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Jazz - eine Form der Musikkunst, die Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts in den USA, in New Orleans, als Ergebnis der Synthese afrikanischer und europäischer Kulturen entstand und sich anschließend weit verbreitete. Die Ursprünge des Jazz waren der Blues und andere afroamerikanische Volksmusik. Die charakteristischen Merkmale der Musiksprache des Jazz waren zunächst Improvisation, Polyrhythmik auf der Grundlage synkopierter Rhythmen und eine einzigartige Reihe von Techniken zur Darstellung rhythmischer Texturen – Swing. Die Weiterentwicklung des Jazz erfolgte durch die Entwicklung neuer rhythmischer und harmonischer Modelle durch Jazzmusiker und Komponisten. Die Genres des Jazz sind: Avantgarde-Jazz, Bebop, klassischer Jazz, Cool, Modal-Jazz, Swing, Smooth-Jazz, Soul-Jazz, Free-Jazz, Fusion, Hard Bop und viele andere.

Geschichte der Jazzentwicklung

Vilex College Jazz Band, Texas

Jazz entstand als Kombination mehrerer Musikkulturen und nationaler Traditionen. Ursprünglich stammt es aus Afrika. Jede afrikanische Musik zeichnet sich durch einen sehr komplexen Rhythmus aus; die Musik wird immer von Tanz begleitet, der aus schnellem Stampfen und Klatschen besteht. Auf dieser Grundlage entstand Ende des 19. Jahrhunderts eine weitere Musikrichtung – der Ragtime. Anschließend entstand aus Ragtime-Rhythmen in Kombination mit Blues-Elementen eine neue Musikrichtung – der Jazz.

Der Blues entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Verschmelzung afrikanischer Rhythmen und europäischer Harmonie, seine Ursprünge sollten jedoch im Moment der Einfuhr von Sklaven aus Afrika in das Gebiet der Neuen Welt gesucht werden. Die mitgebrachten Sklaven stammten nicht aus derselben Familie und verstanden sich meist nicht einmal untereinander. Das Bedürfnis nach Konsolidierung führte zur Vereinigung vieler Kulturen und infolgedessen zur Schaffung einer einzigen Kultur (einschließlich Musik) der Afroamerikaner. Die Prozesse der Vermischung afrikanischer und europäischer Musikkultur (die auch in der Neuen Welt gravierende Veränderungen erlebten) fanden ab dem 18. Jahrhundert statt und führten im 19. Jahrhundert zur Entstehung des „Proto-Jazz“ und dann des Jazz im allgemein akzeptierten Sinne . Die Wiege des Jazz war der amerikanische Süden und insbesondere New Orleans.
Der Schlüssel zur ewigen Jugend im Jazz ist die Improvisation
Die Besonderheit des Stils ist die einzigartige individuelle Darbietung des Jazzvirtuosen. Der Schlüssel zur ewigen Jugend im Jazz ist die Improvisation. Nach dem Auftritt des brillanten Interpreten Louis Armstrong, der sein ganzes Leben im Rhythmus des Jazz verbrachte und immer noch eine Legende bleibt, erblickte die Kunst des Jazz-Auftritts neue und ungewöhnliche Horizonte: Gesangs- oder instrumentale Solodarbietungen werden zum Mittelpunkt der gesamten Aufführung. die Idee des Jazz völlig verändern. Jazz ist nicht nur eine bestimmte Art der musikalischen Darbietung, sondern auch eine einzigartige, fröhliche Ära.

New Orleans-Jazz

Der Begriff New Orleans bezieht sich normalerweise auf den Stil von Jazzmusikern, die zwischen 1900 und 1917 in New Orleans Jazz spielten, sowie auf Musiker aus New Orleans, die von etwa 1917 bis in die 1920er Jahre in Chicago spielten und Aufnahmen machten. Diese Periode der Jazzgeschichte wird auch als Jazz-Zeitalter bezeichnet. Und dieser Begriff wird auch verwendet, um die Musik zu beschreiben, die in verschiedenen historischen Epochen von Vertretern des New Orleans Revival aufgeführt wurde, die versuchten, Jazz im gleichen Stil wie die Musiker der New Orleans School aufzuführen.

Afroamerikanischer Folk und Jazz haben seit der Eröffnung von Storyville, dem für seine Unterhaltungsmöglichkeiten berühmten Rotlichtviertel von New Orleans, unterschiedliche Wege eingeschlagen. Wer Spaß haben und Spaß haben wollte, dem boten Tanzflächen, Kabaretts, Varietés, ein Zirkus, Bars und Imbisse jede Menge verlockende Möglichkeiten. Und überall in diesen Etablissements erklang Musik und Musiker, die die neue synkopierte Musik beherrschten, konnten Arbeit finden. Allmählich, mit der Zunahme der Zahl der professionell arbeitenden Musiker in den Unterhaltungsbetrieben von Storyville, nahm die Zahl der Marsch- und Straßenblaskapellen ab, und an ihrer Stelle entstanden die sogenannten Storyville-Ensembles, deren musikalische Ausprägung individueller wird. im Vergleich zum Spielen von Blaskapellen. Diese oft als „Combo-Orchester“ bezeichneten Kompositionen wurden zu den Begründern des Stils des klassischen New Orleans Jazz. Von 1910 bis 1917 boten die Nachtclubs von Storyville ein ideales Umfeld für Jazz.
Von 1910 bis 1917 boten die Nachtclubs von Storyville ein ideales Umfeld für Jazz.
Die Entwicklung des Jazz in den USA im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts

Nach der Schließung von Storyville beginnt sich Jazz aus einem regionalen Folk-Genre in einen nationalen Musiktrend zu verwandeln, der sich auf die nördlichen und nordöstlichen Provinzen der Vereinigten Staaten ausbreitet. Aber seine weite Verbreitung hätte natürlich nicht nur durch die Schließung eines Vergnügungsviertels erleichtert werden können. Neben New Orleans spielten St. Louis, Kansas City und Memphis von Anfang an eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Jazz. Ragtime entstand im 19. Jahrhundert in Memphis und verbreitete sich von dort aus in der Zeit von 1890 bis 1903 auf dem gesamten nordamerikanischen Kontinent.

Andererseits verbreiteten sich Minstrel-Shows mit ihrem bunten Mosaik aller möglichen musikalischen Bewegungen der afroamerikanischen Folklore von Jigs bis Ragtime schnell überall und ebneten den Weg für die Ankunft des Jazz. Viele zukünftige Jazzstars begannen ihre Karriere in Minstrel-Shows. Lange bevor Storyville geschlossen wurde, gingen Musiker aus New Orleans mit sogenannten „Vaudeville“-Truppen auf Tournee. Seit 1904 tourte Jelly Roll Morton regelmäßig in Alabama, Florida und Texas. Seit 1914 hatte er einen Auftrittsvertrag in Chicago. 1915 zog auch Thom Brownes weißes Dixieland-Orchester nach Chicago. Die berühmte „Creole Band“ unter der Leitung des New Orleanser Kornettisten Freddie Keppard unternahm ebenfalls große Varieté-Tourneen in Chicago. Nach der Trennung von der Olympia Band traten die Künstler von Freddie Keppard bereits 1914 erfolgreich im besten Theater Chicagos auf und erhielten noch vor der Original Dixieland Jazz Band das Angebot, eine Tonaufnahme ihrer Auftritte anzufertigen, was Freddie Keppard jedoch kurzsichtig machte abgelehnt. Der Einflussbereich des Jazz wurde durch Orchester, die auf Vergnügungsdampfern, die den Mississippi hinauffuhren, spielten, erheblich erweitert.

Seit dem Ende des 19. Jahrhunderts erfreuen sich Flussfahrten von New Orleans nach St. Paul großer Beliebtheit, zunächst für ein Wochenende, später für eine ganze Woche. Seit 1900 treten auf diesen Flussschiffen Orchester aus New Orleans auf, und ihre Musik ist zur attraktivsten Unterhaltung für Passagiere bei Flussrundfahrten geworden. Die zukünftige Frau von Louis Armstrong, die erste Jazzpianistin Lil Hardin, begann in einem dieser „Suger Johnny“-Orchester. Ein weiterer Pianist, das Riverboat-Orchester von Fates Marable, spielte viele zukünftige New Orleans-Jazzstars.

Dampfschiffe, die den Fluss entlang fuhren, hielten oft an vorbeifahrenden Bahnhöfen, wo Orchester Konzerte für das örtliche Publikum veranstalteten. Es waren diese Konzerte, die für Bix Beiderbeck, Jess Stacy und viele andere zu kreativen Debüts wurden. Eine weitere berühmte Route führte durch Missouri nach Kansas City. In dieser Stadt, in der sich dank der starken Wurzeln der afroamerikanischen Folklore der Blues entwickelte und schließlich Gestalt annahm, fand das virtuose Spiel der Jazzmusiker aus New Orleans ein außergewöhnlich fruchtbares Umfeld. In den frühen 1920er Jahren wurde Chicago zum Hauptzentrum für die Entwicklung der Jazzmusik, wo durch die Bemühungen vieler Musiker aus verschiedenen Teilen der Vereinigten Staaten ein Stil geschaffen wurde, der den Spitznamen Chicago Jazz erhielt.

Bigbands

Die klassische, etablierte Form der Big Bands ist im Jazz seit den frühen 1920er Jahren bekannt. Diese Form blieb bis Ende der 1940er Jahre relevant. Die Musiker, die den meisten Big Bands beitraten, spielten in der Regel schon fast im Jugendalter ganz bestimmte Rollen, entweder auswendig gelernt bei den Proben oder anhand von Notizen. Sorgfältige Orchestrierungen gepaart mit großen Blechbläsern und Holzbläsern brachten satte Jazzharmonien hervor und erzeugten einen sensationell lauten Klang, der als „Big-Band-Sound“ bekannt wurde.

