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In dieser Theatersaison habe ich eine Tradition – ich gehe zu allen Musicals zweimal. Heute habe ich „Anna Karenina“ zum zweiten Mal im Operettentheater besucht. Und das ist mein absoluter Favorit, in dem alles schön ist – Musik, Texte, Handlung, Schauspieler, Kostüme, Bühnenbild. Ich werde zum dritten Mal wiederkommen! Wir müssen alle drei Annas und den zweiten Wronski sehen.

Es gab viele Künstler im heutigen Line-up, die ich beim letzten Mal nicht gesehen habe. Die größte Freude bereitet Valeria Lanskaya in der Rolle der Anna Karenina. Ich habe diese Schauspielerin schon lange aus anderen Musicals des Operettentheaters und aus Zorro geliebt, und die Rolle der Karenina ist absolut ihre Rolle. Es ist, als wären alle vorherigen Rollen Schritte in Richtung Anna. Das erste Mal begegnete ich Anna-Olga Belyaeva, und trotz aller Schönheit dieser Schauspielerin hatte ich in ihrer Anna nicht genug dramatisches Schauspiel und Stimme. Lanskaya ist die ideale Karenina, leidenschaftlich, verliebt, leidend, erschöpft... Ich würde schauen und schauen, zuhören und zuhören! Belyaeva hatte eine verliebte Frau, die von ihrem Geliebten verlassen wurde. Lanskaya erwies sich als eine echte tragische Heldin, sehr tiefgründig, mit blanken Nerven und blutendem Herzen.

Wronski – Sergej Li. Stattlich, mutig, edel... Wunderschöner Gesang in Soli und Duetten mit Anna. Ich glaube, das Herz jedes Zuschauers im Saal schlägt höher, wenn dieser Wronski mit einer breiten Geste Anna die ganze Welt zu Füßen wirft mit den Worten „Bitte, Königin.“ Aber dennoch stelle ich mir Tolstois Helden äußerlich nicht so vor. Ich möchte Dmitry Ermak immer noch in dieser Rolle sehen.

Karenin – Alexander Marakulin. Berühmter Musicaldarsteller des Operettentheaters, wunderschöne Stimme. Es war interessant, ihn in dieser Rolle zu sehen. Dennoch gilt mein virtueller Blumenstrauß Igor Balalaev, den ich das letzte Mal als Karenin gesehen habe. Es schien mir, dass sein Held Anna mehr liebt und unter ihrer Undankbarkeit leidet. Marakulin hingegen ist durch den Verrat seiner Frau mehr verletzt als geistig verletzt und macht sich mehr Sorgen um seinen beschädigten Ruf als um seine zerrüttete Familie.
Kitty - Natalya Bystrova. Als ich das letzte Mal von Daria Yanvarina verzaubert wurde, wurde mein Traum dieses Mal wahr – ich sah Bystrova. Beide Schauspielerinnen sind charmant und romantisch, man kann sich in beide hineinversetzen und beide haben goldene Stimmen. In dieser Kategorie wird es keine Favoriten geben, beide sind gut!

Levin - Denis Demkiv. Auch ein neuer Schauspieler für mich. In der Rolle des Levin gefiel er mir sowohl optisch als auch dramaturgisch besser als Vladislav Kiryukhin. Kiryukhins Levin war zu lächerlich und ungeschickt, deshalb glaubte ich nicht ganz an Kittys Liebe zu ihm. Damkiv spielt seine Figur romantischer und berührender und zusammen mit Bystrova bildeten sie ein sehr sanftes und helles Duett. Im Gegensatz zur zerstörerischen Leidenschaft von Karenina und Wronski ist dieses Paar die Verkörperung von Liebe und Harmonie.

Stiva Oblonsky – Andrey Alexandrin. Beim letzten Mal glänzte Maxim Novikov in dieser Rolle mit dem feurigen Solo „Du musst einfacher, einfacher, einfacher leben.“ Alexandrin ist auch gut – mäßig imposant, stolz, ein gutaussehender Mann!

Prinzessin Betsy - Natalya Sidortsova. Die ehemalige Katharina die Große aus „Graf Orlow“ brachte Eindrucksvollheit, Schärfe und Kompromisslosigkeit in die Rolle der Prinzessin Betsy. Karine Asiryan, die ich zum ersten Mal sah, schien mir eine eher säkulare, neugierige Klatschtante zu sein. Sie denunziert Anna eher aus Langeweile als aus Verurteilung. Und Sidortsovas Betsy ist gefährlicher und heimtückischer – sie hält sich für eine Richterin und Moralverkünderin, und die Verfolgung, die sie Anna bei der Premiere der Oper zufügt, sieht noch dramatischer aus.

Manager – Andrey Birin. Mein Lieblingscharakter aus der ersten Serie. Es gibt zwei weitere Darsteller dieser Rolle, aber ich möchte sie nicht einmal vergleichen. Ich bin sehr froh, dass ich zum zweiten Mal nach Birin gekommen bin. Seine tiefe Stimme und seine anzüglichen Gewohnheiten sind der Höhepunkt des Musicals, und die Figur, die nicht im Roman vorkommt, spielt eine der führenden und denkwürdigsten Rollen im Musical.

Patti - Olga Kozlova. Ich kann mich nicht erinnern, wer das letzte Mal gespielt hat. Aber damals wie heute – Patti ist einfach genial und ihre Stimme ist vergleichbar mit dem Gesang von Engeln. Ich würde zuhören und zuhören! Ich möchte, dass eine Patti wie diese zu einem Solokonzert geht.

