Der an der Grenze zwischen Sentimentalismus und Romantik entstandene Roman „Notre Dame de Paris“ vereint die Merkmale eines historischen Epos, eines romantischen Dramas und eines zutiefst psychologischen Romans.

Die Geschichte des Romans

„Notre Dame de Paris“ ist der erste historische Roman auf Französisch (die Handlung spielt laut Autor vor etwa 400 Jahren, am Ende des 15. Jahrhunderts). Victor Hugo begann bereits in den 1820er Jahren mit der Ausarbeitung seines Plans und veröffentlichte ihn im März 1831. Voraussetzungen für die Entstehung des Romans waren ein wachsendes Interesse an historischer Literatur und insbesondere am Mittelalter.

In der Literatur Frankreichs dieser Zeit nahm die Romantik Gestalt an und mit ihr romantische Tendenzen im kulturellen Leben im Allgemeinen. So verteidigte Victor Hugo persönlich die Notwendigkeit, antike Baudenkmäler zu erhalten, die viele entweder abreißen oder wieder aufbauen wollten.

Es wird angenommen, dass sich die Befürworter des Abrisses der Kathedrale nach dem Roman „Kathedrale Notre Dame“ zurückzogen und in der Gesellschaft ein unglaubliches Interesse an Kulturdenkmälern und eine Welle bürgerlichen Bewusstseins entstand, die die antike Architektur schützen wollte.

Eigenschaften der Hauptfiguren

Es ist genau diese Reaktion der Gesellschaft auf das Buch, die das Recht gibt zu sagen, dass die Kathedrale neben den Menschen der wahre Protagonist des Romans ist. Dies ist der Hauptort des Geschehens, ein stiller Zeuge der Dramen, der Liebe, des Lebens und des Todes der Hauptfiguren; ein Ort, der vor dem Hintergrund der Vergänglichkeit menschlichen Lebens ebenso bewegungslos und unerschütterlich bleibt.

Die Hauptfiguren in Menschengestalt sind die Zigeunerin Esmeralda, der Bucklige Quasimodo, der Priester Claude Frollo, der Militär Phoebus de Chateaupert und der Dichter Pierre Gringoire.

Esmeralda vereint die übrigen Hauptfiguren um sich: Alle aufgeführten Männer sind in sie verliebt, aber einige – desinteressiert, wie Quasimodo, andere heftig, wie Frollo, Phoebus und Gringoire – empfinden fleischliche Anziehung; Die Zigeunerin selbst liebt Phoebus. Darüber hinaus verbindet die Kathedrale alle Charaktere: Frollo dient hier, Quasimodo arbeitet als Glöckner, Gringoire wird Priesterschüler. Esmeralda tritt meist vor dem Domplatz auf und Phoebus blickt durch die Fenster seiner zukünftigen Frau Fleur-de-Lys, die unweit der Kathedrale wohnt.

Esmeralda ist ein gelassenes Straßenkind, das sich seiner Attraktivität nicht bewusst ist. Sie tanzt und tritt mit ihrer Ziege vor der Kathedrale auf, und alle um sie herum, vom Priester bis zum Straßendieb, schenken ihr ihr Herz und verehren sie wie eine Gottheit. Mit der gleichen kindlichen Spontaneität, mit der ein Kind nach glänzenden Gegenständen greift, gibt Esmeralda Phoebus, dem edlen, brillanten Ritter, den Vorzug.

Die äußere Schönheit von Phoebus (fällt mit dem Namen Apollon überein) ist das einzig positive Merkmal des innerlich hässlichen Militärs. Als betrügerischer und schmutziger Verführer, ein Feigling, ein Liebhaber von Alkohol und Schimpfwörtern ist er nur vor den Schwachen ein Held und nur vor den Damen ein Gentleman.

Pierre Gringoire, ein lokaler Dichter, der durch die Umstände gezwungen ist, sich mitten in das dichte Straßenleben Frankreichs zu stürzen, ähnelt ein wenig Phoebus darin, dass seine Gefühle für Esmeralda körperliche Anziehung sind. Er ist zwar nicht zu Gemeinheit fähig und liebt in der Zigeunerin sowohl eine Freundin als auch eine Person, wobei er ihren weiblichen Charme beiseite legt.

Die aufrichtigste Liebe zu Esmeralda wird von der schrecklichsten Kreatur genährt – Quasimodo, dem Glöckner in der Kathedrale, der einst vom Erzdiakon des Tempels, Claude Frollo, abgeholt wurde. Für Esmeralda ist Quasimodo bereit, alles zu tun, sie sogar still und heimlich vor allen zu lieben, sogar das Mädchen seinem Rivalen zu geben.

Claude Frollo hat die komplexesten Gefühle für die Zigeunerin. Die Liebe zu einem Zigeuner ist für ihn eine besondere Tragödie, denn als Geistlicher ist dies eine verbotene Leidenschaft. Die Leidenschaft findet keinen Ausweg, also appelliert er entweder an ihre Liebe, dann stößt er sie weg, dann greift er sie an, dann rettet er sie vor dem Tod und schließlich übergibt er selbst die Zigeunerin dem Henker. Frollos Tragödie wird nicht nur durch den Zusammenbruch seiner Liebe bestimmt. Er entpuppt sich als Vertreter der vergehenden Zeit und fühlt sich mit der Zeit veraltet: Der Mensch erhält immer mehr Wissen, entfernt sich von der Religion, baut etwas Neues auf, zerstört das Alte. Frollo hält das erste gedruckte Buch in seinen Händen und versteht, wie er zusammen mit handgeschriebenen Bänden spurlos in den Jahrhunderten verschwindet.

Handlung, Komposition, Probleme der Arbeit

Der Roman spielt in den 1480er Jahren. Alle Handlungen des Romans spielen sich rund um die Kathedrale ab – in der „Stadt“, auf dem Dom- und Grevskaya-Platz, im „Hof der Wunder“.

Vor der Kathedrale findet eine religiöse Aufführung statt (der Autor des Mysteriums ist Gringoire), aber die Menge zieht es vor, Esmeralda beim Tanz auf dem Place de Greve zuzusehen. Beim Anblick der Zigeunerin verlieben sich Gringoire, Quasimodo und Frollos Vater gleichzeitig in sie. Phoebus trifft Esmeralda, als sie eingeladen wird, eine Gruppe Mädchen zu unterhalten, darunter Phoebes Verlobte Fleur de Lys. Phoebus verabredet sich mit Esmeralda, doch auch der Priester kommt zu dem Date. Aus Eifersucht verwundet der Priester Phoebus, wofür Esmeralda verantwortlich gemacht wird. Unter Folter gesteht das Mädchen Hexerei, Prostitution und den Mord an Phoebus (der tatsächlich überlebt hat) und wird zum Tode verurteilt. Claude Frollo kommt im Gefängnis zu ihr und überredet sie, mit ihm zu fliehen. Am Tag der Hinrichtung beobachtet Phoebus mit seiner Braut die Vollstreckung des Urteils. Doch Quasimodo lässt die Hinrichtung nicht zu – er schnappt sich die Zigeunerin und flüchtet, um sich in der Kathedrale zu verstecken.

Der gesamte „Hof der Wunder“ – ein Zufluchtsort der Diebe und Bettler – eilt herbei, um ihre geliebte Esmeralda zu „befreien“. Der König erfuhr von dem Aufstand und befahl, den Zigeuner um jeden Preis hinzurichten. Als sie hingerichtet wird, lacht Claude teuflisch. Als der Bucklige dies sieht, stürzt er sich auf den Priester, der zusammenbricht und vom Turm fällt.