Die Big Band wurde zur populären Musik ihrer Zeit und erreichte Mitte der 1930er Jahre ihren Höhepunkt. Diese Musik wurde zur Quelle des Swingtanz-Trends. Die Leiter der berühmten Jazzorchester Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford und Charlie Barnett komponierten bzw. arrangierten und nahmen eine wahre Hitparade an Melodien auf, die nicht nur auf der Bühne zu hören waren im Radio, aber auch überall in Tanzlokalen. Viele Big Bands präsentierten ihre improvisierenden Solisten, die das Publikum bei gut beworbenen „Battles of the Bands“ in einen Zustand nahezu Hysterie versetzten.
Viele Big Bands zeigten ihre improvisierenden Solisten, die das Publikum in einen Zustand nahe der Hysterie versetzten
Obwohl die Popularität von Big Bands nach dem Zweiten Weltkrieg erheblich zurückging, gingen Orchester unter der Leitung von Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James und vielen anderen in den nächsten Jahrzehnten häufig auf Tournee und machten Aufnahmen. Ihre Musik veränderte sich allmählich unter dem Einfluss neuer Trends. Gruppen wie Ensembles unter der Leitung von Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus und Tad Jones-Mal Lewis erkundeten neue Konzepte in Bezug auf Harmonie, Instrumentierung und improvisatorische Freiheit. Heutzutage sind Big Bands der Standard in der Jazzausbildung. Repertoireorchester wie das Lincoln Center Jazz Orchestra, das Carnegie Hall Jazz Orchestra, das Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra und das Chicago Jazz Ensemble spielen regelmäßig Originalarrangements von Big-Band-Kompositionen.

Nordost-Jazz

Obwohl die Geschichte des Jazz in New Orleans mit dem Aufkommen des 20. Jahrhunderts begann, erlebte die Musik in den frühen 1920er Jahren ihren wahren Aufschwung, als der Trompeter Louis Armstrong New Orleans verließ, um in Chicago revolutionäre neue Musik zu schaffen. Die kurz darauf einsetzende Migration der Jazzmeister aus New Orleans nach New York markierte einen Trend der ständigen Bewegung von Jazzmusikern vom Süden in den Norden.

Louis Armstrong

Chicago nahm die Musik von New Orleans und machte sie heiß und steigerte ihre Intensität nicht nur durch die Bemühungen von Armstrongs berühmten Hot Five- und Hot Seven-Ensembles, sondern auch durch andere, darunter Meister wie Eddie Condon und Jimmy McPartland, deren Crew an der Austin High School war half bei der Wiederbelebung der Schulen in New Orleans. Andere bemerkenswerte Chicagoer, die die Grenzen des klassischen New Orleans-Jazzstils erweitert haben, sind der Pianist Art Hodes, der Schlagzeuger Barrett Deems und der Klarinettist Benny Goodman. Armstrong und Goodman, die schließlich nach New York zogen, schufen dort eine Art kritische Masse, die der Stadt zu einer wahren Jazzhauptstadt der Welt verhalf. Und während Chicago im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts in erster Linie ein Aufnahmezentrum blieb, entwickelte sich New York auch zu einem bedeutenden Jazz-Veranstaltungsort mit legendären Clubs wie dem Minton Playhouse, dem Cotton Club, dem Savoy und dem Village Vanguard sowie solchen Arenen als Carnegie Hall.

Kansas City-Stil

Während der Weltwirtschaftskrise und der Prohibition wurde die Jazzszene von Kansas City zum Mekka für die neuen Klänge der späten 1920er und 1930er Jahre. Der Stil, der in Kansas City florierte, zeichnete sich durch gefühlvolle, bluesige Stücke aus, die sowohl von Big Bands als auch von kleinen Swing-Ensembles aufgeführt wurden und energiegeladene Soli für die Gäste von Flüsterkneipen vorsahen, in denen Schnaps verkauft wurde. In diesen Zucchini kristallisierte sich der Stil des großen Count Basie heraus, der in Kansas City im Orchester von Walter Page und später bei Benny Mouthen begann. Beide Orchester waren typische Vertreter des Kansas-City-Stils, dessen Grundlage eine besondere Form des Blues war, der „Urban Blues“ genannt wurde und sich im Spiel der oben genannten Orchester herausbildete. Die Jazzszene von Kansas City zeichnete sich auch durch eine ganze Galaxie herausragender Meister des Vocal-Blues aus, deren anerkannter „König“ der langjährige Solist des Count Basie-Orchesters, der berühmte Blues-Sänger Jimmy Rushing, war. Der berühmte Altsaxophonist Charlie Parker, geboren in Kansas City, nutzte bei seiner Ankunft in New York in großem Umfang die charakteristischen Blues-„Tricks“, die er in den Orchestern von Kansas City gelernt hatte und die später einen der Ausgangspunkte für die Bopper-Experimente bildeten die 1940er Jahre.

Westküsten-Jazz

Künstler, die in der Cool-Jazz-Bewegung der 1950er-Jahre gefangen waren, arbeiteten ausgiebig in Aufnahmestudios in Los Angeles. Diese in Los Angeles ansässigen Künstler waren weitgehend von Miles Davis' Nonett beeinflusst und entwickelten das, was heute als „West Coast Jazz“ bekannt ist. Der Westküsten-Jazz war viel sanfter als der wütende Bebop, der ihm vorausging. Der Großteil des Westküsten-Jazz wurde sehr detailliert ausgeschrieben. Die in diesen Kompositionen häufig verwendeten Kontrapunktlinien schienen Teil des europäischen Einflusses zu sein, der den Jazz durchdrungen hatte. Allerdings ließ diese Musik viel Raum für lange lineare Soloimprovisationen. Obwohl West Coast Jazz hauptsächlich in Aufnahmestudios aufgeführt wurde, traten in Clubs wie dem Lighthouse in Hermosa Beach und dem Haig in Los Angeles oft seine großen Meister auf, darunter der Trompeter Shorty Rogers, die Saxophonisten Art Pepper und Bud Schenk, der Schlagzeuger Shelley Mann und der Klarinettist Jimmy Giuffre .

Verbreitung des Jazz

Jazz hat seit jeher das Interesse von Musikern und Zuhörern auf der ganzen Welt geweckt, unabhängig von ihrer Nationalität. Es reicht aus, das Frühwerk des Trompeters Dizzy Gillespie und seine Synthese von Jazztraditionen mit der Musik schwarzer Kubaner in den 1940er Jahren oder die spätere Kombination von Jazz mit japanischer, euroasiatischer und nahöstlicher Musik zu verfolgen, die im Werk des Pianisten berühmt ist Dave Brubeck sowie der brillante Komponist und Leiter des Jazz – das Duke Ellington Orchestra, das das musikalische Erbe Afrikas, Lateinamerikas und des Fernen Ostens vereinte.

Dave Brubeck

Der Jazz hat nicht nur westliche Musiktraditionen ständig absorbiert. Zum Beispiel, als verschiedene Künstler begannen, mit musikalischen Elementen Indiens zu arbeiten. Ein Beispiel für diese Bemühungen sind die Aufnahmen des Flötisten Paul Horne im Taj Mahal oder der Strom der „Weltmusik“, der beispielsweise in der Arbeit der Oregon-Gruppe oder John McLaughlins Shakti-Projekt vertreten ist. McLaughlins Musik, die zuvor größtenteils auf Jazz basierte, begann während seiner Zeit bei Shakti, neue Instrumente indischen Ursprungs wie Khatam oder Tabla, komplizierte Rhythmen und die weit verbreitete Verwendung der indischen Raga-Form zu verwenden.
Während die Globalisierung der Welt weiter voranschreitet, wird Jazz weiterhin von anderen Musiktraditionen beeinflusst
Das Art Ensemble of Chicago war ein früher Pionier in der Verschmelzung afrikanischer und Jazz-Formen. Später lernte die Welt den Saxophonisten/Komponisten John Zorn und seine Erkundungen der jüdischen Musikkultur kennen, sowohl innerhalb als auch außerhalb des Masada Orchestra. Diese Werke inspirierten ganze Gruppen anderer Jazzmusiker, etwa den Keyboarder John Medeski, der mit dem afrikanischen Musiker Salif Keita Aufnahmen machte, den Gitarristen Marc Ribot und den Bassisten Anthony Coleman. Der Trompeter Dave Douglas integriert mit Begeisterung Balkan-Einflüsse in seine Musik, während sich das Asian-American Jazz Orchestra zu einem führenden Befürworter der Konvergenz von Jazz und asiatischen Musikformen entwickelt hat. Während die Globalisierung der Welt weiter voranschreitet, wird Jazz weiterhin von anderen Musiktraditionen beeinflusst, was fruchtbares Futter für zukünftige Forschungen liefert und zeigt, dass Jazz wirklich eine Weltmusik ist.

Jazz in der UdSSR und Russland

Valentin Parnakhs erste Jazzband in der RSFSR

Die Jazzszene entstand in den 1920er Jahren in der UdSSR, zeitgleich mit ihrer Blütezeit in den USA. Das erste Jazzorchester in Sowjetrussland wurde 1922 in Moskau vom Dichter, Übersetzer, Tänzer und Theaterkünstler Valentin Parnakh gegründet und erhielt den Namen „Das erste exzentrische Orchester der Jazzbands von Valentin Parnakh in der RSFSR“. Als Geburtstag des russischen Jazz gilt traditionell der 1. Oktober 1922, als das erste Konzert dieser Gruppe stattfand. Als erstes professionelles Jazzensemble, das im Radio auftrat und eine Schallplatte aufnahm, gilt das Orchester des Pianisten und Komponisten Alexander Tsfasman (Moskau).

