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Jazz ist eine Form der Musikkunst, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den USA als Ergebnis der Synthese afrikanischer und europäischer Kulturen entstand und sich anschließend weit verbreitete.

Jazz ist erstaunliche Musik, lebendig, sich ständig weiterentwickelnd, die das rhythmische Genie Afrikas, die Schätze der tausendjährigen Kunst des Trommelns, ritueller und zeremonieller Gesänge vereint. Fügen Sie Chor- und Sologesang baptistischer und protestantischer Kirchen hinzu – gegensätzliche Dinge verschmelzen und geben der Welt erstaunliche Kunst! Die Geschichte des Jazz ist ungewöhnlich, dynamisch und voller erstaunlicher Ereignisse, die den weltweiten Musikprozess beeinflusst haben.

Was ist Jazz?

Charaktereigenschaften:

• Polyrhythmik basierend auf synkopierten Rhythmen,
• bit - regelmäßiges Pulsieren,
• Swing - Abweichung vom Takt, eine Reihe von Techniken zur Ausführung rhythmischer Texturen,
• Improvisation,
• farbenfroher harmonischer und klangfarbener Bereich.

Diese Art von Musik entstand im frühen 20. Jahrhundert als Ergebnis der Synthese afrikanischer und europäischer Kulturen als eine Kunst, die auf Improvisation in Kombination mit einer vorgefassten, aber nicht unbedingt schriftlichen Form der Komposition basierte. Mehrere Interpreten können gleichzeitig improvisieren, auch wenn im Ensemble deutlich eine Solostimme zu hören ist. Das vollendete künstlerische Bild eines Werkes hängt von der Interaktion der Ensemblemitglieder untereinander und mit dem Publikum ab.

Die Weiterentwicklung der neuen Musikrichtung erfolgte aufgrund der Beherrschung neuer rhythmischer und harmonischer Modelle durch Komponisten.

Neben der besonderen Ausdrucksrolle des Rhythmus wurden weitere Merkmale der afrikanischen Musik geerbt – die Interpretation aller Instrumente als Schlagzeug, rhythmisch; das Vorherrschen der Konversationsintonation beim Singen, die Nachahmung der Konversationssprache beim Spielen von Gitarre, Klavier und Schlaginstrumenten.

Die Geschichte des Jazz

Die Ursprünge des Jazz liegen in den Traditionen afrikanischer Musik. Die Völker des afrikanischen Kontinents können als seine Gründer angesehen werden. Die aus Afrika in die Neue Welt gebrachten Sklaven stammten nicht aus derselben Familie und verstanden sich oft nicht. Das Bedürfnis nach Interaktion und Kommunikation führte zur Vereinigung und zur Schaffung einer einzigen Kultur, einschließlich der Musik. Es zeichnet sich durch komplexe Rhythmen, Tänze mit Stampfen und Klatschen aus. Zusammen mit Blues-Motiven gaben sie eine neue musikalische Richtung vor.

Die Prozesse der Vermischung der afrikanischen Musikkultur mit der europäischen, die große Veränderungen erfahren hat, finden seit dem 18. Jahrhundert statt und führten im 19. Jahrhundert zur Entstehung einer neuen musikalischen Richtung. Daher ist die Weltgeschichte des Jazz untrennbar mit der Geschichte des amerikanischen Jazz verbunden.

Geschichte der Jazzentwicklung

Die Entstehungsgeschichte des Jazz beginnt in New Orleans, im Süden der USA. Charakteristisch für diese Bühne ist die kollektive Improvisation mehrerer Versionen derselben Melodie durch einen Trompeter (Hauptstimme), einen Klarinettisten und einen Posaunisten vor dem Hintergrund der Marschbegleitung von Blechbläsern, Bass und Schlagzeug. An einem bedeutenden Tag – dem 26. Februar 1917 – nahmen fünf weiße Musiker aus New Orleans im New Yorker Studio der Firma Victor die erste Schallplatte auf. Vor der Veröffentlichung dieser Platte blieb Jazz eine Randerscheinung, musikalische Folklore, und danach, innerhalb weniger Wochen, verblüffte und schockierte er ganz Amerika. Die Aufnahme gehörte der legendären „Original Dixieland Jazz Band“. So begann der amerikanische Jazz seinen stolzen Marsch um die Welt.

In den 20er Jahren wurden die Hauptmerkmale zukünftiger Stile gefunden: ein gleichmäßiges Pulsieren von Kontrabass und Schlagzeug, das zum Swing beitrug, virtuoses Solospiel und eine Art der Gesangsimprovisation ohne Worte mit einzelnen Silben („Scat“). Der Blues nahm einen bedeutenden Platz ein. Später wurden beide Bühnen – New Orleans, Chicago – unter dem Begriff „Dixieland“ vereint.

Im amerikanischen Jazz der 20er Jahre entstand ein harmonisches System, genannt „Swing“. Swing ist durch die Entstehung eines neuen Orchestertyps gekennzeichnet – der Big Band. Mit der Vergrößerung des Orchesters mussten wir die kollektive Improvisation aufgeben und uns der Aufführung von auf Notenblättern aufgenommenen Arrangements zuwenden. Das Arrangement wurde zu einer der ersten Manifestationen der Anfänge des Komponisten.

Eine Big Band besteht aus drei Gruppen von Instrumenten – Sektionen, von denen jede wie ein polyphones Instrument klingen kann: eine Saxophon-Sektion (später mit Klarinetten), eine „Bläser“-Sektion (Trompeten und Posaunen), eine Rhythmus-Sektion (Klavier, Gitarre, Kontrabass, Schlagzeug).

Es erschienen Soloimprovisationen basierend auf dem „Quadrat“ („Chorus“). „Square“ ist eine Variation, die in der Dauer (Anzahl der Takte) dem Thema entspricht und vor dem Hintergrund derselben Akkordbegleitung wie das Hauptthema aufgeführt wird, an die der Improvisator neue melodische Wendungen anpasst.

In den 1930er Jahren wurde der amerikanische Blues populär und die 32-Takt-Songform verbreitete sich. Swing begann, das „Riff“ – ein zwei- bis viertaktiges, rhythmisch flexibles Stichwort – weit verbreitet zu verwenden. Es wird vom Orchester aufgeführt, während der Solist improvisiert.

Zu den ersten Big Bands gehörten Orchester unter der Leitung berühmter Jazzmusiker – Fletcher Henderson, Count Basie, Benny Goodman, Glen Miller, Duke Ellington. Letztere wandten sich bereits in den 40er Jahren großen zyklischen Formen zu, die auf Neger- und lateinamerikanischer Folklore basierten.

Der amerikanische Jazz wurde in den 1930er Jahren kommerzialisiert. Daher entstand unter Liebhabern und Kennern der Entstehungsgeschichte des Jazz eine Bewegung zur Wiederbelebung früherer, authentischer Stile. Die entscheidende Rolle spielten kleine schwarze Ensembles der 40er Jahre, die auf alles verzichteten, was auf Außenwirkung abzielte: Abwechslung, Tanz, Gesang. Das Thema wurde einstimmig gespielt und erklang fast nie in seiner ursprünglichen Form; die Begleitung erforderte keine tänzerische Regelmäßigkeit mehr.

Dieser Stil, der die Moderne einläutete, wurde „Bop“ oder „Bebop“ genannt. Die Experimente talentierter amerikanischer Musiker und Jazzkünstler – Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk und andere – markierten tatsächlich den Beginn der Entwicklung einer eigenständigen Kunstform, die nur äußerlich mit dem Pop-Dance-Genre verwandt war.

Von Ende der 40er bis Mitte der 60er Jahre erfolgte die Entwicklung in zwei Richtungen. Der erste umfasste die Stile „cool“ – „cool“ und „West Coast“ – „West Coast“. Sie zeichnen sich durch eine breite Nutzung der Erfahrungen klassischer und moderner E-Musik aus – entwickelte Konzertformen, Polyphonie. Die zweite Richtung umfasste die Stile „Hardbop“ – „heiß“, „energetisch“ und in der Nähe davon „Soul-Jazz“ (übersetzt aus dem Englischen „Soul“ – „Soul“) und kombinierte die Prinzipien des alten Bebop mit den Traditionen von schwarze Folklore, temperamentvolle Rhythmen und Intonations-Spirituals.

Beide Richtungen haben viel gemeinsam in dem Wunsch, sich von der Aufteilung der Improvisation in einzelne Quadrate zu befreien und Walzer und komplexere Metren zu schwingen.

Es wurde versucht, Werke großer Form zu schaffen – symphonischen Jazz. Zum Beispiel „Rhapsody in Blue“ von J. Gershwin, eine Reihe von Werken von I.F. Strawinsky. Seit Mitte der 50er Jahre. Experimente zur Verbindung der Prinzipien von Jazz und moderner Musik haben bereits unter dem Namen „Dritter Satz“ auch bei russischen Interpreten erneut Verbreitung gefunden („Konzert für Orchester“ von A.Ya. Eshpai, Werke von M.M. Kazhlaev, 2. Konzert für Klavier mit dem Orchester von R.K. Shchedrin, 1. Sinfonie von A.G. Generell ist die Entstehungsgeschichte des Jazz reich an Experimenten und eng mit der Entwicklung der klassischen Musik und ihren innovativen Richtungen verknüpft.

Seit Anfang der 60er Jahre. Aktive Experimente beginnen mit spontaner Improvisation und beschränken sich nicht einmal auf ein bestimmtes musikalisches Thema – Freejazz. Noch wichtiger ist jedoch das Modusprinzip: Jedes Mal wird eine Reihe von Klängen neu ausgewählt – ein Modus und nicht klar unterscheidbare Quadrate. Auf der Suche nach solchen Modi wenden sich Musiker in den 70er Jahren den Kulturen Asiens, Afrikas, Europas usw. zu. Dazu kommen elektrische Instrumente und die Rhythmen der Jugendrockmusik, die auf kleineren Beats als zuvor basieren. Dieser Stil wird zunächst „Fusion“ genannt, d.h. "Legierung".

Kurz gesagt, die Geschichte des Jazz ist eine Geschichte über Suche, Einheit, mutige Experimente und leidenschaftliche Liebe zur Musik.

Russische Musiker und Musikliebhaber sind sicherlich neugierig auf die Entstehungsgeschichte des Jazz in der Sowjetunion.

In der Vorkriegszeit entwickelte sich der Jazz in unserem Land innerhalb von Poporchestern. Im Jahr 1929 organisierte Leonid Utesov ein Poporchester und nannte seine Gruppe „Tea-Jazz“. Die Stile „Dixieland“ und „Swing“ wurden in den Orchestern von A.V. praktiziert. Varlamova, N.G. Minha, A.N. Tsfasman und andere. Seit Mitte der 50er Jahre. Es beginnen sich kleine Amateurgruppen zu entwickeln („Eight TsDRI“, „Leningrad Dixieland“). Viele prominente Künstler erhielten dort einen Start ins Leben.

