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Die venezianische Renaissance ist ein eigenständiger, einzigartiger Teil der gesamtitalienischen Renaissance. Es begann hier später, dauerte aber viel länger. Die Rolle der antiken Traditionen war in Venedig am geringsten und der Zusammenhang mit der späteren Entwicklung der europäischen Malerei am direktesten. In Venedig dominierte die Malerei, die sich durch leuchtende, satte und fröhliche Farben auszeichnete.

Die Ära der Hochrenaissance (auf Italienisch klingt es wie „Cinquecento“) in Venedig nahm fast das gesamte 16. Jahrhundert ein. Viele herausragende Künstler malten im freien und fröhlichen Stil der venezianischen Renaissance.

Der Künstler Giovanni Bellini wurde zum Vertreter der Übergangszeit von der Frührenaissance zur Hochrenaissance. Das berühmte Gemälde gehört ihm“ Madonna-See„ist ein wunderschönes Gemälde, das Träume von einem goldenen Zeitalter oder einem irdischen Paradies verkörpert.

Der Künstler Giorgione, ein Schüler von Giovanni Bellini, gilt als der erste Meister der Hochrenaissance in Venedig. Seine Leinwand“ Schlafende Venus„ist eines der poetischsten Bilder des nackten Körpers in der Weltkunst. Dieses Werk ist eine weitere Verkörperung des Traums einfältiger, glücklicher und unschuldiger Menschen, die in völliger Harmonie mit der Natur leben.

Es gibt ein Gemälde in der Staatlichen Eremitage „Judith“, der ebenfalls zum Pinsel von Giorgione gehört. Diese Arbeit wurde zu einem eindrucksvollen Beispiel für die Erzielung eines dreidimensionalen Bildes nicht nur mit Hilfe von Hell-Dunkel, sondern auch mit der Verwendung von Lichtabstufungen.

Giorgione „Judith“

Paolo Veronese kann als der typischste Künstler Venedigs angesehen werden. Seine großformatigen, mehrfigurigen Kompositionen zeigen üppige Abendessen in venezianischen Palästen mit Musikern, Narren und Hunden. An ihnen ist nichts Religiöses. „Das letzte Abendmahl“- Dies ist ein Bild der Schönheit der Welt in einfachen irdischen Manifestationen und der Bewunderung für die Vollkommenheit des schönen Fleisches.

Paolo Veronese „Das letzte Abendmahl“

Tizians Werke

Die Entwicklung der venezianischen Malerei durch das Cinquecento spiegelte sich im Werk Tizians wider, der zunächst mit Giorgione zusammenarbeitete und ihm nahe stand. Dies spiegelte sich im kreativen Stil des Künstlers in den Werken „Himmlische Liebe und irdische Liebe“, „Flora“ wider. Tizians Frauenbilder sind die Natur selbst und strahlen in ewiger Schönheit.

- der König der Maler. Er machte zahlreiche Entdeckungen auf dem Gebiet der Malerei, darunter den Reichtum der Farben, die Farbmodellierung, originelle Formen und die Verwendung von Farbnuancen. Tizians Beitrag zur Kunst der venezianischen Renaissance war enorm; er hatte großen Einfluss auf das Können der Maler der Folgezeit.

Der späte Tizian steht der künstlerischen Sprache von Velazquez und Rembrandt bereits nahe: Tonverhältnisse, Flecken, dynamische Striche, Textur der Farboberfläche. Die Venezianer und Tizian ersetzten die Dominanz der Linie durch die Vorteile der Farbpalette.

Tizian Vecellio „Selbstbildnis“ (um 1567)

Titsins Maltechnik ist auch heute noch verblüffend, denn es handelt sich um ein Durcheinander von Farben. In den Händen des Künstlers waren Farben eine Art Ton, aus dem der Maler seine Werke formte. Es ist bekannt, dass Tizian seine Leinwände gegen Ende seines Lebens mit den Fingern bemalte. Daher ist dieser Vergleich mehr als angemessen.

Tizians Denar von Cäsar (um 1516)

Gemälde von Tizian Vecellio

Zu den Gemälden von Tizian gehören:

• „Assunta“

• „Bacchus und Ariadne“

• „Venus von Urbino“

• „Porträt von Papst Paul III.“

• „Porträt von Lavinia“

• „Venus vor dem Spiegel“

• „Reuige Magdalena“

• „Heiliger Sebastian“

Malerisch und gefühlvoll O Tizians dreidimensionale Formen sind in völliger Ausgewogenheit. Seine Figuren sind voller Lebensgefühl und Bewegung. Die Neuheit der Kompositionstechnik, die ungewöhnliche Farbgebung und die freien Striche sind die charakteristischen Merkmale von Tizians Malerei. Sein Werk verkörperte die besten Merkmale der venezianischen Schule der Renaissance.

Charakteristische Merkmale der venezianischen Renaissancemalerei

Die letzte Koryphäe des venezianischen Cinquecento ist der Künstler Tintoretto. Seine Gemälde sind berühmt „Kampf des Erzengels Michael mit Satan“ und „Das letzte Abendmahl“. Die bildende Kunst verkörperte die Renaissance-Idee des Ideals, den Glauben an die Kraft des Geistes, den Traum eines schönen, starken Menschen, einer harmonisch entwickelten Persönlichkeit.

Jacopo Tintoretto „Der Kampf des Erzengels Michael mit Satan“ (1590)
Jacopo Tintoretto „Die Kreuzigung“

Es entstanden Kunstwerke zu traditionellen religiösen und mythologischen Themen. Dadurch wurde die Moderne in den Rang der Ewigkeit erhoben und damit die Gottähnlichkeit einer realen Person behauptet. Die Hauptprinzipien der Darstellung dieser Zeit waren die Nachahmung der Natur und die Realität der Figuren. Ein Gemälde ist eine Art Fenster zur Welt, denn der Künstler stellt darauf dar, was er in der Realität gesehen hat.

Jacopo Tintoretto „Das letzte Abendmahl“

Die Kunst der Malerei basierte auf den Errungenschaften verschiedener Wissenschaften. Maler beherrschten erfolgreich perspektivische Bilder. In dieser Zeit wurde Kreativität persönlich. Werke der Staffeleikunst werden immer weiter entwickelt.

Jacopo Tintoretto „Paradies“

In der Malerei entsteht ein Genresystem, das folgende Genres umfasst:

• religiös - mythologisch;
• historisch;
• Haushaltslandschaft;
• Porträt.

In dieser Zeit tauchen auch Gravuren auf, und das Zeichnen spielt eine wichtige Rolle. Kunstwerke werden an sich als künstlerisches Phänomen geschätzt. Eine der wichtigsten Empfindungen bei ihrer Wahrnehmung ist Vergnügen. Hochwertige Reproduktionen von Gemälden aus der venezianischen Renaissance werden eine wunderbare Ergänzung für Ihr Interieur sein.

Die Kunst Venedigs stellt eine besondere Variante der Entwicklung der eigentlichen Prinzipien der künstlerischen Kultur der Renaissance und im Verhältnis zu allen anderen Zentren der Renaissancekunst in Italien dar.

Chronologisch gesehen entwickelte sich die Kunst der Renaissance in Venedig etwas später als in den meisten anderen großen Zentren Italiens dieser Zeit. Es entwickelte sich insbesondere später als in Florenz und in der Toskana im Allgemeinen. Die Bildung der Prinzipien der künstlerischen Kultur der Renaissance in den bildenden Künsten Venedigs begann erst im 15. Jahrhundert. Dies lag keineswegs an der wirtschaftlichen Rückständigkeit Venedigs. Im Gegenteil, Venedig war damals neben Florenz, Pisa, Genua und Mailand eines der wirtschaftlich am weitesten entwickelten Zentren Italiens. Schuld an dieser Verzögerung war die frühe Umwandlung Venedigs in eine große Handels- und darüber hinaus überwiegend Handels- und nicht Industriemacht, die im 12. Jahrhundert begann und insbesondere durch die Kreuzzüge beschleunigt wurde.