Frühe sowjetische Jazzbands spezialisierten sich auf die Aufführung modischer Tänze (Foxtrott, Charleston). Im Massenbewusstsein erlangte der Jazz in den 30er Jahren große Popularität, vor allem dank des Leningrader Ensembles unter der Leitung des Schauspielers und Sängers Leonid Utesov und des Trompeters Ya. Die beliebte Filmkomödie mit seiner Beteiligung „Jolly Guys“ (1934) widmete sich der Geschichte des Jazzmusikers und hatte einen entsprechenden Soundtrack (geschrieben von Isaac Dunaevsky). Utesov und Skomorovsky bildeten den ursprünglichen Stil des „Thea-Jazz“ (Theaterjazz), der auf einer Mischung aus Musik mit Theater, Operette und Gesangsnummern basierte und in der das Element der Aufführung eine große Rolle spielte. Einen bemerkenswerten Beitrag zur Entwicklung des sowjetischen Jazz leistete Eddie Rosner, ein Komponist, Musiker und Orchesterleiter. Nachdem er seine Karriere in Deutschland, Polen und anderen europäischen Ländern begonnen hatte, zog Rosner in die UdSSR und wurde einer der Pioniere des Swing in der UdSSR und der Begründer des belarussischen Jazz.
Im Massenbewusstsein begann der Jazz in der UdSSR in den 1930er Jahren große Popularität zu erlangen.
Die Haltung der sowjetischen Behörden gegenüber dem Jazz war zweideutig: Inländische Jazzkünstler wurden in der Regel nicht verboten, aber im Kontext der Kritik an der westlichen Kultur als Ganzes war scharfe Kritik am Jazz als solchem ​​weit verbreitet. Ende der 40er Jahre, im Kampf gegen den Kosmopolitismus, erlebte der Jazz in der UdSSR eine besonders schwierige Zeit, in der Gruppen, die „westliche“ Musik spielten, verfolgt wurden. Mit Beginn des Tauwetters hörten die Repressionen gegen Musiker auf, die Kritik hielt jedoch an. Laut der Forschung der Geschichts- und amerikanischen Kulturprofessorin Penny Van Eschen versuchte das US-Außenministerium, Jazz als ideologische Waffe gegen die UdSSR und gegen die Ausweitung des sowjetischen Einflusses in der Dritten Welt einzusetzen. In den 50er und 60er Jahren. In Moskau nahmen die Orchester von Eddie Rosner und Oleg Lundstrem ihre Tätigkeit wieder auf, neue Kompositionen erschienen, darunter die Orchester von Joseph Weinstein (Leningrad) und Vadim Ludvikovsky (Moskau) sowie das Riga Variety Orchestra (REO).

Big Bands brachten eine ganze Galaxie talentierter Arrangeure und Solisten-Improvisatoren hervor, deren Arbeit den sowjetischen Jazz auf ein qualitativ neues Niveau brachte und ihn den Weltstandards näher brachte. Unter ihnen sind Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Die Entwicklung des Kammer- und Clubjazz beginnt in der ganzen Vielfalt seiner Stilistiken (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik usw.)

Jazzclub „Blue Bird“

Viele der oben genannten Meister des sowjetischen Jazz begannen ihre kreative Karriere auf der Bühne des legendären Moskauer Jazzclubs „Blue Bird“, der von 1964 bis 2009 existierte, und entdeckten neue Namen von Vertretern der modernen Generation russischer Jazzstars (Brüder). Alexander und Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko und andere). In den 70er Jahren erlangte das bis 1986 bestehende Jazz-Trio „Ganelin-Tarasov-Chekasin“ (GTC) bestehend aus dem Pianisten Wjatscheslaw Ganelin, dem Schlagzeuger Wladimir Tarasow und dem Saxophonisten Wladimir Tschekasin große Bekanntheit. Berühmt waren in den 70er und 80er Jahren auch das Jazzquartett aus Aserbaidschan „Gaya“ und die georgischen Vokal- und Instrumentalensembles „Orera“ und „Jazz Chorale“.

Nach einem Rückgang des Interesses am Jazz in den 90er Jahren begann er in der Jugendkultur wieder an Popularität zu gewinnen. Jährlich finden in Moskau Jazzmusikfestivals wie „Usadba Jazz“ und „Jazz in the Hermitage Garden“ statt. Der beliebteste Veranstaltungsort für Jazzclubs in Moskau ist der Jazzclub „Union of Composers“, der weltberühmte Jazz- und Blueskünstler einlädt.

Jazz in der modernen Welt

Die moderne Welt der Musik ist so vielfältig wie das Klima und die Geografie, die wir auf Reisen erleben. Und doch erleben wir heute die Vermischung immer mehr Weltkulturen, die uns immer näher an das heranführt, was im Wesentlichen bereits zur „Weltmusik“ (Weltmusik) wird. Der heutige Jazz kann nicht mehr anders, als von Klängen beeinflusst zu werden, die aus fast allen Teilen der Welt in ihn eindringen. Der europäische Experimentalismus mit klassischen Obertönen beeinflusst weiterhin die Musik junger Pioniere wie Ken Vandermark, eines Free-Jazz-Avantgarde-Saxophonisten, der für seine Arbeit mit so bemerkenswerten Zeitgenossen wie den Saxophonisten Mats Gustafsson, Evan Parker und Peter Brotzmann bekannt ist. Zu den anderen jungen, traditionelleren Musikern, die weiterhin nach ihrer eigenen Identität suchen, gehören die Pianisten Jackie Terrasson, Benny Green und Braid Meldoa, die Saxophonisten Joshua Redman und David Sanchez sowie die Schlagzeuger Jeff Watts und Billy Stewart.

Die alte Klangtradition wird von Künstlern wie dem Trompeter Wynton Marsalis, der mit einem Team von Assistenten sowohl in seinen eigenen Kleingruppen als auch im von ihm geleiteten Lincoln Center Jazz Orchestra arbeitet, rasant fortgeführt. Unter seiner Schirmherrschaft entwickelten sich die Pianisten Marcus Roberts und Eric Reed, der Saxophonist Wes „Warmdaddy“ Anderson, der Trompeter Marcus Printup und der Vibraphonist Stefan Harris zu großartigen Musikern. Auch Bassist Dave Holland ist ein großer Entdecker junger Talente. Zu seinen zahlreichen Entdeckungen zählen Künstler wie der Saxophonist/M-Bassist Steve Coleman, der Saxophonist Steve Wilson, der Vibraphonist Steve Nelson und der Schlagzeuger Billy Kilson. Weitere großartige Mentoren junger Talente sind der Pianist Chick Corea sowie der verstorbene Schlagzeuger Elvin Jones und die Sängerin Betty Carter. Die potenziellen Möglichkeiten für die Weiterentwicklung des Jazz sind derzeit recht groß, da die Wege zur Talententwicklung und die Ausdrucksmittel unvorhersehbar sind und sich durch die gemeinsamen Anstrengungen verschiedener Jazz-Genres, die heute gefördert werden, vervielfachen.

Jazz ist die Musik der Seele, und über die Geschichte dieser Musikrichtung wird immer noch endlos diskutiert. Viele glauben, dass Jazz seinen Ursprung in New Orleans hat, während andere glauben, dass Jazz erstmals in Afrika aufgeführt wurde, und berufen sich dabei auf komplexe Rhythmen und alle Arten von Tänzen, Stampfen und Klatschen. Aber ich fordere Sie heraus, den lebendigen, lebendigen, sich ständig verändernden Jazz etwas besser kennenzulernen.

Der Ursprung des Jazz hat zahlreiche Gründe. Sein Anfang war außergewöhnlich, dynamisch und in gewisser Weise trugen wundersame Ereignisse dazu bei. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert entstand die Jazzmusik; sie wurde zur Idee der Kulturen Europas und Afrikas, eine Art Verschmelzung von Formen und Trends zweier Kontinente.

Es ist allgemein anerkannt, dass die Geburt des Jazz auf die eine oder andere Weise mit der Einfuhr von Sklaven aus Afrika in das Gebiet der Neuen Welt begann. Die Menschen, die an einen Ort gebracht wurden, verstanden sich meist nicht und es kam ggf. zu einer Vereinigung vieler Kulturen, auch durch die Verschmelzung der Musikkulturen. So wurde Jazz geboren.

Als Epizentrum der Entwicklung der Jazzkultur gilt der Süden Amerikas, genauer gesagt New Orleans. Anschließend fließen die rhythmischen Melodien des Jazz sanft in eine andere Musikhauptstadt im Norden – Chicago. Dort waren vor allem Nachtauftritte gefragt; unglaubliche Arrangements verliehen den Interpreten besondere Würze, doch die wichtigste Regel des Jazz war schon immer die Improvisation. Ein herausragender Vertreter dieser Zeit war der unnachahmliche Louis Armstrong.

Zeitraum 1900-1917 In New Orleans entwickelt sich die Jazzbewegung aktiv und das Konzept eines „New Orleans“-Musikers sowie die Ära der 20er Jahre kommen zum Einsatz. Das 20. Jahrhundert wird allgemein als „Jazz-Ära“ bezeichnet. Nachdem wir nun herausgefunden haben, wo und wie der Jazz entstanden ist, lohnt es sich, die Besonderheiten dieser Musikrichtung zu verstehen. Zunächst einmal basiert Jazz auf einer spezifischen Polyrhythmik, die auf synkopierten Rhythmen beruht. Synkopierung ist eine Schwerpunktverlagerung von einem starken zu einem schwachen Schlag, also eine bewusste Verletzung des rhythmischen Akzents.

Der Hauptunterschied zwischen Jazz und anderen Bewegungen ist der Rhythmus bzw. seine willkürliche Ausführung. Es ist diese Freiheit, die Musikern das Gefühl eines freien und entspannten Auftritts gibt. In Fachkreisen nennt man das Swing. Unterstützt wird alles durch ein buntes und farbenfrohes musikalisches Spektrum und natürlich darf man das Hauptmerkmal nie außer Acht lassen – die Improvisation. All dies, gepaart mit Talent und Lust, ergibt eine sinnliche und rhythmische Komposition namens Jazz.

Die Weiterentwicklung des Jazz ist nicht weniger interessant als seine Ursprünge. Anschließend erschienen neue Richtungen: Swing (1930er Jahre), Bebop (1940er Jahre), Cool Jazz, Hard Pop, Soul Jazz und Jazz-Funk (1940er-1960er Jahre). Im Zeitalter des Swing geriet die kollektive Improvisation in den Hintergrund; nur ein Solist konnte sich einen solchen Luxus leisten; der Rest der Musiker musste sich an die vorbereitete Musikkomposition halten. In den 1930ern Es gab ein rasantes Wachstum solcher Gruppen, die später als Big Bands bekannt wurden. Als prominenteste Vertreter dieser Zeit gelten Duke Ellington, Benny Goodman und Glen Miller.