In den 70er Jahren begann die Ausbildung in den Popabteilungen der Musikschulen, es wurden Lehrmittel, Noten und Schallplatten herausgegeben.

Seit 1973 ist der Pianist L.A. Chizhik begann bei „Jazzimprovisationsabenden“ aufzutreten. Regelmäßig treten Ensembles unter der Leitung von I. Bril, „Arsenal“, „Allegro“, „Kadans“ (Moskau) und dem Quintett D.S. auf. Goloshchekin (Leningrad), Gruppen von V. Ganelin und V. Chekasin (Vilnius), R. Raubishko (Riga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallinn), A. Lyubchenko (Dnepropetrowsk), M. Yuldybaeva ( Ufa ), Orchester O.L. Lundstrem, Mannschaften von K.A. Orbelyan, A.A. Kroll („Zeitgenössisch“).

Jazz in der modernen Welt

Die heutige Musikwelt ist vielfältig, entwickelt sich dynamisch und es entstehen neue Stile. Um sich darin frei zurechtzufinden und die ablaufenden Prozesse zu verstehen, müssen Sie zumindest eine kurze Geschichte des Jazz kennen! Heute erleben wir die Vermischung immer mehr Weltkulturen, die uns immer näher an das heranführt, was im Wesentlichen bereits zur „Weltmusik“ (Weltmusik) wird. Der heutige Jazz vereint Klänge und Traditionen aus fast allen Teilen der Welt. Auch die afrikanische Kultur, mit der alles begann, wird neu gedacht. Der europäische Experimentalismus mit klassischen Obertönen beeinflusst weiterhin die Musik junger Pioniere wie Ken Vandermark, eines Avantgarde-Saxophonisten, der für seine Arbeit mit so bemerkenswerten Zeitgenossen wie den Saxophonisten Mats Gustafsson, Evan Parker und Peter Brotzmann bekannt ist. Zu den weiteren jungen Musikern mit eher traditioneller Ausrichtung, die weiterhin auf der Suche nach ihrer eigenen Identität sind, gehören die Pianisten Jackie Terrasson, Benny Green und Braid Meldoa, die Saxophonisten Joshua Redman und David Sanchez sowie die Schlagzeuger Jeff Watts und Billy Stewart. Die alte Klangtradition wird fortgeführt und aktiv gepflegt von Künstlern wie dem Trompeter Wynton Marsalis, der mit einem Team von Assistenten arbeitet, in eigenen Kleingruppen spielt und das Lincoln Center Orchestra leitet. Unter seiner Schirmherrschaft entwickelten sich die Pianisten Marcus Roberts und Eric Reed, der Saxophonist Wes „Warmdaddy“ Anderson, der Trompeter Marcus Printup und der Vibraphonist Stefan Harris zu großen Meistern.

Auch Bassist Dave Holland ist ein großer Entdecker junger Talente. Zu seinen vielen Entdeckungen zählen die Saxophonisten Steve Coleman, Steve Wilson, der Vibraphonist Steve Nelson und der Schlagzeuger Billy Kilson.

Weitere großartige Mentoren für junge Talente sind der legendäre Pianist Chick Corea sowie der verstorbene Schlagzeuger Elvin Jones und die Sängerin Betty Carter. Das Potenzial zur Weiterentwicklung dieser Musik ist derzeit groß und vielfältig. So veröffentlicht beispielsweise der Saxophonist Chris Potter eine Mainstream-Veröffentlichung unter seinem eigenen Namen und beteiligt sich gleichzeitig an Aufnahmen mit einem anderen großen Avantgarde-Schlagzeuger, Paul Motian.

Wir müssen noch Hunderte wundervolle Konzerte und mutige Experimente genießen, das Aufkommen neuer Richtungen und Stile miterleben – diese Geschichte ist noch nicht zu Ende geschrieben!

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Der Inhalt des Artikels

JAZZ(Englischer Jazz), ein generisches Konzept, das mehrere Arten der Musikkunst definiert, die sich in Stil, künstlerischen Zielen und Rolle im öffentlichen Leben voneinander unterscheiden. Der Begriff Jazz (ursprünglich Jass) tauchte erst um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert auf. Er kann vom französischen Wort jaser (mit der Bedeutung „chatten“) stammen, das im amerikanischen Slang erhalten bleibt: „jazz“ – „lügt“; Unsinn“), und woraus - ein Wort in einer der afrikanischen Sprachen, das eine bestimmte erotische Bedeutung hatte, zumal in der natürlichen Phrase Jazztanz („Jazztanz“) seitdem das Wort Tanz dieselbe Bedeutung trägt Shakespeare-Zeiten. In den höchsten Kreisen der Neuen und Alten Welt wurde das Wort, das später zu einem rein musikalischen Begriff wurde, mit etwas Lautem, Unhöflichem und Schmutzigem assoziiert. Der englische Schriftsteller Richard Aldington im Vorwort des Romans Tod eines Helden, der die „Wahrheit der Schützengräben“ und den moralischen Persönlichkeitsverlust nach dem Ersten Weltkrieg beschreibt, nennt seinen Roman „jazzig“.

Ursprünge.

Jazz entstand als Ergebnis einer langen Interaktion zwischen verschiedenen Schichten der Musikkultur in ganz Nordamerika, wo schwarze Sklaven aus Afrika (hauptsächlich aus dem Westen) die Kultur ihrer weißen Herren beherrschen mussten. Dazu gehören religiöse Hymnen – Spirituals und die häufigste Form der Alltagsmusik (Brassband) sowie ländliche Folklore (bei Schwarzen – Skiffle) und vor allem – Salonklaviermusik Ragtime – Ragtime (wörtlich „zerlumpter Rhythmus“).

Minstrel-Show.

Diese Musik wurde durch reisende „Minnesängertheater“ (nicht zu verwechseln mit dem mittelalterlichen europäischen Begriff) verbreitet – Minnesängershows, die von Mark Twain in anschaulich beschrieben wurden Die Abenteuer von Huckleberry Finn und das Musical von Jerome Kern Showboot. Die Minstrel-Showtruppen, die das Leben der Neger karikierten, bestanden sowohl aus Weißen (auch der erste Tonfilm gehört zu diesem Genre). Jazzsänger, in dem der litauische Jude Al Jolson die Rolle eines Schwarzen spielte und der Film selbst nichts mit Jazz als Kunst zu tun hatte) und von schwarzen Musikern, die in diesem Fall gezwungen waren, sich selbst zu parodieren.

Ragtime.

Dank der Minstrel-Show erfuhr das Publikum europäischer Herkunft, was später Jazz werden sollte, und akzeptierte den Piano-Ragtime als seine eigene Kunst. Es ist kein Zufall, dass der Schriftsteller E. Doctorow und der Filmregisseur M. Forman das eigentliche musikalische Konzept des „ragged rhythm“ in „zerrissene Zeit“ verwandelten – ein Symbol für jene Veränderungen, die in der Alten Welt als „das Ende der Zeit“ bezeichnet wurden Jahrhundert." Übrigens ist der trommelartige Charakter des Ragtime (der aus dem typischen europäischen spätromantischen Pianismus stammt) stark übertrieben, da das Hauptverbreitungsmedium das mechanische Klavier war, das die Feinheiten der Klaviertechnik nicht vermittelte. Unter den schwarzen Ragtime-Singer-Songwritern gab es auch ernsthafte Komponisten wie Scott Joplin. Doch erst siebzig Jahre später, nach dem Erfolg des Actionfilms, wurde ihr Interesse geweckt Stachel(1973), dessen Soundtrack auf den Kompositionen von Joplin basierte.

Blues.

Schließlich gäbe es keinen Jazz ohne den Blues (Blues ist ursprünglich ein kollektiver Plural und bezeichnet einen Zustand der Traurigkeit, Melancholie, Verzweiflung; die gleiche doppelte Bedeutung erhält unser Begriff „Leiden“, obwohl er ein völlig anderes Musikgenre bezeichnet in der Natur). Blues ist ein Sololied (selten ein Duettlied), dessen Besonderheit nicht nur in seiner spezifischen musikalischen Form, sondern auch in seinem stimmlichen und instrumentalen Charakter liegt. Das aus Afrika übernommene Gestaltungsprinzip – eine kurze Frage des Solisten und die gleiche kurze Antwort des Chors (Call & Response, in Chorform erscheint es in geistlichen Hymnen: die „Frage“ des Predigers – die „Antwort“ der Gemeindemitglieder ) - im Blues zu einem vokal-instrumentalen Prinzip geworden: Der Autor - der Interpret stellt eine Frage (und wiederholt sie in der zweiten Zeile) und antwortet selbst, meistens auf der Gitarre (seltener auf dem Banjo oder Klavier). Der Blues ist auch der Grundstein der modernen Popmusik, vom schwarzen Rhythm and Blues bis zur Rockmusik.

Archaischer Jazz.

Im Jazz verschmolzen seine Ursprünge in einem einzigen Kanal, was in der zweiten Hälfte des 19. und frühen 20. Jahrhunderts geschah. Oftmals wurden einzelne Bäche zufällig miteinander verbunden: Beispielsweise spielten Blaskapellen nach einer der afrikanischen Traditionen auf dem Weg zum Friedhof Trauermärsche und auf dem Rückweg fröhliche Tänze. In kleinen Kneipen sangen umherziehende Blues-Singer-Songwriter zur Klavierbegleitung (die Art, Blues auf dem Klavier in den späten 1920er Jahren aufzuführen, entwickelte sich zu einer eigenständigen Musikrichtung, Boogie-Woogie), typische europäische Salonorchester umfassten Lieder und Tänze aus ihren Minstrel-Shows in ihrem Repertoire, Cakewalk (oder Cakewalk, Cake-Walk – Tanz zu Ragtime-Musik). Europa lernte den Ragtime genau als Begleitung zu letzterem (dem berühmten). Puppenkuchenspaziergang Claude Debussy). Und um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert wurden typisch afroamerikanische bildende Künste produziert. nicht weniger, wenn nicht sogar beeindruckender als synkopierte Salonmusik). Übrigens sind Aufzeichnungen über eine Blaskapelle eines der russischen kaiserlichen Regimenter mit Cakewalk erhalten geblieben Negers Traum. Alle diese Kombinationen werden üblicherweise als archaischer Jazz bezeichnet.

Bei Bedarf begleiteten Ragtime-Pianisten zusammen mit Blaskapellen Blues-Sänger und -Sänger, die ihrerseits Unterhaltungs- und Salonrepertoire in ihre Programme einbauten. Solche Musik kann bereits als Jazz gelten, auch wenn sich die ersten Bands, wie im berühmten Lied und dann im Filmmusical von Irving Berlin, „Ragtime Orchestras“ nannten.