Gräfin Wronskaja – Anna Gutschenkowa. Zuletzt war da noch die prächtige Lika Rulla, vom Alter her besser geeignet, Wronskis Mutter zu sein, und verhält sich ihrem „Sohn“ entsprechend strenger und gebieterischer. Der Konflikt der Charaktere bei diesem Paar ist schärfer – beide sind starke Persönlichkeiten und jeder möchte auf sich allein gestellt bestehen. Die Mutter möchte, dass ihr Sohn ihren Willen erfüllt, doch der Sohn rebelliert und erinnert ihn daran, dass er erwachsen geworden ist und keine Einmischung in sein Leben dulden wird. Die mit Make-up gealterte junge Anna Guchenkova steht ihrer älteren Kollegin in Sachen Schauspiel und Gesang in nichts nach; sie hat bereits viele Rollen in Musicals. Aber ihre Interpretation der Rolle der Wronskaja ist anders – ihre Heldin schien mir keine so starke Persönlichkeit zu sein wie die von Lika Rulla. Sie ist eher eine Schwächlingsmutter, die sich Sorgen um ihren Sohn macht und ihm alles Gute wünscht, aber keinen Einfluss auf ihn hat, sondern nur Ratschläge gibt.

Ich bin sehr zufrieden mit dem Musical, auch wenn es das zweite Mal ist – aber die beiden Acts sind immer noch ein Kinderspiel. Ich bin froh, dass ich Valeria Lanskaya gesehen habe, sie hat dem Musical noch mehr Dramatik und Leidenschaft verliehen. Ich kann es jedem wärmstens empfehlen – Anna Karenina ist es wert, mindestens einmal gesehen zu werden. Und ich komme zum dritten Mal – für lebendige Eindrücke und Gänsehautmomente bei Live-Auftritten und toller Musik.

Heute Abend gingen meine Frau und ich ins Operettentheater, um uns dieses Musical anzusehen.
Ich wollte es schon lange. Auf keinen Fall. Und so beschlossen sie, es wie immer spontan zu tun. Ohne Tickets in der Hand. Meine Frau machte sich Sorgen – wie würden wir reinkommen, wenn im Internet stand, dass alle Tickets verkauft seien? Ich war ruhig. Und meine Intuition hat mich nicht enttäuscht.
An der Abendkasse war nur der Balkon der 2. Etage, der letzten Reihe, zum Verkauf. 400 Rubel pro Stück. Im Allgemeinen mitten im Nirgendwo. „So eine Eishockey-Situation brauchen wir nicht“, entschied ich und wir gingen nach draußen. Dann kam ein stacheliger, intelligenter Typ auf uns zu und bot Eintrittskarten für das Amphitheater für 2500 Re an. Ich wusste, dass es dort günstiger ist, aber meine Frau wollte so sehr ins Musical gehen, dass ich einen roten Zettel hervorholte und ihn meinem Onkel gab. Später stellte sich heraus, dass zu meiner Linken zwei Damen saßen, die ebenfalls Tickets im Spikul kauften, allerdings für 3.000 Rubel. Und zu unserer Rechten landete ein Paar, das es schaffte, Tickets für 4.500 pro Person zu kaufen. Wir haben also finanziell noch nicht so viel gelitten. In Bezug auf Nachbarn.
Aber die Orte waren leider nicht großartig. Reihe 7, letztes Amphitheater. Es gibt nur eine Wand auf der Rückseite. Wenn Sie zu diesem Musical gehen möchten, kaufen Sie besser die 1. Reihe des Kleiderkreises, von dort aus können Sie wunderbar sehen. Allerdings hatte ich zweifellos einen Vorteil: Ich konnte das Geschehen mit einer Videokamera filmen, denn hinter mir befanden sich keine Cerberus-Ticketwärter, die auf solche Versuche sofort reagierten. Und dank dessen habe ich viele Aufnahmen des Musicals gemacht und außerdem ein 10-minütiges Video gedreht.

Kurz zum Eindruck. Ich habe noch nie in meinem Leben ein besseres Musical gesehen. Wir hatten auch das Glück, in die erste Mannschaft aufgenommen zu werden. Die Rolle der Anna Karenina wurde von der Großartigen gespielt Katya Guseva, und die Rolle von Wronski ist Dmitri Ermak. Er ist derjenige, der das Solo im Musical „Das Phantom der Oper“ spielte.

Hier sind sie in einer der Szenen des Musicals.

Der Schauplatz des Treffens am Bahnhof: Anna reist nach St. Petersburg.

Levin (Vladislav Kiryukhin) und Kitty Shcherbitskaya (Natalia Bystrova).

Gräfin Wronskaja (Anna Gurchenkova)

Stiva Oblonsky (Andrey Alexandrin)

Unvergleichliche Katya Guseva (Anna Karenina)

Die Künstler verbeugen sich.

Die Stimmung nach dem Auftritt war super! Ich werde nun auf die Veröffentlichung der Vollversion des Musicals im Internet warten. Sie sagen, dass die DVD für zukünftige Verkäufe entfernt wird.
Ich empfehle jedem wärmstens, Anna Karenina zu besuchen. Mir hat dort buchstäblich alles gefallen! Musik, Stimmen, Schauspiel, Bühnenbild, Kostüme. Und was mich sehr beeindruckt hat, ist, dass man jedes Wort der Darsteller hören kann. Das passiert nicht immer. Beispielsweise übertönte die Musik in „Graf Orlow“ oft die Stimme des Sängers oder der Sängerin. Erst später wurde mir alles klar, nachdem ich mir einen Videoclip angesehen hatte. Und hier - völlige Klarheit.

Punktzahl - 10 von 10 Punkten!

Abschließend – mein Video aus Fragmenten des Musicals.

Meiner Rezension des Musicals „Anna Karenina“ muss ich eine kurze Einleitung voranstellen. Also eine Warnung: Wenn Sie eine zärtliche Einstellung zu dieser Aufführung haben, Kritik kaum ertragen können und vor allem, wenn Sie selbst an der Produktion beteiligt sind, schließen Sie sofort diese Seite und lesen Sie Rezensionen anderer Autoren. Ohne meine Schriften kommst Du gut zurecht und Deine Nerven bleiben intakt.

Nun, die Saison der Musicalpremieren hat begonnen. Und ich habe es persönlich geöffnet "Anna Karenina". Es stimmt, ich kam unerwartet noch vor der offiziellen Premiere zur Show (nochmals vielen Dank an alle, die dazu beigetragen haben) und hatte keine Ahnung, welche Art von Besetzung mir versprochen wurde. Umso größer war die Freude, nachdem ich das Programm gekauft und die Namen der Künstler erfahren hatte, die an diesem Tag spielten. Wirklich, wenn ich den Termin für den Besuch des Operettentheaters persönlich, lange und überlegt hätte, hätte ich kein besseres Ergebnis erzielt.