Zehn Jahre später kommt es erneut zu einer Revolution in der Geschichte des Jazz. Kleine Gruppen, überwiegend bestehend aus schwarzen Künstlern, in denen sich absolut alle Teilnehmer das Improvisieren leisten konnten, kamen wieder in Mode. Die Stars der Wende waren Charlie Parker und Dizzy Gillespie. Die Musiker versuchten, dem Jazz seine frühere Leichtigkeit und Leichtigkeit zurückzugeben und sich so weit wie möglich vom Kommerz zu entfernen. Big-Band-Leiter, die laute Auftritte und große Säle einfach satt hatten und einfach nur die Musik genießen wollten, kamen zu kleinen Orchestern.

Musik 1940-1960er Jahre hat eine gewaltige Veränderung durchgemacht. Jazz wurde in zwei Gruppen eingeteilt. Man grenzte an klassische Darbietungen; Cool Jazz ist berühmt für seine Zurückhaltung und Melancholie. Die Hauptvertreter sind Chet Baker, Dave Brubeck und Miles Davis. Aber die zweite Gruppe entwickelte die Ideen des Bebop, bei denen helle und aggressive Rhythmen, explosive Soli und natürlich Improvisation im Vordergrund standen. In diesem Stil wurde die Spitze des Sockels von John Coltrane, Sonny Rollins und Art Blakey eingenommen.

Der letzte Punkt in der Entwicklung des Jazz war 1950, als Jazz mit anderen Musikstilen verschmolz. Anschließend erschienen neue Formen und Jazz entwickelte sich in der UdSSR und der GUS. Prominente russische Vertreter waren Valentin Parnakh, der das erste Orchester des Landes gründete, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan und Alexander Varlamov. Auch in der modernen Welt findet eine intensive Entwicklung des Jazz statt, Musiker setzen neue Formen um, probieren, kombinieren und erzielen Erfolg.

Jetzt wissen Sie etwas mehr über Musik und insbesondere über Jazz. Jazz ist nicht jedermanns Sache, aber auch wenn Sie nicht der größte Fan dieses Genres sind, lohnt es sich auf jeden Fall, ihm zuzuhören, um in die Geschichte einzutauchen. Viel Spaß beim Zuhören.

Victoria Lyzhova

Die Nachricht „Jazz“ hilft Ihnen kurz dabei, sich auf den Musikunterricht vorzubereiten und Ihr Wissen in diesem Bereich zu vertiefen. Darüber hinaus erfahren Sie in der Reportage über Jazz viele detaillierte Informationen zu dieser Form der Musikkunst.

Nachricht über Jazz

Was ist Jazz?

Jazz ist eine Form der Musikkunst. Der Geburtsort des Jazz sind die USA, wo er im 20. Jahrhundert im Prozess der Synthese europäischer und afrikanischer Kulturen entstand. Dann verbreitete sich diese Kunst auf dem ganzen Planeten.

Jazz ist eine lebendige, erstaunliche Musik, die das rhythmische afrikanische Genie und die Schätze vieler Jahre des Spielens zeremonieller und ritueller Gesänge und Trommeln in sich aufgenommen hat. Seine Geschichte ist dynamisch, ungewöhnlich und voller wunderbarer Ereignisse, die den musikalischen Weltprozess beeinflusst haben.

Jazz wurde von Sklaven – den Völkern des afrikanischen Kontinents – in die Neue Welt gebracht. Sie gehörten oft verschiedenen Familien an und schufen, um sich besser zu verstehen, eine neue musikalische Richtung mit Blues-Motiven. Es wird angenommen, dass der Jazz seinen Ursprung in New Orleans hat. Die erste Schallplatte wurde am 26. Februar 1917 in den Victor Studios in New York aufgenommen. Sein Marsch um die Welt begann mit der Gründung der Original Dixieland Jazz Band.

Merkmale des Jazz

Die Hauptmerkmale dieser Musikrichtung sind:

• Der Schlag ist ein regelmäßiges Pulsieren.
• Polyrhythmik, die auf synkopierten Rhythmen basiert.
• Improvisation.
• Klangfarbenbereich.
• Bunte Harmonie.
• Swing ist eine Reihe von Techniken zur Ausführung rhythmischer Texturen.

Mehrere Darsteller können gleichzeitig improvisieren. Ensemblemitglieder interagieren künstlerisch miteinander und „kommunizieren“ mit dem Publikum.

Jazzstile

Die stilistische Vielfalt des Jazz seit seiner Entstehung ist erstaunlich. Nennen wir nur die gängigsten Jazzarten:

• Vorhut. Entstanden im Jahr 1960. Es zeichnet sich durch Harmonie, Rhythmus, Metrum, traditionelle Strukturen und Programmmusik aus. Vertreter: Sun Ra, Alice Coltrane, Archie Shepp.
• Acid Jazz. Dies ist ein funky Musikstil. Der Schwerpunkt liegt nicht auf Worten, sondern auf Musik. Vertreter: James Taylor Quartet, De-Phazz, Jamiroquai, Galliano, Don Cherry.
• Big Bend. Gegründet in den 1920er Jahren. Besteht aus folgenden Orchestergruppen: Saxophone, Klarinetten, Blechblasinstrumente, Rhythmusgruppe. Vertreter: The Original Dixieland Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra, King Oliver's Creole Jazz Band, Benny Goodman And His Orchestra.
• Bop. Gegründet in den 1940er Jahren. Es zeichnet sich durch komplexe Improvisationen und ein schnelles Tempo aus, die nicht auf einer Änderung der Melodie, sondern auf einer Änderung der Harmonie basieren. Jazz-Bebop-Künstler – Schlagzeuger Max Roach, Trompeter Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Pianisten Thelonious Monk und Bud Powell.
• Boogie Woogie. Dies ist ein Instrumentalsolo, das Elemente von Jazz und Blues kombiniert. Entstanden in den 1920er Jahren. Vertreter: Alex Moore, Piano Red und David Alexander, Jimmy Yancey, Cripple Clarence Lofton, Pine Top Smith.
• Bossa Nova. Dies ist eine einzigartige Synthese aus brasilianischen Samba-Rhythmen und Jazz-Improvisation im coolen Stil. Vertreter: Antonio Carlos Jobim, Stan Goetz und Charlie Bird.
• Klassischer Jazz. Ende des 19. Jahrhunderts entwickelt. Vertreter: Chris Barber, Aker Bilk, Kenny Ball, The Beatles.
• Schwingen. Es nahm an der Wende der 1920er und 1930er Jahre Gestalt an. Gekennzeichnet durch eine Kombination aus europäischen und schwarzen Formen. Vertreter: Ike Quebec, Oscar Peterson, Mills Brothers, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Stephane Grappelli.
• Mainstream. Dabei handelt es sich um eine recht neue Art des Jazz, die sich durch eine bestimmte Interpretation musikalischer Werke auszeichnete. Vertreter – an Ben Webster, Lester Young, Roy Eldridge, Coleman Hawkins, Johnny Hodges, Buck Clayton.
• Nordost-Jazz. Entstanden zu Beginn des 20. Jahrhunderts in New Orleans. Die Musik ist heiß und schnell. Vertreter des nordöstlichen Jazz sind Art Hodes, Schlagzeuger Barrett Deems und Klarinettist Benny Goodman.
• Kansas City-Stil. Der neumodische Stil entstand Ende der 1920er Jahre in Kansas City. Es zeichnet sich durch das Eindringen von Blues-eingefärbten Stücken in Live-Jazzmusik und energiegeladene Soli aus. Vertreter: Count Basie, Benny Mouthen, Charlie Parker, Jimmy Rushing.
• Westküsten-Jazz. Es entstand in den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts in Los Angeles. Vertreter sind Shorty Rogers, die Saxophonisten Bud Schenk und Art Pepper, der Klarinettist Jimmy Giuffre und der Schlagzeuger Shelley Mann.
• Cool. Die Entwicklung begann in den 1940er Jahren. Dies ist ein weniger hektischer, sanfter Jazzstil. Zeichnet sich durch einen distanzierten, flachen und homogenen Klang aus. Vertreter: Chet Baker, George Shearing, Dave Brubeck, John Lewis, Leni Tristano, Lee Konitz, Ted Dameron, Zoot Sims, Gerry Mulligan.
• Progressiver Jazz. Es zeichnete sich durch kühne Harmonik, häufige Sekunden und Blöcke, Polytonalität, rhythmisches Pulsieren und Farbigkeit aus.

Jazz heute

Der moderne Jazz hat die Traditionen und Klänge des gesamten Planeten absorbiert. Es gab ein Umdenken über die afrikanische Kultur, die ihre Quelle war. Zu den Vertretern des Modern Jazz zählen: Ken Vandermark, Mats Gustafsson, Evan Parker und Peter Brotzmann, Wynton Marsalis, Joshua Redman und David Sanchez, Jeff Watts und Billy Stewart.

Städtische Haushaltsbildungseinrichtung zur zusätzlichen Bildung von Kindern

„Kinderkunstschule Nr. 3, benannt nach Wassili Wassiljewitsch Andrejew“

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Methodische Botschaft zum Thema:

„Jazz – seine Ursprünge und Entwicklung“

"Jazz"! Woher kommt dieser elastische, strahlende Name „Jazz“ und warum ist es für uns interessant, Jazzmusik zu hören und zu spielen, und die Aufführung von Jazz erfordert eine bestimmte Spielweise, ein gutes Rhythmusgefühl und begeistertes Zuhören und die Darbietung dieser Dissonanzen das gibt es im Überfluss an Jazzmusik. Einer der Jazzkünstler, Louis Armstrong, brachte die Meinung vieler Jazzliebhaber zum Ausdruck: „Im Kern dieser Musik liegt etwas, das man spüren, aber nicht erklären kann.“

Aber versuchen wir, in die ferne Vergangenheit zu blicken, aus der der Jazz zu uns kam. Und so... Anfang des 19. Jahrhunderts. Amerika war bereits entdeckt und Europa hatte schon lange von diesem fruchtbaren, unerforschten Land erfahren. Die Länder Westeuropas, Frankreich, England, Spanien und andere, eroberten die Ländereien dieses Kontinents, gründeten dort ihre eigenen Kolonien und schützten sie mit Außenposten. Viele tausend Europäer zogen, wie man damals sagte, von der Alten Welt in die Neue Welt, bebauten diese Länder und begannen mit der Landwirtschaft. Die Arbeit auf den riesigen Zuckerrohrplantagen, in den Werften am Mississippi und auf Baustellen erforderte viel Arbeit. Und dann wurden Hunderte afrikanischer Schwarzer in den schmutzigen Laderäumen von Schiffen von den Küsten Westafrikas bis zum Mississippi-Delta transportiert.