Kompositorisch ist der Roman in einer Schleife aufgebaut: Zuerst sieht der Leser das Wort „Felsen“ in der Wand des Doms, am Ende taucht er in die vergangenen 400 Jahre ein und sieht in einer Krypta außerhalb der Stadt zwei ineinander verschlungene Skelette in einer Umarmung. Das sind die Helden des Romans – der Bucklige und der Zigeuner. Die Zeit hat ihre Geschichte zu Staub zerfallen lassen, und die Kathedrale steht immer noch als gleichgültiger Beobachter über den menschlichen Leidenschaften.

Der Roman schildert sowohl private menschliche Leidenschaften (das Problem von Reinheit und Gemeinheit, Barmherzigkeit und Grausamkeit) als auch populäre (Reichtum und Armut, Gewaltenteilung vom Volk). Zum ersten Mal in der europäischen Literatur entwickelt sich das persönliche Drama der Figuren vor dem Hintergrund detaillierter historischer Ereignisse, und Privatleben und historischer Hintergrund sind so durchdringbar.

3. „Kathedrale Notre Dame“

„Notre-Dame de Paris“ ist Hugos erster großer Roman, der eng mit den historischen Erzählungen dieser Zeit verbunden war.

Das Konzept des Romans geht auf das Jahr 1828 zurück; In diesem Jahr wurde der Arbeitsplan datiert, in dem bereits die Bilder der Zigeunerin Esmeralda, des Dichters Gringoire und des in sie verliebten Abtes Claude Frollo skizziert waren. Nach diesem ursprünglichen Plan rettet Gringoire Esmeralda, die auf Befehl des Königs in einen Eisenkäfig geworfen wurde, und begibt sich stattdessen zum Galgen, während Frollo, der Esmeralda in einem Zigeunerlager gefunden hat, sie den Henkern übergibt. Später erweiterte Hugo den Plan des Romans etwas. Zu Beginn des Jahres 1830 erscheint in den Randnotizen des Plans ein Eintrag – der Name des Kapitäns Phoebus de Chateaupert.

Hugo begann Ende Juli 1830 mit der direkten Arbeit an dem Buch, doch die Julirevolution unterbrach seine Arbeit, die er erst im September wieder aufnehmen konnte. V. Hugo begann mit der Arbeit an dem Roman im Rahmen einer Vereinbarung mit dem Verlag Goslin. Der Verleger drohte, für jede überfällige Woche tausend Franken vom Autor zu kassieren. Jeder Tag zählte, und dann, in der Hektik eines unerwarteten Umzugs in eine neue Wohnung, gingen alle Notizen und Skizzen verloren, alle vorbereiteten Arbeiten waren verloren und es war noch keine einzige Zeile geschrieben worden.

Obwohl der Autor von Notre Dame in den frühen 30er Jahren noch ein Befürworter der konstitutionellen Monarchie war, hatte er bereits eine negative Einstellung gegenüber dem königlichen Absolutismus und der Adelsschicht, die im Frankreich des 15. Jahrhunderts eine dominierende Stellung einnahm und auf die die beschriebenen Ereignisse Bezug nahmen im Roman beziehen. Am Ende der Restaurationszeit fand Hugo neben antiadligen Ideen auch einen lebendigen Ausdruck seiner neuen antiklerikalen Überzeugungen. Aus diesem Grund klang der Roman über die ferne historische Vergangenheit unter den damaligen Bedingungen, als in Frankreich der Kampf gegen adlige und kirchliche Reaktionen auf der Tagesordnung stand, sehr relevant.

Der Roman wurde zwei Wochen früher als geplant fertiggestellt. Am 14. Januar 1831 wurde die letzte Zeile hinzugefügt. Hugo blickt auf den Berg gekritzelter Blätter. Das kann eine Flasche Tinte enthalten!

Die erste Leserin des Manuskripts war die Frau des Verlegers. Diese aufgeklärte Dame, die aus dem Englischen übersetzte, fand den Roman äußerst langweilig. Goslin brachte die Reaktion seiner Frau schnell in die breite Öffentlichkeit: „Ich werde mich nicht länger auf berühmte Namen verlassen, ich werde wegen dieser Prominenten bald Verluste erleiden.“ Der Druck des Buches verzögerte sich jedoch nicht. Notre Dame wurde am 13. Februar 1831 veröffentlicht.

„Notre Dame de Paris“ ist ein Werk, das die Vergangenheit durch das Prisma der Ansichten eines humanistischen Schriftstellers des 19. Jahrhunderts widerspiegelt, der die „moralische Seite der Geschichte“ beleuchten und die Merkmale vergangener Ereignisse hervorheben wollte, die für die Gegenwart lehrreich sind .

Hugo schrieb seinen Roman in der Zeit des Aufstiegs und Sieges der demokratischen Bewegung, die den endgültigen Sturz der Bourbonen-Dynastie markierte. Es ist kein Zufall, dass der Autor der Figur des Kunsthandwerkers Jacques Copenol, der die Interessen der freien Stadt Gent vertritt, besondere Bedeutung beimisst.

Die eigentlichen romantischen Züge des Romans manifestierten sich in dem ausgeprägten Kontrast von „Die Kathedrale“, dem scharfen Kontrast positiver und negativer Charaktere und der unerwarteten Diskrepanz zwischen dem äußeren und inneren Inhalt der menschlichen Natur. Allerdings handelt es sich um einen „mittelalterlichen“, „archäologischen“ Roman, in dem der Autor mit besonderer Sorgfalt die Dunkelheit von Frollo und das exotische Outfit von Esmeralda beschreibt. Dem gleichen Zweck dient ein sorgfältig entwickeltes Vokabular, das die Sprache aller Schichten der Gesellschaft widerspiegelt. Hier finden sich auch Terminologien aus dem Bereich Architektur, Latein, Archaismen, Argotismen der Menge des Hofes der Wunder, eine Mischung aus Spanisch, Italienisch und Latein. Hugo verwendet umfangreiche Vergleiche und Antithesen und zeigt erstaunlichen Einfallsreichtum bei der Verwendung von Verben. Auch erstaunliche Charaktere in außergewöhnlichen Umständen sind ein Zeichen der Romantik. Die Hauptfiguren – Esmeralda, Quasimodo und Claude Frollo – verkörpern die eine oder andere Qualität. Die Straßentänzerin Esmeralda symbolisiert die moralische Schönheit eines einfachen Menschen, der hübsche Phoebus ist eine säkulare Gesellschaft, äußerlich brillant, innerlich leer, egoistisch und dadurch herzlos; Im Mittelpunkt der dunklen Mächte steht Claude Frollo, ein Vertreter der katholischen Kirche. Quasimodo verkörperte Hugos demokratische Idee: Hässlich und vom sozialen Status verstoßen, erweist sich der Glöckner der Kathedrale als das höchstmoralische Wesen. Dies kann nicht über Menschen gesagt werden, die eine hohe Position in der sozialen Hierarchie einnehmen (Ludwig XI. selbst, Ritter, Gendarmen, Schützen – die „Kettenhunde“ des Königs). Dies sind die moralischen Werte, die der Autor im Roman aufgestellt hat und spiegelt sich im romantischen Konflikt von hoch oder niedrig wider, wo das Niedrige König ist, Gerechtigkeit, Religion, also alles, was zum „alten System“ gehört, und das Hohe – in der Gestalt von Bürgern und in Quasimodo In den Ausgestoßenen des Hofes der Wunder sieht der Autor die Volkshelden des Romans voller moralischer Stärke und Stärke. Das Volk ist im Verständnis des Autors nicht nur eine leere Masse, es ist eine gewaltige Kraft , in deren blinder Aktivität das Problem der Idee der Gerechtigkeit enthalten ist. Die Idee des Sturms des Rates durch die Massen enthält Hugos Anspielung auf den bevorstehenden Sturm auf die Bastille im Jahr 1789, auf die „Stunde des Volkes“. “, zur Revolution.

