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Anfang Dezember 2011 wurden bei russischen Auktionen in London neue Preisrekorde aufgestellt. Als Jahreszusammenfassung haben wir auf Basis der Auktionsergebnisse eine Liste der teuersten Werke russischer Künstler zusammengestellt.

33 teuerste Orte. Quelle: 33 teuerste Orte.

Den Bewertungen zufolge ist Mark Rothko der teuerste russische Künstler. Sein White Center (1950), verkauft für Darüber hinaus belegt das Gemälde mit 72,8 Millionen US-Dollar den 12. Platz auf der Liste der teuersten Gemälde der Welt überhaupt. Allerdings war Rothko Jude, in Lettland geboren und verließ Russland im Alter von 10 Jahren. Ist es fair?mit so einer Strecke Verfolgungsjagd für Schallplatten? Daher haben wir Rothko wie andere Emigranten, die Russland verlassen haben, ohne noch Künstler zu werden (z. B. Tamara de Lempicki und Chaim Soutine), von der Liste gestrichen.

Nr. 1. Kasimir Malewitsch – 60 Millionen Dollar.

Der Autor von „Black Square“ ist eine zu bedeutende Person, als dass seine Werke oft auf dem freien Markt zu finden wären. Dieses Gemälde kam also auf sehr schwierige Weise zur Auktion. Im Jahr 1927 brachte Malewitsch, der eine Ausstellung organisieren wollte, fast hundert Werke aus seiner Leningrader Werkstatt nach Berlin. Er wurde jedoch dringend in seine Heimat zurückgerufen und überließ sie der Obhut des Architekten Hugo Hering. Er rettete die Gemälde in den schwierigen Jahren der faschistischen Diktatur, als sie als „entartete Kunst“ hätten vernichtet werden können, und verkaufte sie 1958, nach Malewitschs Tod, an das Staatliche Stedelek-Museum (Holland).

Zu Beginn des 21. Jahrhunderts leitete eine Gruppe von Malewitschs Erben, fast vierzig Personen, ein Gerichtsverfahren ein – weil Hering nicht der rechtmäßige Eigentümer der Gemälde war. Daraufhin schenkte ihnen das Museum dieses Gemälde und wird ihnen vier weitere schenken, die bei einer Auktion sicherlich für Aufsehen sorgen werden. Schließlich ist Malewitsch einer der talentiertesten Künstler der Welt und die Herkunft der Gemälde aus dem Stedelek-Museum ist einwandfrei. Und im Januar 2012 erhielten die Erben ein weiteres Gemälde aus dieser Berliner Ausstellung und nahmen es aus dem Schweizer Museum mit.

Nr. 2. Wassily Kandinsky – 22,9 Millionen US-Dollar.

Der Auktionspreis eines Werkes wird von seinem Ruf beeinflusst. Dabei handelt es sich nicht nur um einen großen Namen des Künstlers, sondern auch um „Provenienz“ (Herkunft). Ein Objekt aus einer berühmten Privatsammlung oder einem guten Museum ist immer mehr wert als ein Werk aus einer anonymen Sammlung. „Fuge“ stammt aus dem berühmten Guggenheim-Museum: Eines Tages entfernte Regisseur Thomas Krenz Kandinsky, ein Gemälde von Chagall und Modigliani, aus den Museumssammlungen und stellte es zum Verkauf. Aus irgendeinem Grund kaufte das Museum mit dem erhaltenen Geld eine Sammlung von 200 Werken amerikanischer Konzeptualisten. Krenz wurde für diese Entscheidung sehr lange verurteilt.

Dieses Gemälde des Vaters der abstrakten Kunst ist neugierig, weil es bereits 1990 einen Rekord aufstellte, als die Auktionsräume in London und New York noch nicht mit rücksichtslosen russischen Käufern gefüllt waren. Dank dessen verschwand es übrigens nicht in einer sehr privaten Sammlung eines luxuriösen Herrenhauses, sondern ist dauerhaft im privaten Beyeler-Museum in der Schweiz ausgestellt, wo es jeder sehen kann. Eine seltene Gelegenheit für einen solchen Kauf!

Nr. 3. Alexey Yavlensky – 9,43 Millionen Pfund

Ein unbekannter Käufer zahlte rund 18,5 Millionen US-Dollar für ein Porträt, das ein Mädchen aus einem Dorf in der Nähe von München zeigt. Shokko ist kein Name, sondern ein Spitzname. Jedes Mal, wenn das Model das Atelier der Künstlerin betrat, bat sie um eine Tasse heiße Schokolade. Also schlug „Shokko“ hinter ihr Wurzeln.

Das verkaufte Gemälde ist Teil seines berühmten Zyklus „Race“, der die heimische Bauernschaft im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts darstellt. Und tatsächlich porträtiert sie sie mit solchen Gesichtern, dass es gruselig anzusehen ist. Hier erscheint im Bild eines Hirten der Bauerndichter Nikolai Klyuev, der Vorläufer von Yesenin. Zu seinen Gedichten gehören: „In der Hitze des Tages ist die scharlachrote Blume entlaubt und verblüht – Das kühne Licht eines Kindes ist weit von der Liebsten entfernt.“

Nr. 19. Konstantin Makovsky – 2,03 Millionen Pfund

Makovsky ist ein Salonmaler, der für die große Anzahl von Weißdornköpfen in Kokoshniks und Sommerkleidern sowie für die Malerei bekannt ist „Kinder fliehen vor einem Gewitter“, das einst ständig auf Geschenkschachteln mit Pralinen gedruckt war. Seine süßen historischen Gemälde erfreuen sich bei russischen Käufern einer ständigen Nachfrage.

Das Thema dieses Gemäldes- Altrussisch „Kussritual“ Adligen Frauen im alten Russland war es nicht gestattet, die Frauenquartiere zu verlassen, und nur um der Ehrengäste willen durften sie herauskommen, ein Glas mitbringen und (das Schönste) sich küssen lassen. Achten Sie auf das an der Wand hängende Gemälde: Es handelt sich um ein Bild des Zaren Alexej Michailowitsch, eines der ersten Reiterporträts, die in Russland erschienen. Seine Komposition galt, obwohl sie offensichtlich einem europäischen Vorbild nachempfunden war, für die damalige Zeit als ungewöhnlich innovativ und sogar schockierend.

Nr. 20. Swjatoslaw Roerich – 2,99 Millionen US-Dollar

Der Sohn von Nicholas Roerich verließ Russland als Teenager. Lebte in England, den USA und Indien. Wie sein Vater interessierte er sich für östliche Philosophie. Wie sein Vater malte er viele Gemälde zu indischen Themen. Sein Vater nahm im Allgemeinen einen großen Platz in seinem Leben ein – er malte mehr als dreißig Porträts von ihm. Dieses Gemälde entstand in Indien, wo sich der Clan Mitte des Jahrhunderts niederließ. Gemälde von Svyatoslav Roerich erscheinen selten auf Auktionen, und in Moskau sind Werke der berühmten Dynastie in den Sälen des Museums des Ostens zu sehen, dem die Autoren sie gespendet haben, sowie im Internationalen Zentrum der Roerichs, das befindet sich in einem luxuriösen Adelshaus direkt hinter dem Puschkin-Museum. Beide Museen mögen sich nicht wirklich: Das Museum des Ostens beansprucht sowohl das Gebäude als auch die Sammlungen des Roerich-Zentrums.

Nr. 21. Ivan Shishkin – 1,87 Millionen Pfund

Der wichtigste russische Landschaftsmaler verbrachte drei Sommer hintereinander auf Walaam und hinterließ viele Bilder dieser Gegend. Dieses Werk ist etwas düster und ähnelt nicht dem klassischen Shishkin. Dies lässt sich jedoch dadurch erklären, dass das Gemälde aus seiner Frühzeit stammt, als er seinen Stil noch nicht gefunden hatte und stark von der Düsseldorfer Landschaftsschule beeinflusst war, in der er studierte.

Wir haben diese Düsseldorfer Schule bereits oben im Rezept für Fake Aivazovsky erwähnt. " „Shishkins“ werden beispielsweise 2004 nach dem gleichen Schema hergestellt Sotheby's stellte „Landschaft mit Bach“ aus der Düsseldorfer Zeit des Malers aus. Der Schätzwert betrug 1 Million US-Dollar und eine Untersuchung der Tretjakow-Galerie bestätigte, dass das Los zurückgezogen wurde – es stellte sich heraus, dass es sich um ein Exemplar handelte Gemälde eines anderen Schülers dieser Schule, des Niederländers Marinus Adrian Koekkoek, in Schweden für 65.000 Dollar gekauft.