Eine besondere Blütezeit erreichte die venezianische Malerei, die sich durch ihren Reichtum und ihre Farbenpracht auszeichnete. Hier verband sich heidnische Bewunderung für körperliche Schönheit mit Interesse am spirituellen Leben des Menschen. Die sinnliche Wahrnehmung der Welt war direkter als die der Florentiner und bedingte die Entwicklung der Landschaft.

Ein charakteristisches Beispiel für die vorübergehende Verzögerung der venezianischen Kultur beim Übergang zur Renaissance im Vergleich zu anderen Regionen Italiens ist die Architektur des Dogenpalastes (14. Jahrhundert). In der Malerei spiegelt sich die äußerst charakteristische Lebendigkeit mittelalterlicher Traditionen deutlich in den spätgotischen Werken von Meistern des späten 14. Jahrhunderts wie Lorenzo und Stefano Veneziano wider. Sie machen sich sogar in den Werken solcher Künstler des 15. Jahrhunderts bemerkbar, deren Kunst bereits völlig Renaissance-Charakter hatte. So sind die „Madonnen“ von Bartolomeo, Alvise Vivarini, so ist das Werk von Carlo Crivelli, einem subtilen und anmutigen Meister der Frührenaissance. In seiner Kunst sind mittelalterliche Reminiszenzen viel stärker spürbar als bei den zeitgenössischen Künstlern der Toskana und Umbriens. Bezeichnend ist, dass sich die Tendenzen der Proto-Renaissance, ähnlich der Kunst von Cavalini und Giotto, die ebenfalls in der Venezianischen Republik wirkten (einer seiner besten Zyklen entstand für Padua), schwach und sporadisch bemerkbar machten.

Erst etwa ab der Mitte des 15. Jahrhunderts kann man sagen, dass sich der unvermeidliche und natürliche Prozess des Übergangs der venezianischen Kunst zu weltlichen Positionen, der für die gesamte künstlerische Kultur der Renaissance charakteristisch ist, endlich vollständig zu verwirklichen begann. Die Originalität des venezianischen Quattrocento spiegelte sich hauptsächlich im Wunsch nach mehr Festlichkeit der Farben, nach einer eigentümlichen Kombination von subtilem Realismus mit dekorativer Komposition, in einem größeren Interesse am Landschaftshintergrund, an der landschaftlichen Umgebung, die eine Person umgibt, wider; Darüber hinaus ist es charakteristisch, dass das Interesse an der Stadtlandschaft vielleicht noch ausgeprägter war als das Interesse an der Naturlandschaft. In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts entstand in Venedig die Renaissanceschule als bedeutendes und originelles Phänomen, das einen wichtigen Platz in der Kunst der italienischen Renaissance einnahm. Zu dieser Zeit nahm neben der Kunst des archaisierenden Crivelli auch das Werk von Antonello da Messina Gestalt an, der eine ganzheitlichere, allgemeinere Wahrnehmung der Welt anstrebte, eine poetische, dekorative und monumentale Wahrnehmung. Nicht viel später zeichnete sich eine eher narrative Entwicklungslinie der Kunst von Gentile Bellini und Carpaccio ab.

Es ist anzumerken, dass die charakteristischen Merkmale der venezianischen Schule gerade die vorherrschende Entwicklung der Ölmalerei und die viel schwächere Entwicklung der Freskenmalerei waren. Während des Übergangs vom mittelalterlichen System zum realistischen Renaissance-System der Monumentalmalerei verzichteten die Venezianer natürlich, wie die meisten Völker, die vom Mittelalter in die Renaissance-Entwicklungsphase der künstlerischen Kultur übergingen, fast vollständig auf Mosaike. Seine zunehmend brillante und dekorative Farbe konnte den neuen künstlerischen Zielen nicht mehr vollständig gerecht werden. Natürlich wurde die Mosaiktechnik weiterhin verwendet, aber ihre Rolle wurde immer weniger spürbar. Mit der Mosaiktechnik konnten in der Renaissance noch Ergebnisse erzielt werden, die den ästhetischen Ansprüchen der Zeit einigermaßen genügten. Doch gerade die spezifischen Eigenschaften des Mosaik-Smalts, seine einzigartig klangvolle Ausstrahlung, sein surrealer Schimmer und zugleich die gesteigerte Dekorativität der Gesamtwirkung konnten unter den Bedingungen des neuen künstlerischen Ideals nicht voll zur Geltung kommen. Zwar beeinflusste die gesteigerte Lichtausstrahlung der irisierenden, schimmernden Mosaikmalerei, wenn auch indirekt transformiert, die Renaissance-Malerei Venedigs, die stets auf klangvolle Klarheit und strahlenden Farbreichtum ausgerichtet war. Aber das Stilsystem, mit dem das Mosaik verbunden war, und folglich auch seine Technik mussten, von einigen Ausnahmen abgesehen, den Bereich der großen Monumentalmalerei verlassen. Die Mosaiktechnik selbst, die heute häufiger für spezifischere und engere Zwecke eingesetzt wird und eher dekorativer und angewandter Natur ist, geriet bei den Venezianern nicht völlig in Vergessenheit. Darüber hinaus waren die venezianischen Mosaikwerkstätten eines jener Zentren, die die Traditionen der Mosaiktechniken, insbesondere der Smalt-Technik, in unsere Zeit brachten.

Auch die Glasmalerei behielt aufgrund ihrer „Leuchtkraft“ eine gewisse Bedeutung, obwohl man zugeben muss, dass sie weder in Venedig noch in Italien insgesamt die gleiche Bedeutung hatte wie in der gotischen Kultur Frankreichs und Deutschlands. Einen Eindruck vom plastischen Umdenken der Renaissance mit der visionären Strahlkraft der mittelalterlichen Glasmalerei vermittelt „St. Georg“ (16. Jahrhundert) von Mochetto in der Kirche San Giovanni e Paolo.

Im Allgemeinen erfolgte in der Kunst der Renaissance die Entwicklung der Monumentalmalerei entweder in Form der Freskenmalerei oder auf der Grundlage der teilweisen Entwicklung von Tempera und hauptsächlich auf der monumentalen und dekorativen Verwendung von Ölgemälden (Wandtafeln). ).

Fresko ist eine Technik, mit der in der Früh- und Hochrenaissance Meisterwerke wie Masaccios Zyklus, Raffaels Strophen und Michelangelos Sixtinische Kapellengemälde geschaffen wurden. Doch im venezianischen Klima zeigte es schon sehr früh seine Instabilität und war im 16. Jahrhundert nicht weit verbreitet. So wurden die von Giorgione unter Beteiligung des jungen Tizian ausgeführten Fresken des deutschen Hofes „Fondaco dei Tedeschi“ (1508) fast vollständig zerstört. Nur wenige, durch Feuchtigkeit verdorbene, halb verblasste Fragmente sind erhalten geblieben, darunter eine von Giorgione geschaffene Figur einer nackten Frau voller fast praxitelischem Charme. An die Stelle der Wandmalerei im eigentlichen Sinne trat daher ein Wandpaneel auf Leinwand, das für einen bestimmten Raum entworfen und in der Technik der Ölmalerei ausgeführt wurde.