Es ist sehr wichtig, den Kontext der Entstehung dieses Romans zu kennen, der am Vorabend der Revolution von 1830 begann. Hugos Frau, die ihre Erinnerungen an ihn hinterlassen hat, schrieb: „Große politische Ereignisse hinterlassen tiefe Spuren in der sensiblen Seele des Dichters Hugo, der gerade einen Aufstand ausgelöst und im Theater Barrikaden errichtet hatte, jetzt mehr verstand.“ klarer denn je, dass alle Erscheinungsformen des Fortschritts eng miteinander verbunden sind und dass er, bei gleichbleibender Konsequenz, in der Politik akzeptieren muss, was er in der Literatur geleistet hat.“ Der Heldenmut des Volkes während der „drei glorreichen Tage“, wie damals die Tage der Barrikadenkämpfe genannt wurden, die über das Schicksal der Bourbonen entschieden, faszinierte Hugo so sehr, dass er die begonnenen Arbeiten an der „Kathedrale“ unterbrechen musste. ..“. „Es ist unmöglich, sich vor den Eindrücken der Außenwelt zu verbarrikadieren“, schrieb er an Lamartine. „In einem solchen Moment gibt es keine Kunst mehr, kein Theater, keine Poesie ... Politik wird zum Atem.“ Hugo nahm jedoch bald die Arbeit an dem Roman wieder auf, indem er sich zu Hause mit einer Flasche Tinte und sogar seiner Kleidung einschloss, um nicht nach draußen zu gehen. Fünf Monate später, im Januar 1831, legte er, wie dem Verleger versprochen, das fertige Manuskript auf den Tisch. Es ist kein Wunder, dass dieser Roman, der auf dem Höhepunkt der Revolution entstand, die Bewunderung des Autors für den Heldenmut und das kreative Genie des französischen Volkes sowie den Wunsch einfängt, in der fernen Geschichte die Anfänge seiner zukünftigen großen Taten zu finden.

Der Tag des 6. Januar 1482, den Hugo für die ersten Kapitel seines historischen Romans wählte, gab ihm die Gelegenheit, den Leser sofort in die Atmosphäre des farbenfrohen und dynamischen mittelalterlichen Lebens einzutauchen, wie es die Romantiker sahen, den Empfang flämischer Botschafter anlässlich der Hochzeit des französischen Dauphins mit Margarete von Flandern, Volksfeste in Paris, die lustigen Lichter auf dem Place de Greve, die Maibaumpflanzungszeremonie in der Braque-Kapelle, die Aufführung des Mysterienspiels des mittelalterlichen Dichters Gringoire , die clowneske Prozession unter der Führung des Papstes der Freaks, die Räuberhöhle des Court of Miracles, gelegen in den entlegensten Winkeln der französischen Hauptstadt...

Nicht ohne Grund warfen Hugos Zeitgenossen ihm vor, dass es in seiner „Kathedrale…“ nicht genug Katholizismus gebe. Dies sagte zum Beispiel Abbé Lamennais, obwohl er Hugo für seinen Vorstellungsreichtum lobte; Lamartine, der Hugo „den Shakespeare des Romans“ und seine „Kathedrale…“ nannte – „ein kolossales Werk“, „ein Epos des Mittelalters“, schrieb ihm mit einiger Überraschung, dass in seinem Tempel „alles ist, was du brauchst.“ wollen, aber es gibt kein bisschen Religion.“

Hugo bewundert die Kathedrale nicht als Hochburg des Glaubens, sondern als „riesige steinerne Symphonie“, als „kolossale Schöpfung von Mensch und Volk“; Für ihn ist dies ein wunderbares Ergebnis der Kombination aller Kräfte der Zeit, in der man in jedem Stein „die Fantasie des Arbeiters sehen kann, die Hunderte von Formen annimmt, geleitet vom Genie des Künstlers“. Große Kunstwerke entstehen laut Hugo aus den Tiefen der Genialität des Volkes: „... Die größten Denkmäler der Vergangenheit sind nicht so sehr die Schöpfungen eines Einzelnen, sondern einer ganzen Gesellschaft; das ist höchstwahrscheinlich eine Konsequenz.“ der kreativen Bemühungen der Menschen als ein brillanter Geistesblitz... Der Künstler, das Individuum, die Person verschwinden in diesen riesigen Massen, ohne dass der Name des Schöpfers in ihnen seinen Ausdruck und sein Gesamtbild hat; Ergebnis: Hier ist die Zeit der Architekt und die Menschen der Maurer.“

Wenn die Romantiker der älteren Generation im gotischen Tempel einen Ausdruck der mystischen Ideale des Mittelalters sahen und damit den Wunsch verbanden, dem alltäglichen Leid in den Schoß der Religion und jenseitiger Träume zu entfliehen, dann steht für Hugo die mittelalterliche Gotik an erster Stelle Alles in allem eine wunderbare Volkskunst, Ausdruck einer talentierten Volksseele mit all ihren Sehnsüchten, Ängsten und Überzeugungen seiner Zeit. Deshalb ist die Kathedrale im Roman keine Arena mystischer, sondern alltäglicher Leidenschaften. Deshalb ist das unglückliche Findelkind, der Glöckner Quasimodo, so untrennbar mit der Kathedrale verbunden. Er und nicht der düstere Geistliche Claude Frollo ist seine wahre Seele. Er versteht die Musik seiner Glocken besser als jeder andere, und die fantastischen Skulpturen seiner Portale scheinen ihm verwandt zu sein. Er – Quasimodo – war es, der „diesem riesigen Gebäude Leben einhauchte“, sagt der Autor.

Der wichtigste ideologische und kompositorische Kern des Romans „Kathedrale Notre Dame“ ist die Liebe der Zigeunerin Esmeralda zu zwei Helden: dem Erzdiakon der Kathedrale Claude Frollo und dem Glöckner der Kathedrale Quasimodo. Die Hauptfiguren des Romans tauchen aus der Masse der Menschenmenge auf, die für das Gesamtkonzept des Romans eine entscheidende Rolle spielt: die Straßentänzerin Esmeralda und der bucklige Glöckner Quasimodo. Wir treffen sie bei einem Volksfest auf dem Platz vor der Kathedrale, wo Esmeralda mit Hilfe ihrer Ziege tanzt und Zaubertricks vorführt und Quasimodo als König der Freaks den clownesken Umzug anführt. Beide sind so eng mit der malerischen Menschenmenge verbunden, die sie umgibt, dass es scheint, als hätte der Künstler sie nur vorübergehend aus ihr entfernt, um sie auf die Bühne zu drängen und sie zu den Hauptfiguren seines Werkes zu machen.

Esmeralda und Quasimodo scheinen zwei unterschiedliche Gesichter dieser polyphonen Menge zu repräsentieren.

A. Esmeralda

Die schöne Esmeralda verkörpert alles Gute, Talentierte, Natürliche und Schöne, was die große Seele des Volkes in sich trägt, und das Gegenteil der düsteren mittelalterlichen Askese, die den Menschen von Kirchenfanatikern gewaltsam eingeflößt wurde. Nicht umsonst ist sie so fröhlich und musikalisch, sie liebt Lieder, Tanz und das Leben so sehr, diese kleine Straßentänzerin. Nicht umsonst ist sie so keusch und zugleich so natürlich und geradlinig in ihrer Liebe, so sorglos und freundlich zu allen, auch zu Quasimodo, obwohl er ihr mit seiner Hässlichkeit unüberwindliche Angst einflößt. Esmeralda ist ein wahres Kind des Volkes, ihre Tänze bereiten den einfachen Menschen Freude, sie wird von den Armen, Schulkindern, Bettlern und Lumpen vom Hof ​​der Wunder vergöttert. Esmeralda ist voller Freude und Harmonie, ihr Bild schreit geradezu danach, inszeniert zu werden, und es ist kein Zufall, dass Hugo seinen Roman für das Ballett „Esmeralda“ überarbeitet hat, das die europäische Bühne immer noch nicht verlässt.