Nr. 22. Kuzma Petrov-Vodkin – 1,83 Mio. £

In einer Privatsammlung in Chicago wurde das Porträt eines Jungen gefunden, der eine Ikone der Jungfrau Maria hält. Nach der Übergabe an das Auktionshaus begannen Experten mit der Recherche, um seine Herkunft herauszufinden. Es stellte sich heraus, dass das Gemälde 1922 und 1932 auf Ausstellungen zu sehen war. In den 1930er Jahren reisten die Werke des Künstlers im Rahmen einer Ausstellung russischer Kunst durch die USA. Vielleicht haben die Besitzer dieses Gemälde damals erworben.

Beachten Sie den leeren Raum an der Wand hinter dem Jungen. Zunächst dachte der Autor daran, dort ein Fenster mit einer grünen Landschaft zu malen. Dies würde das Bild sowohl in der Komposition als auch in den Farben ausbalancieren – das Gras würde die grüne Tunika der Muttergottes widerspiegeln (laut Kanon sollte sie übrigens blau sein). Warum Petrov-Vodkin das Fenster übermalte, ist unbekannt.

Nr. 23. Nicholas Roerich – 1,76 Millionen Pfund

Bevor er Shambhala besuchte und begann, mit dem Dalai Lama zu korrespondieren, spezialisierte sich Nicholas Roerich recht erfolgreich auf das altrussische Thema und fertigte sogar Ballettskizzen für „Russische Jahreszeiten“ an. Das verkaufte Los stammt aus diesem Zeitraum. Bei der dargestellten Szene handelt es sich um ein wundersames Phänomen über dem Wasser, das von einem russischen Mönch, höchstwahrscheinlich Sergius von Radonesch, beobachtet wird. Es ist merkwürdig, dass das Gemälde im selben Jahr gemalt wurde wie eine andere Vision von Sergius (damals der junge Bartholomäus), die in unserer obigen Liste erscheint. Der stilistische Unterschied ist enorm.

Roerich malte viele Gemälde, den Löwenanteil davon in Indien. Er spendete mehrere Stücke an das Indian Institute of Agricultural Research. Kürzlich zwei davon, Himalaya, Kanchenjunga und Sunset, Kashmir ", erschien bei einer Auktion in London. Erst dann bemerkten die Nachwuchsforscher des Instituts, dass sie ausgeraubt worden waren. Im Januar 2011 beantragten die Inder bei einem Londoner Gericht die Erlaubnis, dieses Verbrechen in England untersuchen zu dürfen. Das Interesse der Diebe am Erbe Roerichs ist verständlich, denn es besteht eine Nachfrage.

Nr. 24. Lyubov Popova – 1,7 Millionen Pfund

Lyubov Popova starb jung, daher gelang es ihr nicht, berühmt zu werden wie eine andere Amazone der Avantgarde, Natalya Goncharova. Und ihr Erbe ist kleiner – daher ist es schwierig, ihre Arbeiten zum Verkauf zu finden. Nach ihrem Tod wurde ein detailliertes Inventar der Gemälde erstellt. Viele Jahre lang war dieses Stillleben nur als Schwarz-Weiß-Reproduktion bekannt, bis es in einer Privatsammlung auftauchte und sich als das bedeutendste Werk des Künstlers in Privatbesitz herausstellte. Achten Sie auf das Zhostovo-Tablett – vielleicht ist dies ein Hinweis auf Popovas Vorliebe für Volkshandwerk. Sie stammte aus der Familie eines Kaufmanns aus Iwanowo, der mit Textilien handelte, und sie selbst fertigte viele Skizzen von Propagandatextilien an, die auf russischen Traditionen basierten.

Nr. 25. Aristarkh Lentulov – 1,7 Millionen Pfund

Lentulov ging mit seinem einprägsamen Bild der Basilius-Kathedrale in die Geschichte der russischen Avantgarde ein – entweder im Kubismus oder als Patchworkdecke. In dieser Landschaft versucht er nach einem ähnlichen Prinzip den Raum aufzuteilen, was jedoch nicht so spannend ausfällt. Eigentlich ist das der Grund „Heiliger Basilius der Selige“"in der Tretjakow-Galerie und dieses Gemälde- auf dem Kunstmarkt. Schließlich hatten Museumsmitarbeiter einst die Möglichkeit, den Rahm abzuschöpfen.

Nr. 26. Alexey Bogolyubov – 1,58 Millionen Pfund

Der Verkauf dieses wenig bekannten Künstlers, wenn auch des beliebtesten Landschaftsmalers von Zar Alexander III., für so wahnsinniges Geld ist ein Symptom der Marktturbulenzen am Vorabend der Krise von 2008. Zu dieser Zeit waren russische Sammler bereit, auch kleinere Meister zu kaufen. Zudem werden erstklassige Künstler selten verkauft.

Vielleicht wurde dieses Gemälde als Geschenk an einen Beamten geschickt: Es hat ein passendes Thema, denn die Christ-Erlöser-Kathedrale ist längst nicht mehr nur eine Kirche, sondern ein Symbol. Und ein schmeichelhafter Ursprung: Das Gemälde wurde im königlichen Palast aufbewahrt. Achten Sie auf die Details: Der gemauerte Kremlturm ist mit weißem Putz bedeckt und der Hügel im Inneren des Kremls ist völlig unbebaut. Warum sollten Sie es versuchen? In den 1870er Jahren war die Hauptstadt St. Petersburg und nicht Moskau, und der Kreml war keine Residenz.

Nr. 27. Isaac Levitan – 1,56 Millionen Pfund

Völlig untypisch für Levitan wurde das Werk auf derselben Auktion wie Bogoljubows Gemälde versteigert, erwies sich jedoch als günstiger. Das hängt natürlich damit zusammen, dass das Bild nicht wie Levitan aussieht " Seine Urheberschaft ist jedoch unbestreitbar; eine ähnliche Handlung befindet sich im Dnepropetrowsk-Museum. Zu Ehren der Krönung von Nikolaus II. wurden 40.000 Glühbirnen angezündet, mit denen der Kreml geschmückt war. In ein paar Tagen wird die Chodynka-Katastrophe passieren.

Nr. 28. Arkhip Kuindzhi – 3 Millionen US-Dollar.

Der berühmte Landschaftsmaler malte drei ähnliche Gemälde. Die erste befindet sich in der Tretjakow-Galerie, die dritte im Staatlichen Museum von Belarus. Der zweite, bei der Auktion präsentierte, war für Fürst Pawel Pawlowitsch Demidow-San Donato bestimmt. Dieser Vertreter der berühmten Ural-Dynastie lebte in einer Villa in der Nähe von Florenz. Im Allgemeinen hatten die Demidovs, die italienische Fürsten geworden waren, Spaß, so gut sie konnten. Pauls Onkel zum Beispiel, von dem er den Fürstentitel geerbt hatte, war so reich und edel, dass er die Nichte von Napoleon Bonaparte heiratete und sie eines Tages in schlechter Laune auspeitschte. Der armen Dame fiel es schwer, sich scheiden zu lassen. Das Gemälde erreichte Demidov jedoch nicht; es wurde von der ukrainischen Zuckerfabrik Tereschtschenko erworben.

Nr. 29. Konstantin Korovin – 1,497 Millionen Pfund

Impressionisten zeichnet sich durch einen sehr „leichten“, schwungvollen Schreibstil aus. Korowin ist der wichtigste russische Impressionist. Es ist bei Betrügern sehr beliebt; Gerüchten zufolge liegt die Zahl der Fälschungen bei Auktionen bei 80 %. Wenn ein Gemälde aus einer Privatsammlung auf der persönlichen Ausstellung des Künstlers in einem berühmten staatlichen Museum ausgestellt wurde, stärkt dies seinen Ruf und kostet bei der nächsten Auktion viel mehr. Für 2012 plant die Tretjakow-Galerie eine groß angelegte Ausstellung von Korovin. Vielleicht gibt es Werke aus Privatsammlungen. Dieser Absatz ist ein Beispiel für die Manipulation des Bewusstseins des Lesers durch die Auflistung von Fakten, die keinen direkten logischen Zusammenhang miteinander haben.

