gorich zum Beispiel vertrat einst fortschrittliche Ansichten, aber seine Gegenwart läuft darauf hinaus, dass er „einer der Pagen seiner Frau“ wurde.

Die Handlung der Komödie spiegelt das Leben im Haus von Famusov wider. Jeder Gast repräsentiert eine bestimmte Verhaltensweise, die der Autor auf die Ebene soziokultureller Verallgemeinerung erhoben hat. Repetilov verkörpert die Idee der Profanierung hoher Ideale. Die Krankheit von Prinzessin Tugoukhovskaya symbolisiert den begrenzten Horizont der „Moskauer Tanten“; Khlestovas Zügellosigkeit verkörpert die Idee ihres despotischen Eigenwillens.

Viele Bilder, rhetorische Passagen und Ideen aus „Woe from Wit“ wurden von russischen Dichtern und Schriftstellern aktiv genutzt. Erinnerungen an Gribojedows Komödie finden sich bei Puschkin. Im Epigraph zum siebten Kapitel von „Eugen Onegin“ trägt ein Zitat aus „Woe from Wit“ dazu bei, eine besondere Stimmung zu erzeugen und den Leser auf die Wahrnehmung bevorstehender Ereignisse vorzubereiten. Ein Beispiel für einen aktiven Appell an Gribojedows Erbe ist das metaphorische Bild „Vom Schiff zum Ball“, dessen ausführlicher Kommentar in den Handlungssträngen der Romane von Puschkin und Gontscharow zu finden ist. Und der Satz „Sogar der Rauch des Vaterlandes ist süß und angenehm für uns“ kann in der umgekehrten Interpretation des Themas Patriotismus in den Werken von Turgenjew und Dostojewski gesehen werden. „Er (Griboedov) schafft ein einzigartiges verbales Bild des Verhaltens einer Vielzahl von Charakteren – von Chatsky und Famusov, die ausgedehnte Monologe aussprechen, bis hin zu einem gewissen Herrn N., der dennoch über eine eigene besondere Rede verfügt und eine wichtige Rolle spielt.“ in der Handlung des Werkes.“