New Orleans.

Es wird angenommen, dass die günstigsten Umstände die Entstehung des Jazz in der Hafenstadt New Orleans begleiteten. Aber wir müssen bedenken, dass Jazz überall dort geboren wurde, wo afroamerikanische und europäische Kulturen sich gegenseitig durchdrangen.

In New Orleans existierten zwei afroamerikanische Kulturen nebeneinander: die Kreolen (französischsprachige Schwarze, meist Katholiken), die relative Freiheit genossen, und die angelsächsischen protestantischen Sklaven, die nach dem amerikanischen Bürgerkrieg befreit wurden. Obwohl die bürgerlichen Freiheiten der französischsprachigen Kreolen ebenfalls relativ waren, hatten sie dennoch Zugang zur klassischen Kultur europäischen Ursprungs, der beispielsweise im puritanischen Neuengland selbst Einwanderern aus Europa verwehrt blieb. Das Opernhaus beispielsweise wurde in New Orleans viel früher eröffnet als in den puritanischen Städten im Norden der USA. In New Orleans war an Feiertagen öffentliche Unterhaltung erlaubt – Tanzen, Karneval. Nicht zuletzt spielte die Präsenz des für eine Hafenstadt obligatorischen „Rotlichtviertels“ Storyville in New Orleans eine wichtige Rolle.

Blaskapellen waren in New Orleans wie in Europa ein fester Bestandteil des Stadtlebens. Doch in der afroamerikanischen Gemeinschaft hat die Blaskapelle einen radikalen Wandel durchgemacht. Aus rhythmischer Sicht war ihre Musik so primitiv wie europäische Tänze und Märsche und hatte nichts mit dem zukünftigen Jazz gemein. Das melodische Hauptmaterial wurde rational und kompakt auf drei Instrumente verteilt: Alle drei spielten das gleiche Thema – das Kornett (Trompete) trug es mehr oder weniger nah am Original, die bewegliche Klarinette schien um die Hauptmelodie zu schlängeln, und die Posaune warf von Zeit zu Zeit seltene, aber überzeugende Bemerkungen ein. Die Leiter der berühmtesten Ensembles nicht nur in New Orleans, sondern im gesamten Bundesstaat Louisiana waren Bunk Johnson, Freddie Keppard und Charles „Buddy“ Bolden. Allerdings sind die Originalaufzeichnungen aus dieser Zeit nicht erhalten und es ist nicht mehr möglich, die Echtheit der nostalgischen Erinnerungen von New Orleans-Veteranen (einschließlich Louis Armstrong) zu überprüfen.

Schon vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs traten Ensembles „weißer“ Musiker auf, die ihre Musik „Jass“ nannten („ss“ wurde bald durch „zz“ ersetzt, da sich das Wort „Jass“ leicht in ein wenig anständiges Wort verwandelte reichte aus, um den ersten Buchstaben „j“ zu löschen). Die Tatsache, dass New Orleans als Zentrum der „Resort“-Unterhaltung berühmt war, wird durch die Tatsache bewiesen, dass das New Orleans Rhythm Kings-Ensemble mit dem beliebten Pianisten und Komponisten Elmer Shebel in Chicago beliebt war, in dem jedoch kein einziger New Orleanser vertreten war . Mit der Zeit begannen die „weißen Orchester“ sich – im Gegensatz zu den schwarzen – Dixieland zu nennen, also einfach „südlich“. Eines dieser Ensembles, die „Original Dixieland Jass Band“, fand sich Anfang 1917 in New York ein und machte die ersten Aufnahmen von etwas, das man nicht nur dem Namen nach definitiv als Jazz bezeichnen konnte. Es wurde eine Platte mit zwei Dingen veröffentlicht: Lackierung Stable Blues Und Dixieland Jass Band One-Step.

Chicago.

Zur gleichen Zeit bildete sich in Chicago ein Jazz-Umfeld, wo sich viele New Orleanser niederließen, nachdem die Vereinigten Staaten 1917 in den Ersten Weltkrieg eintraten und in New Orleans das Kriegsrecht eingeführt wurde. Besonders berühmt war die Creole Jazz Band des Trompeters Joe „King“ Oliver (obwohl unter ihren Mitgliedern nur ein echter Kreole war). Berühmt wurde die Creole Jazz Band durch den koordinierten Auftritt zweier Kornette – Oliver selbst und seinem jungen Schüler Louis Armstrong. Oliver-Armstrongs erste Schallplatten, die 1923 mit den berühmten „Breaks“ zweier Zinken aufgenommen wurden, wurden zu Jazz-Klassikern.

„Das Zeitalter des Jazz“.

In den 1920er Jahren begann das „Jazz-Zeitalter“. Louis Armstrong bekräftigt mit seinen Ensembles „Hot Five“ und „Hot Seven“ den Vorrang des improvisierenden Solisten; Die Pianistin und Komponistin Jelly Roll Morton wird in New Orleans berühmt; Ein weiterer New Orleanser, der kreolische Klarinettist und Saxophonist Sidney Bechet, verbreitete den Ruhm des Jazz in der Alten Welt (er tourte 1926 auch durch Sowjetrussland). Der berühmte Schweizer Dirigent Ernest Ansermet war von Bechet mit genau jener charakteristischen „französischen“ Schwingung beeindruckt, die später die ganze Welt in der Stimme von Edith Piaf wiedererkennen sollte. Vielleicht ist es kein Zufall, dass der erste Jazzmusiker aus der Alten Welt, der die Amerikaner beeinflusste, der belgische Zigeuner Django Reinhardt war, ein Gitarrist, der in Frankreich lebte.

New York beginnt, stolz auf seine eigenen Jazz-Kräfte zu sein – die Harlem-Orchester von Fletcher Henderson, Louis Russell (Armstrong selbst arbeitete mit beiden zusammen) und Duke Ellington, der 1926 aus Washington hierher zog und schnell eine führende Position in der Jazzmusik einnahm berühmten Cotton Club.

Improvisation.

In den 1920er Jahren bildete sich nach und nach das Grundprinzip des Jazz heraus – kein Dogma, keine Form, sondern Improvisation. Im New Orleans Jazz/Dixieland geht man davon aus, dass es kollektiver Natur ist, obwohl dies nicht ganz korrekt ist, da das Ausgangsmaterial (das Thema) tatsächlich noch nicht von seiner Entwicklung getrennt ist. Im Wesentlichen wiederholten die Musiker von New Orleans nach Gehör die einfachsten Formen europäischer Lieder, Tänze und Black Blues.

In Armstrongs Ensembles begann unter Beteiligung vor allem des herausragenden Pianisten Earl Hines die Bildung der Jazzform des Themas mit Variationen (Thema – Soloimprovisationen – Thema), wobei die „Einheit der Improvisation“ der Chor ist (in der russischen Terminologie „Quadrat“), als wäre es eine Variante der ursprünglichen Themen mit genau derselben (oder in Zukunft verwandten) harmonischen Konstruktion. Ganze Schulen schwarzer und weißer Musiker machten sich Armstrongs Entdeckungen während der Chicagoer Zeit zunutze; Der weiße Bix Beiderbeck komponierte Kompositionen im Geiste Armstrongs, die sich jedoch als überraschend nah am musikalischen Impressionismus erwiesen (und charakteristische Namen trugen wie Im Nebel – Im nebligen Dunst). Der virtuose Pianist Art Tatum verließ sich mehr auf das harmonische Schema des Quadrats als auf die Melodie des Originalthemas. Die Saxophonisten Columen Hawkins, Lester Young und Benny Carter übertrugen ihre Errungenschaften auf einstimmige Blasinstrumente.

Das Orchester von Fletcher Henderson war das erste, das ein System zur „Unterstützung“ für einen Solo-Improvisator entwickelte: Das Orchester war in drei Abschnitte unterteilt – rhythmisch (Klavier, Gitarre, Kontrabass und Schlagzeug), Saxophon und Blechbläser (Trompeten, Posaunen). Vor dem Hintergrund des ständigen Pulsierens der Rhythmusgruppe tauschten Saxophone und Trompeten mit Posaunen kurze, sich wiederholende „Formeln“ aus – Riffs, die in der Praxis des Folk-Blues entwickelt wurden. Das Riff war sowohl harmonischer als auch rhythmischer Natur.

1930er Jahre.

Diese Formel wurde von praktisch allen großen Gruppen übernommen, die sich bereits in den 1930er Jahren, nach der Wirtschaftskrise von 1929, bildeten. Tatsächlich begann die Karriere des „King of Swing“ – Benny Goodman – mit mehreren Arrangements von Fletcher Henderson. Aber selbst schwarze Jazzhistoriker geben zu, dass Goodmans Orchester, das ursprünglich aus weißen Musikern bestand, besser spielte als Hendersons eigenes Orchester. Auf die eine oder andere Weise verbesserte sich das Zusammenspiel zwischen den schwarzen Swing-Orchestern von Andy Kirk, Jimmy Lunsford, Count Basie, Duke Ellington und den weißen Orchestern: Goodman spielte das Repertoire von Count Basie, Charlie Barnett kopierte Ellington und die Band des Klarinettisten Woody Herman war ausgeglichen genannt „ein Orchester, das den Blues spielt“. Es gab auch sehr beliebte Orchester der Brüder Dorsey (der schwarze Cy Oliver arbeitete dort als Arrangeur), Artie Shaw (er stellte zuerst eine vierte Gruppe vor – Streicher), Glenn Miller (mit dem berühmten „Kristallakkord“ – Kristallchor, als a Klarinette spielt zum Beispiel zusammen mit Saxophonen im berühmten Mondserenade- das Leitmotiv des zweiten Films mit Miller, Ehefrauen der Orchestermitglieder). Erster Film - Sun Valley Serenade- wurde vor dem Eintritt der USA in den Zweiten Weltkrieg gedreht und gehörte zu den Kriegstrophäen, die die Rote Armee in Deutschland erbeutete. Daher war es diese Musikkomödie, die für zwei oder drei Generationen sowjetischer Nachkriegsjugend fast die gesamte Kunst des Jazz verkörpern sollte. Dass die völlig natürliche Kombination von Klarinetten und Saxophonen revolutionär klang, zeigt, wie standardisiert die Produkte der Arrangeure der Swing-Ära waren. Es ist kein Zufall, dass am Ende des Vorkriegsjahrzehnts selbst dem „King of Swing“ Goodman klar wurde, dass die Kreativität in großen Orchestern – Big Bands – einer standardisierten Routine wich. Goodman reduzierte die Zahl seiner Musiker auf sechs und begann, regelmäßig schwarze Musiker in sein Sextett einzuladen – den Trompeter Cootie Williams aus Ellingtons Orchester und den jungen E-Gitarristen Charlie Criscian, was zu dieser Zeit ein sehr mutiger Schritt war. Es genügt zu sagen, dass Goodmans Kollege, der Pianist und Komponist Raymond Scott, sogar ein Stück mit dem Titel komponiert hat Als Kuti Duke verließ.