Die Ölmalerei erlebte jedoch in Venedig eine besonders breite und reiche Entwicklung, nicht nur, weil sie am geeignetsten schien, Fresken durch eine andere, an das feuchte Klima angepasste Maltechnik zu ersetzen, sondern auch, weil der Wunsch bestand, das Bild einer Person in enger Verbindung zu vermitteln Mit der ihn umgebenden natürlichen Umgebung konnte gerade in der Technik der Ölmalerei das Interesse an der realistischen Verkörperung des tonalen und koloristischen Reichtums der sichtbaren Welt mit besonderer Vollständigkeit und Flexibilität zum Ausdruck gebracht werden. In dieser Hinsicht sollte die Temperamalerei auf Tafeln in Staffeleikompositionen, die mit ihrer großen Farbintensität und klar leuchtenden Klangfülle gefällt, aber eher dekorativer Natur ist, natürlich der Ölmalerei weichen, und dieser Prozess der Ersetzung der Temperamalerei durch die Ölmalerei wurde in besonders konsequent durchgeführt Venedig. Wir sollten nicht vergessen, dass für venezianische Maler eine besonders wertvolle Eigenschaft der Ölmalerei ihre Fähigkeit war, im Vergleich zu Tempera und Fresko die hellen Farben und räumlichen Schattierungen der menschlichen Umgebung flexibler zu vermitteln, die Fähigkeit, sanft und sanft zu wirken formen Sie klangvoll die Form des menschlichen Körpers.

Das Werk von Giorgione.

Giorgione ist ein italienischer Künstler, Vertreter der venezianischen Malschule; einer der größten Meister der Hochrenaissance.

Giorgione wurde in der kleinen Stadt Castelfranco, einer Stadt in Venetien in der Nähe von Venedig, geboren.

Der eigentliche Name des Künstlers war Giorgio, üblicherweise wurde er jedoch mit seinem Spitznamen Giorgione angesprochen ...

Leider sind weder die Manuskripte des Künstlers noch seine Notizen zu Kunst, Malerei und Musik erhalten, nicht einmal seine Briefe sind erhalten. Als er noch sehr jung war, kam Giorgione nach Venedig. Es ist bekannt, dass der italienische Maler bereits im Alter von sechzehn Jahren in der Werkstatt des berühmten venezianischen Künstlers Giovanni Bellini studierte und arbeitete. Tatsächlich manifestierten sich neue humanistische Ideen am deutlichsten in der Malerei Venedigs. Die venezianische Malerei des frühen 16. Jahrhunderts war offenkundig säkularer Natur.

Bereits Ende des 15. Jahrhunderts erschienen anstelle von Ikonen in Venedig kleine Staffeleigemälde, die den individuellen Geschmack der Kunden befriedigten. Künstler interessieren sich mittlerweile nicht nur für den Menschen, sondern auch für seine Umgebung und Landschaft. Giorgione war der erste italienische Maler, der einer poetisch imaginierten, schönen und der Natur nicht fremden Landschaft einen wichtigen Platz in religiösen, mythologischen und historischen Gemälden einräumte. Neben Kompositionen zu religiösen Themen („Anbetung der Hirten“) schuf der italienische Maler Gemälde zu weltlichen, mythologischen Themen, die in seinem Werk eine herausragende Bedeutung erlangten. In Giorgiones Werken („Judith“; „Die drei Philosophen“; „Das Gewitter“; „Schlafende Venus“) offenbaren sich die poetischen Vorstellungen des Künstlers über den Reichtum der in der Welt und im Menschen verborgenen Lebenskräfte nicht in Aktion, sondern in a Zustand universeller stiller Spiritualität.

„Madonna von Castelfranco“ ist das größte Werk (200 x 152 cm) und das einzige Werk, das Giorgione für die Kirche gemalt hat.

In Giorgiones späteren Werken („Schlafende Venus“; „Ländliches Konzert“) wurde das Hauptthema der Arbeit des Künstlers vollständig definiert – die harmonische Einheit von Mensch und Natur. Es wird durch Giorgiones Entdeckungen auf dem Gebiet der künstlerischen Sprache verkörpert, die eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der europäischen Ölmalerei spielten. Unter Beibehaltung der Klarheit des Volumens, der Reinheit und der melodischen Ausdruckskraft der Konturen erreichte Giorgione mit Hilfe von weichem, transparentem Hell-Dunkel eine organische Verschmelzung der menschlichen Figur mit der Landschaft und erreichte eine bisher beispiellose malerische Integrität des Bildes. Er verlieh dem Klang der Hauptfarbflecken volle Wärme und Frische, kombinierte sie mit vielfältigen Farbnuancen, verknüpfte sie mit Lichtabstufungen und strebte nach tonaler Einheit. Giorgiones kreatives Konzept spiegelte auf einzigartige Weise zeitgenössische naturphilosophische Ideen wider, die die Entstehung des venezianischen Humanismus beeinflussten, und spiegelte die Liebe der Renaissance zur Schönheit des Menschen und der irdischen Existenz wider.

Giorgiones berühmtes Gemälde „Das Gewitter“ schmückte die Galerie des Philanthropen Gabriele Vendramina, „Die drei Philosophen“ befanden sich in der Sammlung von Taddeo Contarini und das Gemälde „Schlafende Venus“ befand sich einst in der Sammlung des Musikers Girolamo Marcello. Giorgione, ein Freund dieser Kunstliebhaber, hatte Gelegenheit, die Sammlungen der Humanisten zu studieren (es ist bekannt, dass sein Kunde Gabriel Vendramin „viele äußerst wertvolle Gemälde von hervorragenden Meistern und viele handgezeichnete Karten, Antiquitäten, viele Bücher, Köpfe, Büsten, Vasen, antike Medaillen"), was sich zweifellos in seinem Werk, in der besonderen Raffinesse und Spiritualität seiner Bilder, in seiner Leidenschaft für literarische und weltliche Themen widerspiegelte. Die allgemeine Arbeitsrichtung des Künstlers bestimmte die intime und lyrische Farbgebung der von ihm gemalten Porträts („Porträt eines jungen Mannes“; die sogenannte „Laura“).

Das kreative Konzept des italienischen Malers brach auf einzigartige Weise die naturphilosophischen Zeitvorstellungen, wirkte transformativ auf die Malerei der venezianischen Schule und wurde von seinem Schüler Tizian weiterentwickelt. Trotz der Vergänglichkeit von Giorgiones Leben hatte er viele Schüler, die später beispielsweise berühmte und berühmte Künstler wurden. Sebastiano del Piombo, Giovanni da Udine, Francisco Torbido (Il Moro) und natürlich Tiziano Veccellio. Eine bedeutende Anzahl von Meistern der Malerei imitierte Giorgiones kreatives Konzept und seinen Stil, darunter Lorenzo Lotto, Palma der Ältere, Giovanni Cariani, Paris Bordone, Colleone, Zanchi, Pordenone, Girol Pennachi, Rocco Marcone und andere, deren Gemälde manchmal als Werk bezeichnet wurden des großen Meisters. Der venezianische Maler der Hochrenaissance Giorgio Barbarelli aus Castelfranco offenbarte in seinem Gemälde die raffinierte Harmonie eines geistig reichen und körperlich perfekten Menschen. Genau wie Leonardo da Vinci zeichnet sich Giorgiones Werk durch tiefen Intellektualismus und scheinbar kristalline Intelligenz aus. Aber im Gegensatz zu den Werken von da Vinci, dessen tiefe Lyrik sehr verborgen und gleichsam dem Pathos des rationalen Intellektualismus untergeordnet ist, macht sich das lyrische Prinzip in seiner klaren Übereinstimmung mit dem rationalen Prinzip in Giorgiones Gemälden bemerkbar mit außergewöhnlicher Kraft gespürt. Der italienische Maler starb früh; Giorgione starb während der Pestepidemie im Herbst 1510.