2.2 Chatsky

Schauen wir uns nun an, was Kritiker über Chatsky dachten. Belinsky hatte keine gute Meinung von Chatsky. Eine Bestätigung seiner Haltung finden wir in dem Artikel: „Er (Chatsky) hat viele lustige und falsche Konzepte, aber sie alle stammen aus einem edlen Ursprung, aus einer flammenden Quelle des Lebens. Sein Witz entspringt einer edlen und energischen Empörung gegen das, was er.“ , ob zu Recht oder zu Unrecht, hält ihn für schlecht und menschenwürdig – und deshalb ist sein Witz so bissig, stark und drückt sich nicht in Wortspielen, sondern in Sarkasmus aus. Und deshalb schimpfen alle mit Chatsky, weil sie erkennen, dass er falsch ist eine poetische Schöpfung, als Gesicht der Komödie – und jeder kennt seine Monologe, seine Reden, die zu Sprichwörtern, Sprüchen, Anwendungen, Epigraphen und Aphorismen weltlicher Weisheit geworden sind.“ . Belinsky nennt alle Würfe Chatskys einen Sturm im Glas. Der Kritiker empfindet Chatskys Verhalten als das Verhalten eines Verrückten: „Sophia fragt ihn listig, warum er so wütend ist? Und Chatsky beginnt im wahrsten Sinne des Wortes gegen die Gesellschaft zu wüten. Ohne weitere Umschweife beginnt er, das darin zu erzählen.“ Im dortigen Zimmer traf er einen Franzosen aus Bordeaux, der „seine Brust aufblähte, einen Clan der Veche um sich versammelte“ und erzählte, wie er sich mit Angst und Tränen auf die Reise nach Russland zu den Barbaren vorbereitete und Freundlichkeit empfing und Grüße, hört das russische Wort nicht, sieht das russische Gesicht nicht und alle Franzosen, als hätte er sein Vaterland Frankreich nie verlassen. Infolgedessen beginnt Chatsky wütend gegen die sklavische Nachahmung von Ausländern durch die Den Russen rät sie, von den Chinesen „die kluge Unwissenheit gegenüber Ausländern“ zu lernen, und greift die Gehröcke und Fracks an, die die stattliche Kleidung unserer Vorfahren ersetzt haben, bis hin zu „lustigen, rasierten, grauen Kinns“, die die fällig gewordenen dicken Bärte ersetzen Mit einem Wort, Peters Manie, der Aufklärung und Bildung Platz zu machen, spricht von solcher Wildheit, dass er allein bleibt, ohne es zu merken …“ Als Zeitgenosse von Chatsky hat Belinsky jedes Recht, empört zu sein , denn im 19. Jahrhundert gab es völlig andere Moralvorstellungen. Doch moderne Kritiker betrachten Chatskys Verhalten und Charakter aus einer anderen Perspektive. „Chatsky ist ein vernünftiger Mensch, weil er in erster Linie ein Vorbote der Zukunft ist“, hält Smolnikov Chatsky dafür. Aber Belinsky besteht darauf: „Und was für ein tiefgründiger Mensch ist Chatsky? Er ist nur ein Großmaul, ein idealer Trottel, der auf Schritt und Tritt alles Heilige entweiht, worüber er spricht. Ist es wirklich möglich, in die Gesellschaft einzutreten und zu schelten?“ alle als Dummköpfe und Rohlinge ins Gesicht sehen? Was würden Sie über eine Person sagen, die beim Betreten einer Taverne voller Elan und Inbrunst damit beginnt, betrunkenen Männern zu beweisen, dass es Vergnügen gibt, die höher sind als Wein – es gibt Ruhm, Liebe, Wissenschaft, Poesie, Schiller und Jean-Paul Richter? . Das ist der neue Don Quijote, ein Junge auf einem Stock zu Pferd, der sich vorstellt, er sitze auf einem Pferd ...“ Chatsky „wirft Perlen vor die Säue“ und versucht, bodenständigen Menschen einige hohe Ideale zu beweisen Chatsky ist im Allgemeinen weit davon entfernt, solche Ideale zu verstehen. Indem er alle links und rechts beleidigt, beweist er, dass er wirklich verrückt ist, wie Sofia ihn darstellt. Ein moderner Kritiker sieht Chatsky in einem völlig anderen Licht ist in erster Linie der scharfe Geist eines fortschrittlichen, frei denkenden Menschen. Der kluge Mann Chatsky ist gegen Narren, Narren und vor allem Famusov und Molchalin, nicht weil sie im wörtlichen, eindeutigen Sinne des Wortes dumm sind. Nein, beide sind schlau genug. Aber ihre Meinung ist das Gegenteil von Chatskys Meinung. Sie sind Reaktionäre und daher aus sozialhistorischer Sicht Narren, weil sie alte, überholte, antinationale Ansichten verteidigen“, während er gleichzeitig den Eifer verdeutlicht, den Belinsky hasst: „Wir können einen solchen Eifer kaum als Schwäche bezeichnen, geschweige denn als Manko.“ . Aber zweifellos bereitet sie dem Helden große Schwierigkeiten.“ Medwedewa stimmt Smolnikow zu und fasst die Entwicklung des Helden zusammen: „Gribojedow enthüllt in der Komödie die Grundlagen der Weltanschauung seines Helden und definiert genau deren Charakter und Entstehungszeit.“ Dies sind die Ideen eines Freidenkers des frühen 19. Jahrhunderts, inspiriert vom nationalen Kampf … der Durchsetzung von Volksrechten und Pflichten der Oberschicht. Diese für Chatskys Generation charakteristische Ideologie war noch nicht dekabristisch, sondern nährte den Dekabrismus. „Wer ist Chatsky – ein Verrückter oder ein Kämpfer für Gerechtigkeit?“ Gribojedow macht deutlich, dass Chatsky kein einsamer Held, sondern einer der Vertreter des Fortschrittlichen ist Jugend, ihr Gleichgesinnter. Es ist kein Zufall, dass der Dramatiker Chatsky die Worte in den Mund legt: „Jetzt soll einer von uns, einer der jungen Leute, einen Feind der Suche finden ...“ Es ist auch kein Zufall, dass Chatsky immer seine Ansichten preisgibt Er spricht nicht in seinem eigenen Namen, sondern im Namen derer, mit denen er verbunden ist: „Wo? froh, aber wir sind nicht froh.“ Es ist kein Zufall, dass Famusov vollkommen versteht, dass Chatsky der Sprecher der Meinungen einer ganzen Gruppe ist: „Das ist es, ihr seid alle stolz!“, „Du solltest fragen wie deine Väter, du würdest von deinen Ältesten lernen.“ „Ihr seid heute Nootkas!“, „Jeder ist über sein Alter hinaus schlau.“ Dennoch behauptet Belinsky, dass Chatskys Problem „… einfach nicht von …“ sei verrückt, und von klug sein"