Formal stimmte sogar Duke Ellington der allgemein akzeptierten Einteilung des Orchesters in drei Gruppen zu, doch bei seiner Instrumentierung orientierte er sich weniger am Schema als vielmehr an den Fähigkeiten der Musiker selbst (über ihn sagte man: in einer Jazzpartitur, Anstelle der Namen von Instrumenten gibt es Namen von Musikern; selbst seine dreiminütigen Virtuosenstücke wurden von Ellington genannt Konzert für Cootie, erwähnt von Cootie Williams). In Ellingtons Werk wurde deutlich, dass Improvisation ein künstlerisches Prinzip ist.

Die 1930er Jahre waren auch die Blütezeit des Broadway-Musicals, das dem Jazz das sogenannte Broadway-Musical verlieh. Evergreens (wörtlich „immergrün“) – einzelne Nummern, die zum Standard-Jazzrepertoire wurden. Übrigens enthält der Begriff „Standard“ im Jazz nichts Verwerfliches; es handelt sich dabei um den Namen einer populären Melodie oder eines speziell geschriebenen Themas zur Improvisation. Der Standard ist sozusagen ein Analogon zum philharmonischen Konzept der „Repertoire-Klassiker“.

Darüber hinaus sind die 1930er Jahre die einzige Zeit, in der vor allem die populäre Musik, wenn nicht der Jazz (oder Swing, wie man damals sagte), zumindest unter seinem Einfluss entstand.

Natürlich konnte das kreative Potenzial, das in Swing-Orchestern improvisierender Musiker entsteht, per Definition nicht in unterhaltsamen Swing-Orchestern wie dem Orchester von Cab Calloway ausgeschöpft werden. Es ist kein Zufall, dass Jam-Sessions im Jazz eine so große Rolle spielen – Treffen von Musikern im kleinen Kreis, meist spät in der Nacht, nach der Arbeit, insbesondere anlässlich von Touren von Kollegen aus anderen Orten.

Bebop - Bop.

Bei solchen Treffen versammelten sich Anfang der 1940er Jahre junge Solisten verschiedener Gruppen – darunter Charlie Christian, der Gitarrist von Benny Goodmans Sextett, der Schlagzeuger Kenny Clark, der Pianist Thelonious Monk und der Trompeter Dizzy Gillespie – in einem Club in Harlem. Am Ende des Zweiten Weltkriegs wurde klar, dass ein neuer Jazzstil geboren war. Rein musikalisch gesehen unterschied es sich nicht von dem, was in den Swing-Bigbands gespielt wurde. Die äußere Form war völlig neu – es war „Musik für Musiker“; es gab keine „Anweisungen“ an die Tänzer in Form eines klaren Rhythmus, lauter Akkorde am Anfang und Ende oder einfacher und erkennbarer Melodien in der neuen Musik. Die Musiker spielten beliebte Broadway-Songs und Blues, setzten jedoch statt der bekannten Melodien dieser Lieder bewusst auf Improvisationen. Es wird angenommen, dass der Trompeter Gillespie der erste war, der das, was er und seine Kollegen taten, „Reebop“ oder „Bebop“ oder kurz „Bop“ nannte. Gleichzeitig begann sich der Jazzmusiker von einem unterhaltsamen Musiker zu einer Figur von gesellschaftlicher Bedeutung zu wandeln, was mit der Geburt der Beatnik-Bewegung zusammenfiel. Gillespie brachte Brillen mit massiven Fassungen (anfangs sogar mit Gläsern ohne Dioptrien), Baskenmützen statt Hüten, speziellen Jargon, insbesondere das immer noch modische Wort „cool“ statt „hot“ in Mode. Ihren wichtigsten Impuls erhielten die jungen New Yorker jedoch, als sich der Altsaxophonist Charlie Parker aus Kansas City (gespielt in Jay McShanns Big Band) der Gesellschaft der Boppers anschloss. Parker war überaus begabt und ging viel weiter als seine Kollegen und Zeitgenossen. Ende der 1950er Jahre kehrten sogar Innovatoren wie Monk und Gillespie zu ihren Wurzeln zurück – zur schwarzen Musik, während die Entdeckungen von Parker und einigen seiner Mitarbeiter (Schlagzeuger Max Roach, Pianist Bud Powell, Trompeter Fats Navarro) immer noch Aufmerksamkeit erregen von Musikern.

Cool.

In den 1940er Jahren verbot die Musikergewerkschaft in den Vereinigten Staaten Instrumentalisten aufgrund von Urheberrechtsstreitigkeiten die Aufnahme von Schallplatten; Tatsächlich wurden nur Aufnahmen von Sängern veröffentlicht, die von einem Klavier oder einem Vokalensemble begleitet wurden. Mit der Aufhebung des Verbots (1944) wurde deutlich, dass der Mikrofonsänger (zum Beispiel Frank Sinatra) zur zentralen Figur der Popmusik wurde. Bebop erregte als „Club“-Musik Aufmerksamkeit, verlor aber bald sein Publikum. Doch in abgemilderter Form und bereits unter dem Namen „cool“ fasste die neue Musik in Eliteclubs Fuß. Den Boppern von gestern, zum Beispiel dem jungen schwarzen Trompeter Miles Davis, wurden namhafte Musiker zur Seite gestellt, allen voran Gil Evans, Pianist und Arrangeur von Claude Thornhills Swingorchester. In Miles Davis‘ „Capitol-Nonet“ (benannt nach der Firma „Capitol“, die dieses Nonett aufnahm, später unter dem Titel neu aufgelegt Geburt des Coolen) „übten“ sowohl weiße als auch schwarze Musiker gemeinsam – die Saxophonisten Lee Konitz und Gerry Mulligan sowie der schwarze Pianist und Komponist John Lewis, der mit Charlie Parker spielte und später das Modern Jazz Quartet gründete.

Ein weiterer Pianist, dessen Name mit Coolness assoziiert wird, der blinde Lenny Tristano, war der erste, der die Möglichkeiten des Aufnahmestudios nutzte (Film beschleunigen, eine Aufnahme auf eine andere überspielen). Tristano war der erste, der seine spontanen Improvisationen aufnahm, ohne an die quadratische Form gebunden zu sein. Konzertwerke für Big Bands (unterschiedlicher Stilrichtung - vom Neoklassizismus bis zum Serialismus) unter dem allgemeinen Namen „progressiv“ konnten die Qual des Swings nicht verlängern und fanden keine öffentliche Resonanz (obwohl unter den Autoren junge amerikanische Komponisten wie Milton Babbitt und Pete Rugolo waren). , Bob Graettinger). Zumindest eines der „progressiven“ Orchester – unter der Leitung des Pianisten Stan Kenton – hat seine Zeit sicherlich überlebt und sich einiger Beliebtheit erfreut.

Westküste.

Viele von Kentons Orchestermitgliedern dienten Hollywood, so dass die stärker europäisierte Ausrichtung des „coolen“ Stils (mit akademischen Instrumenten – Horn, Oboe, Fagott und der entsprechenden Art der Klangerzeugung, sowie bis zu einem gewissen Grad der Einsatz polyphoner Nachahmungsformen) erfolgte genannt „Westküste“ (Westküste). Das Shorty Rogers Octet (von dem Igor Strawinsky lobte), die Ensembles von Shelley Mann und Bud Shank, die Quartette von Dave Brubeck (mit dem Saxophonisten Paul Desmond) und Gerry Mulligan (mit dem weißen Trompeter Chet Baker und dem schwarzen Trompeter Art Farmer).

Bereits in den 1920er Jahren wirkten sich die historischen Verbindungen der afroamerikanischen Bevölkerung der Vereinigten Staaten mit der schwarzen Bevölkerung Lateinamerikas aus, doch erst nach dem Zweiten Weltkrieg begannen Jazzmusiker (hauptsächlich Dizzy Gillespie), bewusst lateinamerikanische Rhythmen zu verwenden. und sprach sogar über eine unabhängige Richtung – den afro-kubanischen Jazz.

In den späten 1930er Jahren wurde versucht, den alten New Orleans Jazz unter den Namen New Orleans Renaissance und Dixieland Revival wiederherzustellen. Traditioneller Jazz, wie später alle Spielarten des New Orleans-Stils und Dixieland (und sogar Swing) genannt wurden, verbreitete sich in Europa und verschmolz fast mit der urbanen Alltagsmusik der Alten Welt – den berühmten drei „B“ in Großbritannien – Acker Bilk , Chris Barber und Kenny Ball (letzterer wurde durch die Dixieland-Version berühmt). Moskauer Abende Anfang der 1960er Jahre). Im Zuge des Dixieland-Revivals in Großbritannien entstand eine Mode für archaische Ensembles selbstgebauter Instrumente – Skiffles, mit denen die Mitglieder des Beatles-Quartetts ihre Karriere begannen.

In den USA unterstützten (und bildeten) die Unternehmer George Wayne (Organisator des berühmten Jazzfestivals der 1950er Jahre in Newport, Rhode Island) und Norman Grantz die Idee des Mainstreams – klassischen Jazz, aufgebaut nach einem bewährten Schema ( kollektiv gespieltes Thema - Soloimprovisation - Reprise des Themas) und basiert auf den Ausdrucksmitteln der 1930er Jahre mit individuellen, sorgfältig ausgewählten Techniken späterer Stile. Zum Mainstream zählen in diesem Sinne beispielsweise die Musiker von Granz‘ Unternehmen „Jazz at the Philharmonic“. Im weiteren Sinne umfasst Mainstream im Wesentlichen den gesamten Jazz vor den frühen 1960er Jahren, einschließlich Bebop und seine späteren Spielarten.