„Heilige Familie“, 1500, National Gallery of Art, Washington

„Feuerprozess gegen Moses“, 1500-1501, Uffizien, Florenz

„Das Urteil Salomos“, 1500-1501, Uffizien, Florenz

„Judith“, 1504, Staatliche Eremitage, St. Petersburg

„Madonna von Castelfranco“. 1504, St. Liberale, Castelfranco

„Lesende Madonna“ 1505, Ashmolean Museum, Oxford

„Anbetung der Könige“, 1506-1507, National Gallery, London

„Die Anbetung der Hirten“, 1505-1510, National Gallery of Art, Washington

„Laura“, 1506, Kunsthistorisches Museum, Wien

„Junger Mann mit Pfeil“, 1506, Kunsthistorisches Museum, Wien

„Die alte Frau“, 1508, Galleria dell'Accademia (Venedig)

„Gewitter“, ca. 1508, Galleria dell'Accademia, Venedig.

„Schlafende Venus“, ca. 1508, Galerie Alte Meister, Dresden.

„Drei Philosophen“, 1509, Kunsthistorisches Museum, Wien

„Porträt eines jungen Mannes“, 1508-1510, Museum der Schönen Künste, Budapest.

Die Renaissance in Venedig ist ein eigenständiger und unverwechselbarer Teil der italienischen Renaissance. Es begann hier später, dauerte länger und die Rolle der antiken Strömungen war in Venedig am geringsten. Die Stellung Venedigs unter anderen italienischen Regionen kann mit der Stellung Nowgorods im mittelalterlichen Russland verglichen werden. Es war eine reiche, wohlhabende Patrizier- und Handelsrepublik, die über die Schlüssel zu den Seehandelsrouten verfügte. Die gesamte Macht in Venedig gehörte dem „Rat der Neun“, der von der herrschenden Kaste gewählt wurde. Die eigentliche Macht der Oligarchie wurde heimlich und brutal durch Spionage und heimliche Morde ausgeübt. Die äußere Seite des venezianischen Lebens hätte nicht festlicher aussehen können.

In Venedig gab es kaum Interesse an Ausgrabungen antiker Antiquitäten; die Renaissance hatte andere Ursprünge. Venedig unterhält seit langem enge Handelsbeziehungen mit Byzanz, mit dem arabischen Osten und trieb Handel mit Indien. Die Kultur von Byzanz hat tiefe Wurzeln geschlagen, aber nicht die byzantinische Strenge wurde hier eingeflößt, sondern ihre Farbenpracht und ihr goldener Glanz. Venedig hat sowohl gotische als auch orientalische Traditionen überarbeitet (die steinerne Spitze der venezianischen Architektur, die an die maurische Alhambra erinnert, spricht davon).

Der Markusdom ist ein beispielloses Baudenkmal, dessen Bau im 10. Jahrhundert begann. Die Einzigartigkeit der Kathedrale besteht darin, dass sie Säulen aus Byzanz, byzantinische Mosaike, antike römische Skulpturen und gotische Skulpturen harmonisch kombiniert. Durch die Aufnahme der Traditionen verschiedener Kulturen entwickelte Venedig seinen eigenen Stil, weltlich, hell und farbenfroh. Die kurze Periode der Frührenaissance begann hier erst in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts. Damals erschienen Gemälde von Vittore Carpaccio und Giovanni Bellini, die das Leben Venedigs im Kontext religiöser Geschichten faszinierend darstellten. V. Carpaccio schildert im Zyklus „Das Leben der Heiligen Ursula“ detailliert und poetisch seine Heimatstadt, ihre Landschaft und ihre Bewohner.

Giorgione gilt als der erste Meister der Hochrenaissance in Venedig. Seine „Schlafende Venus“ ist ein Werk von erstaunlicher spiritueller Reinheit, eines der poetischsten Bilder des nackten Körpers in der Weltkunst. Giorgiones Kompositionen sind ausgewogen und klar, und seine Zeichnungen zeichnen sich durch eine seltene Glätte der Linien aus. Giorgione hat ein Qualitätsmerkmal der gesamten venezianischen Schule – den Kolorismus. Die Venezianer betrachteten die Farbe nicht wie die Florentiner als zweitrangiges Element der Malerei. Die Liebe zur Schönheit der Farbe führt venezianische Künstler zu einem neuen Bildprinzip, bei dem die Materialität des Bildes nicht so sehr durch Hell-Dunkel, sondern durch Farbabstufungen erreicht wird. Die Arbeit venezianischer Künstler ist zutiefst emotional; Spontaneität spielt hier eine größere Rolle als bei den Malern von Florenz.

Tizian lebte ein legendär langes Leben – angeblich neunundneunzig Jahre, wobei seine jüngste Periode die bedeutendste war. Da er Giorgione nahe kam, wurde er in vielerlei Hinsicht von ihm beeinflusst. Dies macht sich besonders in den Gemälden „Erdliche und himmlische Liebe“ und „Flora“ bemerkbar – Werke mit ruhiger Stimmung und tiefer Farbe. Im Vergleich zu Giorgione ist Tizian nicht so lyrisch und kultiviert, seine Frauenbilder sind „bodenständiger“, aber nicht weniger charmant. Ruhig, goldhaarig sind Tizians Frauen, nackt oder in prächtigen Outfits, wie die unbeirrte Natur selbst, „strahlend in ewiger Schönheit“ und absolut keusch in ihrer offenen Sinnlichkeit. Das Versprechen von Glück, die Hoffnung auf Glück und die vollkommene Lebensfreude bilden eine der Grundlagen von Tizians Werk.

Tizian ist ein Intellektueller; laut einem Zeitgenossen war er „ein großartiger, intelligenter Gesprächspartner, der alles in der Welt zu beurteilen wusste“. Während seines langen Lebens blieb Tizian den hohen Idealen des Humanismus treu.

Tizian hat viele Porträts gemalt, und jedes von ihnen ist einzigartig, weil es die individuelle Einzigartigkeit jedes Menschen vermittelt. In den 1540er Jahren malte der Künstler ein Porträt von Papst Paul III., dem Hauptpatron der Inquisition, mit seinen Enkelkindern Alessandro und Ottavio Farnese. Hinsichtlich der Tiefe der Charakteranalyse ist dieses Porträt ein einzigartiges Werk. Der räuberische und gebrechliche alte Mann im päpstlichen Gewand ähnelt einer in die Enge getriebenen Ratte, die bereit ist, irgendwo zur Seite zu huschen. Zwei junge Männer benehmen sich unterwürfig, aber diese Unterwürfigkeit ist falsch: Wir spüren die Atmosphäre, in der sich Verrat, Betrug und Intrigen zusammenbrauen. Ein Porträt, das in seinem unnachgiebigen Realismus erschreckend ist.

In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts fiel der Schatten der katholischen Reaktion auf Venedig; Obwohl es ein formal unabhängiger Staat blieb, dringt die Inquisition auch hier ein – und Venedig war schon immer für seine religiöse Toleranz und seinen säkularen, freien Kunstgeist bekannt. Eine weitere Katastrophe trifft das Land: Es wird von einer Pestepidemie heimgesucht (auch Tizian starb an der Pest). Damit verbunden verändert sich auch Tizians Weltbild; von seiner früheren Gelassenheit ist keine Spur mehr.