Ein Problem: Ich war von vornherein fest davon überzeugt, dass aus der Idee, Lew Nikolajewitsch auf die Musicalbühne zu verlegen, nichts Gutes werden würde. Zumindest in diesem Fall. Weil die Beispiele zu aufschlussreich waren (nun, wie können wir darüber schweigen).

Aber ich hoffte immer noch zaghaft auf das Beste. Was ist, wenn es explodiert? Leider hat es nicht geklappt. Schon nach der ersten Szene habe ich meine Meinung zu „Anna Karenina“ formuliert, an der sich seitdem kein Jota geändert hat: Es ist Mist.

Nein, nein, als ich das Theater verließ und krampfhaft vor dem Eingang rauchte und vergeblich versuchte, zur Besinnung zu kommen, hörte ich natürlich mit diesen Ohren die vielfältigen Freuden anderer Zuschauer. Aber der musikalische Gott wird sie richten, diese anspruchslosen und alles fressenden, freundlichen Menschen.

Ich habe lange darüber nachgedacht, wie ich eine Rezension schreiben soll. Denn das allumfassende: „Das ist ein Mist!“ – wird sicherlich das Maximum meiner Gefühle und Emotionen vermitteln, aber keine Details preisgeben. Das böswillige Fluchen wird ab dem zweiten Absatz langweilig und die Beinamen im Text beginnen sich schnell zu wiederholen. Und dann wurde ich an ein Meisterwerk-Memo an einen Theaterkritiker erinnert. Dieses hier:

„Eureka!“ rufen — Ich habe die Tarantella getanzt und fange nun an, eine Rezension nach dem passenden Schema zu schreiben...

Am 8. Oktober fand im Operettentheater die lang erwartete Premiere des Musicals „Anna Karenina“ statt. Fans des Genres erwarteten dieses Spektakel und genossen die vermeintlichen Details der Handlung, denn die dem Publikum bekannte Alina Chevik war an der Inszenierung beteiligt.

Dieser Regisseur hat seinen ganz eigenen Stil, den man vom ersten Moment an erkennt. Tatsächlich möchte man, sobald sich der Vorhang öffnet, sofort ausrufen: „Ja, das ist Chevik!“

Die besten Entdeckungen des Regisseurs werden von Aufführung zu Aufführung übertragen. Dazu gehören die charakteristische Inszenierung, unzählige Tänze und die Möglichkeit, dass die Künstler selbst nach der Tiefe der Rolle suchen können, ohne jeglichen Regiedruck von oben. Man kann die Regisseurin verstehen: Warum das Fahrrad neu erfinden, wenn sie vor vielen Jahren genau dieselben Goldgruben gefunden hat, die es ihr ermöglichen, zur großen Freude des Publikums dieselben Techniken anzuwenden?

Einem sarkastischen Zuschauer fällt vielleicht auf, dass es schwierig ist, zu erkennen, welche Art von Aufführung er heute sieht. Schließlich beobachtet er in allen Projekten Ceviks ähnliche Tänze, Dialoge und Kostüme. Dieser Bemerkung kann ich nicht zustimmen. Denken Sie selbst: Vor dem Theatereingang hängt ein Plakat, auf dem der Name der heutigen Aufführung steht. Wie kann man es lesen und nicht verstehen, was man einem auf der Bühne genau zeigt?

Es wurde viel Arbeit geleistet , denn es galt nicht nur, die erfolgreichsten Inszenierungselemente von „Monte Christo“ und „Graf Orlow“ auszusondern, sondern sie auch für „Anna Karenina“ in die richtige Reihenfolge zu bringen.

Besonders hervorheben möchte ich die einfache Präsentation des Materials. Wie Sie wissen, gehen die unterschiedlichsten Zuschauer ins Theater, darunter auch solche, die zufällig im Kunsttempel landen. Das bedeutet, dass der Regisseur die Inszenierung nicht zu protzig und mit vielschichtigen Plänen überladen machen sollte.

Wie Sie wissen, ist das Musical ein unterhaltsames Genre. Daher trägt der Regisseur, der sich einer traurigen Geschichte mit tragischem Ende widmet, eine doppelte Verantwortung. Dem Publikum muss die Möglichkeit gegeben werden, sich zu entspannen und nicht zu sehr in Verzweiflung zu verfallen. Cevik meistert diese Aufgabe meisterhaft und lässt hinter den Kulissen alle Momente zurück, die mehrdeutig interpretiert werden könnten ... oder zumindest einfach irgendwie interpretiert werden könnten.

Dadurch ist es Alina gelungen, eine Leistung zu erbringen, die ohne Zweifel als Höhepunkt ihres Könnens bezeichnet werden kann. Die Bewegungen und Tricks des Autors aus früheren Produktionen sind mittlerweile zu den Haupttechniken des Regisseurs geworden. Chevik hetzt nicht herum und betreibt keine kreative Forschung. Mit Hilfe eines erfahrenen Meisters sät sie großzügig in den Boden ihrer öffentlich erprobten Leistungslösungen.

Eine merkwürdige Interpretation des Stücks ermöglichte es, den größten Teil von Tolstois Roman hinter den Kulissen zu lassen. Tatsächlich sind zwei Stunden eines Musicals ein zu enger Rahmen, um alle Feinheiten der Handlung abzudecken. Deshalb beobachten wir in Anna Karenina eine lineare Erzählung, die nicht durch nebensächliche Details abgelenkt wird. Das bedeutet, dass auch Zuschauer, die den Roman noch nie gelesen haben, verstehen, was auf der Bühne passiert.

Es besteht möglicherweise das Gefühl, dass die Grenze zwischen Levin und Kitty unnötig ist, da sich diese Charaktere nur minimal mit dem Rest der Handlung überschneiden. Lassen Sie mich diese These noch einmal in Frage stellen. Denken Sie selbst: Wenn Levin außerhalb der Handlung geblieben wäre, wie könnten wir dann die Peisan-Szenen mit Roggen und blauem Himmel auf der Leinwand genießen?