Das Thema Liebe spielt im Stück eine der Hauptrollen. Im Liebestest kommen viele Charaktereigenschaften unseres Helden zum Vorschein. Das sagt Belinsky über Chatskys Liebe zu Sofia: „Wo bleibt Chatskys Respekt vor dem heiligen Gefühl der Liebe, Respekt vor sich selbst? Welche Bedeutung kann danach sein Ausruf am Ende des vierten Aktes haben: „...ich“? Ich werde auf der ganzen Welt suchen, wo es einen Platz für ein beleidigtes Gefühl gibt!“ Was ist das für ein Gefühl, was für eine Liebe, was für eine Eifersucht? Ein Sturm im Teeglas! ... Und worauf basiert seine Liebe zu Sophia? Liebe Ist das gegenseitige, harmonische Verständnis zweier verwandter Seelen in den Bereichen des gemeinsamen Lebens wahr, gut, schön? Worüber könnten sie zusammenkommen und sich verstehen? Aber wir sehen diese Forderung oder dieses spirituelle Bedürfnis nicht. Das ist die Essenz eines tiefgründigen Mannes. Alle Worte, die seine Gefühle für Sophia ausdrücken, sind die gleichen, um nicht zu sagen vulgär!“ Das heißt, Chatskys Liebe zu Sofia ist eine weit verbreitete Eigenart. Er liebt sie nicht wirklich, er glaubt, dass er sie liebt. Aber Smolnikov spricht anders über Chatskys Liebe: „Für Chatsky brach auf seine Weise „die Verbindung der Zeiten zusammen“, als er mit Sophia sowohl eine gemeinsame Geistessprache als auch eine gemeinsame Gefühlssprache fand (vor seiner Abreise ins Ausland). ), und dieses Mal, als er plötzlich „aus heiterem Himmel“ kam und nicht merkte, dass Sophia nicht mehr dieselbe ist, und dass er sich möglicherweise auch sehr verändert hat. Das heißt, er ist dieselbe und liebt Sophia sogar mehr, aber sein Geist ist gereift, und dieser ruhelose Geist … verletzt sein geliebtes Mädchen immer mehr.“ Smolnikov erklärt die Natur von Chatskys Gefühlen. Für Smolnikov ist Chatsky kein völliger Egoist, da Belinsky den Helden des Stücks darstellt, er wird weder in diesem Haus noch in dieser Gesellschaft einfach nicht verstanden. „...und Chatskys Liebe verlief so, weil sie nicht für sich selbst, sondern für den Beginn der Komödie benötigt wird, als etwas Äußeres, deshalb ist Chatsky selbst eine Art Bild ohne Gesicht, ein Geist, ein Phantom, etwas Beispielloses und Unnatürliches“, fährt Belinsky fort. Aber Smolnikov verteidigt die Hauptfigur, er begründet sein Verhalten damit: „Aber Chatsky ist wahnsinnig verliebt und Liebende hören, wie Sie wissen, vorerst nur sich selbst.“ Das heißt, all der „Lärm und Lärm“, den Chatsky in Famusovs Haus machte, ist ein Ausdruck seiner Liebe zu Sofia, dies ist sein Groll gegen sein geliebtes Mädchen und ihr Gefolge. „Die Natürlichkeit der Manifestation der Gefühle des Helden kann uns nur fesseln. Es ist diese Natürlichkeit, die uns in Chatsky keine rhetorische Figur sehen lässt, die nach dem Willen des Autors fortschrittliche Ideen laut zum Ausdruck bringt und bissig kritisiert, sondern einen Lebensunterhalt.“ Person. Der Mensch ist übrigens keineswegs ideal. Trotzdem ist er zweifellos ein positiver Held.

Fassen wir zusammen: Chatsky ist ein leidenschaftlicher und aktiver Mensch, er kann entweder leidenschaftlich lieben oder hassen, für ihn gibt es keine Halbtöne. Die von ihm geäußerten Gedanken sind für seine Zeitgenossen unverständlich; sie zielen auf die Zukunft. Chatskys Zeitgenossen sahen in ihm einen Redner und einen Schwätzer. Chatsky wird der Moskauer Gesellschaft gegenübergestellt und bringt den Standpunkt des Autors zur russischen Gesellschaft zum Ausdruck, obwohl er nicht als unbedingt „positiver“ Charakter angesehen werden kann. Chatskys Verhalten ist das Verhalten eines Anklägers, der die Moral, das Leben und die Psychologie der Famus-Gesellschaft heftig angreift. Er ist jedoch kein Abgesandter der St. Petersburger Freidenker. Die Wut, die Chatsky erfasst, wird durch einen besonderen psychischen Zustand verursacht: Sein Verhalten wird von zwei Leidenschaften bestimmt – Liebe und Eifersucht. Chatsky hat seine außer Kontrolle geratenen Gefühle nicht unter Kontrolle und ist nicht in der Lage, rational zu handeln. Die Wut eines aufgeklärten Mannes gepaart mit dem Schmerz über den Verlust seiner Geliebten – das ist der Grund für Chatskys Begeisterung. Chatsky ist eine tragische Figur, die in komischen Umständen gefangen ist.