In Amerika wurden sie für die schwierigsten Arbeiten eingesetzt. Sie stammten oft aus verschiedenen Stämmen und manchmal war es für sie schwierig, überhaupt miteinander zu kommunizieren. Und nach einem harten Arbeitstag ließen sie in seltenen Stunden der Ruhe den Schmerz ihrer Sklavenstellung in ihren Liedern nieder. Ein natürlicher Hang zur Musik und ein besonderes Rhythmusgefühl verbanden sie. Dazu schlugen sie mit Stöcken auf Kisten, leere Dosen oder klatschten einfach in die Hände. Zuerst war es wie diese ferne einheimische Musik, wie der Klang einer Tom-Tom, aber nach und nach wurde die Erinnerung an afrikanische Musik ausgelöscht, so wie alles, womit sie zuvor gelebt hatten, ausgelöscht wurde. Sklaven verloren nicht nur ihre gewohnte Existenz, ihre Familien, sondern auch ihre Götter, an die sie zuvor geglaubt hatten. Und die Missionare, die mit den Siedlern zogen und das Christentum predigten, begannen, Sklaven zum christlichen Glauben zu bekehren und brachten ihnen religiöse Gesänge bei. Aber die Schwarzen sangen sie auf ihre eigene Art, mit einem besonderen, charakteristischen Timbre ihrer Stimme. Es war eine besondere, rhythmische Musik, charakteristisch für ihre Natur und ihr Temperament. Dazu wurden religiöse Hymnen und Gesänge aufgerufen spirituell, mein Herr.

Jetzt sind wir bei den Ursprüngen des Jazz angelangt. Natürlich hat damals niemand diese rhythmischen Negergesänge in Notizen niedergeschrieben. Und welcher der Schwarzen kannte sie? Es gab auch keine Phonographen. Die Melodien wurden in einer modifizierten Improvisationsform vorgetragen. Nur der Text hat sich nicht geändert.

1865 In Amerika wurde die Sklaverei abgeschafft. Aber damit war das Unglück der Schwarzen noch nicht zu Ende. Sie wurden getrennt und lebten in den ungünstigsten schmutzigen Vierteln entlang der Eisenbahnschienen, in sumpfigen Gebieten. Zwischen den Schwarzen und den Weißen bestand immer noch ein Verhältnis von Unterlegenen zu Überlegenen. Es ist klar, dass sich die Musik der Schwarzen getrennt entwickelt hat; sie kam zufällig mit dem Leben der Weißen in Berührung. In dieser Zeit blühte der Black-Folk-Song-Blues auf. Vielleicht kommt das Wort „Blues“ vom amerikanischen Wort „blue“, was blau, hellblau bedeutet, und diese Farbe gilt als die Farbe der Melancholie und Sehnsucht. Der Blues ist eine Klage, ein Schrei aus dem Herzen eines Schwarzen, aber diese Musik ist nicht allzu traurig. Der Neger mag es nicht, über sein Unglück zu jammern oder zu leiden. Wer über seine Trauer singt, besingt sie in seinen Liedern. Die Bluestexte wurden von den Interpreten selbst komponiert. Sie sangen über harte Arbeit, über betrogene Liebe, über Not. Die Schwarzen begleiteten sich selbst auf der Gitarre. Zuerst war es selbstgemacht – sie passten Hals und Saiten an alte Zigarrenkisten an. Wenn sie welche kaufen konnten, kauften sie echte Gitarren von Weißen. AufgrundSpirituals und Blues Jazz entsteht.

Wenn Spirituals sowohl in ländlichen als auch städtischen Kirchen gesungen wurden und Blues in ländlichen Gebieten entstand, dann ist Jazz Orchestermusik und Jazz konnte nur in einer Großstadt auftreten, wo echte europäische Instrumente von Weißen gekauft werden konnten. Und diese Stadt war New Orleans – New Orleans. Die Schwarzen haben jetzt ihre eigenen Blaskapellen. Solche Orchester zogen durch die Straßen, kündigten Bälle an und nahmen an Volksfesten teil. Manchmal war es mehr als ein Orchester, und dann begann der Wettbewerb. All diese Musik erklang in charakteristischen schwarzen Rhythmen, mit einem ungewöhnlich dissonanten Blues-Sound, auf eine für Europäer ungewöhnliche Weise. In einem Jazzorchester gibt die Rhythmusgruppe das gleichmäßige Tempo vor: Schlagzeug, Kontrabass, der nur Pizzicato spielt, Gitarre und Banjo. Der Schlagzeuger ist das Herz des Orchesters; er gibt den lebendigen Pulsschlag, wie Jazzer sagen:« spielt mit Gutem schwingen" , inspiriert andere Musiker, die unterwegs improvisieren, komponieren, unerwartet den schwachen Beat betonen – schwingend.

Das 20. Jahrhundert ist angekommen. Die Zeit des Streetjazz ist vorbei. Viele Musiker aus New Orleans begannen, ihre Heimat auf der Suche nach Arbeit zu verlassen. Sie reisten den Mississippi hinauf in die großen Städte Nordamerikas. Es dauerte ziemlich lange, bis der Jazz die Bühne betrat, aber vorerst befand sich sein Platz in den Vierteln der Schwarzen. Schon Ende des 19. Jahrhunderts gab es so viele schwarze Musiker, dass die Behörden ihnen die Ausübung ihres Berufs überall verbieten mussten, außer in Nachtclubs, Straßencafés und billigen Tanzlokalen, die zu dieser Zeit in großer Zahl eröffneten. Jazzmusiker gründeten Jazzbands. Zu diesem Orchester gehörten: ein Trompeter, ein Posaunist, ein Klarinettist, ein Banjospieler, ein Kontrabassist, ein Schlagzeuger und ein Pianist.

Doch bevor der Jazz auf die Bühne kam, ging ihm die Entstehung eines Genres wie vorausKuchen und Ragtime. Dabei handelt es sich um Musik motorischer Natur mit einem charakteristischen Rhythmus, die mit der Entstehung von Unterhaltungsnachteinrichtungen in Nordamerika - Tanzlokalen - verbunden ist. Tanzlokale . Und ein wesentlicher Bestandteil dieser Einrichtungen war das Klavier. Sowohl Cakewalk als auch Ragtime sind Musik ausschließlich für Klavier. Was ist charakteristisch für diese Musik? Perkussive Akzente im Downbeat, Akkorde imitieren ein Banjo. Ragtime wird mit „zerlumpter Rhythmus“ übersetzt, obwohl Ragtime unter Amerikanern „to rag“ bedeutet, necken, sich über etwas lustig machen. Zu dieser Zeit wurde das Klavier zum beliebtesten Instrument in Amerika; in jeder Familie wurden Instrumente aus Europa mitgebracht; Cakewalk- und Ragtime-Musik verbreitete sich im ganzen Land. Der Schöpfer des klassischen Ragtime ist der amerikanische Komponist, Musiker, Pianist und gebürtige Neger Scott Joplin. Der Verleger, der seine Ragtimes veröffentlichte, nannte sie Klassiker, weil sie in ihrem künstlerischen Wert natürlich über die Musik jener Jahre hinausragen. So verschmolzen Spirituals, Blues und Ragtime zu dem, was man Jazz nennt.

Die Stadt Chicago – im Norden Amerikas – ist ein riesiges Industriezentrum. Echter Jazz etablierte sich im schwarzen Viertel dieser Stadt. Die besten Jazzorchester waren hier. In Chicago entwickelt sich die Plattenproduktion, und dank dessen gelangte Musik, die zuvor nur in Nachtclubs und Tanzlokalen in Amerika zu hören war, nach Europa und hat unsere Zeit erreicht. Welches Schicksal erwartet den Jazz in unserem Land? 1922 wurden in Moskau die ersten Jazzbands gegründet. Der Jazz in unserem Land hat Höhen und Tiefen erlebt, einst galt er sogar als geschmacklose Musik, doch mit der Zeit entstanden große Orchester – Big Bands. Komponisten schufen Arrangements wunderbarer Lieder sowjetischer Komponisten im Jazzstil. Es gab ein Jazzorchester unter der Leitung von Leonid Utesov, V. Knushevitsky, Oleg Lundstrem, Yu. D. Schostakowitsch komponiert eine Jazz-Suite, I. Dunaevsky – Jazz-Rhopsodie. 1938 wurde in Moskau ein staatliches Jazzorchester unter der Leitung von M. Blanter gegründet.

Unsere große Dichterin A. Achmatowa schrieb einmal: „Wenn Sie nur wüssten, aus welchem ​​Müll Poesie manchmal erwächst.“ Die Kunst des Jazz, die heute als elitär gilt, ist also noch nicht einmal aus „Müll“ entstanden und gewachsen. Das farbenfrohe Hafenviertel New Orleans brachte in den schwarzen Vierteln rhythmische und fast obszöne Musik hervor. Und die Tatsache, dass dieses spezifische Genre über mehrere Jahrzehnte hinweg seinen Weg in die Aristokratie gefunden hat, ist buchstäblich das Verdienst einiger weniger Menschen, obwohl sie wahre Meister waren: Louis Armstrong, Teddy McCray, Duke Ellington, die Vokaljazzkünstler Bessie Smith, Ella Fitzgerald, US-amerikanischer Komponist George Gershwin.

Warum lieben wir Jazz immer noch?

Weil es die Frische der Harmonien spürt, das Übermaß an Lebenskraft, die so deutlich in ihm zum Ausdruck kommt.

Liste der verwendeten Literatur

1. Koller J. L. Die Entstehung des Jazz. M.: Raduga, 1984.
2. Panasier Yu. Geschichte des echten Jazz.2. Aufl., - L.: Musik, 1979.
3. Batashev A.N. Sowjetischer Jazz. M., Musik, 1972.