Sowohl die Regisseurin als auch die Autorin des Librettos – die ständige Yuli Kim – kennen die Grundregel des Musicals: Damit dem Publikum keine Langeweile aufkommt, bedarf es nicht nur lebhaften Tanzens, sondern auch eines Szenenwechsels und damit eines Veränderung des Gesamtbildes und der Projektionen auf der Leinwand, die das Publikum mit einem Knall akzeptiert (niemand, ich werde nicht bestreiten, dass diese Technik in unserer Zeit immer noch innovativ aussieht).

Skeptiker mögen sagen, dass sich die Aufführung als langweilig und uninteressant herausstellte und ihr Ende vorhersehbar war. Man sagt, dass es den Autoren gelungen sei, eine bekannte Handlung so darzustellen, dass man sie immer wieder sehen möchte, aber „Karenina“ sei gescheitert. Und wieder ein Fehler.

„Anna Karenina“ ist eine Geschichte, die den Machern nicht nur die Möglichkeit gibt, eine Liebesgeschichte zu erzählen, sondern den Zuschauer auch mit der Pracht des 19. Jahrhunderts zu beeindrucken, ihn in die Geschichte des eigenen Landes eintauchen zu lassen und ihn in das Leben dieses Landes einzuführen der Adel und der Chic (nicht umsonst werden diese Thesen in Pressemitteilungen endlos wiederholt).

Vielleicht richtet sich das Musical „Anna Karenina“ in erster Linie nicht an den Geist und das Gehör des Publikums, sondern an einen anderen, nicht minder bedeutsamen Sinn – die Vision. Schicke Kostüme (bei der Erstellung wurde erneut die Regel „Nehmen Sie das Beste aus vergangenen Projekten“ angewendet), pompöse Verwandlungskulissen (und hier wurde die reiche Erfahrung früherer Produktionen genutzt), endlose Projektionen – all diese Pracht wird in den Vordergrund gerückt und spielt die erste Geige.

Was die poetischen Texte angeht, kann man nicht umhin, den Versuch des Autors zu bemerken, der Öffentlichkeit ihre Bedeutung so klar wie möglich zu vermitteln. Die meisten Sätze werden mehrmals wiederholt, sodass auch der unaufmerksamste Betrachter erkennt, worüber die Charaktere sprechen.

Besonderes Lob gilt dem Wortschöpfungsversuch. Erinnern wir uns an den Satz: „Patti ist heiß begehrt.“ Wir alle wissen, was „sehr gefragt“ und „in den Startlöchern“ bedeutet. Kim hält sich nicht an Vorlagen und kreiert etwas Frisches und Ungewohntes.

Ich erkläre mit Zuversicht, dass „Anna Karenina“ wie für Chevik für Kim die Quintessenz des Talents des Schöpfers wurde. Hier erreichte er ein gewisses Absolutes, ab dem es anderen Autoren peinlich sein wird, Texte für zukünftige Projekte zu schreiben. Denn das ist der Gipfel, der Gipfel, der Everest!..

Ein ähnliches Bild zeigt sich in der musikalischen Komponente. Der Komponist Roman Ignatiev hat viele wunderbare Musicals komponiert, aber schließlich kam er zu der Einsicht, dass man sich bei seiner Arbeit auf das Beste verlassen muss. Daher werden alle Melodien aus „Karenina“ den regelmäßigen Zuschauern des Operettentheaters angenehm vertraut vorkommen. Hier erklangen die Töne von „Monte Christo“ und hier – das Ebenbild von „Graf Orlow“.

Jeder weiß, dass es dem Betrachter in der Regel schwerfällt, etwas Neues für sich zu akzeptieren. Er wird Anna Karenina begrüßen, als wäre er seine eigene, denn alle Elemente der Aufführung werden ihm bekannt vorkommen.

Ein erfahrener Betrachter wird es bemerken dass das Musical viele Lieder enthält und sie manchmal keine semantische Last tragen – rein ästhetisch. Die Macher geben uns maximale Möglichkeiten, in die Musik einzutauchen, und ein weiterer Vorteil besteht darin, dass es schwierig ist, eine Melodie zu finden, die sich von der allgemeinen Serie abhebt. Wenn in „Monte Christo“ oder „Graf Orlow“ manchmal sogenannte „musikalische Actionfilme“ zu sehen waren, dann wird Sie die Betrachtung von „Karenina“ nicht vor dem Tonstrom zurückschrecken lassen.

Manche mögen sagen, dass Musikmelodien langweilig sind. Diese Spitzfindigkeiten sind völlig unangebracht, denn es kann sein, dass sich Zuschauer im Saal befinden, die eine schlaflose Nacht verbracht haben und nun bei den beruhigenden Klängen von „Karenina“ gemütlich einschlafen können.

Zusammenfassend stelle ich fest, dass natürlich Die Interpretation von „Anna Karenina“ ist umstritten, hat aber eine Daseinsberechtigung. Letztendlich haben die meisten Zuschauer der Akademien keinen Abschluss gemacht, aber hier werden sie auf zugängliche und musikalische Weise an die Klassiker herangeführt. Ja, Sie lesen vielleicht keinen Roman oder sehen sich keinen einzigen Film an, sind aber dennoch von den Problemen der Charaktere durchdrungen.

Schließlich bekamen wir ein weiteres Musical geschenkt, das nicht für hochkarätige Witzbolde, sondern für das Massenpublikum gedacht war. Lassen Sie es gehen die Preispolitik des Theaters scheint gewagt, Wir können schon jetzt sagen, dass der Saal des Operettentheaters an den Tagen, an denen Anna Karenina aufgeführt wird, voll sein wird.

Ich bin mir sicher, dass die Show von Auftritt zu Auftritt wachsen wird, obwohl auch heute noch klar ist, dass das Musical ein wahrer Diamant ist. Dies ist nicht verwunderlich, da Genre-Monster wie Chevik und Kim an der Entstehung von „Karenina“ beteiligt waren.

Und wenn jemandem das neue Projekt nicht gefällt, beeile ich mich, Ihnen eine Freude zu machen: Die Kuchen am Buffet sind köstlich.