2.3 Sofia Famusova

Sofia Famusova... Wer ist sie? „Das Mädchen selbst ist nicht dumm.“ Nicht dumm. Aber das heißt, sie ist noch nicht so, dass der Autor sie bedingungslos als klug bezeichnen könnte ... Goncharov sah in ihr „das Zeug zu einer bemerkenswerten Natur“. Sein Fazit ist durchaus beredt: „Chatsky liebte sie nicht umsonst.“ Ja, tatsächlich, nicht ohne Grund. Und das ist vielleicht Sophias höchste Rechtfertigung ... Chatskys Liebe zu Sophia hilft uns, eine Wahrheit zu verstehen: Der Charakter der Heldin stimmt in gewisser Weise mit dem Helden überein ... Mit siebzehn Jahren blühte sie nicht nur „charmant auf“, sondern wie der bewundernde Chatsky über sie sagt, zeigt aber auch eine beneidenswerte Unabhängigkeit der Meinung, die für Leute wie Molchalin oder sogar ihren Vater undenkbar ist.“ Das heißt, Smolnikov hält Sofia für eine ideale Ergänzung zu Chatsky, da sie gebildet ist, ihre eigene Meinung hat, völlig anders als die Meinung ihres Vaters, und sieht auch, dass sie „...ein lebhaftes, leidenschaftliches, eigenwilliges Wesen hat, das mit ihrem Verhalten eine schnelle Entwicklung der Ereignisse verspricht.“ „Sie ist nicht ohne Mut, ist selbstlos und ist.“ in der Lage, weltliche Vorurteile und Konventionen zu vernachlässigen. Sie ist empfänglich und witzig... Die Züge einer launischen jungen Dame, ihre skurrile Verwöhnung werden in der Komödie deutlich dargestellt...“ Aber auf welche Weise zeigt Sofia ihre Unabhängigkeit? Zuallererst in der Liebe: Sie verliebt sich in Molchalin ist empört: „Ein Mädchen aus der Gesellschaft, das sich so weit erniedrigt hat, dass es fast eine Affäre mit einem Lakaien hat.“ Dies lässt sich durch die Erziehung erklären – manche waren ein dummer Vater gnädige Frau die sich für fünfhundert Rubel extra abwerben ließ. Aber diese Sophia hat eine gewisse Charakterenergie: Sie hat sich einem Mann hingegeben, ohne sich von seinem Reichtum oder seinem Adel verführen zu lassen, mit einem Wort, nicht aus Berechnung, sondern im Gegenteil zu sehr aus Berechnung; Sie legt keinen Wert auf die Meinung von irgendjemandem, und als sie herausfindet, was Molchalin ist, weist sie ihn mit Verachtung zurück, befiehlt ihm, morgen das Haus zu verlassen, androht sie, andernfalls ihrem Vater alles zu verraten, schließlich „das Maß von“. Die Würde einer Frau kann der Mann sein, den sie liebt, und Sophia liebt einen begrenzten Menschen ohne Seele, ohne Herz, ohne menschliche Bedürfnisse, einen Schurken, einen Speichellecker, ein kriechendes Wesen, mit einem Wort – Molchalin.“ Sofia erniedrigt sich mit Aber warum hat sich Sofia für Molchalin entschieden? alles für sie. Er, dieser fiktive Held, wird im lebenden Molchalin verkörpert, einem sehr hilfsbereiten und scheinbar angenehmen jungen Mann. Ihm schreibt Sofia alle Tugenden einer Figur in sensiblen Romanen zu zusammen mit ihr.“ Warum nicht mit den Worten von Kedrov zusammenfassen: „Die Liebe ist natürlich heilig, denn im Gegensatz zu Puschkin und Lermontow ist sie ein Avantgardist und Schmied.“ Molchalin und Prinzessin Maria würden mit Gruschnizki zusammenbrechen. Aber mit Gribojedow ist er genau das – er ist Onegin und Petschorin und Bolkonski in einer Person. Möchtest du die praktische junge Moskauer Dame „Oh, wenn jemand jemanden liebt, warum dann nach Informationen suchen und so weit reisen?“ Das ist es. Punkt. Es gibt keine Fragen. Sie können nicht „Ihr Herz befehlen“ und anderen Unsinn. Und Es ist beängstigend, das zuzugeben, aber seit fast 200 Jahren hat die Kritik nie bemerkt, dass Sophia Molchalin einfach liebt und Chatsky nicht liebt, aber Demografie und Genetik sind auf Sophias Seite % sind Molchalin, dann sei Gott mit ihm, mit Chatsky.“