In seinen späteren Werken kann man tiefe spirituelle Trauer spüren. Unter ihnen stechen „Büßende Maria Magdalena“ und „Heiliger Sebastian“ hervor. Die Maltechnik des Meisters in „Sankt Sebastian“ wurde zur Perfektion gebracht. Aus der Nähe betrachtet scheint das ganze Bild ein Chaos aus Pinselstrichen zu sein. Das Gemälde des verstorbenen Tizian sollte aus der Ferne betrachtet werden. Dann verschwindet das Chaos und in der Dunkelheit sehen wir vor dem Hintergrund eines lodernden Feuers einen jungen Mann, der unter Pfeilen stirbt. Große, schwungvolle Striche nehmen die Linie vollständig auf und fassen die Details zusammen. Die Venezianer und vor allem Tizian machten einen neuen großen Schritt, Ersetzen Sie Statuen durch dynamische Bildhaftigkeit, ersetzen Sie die Dominanz der Linie durch die Dominanz eines Farbflecks.

Tizian ist in seinem letzten Selbstporträt majestätisch und streng. In diesem stolzen Gesicht mit Adlernase, hoher Stirn und einem Blick, der spirituell und durchdringend ist, atmen Weisheit, völlige Kultiviertheit und das Bewusstsein der eigenen schöpferischen Kraft.

Der letzte große Künstler der venezianischen Hochrenaissance ist Tintoretto. Er malt viel und schnell – monumentale Kompositionen, Lampenschirme, große Gemälde, überfüllt mit Figuren in schwindelerregenden Winkeln und mit den spektakulärsten perspektivischen Konstruktionen, zerstört kurzerhand die Struktur des Flugzeugs und zwingt geschlossene Innenräume dazu, auseinanderzurücken und Raum zu atmen. Der Zyklus seiner Gemälde, der den Wundern des Heiligen gewidmet ist. Markus (Der heilige Markus befreit den Sklaven). Seine Zeichnungen und Gemälde sind ein Wirbelwind, Druck, feurige Energie. Tintoretto duldet keine ruhigen, frontalen Figuren, so dass der heilige Markus buchstäblich vom Himmel auf die Köpfe der Heiden fällt. Seine Lieblingslandschaft ist stürmisch, mit stürmischen Wolken und Blitzen.

Interessant ist Tintorettos Interpretation der Handlung des Letzten Abendmahls. In seinem Gemälde spielt es sich höchstwahrscheinlich in einer schwach beleuchteten Taverne mit niedriger Decke ab. Der Tisch ist diagonal aufgestellt und führt den Blick in die Tiefe des Raumes. Auf die Worte Christi hin erscheinen ganze Scharen durchsichtiger Engel unter der Decke. Es entsteht eine bizarre dreifache Beleuchtung: das geisterhafte Leuchten von Engeln, das schwankende Licht einer Lampe, das Licht von Heiligenscheinen um die Köpfe der Apostel und Christi. Das ist eine wahrhaft magische Phantasmagorie: Helle Blitze in der Dämmerung, wirbelndes und strahlendes Licht, das Spiel der Schatten erzeugen eine Atmosphäre der Verwirrung.

Renaissance in Italien.

Perioden in der Geschichte der italienischen Kultur werden üblicherweise mit Jahrhundertnamen bezeichnet: Ducento (XIII. Jahrhundert) - Proto-Renaissance(Ende des Jahrhunderts), Trecento (XIV. Jahrhundert) - Fortsetzung der Proto-Renaissance, Quattrocento (XV. Jahrhundert) - Frührenaissance, Cinquicento (16. Jahrhundert) – Hochrenaissance(erste 30 Jahre des Jahrhunderts). Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts. es geht nur in Venedig weiter; Der Begriff wird häufiger auf diesen Zeitraum angewendet „Spätrenaissance“.

Einzigartige natürliche Bedingungen bestimmten maßgeblich die charakteristischen Merkmale der venezianischen Architektur. Die auf 118 Inseln gelegene Stadt ist durch 160 Kanäle geteilt, über die etwa 400 Brücken gespannt sind. Die meisten Gebäude sind hier auf Stelzen gebaut, die Häuser stehen eng aneinander.

Im Volumen eines wundervollen Panoramas schwimmende Paläste und Tempel, als ob Schiffe vor Anker lägen, als ob sie darauf warteten, dass ein schöner Wind ihre Segel weht! Die ehrwürdige Schönheit blickt nachdenklich und vage auf die Paläste! An ihren Wänden hängen jahrhundertealte Handschriften, aber ihr Charme hat keinen Preis, wenn ihre Umrisse unter dem weißen Schein des Mondes gezeichnet werden. Der Meißel gab diesen düsteren Festungen Weichheit, Konvexität und Schärfe, und ihr steinernes Gewebe schimmert durch wie durchsichtige Spitze. Wie geheimnisvoll alles ist, wie seltsam In diesem Reich wundersamer Schönheit: Der Schatten eines poetischen Traums fällt ständig auf alles... P. A. Vyazemsky. „Fotografie von Venedig“

Jacopo Sansovino Bibliothek von San Marco 1536 Venedig. Unter Beteiligung des berühmten Architekten Jacopo Sansovino (), eines Schülers von Bramante, wurde die Gründung der Stadt abgeschlossen. Er errichtete hier das Gebäude der neuen Bibliothek von San Marco. Das zweistöckige Gebäude mit durchbrochener Fassade wurde mit antiken Ordensarkaden geschmückt. Im ersten Stock hinter der Galerie befanden sich Einzelhandelsflächen, im zweiten die eigentliche Bibliothek. Große Bögen, skulpturale Verzierungen, Reliefs auf Friesen – all das verleiht dem Gebäude eine besondere Eleganz und Festlichkeit.

Jacopo Sansovino. Bibliothek von San Marco, Venedig

Andrei Palladio. Villa „Rotunde“

Der größte Architekt Venedigs war Andrea Palladio (), dessen Stil sich durch Perfektion im Bau antiker Ordnungen, natürliche Vollständigkeit und strenge Ordnung der Kompositionen, Klarheit und Zweckmäßigkeit der Planung sowie die Verbindung architektonischer Strukturen mit der umgebenden Natur auszeichnet.

Der Palast beherbergte nicht nur die Wohnräume des Oberhauptes der Stadt, des Dogen. Aber auch Stadt- und Gerichtssäle, ein Gefängnis. Und auch die gigantische Sala del Maggiorio Consiglio – die Residenz der gewählten Volksvertreter des venezianischen Parlaments. Das durchbrochene Ornament in Form eines Gitters vermittelt einen orientalischen Eindruck, doch die Öffnung der Fassade durch Arkaden hatte in Venedig bereits eine lange Tradition, die im Bau spätgotischer Paläste ihren Höhepunkt erreichte.

Ca d'Oro. Venedig

„Das Goldene Haus“ – so wird Ca d’Oro übersetzt – eines der ältesten Gebäude Venedigs. Es wurde im Auftrag von Mariino Contarini, dem Staatsanwalt der Kathedrale von San Marco, erbaut. Sein Name entstand, weil die Ornamente und skulpturalen Verzierungen zunächst vergoldet waren. Der Eindruck wurde noch dadurch verstärkt, dass sich das in blauen und roten Farben leuchtende Haus im Wasser des Kanals spiegelte.

Giovanni Bellini (ok) Giovanni Bellini (ok) gilt zu Recht als Begründer der venezianischen Malschule, deren Stil sich durch raffinierten Adel und strahlende Farben auszeichnet. Er schuf viele Gemälde mit Madonnendarstellungen, einfach und ernst, ein wenig nachdenklich und immer traurig. Er besitzt eine Reihe von Porträts von Zeitgenossen bedeutender Bürger Venedigs, die davon träumten, sich auf den Gemälden des großen Meisters festgehalten zu sehen.