„...Ob dieses junge Mädchen ein Mensch, eine Fee oder ein Engel war, konnte dieser Gringoire, dieser skeptische Philosoph, dieser ironische Dichter nicht sofort feststellen, so fasziniert war er von der schillernden Vision.

Sie war kleinwüchsig, wirkte aber groß – ihre schlanke Gestalt war so schlank. Sie war dunkelhäutig, aber es war nicht schwer zu erraten, dass ihre Haut tagsüber diesen wunderbaren goldenen Farbton hatte, der für andalusische und römische Frauen charakteristisch ist. Der kleine Fuß war auch der Fuß einer Andalusierin – so leicht ging sie in ihrem schmalen, anmutigen Schuh. Das Mädchen tanzte, flatterte, wirbelte auf einem alten Perserteppich, der ihr achtlos zu Füßen geworfen wurde, und jedes Mal, wenn ihr strahlendes Gesicht vor dir erschien, blendete dich der Blick ihrer großen schwarzen Augen wie ein Blitz.

Die Augen der gesamten Menge waren mit offenem Mund auf sie gerichtet. Sie tanzte zum Grollen eines Tamburins, das ihre runden, jungfräulichen Hände hoch über ihren Kopf hoben. Dünn, zerbrechlich, mit nackten Schultern und schlanken Beinen, die gelegentlich unter ihrem Rock hervorlugten, schwarzhaarig, schnell wie eine Wespe, in einem goldenen Mieder, das eng an ihrer Taille anschmiegte, in einem farbenfrohen, wogenden Kleid, mit strahlenden Augen, sie schien wirklich wie ein überirdisches Wesen ...“

B. Quasimodo

Ein anderer demokratischer Held des Romans, das Findelkind Quasimodo, verkörpert vielmehr die schreckliche Macht, die in den Menschen verborgen ist, noch immer dunkel, gefesselt von Sklaverei und Vorurteilen, aber groß und selbstlos in ihrem selbstlosen Gefühl, beeindruckend und mächtig in ihrer Wut. Der sich manchmal erhebt wie der Zorn eines rebellischen Titanen, der jahrhundertealte Ketten abwirft.

Claude Frollo „taufte seinen Adoptivsohn und nannte ihn „Quasimodo“ – entweder die Erinnerung an den Tag, an dem er ihn fand (für Katholiken der erste Sonntag nach Ostern, der Fomino-Sonntag; und im Lateinischen bedeutet es „als ob“, „fast“). ), oder wollte mit diesem Namen ausdrücken, wie unvollkommen das unglückliche kleine Geschöpf ist, wie grob gebaut, tatsächlich war Quasimodo, einäugig, bucklig, nur fast ein Mann.

Das Bild von Quasimodo ist die künstlerische Verkörperung der Theorie der romantischen Groteske. Das Unglaubliche und Ungeheuerliche überwiegt hier das Wirkliche. Dies bezieht sich zunächst auf die Übertreibung der Hässlichkeit und aller möglichen Unglücke, die einer Person widerfahren.

„...Es ist schwer, diese tetraedrische Nase, den hufeisenförmigen Mund, das winzige linke Auge, das fast von einer borstigen roten Augenbraue bedeckt ist, zu beschreiben, während das rechte völlig unter einer riesigen Warze verschwand, mit abgebrochenen, schiefen Zähnen, die an die Zinnen von erinnern eine Festungsmauer, diese rissige Lippe, über der sie hing, als ob ein Elefantenstoßzahn, einer der Zähne, dieses gespaltene Kinn ... Aber noch schwieriger ist es, die Mischung aus Wut, Erstaunen und Traurigkeit zu beschreiben, über die man nachdachte Versuchen Sie sich nun das Gesicht dieses Mannes vorzustellen!

Die Zustimmung erfolgte einstimmig. Die Menge strömte zur Kapelle. Von dort wurde der ehrwürdige Narrenpapst triumphierend herausgeführt. Doch nun erreichten das Staunen und die Freude des Publikums ihre höchste Grenze. Die Grimasse war sein wahres Gesicht.

Oder besser gesagt, er war nur eine Grimasse. Ein riesiger Kopf, bedeckt mit roten Stoppeln; ein riesiger Höcker zwischen den Schulterblättern und ein weiterer, der ihn balanciert, auf der Brust; Seine Hüften waren so ausgerenkt, dass seine Beine sich an den Knien treffen konnten und seltsamerweise zwei Sicheln vorne mit verbundenen Griffen ähnelten. breite Füße, monströse Hände. Und trotz dieser Hässlichkeit war in seiner gesamten Figur ein beeindruckender Ausdruck von Stärke, Beweglichkeit und Mut zu erkennen – eine außergewöhnliche Ausnahme von der allgemeinen Regel, die besagt, dass Stärke wie Schönheit aus Harmonie resultiert …“

Quasimodo „ist nur eine Grimasse.“ Er wurde „krumm, bucklig, lahm“ geboren; Dann ließ das Läuten der Glocken sein Trommelfell platzen – und er wurde taub. Darüber hinaus wirkte seine Taubheit stumm („Als die Notwendigkeit ihn zum Sprechen zwang, drehte sich seine Zunge schwerfällig und schwerfällig wie eine Tür in rostigen Angeln“). Im übertragenen Sinne stellt sich der Künstler seine in einen hässlichen Körper gefesselte Seele als „verdreht und verfallen“ vor, wie die bis ins hohe Alter lebenden Gefangenen venezianischer Gefängnisse, „dreimal gebückt in zu engen und zu kurzen Steinkisten“.

Gleichzeitig ist Quasimodo die Grenze nicht nur der Hässlichkeit, sondern auch der Ablehnung: „Von seinen ersten Schritten unter Menschen an fühlte und erkannte er sich selbst als ein zurückgewiesenes, angespucktes, gebrandmarktes Wesen.“ ein Spott oder ein Fluch.“ So wird das humanistische Thema der Ausgestoßenen, die ohne Schuld schuldig sind und von einem ungerechten menschlichen Gericht verdammt werden, bereits in Hugos erstem bedeutenden Roman entwickelt.

Hugos Groteske ist ein „Vergleichsmaßstab“ und ein fruchtbares „Kontrastmittel“. Dieser Kontrast kann äußerlich oder innerlich oder beides sein. Quasimodos Hässlichkeit steht zunächst einmal in scharfem Kontrast zu Esmeraldas Schönheit. Neben ihm wirkt sie besonders rührend und bezaubernd, was am eindrucksvollsten in der Szene am Pranger zum Ausdruck kommt, als Esmeralda auf den schrecklichen, verbitterten und von einem unerträglichen Durst gequälten Quasimodo zugeht, um ihm etwas zu trinken zu geben („Wer würde nicht berührt werden Beim Anblick von Schönheit, Frische, Unschuld, Charme und Zerbrechlichkeit, die in einem Anfall von Gnade der Verkörperung von Unglück, Hässlichkeit und Bosheit zu Hilfe kamen, war dieses Schauspiel majestätisch.“

Quasimodos Hässlichkeit steht noch mehr im Kontrast zu seiner inneren Schönheit, die sich in seiner selbstlosen und hingebungsvollen Liebe zu Esmeralda manifestiert. Der Höhepunkt in der Offenbarung der wahren Größe seiner Seele ist die Szene der Entführung von Esmeralda, die zum Erhängen verurteilt wurde – dieselbe Szene, die die Menge um sie beide begeisterte: „... in diesen Momenten war Quasimodo wirklich schön Er war schön, dieses Waisenkind, ein Findelkind, ... er fühlte sich majestätisch und stark, er blickte ins Gesicht dieser Gesellschaft, die ihn vertrieben hatte, in deren Angelegenheiten er sich aber so herrisch eingemischt hatte, diese Gerichtsvollzieher, Richter und Henker, all diese königliche Macht, die er unbedeutend mit der Hilfe des allmächtigen Gottes gebrochen hat.“

Die moralische Größe, Hingabe und spirituelle Schönheit von Quasimodo wird ganz am Ende des Romans noch einmal in ihrer ganzen Stärke zum Vorschein kommen, als Esmeralda es nicht schaffte, sie vor ihrem Hauptfeind, dem Erzdiakon Claude Frollo, zu schützen, der dennoch die Hinrichtung des Unglücklichen erreichte Der Zigeuner Quasimodo stirbt in der Nähe ihrer Leiche und findet seine Geliebte erst im Tod.