• Bitte beachten Sie, dass die Tretjakow-Galerie vom 26. März bis 12. August 2012 eine Veranstaltung versprichtKorovin-Ausstellung . Lesen Sie mehr über die Biografie des charmantesten Künstlers des Silbernen Zeitalters in unserer Rezension Eröffnungstage der Staatlichen Tretjakow-Galerie im Jahr 2012.

Nr. 30. Yuri Annenkov – 2,26 Millionen US-Dollar.

Annenkov gelang 1924 die Emigration und machte im Westen eine gute Karriere. Beispielsweise wurde er 1954 als Kostümbildner für den Film für einen Oscar nominiert „Madame de…“ Am bekanntesten sind seine frühen sowjetischen Porträts- Die Gesichter sind kubistisch, facettiert, aber vollständig erkennbar. So zeichnete er beispielsweise immer wieder Leo Trotzki – und wiederholte die Zeichnung sogar viele Jahre später aus dem Gedächtnis, als das Times-Magazin das Cover damit schmücken wollte.

Die in dem rekordverdächtigen Porträt dargestellte Figur ist der Schriftsteller Tikhonov-Serebrov. In die Geschichte der russischen Literatur trat er vor allem durch seine enge Freundschaft mit ein. So nah, dass schmutzigen Gerüchten zufolge die Frau des Künstlers Warwara Schaikewitsch sogar eine Tochter des großen proletarischen Schriftstellers zur Welt brachte. Auf der Reproduktion fällt es nicht besonders auf, aber das Porträt wurde in Collagetechnik angefertigt: Glas und Gips werden auf eine Schicht Ölfarbe gelegt, und sogar eine echte Türklingel ist angebracht.

Nr. 31. Lev Lagorio – 1,47 Millionen Pfund

Ein weiterer kleiner Landschaftsmaler, der aus irgendeinem Grund für einen Rekordpreis verkauft wurde. Einer der Indikatoren für den Erfolg der Auktion ist das Überschreiten der Schätzung („Schätzung“) – des Mindestpreises, den die Experten des Auktionshauses für das Los festgelegt haben. Die Schätzung für diese Landschaft lag bei 300-400.000 Pfund, sie wurde jedoch für das Vierfache teurer verkauft. Wie ein Londoner Auktionator sagte: „Glück ist wenn zwei russische Oligarchen um dasselbe konkurrieren.“

Nr. 32. Viktor Vasnetsov – 1,1 Millionen Pfund

Bogatyrer wurden bereits in den 1870er Jahren zu einer Visitenkarte. Wie andere Veteranen der russischen Malerei kehrt er in den Jahren der jungen Sowjetrepublik zu seinem Starthema zurück – sowohl aus finanziellen Gründen als auch, um sich wieder gefragt zu fühlen. Dieses Bild ist die Wiederholung des Autors „Ilya Muromets“ (1915), das im Hausmuseum des Künstlers (am Prospekt Mira) aufbewahrt wird.

Nr. 33. Erik Bulatov – 1,084 Millionen Pfund

Der zweite lebende Künstler auf unserer Liste (er sagte auch, dass der beste Weg für einen Künstler, die Preise für seine Werke zu erhöhen, der Tod sei). Das ist übrigens ein sowjetischer Warhol, Untergrund- und Antikommunist. Er arbeitete im Genre der sozialen Kunst, das vom sowjetischen Untergrund als unsere Version der Pop-Art geschaffen wurde. „Ruhm sei der KPdSU“ ist eines der berühmtesten Werke des Künstlers. Nach seinen eigenen Erklärungen symbolisieren die Buchstaben hier ein Gitter, das den Himmel, also die Freiheit, vor uns versperrt.

Bonus: Zinaida Serebryakova – 1,07 Millionen Pfund

Serebryakova malte gern nackte Frauen, Selbstporträts und ihre vier Kinder. Diese ideale feministische Welt ist harmonisch und ruhig, was man nicht über das Leben der Künstlerin selbst sagen kann, die nach der Revolution kaum aus Russland geflohen ist und große Anstrengungen unternommen hat, um ihre Kinder dort herauszuholen.

„Akt“ ist kein Ölgemälde, sondern eine Pastellzeichnung. Dies ist die teuerste russische Zeichnung. Der für die Grafik gezahlte hohe Betrag ist mit den Preisen für impressionistische Zeichnungen vergleichbar und sorgte bei Sotheby's für große Überraschung, das die Auktion mit 150.000 Pfund Sterling startete und eine Million erhielt.

Die Liste wird auf der Grundlage der auf den offiziellen Websites der Auktionshäuser angegebenen Preise zusammengestellt. Dieser Preis setzt sich zusammen aus dem Nettopreis (der bei Zuschlagserteilung angegeben wird) und« Käuferprämie (zusätzlicher Prozentsatz des Auktionshauses). Andere Quellen könnten darauf hinweisen "rein» Preis. Der Dollar-Pfund-Wechselkurs schwankt oft, sodass britische und amerikanische Lots mit ungefährer Genauigkeit relativ zueinander lokalisiert werden (wir sind nicht Forbes).

Ergänzungen und Korrekturen zu unserer Liste sind jederzeit willkommen.

Gemälde russischer Künstler vergangener Jahrhunderte, sowohl Landschafts- als auch Porträtmaler, werden häufig auf Auktionen angeboten und das Interesse an ihnen wächst ständig. Diese Gemälde unterscheiden sich stark von den Werken unzureichender zeitgenössischer Künstler, deren Werke Sie in diesem Artikel sehen können. Der Kampf um die Werke echter Meister ist ernst; die Leute kaufen sie für Millionen! Unsere Bewertung der teuersten berühmten Gemälde russischer Künstler umfasst genau die Werke, die auf Auktionen verkauft wurden.

10,84 Millionen US-Dollar Nikolay Feshin. Kleiner Cowboy

Der berühmte große Porträtmeister Nikolai Feshin absolvierte die Akademie der Künste im Atelier von Ilja Repin, verbrachte jedoch fast sein gesamtes Leben in Amerika. Die Gemälde des russischen Künstlers befinden sich in 30 Museen auf der ganzen Welt. In unserem Land können Sie die Werke des Meisters im Museum der Akademie der Künste kennenlernen.

Dieses Gemälde mit dem Titel „Little Cowboy“ wurde 2010 von einem russischen Sammler für 10,84 Millionen US-Dollar bei der MacDougall-Auktion erworben. Bemerkenswert ist, dass der Startpreis des Porträts 700.000 Pfund Sterling betrug.

Generell erfreuen sich gute Arbeiten mit Kinderporträts seit jeher großer Beliebtheit.

10,88 Millionen US-Dollar. Blumen

Natalia Goncharova wird als „Amazone der Avantgarde“ bezeichnet, eine Erneuerin der Malerei. Sie war eine ausgezeichnete Dekorateurin und Grafikerin.

Ihr Werk „Flowers“ wurde 2008 bei Christie’s für 10,88 Millionen US-Dollar verkauft. Das Gemälde wurde von der Künstlerin in einem besonderen Zeitraum ihres Schaffens gemalt. Das Gemälde vereint auf harmonische Weise Rayonismus, Futurismus, Elemente der russischen Volkskunst und Ikonenmalerei.

Die Leinwand wurde 1914 auf einer Pariser Ausstellung in der Galerie Paul Guillaume ausgestellt.

12,09 Millionen US-Dollar. Madonna Laboris (Werke Unserer Lieben Frau)

Nicholas Roerichs Gemälde „Die Arbeit der Mutter Gottes“ wurde 2013 bei Bonhams für 12 Millionen Dollar verkauft. Dies ist eines der Gemälde eines Triptychons, das zwei weitere Werke umfasst: „Unsere Liebe Frau von der Oriflamme“ und „Unsere Liebe Frau vom Verteidiger“.

Minikopien der Gemälde befinden sich in Museen in Riga und New York. Dieses Meisterwerk der Malerei kam direkt aus der Sammlung des Rosenkreuzerordens zur Versteigerung.

14,51 Millionen Dollar. Porträt von Maria Tsetlina

„Porträt von Maria Tsetlina“ wurde 1910 von Valentin Serov gemalt. Dies ist sein bisher teuerstes Werk. Das Gemälde zeigt Maria Samoilovna Tsetlina, eine berühmte Philanthropin, Verlegerin, öffentliche und politische Persönlichkeit.

Im Jahr 2014 wurde das Gemälde bei einer Christie’s-Auktion für 14,51 Millionen US-Dollar versteigert. Es ist nicht bekannt, wer das Gemälde telefonisch erworben hat.