Schauen Sie sich die äußerst ausdrucksstarken Gesichtszüge des Dogen Leonardo Loredano, dem Regierungschef der Republik Venedig, genauer an. Konzentriert und ruhig ist der Doge sehr detailliert dargestellt, von den tiefen Falten in seinem gealterten Gesicht bis hin zum reichen Brokat seiner Kleidung. Dünne Gesichtszüge und fest zusammengepresste Lippen verraten die Isolation seines Wesens. Die kalten Töne der zeremoniellen Gewänder heben sich deutlich vom azurblauen Hintergrund ab. Dem Künstler gelang es meisterhaft, die Züge eines Mannes zu verkörpern, der als Verfolger der Wissenschaft und Aufklärung in die Geschichte einging. Giovanni Bellini. Porträt des Dogen Leonardo Loredano National Gallery, London

Bellini hatte viele Schüler, an die er großzügig seine reiche kreative Erfahrung weitergab. Unter ihnen stachen besonders die beiden Künstler Giorgione und Tizian hervor. Das von Geheimnissen umhüllte Leben von Giorgione (1476/) war kurz und heiter. Im Können konkurrierte er mit Leonardo selbst. Laut Vasari „verlieh ihm die Natur ein so leichtes und fröhliches Talent, dass seine Farben in Öl und Fresken manchmal lebendig und hell, manchmal weich und gleichmäßig waren und in den Lichtübergängen so schattiert waren; zu dem Schatten, dass viele der damaligen Meister ihn als einen Künstler erkannten, der dazu geboren war, Figuren Leben einzuhauchen ...“

Giorgione. Judith g

Die schöne und sanftmütige Judith ist überhaupt nicht kriegerisch. Ihr Blick ist auf den Boden gerichtet und in ihrer bescheidenen Haltung gibt es keinen Hinweis auf Grausamkeit oder Gewalt. Im Gegenteil, sie wird als Verkörperung höchster Gerechtigkeit und Barmherzigkeit wahrgenommen. Hat der Künstler die biblische Geschichte wirklich vergessen? Das Einzige, was an ihn erinnert, ist die schreckliche Trophäe, die Judith vorsichtig mit Füßen tritt! Es fällt uns schwer zu glauben, dass diese Frau einen so brutalen Mord begehen könnte. Judith freut sich nicht über den Sieg, sondern schließt die Augen und hört zu, wobei sie leicht aus den Mundwinkeln lächelt. Dieses spirituelle Bild hat alles: Zärtlichkeit und Würde, Sanftmut und Bedauern, innere Stärke und Charme. Die Stimmung des Bildes wird durch die lyrische Landschaft verstärkt. Ein sanfter, luftiger Hintergrund, ein kaum rosafarbener Morgenhimmel, ein mächtiger, am Rand des Rahmens abgeschnittener Baumstamm und eine sorgfältig gezeichnete Vegetation sollen eine elegische Stimmung erzeugen und die Aufmerksamkeit auf den psychologischen Aspekt der biblischen Legende lenken. Giorgione. Herr Judith

Ein wahres Meisterwerk von Giorgiones Werk ist „Schlafende Venus“, eines der perfektesten Frauenbilder der Renaissance. Inmitten einer hügeligen Wiese liegt die antike Göttin der Liebe und Schönheit, Venus, auf einer dunkelroten Decke. Giorgione. Schlafende Venus. 1507"1508

Giorgione. Schlafende Venus. 1507"1508 Gemäldegalerie, Dresden Sie schläft ruhig. Das Bild der Natur verleiht diesem Bild eine besondere Erhabenheit und Keuschheit. Hinter Venus, am Horizont, ein weiter Himmel mit weißen Wolken, ein niedriger Kamm blauer Berge, ein sanfter Der Weg, der zu einem mit Vegetation bewachsenen Hügel führt, das bizarre Profil des Hügels, das die Umrisse der Figur der Göttin widerspiegelt, die Gruppe scheinbar unbewohnter Gebäude, das Gras und die Blumen auf der Wiese wurden vom Künstler Looking sorgfältig geschaffen Bei diesem Bild möchte ich nach A.S. Puschkin wiederholen: Alles ist wunderbar, alles ruht über der Welt und den Leidenschaften, beeindruckt von Giorgiones „Schlafender Venus“. , Tizian und Dürer, Poussin und Velazquez, Rembrandt und Rubens, Gauguin und Manet schufen ihre Werke zu diesem Thema.

Die künstlerische Welt des spanischen Künstlers Tizian des 17. Jahrhunderts. Diego Velazquez schrieb: „Venedig hat die Vollkommenheit der Schönheit! Für mich steht die Malerei an erster Stelle, deren Vorreiter Tizian ist.“ Tizian lebte ein langes Leben (fast ein Jahrhundert!) und erlangte zusammen mit anderen Titanen der Hochrenaissance weltweite Berühmtheit. Seine Zeitgenossen waren Kolumbus und Kopernikus, Shakespeare und Giordano Bruno. Im Alter von neun Jahren wurde er in die Werkstatt eines Mosaikkünstlers geschickt, studierte in Venedig bei Bellini und wurde später Giorgiones Assistent. Das kreative Erbe des Künstlers, der über ein überschäumendes Temperament und erstaunliche harte Arbeit verfügte, ist umfangreich. Durch seine Arbeit in verschiedenen Genres gelang es ihm, den Geist und die Stimmung seiner Zeit zum Ausdruck zu bringen.

Tizian. Selbstporträt der Herren Prado, Madrid

Wie war Tizian? Schauen Sie sich sein Selbstporträt () an, das im Alter von 90 Jahren entstanden ist. Wir sehen einen großen alten Mann mit großen, maskulinen Gesichtszügen. Unter der Last seiner dunklen, gefalteten Kleidung sackte er leicht zusammen. Ein schmaler Kragenstreifen schneidet wie ein Strahl in einen üppigen silbernen Bart. Die schwarze Kappe unterstreicht die Intensität seines starken Profils. Die Finger der rechten Hand drücken sanft die zerbrechliche Hand. Zweifellos liegt vor uns eine aktive, kreative Natur voller Lebensdurst. Der Künstler beugte sich vor, als würde er seinem Gesprächspartner ins Gesicht blicken. Der durchdringende Blick eines durch Lebenserfahrung weisen Mannes ist majestätisch und ruhig. Das schwarze Gewand ist reichhaltig und elegant und harmoniert harmonisch mit der silbernen Farbgebung der Gesamtfarbe. Über Tizians Beherrschung der Farben wurden zahlreiche Studien verfasst. Cyanogen. Selbstporträt der Herren Prado, Madrid „In der Farbe sucht es seinesgleichen... es hält mit der Natur Schritt. In seinen Gemälden konkurrieren und spielen Farben mit Schatten, wie es in der Natur selbst geschieht“ (L. Dolce).

„Venus von Urbino“ ist ein wahres Meisterwerk des Künstlers. Zeitgenossen sagten über dieses Gemälde, dass Tizian im Gegensatz zu Giorgione, unter dessen Einfluss er zweifellos stand, „die Augen der Venus öffnete und wir den feuchten Blick einer verliebten Frau sahen, der großes Glück versprach.“ Tatsächlich verherrlichte er die strahlende Schönheit einer Frau, indem er sie im Inneren eines reichen venezianischen Hauses malte. Im Hintergrund sind zwei Dienstmädchen mit der Hausarbeit beschäftigt: Aus einer großen Truhe holen sie Toilettenartikel für ihre Herrin. Zu Füßen der Venus döst, zu einer Kugel zusammengerollt, ein kleiner Hund. Alles ist gewöhnlich, einfach und natürlich und gleichzeitig erhaben und symbolisch.