Nun, ich hoffe aufrichtig, dass ich meine Gedanken über Anna Karenina äußern konnte. Und wenn ich diese Show in naher Zukunft noch einmal besuche, dann nur im Fieberwahn oder für viel Geld, das auf meine Karte überwiesen wird.

Aber es gibt eine Verbindung im Musical, die nicht nur gut, sondern großartig ist. Ich rede von Künstler. Wieder einmal brachte das Projekt des Operettentheaters die gesamte Schauspielkunst zusammen und zwang die armen, unglücklichen talentierten Menschen, in Gefangenschaft zu leben. (Ja, aber jetzt werden sie zuhören, viele lobende Kritiken lesen und naiv glauben, dass „Karenina“ cool ist ...)

Ich erzähle Ihnen mehr: Gerade wegen der am Stück beteiligten Künstler bewerten viele „Karenina“ positiv. Ein kretinisches Libretto mit fehlender Handlung, idiotischen Texten, zweitrangig und uninteressant – Müll. Die Schauspieler sind schlau und deshalb hat es mir gefallen.

Und ich glaube, dass selbst die Bemühungen großer Künstler, das Beste aus flachen, ungeschriebenen Charakteren herauszuholen (tut mir leid, sie-sie), „Karenina“ nicht im Entferntesten lohnenswert machen, im Zentrum von Moskau gezeigt zu werden.

Lassen Sie mich Ihnen ein wenig über diejenigen erzählen, die ich gesehen habe.

Prinz und Prinzessin Shcherbatsky - Vyacheslav Shlyakhtov und Elena Soshnikova. Kleinere Videos, in denen Sie nur Ihre Kostüme zur Schau stellen können. Aber selbst aus dieser „Pracht“ tauchen Shlyakhtov und Soshnikova in all ihrer Pracht auf. Und ja, sie ließen mich nicht singen – nur im Ensemble.

Gräfin Wronskaja – Anna Gutschenkowa. Wie oft kann man der armen Anna altersgerechte Rollen geben? Die Figur ist wie alle anderen nichts, dank des Autors des Librettos und des Regisseurs (ich werde diese Sätze nicht mehr wiederholen, man kann sie darauf extrapolieren). jeder andere). Aber dann Guchenkova. Das bedeutet, dass es ein Genuss für Augen und Ohren ist (danke, ich durfte Annas Gesang genießen).

Patti - Oksana Lesnichaya. Eine einzelne Szene, die aus einem einzigen Lied besteht. Und ich würde schreiben, dass ich die Bedeutung einer solchen Einbeziehung nicht verstehe, wenn Lesnichaya nicht gezeigt hätte. Das hat mir gefallen.

Manager - Maxim Zausalin. Die Person, die die Meinung hervorruft: „Das ist ein Mist!“ - verwandelte sich in: „Das ist ein Bastard und Zausalin.“ Nicht nur wegen Maxims unbestreitbarem Talent. Es ist nur so, dass seine Figur in einer qualitativ und ideologisch anderen Aufführung zu existieren scheint. Es gibt „Anna Karenina“ – banal, langweilig, gewöhnlich, und dann gibt es Steampunk-Szenen mit dem Manager. Dieser Charakter ist der lokale Der Todd, „Kareninas Dämon“. Ich habe keine Ahnung, was Cevik berührte, als sie diese Momente inszenierte. Aber wenn nur der Rest ein bisschen wie die Originalstücke wäre, wäre es schön. Es ist interessant, dem Manager zuzusehen, und im Allgemeinen sticht er aus der Masse der anderen Künstler hervor. Es scheint, dass man sich trotz der Vielzahl gemeinsam erarbeiteter Projekte gut verstanden hat und am gleichen Strang zieht. Und hier ist Zausalin, der auf seiner eigenen Wellenlänge existiert. Im Allgemeinen wäre ich ohne Maxim wahrscheinlich direkt im Theater vor Langeweile gestorben.

Prinzessin Betsy - Natalya Sidortsova. Ich kann Produktionen niemals verzeihen, die Sidortsovas Talent nicht voll ausnutzen. So ist es in „Karenina“ – es scheint eine Figur zu geben, aber worum geht es? … Entfernen Sie diese Betsy aus dem Musical – es wird sich nichts ändern. Es trägt keine semantische Last. Natasha ist natürlich immer und überall großartig, aber entschuldigen Sie ... die Rolle ist nicht ihre Größe.

Stiva Oblonsky – Andrey Alexandrin. Nun, jetzt kommen wir... Ich mochte Alexandrin! Ich lüge nicht, ehrlich! Auch wenn er es gruselig spielte, sah es immer noch süß aus. Und er hat gut gesungen. Das ist also meine neue theatralische Wahrnehmung.

Konstantin Levin – Wladislaw Kirjuchin. Dies ist auch eine Rolle, die getrost weggeworfen werden kann (Kitty hätte es ohne ihn schaffen können – nun ja, angesichts der Fähigkeit des Operettentheaters, Charaktere und Handlungsstränge von der Handlung zu isolieren). Aber es gibt auch ein Plus: Man kann sich einfach über die Anwesenheit von Kiryukhin, der viel singt, auf der Bühne freuen. Obwohl ich mir einen helleren Charakter für ihn wünschen würde.

Kitty Shcherbatskaya - Daria Yanvarina. Das ist das Einzige, was mir nicht wirklich gefallen hat. Vielleicht war ich besorgt, das verstehe ich. Aber schauspielerisch war ich nicht überzeugt (was soll das?...), aber stimmlich habe ich mich bis zum zweiten Akt hochgearbeitet. Obwohl es auch kein Brunnen ist.

Alexey Karenin – Alexander Marakulin. Soll ich hier etwas schreiben oder soll ich einfach noch einmal anmerken, dass „nichts schöner ist als Marakulinaaa“? Nein, es ist völlig unklar, warum Anna mit so einem Ehemann nicht zufrieden war. Dabei spreche ich aber nicht nur von Marakulins Talent und Charisma, sondern auch wieder einmal von der Klarheit des Librettos.