Bemerkenswert ist, dass dieses Werk lange Zeit als verschollen galt; erst 1996 wurde der Verbleib des Porträts bekannt.

14,85 Millionen Dollar. Jubiläum

Ein weiteres sagenhaft teures Gemälde, „Anniversary“ von Marc Chagall, wurde 1990 für 14,9 Millionen Dollar verkauft. Es wurde 1923 gemalt, während der sogenannten goldenen Periode des Künstlers. Die Leinwand zeigt seine Flucht mit seiner Frau Bella.

Chagalls Werke erfreuen sich stets hoher Wertschätzung und Nachfrage. Die Werke des Künstlers sind auch in der Tretjakow-Galerie zu sehen.

18,59 Millionen US-Dollar. Shokko mit breitkrempigem Hut

Alexey Jawlenskys Werk „Chocco mit breitkrempigem Hut“ wurde für 18,59 Millionen US-Dollar versteigert. Wassily Kandinskys Mitarbeiter erfreut sich vor allem im Westen großer Beliebtheit – dort ist er unter dem Namen Alexej von Jawlensky bekannt. Eine große Sammlung von Gemälden des Künstlers befindet sich in der Omsker Kunstgalerie, die ihm der Bruder des Künstlers, Dmitry, geschenkt hat.

23,04 Millionen Dollar. Skizze zu „Improvisation Nr. 8“

„Sketch for Improvisation No. 8“ wurde 1909 geschrieben und war dann fast 50 Jahre lang Eigentum der Volkaert Brothers Charitable Foundation in der Schweiz.

Im Herbst 2012 wurde das Gemälde bei Christie’s in New York für 23 Millionen Dollar verkauft. Die Leinwand zeigt Szenen aus der Geschichte der Kiewer Rus.

28,16 Millionen US-Dollar. Bullenkadaver

Der berühmte russische Maler, Vertreter der Pariser Schule, Chaim Soutine, malte von 1923 bis 1925 einen Zyklus von 9 Leinwänden mit der Darstellung von Stierkadavern. Nur drei der neun Tuschegemälde befinden sich derzeit im Besitz privater Sammler, und das größte und auffälligste Bild wurde für den Rekordpreis von 28,16 Millionen US-Dollar verkauft.

Zuerst malte der Künstler gern Stillleben, dann begann er, den Tierkadaver an die Wand zu hängen und schuf weiterhin seine Meisterwerke, ohne zu bemerken, dass das Fleisch mit der Zeit verdirbt. Es gab zahlreiche Fälle, in denen Nachbarn aufgrund des unangenehmen Geruchs von verdorbenem Fleisch die Polizei riefen und es dann zu Konflikten zwischen Vorarbeiter und Ordnungskräften kam. Nach Zwischenfällen mit Polizisten begann Soutine, Kadaver in Formaldehyd einzuweichen.

60,00 Millionen Dollar. Suprematistische Komposition

Malewitschs Gemälde „Suprematistische Komposition“ ist praktisch ein Rekordhalter unter den russischen Gemälden. Das Schicksal dieser Arbeit ist nicht einfach. Das Gemälde besuchte zunächst Ausstellungen in Europa und wurde dann vom Architekten Hugo Göring und dem Amsterdamer Museum aufbewahrt.

Erst 17 Jahre später, nach zahlreichen Versuchen, wurde die Leinwand an Malewitschs Nachkommen zurückgegeben. Es wurde jedoch bald für die sagenhafte Summe von 60 Millionen Dollar verkauft.

86,88 Millionen US-Dollar. Orange, Rot, Gelb

Das teuerste Gemälde ist das Gemälde „Orange, Rot, Gelb“ des mysteriösen zeitgenössischen Künstlers Mark Rothko. Seine Gemälde befinden sich in vielen berühmten Museen für moderne Kunst.

Im Jahr 2012 wurde dieses Werk aus dem Jahr 1961 bei Christie’s für 86,88 Millionen US-Dollar versteigert. Dieses Gemälde ist das teuerste Werk eines Künstlers russischer Herkunft, das in der Nachkriegszeit auf einer öffentlichen Auktion versteigert wurde.

Bewertung der Auktionsergebnisse russischer Kunstwerke

1. Zur Teilnahme wurden nur Ergebnisse öffentlicher Auktionen akzeptiert.
2. Die Zugehörigkeit zu russischen Künstlern wurde durch den Geburtsort bestimmt. Geboren im Russischen Reich oder in der UdSSR – das heißt, er ist ein russischer Künstler, ohne Rücksicht auf seine ethnische Herkunft oder Rücksicht auf die weitere Entwicklung seines Schicksals. Beispielsweise ist die Tatsache, dass Kandinsky zu unterschiedlichen Zeiten sowohl die russische als auch die deutsche Staatsbürgerschaft besaß und mit der französischen Staatsbürgerschaft starb, kein Grund, daran zu zweifeln, dass der Künstler Russe ist.
3. Regel: ein Künstler – ein Gemälde. Das heißt, die Situation, in der streng genommen alle ersten Plätze den Werken von Mark Rothko zugeteilt werden müssten, wird folgendermaßen gelöst: Wir lassen nur das teuerste Werk übrig und ignorieren alle anderen Ergebnisse für die Gemälde dieses Künstlers .

Die Bewertung basiert auf Ergebnissen unter Berücksichtigung der Käuferprämie, ausgedrückt in Dollar (die bei europäischen Auktionen angezeigten Zahlen, d. h. in Pfund oder Euro, werden zum Wechselkurs am Handelstag in Dollar umgerechnet). Daher weder „Die Spanische Grippe“ von Gontscharowa, das am 2. Februar 2010 für 6,43 Millionen Pfund verkauft wurde, noch das Gemälde „Blick auf Konstantinopel und den Bosporus“ von Aivazovsky, für das am 24. April 2012 3,23 Millionen Pfund bezahlt wurden. wurden nicht in die Transaktionswährung einbezogen, d. h. In Pfund ausgedrückt sind sie teurer als die Gemälde, die einen Platz in der Rangliste belegten, aber mit dem Dollar-Wechselkurs hatten sie kein Glück.

1. 86,88 Millionen US-Dollar Mark Rothko. Orange, Rot, Gelb (1961)

Einer der geheimnisvollsten Künstler unserer Zeit. Sein Lebensweg scheint aus Widersprüchen gewoben zu sein – in kreativen Suchen, in Handlungen, in Gesten... Rothko gilt als einer der Ideologen und natürlich als Schlüsselfigur des amerikanischen abstrakten Expressionismus und konnte es nicht ertragen, als seine Werke genannt wurden Abstrakt. Da er in der Vergangenheit gut wusste, was es heißt, von der Hand in den Mund zu leben, gab er seinen Kunden einst trotzig einen absolut fantastischen Vorschuss für das heutige Geld zurück und hinterließ ein fast vollständig abgeschlossenes Werk. Nachdem er fast fünfzig Jahre lang auf seinen Erfolg und die Möglichkeit gewartet hatte, von der Malerei zu leben, lehnte er mehr als einmal Menschen ab, die seine Karriere zerstören könnten, wenn sie wollten. Zumindest ein Sozialist im Herzen, der die Ideen von Marx teilte und den Reichen und Reichen feindlich gegenüberstand, wurde Rothko schließlich zum Autor der teuersten Gemälde der Welt, was tatsächlich zu einem Attribut des hohen Status von wurde ihre Besitzer. (Es ist kein Scherz, das rekordverdächtige „White Center“, das für 65 Millionen US-Dollar verkauft wurde, stammte von der Familie Rockefeller.) Er träumte von der Anerkennung durch das Massenpublikum und wurde schließlich zum Schöpfer von Gemälden, die immer noch nur einem Kreis wirklich verständlich sind von Intellektuellen und Kennern. Schließlich beendete der Künstler, der durch die Musik seiner Gemälde das Gespräch mit Gott suchte, der Künstler, dessen Werke zum zentralen Element in der Gestaltung der Kirche aller Religionen wurden, sein Leben mit einem völlig verzweifelten Akt des Kampfes gegen Gott. ..