Das Gesicht einer Frau, die auf einem schlafenden Bett liegt, ist wunderschön. Stolz und ruhig blickt sie den Betrachter direkt an und lässt sich von ihrer umwerfenden Schönheit überhaupt nicht schämen. Es gibt fast keine Schatten auf ihrem Körper und das zerknitterte Laken betont nur die anmutige Schlankheit und Wärme ihres elastischen Körpers. Der rote Stoff unter dem Laken, der rote Vorhang, die rote Kleidung eines der Dienstmädchen und Teppiche in derselben Farbe erzeugen eine heiße und lebendige Farbe. Das Bild ist voller Symbolik. Venus ist die Göttin der ehelichen Liebe, viele Details sprechen dafür. Eine Vase mit Myrte am Fenster symbolisiert Beständigkeit, eine Rose in der Hand der Venus ist ein Zeichen langjähriger Liebe und ein zu ihren Füßen zusammengerollter Hund ist ein traditionelles Symbol der Treue.

„Büßende Maria Magdalena“ Tizians Gemälde „Büßende Maria Magdalena“ zeigt eine große Sünderin, die einst mit ihren Tränen die Füße Christi wusch und von ihm großzügig vergeben wurde. Von da an bis zu seinem Tod verließ ihn Maria Magdalena nicht. Sie erzählte den Menschen von seiner wundersamen Auferstehung. Sie legt das Buch der Heiligen Schrift beiseite, betet inständig und richtet ihren Blick zum Himmel. Ihr tränenüberströmtes Gesicht, die Wellen ihres dicken, wallenden Haares, die ausdrucksstarke Geste einer schönen, an ihre Brust gedrückten Hand, einfache Kleidung wurden von der Künstlerin mit besonderer Sorgfalt und Geschick gemalt. Daneben sind ein Glaskrug und ein Totenkopf abgebildet, die symbolisch an die Vergänglichkeit des irdischen Lebens und Sterbens erinnern. Der düstere Gewitterhimmel, felsige Berge und im Wind wiegende Bäume unterstreichen die Dramatik des Geschehens. Tizian. Büßende Maria Magdalena. Das um 1565 entstandene „Porträt eines jungen Mannes mit Handschuh“ in der Staatlichen Eremitage in St. Petersburg ist eine der besten Kreationen Tizians. Die vorherrschenden strengen, dunklen Töne sollen das Gefühl von Angst und Anspannung verstärken. Die im Licht eingefangenen Hände und Gesicht ermöglichen einen genaueren Blick auf die dargestellte Person. Zweifellos liegt vor uns eine vergeistigte Persönlichkeit, die sich durch Intelligenz, Adel und gleichzeitig die Bitterkeit von Zweifeln und Enttäuschungen auszeichnet. In den Augen des jungen Mannes liegt ein banger Gedanke an das Leben, der mentale Aufruhr eines mutigen und entschlossenen Mannes. Ein angespannter Blick „nach innen“ weist auf eine tragische Zwietracht der Seele hin, eine schmerzhafte Suche nach dem eigenen „Ich“. In den letzten Jahren seines Lebens beherrschte Tizian das Element Farbe perfekt und arbeitete auf besondere Weise. So sprach einer seiner Schüler darüber:

Tizian arbeitete auf besondere Weise. So erzählte einer seiner Schüler darüber: „Tizian bedeckte seine Leinwände mit einer bunten Masse, als ob sie ... als Grundlage für das dienen würde, was er in der Zukunft ausdrücken wollte. Ich selbst habe solche energisch gemachten Untermalungen gesehen, ausgeführt mit einem dick gesättigten Pinsel, entweder in einem reinen Rotton, der einen Halbton umreißen sollte, oder mit Weiß, wobei ich ihn mit dem gleichen Pinsel in Rot, dann in Schwarz und dann in Gelb tauchte Farbe entwickelte er das Relief. Mit der gleichen großen Geschicklichkeit, mit Hilfe von nur vier Farben, erweckte er das Versprechen einer schönen Figur aus dem Vergessen... Die letzten Retuschen nahm er mit leichten Fingerbewegungen vor und glättete die Übergänge von Die hellsten Glanzlichter wurden zu Halbtönen verarbeitet und manchmal rieb er mit dem Finger einen dicken Schatten in einer Ecke auf, um diese Stelle hervorzuheben ... Gegen Ende malte er tatsächlich mehr mit den Fingern als mit einem Pinsel.“

Anders als die Kunst Mittelitaliens, wo sich die Malerei in enger Verbindung mit Architektur und Bildhauerei entwickelte, im Venedig des 14. Jahrhunderts. Malerei dominiert. In den Werken von Giorgione und Tizian vollzog sich ein Übergang zur Staffeleimalerei. Einer der Gründe für den Übergang war das Klima Venedigs, in dem das Fresko schlecht erhalten ist. Ein weiterer Grund besteht darin, dass die Staffeleimalerei im Zusammenhang mit der Zunahme weltlicher Themen und der Erweiterung des Spektrums der im Fokus der Maler stehenden Objekte erscheint. Mit der Etablierung der Staffeleimalerei nahm auch die Gattungsvielfalt zu. So schuf Tizian Gemälde zu mythologischen Themen, Porträts und Kompositionen zu biblischen Themen. Im Werk der Vertreter der Spätrenaissance – Veronese und Tintoretto – kam es zu einem neuen Aufschwung der Monumentalmalerei.

Giorgio da Castelfranco, genannt Giorgione (1477-1510), lebte ein kurzes Leben. Der Name Giorgione leitet sich vom Wort „zorzo“ ab, das im venezianischen Dialekt „eine Person von niedrigster Geburt“ bedeutet. Seine Herkunft ist nicht genau geklärt, auch über die Jahre seiner Lehrzeit bei Bellini gibt es keine verlässlichen Angaben. Giorgione gehörte gut zu den kulturellen Schichten Venedigs. Die Themen seiner Gemälde wie „Das Gewitter“ und „Drei Philosophen“ sind schwer zu interpretieren. 1510 starb Giorgione an der Pest.

Staffeleimalerei ist eine Art Malerei, deren Werke eine eigenständige Bedeutung haben und unabhängig von der Umgebung wahrgenommen werden. Die Hauptform der Staffeleimalerei ist ein durch einen Rahmen von der Umgebung abgetrenntes Bild.

Tizian Vecelli (1476/77-1576). Tizian stammt aus der Stadt Cadore am Fuße der Dolomiten. Der Künstler studierte bei Giovanni Bellini. Im Jahr 1507 trat Tizian in die Werkstatt von Giorgione ein, der Tizian mit der Vollendung seiner Werke beauftragte. Nach Giorgiones Tod vollendete Tizian einige seiner Werke, nahm mehrere seiner Aufträge an und eröffnete seine eigene Werkstatt.
Zu dieser Zeit verkörperte er in zahlreichen Porträts, darunter „Salome“, „Dame auf der Toilette“ und „Flora“, seine Vorstellung von Schönheit. 1516 schuf der Künstler „Die Himmelfahrt Unserer Lieben Frau“ (Assunta) für die Kirche Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venedig – das Gemälde zeigt, wie eine Gruppe lebhaft gestikulierender Apostel die Mutter Gottes umgeben von Engeln in den Himmel aufsteigen sieht. 1525 heiratete Tizian seine Geliebte Cecilia, mit der er zwei Söhne hatte.