Alexey Vronsky - Sergey Li. Absolut wunderschöner Wronski unter den gegebenen Bedingungen. Wie könnte es anders sein, wenn wir über Lee sprechen? Ja, geh und verstehe, was mit Anna im Finale passiert ist, da Wronski so rührend darüber singt, wie sie ihm angeblich die Schuld gibt und es schließlich nicht versteht (so etwas zeigt man uns auf der Bühne nicht). Aber wenn uns Sergei Lee in einem Musical angeboten wird, dann wird es auf jeden Fall wunderbar.

Anna Karenina - Olga Belyaeva. Die einzige Anna, der ich ursprünglich zugestimmt habe (und ich werde es nicht einmal verheimlichen). Und ich war so glücklich. Leider hat das Libretto auch hier einen Haufen Schweine gespielt. Das Wichtigste ist, dass der Grund für den Untergang unklar ist – aber Olga hat alles getan, um die Handlungen und Gedanken ihrer Heldin zu rechtfertigen. Es war kraftvoll und durchdringend... Und der Gesang... Früher glaubte ich, dass nur Sidortsova mit Annas Rollen zurechtkommen würde. Jetzt weiß ich es – auch Belyaeva. Kareninas letztes Lied ist etwas Besonderes. Bemerkenswert ist hier, dass es auch melodisch sehr interessant ist und sich stilistisch vom Rest des Materials abhebt. Und als Olga es sang... Nein, ich habe dem Musical seine Langeweile und Bedeutungslosigkeit nicht verziehen und wollte es nicht noch einmal anschauen, aber eine Gänsehaut lief über meine Haut. Wenn Sie also plötzlich Anna Karenina sehen möchten, dann wählen Sie Belyaevas Termine.

Es ist sehr traurig, dass wir mit solchen Kreationen vollgestopft sind und sie Musicals nennen. Es ist doppelt traurig, dass dieses Ding seine eigenen Fans haben wird – und das in großen Mengen. Es ist dreifach schade, dass Leute, die das Genre kennen und schätzen, Ausreden für Karenina finden, nach dem Positiven suchen und im Fundhaufen von Chevik imaginäre Perlen ausgraben.

Und ich? Ich werde einfach froh sein, dass das letzte Lied nach dem Gottesdienst endlich nicht mit dem Wort „Liebe“, sondern mit dem Wort „Glück“ endet. Es gibt bereits eine Art Entwicklung ...

PS. Und ich werde nichts über ein Live-Orchester schreiben, weil dessen Anwesenheit natürlich ein riesiges Plus ist, aber ich schließe mich den Zuschauern an, die dachten, dass der Tonträger oft negativ klingt... Vielleicht bin ich taub, ich weiß nicht, Ich streite nicht.

— Musicals, die auf russischen Literaturklassikern basieren, haben schon immer eher gemischte Reaktionen hervorgerufen. Viele Leute halten es für eine gescheiterte Idee, Tolstoi zu singen. Wie denkst du darüber?

„Ich denke, dass jeder, der denkt, dass dies ein gescheiterter Plan ist, sich irrt.“ Aus dem einfachen Grund, weil das Musical ein Genre ist, für das alle Handlungsstränge geeignet sind. Über berühmte Regisseure sagte man einmal – oder –: „Sie können sogar bei einem Kochbuch Regie führen.“

In einer menschlichen Komposition, und noch mehr in einer so klassischen, literarischen, gibt es alles, was für ein Musical nötig ist: es gibt Drama, es gibt menschliche Beziehungen, Charaktere.

Sobald sie auftauchen, ist das Musical bereit, sie zu verkörpern.

Grob gesagt gibt es ein Genre der Prosaarbeit. Leo Tolstoi sah oder erfand eine bestimmte Handlung und verkörperte sie in diesem Genre. Ein anderer Dichter erfand eine Handlung und verkörperte sie im Genre eines Versromans – und es stellte sich heraus: „ Die Handlung von „Karenina“, voller Psychologismus und Konflikte, ist die fruchtbarste Option für ein Musical. Es gibt keine niedrigen Genres: Selbst die scheinbar populärste und beliebteste Popmusik ist dennoch ein Kunstgenre, in dem ernsthafte Ideen verkörpert werden können. Darüber hinaus ist das Musikgenre groß genug, um der Handlung von Romeo und Julia oder seinem Remake – West Side Story oder Notre Dame de Paris – gerecht zu werden. Hier gibt es absolut keinen Widerspruch.

„Anna Karenina“ ist nicht nur eine Liebesgeschichte, sondern auch eine starke soziale Linie. Welche Schwerpunkte liegen im Musical?

Hauptsächlich geht es natürlich um die Liebesgeschichte. Im Libretto wurde die gesellschaftliche Linie zunächst ausführlich dargelegt: Dort spricht Levin ausführlicher und ausführlicher – über Reformen, über Russland, über die Bauern. Im Musical war diese Linie nicht ausreichend ausgeprägt. Aber ich bereue es überhaupt nicht. Ich habe die sozialen Themen nicht verheimlicht, ich habe versucht, sie gemeinsam mit den anderen Autoren des Musicals auszudrücken.

Unser Levin spricht auch über Bauern, über den Ort, an dem ein guter Mensch leben sollte, wo er seinen Sinn im Leben finden kann.

— Die Charaktere von Tolstois Helden werden in langen, auch internen Monologen offenbart. Wie vermittelt Ihr Libretto die Charaktere der Charaktere und ihre Qualen?

— Nach bestem Wissen und Gewissen und soweit die Bedingungen des Genres beachtet werden. Das Musikgenre erfordert normalerweise weniger detaillierte Monologe, als sich Prosa leisten kann. Aber ich habe es geschafft, die Quintessenz meiner Erfahrungen und Gedanken zu vermitteln. Darüber hinaus geschah dies in der Poesie – und Poesie hat immer ihr eigenes Pathos und ihre eigene, sehr nützliche Kürze, verbale Ökonomie, die eine besondere Intensität des Gefühls erfordert. Ich habe mich bemüht, sicherzustellen, dass die inneren Monologe der Charaktere gut in Versen vermittelt werden, und (der Komponist des Musicals – Gazeta.Ru) hat meiner Meinung nach mit ihrem musikalischen Ausdruck hervorragende Arbeit geleistet.