2.4.Andere Charaktere im Stück

Die Möglichkeit unterschiedlicher Kommentare zu Gribojedows Komödie ergibt sich aus der Tatsache, dass der Autor eine originelle dramatische Erfahrung des Begreifens der Realität und ihrer künstlerischen Neuüberlegung geschaffen hat. In der Arbeit wird Laster nur auf der Ebene einer hypothetischen Idee bestraft. Obwohl Goncharov in seinem Artikel „A Million Torments“ behauptet, Chatsky habe mit der Qualität einer neuen Kraft gewonnen, kann man die Tatsache nicht ignorieren, dass der Konflikt formal mit der Niederlage des Heldenideologen endet. Die Famus-Gesellschaft versammelt sich im Kampf gegen neue Gedanken, doch ihre „Trauer“ zeigt sich auch im Zusammenstoß mit fortschrittlichen Ideen. Schauen wir uns Famusovs Gesellschaft genauer an: Famusov, Molchalin, Repetilov.

Famusov und Molchalin sind keine „Schurken“ und „dummen Leute“ wie in der traditionellen Komödie. „Famusov ist ein typischer, künstlerisch geschaffener Mensch. Er ist der Oberbürgermeister dieses Gesellschaftskreises. Seine Philosophie ist die gleiche er häuft nicht zu viele Affären an, er hat einen Brauch: „Es ist unterschrieben, von deinen Schultern genommen.“ Er respektiert die Verwandtschaft sehr –

„Ich krieche vor meine Verwandten, wo ich mich treffe,

Ich werde sie auf dem Meeresgrund finden.

Wenn ich Mitarbeiter habe, sind Fremde sehr selten:

Immer mehr Schwestern, Schwägerinnen und Kinder.

Nur Molchalin gehört mir nicht,

Und dann aus geschäftlichen Gründen.

Wie stellt man sich einem kleinen Kreuz oder einer kleinen Stadt vor?

Nun, wie kann man seinem geliebten Menschen keine Freude bereiten?“

Aber nirgendwo drückt er sich so scharf und vollständig aus wie am Ende der Komödie; er findet heraus, dass seine Tochter eine Beziehung mit einem jungen Mann hat, dass sie und sein guter Name daher in Ungnade gefallen sind, ganz zu schweigen von dem schweren, seelenbrennenden Gedanken, der Vater einer solchen Tochter zu sein – na und? - Nichts davon kommt ihm überhaupt in den Sinn, weil er darin nichts Wesentliches sieht: Er hat ganz außerhalb seiner selbst gelebt und lebt: Sein Gott, sein Gewissen, seine Religion sind die Meinung der Welt, und er ruft verzweifelt aus:

„Ist mein Schicksal nicht immer noch bedauerlich:

Ach du lieber Gott! was wird er sagen

Prinzessin Marya Aleksevna!..“

So sah Belinsky Famusov. Dies ist das vollständigste Bild von Famusov, andere Kritiker fügen nur geringfügig hinzu: „Famusov ist vor allem mit sich selbst beschäftigt, mit der Angenehmheit seines Wesens (nicht umsonst stellt Gribojedow ihn gleich zu Beginn der Komödie als unzeremoniell dar). Unzüchtiger und Angeber) ist als Vater besessen von der Idee, seine Tochter gewinnbringender zu verheiraten und damit durchzukommen, ohne sich selbst zu beleidigen. „Famusov ist ein Altgläubiger, ein Routinist, ein Feind des Wissens und der Bücher, ein Bürokrat. Er ist nicht nur feindselig, sondern auch unverständlich, unverständlich für jemanden wie Chatsky.“ sei positiv? Es stellt sich heraus: „Famusov ist in seinen weltlichen Ansichten ein kluger und nüchterner Mensch.“