Rothko, der sich an die Pale of Settlement und die Kosaken erinnerte, wäre vielleicht überrascht gewesen, dass sie auch stolz auf ihn als russischen Künstler sind. Allerdings gab es in den 1930er Jahren in Amerika reichlich Antisemitismus – es war kein Zufall, dass der Künstler den Familiennamen Rotkovich „abkürzte“. Aber wir nennen ihn nicht ohne Grund Russisch. Zunächst einmal basierend auf der Tatsache der Geburt. Das lettische Dwinsk, das heutige Daugavpils, war zur Zeit der Geburt von Marcus Rotkowitsch Teil Russlands und wird es bis zum Zusammenbruch des Reiches, bis 1918, bleiben. Zwar wird Rothko die Revolution nicht mehr erleben. 1913 wurde der Junge in die USA gebracht, die Familie zog nach Portland, Oregon. Das heißt, ich habe meine Kindheit und Jugend in Russland verbracht, wo meine Lebensauffassung und -anschauung geformt wurde. Wir stellen fest, dass Rothko nicht nur hier geboren wurde, sondern auch mit Russland in Verbindung gebracht wird, sowohl ideologische Themen als auch Konflikte. Es ist bekannt, dass er die Werke Dostojewskis schätzte. Und selbst die Laster, denen sich Rothko hingab, werden aus irgendeinem Grund in der Welt mit Russen in Verbindung gebracht. Aus irgendeinem Grund wird Depression im Westen als „russische Krankheit“ bezeichnet. Das ist natürlich kein Argument, sondern ein weiterer Hinweis auf die Integrität des russischen Künstlercharakters.

Rothko brauchte 15 lange Jahre, um innovative Entdeckungen in der Malerei zu machen. Nachdem er sich vielen figurativen Hobbys widmete, darunter Surrealismus und figurativer Expressionismus, vereinfachte er Mitte der 1940er Jahre die Struktur seiner Gemälde extrem und beschränkte die Ausdrucksmittel auf wenige farbige Blöcke, die die Komposition bilden. Die intellektuelle Grundlage seiner Arbeit ist fast immer eine Frage der Interpretation. Rothko gab normalerweise keine direkten Antworten und rechnete mit der Beteiligung des Betrachters am Verständnis des Werkes. Das Einzige, worauf er definitiv zählte, war die emotionale Arbeit des Zuschauers. Seine Bilder dienen nicht der Erholung, nicht der Entspannung und nicht der „visuellen Massage“. Sie sind auf Empathie ausgelegt. Manche sehen sie als Fenster, die einen Blick in die Seele des Betrachters ermöglichen, andere sehen sie als Türen in eine andere Welt. Es gibt eine Meinung (die der Wahrheit vielleicht am nächsten kommt), dass seine Farbfelder metaphorische Bilder Gottes sind.

Die dekorative Kraft der „Farbfelder“ erklärt sich durch eine Reihe spezieller Techniken, die Rothko verwendet. Seine Bilder vertragen keine massiven Rahmen – höchstens dünne Ränder in der Farbe der Leinwand. Der Künstler hat die Bildränder bewusst in einem Farbverlauf getönt, sodass das Bildfeld seine Grenzen verliert. Die unscharfen Grenzen der inneren Quadrate sind auch eine Technik, eine Möglichkeit, ohne Kontrast den Effekt des Zitterns, der scheinbaren Überlappung von Farbblöcken, des Pulsierens von Punkten zu erzeugen, wie das Flackern des Lichts elektrischer Lampen. Diese sanfte Auflösung der Farbe in der Farbe wurde insbesondere in Ölfarben erreicht, bis Rothko Ende der sechziger Jahre auf undurchsichtiges Acryl umstieg. Und der gefundene Effekt der elektrischen Pulsation verstärkt sich, wenn man die Gemälde aus nächster Nähe betrachtet. Nach dem Plan des Künstlers ist es für den Betrachter optimal, drei Meter große Leinwände aus einer Entfernung von nicht mehr als einem halben Meter zu betrachten.

Heute sind Rothkos Gemälde der Stolz jedes berühmten Museums für moderne Kunst. So gibt es in der englischen Tate Gallery einen Rothko-Saal, in dem neun Gemälde leben, die im Rahmen eines Vertrags mit dem Restaurant Four Seasons gemalt wurden. Mit diesem Projekt ist eine Geschichte verbunden, die sehr bezeichnend für Rothkos Charakter ist. Im Jahr 1959 wurde der Künstler auf Empfehlung der Besitzer des angesagten Restaurants „Seasons“ kontaktiert, das im ungewöhnlichen New Yorker Wolkenkratzer Seagram Building eröffnet wurde (benannt nach der Firma, die den Alkohol herstellte). Die Vertragssumme belief sich in heutiger Währung auf fast 3 Millionen US-Dollar – selbst für einen etablierten, anerkannten Künstler wie Rothko damals ein sehr bedeutendes Honorar. Als die Arbeiten jedoch fast abgeschlossen waren, gab Rothko den Vorschuss unerwartet zurück und weigerte sich, ihn dem Kunden auszuhändigen. Als einen der Hauptgründe für die plötzliche Tat sahen Biographen die Zurückhaltung, der herrschenden Klasse zu gefallen und die Reichen beim Abendessen zu unterhalten. Es wird auch vermutet, dass Rothko verärgert war, als er erfuhr, dass seine Bilder von normalen Mitarbeitern, die im Gebäude arbeiteten, nicht gesehen werden würden. Allerdings sieht die neueste Version zu romantisch aus.

Fast zehn Jahre später schenkte Rothko einige der für die Vier Jahreszeiten vorbereiteten Leinwände der Tate Gallery in London. In einer bitteren Ironie des Schicksals wurde der Künstler am 25. Februar 1970, dem Tag, an dem die Kartons mit den Gemälden den englischen Hafen erreichten, tot in seinem Atelier aufgefunden – mit durchtrennten Adern und (offenbar als Garantie) einer riesigen Dosis Schlaftabletten darin sein Magen.

Heute erfährt Rothkos Werk eine weitere Welle aufrichtigen Interesses. Es werden Seminare abgehalten, Ausstellungen eröffnet, Monographien veröffentlicht. Am Ufer der Daugava, im Heimatland des Künstlers, wurde ein Denkmal errichtet.

Rothkos Werke sind auf dem Markt keine Seltenheit (wie zum Beispiel Malewitschs Gemälde). Jährlich kommen allein von ihm etwa 10–15 Gemälde auf Auktionen zur Versteigerung, Grafiken nicht mitgerechnet. Das heißt, es gibt keinen Mangel, aber es werden Millionen und Abermillionen Dollar dafür bezahlt. Und solche Preise sind kein Zufall. Es ist vielmehr eine Hommage an seine Innovation, ein Wunsch, neue Bedeutungsebenen zu eröffnen und sich dem kreativen Phänomen eines der mysteriösesten russischen Künstler anzuschließen.

Am 8. Mai 2012 wurde bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst bei Christie’s das Gemälde „Orange, Rot, Gelb“ von 1961 für 86,88 Millionen US-Dollar inklusive Provision versteigert. Das Werk stammt aus der Sammlung des Kunstmäzens David Pincus aus Pennsylvania. David und seine Frau Gerry kauften das 2,4 × 2,1 Meter große Werk von der Marlborough Gallery und verliehen es anschließend für längere Zeit als Leihgabe an das Philadelphia Museum of Art. Das Gemälde „Orange, Rot, Gelb“ wurde nicht nur zum teuersten Werk eines Künstlers russischer Herkunft, sondern auch zum teuersten Werk der Nachkriegs- und zeitgenössischen Kunst, das auf einer offenen Auktion verkauft wurde.

2. 60,00 Millionen Dollar. Suprematistische Komposition (1916)

Während ihres langen Lebens gelang es Sonya, zunächst zusammen mit Robert und nach seinem Tod im Jahr 1941 allein, viele Genres in der Kunst auszuprobieren. Sie beschäftigte sich mit Malerei, Buchillustration, Theaterskizzen (insbesondere entwarf sie die Kulissen für Diaghilews Ballett „Kleopatra“), Kleidungsdesign, Innenarchitektur, Textilmuster und sogar Autotuning.

Sonia Delaunays frühe Porträts und Abstraktionen aus den 1900er-10er Jahren sowie Werke aus der Serie „Color Rhythms“ aus den 1950er-60er Jahren erfreuen sich auf internationalen und nationalen französischen Auktionen großer Beliebtheit. Ihre Preise erreichen oft mehrere hunderttausend Dollar. Der Hauptrekord des Künstlers wurde vor mehr als 10 Jahren aufgestellt – am 14. Juni 2002 bei der Calmels Cohen Pariser Auktion. Dann wurde das abstrakte Werk „Markt in Minho“, das 1915 zu Lebzeiten des Ehepaars Delaunay in Spanien (1914–1920) entstand, für 4,6 Millionen Euro verkauft.