Karenin hat eine menschliche Note, und wir haben unser Bestes versucht, diese Note hervorzuheben.

Die letzte Szene des Stücks ist die Szene, in der Karenin und Wronski gemeinsam eine Arie darüber singen, dass sie auf Annas Drama nicht reagiert haben. Dafür fehlte beiden die Seele, und beide bereuen es bitterlich.

— Die Idee, „Das Lied der Lieder“ zu zitieren, kam nicht sofort auf. Zuerst habe ich beschlossen, dass der Höhepunkt der gesamten Aktion während eines Skandals im Theater stattfinden sollte – das habe ich mir im Voraus ausgedacht, und alle waren meiner Meinung. Aber die Rolle der Sängerin Adelina Patti war mir nicht ganz klar. Ursprünglich hatte ich nicht vor, aus ihrer Arie eine sehr wichtige Aussage zu machen. Und erst dann wurde mir klar, dass das Wichtigste hier war, dass sie singen würde. Zuerst stellte ich mir vor, dass sie Violettas Arie aus Verdis La Traviata sang – sie war sehr gut und inhaltlich nah an Annas eigenen Erfahrungen. Aber ich hörte mir die Arie an und merkte: Das reicht nicht.

Dann kam mir ein glücklicher Gedanke: Es wäre Shulamiths Arie, Patti würde singen: „Oh, mein Geliebter ...“ – und so weiter.

Ich habe dieser Arie buchstäblich vier Verse entnommen, aber der Sänger wiederholt sie zwei- oder dreimal. Als sie ihrem Gesang zuhört, versteht Anna plötzlich: Die Liebe ist so stark wie der Tod. Leben und Liebe sind für sie nun gleichwertige Konzepte: Wenn die Liebe verschwindet, verschwindet auch das Leben. Anna singt über Patti: „Sie hat mir alles über mich erzählt.“

— Wie haben Sie am Libretto gearbeitet? Wie haben Sie die Interaktion mit Produzenten aufgebaut, die sich auf deren Ideen verlassen haben?

— Wir tauschten Meinungen aus: Ich schlug eine Lösung für diese oder jene Szene vor, sie akzeptierten sie entweder, oder wir dachten weiter zusammen nach. So geschah die Geschichte mit Stivas und Levins Besuch bei Anna. Zunächst entschieden der Komponist und ich, dass es gut wäre, an dieser Stelle ein Duett zwischen Anna und Levin zu schreiben. Darüber hinaus wurde geschrieben: ein sehr gutes Duett über die Begegnung zweier außergewöhnlicher Menschen, die etwas Vertrautes ineinander spürten. Levin sah in Anna etwas mehr als in Kitty, und Anna fühlte in Levin etwas Empfindlicheres, eine teurere Seele als die Seele von Wronski. Die Produzenten hörten sich dieses Duett an und sagten: „Sie haben eine Liebeserklärung geschrieben. Das ändert sofort alles und macht die weitere Handlung sinnlos.“ Wir haben das Libretto nicht umgeschrieben – wir haben diesen Teil einfach entfernt und stattdessen ein Duett zwischen Anna und Kitty gemacht. Es hatte auch eine eigene Dramaturgie.

— Das Interesse an Musicals ist in Russland erst vor nicht allzu langer Zeit aufgetaucht. Liegt das daran, dass das Musical, das dem Publikum präsentiert wird, eine farbenfrohe Show mit hellen Kulissen und Lichteffekten ist, oder ist es etwas anderes?

— Zuerst erschienen in unserem Land ausländische Musicals. Dann gab es die ersten Versuche, eigene zu schaffen. Einer der Versuche, ein eigenes Musical zu schaffen, endete, wie wir uns erinnern, tragisch: Es war „Nord-Ost“. Deshalb lernte unser Publikum Musicals über Filme und das Internet kennen. Alle beliebten ausländischen Musicals – „West Side Story“, „Oliver!“, „Cats“ – haben unseren Zuschauern eine Vorstellung davon vermittelt, was ein Musical ist.

Und als die ersten Musicals auf unserer Theaterbühne erschienen, strömte das Publikum natürlich in Scharen.

Was ihr an diesem Genre im Gegensatz zur Oper oder Operette gefällt, ist eine andere Frage. Das Musical ist ein sehr demokratisches Genre, das jedes Thema bewältigen kann, ohne an Tiefe und Farbe zu verlieren.

Und doch hat das Musical durchaus eine kommerzielle Komponente. Es ist immer auf eine breite Nachfrage und dementsprechend auf ein gutes Einkommen ausgelegt. Daher versuchen alle musikalischen Leiter, das Spektakel attraktiv zu gestalten. Das Publikum bekommt ein Spektakel geboten, aber ein Spektakel voller guter Bedeutung. So entsteht das Genre und der öffentliche Austausch: Die Menschen werden aufgeklärt, ihr Geschmack wird besser.

— Das Lied „Belle“ aus der russischen Version des Musicals „Notre-Dame de Paris“ wurde – obwohl nicht Ihre Übersetzung – ein Hit und gelangte in die Populärkultur. Hätten Sie ein solches Schicksal für einige Lieder von Anna Karenina?

- Sicherlich. Ich würde sagen: Wenn das passiert, werde ich glücklich sein. Wenn das nicht passiert, sehe ich das nicht als Nachteil. Ich glaube nicht, dass aus unseren beiden vorherigen Musicals mit Roman Ignatiev („Monte Christo“ und „Graf Orlow“ – „Gazeta.Ru“) eine der Arien beim Volk angekommen ist und jetzt von allen eifrig gesungen wird.

Ich denke, jedes dieser Musicals ist ein Hit für sich, ein Zwei-Stunden-Hit.

Wenn Sie sich daran erinnern, dann sofort von Anfang bis Ende. Gleichzeitig sehe ich in diesen Musicals keine einzelnen Hits. Und die Öffentlichkeit sieht sie nicht, aber sie gehen sehr gerne dorthin. So bereitwillig, dass, als nach vier Staffeln von „Monte Christo“ bereits der nicht weniger erfolgreiche „Graf Orlow“ lief, das Publikum nach mehr verlangte – und wir „Monte Christo“ neben „Graf Orlow“ zeigen mussten.