Auch Molchalins Position ist tragikomisch. Wer ist dieser Mann, in den sich Sofia verliebt hat? „Ist es möglich, den Charakter von Molchalin nicht sofort zu verstehen, der ständig auf den respektvollen Lakaienzusatz „s“ zurückgreift: „I-s“, „mit Papieren-s“, „Nein-s“, „zwei-s“, „ wie zuvor“ -s". In seiner Ansprache selbst an die Magd klingen alle Substantive in der Verkleinerungsform: „Dinge“, „Spiegel“, „Engel“ usw., bis hin zum nicht existierenden Verkleinerungswort „nozhinki“ ( aus dem Wort „Schere“). Filippov macht uns darauf aufmerksam, dass bereits in Molchalins Rede die Speichelleckerei dieses Helden besonders deutlich hervortritt. Er sieht nicht aus wie Skalozub. Wie Chatsky über ihn sagt, strebt Molchalin danach, „alles friedlich zu regeln“. Molchalin hat jedoch noch viele andere Eigenschaften, die jedoch alle auf eines zu konzentrieren scheinen – seine besondere „Ruhe“. Nicht umsonst wurde ihm ein so wortloser Nachname gegeben.“ Bei Gribojedow ist alles so einfach – die Eigenschaften des Helden sind in seinem Nachnamen eingeprägt. „Aber nirgendwo hat sich die Subjektivität des Autors so scharf, so seltsam und so ähnlich manifestiert der Nachteil der Komödie, wie in der Charakterskizze von Molchalin, die er Molchalin selbst anfertigt: „Mein Vater hat mir erstens vermacht, um ausnahmslos allen Menschen zu gefallen: dem Besitzer, wo er gerade lebt, seinem Diener, der Kleider putzt.“ , der Türsteher, der Hausmeister – um das Böse zu vermeiden, der Hund des Hausmeisters, damit er liebevoll ist!“ ... Sagen Sie mir, um Gottes willen, wird sich irgendein Schurke vor anderen als Schurke bezeichnen? - Schließlich ist Molchalin dumm, wenn es um Ehre, Adel, Wissenschaft, Poesie und ähnlich hohe Themen geht; aber er ist höllisch schlau, wenn es um seine persönlichen Vorteile geht. Er lebt im Haus eines edlen Herrn, ist in dessen gesellschaftliches Umfeld aufgenommen und überhaupt nicht gesprächig, sondern sehr schweigsam: Ist es angebracht, dass er einer Magd, die sich so unschuldig seiner Gemeinheit rühmt, erlaubt, eine Waffe auf sich zu nehmen? Der ideale Negativheld lässt sich mit Jago vergleichen: „Molchalins listiges Ausweichen, das bereits in der vierten Szene des ersten Akts zum Ausdruck kommt, wird durch seine einzige Leidenschaft bestimmt: den Wunsch, Karriere zu machen.“ Streiche mit der Tochter desjenigen, unter dessen Kommando er in dieser Zeit nur Erfolg haben kann.“ Molchalin befindet sich in einer aussichtslosen Situation: Nachdem er sich in ein Dienstmädchen verliebt hat, muss er sich als bescheidener und resignierter Verehrer Sofias ausgeben Molchalin versteht, dass eine Beziehung mit Sofia Famusovs Ärger und Wut hervorrufen kann. Aber es ist auch gefährlich, Sofias Liebe abzulehnen: Die Tochter hat Einfluss auf Famusov und kann Molchalins Karriere ruinieren. Er befand sich zwischen zwei Feuern: der „herrlichen Liebe“. Tochter und der „herrschaftliche Zorn“ des Vaters. Karrierismus und vorgetäuschte Liebe sind unvereinbar; der Versuch, sie zu kombinieren, führt für Molchalin zum „Absturz“ von der offiziellen „Höhe“. Molchalin gehört zu denen, die sich leicht an alle Umstände anpassen, um nur ein Ziel zu verfolgen: so weit wie möglich auf der Karriereleiter aufzusteigen. Warum brauchen wir so einen Heldenliebhaber, was wollte uns Gribojedow sagen? „Indem er sein Stück auf der Rivalität zwischen Chatsky und Molchalin aufbaute, führte Gribojedow dazu, dass der kluge Mann, ein Mann mit einer Seele, den seelenlosen Narren, den „berühmten Diener“ besiegte – Molchalin gewinnt (sowohl in der Liebe als auch im Dienst). . Aber dem Leser und Zuschauer wird die endlose Überlegenheit Chatskys gegenüber Molchalin bewusst gemacht.“ Fassen wir die kritische Analyse des Bildes zusammen: „Molchalin ist auch nicht gerade ein Bild eines russischen Mannes bei einem Rendezvous, da wir den Helden in schwierigen und stagnierenden Zeiten sehen.“ Er gerät in die Perestroika, und Molchalin wird Krichalin sofort ausliefern. „Wir machen Lärm, Bruder, wir machen Lärm.“ Repetilov (vom französischen repeter – „wiederholen“) ist ein sehr lustiges Bild, aber hinter dieser äußeren Witzigkeit verbirgt sich ein gefährlicher Mensch, der vielleicht nicht einmal ahnt, wie gefährlich er ist: „Repetilov ist nicht nur und nicht so ein Bild.“ ein Mensch, der sich durch seine Redseligkeit, Dummheit und Frivolität auszeichnet, ... ebenso wie das Bild eines Vulgären, der sich einem großen Unternehmen angeschlossen hat, der dieser großen „Staatsangelegenheit“ nicht hilft und ihr in der Tat zutiefst fremd ist. .. Er ist leider ein ewiger Mitreisender großer Dinge und Menschen. Er verfolgt sie wie ein Schatten oder läuft hinter ihnen her. Auf seiner eigenen, extrem vulgarisierten Ebene wiederholt er, was große, kluge Köpfe beschäftigt.“ Belinsky nimmt Repetilov praktisch nicht zur Kenntnis; in seinem kritischen Artikel gibt es zu wenige Hinweise auf diesen Helden: „Das ist ein typisches Gesicht, geschaffen von einem großen Schöpfer.“ !..“ Das heißt, der Kritiker betrachtet Repetilov nur als ein kleines Element im brillanten Bild des Künstlers: „...reden wir nicht einmal über Repetilov, diesen ewigen Prototypen, dessen eigener Name zu einem bekannten Namen geworden ist und der das offenbart gigantische Talentkraft im Autor.“