Ende 1950 – Anfang 1960er Jahre

– eine der fruchtbarsten Perioden in der Geschichte des Jazz. Mit dem Aufkommen des Rock'n'Roll wurde die instrumentale Improvisation schließlich an den Rand der Popmusik gedrängt, und der Jazz als Ganzes begann, seinen Platz in der Kultur zu erkennen: Es entstanden Clubs, in denen es üblich war, mehr zuzuhören als zu tanzen (einer von ihnen). wurde sogar „Birdland“ genannt, Spitzname Charlie Parker), Festivals (oft im Freien), Plattenfirmen gründeten spezielle Abteilungen für Jazz – „Labels“ und es entstand eine unabhängige Plattenindustrie (zum Beispiel die Firma Riverside, die mit einem brillant zusammengestellten Album begann Anthologie zur Geschichte des Jazz). Schon früher, in den 1930er Jahren, entstanden Fachzeitschriften („Down Beat“ in den USA, verschiedene illustrierte Monatszeitschriften in Schweden, Frankreich und in den 1950er Jahren in Polen). Jazz scheint sich in leichte Clubmusik und ernsthafte Konzertmusik zu spalten. Eine Fortsetzung der „progressiven“ Bewegung war der „dritte Satz“, ein Versuch, Jazzimprovisation mit den Formen und Aufführungsmitteln der Symphonie- und Kammermusik zu verbinden. Alle Trends trafen im „Modern Jazz Quartet“ zusammen, dem wichtigsten experimentellen Labor für die Synthese von Jazz und „Klassikern“. Allerdings hatten die Liebhaber des „dritten Satzes“ es eilig; Sie waren Wunschdenken und glaubten, dass bereits eine Generation von Symphonieorchesterspielern entstanden sei, die mit der Jazzpraxis ausreichend vertraut sei. Der „dritte Satz“ hat wie jede andere Bewegung im Jazz immer noch seine Anhänger, und in einigen Musikschulen in den USA und Europa werden von Zeit zu Zeit Auftrittsgruppen gegründet („Orchestra USA“, „American Philharmonic“ „Jack Elliott“). und unterrichten sogar entsprechende Kurse (insbesondere beim Pianisten Ran Blake). Die „Dritte Strömung“ fand in Europa Apologeten, insbesondere nach dem Auftritt des „Modern Jazz Quartet“ im Zentrum der musikalischen Weltavantgarde in Donaueschingen (Deutschland) im Jahr 1954.

Andererseits konkurrierten die besten Swing-Bigbands mit der Popmusik im Bereich der Tanzmusik. Auch in der leichten Jazzmusik entstanden neue Richtungen. So versuchte der brasilianische Gitarrist Lorindo Almeida, der Anfang der 1950er Jahre in die USA zog, seine Kollegen davon zu überzeugen, dass es möglich sei, auf der Grundlage des Rhythmus des brasilianischen Samba zu improvisieren. Allerdings erschien erst nach der Tournee des Stan Getz Quartetts in Brasilien der „Jazz-Samba“, der in Brasilien den Namen „Bossa Nova“ erhielt. Bossa Nova wurde tatsächlich zum ersten Zeichen der zukünftigen New-World-Musik.

Bebop blieb der Mainstream im Jazz der 1950er–1960er Jahre – bereits unter dem Namen Hard Bop (schwerer, energiegeladener Bop; einst versuchte man, das Konzept des „Neo-Bop“ einzuführen), aktualisiert durch die improvisatorischen und kompositorischen Entdeckungen des Bebop Cool. Im gleichen Zeitraum ereignete sich ein Ereignis, das sehr schwerwiegende ästhetische Folgen hatte, auch für den Jazz. Der Sänger, Organist und Saxophonist Ray Charles verbindet als erster das Unvereinbare – die Strukturen (in der Vokalmusik auch lyrischen Inhalts) des Blues und die Frage-und-Antwort-Mikrostruktur, die nur mit dem Pathos spiritueller Gesänge verbunden ist. Diese Richtung erhält in der schwarzen Kultur den Namen „Seele“ (ein Konzept, das in den radikalen 1960er Jahren zum Synonym für die Wörter „Neger“, „Schwarz“, „Afroamerikaner“ usw. wurde); Der konzentrierte Inhalt aller afroamerikanischen Merkmale in der Jazz- und Black-Pop-Musik wurde als „funky“ bezeichnet.

Zu dieser Zeit standen sich Hard Bop und Jazz Soul gegenüber (manchmal sogar innerhalb derselben Gruppe, zum Beispiel bei den Adderley-Brüdern; der eine, der Saxophonist Julian „Cannonball“, betrachtete sich als Anhänger des Hard Bop, der andere, der Kornettist Nat , hielt sich für einen Anhänger des Soul Jazz). Die zentrale Gruppe des Hardbop, diese Akademie des modernen Mainstreams, war (bis zum Tod ihres Anführers, Schlagzeuger Art Blakey, im Jahr 1990) das Quintett Jazz Messengers.

Die in den späten 1950er- und frühen 1960er-Jahren erschienene Schallplattenserie des Gil Evans Orchestra, eine Art Miles Davis-Trompetenkonzert mit Orchester, entsprach voll und ganz der kühlen Ästhetik der 1940er-Jahre, und Miles Davis‘ Aufnahmen aus der Mitte der 1960er-Jahre (in Insbesondere das Album Miles lächelt), d.h. Die Apotheose des aktualisierten Bebop – Hard Bop – erschien, als die Jazz-Avantgarde – die sogenannte – bereits in Mode war. Free-Jazz.

Free-Jazz.

Bereits in Arbeit an einem der Orchesteralben des Trompeters Davis ( Porgy & Bess, 1960) schlug der Arrangeur Evans vor, dass der Trompeter nicht auf der Grundlage einer harmonischen Sequenz einer bestimmten Dauer – einem Quadrat, sondern auf einer bestimmten Skala – einem Modus improvisieren sollte, der ebenfalls nicht zufällig, sondern aus demselben Thema extrahiert ist, jedoch nicht auf der Akkordbegleitung. sondern vielmehr die Melodie selbst. Das Prinzip der Modalität, das in der europäischen Musik in der Renaissance verloren ging, aber immer noch der gesamten professionellen Musik in Asien zugrunde liegt (Mugam, Raga, Dastan usw.), eröffnete wirklich grenzenlose Möglichkeiten, den Jazz mit der Erfahrung der Weltmusikkultur zu bereichern. Und Davis und Evans haben es nicht versäumt, es zu nutzen, und zwar auf das spanische (also im Wesentlichen euro-asiatische) Flamenco-Material, das für diesen Zweck ideal geeignet war.

Davis' Kollege, der Saxophonist John Coltrane, wandte sich Indien zu; Coltranes Kollege, der verstorbene und hochbegabte Saxophonist und Flötist Eric Dolphy, wandte sich der europäischen musikalischen Avantgarde zu (bemerkenswert ist der Titel seines Stücks). Gazzeloni- zu Ehren der italienischen Flötisten und Interpreten Luigi Nono und Pierre Boulez).

Zur gleichen Zeit, im selben Jahr 1960, nahmen zwei Quartette – Eric Dolphy und der Altsaxophonist Ornette Coleman (mit den Trompetern Don Cherry und Freddie Hubbard, den Kontrabassisten Charlie Haden und Scott La Faro) – ein Album auf Free-Jazz (Free-Jazz), prunkvoll mit einer Reproduktion eines Gemäldes verziert weißes Licht berühmten abstrakten Künstler Jackson Pollock. Der etwa 40-minütige Strom des kollektiven Bewusstseins war eine spontane, offensichtlich ungeprobte (obwohl zwei Versionen aufgenommen wurden) Improvisation von acht Musikern, und erst in der Mitte kamen alle kurz in Colemans vorab geschriebenem Gleichklang zusammen. Nachdem sie modalen Soul-Jazz und Hardbop in einem in jeder Hinsicht sehr gelungenen Album „zusammengefasst“ hatten Eine höchste Liebe(einschließlich kommerziell – 250.000 Platten wurden verkauft), John Coltrane trat jedoch in Colemans Fußstapfen und nahm das Programm auf Aufstieg (Aufstieg) mit einem Team schwarzer Avantgarde (darunter übrigens auch der schwarze Saxophonist aus Kopenhagen John Chikai). Auch in Großbritannien wurde der schwarze westindische Altsaxophonist Joe Herriot zum Förderer des Free Jazz. Neben Großbritannien hat sich in den Niederlanden, Deutschland und Italien eine unabhängige Schule des Free Jazz entwickelt. In anderen Ländern erwies sich die spontane kollektive Improvisation als vorübergehendes Hobby, als Mode für die Avantgarde (1960er Jahre – die letzte Periode der experimentellen Avantgarde in der akademischen Musik); Gleichzeitig vollzog sich ein Übergang von der Ästhetik der Innovation um jeden Preis hin zu einem postmodernen Dialog mit der Vergangenheit. Wir können sagen, dass Free Jazz (zusammen mit anderen Bewegungen der Jazz-Avantgarde) das erste Phänomen im Weltjazz ist, bei dem die Alte Welt der Neuen in nichts nachstand. Es ist kein Zufall, dass viele amerikanische Avantgarde-Künstler, insbesondere Sun Ra und seine Big Band, lange Zeit (fast bis Ende der 1960er Jahre) in Europa „versteckt“ waren. 1968 nahm ein Team europäischer Avantgarde-Künstler ein Projekt auf, das seiner Zeit weit voraus war. Maschinengewehr, das „Spontaneous Music Ensemble“ entstand in Großbritannien und zum ersten Mal wurden die Prinzipien der spontanen Improvisation theoretisch formuliert (vom Gitarristen und Leiter des laufenden Projekts). Unternehmen Derek Bailey). Der Verein Instant Composers Pool war in den Niederlanden tätig, das Alexander von Schlippenbach Globe Unity Orchestra in Deutschland und die erste Jazzoper wurde durch internationale Bemühungen aufgenommen. Rolltreppe über dem Hügel Carla Bley.

Doch nur wenige – darunter der Pianist Cecil Taylor, der Saxophonist und Komponist Anthony Braxton – blieben an der Wende der 1950er- und 1960er-Jahre den Prinzipien von „Sturm und Drang“ treu.

Gleichzeitig kehrten schwarze Avantgarde-Künstler – politische Radikale und Anhänger von John Coltrane (eigentlich Coltrane selbst, der 1967 starb) – Archie Shepp, die Ayler-Brüder, Pharoah Sanders – oft zu gemäßigten modalen Formen der Improvisation zurück orientalischer Herkunft (zum Beispiel Joseph Latif, Don Cherry). Ihnen folgten die Radikalen von gestern wie Carla Bley, Don Ellis und Chick Corea, die problemlos zum elektrifizierten Jazzrock wechselten.

Jazzrock.

Die Symbiose der „Cousins“ von Jazz und Rockmusik ließ lange auf sich warten. Die ersten Annäherungsversuche wurden nicht einmal von Jazzern unternommen, sondern von Rockern – Musikern der sogenannten. Brass Rock – amerikanische Gruppen „Chicago“, britische Bluesmusiker unter der Leitung des Gitarristen John McLaughlin. Sie näherten sich unabhängig voneinander dem Jazzrock außerhalb englischsprachiger Länder, zum Beispiel Zbigniew Namyslowsky in Polen.