Es ist bezeichnend, dass die moralische Idee des Romans, die hauptsächlich mit Quasimodo in Verbindung gebracht wird, von F.M. vollkommen verstanden und hoch geschätzt wurde. Dostojewski. Er schlug vor, „Notre-Dame-Kathedrale“ ins Russische zu übersetzen und schrieb 1862 in der Zeitschrift „Time“, dass die Idee dieses Werkes „die Wiederherstellung eines verlorenen Menschen sei, der durch die Unterdrückung der Umstände zu Unrecht erdrückt wurde... Diese Idee.“ ist die Rechtfertigung der gedemütigten und abgelehnten Parias der Gesellschaft ... Für wen Es würde Ihnen nicht einmal in den Sinn kommen“, schrieb Dostojewski weiter, „dass Quasimodo die Personifizierung des unterdrückten und verachteten mittelalterlichen französischen Volkes ist, taub und entstellt, begabt.“ nur mit schrecklicher körperlicher Kraft, in dem aber endlich die Liebe und der Durst nach Gerechtigkeit erwachen und mit ihnen das Bewusstsein ihrer Wahrheit und seiner unendlichen Kräfte noch unberührt... Victor Hugo ist fast der Hauptverkünder dieser Idee der „Wiederherstellung“. „In der Literatur unseres Jahrhunderts war er zumindest der Erste, der diesen Gedanken mit solcher künstlerischer Kraft zum Ausdruck brachte.“

So betont Dostojewski auch, dass das Bild von Quasimodo ein Symbol ist, das mit Hugos demokratischem Pathos verbunden ist, mit seiner Einschätzung des Volkes als Träger hoher moralischer Prinzipien.

V. Claude Frollo

Aber wenn es gerade diese gedemütigten und abgelehnten Parias der Gesellschaft wie Quasimodo oder Esmeralda sind, die Hugo mit den besten Gefühlen ausstattet: Freundlichkeit, Aufrichtigkeit, selbstlose Hingabe und Liebe, dann sind ihre Antipoden, die an der Spitze der geistigen und weltlichen Macht stehen, Wie der Erzdiakon der Kathedrale Notre Dame, Claude Frollo, oder König Ludwig XI. stellt er im Gegenteil einen grausamen, egozentrischen Menschen dar, der dem Leid anderer Menschen völlig gleichgültig gegenübersteht.

Erzdiakon Claude Frollo ist wie Quasimodo eine groteske Figur im Roman. Wenn Quasimodo mit seiner äußeren Hässlichkeit Angst macht, dann sorgt Claude Frollo mit den geheimen Leidenschaften, die seine Seele überwältigen, für Schrecken. „Warum wurde seine breite Stirn kahl, warum war sein Kopf immer gesenkt? ... Welcher geheime Gedanke verzog seinen Mund zu einem bitteren Lächeln, während seine stirnrunzelnden Augenbrauen sich trafen wie zwei Bullen, die bereit sind, in die Schlacht zu stürzen? ... Was für eine geheime Flamme flammte zeitweise in seinem Blick auf?..." - der Künstler stellt ihn von Anfang an mit so schrecklichen und geheimnisvollen Worten vor.

In der Person einer der Hauptfiguren des Romans, des gelehrten Scholastikers Claude Frollo, zeigt er den Zusammenbruch von Dogmatismus und Askese. Claudes Gedanke ist fruchtlos, seine Wissenschaft hat nicht die schöpferische Kraft von Faust, sie erschafft nichts. Der Abdruck von Tod und Verzweiflung ist in seiner Zelle zu spüren, in der er seiner Arbeit nachgeht: „... Zirkel und Retorten lagen auf dem Tisch, Tierskelette hingen von der Decke... Menschen- und Pferdeschädel lagen auf Manuskripten... Auf Auf dem Boden stapelten sich, ohne jegliches Mitleid mit der Zerbrechlichkeit ihrer Pergamentseiten, Stapel riesiger offener Bände. Mit einem Wort, hier wurde der gesamte Müll der Wissenschaft gesammelt, und in all diesem Chaos gab es Staub und Spinnweben.“

Ein katholischer Priester, der an ein Keuschheitsgelübde gebunden ist und Frauen hasst, aber von fleischlicher Lust auf eine schöne Zigeunerin verzehrt wird, ein gelehrter Theologe, der Hexerei und eine leidenschaftliche Suche nach dem Geheimnis des Goldabbaus dem wahren Glauben und der Barmherzigkeit vorzieht – so ist der Es offenbart sich ein düsteres Bild des Pariser Erzdiakons, das im ideologischen und künstlerischen Konzept des Romans eine äußerst wichtige Rolle spielt.

Claude Frollo ist ein wahrer romantischer Bösewicht, der von einer alles verzehrenden und zerstörerischen Leidenschaft gepackt wird. Diese böse, perverse und im wahrsten Sinne des Wortes dämonische Leidenschaft ist nur zu schrecklichem Hass und rasender Lust fähig. Die Leidenschaft des Priesters zerstört nicht nur die unschuldige Esmeralda, sondern auch seine eigene düstere und verwirrte Seele.

Der Autor verleiht dem gelehrten Erzdiakon, dem intellektuellsten Helden des Romans, bewusst die Fähigkeit zur Selbstbeobachtung und kritischen Bewertung seines Handelns. Im Gegensatz zum sprachlosen Quasimodo ist er zu pathetischen Reden fähig und innere Monologe offenbaren die Gefühlsausbrüche und sündigen Gedanken, die ihn überwältigen. Von einer bösartigen Leidenschaft erfasst, kommt er so weit, kirchliche Institutionen und Gott selbst zu leugnen: „Er sah seine Seele und schauderte... Er dachte über den Wahnsinn der ewigen Gelübde nach, über die Sinnlosigkeit der Wissenschaft, des Glaubens, der Tugend, über die Nutzlosigkeit Gottes“; Dann entdeckt er, dass Liebe, die in der Seele eines normalen Menschen nur Gutes hervorbringt, sich in der Seele eines Priesters in „etwas Ungeheuerliches“ verwandelt und der Priester selbst „zu einem Dämon wird“.

(So ​​greift Hugo in das Allerheiligste des Katholizismus ein und leugnet die moralische Bedeutung der asketischen Unterdrückung der natürlichen Neigungen des Menschen.) „Wissenschaftler – ich habe die Wissenschaft empört; Adliger – ich habe meinen Namen in Ungnade gefallen; Geistlicher – ich habe das Brevier in ein Kissen für lustvolle Träume verwandelt; ich habe meinem Gott ins Gesicht gespuckt! Alles für dich, Zauberin!“ - Claude Frollo schreit Esmeralda rasend an. Und als das Mädchen ihn entsetzt und angeekelt von sich stößt, schickt er sie in den Tod.

Claude Frollo ist einer der bösesten und tragischsten Charaktere in Notre Dame, und nicht umsonst ist ihm ein solch schreckliches und tragisches Ende vorbestimmt. Der Autor tötet ihn nicht nur mit der Hand des wütenden Quasimodo, der ihn, als er erkennt, dass es der Erzdiakon war, der Esmeraldas Tod verursacht hat, vom Dach der Kathedrale wirft, sondern ihn auch dazu zwingt, unter grausamen Qualen zu sterben. Die Sichtbarkeit des Leidens, die Hugo in der Szene des Todes des Erzdiakons erreicht, der mit geschlossenen Augenlidern und zu Berge stehenden Haaren über dem Abgrund hängt, ist erstaunlich!