32. 4,30 Millionen US-Dollar. Vision für den jungen Bartholomäus (1922)

Wenn wir unsere Künstler auf einer besonderen Skala des „Russseins“ bewerten, kann Michail Wassiljewitsch Nesterow (1862–1942) sicher irgendwo am Anfang der Liste platziert werden. Seine Gemälde, die Heilige, Mönche und Nonnen in einer lyrischen „Nesterow“-Landschaft darstellen, ganz im Einklang mit der hochspirituellen Stimmung der Helden, wurden zu einem einzigartigen Phänomen in der Geschichte der russischen Kunst. In seinen Gemälden sprach Nesterov über das Heilige Russland, über seinen besonderen spirituellen Weg. Der Künstler vermied in seinen eigenen Worten „die Darstellung starker Leidenschaften und zog ihnen eine bescheidene Landschaft vor, einen Menschen, der ein inneres spirituelles Leben in den Armen unserer Mutter Natur führt.“ Und laut Alexander Benois war Nesterow neben Surikow der einzige russische Künstler, der den erhabenen göttlichen Worten „Der Idiot“ und „Karamasow“ zumindest teilweise nahe kam.

Der besondere Stil und die Religiosität von Nesterovs Gemälden sind auf viele Faktoren zurückzuführen. Beeinflusst wurde er auch durch seine Erziehung in einer patriarchalischen, gläubigen Kaufmannsfamilie in der Stadt Ufa mit ihren typisch russischen Landschaften und durch seine Studienjahre bei den Wanderern Perow, Sawrasow und Prjanischnikow an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (ab 1930). bei ihnen übernahm er die Idee einer Kunst, die Geist und Herz berührt) und von Pavel Chistyakov an der Akademie der Künste (hier übernahm er die Technik des akademischen Zeichnens) und Reisen nach Europa zur Inspiration und einem tiefen persönlichen Drama ( der Tod seiner geliebten Frau Maria einen Tag nach der Geburt ihrer Tochter Olga).

Infolgedessen hatte Nesterov bereits in den späten 1880er und frühen 1890er Jahren sein Thema gefunden, und zu dieser Zeit schrieb er „Vision to the Youth Bartholomew“ (1889–1890). Die Handlung des Bildes ist dem Leben des Heiligen Sergius entnommen. Der junge Bartholomäus (der zukünftige Sergius von Radonesch) traf einen Engel in der Gestalt eines Mönchs und erhielt von ihm Gottes Segen, um die Heilige Schrift zu verstehen und seine Brüder und Kollegen zu übertreffen. Das Bild ist von einem Gefühl des Wunderbaren durchdrungen – nicht nur und nicht so sehr in den Figuren von Bartholomäus und dem Heiligen Alten, sondern auch in der umgebenden Landschaft, die besonders festlich und spirituell ist.

In seinen letzten Jahren bezeichnete der Künstler „Bartholomäus“ mehr als einmal als sein Hauptwerk: „... wenn er dreißig, fünfzig Jahre nach meinem Tod noch etwas zu den Menschen sagt, bedeutet das, dass er lebt, das bedeutet, dass ich lebe.“ Das Gemälde erregte auf der 18. Ausstellung der Wanderer eine Sensation und machte den jungen Ufa-Künstler (Nesterow war damals noch keine dreißig Jahre alt) sofort berühmt. P. M. Tretjakow erwarb „Vision...“ für seine Sammlung, trotz der Versuche, ihn von, wie Nesterow es ausdrückte, „orthodoxen Wanderern“ abzubringen, die in dem Werk richtig erkannten, dass die „rationalistischen“ Grundlagen der Bewegung untergraben wurden. Allerdings hatte der Künstler bereits einen eigenen künstlerischen Weg eingeschlagen, der ihn schließlich berühmt machte.

Mit dem Aufkommen der Sowjetmacht brachen für Nesterov mit seiner religiösen Malerei nicht die besten Zeiten an. Der Künstler wandte sich dem Porträt zu (glücklicherweise hatte er die Gelegenheit, nur Menschen zu malen, die ihm sehr gefielen), wagte aber nicht, über seine bisherigen Sujets nachzudenken. Als jedoch Anfang der 1920er Jahre das Gerücht aufkam, dass in Amerika eine große Ausstellung russischer Kunst vorbereitet würde, entschloss sich Nesterow schnell, daran teilzunehmen, in der Hoffnung, ein neues Publikum zu erreichen. Er schrieb mehrere Werke für die Ausstellung, darunter die vom Autor verfasste Wiederholung von „Vision to the Youth Bartholomew“ (1922), die in der amerikanischen Presse „Vision to St. Sergius in adoleszenz“ hieß. Die neue Fassung hat ein kleineres Format (91 × 109) im Vergleich zur Tretjakow-Fassung (160 × 211), der Mond ist am Himmel erschienen, die Farben der Landschaft sind etwas dunkler und das Gesicht strahlt mehr Ernsthaftigkeit aus Jugend Bartholomäus. Nesterov fasst mit diesem Bild sozusagen die großen Veränderungen zusammen, die seit der Niederschrift der ersten „Vision...“ stattgefunden haben.

Nesterovs Gemälde gehörten zu den wenigen, die auf der Russischen Kunstausstellung 1924 in New York gekauft wurden. „Vision to the Youth Bartholomew“ landete in der Sammlung berühmter Sammler und Förderer von Nicholas Roerich – Louis und Nettie Horsch. Von da an bis 2007 wurde die Arbeit in dieser Familie durch Erbschaft weitergegeben. Und schließlich wurde das Gemälde am 17. April 2007 bei der russischen Auktion von Sotheby’s mit einem Schätzwert von 2 bis 3 Millionen US-Dollar angeboten und übertraf diesen deutlich. Der Endpreis des Hammers, der für Nesterov zum Rekord wurde, betrug 4,30 Millionen US-Dollar. Mit diesem Ergebnis gelangte er in unsere Bewertung.

33. 4,05 Millionen US-Dollar. Spieler (1919)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) ist eine weitere wunderbare Künstlerin der russischen Emigration, die neben Natalia Goncharova, Tamara Lempitskaya und Sonia Delaunay in unsere Bewertung aufgenommen wurde. Informationen über das Leben der Künstlerin sind sehr rar; ihre Biografie wartet noch auf ihre Erforschung. Es ist bekannt, dass Vera Shlesinger 1896 in Moskau in eine russische Familie und eine Französin aus Burgund hineingeboren wurde. Sie studierte in Moskau bei Ilya Mashkov und war fast seine Lieblingsschülerin, und nahm dann Unterricht in Kiew bei Alexandra Exter. 1918 heiratete sie den Anwalt S.Z. Rokhlin und ging mit ihm nach Tiflis. Von dort zog das Paar Anfang der 1920er Jahre nach Frankreich, wo Vera begann, aktiv im Herbstsalon, im Salon der Unabhängigen und im Salon der Tuilerien auszustellen. In ihrem Malstil orientierte sie sich zunächst an den Ideen des Kubismus und des Postimpressionismus, entwickelte jedoch bereits Anfang der 1930er Jahre einen eigenen Stil, den eine französische Zeitschrift als „künstlerische Balance zwischen Courbet und Renoir“ bezeichnete. In diesen Jahren lebte Vera bereits getrennt von ihrem Mann in Montparnasse, zählte den Modeschöpfer Paul Poiret zu ihren Bewunderern und wählte weibliche Porträts und Akte als Hauptthema ihrer Malerei, was möglicherweise durch ihre Bekanntschaft mit Zinaida Serebryakova (sogar) erleichtert wurde ein Porträt einer nackten Serebryakova von Rokhlina ist erhalten), und die Künstlerin fand in Pariser Galerien persönliche Ausstellungen statt. Doch im April 1934 beging die 38-jährige Vera Rokhlina Selbstmord. Was eine Frau in ihren besten Jahren, die im kreativen Bereich bereits viel erreicht hatte, dazu brachte, sich das Leben zu nehmen, bleibt ein Rätsel. Ihr früher Tod wurde als der größte Verlust in der Pariser Kunstszene dieser Jahre bezeichnet.