Alle Augen waren auf den Trompeter Miles Davis gerichtet, der den Jazz erneut auf einen riskanten Weg führte. In der zweiten Hälfte der 1960er Jahre wandte sich Davis allmählich der E-Gitarre, Keyboard-Synthesizern und Rock-Rhythmen zu. 1970 veröffentlichte er das Album Bitches Brew mit mehreren Keyboardern und McLaughlin an der E-Gitarre. In den 1970er Jahren wurde die Entwicklung des Jazz-Rock (auch bekannt als Fusion) von den Musikern bestimmt, die an der Aufnahme dieses Albums beteiligt waren – die Keyboarder Joe Zawinul und Wayne Shorter gründeten die Gruppe „Weather Report“, John McLaughlin – das Quintett „Mahavishnu“. Orchestra“, der Pianist Chick Corea – das Return to Forever-Ensemble, der Schlagzeuger Tony Williams und der Organist Larry Young – das Lifetime-Quartett, der Pianist und Keyboarder Herbie Hancock nahmen an mehreren Projekten teil. Jazz rückt wieder, aber auf einem neuen Niveau, näher an Soul und Funky heran (Hancock und Corea sind beispielsweise an den Aufnahmen des Sängers Stevie Wonder beteiligt). Sogar der große Pionier-Tenorsaxophonist der 1950er Jahre, Sonny Rollins, wechselt eine Zeit lang zur funkigen Popmusik.

Ende der 1970er Jahre gab es jedoch im selben Jahr auch eine „Gegenbewegung“ zur Restaurierung des „akustischen“ Jazz – sowohl Avantgarde (Sam Rivers‘ berühmtes „Attic“-Festival 1977) als auch Hard Bop , Musiker des Miles Davis-Ensembles Die 1960er Jahre werden wieder zusammengesetzt, jedoch ohne Davis selbst, ersetzt durch den Trompeter Freddie Hubbard.

Mit dem Aufkommen einer so einflussreichen Persönlichkeit wie Wynton Marsalis in den frühen 1980er Jahren nahm der Neo-Mainstream oder, wie er auch genannt wird, der Neoklassizismus tatsächlich eine dominierende Stellung im Jazz ein.

Das bedeutet nicht, dass alles in die erste Hälfte der 1960er Jahre zurückversetzt wird. Im Gegenteil, Mitte der 1980er Jahre wurden Versuche, scheinbar sich gegenseitig ausschließende Bewegungen zu synthetisieren, immer deutlicher – zum Beispiel Hard Bop und Electric Funky in der New Yorker Vereinigung „M-base“, zu der auch die Sängerin Cassandra Wilson, Saxophonistin, gehörte Steve Coleman, die Pianistin Jeri Ellen oder die leichte elektrische Fusion des Gitarristen Pat Metheny, der sowohl mit Ornette Coleman als auch seinem britischen Kollegen Derek Bailey zusammenarbeitet. Coleman selbst stellt unerwartet ein „elektrisches“ Ensemble mit zwei Gitarristen zusammen (darunter prominente Funkmusiker – Gitarrist Vernon Reid und Bassgitarrist Jamaladin Takuma). Gleichzeitig gibt er jedoch sein Prinzip der kollektiven Improvisation gemäß der von ihm formulierten „Harmonodie“-Methode nicht auf.

Das Prinzip der Polystilistik liegt der New York Downtown School unter der Leitung des Saxophonisten John Zorn zugrunde.

Ende des 20. Jahrhunderts

Der amerikanische Zentrismus weicht einem neuen Informationsraum, der unter anderem durch neue Massenkommunikationsmittel (einschließlich des Internets) bedingt wird. Im Jazz wie auch in der Neuen Popmusik werden Kenntnisse der Musiksprachen der „Dritten Welt“ und die Suche nach einem „gemeinsamen Nenner“ zur Pflicht. Das ist indogermanische Folklore im „Sync“-Quartett von Ned Rothenberg oder eine russisch-karpatische Mischung im „Moscow Art Trio“.

Das Interesse an traditionellen Musikkulturen führt dazu, dass New Yorker Avantgarde-Künstler beginnen, die Alltagsmusik der jüdischen Diaspora zu beherrschen, und der französische Saxophonist Louis Sclavis beginnt, die bulgarische Volksmusik zu beherrschen.

War es früher möglich, im Jazz nur „durch Amerika“ berühmt zu werden (wie zum Beispiel der Österreicher Joe Zawinul, die Tschechen Miroslav Vitous und Jan Hammer, der Pole Michal Urbaniak, der Schwede Sven Asmussen, der Däne Niels Hennig Ørsted- Pedersen, der 1973 aus der UdSSR emigrierte Valery Ponomarev), nehmen nun in der Alten Welt führende Trends im Jazz Gestalt an und unterwerfen sogar die Führer des amerikanischen Jazz – wie zum Beispiel die künstlerischen Prinzipien der ESM-Kompanie (Folklore, kompositorisch geschliffen und typisch europäisch im „Sound“-Bewusstseinsstrom), formuliert vom deutschen Produzenten Manfred Eicher am Beispiel der Musik des Norwegers Jan Garbarek, bekennen sich mittlerweile auch Chick Corea, der Pianist Keith Jarrett und der Saxophonist Charles Lloyd ohne an Exklusivverträge mit diesem Unternehmen gebunden zu sein. Auch in der UdSSR entstehen unabhängige Schulen des Folk-Jazz (Weltjazz) und der Jazz-Avantgarde (die berühmte Vilnius-Schule, unter deren Gründern sich jedoch kein einziger Litauer befand: Wjatscheslaw Ganelin – aus der Region Moskau, Wladimir). Tschekasin – aus Swerdlowsk, Wladimir Tarasow – aus Archangelsk, aber zu ihren Schülern gehörte insbesondere Petras Vishniauskas). Der internationale Charakter des Mainstream- und Free-Jazz, die Offenheit der zivilisierten Welt führten zur Entstehung beispielsweise der einflussreichen polnisch-finnischen Gruppe von Tomasz Stańko – Edward Vesal oder des starken estnisch-russischen Duetts Lembit Saarsalu – Leonid Winckiewicz“ oben die Barrieren“ von Staatlichkeit und Nationalität. Die Grenzen des Jazz erweitern sich noch weiter, wenn er Alltagsmusik verschiedener Nationen anzieht – von Country bis Chanson im sogenannten. Jam-Bands.

Literatur:

Sargent W. Jazz. M., 1987
Sowjetischer Jazz. M., 1987
« Hören Sie zu, was ich Ihnen sage» . Jazzmänner über die Geschichte des Jazz. M., 2000

Seele, Schaukel?

Wahrscheinlich weiß jeder, wie eine Komposition in diesem Stil klingt. Dieses Genre entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten von Amerika und stellt eine gewisse Kombination aus afrikanischer und europäischer Kultur dar. Erstaunliche Musik erregte fast sofort Aufmerksamkeit, fand ihre Fans und verbreitete sich schnell auf der ganzen Welt.

Es ist ziemlich schwierig, einen Jazz-Musikcocktail zu vermitteln, da er Folgendes kombiniert:

• helle und lebendige Musik;
• der einzigartige Rhythmus afrikanischer Trommeln;
• Kirchenlieder von Baptisten oder Protestanten.

Was ist Jazz in der Musik? Es ist sehr schwierig, dieses Konzept zu definieren, da es scheinbar unvereinbare Motive enthält, die im Zusammenwirken miteinander der Welt einzigartige Musik verleihen.

Besonderheiten

Was sind die charakteristischen Merkmale des Jazz? Was ist Jazzrhythmus? Und was zeichnet diese Musik aus? Die charakteristischen Merkmale des Stils sind:

• ein gewisser Polyrhythmus;
• ständiges Pulsieren der Bits;
• eine Reihe von Rhythmen;
• Improvisation.

Die musikalische Bandbreite dieses Stils ist farbenfroh, hell und harmonisch. Es zeigt deutlich mehrere separate Klangfarben, die miteinander verschmelzen. Der Stil basiert auf einer einzigartigen Kombination aus Improvisation und einer vorab durchdachten Melodie. Improvisation kann sowohl von einem Solisten als auch von mehreren Musikern im Ensemble geübt werden. Hauptsache, der Gesamtklang ist klar und rhythmisch.

Jazzgeschichte

Diese Musikrichtung hat sich im Laufe eines Jahrhunderts entwickelt und geprägt. Jazz entstand aus den Tiefen der afrikanischen Kultur, als schwarze Sklaven, die aus Afrika nach Amerika gebracht wurden, um sich zu verstehen, lernten, eins zu sein. Und als Ergebnis schufen sie eine einheitliche Musikkunst.

Die Aufführung afrikanischer Melodien ist geprägt von Tanzbewegungen und dem Einsatz komplexer Rhythmen. Sie alle bildeten zusammen mit den üblichen Bluesmelodien die Grundlage für die Entstehung einer völlig neuen Musikkunst.

Der gesamte Prozess der Verbindung afrikanischer und europäischer Kultur in der Jazzkunst begann Ende des 18. Jahrhunderts, setzte sich im gesamten 19. Jahrhundert fort und führte erst am Ende des 20. Jahrhunderts zur Entstehung einer völlig neuen Richtung in der Musik.

Wann erschien Jazz? Was ist West Coast Jazz? Die Frage ist ziemlich zweideutig. Dieser Trend trat etwa gegen Ende des 19. Jahrhunderts im Süden der Vereinigten Staaten von Amerika, in New Orleans, auf.

Die Anfangsphase der Entstehung der Jazzmusik ist durch eine Art Improvisation und Arbeit an derselben Musikkomposition gekennzeichnet. Es wurde vom Hauptsolisten Trompete, Posaune und Klarinette in Kombination mit Schlaginstrumenten vor dem Hintergrund der Marschmusik gespielt.

Grundlegende Stile

Die Geschichte des Jazz begann schon vor langer Zeit und im Zuge der Entwicklung dieser Musikrichtung entstanden viele verschiedene Stilrichtungen. Zum Beispiel:

• archaischer Jazz;
• Blues;
• Seele;
• Soul-Jazz;
• Kot;
• New Orleans-Jazzstil;
• Klang;
• schwingen.

Der Geburtsort des Jazz hat den Stil dieser Musikrichtung stark geprägt. Der allererste und traditionelle Stil, der von einem kleinen Ensemble geschaffen wurde, war der archaische Jazz. Musik entsteht in Form von Improvisationen zu Blues-Themen sowie europäischen Liedern und Tänzen.

Blues kann als eine recht charakteristische Richtung angesehen werden, deren Melodie auf einem klaren Beat basiert. Diese Art von Genre zeichnet sich durch eine mitleiderregende Haltung und die Verherrlichung verlorener Liebe aus. Gleichzeitig lässt sich in den Texten leichter Humor erkennen. Jazzmusik impliziert eine Art instrumentales Tanzstück.