Das Bild von Claude Frollo entstand durch die turbulente politische Situation, in der Hugos Roman entstand. Der Klerikalismus, der die wichtigste Stütze der Bourbonen und des Restaurationsregimes war, löste am Vorabend und in den ersten Jahren nach der Julirevolution heftigen Hass in den breitesten Schichten Frankreichs aus. Als Hugo 1831 sein Buch beendete, konnte er beobachten, wie eine wütende Menschenmenge das Kloster Saint-Germain-L-Auxerrois und den erzbischöflichen Palast in Paris zerstörte und wie Bauern Kreuze von Kapellen an den Hauptstraßen niederrissen. Das Bild des Erzdiakons eröffnet eine ganze Galerie von Fanatikern, Henkern und Fanatikern der katholischen Kirche, die Hugo in seinem gesamten Werk entlarven wird.

Herr Ludwig XI

„...Eine lange Schriftrolle in den Händen haltend, stand er mit unbedecktem Kopf hinter einem Stuhl, in dem ungeschickt gebeugt, mit gekreuzten Beinen und auf den Tisch gelehnt, eine sehr schäbig gekleidete Gestalt saß. Stellen Sie sich diesen prächtigen, mit Cordovan gepolsterten Stuhl vor Leder die eckigen Knie, dünne Oberschenkel in abgenutzten Strumpfhosen aus schwarzer Wolle, ein Körper, gekleidet in einen Flanellkaftan mit schäbigem Fellbesatz, und als Kopfschmuck - ein alter, fettiger Hut aus schlechtestem Stoff, an dem rundherum Bleifiguren angebracht sind Dazu noch eine schmutzige Schädeldecke, die das Haar fast verdeckte – das war alles, was man an dieser sitzenden Gestalt erkennen konnte. Der Kopf dieses Mannes war so tief auf die Brust gesenkt, dass sein Gesicht im Schatten versank Seine lange Nase war sichtbar, auf der ein Lichtstrahl auf seine verdorrten, faltigen Hände fiel. Man vermutete, dass es sich um einen alten Mann handelte.

Er, kein weniger grausamer Henker als der Pariser Erzdiakon, entscheidet im Roman über das Schicksal der armen Zigeunerin. Nachdem er auf breite und vielfältige Weise den gesamten Hintergrund des mittelalterlichen gesellschaftlichen Lebens dargestellt hatte, hätte Hugo nicht alles gesagt, was er hätte sagen sollen, wenn er nicht diese für das französische Mittelalter bedeutende Figur – Ludwig XI. – in das Werk einbezogen hätte.

Allerdings ging er an die Darstellung des real existierenden Ludwig XI., den Hugo in sein „Werk der Imagination, Launen und Fantasie“ einführte, anders heran als an die Darstellung der fiktiven Figuren des Romans. Die monströse Groteske von Quasimodo, die Poesie von Esmeralda und der Dämonismus von Claude Frollo weichen Präzision und Zurückhaltung, als sich der Autor am Ende des Romans der Rekonstruktion der komplexen Politik, der Palastumgebung und des inneren Kreises von König Ludwig nähert.

Der Kronenträger in Flanellhosen, mit zahnlosem Mund und dem wachsamen Blick eines Fuchses zählt sorgfältig jeden Sou und überprüft die Ausgabenposten. Der Preis der Gitterstäbe eines Eisenkäfigs ist ihm wichtiger als das Leben des in diesem Käfig eingesperrten Gefangenen. Mit kalter Grausamkeit befiehlt er seinem Handlanger, auf die aufständische Menge zu schießen und die Zigeunerin an den Galgen zu hängen: „Schnapp sie dir, Tristan! Schnapp sie dir! Schlag sie!“ Zauberin."

Bemerkenswert ist, dass die Figur des Königs im Roman von keinem Palastprunk und keiner romantischen Umgebung begleitet wird. Denn Ludwig XI., der die Einigung des französischen Königreichs vollendete, erweist sich hier eher als Vertreter des bürgerlichen denn des feudalen Zeitgeistes. Dieser schlaue und intelligente Politiker stützte sich auf das Bürgertum und die Städte und kämpfte hartnäckig gegen die Unterdrückung feudaler Ansprüche, um seine uneingeschränkte Macht zu stärken.

Ganz im Einklang mit der Geschichte wird Ludwig XI. im Roman als grausamer, heuchlerischer und berechnender Monarch dargestellt, der sich in einer kleinen Zelle in einem der Türme der Bastille am wohlsten fühlt, ein schäbiges Wams und alte Strümpfe trägt, obwohl er, ohne zu sparen, Er gibt Geld für seine Lieblingserfindung aus – Käfige für Staatsverbrecher, die vom Volk treffend „die Töchter des Königs“ genannt werden.

Bei allem Realismus dieser Figur vergisst der Autor von Notre Dame nicht, den scharfen Kontrast zwischen der äußerlichen Frömmigkeit und der extremen Grausamkeit und Geizigkeit des Königs hervorzuheben. Dies kommt in der Charakterisierung des Dichters Gringoire perfekt zum Ausdruck:

„Unter der Macht dieses frommen, stillen Mannes brechen die Galgen von Tausenden gehängter Menschen, Gerüste von vergossenem Blut, Gefängnisse platzen wie überquellende Gebärmutter, mit der anderen hängt er den Staatsanwalt.“ . Tax und der Galgen der Kaiserin.“

Nachdem der Autor Sie in die königliche Zelle eingeführt hat, macht er den Leser zum Zeugen, wie der König in wütende Beschimpfungen ausbricht, indem er Konten für geringfügige staatliche Bedürfnisse durchsucht, aber bereitwillig den Ausgabenposten genehmigt, der für die Durchführung von Folter und Hinrichtungen erforderlich ist. ("...Sie ruinieren uns! Wofür brauchen wir so einen Gerichtsstab? Zwei Kapläne, je zehn Livres im Monat, und ein Diener in der Kapelle, hundert Sous! Ein Kammerherr, neunzig Livres im Jahr! Vier Verwalter 120 Livres pro Jahr für die Arbeiter, ein Gärtner, ein Hilfskoch, ein Oberkoch, ein Waffenverwalter, zwei Schreiber für die Buchführung, je zehn Livres pro Monat! Vierundzwanzig Livres im Monat, der Oberschmied – einhundertzwanzig Livres. Nein, das ist Wahnsinn!

Henri Cousin, der oberste Henker der Stadt Paris, erhielt laut Befehl sechzig Pariser Sous für den Kauf eines großen Breitschwerts zur Enthauptung und Hinrichtung von Personen, die wegen ihrer Straftaten von der Justiz dazu verurteilt wurden, sowie für den Kauf einer Scheide und aller darauf basierenden Zubehörteile; und ebenso für die Reparatur und Erneuerung des alten Schwertes, das bei der Hinrichtung des Messire Ludwig von Luxemburg Risse und Zacken aufwies, woraus klar hervorgeht...

Genug“, unterbrach ihn der König. - Ich freue mich sehr, diesen Betrag genehmigen zu können. Ich spare nicht mit solchen Ausgaben. „Dafür habe ich nie Geld gespart“, sagt er.)

Besonders beredt ist jedoch die Reaktion des französischen Monarchen auf den Aufstand des Pariser Mobs, der sich erhob, um einen armen Zigeuner, der fälschlicherweise der Hexerei und des Mordes beschuldigt wurde, vor der königlichen und kirchlichen „Justiz“ zu retten.