Jahrzehntelang versuchten sie, den Jazz zu verbieten, ihn zum Schweigen zu bringen und zu ignorieren, sie versuchten, ihn zu bekämpfen, aber die Macht der Musik erwies sich als stärker als alle Dogmen. Im 21. Jahrhundert hat der Jazz einen der höchsten Punkte seiner Entwicklung erreicht und hat nicht vor, sich zu verlangsamen.

Das Jahr 1917 wurde weltweit in vielerlei Hinsicht zu einem epochalen Wendepunkt. Im Russischen Reich kommt es zu zwei Revolutionen, Woodrow Wilson wird in den Vereinigten Staaten für eine zweite Amtszeit wiedergewählt und der Mikrobiologe Felix d'Herelle verkündet die Entdeckung eines Bakteriophagen. Doch in diesem Jahr ereignete sich ein Ereignis, das ebenfalls für immer in die Annalen der Geschichte eingehen wird. Am 30. Januar 1917 wurde im Victor Studio in New York die erste Jazz-Schallplatte aufgenommen. Dabei handelte es sich um zwei Stücke – „Livery Stable Blues“ und „Dixie Jazz Band one Step“ – aufgeführt von einem Ensemble weißer Musiker, der Original Dixieland Jazz Band. Der älteste der Musiker, Trompeter Nick LaRocca, war 28 Jahre alt, der jüngste, Schlagzeuger Tony Sbarbaro, war 20 Jahre alt. Die Eingeborenen von New Orleans hörten natürlich „schwarze Musik“, liebten sie und wollten leidenschaftlich ihren eigenen Jazz spielen. Ziemlich schnell nach der Aufnahme der Platte bekam die Original Dixieland Jazz Band einen Vertrag mit renommierten und teuren Restaurants.

Wie sahen die ersten Jazzaufnahmen aus? Eine Schallplatte ist eine dünne Scheibe, die durch Pressen oder Gießen aus Kunststoff unterschiedlicher Zusammensetzung hergestellt wird und in deren Oberfläche eine spezielle Rille spiralförmig eingraviert ist, um den Ton aufzuzeichnen. Der Ton der Schallplatte wurde mit speziellen technischen Geräten reproduziert – Grammophon, Grammophon, Elektrophon. Diese Methode der Tonaufzeichnung war die einzige Möglichkeit, den Jazz zu „verewigen“, da es fast unmöglich ist, alle Details der musikalischen Improvisation in der Notenschrift genau wiederzugeben. Aus diesem Grund beziehen sich Musikexperten bei der Diskussion verschiedener Jazzstücke zunächst auf die Nummer der Schallplatte, auf der das jeweilige Stück aufgenommen wurde.

Fünf Jahre nach dem Durchbruch der Debütanten der Original Dixieland Jazz Band begannen schwarze Musiker mit der Aufnahme im Studio. Zu den ersten Aufnahmen gehörten die Ensembles von Joe King Oliver und Jelly Roll Morton. Allerdings wurden alle Aufnahmen schwarzer Jazzmusiker in den USA im Rahmen einer speziellen „Rassenserie“ veröffentlicht, die in diesen Jahren nur unter der schwarzen amerikanischen Bevölkerung verbreitet wurde. Die Schallplatten der „Rassenserie“ existierten bis in die 40er Jahre des 20. Jahrhunderts. Neben Jazz nahmen sie auch Blues und Spirituals auf – spirituelle Chorlieder von Afroamerikanern.

Die ersten Jazz-Schallplatten erschienen mit einem Durchmesser von 25 cm bei einer Rotationsgeschwindigkeit von 78 U/min und wurden akustisch aufgenommen. Allerdings bereits ab Mitte der 20er Jahre. Im 20. Jahrhundert erfolgte die Aufnahme elektromechanisch, was zu einer verbesserten Klangqualität beitrug. In den 40er Jahren folgte die Veröffentlichung von Schallplatten mit einem Durchmesser von 30 cm. Solche Schallplatten wurden von einer Reihe von Plattenfirmen in Massenproduktion hergestellt, die beschlossen, sowohl alte als auch neue Kompositionen zu veröffentlichen, die von Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fats Waller, Lionel Hampton, Coleman Hawkins und Roy aufgeführt wurden Eldridge und viele andere.

Solche Schallplatten hatten ein spezielles Etikett – „V-Disc“ (kurz für „Victory Disc“) und waren für amerikanische Soldaten gedacht, die am Zweiten Weltkrieg teilnahmen. Diese Veröffentlichungen waren nicht zum Verkauf bestimmt und Jazzmusiker überwiesen im Zweiten Weltkrieg in der Regel alle ihre Gagen an den Victory Fund.

Bereits 1948 brachte Columbia Records die erste Langspielplatte (das sogenannte „Longplay“, LP) mit einer dichteren Anordnung der Klangrillen auf den Musikplattenmarkt. Der Durchmesser der Schallplatte betrug 25 cm und die Rotationsgeschwindigkeit betrug 33 1/3 Umdrehungen pro Minute. Das Langspiel umfasste bereits ganze 10 Stücke.

Nach Columbia begannen 1949 Vertreter von RCA Victor mit der Produktion eigener Longplays. Ihre Platten hatten einen Durchmesser von 17,5 cm und eine Rotationsgeschwindigkeit von 45 Umdrehungen pro Minute. Später begann man, ähnliche Schallplatten mit einer Rotationsgeschwindigkeit von 33 1/3 Umdrehungen pro Minute herzustellen. Im Jahr 1956 wurde mit der Produktion von Schallplatten mit einem Durchmesser von 30 cm begonnen und die Spieldauer auf 50 Minuten erhöht. Zwei Jahre später begannen stereophone Schallplatten mit Zweikanalaufzeichnung ihre monophonen Gegenstücke zu verdrängen. Hersteller versuchten auch, 16-U/min-Schallplatten auf den Musikmarkt zu bringen, doch diese Versuche scheiterten.

Danach versiegten die Innovationen im Bereich der Schallplattenproduktion für viele Jahre, jedoch bereits in den späten 60er Jahren. Quadrophonische Schallplatten mit einem Vierkanal-Aufnahmesystem wurden Musikliebhabern vorgestellt.

Die Produktion von Langspielen gab dem Jazz als Musik einen großen Sprung und trug zur Entwicklung dieser Musik – insbesondere zur Entstehung größerer Kompositionsformen – bei. Die Dauer eines Stückes betrug viele Jahre lang nicht mehr als drei Minuten – das waren die Voraussetzungen für die Aufnahme auf einer handelsüblichen Schallplatte. Gleichzeitig nahm die Dauer der Jazzstücke trotz der Fortschritte bei der Veröffentlichung von Schallplatten nicht sofort zu: in den 50er Jahren. LPs wurden hauptsächlich auf der Grundlage von Matrizen von Veröffentlichungen früherer Jahre erstellt. Etwa zur gleichen Zeit erschienen Platten mit Aufnahmen von Scott Joplin und anderen berühmten Ragtime-Künstlern, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert aufgenommen wurden. auf perforierten Pappzylindern für mechanische Klaviere sowie auf Wachswalzen für Grammophone.

Im Laufe der Zeit begann man, Langspielplatten für die Aufnahme größerer Werke und Live-Konzerte zu verwenden. Es ist auch eine weit verbreitete Praxis geworden, Alben mit zwei oder drei Platten oder spezielle Anthologien und Diskografien eines bestimmten Künstlers zu veröffentlichen.

Was ist mit Jazz selbst? Viele Jahre lang galt es als „die Musik einer minderwertigen Rasse“. In den USA galt es als die Musik der Schwarzen, die der hohen amerikanischen Gesellschaft unwürdig war; im nationalsozialistischen Deutschland bedeutete das Spielen und Hören von Jazz, „ein Dirigent der negro-jüdischen Kakophonie“ zu sein, und in der UdSSR – „ein Apologet der Bourgeoisie“. Lebensweise“ und „ein Agent des Weltimperialismus“.

Ein charakteristisches Merkmal des Jazz ist, dass diese Musik seit Jahrzehnten ihren Weg zu Erfolg und Anerkennung findet. Wenn Musiker aller anderen Stilrichtungen von Beginn ihrer Karriere an danach streben konnten, in den größten Veranstaltungsorten und Stadien zu spielen, und es gab viele Beispiele dafür, dann konnten Jazzmusiker nur damit rechnen, in Restaurants und Clubs aufzutreten, ohne auch nur zu träumen große Veranstaltungsorte.

Jazz als Stil entstand vor mehr als einem Jahrhundert auf Baumwollplantagen. Dort sangen schwarze Arbeiter ihre Lieder, eine Mischung aus protestantischen Gesängen, afrikanischen religiösen Chorhymnen, „Spirituals“ und harten und sündigen weltlichen, fast „Diebes“-Liedern – Blues, weit verbreitet in schmutzigen Straßenrestaurants, wo kein weißer Amerikaner jemals hinkommen würde Fuß setzen. Der krönende Abschluss dieses „Cocktails“ waren die Blaskapellen, die klangen, als hätten barfüßige afroamerikanische Kinder ausgemusterte Instrumente in die Hand genommen und angefangen zu spielen, was sie wollten.

Die 20er Jahre des 20. Jahrhunderts wurden zum „Jazz-Zeitalter“, wie der Schriftsteller Francis Scott Fitzgerald sie nannte. Die meisten schwarzen Arbeiter konzentrierten sich in der kriminellen Hauptstadt der Vereinigten Staaten jener Jahre – Kansas City. Die Verbreitung des Jazz in dieser Stadt wurde durch eine große Anzahl von Restaurants und Lokalen erleichtert, in denen Mafiosi gerne ihre Zeit verbrachten. Die Stadt schuf einen besonderen Stil, den Stil großer Bands, die schnellen Blues spielten. In diesen Jahren wurde in Kansas City ein schwarzer Junge namens Charlie Parker geboren: Er war es, der mehr als zwei Jahrzehnte später ein Jazzreformer werden sollte. In Kansas City ging er an Veranstaltungsorten vorbei, in denen Konzerte stattfanden, und nahm buchstäblich Ausschnitte aus der Musik auf, die er liebte.