— Ich möchte Ihnen als Schriftsteller eine Frage zur literarischen Interpretation stellen – schließlich tun Sie es in „Anna Karenina“ tatsächlich. Wie würden Sie reagieren, wenn jemand Ihre Sachen interpretieren würde? Und was würde Tolstoi sagen, wenn er Ihre Anna Karenina sehen würde?

— Ich kann die Reaktion von Leo Tolstoi oder einem seiner Anhänger nicht vorhersagen. Man kann sich leicht vorstellen, dass viele empört sind über meine Behandlung seiner Prosa (oder besser noch, über unsere Behandlung, also alle Regisseure und Autoren dieser Aufführung). Es ist Geschmackssache. Ich schäme mich überhaupt nicht für diese Arbeit, und ich habe bereits gesagt, warum. Das Musical ist ein besonderes Genre, das sich viel leisten kann. Und wenn jemand irgendwie dazu kommt, meine Schriften zu interpretieren, bin ich neugierig. Und wenn wir uns vorstellen, dass dies alles nach meinem Leben geschehen wird, hängt alles davon ab, wie viel Fingerspitzengefühl und Geschmack darin steckt. Lassen Sie sie den gleichen Geschmack und das gleiche Taktgefühl zeigen, die ich gegenüber zeige.

REZENSION zum Musical „Anna Karenina“

Moskauer Operettentheater
Autor des Librettos: Yuliy Kim
Komponist - Roman Ignatiev
Regisseurin: Alina Chevik
Choreografin - Irina Korneeva
Produktionsdesigner - Vyacheslav Okunev
Make-up- und Haarkünstler – Andrey Drykin
Lichtdesigner - Gleb Filshtinsky
Premiere: 8. Oktober 2016
Ansichtsdatum: 23.01.2018

Dieses feierliche High-Society-Musical erfüllte alle Erwartungen der Moskauer; im wunderschönen Saal des Moskauer Operettentheaters schien es dazu bestimmt, die Perle des Musical-Trios Anna Karenina, Monte Christo und Graf Orlow zu werden. Dies ist ein komplett russisches Musical; seine Schöpfer haben den russischen Geist in die Produktion einfließen lassen. Der große Roman von Lev Tolstov, umrahmt vom Libretto und den Gedichten von Yuli Kim und der Musik von Roman Ignatiev, verblüfft durch seine Aufrichtigkeit und erstaunliche Melodie. Geschliffene und gut koordinierte Arbeit von Besetzung, Chor, Tänzern und Live-Orchester. Die Atmosphäre der Aufführung ist sehr angenehm, alles beginnt an einem verschneiten Wintertag mit Rodeln und Eislaufen, und die Tänzer laufen sehr professionell mit Drehungen und der Unterstützung ihrer Partner. Und wie viele großartige Szenen mit Bällen, erstaunlich reichen Innenräumen und Kristallkronleuchtern haben die Regisseure geschaffen; die Monitore zeigen den Innenraum im Duett mit der Landschaft sehr interessant. Die Kostüme der Helden sind feierlich leuchtend, mit Steinen bestickt, alles glitzert und funkelt, aber mit einem sehr subtilen Geschmack. Es gibt eine Szene im Stück, in der Anna Karenina (Ekaterina Guseva) in einem schwarzen Mantel mit silbernem Fuchskragen das Lied „Blizzard“ singt. Die liebevolle und glückliche Heldin strahlt von innen heraus, als sie unter dem Schnee durch den Bahnhof geht Flocken, diese Szene zieht den Betrachter sofort in seinen Bann. Und Ekaterina Gusevas Auftritt ist so aufrichtig, dass man nicht nur ein Fan ihres Talents, sondern auch des von ihr dargebotenen Musicals wird. Die Hauptfigur Alexey Vronsky (Sergei Li), ein Verführer und gutaussehender Mann mit einer bezaubernden Stimme, spielt in dem Stück sehr gut, verliebt und bereit, alles für seine Geliebte zu tun, sogar sie ihrem Ehemann wegzunehmen. und dann ein kalter und berechnender Diener am Hof. Zusammen bilden sie ein erstaunliches Duett mit der Hauptfigur. Erwähnenswert ist die gesamte, nun ja, gesamte Besetzung an Schauspielern mit großartigen, aufregenden Stimmklangfarben und schauspielerischer Leistung. Als ich mir das Musical vor der Pause ansah, dachte ich, dass mich nichts überraschen könnte, also war ich sehr beeindruckt, aber der zweite Teil überraschte mich völlig. In der Szene, in der alle ins Theater kommen, um Patti zuzuhören, beginnt die Geißelung von Anna Karenina und alle klatschen über ihr falsches Leben, die Heldin selbst schlägt vor Hysterie, als plötzlich oben wie ein heller Stern Patti auf der Bühne erscheint und singt eine Arie mit opernhafter Kristallstimme. Für Anna ist dies eine reinigende Welle gegen Beleidigungen und Verleumdungen, sie hat ihre Wahl bereits getroffen und selbst die Überredung ihres Mannes Alexei Karenin (Alexander Marakulin) lässt keine Chance. Und dann taucht unter der Decke ein riesiges Rad einer Lokomotive auf, ein erschreckender Anblick und sehr tragisch. Anna wirft sich vor einen Zug, der in die Mitte der Bühne fährt und den Zuschauer blendet. Die Bewegung der Szenerie während des gesamten Geschehens ist die Hauptsache und das ist ein interessanter Fund, der oft in Musicals verwendet wird, um das Bild schnell und vollständig zu verändern. Vielen Dank an das Orchester, ich weiß nicht genau, ob es das Orchester des Operettentheaters selbst oder ein Gastorchester war, aber es war großartig. Ich möchte anmerken, dass unser russisches Musical vom Haupttheater in Südkorea gekauft und nach unserer Vorlage inszeniert wurde. Von den in Moskau aufgeführten Musicals ist dies das Beste und ich rate jedem, in diese Atmosphäre einzutauchen, auch diejenigen, die nicht gerne ins Theater gehen, werden angenehm beeindruckt sein!