Rokhlinas Vermächtnis liegt hauptsächlich im Ausland, wo Vera die letzten 13 Jahre ihres Lebens verbrachte und ihr Talent voll zur Geltung kam. In den 1990er und frühen 2000er Jahren begannen französische Museen und Galerien, Einzelausstellungen von Rokhlina zu veranstalten und ihre Arbeiten in Gruppenausstellungen von Künstlern der Pariser Schule zu integrieren. Sammler erfuhren von ihr, ihre Werke wurden auf Auktionen verkauft, und zwar recht gut. Der Höhepunkt der Verkäufe und Preise ereignete sich in den Jahren 2007–2008, als etwa hunderttausend Dollar für ein großformatiges Gemälde von Rokhlina alltäglich wurden. Und so wurde am 24. Juni 2008 bei der Abendauktion von Impressionisten und Modernisten bei Christie's in London unerwartet das vor der Emigration im Jahr 1919 gemalte kubistische Gemälde „Gamblers“ von Vera Rokhlina für das Achtfache der Schätzung verkauft – für 2,057 Millionen Pfund ( 4,05 Millionen US-Dollar) mit einer Schätzung von 250–350.000 £.

34. 4,02 Millionen US-Dollar. Nacht in der Normandie (1861)

35. 3,97 Millionen Dollar. Östliche Stadt. Buchara (1912)

Für Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878–1968), Sohn eines Ikonenmalers aus der Stadt Saratow, Absolvent der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur (wo er bei Arkhipov, Serov und Korovin studierte), einer der Organisatoren des Vereins Blaue Rose war der Osten eines der Hauptthemen und sicherlich auch das bekannteste Thema der Kreativität in der Öffentlichkeit. Als Pavel Kuznetsovs erste symbolistische Periode des 20. Jahrhunderts mit halbfantastischen Bildern von „Brunnen“, „Erwachen“ und „Geburten“ erschöpft war, begab sich der Künstler auf der Suche nach Inspiration in den Osten. Er erinnerte sich, wie er als Kind seinen Großvater in der Transwolga-Steppe besuchte und das Leben der Nomaden beobachtete. „Plötzlich erinnerte ich mich an die Steppe und ging zu den Kirgisen“, schrieb Kusnezow. Von 1909 bis 1914 verbrachte Kusnezow mehrere Monate in der kirgisischen Steppe unter den Nomaden, lernte deren Lebensweise kennen und akzeptierte sie als seine verwandte, „skythische“ Seele. In den Jahren 1912–1913 reiste der Künstler durch die Städte Zentralasiens und lebte in Buchara, Samarkand und den Ausläufern des Pamirs. In den 1920er Jahren wurde die Erforschung des Ostens in Transkaukasien und auf der Krim fortgesetzt.

Das Ergebnis dieser Reisen in den Osten war eine Reihe atemberaubender Gemälde, in denen man die „Goluborozovsky“-Liebe zur blauen Palette und die Symbolik von Ikonen und Tempelfresken spüren kann, die dem Künstler seit seiner Kindheit nahe stehen, sowie die wahrgenommene Erfahrung von Künstlern wie Gauguin, Andre Derain und Georges Braque und natürlich die ganze Magie des Ostens. Kusnezows orientalische Gemälde fanden nicht nur in Russland großen Anklang, sondern auch auf Ausstellungen in Paris und New York.

Ein großer kreativer Erfolg war der 1912 in Buchara entstandene Gemäldezyklus „Eastern City“. Eines der größten Gemälde der Serie „Eastern City“. Bukhara“ wurde im Juni 2014 bei MacDougall’s mit einer Schätzung von 1,9–3 Millionen Pfund versteigert. Die Herkunft und Ausstellungsgeschichte des Werks ist einwandfrei: Es wurde direkt vom Künstler erworben; hat seinen Wohnort seit Mitte der 1950er Jahre nicht verändert; nahm an den Ausstellungen „World of Art“, der Ausstellung sowjetischer Kunst in Japan sowie an allen wichtigen Retrospektiven zu Lebzeiten und posthum des Künstlers teil. Infolgedessen wurde für Kusnezow ein Rekordpreis für das Gemälde gezahlt: 2,37 Millionen Pfund (3,97 Millionen US-Dollar).

36. 3,82 Millionen US-Dollar. Helden des ersten Fünfjahresplans (1936)

37. 3,72 Millionen US-Dollar. Der Hirte der Hügel (1920)

Boris Dmitrijewitsch Grigorjew (1886–1939) emigrierte 1919 aus Russland. Er wurde zu einem der berühmtesten russischen Künstler im Ausland, doch gleichzeitig geriet er in seiner Heimat jahrzehntelang in Vergessenheit und seine ersten Ausstellungen in der UdSSR fanden erst Ende der 1980er Jahre statt. Doch heute ist er einer der gefragtesten und am höchsten geschätzten Autoren auf dem russischen Kunstmarkt; seine Werke, sowohl Gemälde als auch Grafiken, werden für Hunderttausende und Millionen Dollar verkauft.

Der Künstler war äußerst effizient; 1926 schrieb er an den Dichter Kamensky: „Jetzt bin ich der erste Meister der Welt.<…>Ich entschuldige mich nicht für diese Sätze. Sie müssen wissen, wer Sie sind, sonst wissen Sie nicht, was Sie tun sollen. Ja, und mein Leben ist heilig von überdurchschnittlicher Arbeit und überdurchschnittlichen Gefühlen, und meine 40 Jahre beweisen das. Ich habe keine Angst vor Konkurrenz, vor Ordnung, vor Thema, vor Größe und Tempo.“

Am berühmtesten sind wohl seine Zyklen „Race“ und „Faces of Russia“, die im Geiste sehr ähnlich sind und sich nur dadurch unterscheiden, dass der erste vor der Emigration entstand und der zweite bereits in Paris. In diesen Zyklen wird uns eine Galerie von Typen („Gesichtern“) der russischen Bauernschaft präsentiert: Alte Männer, Frauen und Kinder blicken düster direkt auf den Betrachter, sie ziehen den Blick an und stoßen ihn gleichzeitig ab. Grigoriev neigte keineswegs dazu, diejenigen, die er malte, zu idealisieren oder zu verschönern, im Gegenteil, manchmal bringt er Bilder ins Groteske. Zu den bereits im Exil gemalten „Gesichtern“ zählen neben den Bauernporträts auch Porträts von Zeitgenossen Grigorjews – Dichter, Schauspieler des Kunsttheaters sowie Selbstporträts. Das Bild der bäuerlichen „Rasse“ weitete sich zu einem verallgemeinerten Bild eines verlassenen, aber nicht vergessenen Mutterlandes aus.

Eines dieser Porträts – das Bild eines Hirten des Dichters Nikolai Klyuev – wurde zum teuersten Gemälde von Boris Grigoriev. Bei der Sotheby’s-Auktion am 3. November 2008 wurde das Werk „Der Hirte der Hügel“ aus dem Jahr 1920 für 3,72 Millionen US-Dollar mit einer Schätzung von 2,5–3,5 Millionen US-Dollar verkauft. Bei dem Porträt handelt es sich um die Kopie eines verlorenen Porträts aus dem Jahr 1918 durch den Autor.

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Nr. 20. 75.100.000 $. „Royal Red and Blue“, Mark Rothko, verkauft im Jahr 2012.

Die majestätische Leinwand war eines von acht Werken, die der Künstler für seine bahnbrechende Einzelausstellung im Art Institute of Chicago handverlesen hat.

Nr. 19. 76.700.000 $. „Massaker der Unschuldigen“, Peter Paul Rubens, geschaffen 1610.

Das Gemälde wurde im Juli 2002 von Kenneth Thompson bei Sotheby's in London gekauft. Rubens' lebendiges und dramatisches Werk könnte um den Titel „überraschendster Erfolg“ konkurrieren. Christie's bewertete dieses Gemälde mit nur 5 Millionen Euro.

Nr. 18. 78.100.000 $. „Bal at the Moulin de la Galette“, Pierre-Auguste Renoir, gemalt 1876.

Das Werk wurde 1990 verkauft und galt damals als das zweitteuerste jemals verkaufte Gemälde der Welt. Der Besitzer des Meisterwerks war Ryoei Saito, Vorsitzender der Daishowa Paper Manufacturing Co. Er wollte, dass die Leinwand nach seinem Tod bei ihm eingeäschert wird, doch das Unternehmen geriet mit seinen Kreditverpflichtungen in finanzielle Schwierigkeiten, so dass das Gemälde als Sicherheit dienen musste.

Nr. 17. 80 Millionen Dollar. „Turquoise Marilyn“, Andy Warhol, gemalt 1964, verkauft 2007.

Gekauft von Herrn Steve Cohen. Der Preis wurde nicht bestätigt, diese Zahl wird jedoch allgemein als wahr angesehen.