Was können wir über die in diesem Teil besprochenen Bilder sagen? Lassen Sie uns ohne Umschweife Belinsky (immerhin ein Klassiker der Kritik) zitieren: „Nein, diese Leute waren keine Vertreter der russischen Gesellschaft, sondern nur Vertreter einer Seite davon ...“

ABSCHLUSS

In „Woe from Wit“ kommen die wichtigsten Merkmale der realistischen Kunst deutlich zum Ausdruck: Der Realismus befreit nicht nur die Individualität des Autors von abstumpfenden Regeln, Kanons und Konventionen, sondern stützt sich auch auf die Erfahrungen anderer künstlerischer Systeme. „Außer „Woe from Wit“ und „The Inspector General“ können wir vielleicht kein einziges Stück nennen, das eine so bedeutende Rolle bei der Ausbildung der Fähigkeiten russischer Schauspieler gespielt hätte... Gribojedow verband geschickt Böses und Scharfes Satire, die sich gegen die Moral, die Charaktere und das Alltagsleben seiner Zeit richtete, mit der Darstellung heldenhafter Kämpfer – in der Person von Chatsky – die unversöhnlich in den Kampf gegen die Laster der umgebenden Realität eintraten, schuf er ein äußerst überzeugendes Bild eines positiven Helden, der sieht die Zukunft voraus. Das heißt, Gribojedow schuf ein neues Bild eines Helden, nicht eines „Musterhelden“ des Klassizismus, sondern einer lebenden Person mit seinen Macken, Leidenschaften, Mängeln und Tugenden. „Die historische Bedeutung des Stücks „Woe from Wit“ ist offensichtlich. Es gibt kein anderes dramatisches Werk in Russland, das einen so starken Einfluss auf die Entwicklung des nationalen Selbstbewusstseins hätte und so stark zur Bildung der Gesellschaft beitragen würde -politische, moralische und ästhetische Kultur vieler Generationen russischer Leser und Zuschauer „Die Begeisterung für ausländische (sowohl westliche als auch östliche) Kultur führt zur Erniedrigung der Nation. Karrierismus wird mittlerweile als beste Charaktereigenschaft angepriesen. Es wird vergessen, dass der moralische Charakter eines Menschen in seinen Handlungen liegt. In unserem Leben wird alles gekauft und verkauft: von der Bildung bis zum Ruf. Gribojedow erinnerte mit seinem Stück daran, dass die Stärke einer Nation in ihrer Einzigartigkeit liegt.

Nach Durchsicht der kritischen Anmerkungen zur Komödie „Woe from Wit“ kommen wir zu dem Schluss, dass es keine absolut einhellige Meinung über das Stück gab. Gribojedow kritisierte scharf die Welt der Gewalt, Tyrannei, Ignoranz, Speichelleckerei und Heuchelei, in der Famusov und Mollins dominieren und die besten menschlichen Qualitäten zugrunde gehen. Mit seiner Komödie erregte Gribojedow Hass und Verachtung gegenüber den Menschen der Famus-Gesellschaft und verurteilte freiwillige Unterwürfigkeit. Gribojedows wunderbares Werk ist vom Geist des Kampfes für einen echten Menschen, für seine Würde, für die russische Nationalkultur durchdrungen.

Der Hauptkonflikt in der Komödie „Woe from Wit“ ist der Zusammenprall des „gegenwärtigen Jahrhunderts“, d.h. der fortschrittliche Adel, dessen Vertreter Chatsky ist, mit dem „vergangenen Jahrhundert“. Dies macht die Komödie zutiefst realistisch und verleiht Chatskys Liebesdrama eine starke gesellschaftliche Resonanz.