Hugo schafft sozusagen eine künstlerische Enzyklopädie des mittelalterlichen Lebens und führt in den Roman nicht umsonst eine ganze Armee des Pariser Hungers ein, die im ausgefallenen Hof der Wunder im Zentrum des alten Paris Zuflucht fand. Im gesamten Mittelalter waren Bettler und Vagabunden der Nährboden der Empörung und Rebellion gegen die oberen feudalen Klassen. Von Beginn ihrer Existenz an kämpfte die königliche Macht gegen diese aufständische Masse, die sich ständig ihrem Einflussbereich entzog. Aber trotz Dekreten und zahlreicher Gesetze, die diejenigen, die sich des Landstreichens und der Bettelei schuldig gemacht hatten, zu Verbannung, Folter auf dem Rad oder zur Verbrennung verurteilten, gelang es keinem der französischen Könige, Landstreicher und Bettler loszuwerden. Zusammengeschlossen in Körperschaften, mit eigenen Gesetzen und Vorschriften, bildeten die ungehorsamen Vagabunden manchmal so etwas wie einen Staat im Staat. Diese rebellische Masse schloss sich Handwerkern oder Bauern an, die gegen ihre Herren rebellierten, und griff häufig feudale Burgen, Klöster und Abteien an. Die Geschichte hat viele echte und legendäre Namen der Anführer der Armeen dieser Ragamuffins bewahrt. Der talentierteste Dichter des 15. Jahrhunderts, François Villop, gehörte einst einer dieser Korporationen an, in deren Gedichten der Geist der Freiheit und der Rebellion, die für dieses eigentümliche Böhmen des Mittelalters charakteristisch sind, deutlich spürbar ist.

Der Sturm auf die Kathedrale Notre-Dame durch eine Menge tausender Pariser Bastarde, den Hugo in seinem Roman schildert, hat symbolischen Charakter, als ob er den siegreichen Sturm auf die Bastille am 14. Juli 1789 ankündigen würde.

Der Sturm auf die Kathedrale offenbart auch die listige Politik des französischen Königs gegenüber den verschiedenen sozialen Schichten seines Königreichs. Die Rebellion des Pariser Pöbels, die er zunächst für einen Aufstand gegen einen Richter hielt, der weitreichende Privilegien und Rechte genoss, nimmt der König mit kaum unterdrückter Freude wahr: Es scheint ihm, dass seine „guten Leute“ ihm bei der Bekämpfung seines Amtes helfen Feinde. Doch sobald der König herausfindet, dass der Mob nicht den Hofpalast, sondern die Kathedrale, die sich in seinem Besitz befindet, stürmt, „verwandelt sich der Fuchs in eine Hyäne.“ Obwohl der Historiker Ludwigs XI., Philippe de Commines, ihn „den König des einfachen Volkes“ nannte, zeigt Hugo, der solchen Beschreibungen keineswegs Glauben schenken möchte, perfekt, was die wahren Bestrebungen des Königs waren. Für den König ist es nur wichtig, das Volk für seine Zwecke zu nutzen; er kann den Pariser Pöbel nur insoweit unterstützen, als er ihm im Kampf gegen den Feudalismus in die Hände spielt, geht aber hart mit ihm um, sobald er ihm in die Quere kommt seine Interessen. In solchen Momenten befinden sich der König und die Feudalherren zusammen mit dem Klerus auf der einen Seite der Barrikaden, während das Volk auf der anderen Seite bleibt. Das tragische Ende des Romans führt zu dieser historisch korrekten Schlussfolgerung: die Niederlage der aufständischen Menge durch königliche Truppen und die von der Kirche geforderte Hinrichtung der Zigeunerin.

Das Finale von Notre Dame, in dem alle seine romantischen Helden einen schrecklichen Tod erleiden – Quasimodo, Claude Frollo, Esmeralda und ihre zahlreichen Verteidiger aus dem Palast der Wunder – unterstreicht die Dramatik des Romans und offenbart das philosophische Konzept des Autors. Die Welt ist auf Freude, Glück, Freundlichkeit und Sonnenschein ausgelegt, so wie es die kleine Tänzerin Esmeralda versteht. Aber die feudale Gesellschaft verdirbt diese Welt mit ihren unfairen Gerichtsverfahren, Kirchenverboten und königlicher Tyrannei. Schuld daran sind die Oberschicht vor dem Volk. Deshalb rechtfertigt der Autor von Notre Dame die Revolution als eine Säuberung und Erneuerung der Welt.

Der Sturm auf die Kathedrale erinnert uns nicht nur an den Sturm auf die Bastille im Roman, sondern auch die prophetischen Worte von Meister Copenol sagen eine große Revolution für König Ludwig XI. voraus. Copenol verkündet, dass die „Stunde des Volkes“ in Frankreich „noch nicht geschlagen“ habe, aber sie werde schlagen, „wenn der Turm mit höllischem Getöse einstürzt“. Und der verdunkelte König, den der Künstler in einem der Türme der Bastille platziert hat, damit diese Prophezeiung besser sichtbar ist, klopft mit der Hand auf die dicke Mauer des Turms und fragt nachdenklich: „Du wirst nicht so leicht fallen, mein Guter.“ Bastille.“

Hugos philosophisches Konzept der 30er Jahre – eine Welt, geschaffen nach dem Gegensatz des Schönen, Sonnigen, Fröhlichen und Bösen, Hässlichen, Unmenschlichen, ihm von weltlichen und geistlichen Autoritäten künstlich aufgezwungen – spiegelt sich spürbar in den romantischen künstlerischen Mitteln von Notre Dame wider.

Alle Arten von Schrecken füllen das Werk, wie das „Rattenloch“, in dem sich reuige Sünder für immer einmauern, oder die Folterkammer, in der die arme Esmeralda gequält wird, oder das schreckliche Moncofon, in dem die ineinander verschlungenen Skelette von Esmeralda und Quasimodo entdeckt werden , wechseln sich mit prächtigen Bildern der Volkskunst ab, deren Verkörperung nicht nur die Kathedrale, sondern das gesamte mittelalterliche Paris ist, das im unvergesslichen „Paris aus der Vogelperspektive“ als „Steinchronik“ beschrieben wird.

Hugo scheint, entweder mit einem dünnen Bleistift oder mit Farben, ein Bild des mittelalterlichen Paris mit dem ihm innewohnenden Sinn für Farbe, Plastizität und Dynamik zu malen, der sich in ihm ab den „Orientalischen Motiven“ manifestierte. Der Künstler unterscheidet und vermittelt dem Leser nicht nur das Gesamtbild der Stadt, sondern auch die kleinsten Details, alle charakteristischen Details der gotischen Architektur. Hier sind die Paläste von Saint-Paul und die Tuiles (die nicht mehr dem König, sondern dem Volk gehören, da „seine Stirn zweimal gezeichnet ist ... von der Revolution“), und Villen und Abteien und Türme und die Straßen des alten Paris, auf helle und kontrastreiche romantische Weise eingefangen (das luftige und bezaubernde Schauspiel des La Tournelle-Palastes mit seinem hohen Wald aus Pfeilen, Türmchen und Glockentürmen und der monströsen Bastille, deren Kanonen schwarz zwischen den Zinnen hervorragen). Schnäbel). Das Spektakel, das Hugo uns zeigt, ist sowohl durchbrochen (da der Künstler den Leser durch einen Wald aus Türmen und Türmen auf Paris blicken lässt) als auch farbenfroh (so lenkt er seine Aufmerksamkeit auf die Seine in ihren Grün- und Gelbtönen, auf den blauen Horizont, zum Spiel von Schatten und Licht in einem düsteren Labyrinth von Gebäuden, auf einer schwarzen Silhouette, die in den kupferfarbenen Himmel des Sonnenuntergangs ragt), und plastisch (denn wir sehen immer die Silhouetten von Türmen oder die scharfen Umrisse von Türmen und Bergrücken) und dynamisch (Auf diese Weise wird der Leser aufgefordert, einen Fluss über die riesige Stadt zu „schütten“, ihn mit Inselkeilen auseinanderzureißen, ihn mit Brückenbögen zu komprimieren, das gotische Profil des alten Paris am Horizont herauszuarbeiten und sogar lassen seine Konturen im Winternebel schwanken, der an unzähligen Schornsteinen haftet). Der Autor dreht sozusagen das geschaffene Panorama vor seinen Augen und vervollständigt es, indem er die Fantasie des Lesers anregt; fasst es aus verschiedenen Blickwinkeln zusammen, bezieht sich auf verschiedene Jahreszeiten oder Stunden des Tages und nimmt in diesem Experiment die Erfahrung impressionistischer Künstler vorweg.