Traditionelle schwarze Musik gilt als eine Soul-Bewegung, die in direktem Zusammenhang mit den Blues-Traditionen steht. Der New Orleans Jazz klingt recht interessant und zeichnet sich durch einen sehr präzisen Zweitaktrhythmus sowie das Vorhandensein mehrerer separater Melodien aus. Diese Richtung zeichnet sich dadurch aus, dass das Hauptthema in verschiedenen Variationen mehrmals wiederholt wird.

In Russland

In den dreißiger Jahren erfreute sich Jazz in unserem Land großer Beliebtheit. Sowjetische Musiker lernten in den dreißiger Jahren, was Blues und Soul sind. Die Haltung der Behörden gegenüber dieser Richtung war sehr negativ. Jazzkünstler waren zunächst nicht verboten. Allerdings gab es durchaus scharfe Kritik an dieser Musikrichtung als Bestandteil der gesamten westlichen Kultur.

In den späten 40er Jahren wurden Jazzgruppen verfolgt. Im Laufe der Zeit hörten die Repressionen gegen Musiker auf, die Kritik hielt jedoch an.

Interessante und faszinierende Fakten über Jazz

Der Geburtsort des Jazz ist Amerika, wo verschiedene Musikstile kombiniert wurden. Diese Musik erschien erstmals unter den unterdrückten und entrechteten Vertretern des afrikanischen Volkes, die gewaltsam aus ihrer Heimat vertrieben wurden. In seltenen Ruhestunden sangen die Sklaven traditionelle Lieder und klatschten dabei in die Hände, da sie keine Musikinstrumente hatten.

Ganz am Anfang war es echte afrikanische Musik. Im Laufe der Zeit veränderte es sich jedoch und Motive religiöser christlicher Hymnen tauchten darin auf. Ende des 19. Jahrhunderts erschienen weitere Lieder, in denen Protest und Klagen über das eigene Leben zum Ausdruck kamen. Man begann, solche Lieder Blues zu nennen.

Als Hauptmerkmal des Jazz gilt der freie Rhythmus sowie die völlige Freiheit im melodischen Stil. Jazzmusiker mussten einzeln oder gemeinsam improvisieren können.

Seit seiner Entstehung in der Stadt New Orleans hat der Jazz einen eher schwierigen Weg zurückgelegt. Es verbreitete sich zunächst in Amerika und dann auf der ganzen Welt.

Die besten Jazzkünstler

Jazz ist eine besondere Musik voller ungewöhnlichem Erfindungsreichtum und Leidenschaft. Sie kennt keine Grenzen und Grenzen. Berühmte Jazzkünstler sind in der Lage, der Musik buchstäblich Leben einzuhauchen und sie mit Energie zu füllen.

Der berühmteste Jazzkünstler ist Louis Armstrong, der für seinen lebhaften Stil, seine Virtuosität und seinen Erfindungsreichtum verehrt wird. Armstrongs Einfluss auf die Jazzmusik ist von unschätzbarem Wert, da er der größte Musiker aller Zeiten ist.

Duke Ellington leistete einen großen Beitrag zu dieser Richtung, da er seine Musikgruppe als musikalisches Labor für die Durchführung von Experimenten nutzte. Im Laufe seiner schöpferischen Tätigkeit hat er viele originelle und einzigartige Kompositionen geschrieben.

In den frühen 80er Jahren wurde Wynton Marsalis zu einer echten Entdeckung, als er sich für akustischen Jazz entschied, was für Aufsehen sorgte und ein neues Interesse an dieser Musik weckte.

Blues

(Melancholie, Traurigkeit) - zunächst - ein lyrisches Sololied amerikanischer Schwarzer, später - eine Richtung in der Musik.

In den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts entstand der klassische Blues, der auf einer 12-taktigen Periode basierte, die einer dreizeiligen poetischen Form entsprach. Blues war ursprünglich Musik, die von Schwarzen für Schwarze gespielt wurde. Nach dem Aufkommen des Blues im Süden der USA begann er sich im ganzen Land auszubreiten.

Die Blues-Melodie zeichnet sich durch eine Frage-Antwort-Struktur und die Verwendung der Blues-Skala aus.

Der Blues hatte großen Einfluss auf die Entstehung der Jazz- und Popmusik. Elemente des Blues wurden von Komponisten des 20. Jahrhunderts verwendet.

Archaischer Jazz

Archaischer (früher) Jazz– Bezeichnung der ältesten, traditionellen Jazzarten, die es seit der Mitte des letzten Jahrhunderts in einigen Südstaaten der USA gibt.

Der archaische Jazz wurde insbesondere durch die Musik schwarzer und kreolischer Blaskapellen des 19. Jahrhunderts repräsentiert.

Die Zeit des archaischen Jazz ging der Entstehung des New Orleans (klassischen) Stils voraus.

New Orleans

Die amerikanische Heimat, in der der Jazz selbst entstand, gilt als Stadt der Lieder und Musik – New Orleans.
Obwohl umstritten ist, dass der Jazz in ganz Amerika und nicht nur in dieser Stadt entstanden ist, hat er sich hier am stärksten entwickelt. Darüber hinaus wiesen alle alten Jazzmusiker auf das Zentrum hin, das sie als New Orleans betrachteten. New Orleans bot das günstigste Umfeld für die Entwicklung dieses Musiktrends: Es gab eine große schwarze Gemeinschaft und ein großer Prozentsatz der Bevölkerung waren Kreolen; Hier entwickelten sich viele Musikrichtungen und Genres aktiv, deren Elemente später in die Werke berühmter Jazzmusiker aufgenommen wurden. Verschiedene Gruppen entwickelten ihre eigenen Musikstile, und Afroamerikaner schufen aus einer Kombination von Bluesmelodien, Ragtime und ihren eigenen Traditionen eine neue Kunst, die keine Analogien hat. Die ersten Jazzaufnahmen bestätigen das Vorrecht von New Orleans bei der Entstehung und Entwicklung der Jazzkunst.

Dixieland

(Dixie Country) ist eine umgangssprachliche Bezeichnung für die Südstaaten der Vereinigten Staaten, eine der Spielarten des traditionellen Jazz.

Die meisten Blues-Sänger, Boogie-Woogie-Pianisten, Jazzmusiker und Jazzbands kamen aus dem Süden nach Chicago und brachten die Musik mit, die bald den Spitznamen „Dixieland“ erhielt.

Dixieland– die weiteste Bezeichnung für den Musikstil der frühesten Jazzmusiker aus New Orleans und Chicago, die zwischen 1917 und 1923 Schallplatten aufnahmen.

Einige Historiker führen Dixieland nur auf die Musik weißer Bands zurück, die im New Orleans-Stil spielten.

Dixieland-Musiker suchten nach einer Wiederbelebung des klassischen New Orleans Jazz.

Diese Versuche waren erfolgreich.

Boogie Woogie

Piano-Blues-Stil, eine der frühesten Spielarten schwarzer Instrumentalmusik.

Ein Stil, der sich für ein breites Zuhörerpublikum als sehr zugänglich erwies.

Vollstimmig Boogie-Woogie-Stil entstand aufgrund des zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstandenen Bedarfs, Pianisten einzustellen, um Orchester in preiswerten Honky-Tonk-Cafés zu ersetzen. Um ein ganzes Orchester zu ersetzen, erfanden Pianisten verschiedene rhythmische Spielweisen.

Charakteristische Merkmale: Improvisation, technische Virtuosität, eine besondere Art der Begleitung – motorische Ostinato-Figuration in der linken Hand, eine Lücke (bis zu 2-3 Oktaven) zwischen Bass und Melodie, Kontinuität der rhythmischen Bewegung, Verzicht auf die Verwendung eines Pedals .

Vertreter des klassischen Boogie-Woogie: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee.

Folk-Blues

Archaischer Akustik-Blues, basierend auf der ländlichen Folklore der schwarzen Bevölkerung der Vereinigten Staaten, im Gegensatz zum klassischen Blues, der überwiegend städtische Existenzen hatte.

Folk-Blues- Dies ist eine Art Blues, der in der Regel nicht auf elektrischen Musikinstrumenten gespielt wird. Es deckt ein breites Spektrum an Spiel- und Musikstilen ab und kann unprätentiöse, einfache Musik umfassen, die auf Mandoline, Banjo, Mundharmonika und anderen nicht-elektrischen Instrumenten gespielt wird, die wie Jug-Bands gestaltet sind und einen Eindruck von grober, etwas informeller Musik erwecken. Mit einem Wort, das ist echte Volksmusik, gespielt vom Volk und für das Volk.

Im Folk-Blues gab es einflussreichere Sänger als Blind Lemon Jefferson, Charley Patton und Alger Alexander.

Seele

(wörtlich – Seele); der beliebteste Musikstil der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts, der sich aus der Kultmusik amerikanischer Schwarzer entwickelte und viele Elemente des Rhythm and Blues entlehnte.

Es gibt mehrere Trends in der Soulmusik, von denen die wichtigsten der sogenannte „Memphis“- und „Detroit“-Soul sowie der „weiße“ Soul sind, der vor allem für Musiker aus Europa charakteristisch ist.

Funk

Der Begriff entstand im Jazz der 50er Jahre des 20. Jahrhunderts. Der „Funk“-Stil ist eine direkte Fortsetzung der „Soul“-Musik. Eine der Formen des Rhythm and Blues.

Die ersten Interpreten dessen, was später als „Funk“-Musik klassifiziert wurde, waren Jazzmusiker, die in den späten 50er und frühen 60er Jahren eine energiegeladenere, spezifischere Art von Jazz spielten.

Funk ist in erster Linie Tanzmusik, die ihre musikalischen Eigenschaften bestimmt: die extreme Synkopierung der Stimmen aller Instrumente.

Funk zeichnet sich durch eine prominente Rhythmusgruppe, eine scharf synkopierte Bassgitarrenlinie, Ostinato-Riffs als melodisch-thematische Grundlage der Komposition, einen elektronischen Sound, beschwingten Gesang und ein schnelles Musiktempo aus.

James Brown und George Clinton gründeten mit den Gruppen PARLAMENT/FUNKDEIC eine experimentelle Funk-Schule.

Klassische Funk-Platten stammen aus der Wende der 1960er und 1970er Jahre.

kostenloser Funk

Kostenloser Funk– eine Mischung aus Avantgarde-Jazz mit Funk-Rhythmen.