Die Komödie „Woe from Wit“ liegt an der Schnittstelle verschiedener künstlerischer Ästhetiken. Darin verbinden sich klassizistische Tendenzen mit Elementen der Romantik und des Realismus. Eine ähnliche Synthese künstlerischer Modelle findet sich im westeuropäischen Drama. Die Originalität von Griboyedovs künstlerischer Erfahrung liegt in der Spezifität des Konflikts des Werkes, in der Bildentwicklung, in der Semantik des Titels. Ursprünglich hieß die Komödie „Woe to Wit“, was das Ziel des Autors zum Ausdruck brachte, den Zusammenprall fortschrittlicher Ideen und einer trägen Gesellschaft darzustellen.

Egal wie sehr die Zensoren versuchten, „Woe from Wit“ zu zerstören, sie scheiterten: „Wir sprechen von der Unsterblichkeit von „Woe from Wit“. Auch nach anderthalb Jahrhunderten verliert die Komödie nicht an Aktualität: „Die Komödie „Woe from Wit“ gehört zu den wenigen Werken der Weltkunst, die nicht verlieren.“ , scheinen aber von Zeitalter zu Zeitalter an Stärke zu gewinnen.“ Das Können des Autors ist bemerkenswert. „Ich spreche nicht von Poesie“, schrieb Puschkin, „die Hälfte davon sollte in Sprichwörtern enthalten sein.“ In der Tat, wer von uns verwendet nicht solche Schlagworte der unsterblichen Komödie: „Wer sind die Richter?“, „Ich würde gerne dienen, aber bedient zu werden ist widerlich“, „Kann man sich einen Winkel für einen weiteren Spaziergang aussuchen?“ weg?"

Gribojedow gelang es, in der Komödie „eine entspannte, einfache Sprache zu schaffen, genau die gleiche Sprache, die in unserer Gesellschaft gesprochen wird“, schrieb der Zeitgenosse des Dichters, V.F. Odojewski. Gribojedow führte in seine Verse umgangssprachliche und volkstümliche Ausdrücke ein. „Schlaf in der Hand“, „Raus aus jedermanns Hof“, „Wie auch immer sie dir etwas zu trinken geben“, „Schlag dir den Unsinn aus dem Kopf“ – so spricht Famusov mit seinem Haushalt und seinen Bediensteten. In Chatskys Monologen sind die Beinamen, mit denen er seine Haltung gegenüber dem Neuen, Fortschrittlichen definiert, ausdrucksstark und präzise. Seine Einschätzungen des „vergangenen Jahrhunderts“ sind nicht weniger bildlich: „finstere alte Frauen, alte Männer altersschwach wegen Erfindungen und Unsinn.“ Die kurzen Beschreibungen von Skalozub sind ausgezeichnet – „eine Konstellation von Manövern und Mazurkas“, Molchalin – „ein Speichellecker und ein Geschäftsmann“.

Ich möchte dieses Werk mit den unsterblichen Worten Belinskys abschließen, die auch heute noch aktuell sind: „Gribojedow gehört zu den stärksten Manifestationen des russischen Geistes. In „Woe from Wit“ ist er immer noch ein leidenschaftlicher, aber vielversprechender junger Mann tiefer Mut – ein Baby, aber ein Baby, das noch in der Wiege erdrosselt wurde, riesige Schlangen, ein Baby, aus dem der wundersame Herakles hervorgehen würde. Die rationale Erfahrung des Lebens und die wohltuende Kraft der Jahre würden die Aufregung einer überschwänglichen Natur ausgleichen , sein Feuer würde erlöschen und seine Flamme würde verschwinden, aber Wärme und Licht, ein Blick, würden klarer und erhöht zu einer ruhigen und sachlichen Betrachtung des Lebens, in der alles notwendig und alles vernünftig ist – und dann der Dichter würde erscheinen Künstler und hinterließ seiner Nachwelt nicht die lyrischen Impulse seiner Subjektivität, sondern harmonische Schöpfungen, objektive Reproduktionen der Phänomene des Lebens ...“

LISTE DER VERWENDETEN REFERENZEN

1. Belinsky. V., „Woe from Wit“ Komödie in 4 Akten, in Versform. Essay von A. S. Griboyedov: Gesammelte Werke in 9 Bänden – 2 Bände – M.: „Fiction“, 1977

2. Kedrov K., „Woe to Wit“: Komödie von A.S. Gribojedow „Woe from Wit“ – St. Petersburg: „Azbuka“, 2002

3. Filippov V., „Griboedovs Komödie „Woe from Wit“: Komödien – M., „Fiktion“.

4. Smolnikov I.F. „Komödie von A.S. Griboedov „Woe from Wit“: - M., 1986

5. Medvedeva I. „Woe from Wit“ A.S. Gribojedow“ – M-1974

6. Griboyedov A. S. „Woe from Wit“ Komödie in 4 Akten, in Versen: „: Komödien. Griboyedov. Moliere. - M., „Fiction“, 1981

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