Trotz der großen Popularität des Jazz in New Orleans und seiner weiten Verbreitung in Kansas City bevorzugten viele Jazzmusiker immer noch Chicago und New York. Zwei Städte an der Ostküste der Vereinigten Staaten wurden zu den wichtigsten Konzentrations- und Entwicklungspunkten des Jazz. Der Star beider Städte war der junge Trompeter und Sänger Louis Armstrong, Nachfolger von New Orleans‘ größtem Trompeter, King Oliver. 1924 kam ein weiterer gebürtiger New Orleanser nach Chicago – der Pianist und Sänger Jelly Roll Morton. Der junge Musiker war nicht bescheiden und erzählte allen mutig, dass er der Schöpfer des Jazz sei. Und bereits im Alter von 28 Jahren zog er nach New York, wo gerade zu dieser Zeit das Orchester des jungen Washingtoner Pianisten Duke Ellington an Popularität gewann, was bereits Fletcher Hendersons Orchester aus den Strahlen des Ruhms verdrängte.

Die Popularitätswelle der „schwarzen Musik“ bricht nach Europa durch. Und wenn man in Paris schon vor Beginn des Ersten Weltkriegs Jazz hörte, und zwar nicht in „Tavernen“, sondern in aristokratischen Salons und Konzertsälen, dann kapitulierte London in den 20er Jahren. Schwarze Jazzmusiker liebten es, in die britische Hauptstadt zu reisen – vor allem angesichts der Tatsache, dass sie dort, anders als in den USA, sowohl hinter der Bühne als auch nicht nur auf der Bühne mit Respekt und Menschlichkeit behandelt wurden.

Bemerkenswert ist, dass der Dichter, Übersetzer, Tänzer und Choreograf Valentin Parnakh 1922 das erste Jazzkonzert in Moskau organisierte und 6 Jahre später die Popularität dieser Musik St. Petersburg erreichte.

Der Beginn der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts war von einer neuen Ära geprägt – der Ära der Big Bands, großer Orchester und ein neuer Stil begann auf den Tanzflächen zu donnern – der Swing. Mit ungewöhnlichen musikalischen Bewegungen konnte das Duke Ellinton Orchestra seine Kollegen vom Fletcher Henderson Orchestra an Popularität überholen. Kollektive Simultanimprovisation, die zu einem charakteristischen Merkmal der New Orleans Jazz School wurde, gehört der Vergangenheit an und stattdessen erfreuen sich komplexe Partituren, rhythmische Phrasen mit Wiederholungen und Appelle von Orchestergruppen zunehmender Beliebtheit. Als Teil des Orchesters wächst die Rolle des Arrangeurs, der Orchestrierungen schreibt, die zum Schlüssel zum Erfolg des gesamten Ensembles werden. Gleichzeitig bleibt der Leiter im Orchester der improvisierende Solist, ohne den selbst eine Gruppe mit idealer Orchestrierung unbemerkt bleibt. Gleichzeitig achtet der Solist von nun an strikt auf die Anzahl der „Quadrate“ in der Musik, während der Rest ihn gemäß der schriftlichen Vereinbarung unterstützt. Die Popularität des Duke Ellington Orchestra wurde nicht nur durch ungewöhnliche Lösungen bei den Arrangements erlangt, sondern auch durch die erstklassige Zusammensetzung des Orchesters selbst: Trompeter Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, Klarinettist Barney Bigard, Saxophonisten Johnny Hodges und Ben Webster, Kontrabassist Jimmy Blanton kannte sein Handwerk wie kein anderer. Auch andere Jazzorchester bewiesen in dieser Hinsicht Teamwork: Count Basie hatte den Saxophonisten Lester Young und den Trompeter Buck Clayton, und das Rückgrat des Orchesters war die „schwungvollste der Welt“-Rhythmusgruppe – Pianist Basie, Kontrabassist Walter Page, Schlagzeuger Joe Jones und Gitarrist Freddie Green.

Das ausschließlich aus weißen Musikern bestehende Orchester des Klarinettisten Benny Goodman erlangte Mitte der 30er Jahre enorme Popularität und versetzte in der zweiten Hälfte der 30er Jahre allen Rassenbeschränkungen im Jazz einen vernichtenden Schlag: auf der Bühne der Carnegie Hall im Orchester Unter der Leitung von Goodman traten gleichzeitig schwarze und weiße Musiker auf! Nun ist ein solches Ereignis für den anspruchsvollen Musikliebhaber natürlich nichts Neues, aber in jenen Jahren hat der Auftritt von Weißen (Klarinettist Goodman und Schlagzeuger Gene Krupa) und Schwarzen (Pianist Teddy Wilson und Vibraphonist Lionel Hampton) buchstäblich alle Vorlagen zerrissen Fetzen.

In den späten 30er Jahren erlangte Glenn Millers weißes Orchester große Popularität. Zuschauer und Zuhörer machten sofort auf den charakteristischen „Kristallklang“ und die gekonnt ausgearbeiteten Arrangements aufmerksam, stellten aber gleichzeitig fest, dass in der Musik des Orchesters ein Mindestmaß an Jazz-Geist stecke. Während des Zweiten Weltkriegs endete die „Ära des Swing“: Kreativität trat in den Schatten, „Unterhaltung“ glänzte auf der Bühne und Musik selbst wurde zu einer Konsummasse, die keinen besonderen Schnickschnack erforderte. Mit dem Krieg kam im Lager der Jazzmusiker Verzweiflung: Es schien ihnen, als ob ihre Lieblingsmusik sanft in den Untergang des Daseins überginge.

Die Anfänge einer neuen Jazz-Revolution wurden jedoch in einer der Städte gelegt, in denen dieser Musikstil beheimatet ist – New York. Junge Musiker – meist Schwarze – konnten den Niedergang ihrer Musik als Teil von Orchestern in offiziellen Clubs nicht ertragen und strömten nach Konzerten spät in der Nacht in ihre eigenen Clubs in der 52. Straße. Der Milton Playhouse Club wurde für sie alle zum Mekka. In diesen New Yorker Clubs taten junge Jazzer etwas Unvorstellbares und radikal Neues: Sie improvisierten so viel wie möglich über einfache Blues-Akkorde, arrangierten sie in einer scheinbar völlig unpassenden Reihenfolge, drehten sie um und arrangierten sie neu, wobei sie äußerst komplex und lang spielten Melodien, die genau in der Mitte der Bar begannen und dort endeten. Das Milton Playhouse hatte damals unzählige Besucher: Jeder wollte das seltsame Biest sehen und hören, das prächtig und unvorstellbar auf der Bühne geboren wurde. Um zufällige Laien auszuschließen, die oft gerne auf die Bühne steigen und mit Musikern improvisieren, begannen Jazzmusiker, bei ihren Kompositionen ein hohes Tempo zu wählen und sie manchmal auf unglaubliche Geschwindigkeiten zu beschleunigen, die nur Profis bewältigen konnten.

So entstand der revolutionäre Jazzstil – Bebop. Der in Kansas City aufgewachsene Altsaxophonist Charlie Parker, der Trompeter John „Dizzy“ Burks Gillespie, der Gitarrist Charlie Christian (einer der Gründerväter der harmonischen Sprache), die Schlagzeuger Kenny Clark und Max Roach – diese Namen sind für immer in goldenen Buchstaben in die Geschichte eingeschrieben Jazz und insbesondere Bebop. Die rhythmischen Grundlagen des Schlagzeugs im Bebop wurden auf Becken übertragen, besondere äußere Attribute der Musiker traten zum Vorschein und die meisten dieser Konzerte fanden in kleinen geschlossenen Clubs statt – so lässt sich das Musizieren der Gruppe beschreiben. Und über all diesem scheinbaren Chaos erhob sich Parkers Saxophon: Es war unübertroffen in Bezug auf Niveau, Technik und Können. Es ist nicht verwunderlich, dass das Temperament des Musikers seinen Meister einfach ausbrannte: Parker starb 1955, „ausgebrannt“ durch ständiges und schnelles Saxofonspielen, Alkohol und Drogen.

Es war die Entstehung des Bebop, die nicht nur der Entwicklung des Jazz Impulse gab, sondern auch zum Ausgangspunkt für die Verzweigung des Jazz als solchen wurde. Bebop bewegte sich in Richtung Underground – kleine Veranstaltungsorte, ausgewählte und treue Zuhörer sowie diejenigen, die sich für die Wurzeln der Musik im Allgemeinen interessierten, während der zweite Zweig den Jazz in der Sphäre des Konsumsystems vertrat – und so wurde Pop-Jazz geboren existiert bis heute. So wurden im Laufe der Jahre Elemente des Pop-Jazz von Musikstars wie Frank Sinatra, Sting, Katie Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones und anderen verwendet.

Was den weniger populären Zweig des Jazz betrifft, so folgte auf den Bebop der Hardbop. Bei diesem Stil wurde Wert auf einen bluesigen, ekstatischen Beginn gelegt. Die Entwicklung des Hard Bop wurde durch das Spiel des Saxophonisten Sonny Rollins, des Pianisten Horace Silver, des Trompeters Clifford Brown und des Schlagzeugers Art Blakey beeinflusst. Übrigens wurde Blakeys Band namens The Jazz Messengers bis zum Tod des Musikers im Jahr 1990 zu einer Talentquelle für Jazz auf der ganzen Welt. Gleichzeitig entwickelten sich in den USA andere eigene Stile: Der an der Ostküste weit verbreitete Cool Jazz eroberte die Herzen der Zuhörer, und der Westen konnte seinen Nachbarn den Westküstenstil entgegensetzen. Aus Parkers Orchester stammend schufen der schwarze Trompeter Miles Davis und der Arrangeur Gil Evans Cool Jazz („Cool Jazz“) mit neuen Bebop-Harmonien. Der Schwerpunkt wurde vom hohen Tempo der Musik auf die Komplexität der Arrangements verlagert. Gleichzeitig setzten der weiße Baritonsaxophonist Gerry Mulligan und sein Ensemble auf andere Akzente des Cool Jazz – zum Beispiel auf simultane kollektive Improvisation, die aus der Schule von New Orleans stammte. Die Westküste, vertreten durch die weißen Saxophonisten Stan Getz und Zoot Sims, repräsentierte ein anderes Bild des Bebop und erzeugte einen leichteren Sound als Charlie Parker. Und der Pianist John Lewis wurde zum Gründer des Modern Jazz Quartet, das grundsätzlich nicht in Clubs spielte und versuchte, dem Jazz eine konzertante, breite und ernsthafte Form zu geben. Das Quartett des Pianisten Dave Brubeck strebte übrigens ungefähr das Gleiche an.