Nr. 16. 80 Millionen Dollar. „False Start“ von Jasper Johns, geschrieben 1959

Das Gemälde gehörte David Geffen, der es an den CEO der Citadel-Investmentgruppe, Kenneth S. Griffin, verkaufte. Es gilt als das teuerste Gemälde, das zu Lebzeiten des Künstlers, Kultmeisters Jasper Johns, verkauft wurde.

Nr. 15. 82.500.000 $. „Porträt von Doktor Gachet“, Vincent Van Gogh, 1890.

Der japanische Geschäftsmann Ryoei Saito erwarb das Gemälde 1990 auf einer Auktion. Damals war es das teuerste Gemälde der Welt. Als Reaktion auf den Aufschrei in der Gesellschaft über Saitos Wunsch, das Kunstwerk nach seinem Tod mit einzuäschern, erklärte der Geschäftsmann, dass er damit seine selbstlose Zuneigung zu dem Gemälde zum Ausdruck bringe.

Nr. 14. 86.300.000 $. „Triptychon“, Francis Bacon, 1976.

Dieses dreiteilige Meisterwerk von Bacon brach den bisherigen Rekord für seine verkauften Werke (52,68 Millionen US-Dollar). Das Gemälde wurde vom russischen Milliardär Roman Abramovich gekauft.

Nr. 13. 87.900.000 $. „Bildnis Adele Bloch-Bauer II“, Gustav Klimt, 1912.

Das einzige von Klimt zweimal abgebildete Modell, das wenige Monate nach der ersten Version verkauft wurde. Dies ist ein Porträt von Bloch-Bauer, eines von vier Gemälden, die 2006 einen Gesamtpreis von 192 Millionen US-Dollar erzielten. Der Käufer ist unbekannt.

Nr. 12. 95.200.000 $. „Dora Maar mit Katze“, Pablo Picasso, 1941.

Ein weiteres Picasso-Gemälde, das zu einem sagenhaften Preis unter den Hammer kam. Im Jahr 2006 wurde es von einer mysteriösen anonymen russischen Person erworben, die gleichzeitig Werke von Monet und Chagall im Wert von insgesamt 100 Millionen Dollar kaufte.

Nr. 11. 104.200.000 $. „Junge mit Pfeife“, Pablo Picasso, 1905.

Dies ist das erste Gemälde, das 2004 die 100-Millionen-Dollar-Grenze durchbrach. Seltsamerweise wurde der Name der Person, die ein so großes Interesse an Picassos Porträt zeigte, nie veröffentlicht.

Nr. 10. 105.400.000 $. „Silver Car Crash (Double Disaster)“, Andy Warhol, 1932.

Dies ist das teuerste Werk der berühmten Pop-Art-Legende Andy Warhol. Das Gemälde wurde zum Star der modernen Kunst und kam bei Sotheby's unter den Hammer.

Nr. 9. 106.500.000 $. „Akt, grüne Blätter und Büste“, Pablo Picasso, 1932.

Dieses sinnliche und farbenfrohe Meisterwerk wurde zum teuersten Werk Picassos, das jemals auf einer Auktion verkauft wurde. Das Gemälde befand sich in der Sammlung von Frau Sidney F. Brody und wurde seit 1961 nicht mehr öffentlich ausgestellt.

Nr. 8. 110 Millionen Dollar „Flag“, Jasper Johns, 1958.

„The Flag“ ist Jasper Johns‘ berühmtestes Werk. Der Künstler malte 1954–55 seine erste amerikanische Flagge.

Nr. 7. 119.900.000 $. „Der Schrei“, Edvard Munch, 1895.

Dies ist ein einzigartiges und farbenfrohstes Werk der vier Versionen von Edvard Munchs Meisterwerk „Der Schrei“. Nur einer davon bleibt in Privatbesitz.

Nr. 6. 135.000.000 $. „Bildnis Adele Bloch-Bauer I“, Gustav Klimt.

Maria Altmann beantragte vor Gericht das Eigentumsrecht an dem Gemälde, da Adele Bloch-Bauer es der Österreichischen Staatsgalerie vermachte und ihr Mann die Schenkung später inmitten der Ereignisse des Zweiten Weltkriegs widerrief. Nachdem Maria Altman die Rechte übernommen hatte, verkaufte sie das Porträt an Ronald Lauder, der es in seiner Galerie in New York ausstellte.

Nr. 5. 137.500.000 $. „Frau III“, Willem de Kooning.

Ein weiteres Gemälde wurde 2006 von Geffen verkauft, doch diesmal war der Käufer der Milliardär Stephen A. Cohen. Diese seltsame Abstraktion war Teil einer Serie von sechs Meisterwerken von Kooning, die zwischen 1951 und 1953 entstanden.

Nr. 4. 140.000.000 $. „Nr. 5, 1948“, Jackson Pollock.

Wie die New York Times berichtete, verkaufte der Filmproduzent und Sammler David Geffen das Gemälde an David Martinez, geschäftsführender Gesellschafter von FinTech Advisory, obwohl dieser die Informationen nicht bestätigte. Die Wahrheit ist in Geheimnisse gehüllt.

Eines unserer liebsten Final-Top-10-Ergebnisse. Alle diese Künstler sind der wahre Stolz Russlands. Und ja – in die Bewertung beziehen wir alle Autoren ein, die auf dem Territorium des Russischen Reiches geboren wurden, unabhängig davon, wessen Staatsbürgerschaft sie später angenommen haben

Aus diesem Grund wird die Bewertung russischer Maler oder, wie auch immer, „Künstler aus dem Umfeld der russischen Kunst“ traditionell von Mark Rothko angeführt – einem aus dem lettischen Daugavpils (damals russischen Dwinsk) stammenden Markus Jakowlewitsch Rotkowitsch, der später zur amerikanischen Legende wurde und Weltkunst. Darunter ist auch ein ehemaliger russischer Anwalt mit deutschem und später französischem Pass, Wassily Kandinsky, der Vater der abstrakten Kunst. Neben Kandinsky steht in der Rangliste sein Kollege Alexei Jawlensky, den die ganze Welt unter dem Adligen von Jawlensky kennt. In der Nähe leben Chaim Soutine, ein gebürtiger Mann aus der weißrussischen Stadt Smilovichi, und ein russischer Pariser, ursprünglich aus Witebsk, Marc Chagall. Und die Top Ten komplettiert der Künstler Max Weber, der von seinen Eltern aus Bialystok in der Provinz Grodno mitgenommen wurde.

Die Rangliste der zehn besten Gemälde russischer Künstler im Jahr 2016 wurde zusammengestellt: Geburtsort – Russland, ein Künstler – ein Gemälde, Verkauf – nur auf Auktionen (ohne Galerien und Händler) und Preise in Dollar in absteigender Reihenfolge. Insbesondere wenn wir nicht die Regel „ein Künstler – ein Gemälde“ angewendet hätten, hätten die Top 10 dieses Mal aus vier Gemälden von Chagall, zwei von Soutine, zwei Gemälden von Kandinsky sowie Rodtschenko und Rothko bestanden. Nun ja, mit der Regel wird es noch lustiger und abwechslungsreicher.

Was ist der Sinn? Erstens ist es wunderschön! Zweitens ist es teuer und daher prestigeträchtig. Und drittens ist es lehrreich. Schließlich werden solche Bewertungen in erster Linie aus Schönheitsgründen erstellt – andere anspruchsvolle Aufgaben werden ihnen nicht gestellt.

Na, sollen wir anfangen?

Top 10 Gemälde russischer Künstler bei Auktionen im Jahr 2016

Nun, zum Schluss – eine Art Bonustrack: Pavel Chelishchev. Der russische Surrealist stellte kürzlich seinen persönlichen Rekord auf und verfehlte Ende 2016 nur knapp die Top 10. Chelishchevs Gemälde „Konzert“ wurde bei Christie’s sensationell für das Fünffache der Schätzung verkauft und belegt nun mit einem Erlös von 1.735.000 US-Dollar den 11. Platz in der Liste der teuersten russischen Kunstwerke, die 2016 versteigert wurden.

Ich möchte Sie daran erinnern, dass wir kürzlich die vorläufigen Ergebnisse für den heimischen russischen Kunstmarkt zusammengefasst haben. Der Bericht veröffentlichte drei interne Auktionsaufzeichnungen, und das teuerste Gemälde des Jahres 2016 war „Shelf“ von Heliy Korzhev, das für 370.000 US-Dollar verkauft wurde.