Als Ornette Coleman Prime Time gründete, wurde daraus ein „Doppelquartett“ (bestehend aus zwei Gitarristen, zwei Bassisten und zwei Schlagzeugern sowie seinem Alt), das Musik in freien Tonarten, aber mit exzentrischen Funk-Rhythmen spielte. Drei Mitglieder von Colemans Band (Gitarrist James Blood Ulmer, Bassist Jamaaladin Takuma und Schlagzeuger Ronald Shannon Jackson) gründeten später ihre eigenen Free-Funk-Projekte, und Free-Funk war ein großer Einfluss von M-Bass-Künstlern, darunter den Bratschisten Steve Coleman und Greg Osby.
Schwingen

Bop- ein Jazzstil, der sich Mitte der 40er Jahre des 20. Jahrhunderts entwickelte und sich durch schnelles Tempo und komplexe Improvisationen auszeichnet, die eher auf dem Spielen von Harmonien als auf Melodien basieren. Bebop revolutionierte den Jazz; Boppers schufen neue Ideen darüber, was Musik ist.

Die Bebop-Phase markierte eine deutliche Verlagerung des Schwerpunkts des Jazz von melodiebasierter Tanzmusik hin zur weniger populären, eher rhythmusbasierten „Musik für Musiker“. Bop-Musiker bevorzugten komplexe Improvisationen, die auf klimpernden Akkorden statt auf Melodien basierten.

Bebop war schnell, hart und „grausam gegenüber dem Zuhörer“.

Jazz-Progressiv

Parallel zum Aufkommen des Bebop entwickelte sich unter dem Jazz ein neues Genre – Progressive Jazz. Der Hauptunterschied dieses Genres ist der Wunsch, sich vom eingefrorenen Klischee der Big Bands und veralteten Techniken der sogenannten Big Bands zu lösen. Symphonischer Jazz.

Die Musiker, die Progressive Jazz spielten, versuchten, Swing-Phrasen-Modelle zu aktualisieren und zu verbessern, indem sie die neuesten Errungenschaften der europäischen Symphonie auf dem Gebiet der Tonalität und Harmonie in die Kompositionspraxis einführten. Den größten Beitrag zur Entwicklung von „Progressive“ leistete Stan Kenton. Der Klang der von seinem ersten Orchester dargebotenen Musik ähnelte dem Stil Sergej Rachmaninows, und die Kompositionen trugen Züge der Romantik.

Die Reihe der aufgenommenen Alben „Artistry“, „Miles Ahead“ und „Spanish Drawings“ kann als eine Art Apotheose der Entwicklung progressiver Musik angesehen werden.

(Cooler Jazz), einer der Stile des modernen Jazz, der an der Wende der 40er und 50er Jahre des 20. Jahrhunderts auf der Grundlage der Entwicklung der Errungenschaften von Swing und Bop entstanden ist.

Der Trompeter Miles Davis, einer der Pioniere des Bebop, wurde zum Innovator des Genres.

Cool Jazz zeichnet sich durch Merkmale wie eine leichte, „trockene“ Klangfarbe, Zeitlupe und eingefrorene Harmonie aus, die die Illusion von Raum erzeugt. Auch Dissonanzen spielten eine gewisse Rolle, allerdings mit einem sanfteren, gedämpften Charakter.

Der Saxophonist Lester Young führte als Erster den Begriff „cool“ ein.

Die bekanntesten Kula-Musiker sind: Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, „Shorty“ Rogers .
Mainstream

(buchstäblich - Hauptstrom); ein Begriff in Bezug auf eine bestimmte Periode des Swing, in der es den Künstlern gelang, die etablierten Klischees dieses Stils zu vermeiden und die Traditionen des Black Jazz fortzuführen und Elemente der Improvisation einzuführen.

Der Mainstream zeichnet sich durch eine einfache, aber ausdrucksstarke Melodielinie, traditionelle Harmonie und einen klaren Rhythmus mit ausgeprägtem Drive aus.

Hauptdarsteller: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins und die Big-Band-Leader Duke Ellington und Benny Goodman.

(harter, harter Bop), Stilrichtung des modernen Jazz.

Es ist eine Fortsetzung der Traditionen des klassischen Rhythm and Blues und Bebop.

Er entstand in den 50er Jahren des 20. Jahrhunderts als Reaktion auf den Akademismus und die europäische Ausrichtung des Cool- und Westcoast-Jazz, der zu dieser Zeit seine Blütezeit erreicht hatte.

Die charakteristischen Merkmale des frühen Hard Bop sind das Vorherrschen einer streng akzentuierten rhythmischen Begleitung, die Stärkung von Blues-Elementen in Intonation und Harmonie, die Tendenz, das Gesangselement in der Improvisation offenzulegen, und eine gewisse Vereinfachung der Musiksprache.

Die Hauptvertreter des Hard Bop sind überwiegend schwarze Musiker.

Das erste Ensemble dieser Stilrichtung, das auf Schallplatten aufgenommen wurde, war Art Blakeys Quintett JAZZ MESSENGERS (1954).

Weitere führende Musiker: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

(wörtlich – Fusion, Fusion), eine moderne Stilrichtung, die auf der Grundlage des Jazzrock entstand, einer Synthese aus Elementen europäischer akademischer Musik und außereuropäischer Folklore. Ausgehend von der Fusion von Jazz mit Popmusik und Rock entstand Ende der 1960er Jahre Fusion als Musikgenre unter dem Namen Jazz-Rock.

Larry Coryell, Tony Williams und Miles Davis führten Elemente wie Elektronik, Rockrhythmen und ausgedehnte Tracks ein und eliminierten dabei einen Großteil dessen, worauf der Jazz basierte – den Swing-Beat.

Eine weitere Änderung gab es im Bereich des Rhythmus, wo der Swing entweder überarbeitet oder ganz ignoriert wurde. Pulsation und Metrum waren bei der Interpretation des Jazz kein wesentliches Element mehr.

Free Jazz existiert bis heute als praktikable Ausdrucksform und ist tatsächlich kein so umstrittener Stil mehr, wie er in seinen Anfängen wahrgenommen wurde.

Die Verschmelzung lateinischer rhythmischer Elemente war im Schmelztiegel der Kulturen, der in New Orleans entstand, fast von Anfang an präsent. Der Einfluss der lateinamerikanischen Musik verbreitete sich im Jazz nicht nur auf Orchester und Bands mit erstklassigen Latino-Improvisatoren, sondern auch auf eine Kombination aus lokalen und lateinamerikanischen Künstlern, wodurch einige der aufregendsten Bühnenmusiken entstanden.

Und doch erleben wir heute die Vermischung immer mehr Weltkulturen, die uns immer näher an das heranführt, was im Wesentlichen bereits zur „Weltmusik“ (Weltmusik) wird.

Der heutige Jazz kann nicht mehr anders, als von Klängen beeinflusst zu werden, die aus fast allen Teilen der Welt in ihn eindringen.

Die potenziellen Möglichkeiten für die Weiterentwicklung des Jazz sind derzeit recht groß, da die Wege zur Talententwicklung und die Ausdrucksmittel unvorhersehbar sind und sich durch die gemeinsamen Anstrengungen verschiedener Jazz-Genres, die heute gefördert werden, vervielfachen.

Jazz ist eine besondere Musikrichtung, die sich vor allem in den USA großer Beliebtheit erfreut. Ursprünglich war Jazz die Musik schwarzer Bürger der Vereinigten Staaten, doch später nahm diese Richtung völlig andere Musikstile auf, die sich in vielen Ländern entwickelten. Wir werden über diese Entwicklung sprechen.

Das wichtigste Merkmal des Jazz, sowohl ursprünglich als auch heute, ist der Rhythmus. Jazzmelodien kombinieren Elemente afrikanischer und europäischer Musik. Aber der Jazz erlangte seine Harmonie dank europäischem Einfluss. Das zweite Grundelement des Jazz ist bis heute die Improvisation. Jazz wurde oft ohne vorbereitete Melodie gespielt: Erst während des Spiels wählte der Musiker die eine oder andere Richtung und gab seiner Inspiration nach. So entstand Musik direkt vor den Augen der Zuhörer, während der Musiker spielte.

Im Laufe der Jahre hat sich der Jazz verändert, dennoch ist es ihm gelungen, seine Grundzüge beizubehalten. Einen unschätzbaren Beitrag zu dieser Richtung leisteten die bekannten „Blues“ – nachklingende Melodien, die auch für Schwarze charakteristisch waren. Heutzutage sind die meisten Blues-Melodien ein fester Bestandteil des Jazz-Genres. Tatsächlich hat der Blues nicht nur auf den Jazz einen besonderen Einfluss ausgeübt: Auch Rock'n'Roll, Country und Western verwenden Blues-Motive.

Wenn man über Jazz spricht, muss man unbedingt die amerikanische Stadt New Orleans erwähnen. Dixieland, wie der New Orleans Jazz genannt wurde, war der erste, der Bluesmotive, schwarze Kirchenlieder und Elemente europäischer Volksmusik kombinierte.
Später erschien der Swing (im „Big-Band“-Stil auch Jazz genannt), der ebenfalls eine breite Entwicklung fand. In den 40er und 50er Jahren erfreute sich der „Modern Jazz“ großer Beliebtheit, der ein komplexeres Zusammenspiel von Melodien und Harmonien darstellte als der frühe Jazz. Es ist eine neue Herangehensweise an den Rhythmus entstanden. Musiker versuchten, neue Werke mit unterschiedlichen Rhythmen zu erfinden, wodurch die Technik des Trommelns komplizierter wurde.

Die „neue Welle“ des Jazz eroberte in den 60er Jahren die Welt: Sie gilt als der Jazz der oben genannten Improvisationen. Beim Auftritt konnte das Orchester nicht vorhersagen, in welche Richtung und in welchem ​​Rhythmus es spielen würde; keiner der Jazzmusiker wusste im Voraus, wann die Änderung des Tempos und der Geschwindigkeit des Auftritts erfolgen würde. Und es muss auch gesagt werden, dass ein solches Verhalten der Musiker nicht bedeutet, dass die Musik unerträglich war: Im Gegenteil, es hat sich ein neuer Ansatz für die Aufführung bereits bestehender Melodien herausgebildet. Wenn wir die Entwicklung des Jazz verfolgen, können wir davon überzeugt sein, dass es sich um eine sich ständig verändernde Musik handelt, die jedoch über die Jahre hinweg nicht an Fundament verliert.

Fassen wir zusammen:

• Zunächst war Jazz die Musik der Schwarzen;
• Zwei Grundsätze aller Jazzmelodien: Rhythmus und Improvisation;
• Blues – hat einen großen Beitrag zur Entwicklung des Jazz geleistet;
• New Orleans Jazz (Dixieland) kombinierte Blues, Kirchenlieder und europäische Volksmusik;
• Swing ist eine Richtung des Jazz;
• Mit der Entwicklung des Jazz wurden die Rhythmen komplexer und in den 60er Jahren frönten Jazzorchester bei Auftritten wieder der Improvisation.