So begann der Jazz eigene Konturen zu entwickeln: Die Kompositionen und Soloparts der Jazzmusiker wurden länger. Gleichzeitig zeichnete sich im Hard Bop und Cool Jazz ein Trend ab: Ein Stück dauerte sieben bis zehn Minuten und ein Solo dauerte fünf, sechs, acht „Quadrate“. Gleichzeitig wurde der Stil selbst durch verschiedene Kulturen, insbesondere Lateinamerikas, bereichert.

Ende der 50er Jahre kam es zu einer neuen Reform des Jazz, diesmal im Bereich der harmonischen Sprache. Der Innovator auf diesem Gebiet war einmal mehr Miles Davis, der 1959 seine berühmteste Aufnahme „Kind of Blue“ veröffentlichte. Traditionelle Tonarten und Akkordfolgen wurden verändert; Musiker konnten mehrere Minuten lang in zwei Akkorden verharren, gleichzeitig demonstrierten sie aber die Entwicklung des musikalischen Denkens so, dass der Zuhörer die Monotonie nicht einmal bemerkte. Auch Davis‘ Tenorsaxophonist John Coltrane wurde zum Symbol der Reform. Coltranes Spieltechnik und musikalische Einsicht, die er auf Aufnahmen in den frühen 60er Jahren unter Beweis stellte, sind bis heute unübertroffen. Auch die Altsaxophonistin Ornette Coleman, die den Free-Jazz-Stil kreierte, wurde zum Symbol der Wende der 50er und 60er Jahre im Jazz. Harmonie und Rhythmus werden in diesem Stil praktisch nicht respektiert und die Musiker folgen jeder, selbst der absurdesten Melodie. In harmonischer Hinsicht wurde der Free Jazz zum Höhepunkt – dann herrschte entweder absoluter Lärm und Kakophonie oder völlige Stille. Diese absolute Grenze machte Ornette Coleman zu einem Genie der Musik im Allgemeinen und des Jazz im Besonderen. Vielleicht kam ihm in seinem Schaffen nur der Avantgarde-Musiker John Zorn am nächsten.

Auch die 60er Jahre wurden nicht zu einer Ära bedingungsloser Popularität des Jazz. Im Vordergrund stand die Rockmusik, deren Vertreter bereitwillig mit Aufnahmetechniken, Lautstärke, Elektronik, Klangverzerrung, akademischer Avantgarde und Spieltechniken experimentierten. Der Legende nach entstand damals die Idee einer gemeinsamen Aufnahme zwischen dem Gitarrenvirtuosen Jimi Hendrix und dem legendären Jazzer John Coltrane. Doch bereits 1967 starb Coltrane und ein paar Jahre später Hendrix, und diese Idee blieb in Legenden. Auch Miles Davis gelang in diesem Genre Erfolg: In den späten 60er Jahren gelang ihm die Kreuzung von Rockmusik und Jazz recht erfolgreich und so entstand der Jazz-Rock-Stil, dessen führende Vertreter in ihrer Jugend meist in Davis‘ Band spielten: die Keyboarder Herbie Hancock und Chick Corea, Gitarrist John McLaughlin, Schlagzeuger Tony Williams. Gleichzeitig konnte der Jazzrock, auch Fusion genannt, eigene, prominente Vertreter hervorbringen: Bassgitarrist Jaco Pastorius, Gitarrist Pat Metheny, Gitarrist Ralph Towner. Die Popularität der Fusion, die Ende der 60er Jahre aufkam und in den 70er Jahren an Popularität gewann, nahm jedoch schnell ab, und heute ist dieser Stil ein völlig kommerzielles Produkt und verwandelt sich in Smooth Jazz („Smooth Jazz“) – Hintergrundmusik, in der die Musik ihren Platz hat Rhythmen und Melodielinien wichen Improvisationen. Smooth Jazz wird von George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman und anderen vertreten.

In den 70er Jahren besetzte der World Jazz („World Music“) eine eigene Nische – eine besondere Fusion, die aus der Fusion der sogenannten „World Music“ (ethnische Musik, hauptsächlich aus Ländern der Dritten Welt) und Jazz entstand. Bezeichnend ist, dass bei diesem Stil der Schwerpunkt zu gleichen Teilen sowohl auf dem Old-School-Jazz als auch auf der ethnischen Struktur lag. Zum Beispiel die Motive der Volksmusik Lateinamerikas (nur das Solo wurde improvisiert, die Begleitung und Komposition blieb die gleichen wie in der Ethnomusik), die Motive des Nahen Ostens (Dizzy Gillespie, Quartette und Quintette von Keith Jarrett) und die Motive von Berühmt wurde indische Musik (John McLaughlin), Bulgarien (Don Ellis) und Trinidad (Andy Narrell).

Wenn die 60er Jahre zur Ära der Mischung von Jazz mit Rock und ethnischer Musik wurden, entschieden sich die Musiker in den 70er und 80er Jahren erneut für Experimente. Der moderne Funk hat seine Wurzeln in dieser Zeit: Die Begleiter spielen im Stil der schwarzen Pop-Soul- und Funk-Musik, während umfangreiche Solo-Improvisationen eher kreativ und jazzig orientiert sind. Prominente Vertreter dieses Stils waren Grover Washington Jr., Mitglieder der Crusaders, Felder Wilton und Joe Sample. In der Folge führten alle Neuerungen zu einem breiteren Spektrum des Jazz-Funk, dessen prominente Vertreter Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet und Solsonics waren.

Auch der Acid Jazz („Acid Jazz“), der sich durch Leichtigkeit und „Tanzbarkeit“ auszeichnet, begann nach und nach auf der Bühne zu erscheinen. Ein charakteristisches Merkmal der Auftritte der Musiker ist die Begleitung durch Samples aus Vinyl-Forty-Fives. Der allgegenwärtige Miles Davis wurde erneut zum Pionier des Acid Jazz, und Derek Bailey begann, den radikaleren Flügel der Avantgarde zu repräsentieren. In den USA erfreut sich der Begriff „Acid Jazz“ praktisch keiner Beliebtheit: Dort nennt man solche Musik Groove Jazz und Club Jazz. Der Höhepunkt der Popularität des Acid Jazz war in der ersten Hälfte der 90er Jahre zu verzeichnen, und in den 2000er Jahren begann die Popularität des Stils zu sinken: Acid Jazz wurde durch New Jazz ersetzt.

Was die UdSSR betrifft, so gilt das Moskauer Orchester des Pianisten und Komponisten Alexander Tsfasman als das erste professionelle Jazzensemble, das im Radio auftrat und eine Schallplatte aufnahm. Vor ihm konzentrierten sich junge Jazzbands hauptsächlich auf die Aufführung der Tanzmusik jener Jahre – Foxtrott, Charleston. Dank des Leningrader Ensembles unter der Leitung des Schauspielers und Sängers Leonid Utesov und des Trompeters Ya B. Skomorovsky gelangte der Jazz bereits in den 30er Jahren in große Veranstaltungsorte. Die 1934 gedrehte Komödie „Jolly Fellows“ unter Beteiligung von Utyosov, die die Geschichte eines jungen Jazzmusikers erzählt, hatte einen entsprechenden Soundtrack von Isaac Dunaevsky. Utyosov und Skomorovsky schufen einen besonderen Stil namens Thea-Jazz („Theaterjazz“). Eddie Rosner, der von Europa in die Sowjetunion zog und zusammen mit Moskauer Gruppen der 30er und 40er Jahre zum Popularisierer des Swing wurde, leistete seinen Beitrag zur Entwicklung des Jazz in der UdSSR. unter der Leitung von Alexander Tsfasman und Alexander Varlamov.

Die Behörden in der UdSSR selbst hatten eine eher zweideutige Haltung gegenüber dem Jazz. Es gab kein offizielles Verbot der Aufführung von Jazzliedern und der Verbreitung von Jazzaufnahmen, es gab jedoch Kritik an diesem Musikstil angesichts der allgemeinen Ablehnung der westlichen Ideologie. Bereits in den 40er Jahren musste der Jazz aufgrund der begonnenen Verfolgung in den Untergrund gehen, doch bereits in den frühen 60er Jahren, mit dem Aufkommen von Chruschtschows „Tauwetter“, kamen Jazzmusiker wieder auf die Welt. Doch auch damals hörte die Kritik am Jazz nicht auf. Somit nahmen die Orchester von Eddie Rosner und Oleg Lundstrem ihre Aktivitäten wieder auf. Es erschienen auch neue Kompositionen, darunter die Orchester von Joseph Weinstein (Leningrad) und Vadim Lyudvikovsky (Moskau) sowie das Riga Variety Orchestra (REO). Auch talentierte Arrangeure und Solisten-Improvisatoren stehen auf der Bühne: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Es entwickelt sich Kammer- und Clubjazz, zu dessen Anhängern Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan und Igor gehören Bril und Leonid Chizhik. Das Mekka des sowjetischen und dann russischen Jazz war der Blue Bird Club, der von 1964 bis 2009 existierte und Musiker wie die Brüder Alexander und Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko und andere ausbildete.

In den 2000er Jahren erlebte der Jazz einen neuen Aufschwung, und die rasante Verbreitung des Internets gab nicht nur kommerziell erfolgreichen Aufnahmen, sondern auch Underground-Interpreten enorme Impulse. Heute kann jeder Konzerte des verrückten Experimentators John Zorn und der „luftigen“ Jazz-Pop-Sängerin Katie Malua besuchen, ein Russe kann stolz auf Igor Butman sein und ein Kubaner kann stolz auf Arturo Sandoval sein. Es gibt Dutzende Radiosender, die Jazz in all seinen Formen übertragen. Zweifellos hat das 21. Jahrhundert alles an seinen Platz gebracht und dem Jazz den Platz gegeben, an dem er sein sollte – auf einem Podest, zusammen mit anderen klassischen Stilen.