Tizian liebte zu dieser Zeit gesunde, sinnliche Bilder und verwendete klangvolle, tiefe Farben. Nach Bellinis Tod ging die Position des Künstlers der Venezianischen Schule der Republik auf Tizian über. Tizian entwickelt die von Giorgione eingeleitete Reform der Malerei weiter: Der Künstler bevorzugt große Leinwände, die einen breiten und freien Farbauftrag ermöglichen. Auf die erste Schicht trug er unmittelbar nach dem Trocknen mehr oder weniger dichte, aber fließende Striche auf, vermischt mit transparenten und glänzenden Lacken, und vervollständigte das Bild, indem er die hellsten Töne und Schatten mit Strichen intensivierte, die einen fast korpusartigen Charakter erhielten. Die Skizze entsprach der allgemeinen emotionalen Vorbereitung, war aber in sich vollständig.

Auf Einladung von Papst Paul III. zog Tizian nach Rom. In seiner Kunst tauchen neue Themen auf – das Drama des Kampfes, der Spannung. So überträgt der Künstler im Gemälde „Hier ist ein Mann“ die Handlung des Evangeliums in eine zeitgenössische Umgebung und zeigt Pietro Aretino als Pilatus und den venezianischen Dogen als einen der Pharisäer. Dies missfällt dem Papst und Tizian reist mit seinem Sohn nach Augsburg, um Karl V. zu besuchen. Am Hofe Karls V. schreibt Tizian viel, insbesondere erhält er viele Aufträge von Spanien. König Philipp II. bestellt ihm mehrere Gemälde. In den frühen 50er Jahren. Tizian kehrt nach Venedig zurück, arbeitet aber weiterhin für den spanischen König. Tizians Porträts zeichnen sich durch Vitalität aus. „Porträt von Papst Paul III. mit Alexandro und Ottavio Farnese“ zeigt die Begegnung dreier Menschen, mit denen jeweils andere geheime Gefühle verbunden sind. Im Jahr 1548 malte Tizian zwei Porträts von Karl V.. In einem wird er als Triumphator dargestellt, der einen Sieg errungen hat – in Rüstung, mit Helm und Federbusch reitet Karl auf einem Pferd bis zum Waldrand.
Als Tizian ein Porträt von Kaiser Karl V. malte, ließ er seinen Pinsel fallen und der Kaiser hob ihn auf. Dann sagte der Künstler: „Eure Majestät, Ihr Diener verdient eine solche Ehre nicht.“ Darauf soll der Kaiser geantwortet haben: „Tizian ist würdig, von Cäsar bedient zu werden.“

Das zweite Porträt zeigt den Kaiser in einem traditionellen spanischen schwarzen Anzug, sitzend auf einem Stuhl mit einer Loggia im Hintergrund.
In den frühen 50er Jahren. Tizian malte im Auftrag von Philipp II., der nach der Abdankung seines Vaters Karl V. Kaiser wurde, sieben Gemälde zu mythologischen Themen, die er „Poesie“ nannte, und interpretierte mythologische Themen als Metaphern für das menschliche Leben. Zu den Gedichten gehören „Der Tod des Aktäon“, „Venus und Adonis“ und „Die Vergewaltigung Europas“. Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte Tizian in Venedig. In seinen Werken wachsen Angst und Enttäuschung. In religiösen Gemälden wendet sich Tizian zunehmend dramatischen Themen zu – Szenen des Martyriums und des Leidens, in denen auch tragische Töne zu hören sind.

Spätrenaissance. Paolo Veronese (1528-1588). P. Caliari, nach seinem Geburtsort Veronese genannt, wurde 1528 in Verona geboren. In Venedig angekommen, erlangte er sofort Anerkennung für seine Arbeit im Dogenpalast. Bis zu seinem Lebensende arbeitete Veronese 35 Jahre lang daran, Venedig zu schmücken und zu verherrlichen. Veroneses Gemälde basiert ausschließlich auf Farbe. Er verstand es, einzelne Farben so gegenüberzustellen, dass durch diese Annäherung ein besonders intensiver Klang entstand. Sie beginnen zu brennen wie Edelsteine. Im Gegensatz zu Tizian, der in erster Linie Staffeleimaler war, ist Veronese ein geborener Dekorateur. Vor Veronese wurden einzelne Staffeleigemälde an den Wänden angebracht, um Innenräume zu schmücken, und es gab keine dekorative Gesamteinheit, sondern eine synthetische Verschmelzung von Malerei und Architektur. Veronese war der erste venezianische Künstler, der komplette dekorative Ensembles schuf, indem er die Wände von Kirchen, Klöstern, Palästen und Villen von oben bis unten bemalte und seine Malerei in die Architektur einbezog. Zu diesem Zweck nutzte er die Freskotechnik. In seinen Gemälden und vor allem in seinen Lampenschirmen verwendete Veronese starke Verkürzungen, kühne räumliche Schnitte, die darauf abzielten, das Bild von unten nach oben zu betrachten. Mit seinen Lampenschirmen „öffnete er den Himmel“.

Jacopo Tintoretto. Echter Name Jacobo Robusti (1518-1594). Tintorettos Gemälde markiert die Vollendung der italienischen Version der Renaissance. Tintoretto neigte zu Bildzyklen komplexer thematischer Natur; er verwendete seltene und bisher unbekannte Themen. So werden in der erweiterten Erzählung des riesigen Zyklus der Scuola di San Rocco neben vielen bekannten Episoden aus dem Alten und Neuen Testament auch weniger verbreitete und sogar völlig neue Motive eingeführt – „Die Versuchung Christi“ und Landschaftskompositionen mit Magdalena und Maria von Ägypten. Zyklus über die Wunder von St. Die Briefmarke in der Venezianischen Akademie und im Mailänder Brera wird in Formen präsentiert, die weit von den üblichen Bildlösungen entfernt sind.

Der Dogenpalast, der Schlachten darstellt, weist eine Fülle von Variationen und Kühnheit in der Gestaltung auf. In der antiken mythologischen Thematik führte Tintoretto die freie poetische Interpretation von Motiven fort, die mit Tizians „Poesie“ begann. Ein Beispiel hierfür ist das Gemälde „Der Ursprung der Milchstraße“. Er nutzte neue Handlungsquellen. So ging der Künstler in dem Gemälde „Die Rettung von Arsinoe“ von der Adaption des Gedichts des römischen Autors Lucan in der französischen mittelalterlichen Legende aus und schrieb „Tancred und Clorinda“ nach dem Gedicht von Tasso.

Tintoretto wandte sich wiederholt der Handlung des Letzten Abendmahls zu. Wenn im feierlichen friesförmigen „Abendmahl“ in der Kirche Santa Maria Marcuola eine Debatte darüber geführt wird, wie die Worte des Lehrers zu verstehen sind, dann sind es auf dem Gemälde aus der Kirche Santa Trovaso die Worte Christi, Wie Schläge zerstreuten sich die schockierten Jünger, und auf der Leinwand der Scuola di San Rocco vereint es den dramatischen Aspekt der Handlung und die Symbolik des Sakraments. In der Kirche San Giorgio Maggiore erlangte das Sakrament der Eucharistie die Qualität von eine universelle spiritisierende Kraft. Wenn Maler des klassischen Typs dazu neigen, Zeit zu vermitteln, die weder Anfang noch Ende hat, dann bedient sich Tintoretto dem Prinzip der Darstellung eines Ereignisses. Ein spezifisches Merkmal von Tintorettos Werken ist Suggestivität, Dynamik, ausdrucksstarke Helligkeit natürlicher Motive und räumliche Mehrdimensionalität.