Das visuelle Bild des alten Paris wird durch seine Klangeigenschaften ergänzt, wenn im polyphonen Chor der Pariser Glocken „ein dicker Strom klingender Schwingungen ... über der Stadt schwebt, schwankt, hüpft, wirbelt“.

„...Der erste Schlag der Kupferzunge auf die Innenwände der Glocke erschütterte die Balken, an denen sie hing. Quasimodo schien mit der Glocke zu vibrieren. „Komm schon!“, schrie er und brach in sinnloses Gelächter aus. Die Glocke Immer schneller schwankte er, und je größer sein Winkel, desto größer wurde sein Blickfeld, und Quasimodos Auge, das in phosphoreszierendem Glanz flammte und funkelte, öffnete sich immer weiter.

Endlich begann das große Geläut, der ganze Turm bebte; Der Balken, die Dachrinnen, die Steinplatten, alles vom Fundamentpfahl bis zu den Kleeblättern, die den Turm krönten, summte gleichzeitig. Die ungezügelte, wütende Glocke öffnete ihr bronzenes Maul abwechselnd über einer Öffnung des Turms, dann über einer anderen, aus der der Hauch eines Sturms hervorbrach, der sich über vier Meilen im Umkreis ausbreitete. Es war die einzige für Quasimodos Ohr verständliche Sprache, der einzige Ton, der die Stille des Universums durchbrach. Und er sonnte sich wie ein Vogel in der Sonne. Plötzlich wurde die Wut der Glocke auf ihn übertragen; sein Auge nahm einen seltsamen Ausdruck an; Quasimodo lauerte auf die Glocke, wie eine Spinne auf eine Fliege, und als sie sich näherte, stürzte er sich kopfüber auf sie. Über dem Abgrund hängend, der Glocke in ihrer schrecklichen Reichweite folgend, packte er das Kupferungeheuer an den Ohren, drückte es fest mit seinen Knien, trieb es mit den Schlägen seiner Fersen und mit aller Kraft, mit dem ganzen Gewicht seines Körpers an , steigerte die Hektik des Klingelns ...“

Hugo hebt in der Gesamtsymphonie nicht nur die einzelnen Stimmen verschiedener Glockentürme hervor, von denen einige „leicht, geflügelt, durchdringend“ nach oben steigen, andere „schwer fallen“ nach unten, er schafft auch eine Art Appell der Klang- und Bildwahrnehmungen , einige Geräusche mit „blendenden Zickzacklinien“ von Blitzen vergleichend; Das Läuten der Alarmglocke der Kathedrale Notre Dame funkelt in seiner Beschreibung „wie Funken auf einem Amboss unter den Schlägen eines Hammers“, und der schnelle und scharfe Klang vom Glockenturm der Verkündigungskirche „funkelt und verstreut sich.“ wie ein diamantener Sternstrahl.“

Die romantische Wahrnehmung der Außenwelt ist, wie aus dieser Beschreibung hervorgeht, ungewöhnlich malerisch, klangvoll und bezaubernd: „Gibt es auf der ganzen Welt etwas Prächtigeres, Fröhlicheres, Schöneres und Blendenderes als dieses Durcheinander von Glocken und Glockentürmen?“ ”

Dieser Roman war ein großer Sieg für einen großen Künstler, ein Sieg, den selbst Hugos Feinde nicht leugnen konnten; Die künstlerischen Bilder des Romans waren unbestreitbarere und überzeugendere Argumente des innovativen Künstlers.

Der Roman besticht durch seinen Handlungsreichtum und seine Handlungsdynamik. Hugo scheint den Leser von einer Welt in eine ganz andere zu entführen: Die widerhallende Stille der Kathedrale wird plötzlich durch den Lärm des Platzes ersetzt, auf dem sich die Menschen tummeln, wo es so viel Leben und Bewegung gibt, wo das Tragische und Das Lustige, die Grausamkeit und der Spaß sind auf so seltsame und skurrile Weise miteinander verbunden. Doch nun befindet sich der Leser bereits unter den düsteren Gewölben der Bastille, wo die unheilvolle Stille durch das Stöhnen der in Steinsäcken schmachtenden Opfer unterbrochen wird.

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Einführung

Kapitel 1. Victor Hugo und seine romantischen Prinzipien

Kapitel 2. Roman – Drama „Kathedrale Notre Dame“

Kapitel 3. System der Charakterbilder im Roman

Kapitel 4. Konflikte und Probleme des Romans

Abschluss

Literaturverzeichnis

Einführung

Victor Marie Hugo ist ein großer französischer Dichter. Dank seines beispiellosen Talents hinterließ er eine Vielzahl von Werken: lyrische, satirische, epische Poesie, Drama in Versen und Prosa, Literaturkritik und eine Vielzahl von Briefen. Sein Werk umfasst drei Viertel des 19. Jahrhunderts. Einige Kritiker vergleichen ihn mit A.S. Puschkin in der russischen Literatur. V. Hugo ist der Begründer und Anführer der französischen Revolutionsromantik. Er war von Beginn seiner literarischen Karriere an ein Romantiker und blieb es bis an sein Lebensende.

„Notre Dame de Paris“ von V. Hugo aus dem Jahr 1831 wurde zum besten Beispiel eines historischen Romans, der ein vielfältiges Bild des mittelalterlichen französischen Lebens nachbildete.

Die kritische Einschätzung von W. Scott, die durch die Uneinigkeit des französischen Schriftstellers mit der kreativen Methode des „Vaters des historischen Romans“ hervorgerufen wurde, deutete darauf hin, dass Hugo eine besondere Art von historischem Roman schaffen und eine neue Sphäre des modischen Genres eröffnen wollte.

Ich habe gehofft, dass bei diesem Roman alles historisch klar ist: der Schauplatz, die Menschen, die Sprache, und das ist nicht das, worauf es in dem Buch ankommt. Wenn darin ein Wert steckt, dann nur deshalb, weil es ein Produkt der Fantasie ist.

Die „Kathedrale Notre Dame“ ist ein wichtiges Bindeglied für alle Charaktere und alle Ereignisse des Romans und Ausdruck der Seele des Volkes und der Philosophie der Zeit.

Abt Lamennais lobte Hugo zwar für seine reiche Vorstellungskraft, warf ihm jedoch seinen Mangel an Katholizismus vor.

In unserer Arbeit werden wir uns mit den Merkmalen des Romans „Kathedrale Notre Dame“ befassen. Wenden wir uns den Werken von Wissenschaftlern wie Solovyova, Treskunov, Petrash zu.

Kapitel 1. Victor Gyugo und seine romantischen Prinzipien

Victor Hugo (1802-1885) ging als Kopf und Theoretiker der französischen demokratischen Romantik in die Literaturgeschichte ein. Im Vorwort zum Drama „Cromwell“ stellte er anschaulich die Prinzipien der Romantik als einer neuen literarischen Strömung dar und erklärte damit dem Klassizismus, der noch immer einen starken Einfluss auf die gesamte französische Literatur hatte, den Kampf an. Dieses Vorwort wurde das „Manifest“ der Romantiker genannt.

Hugo fordert absolute Freiheit für Drama und Poesie im Allgemeinen. „Nieder mit allen möglichen Regeln und Mustern! „- ruft er im „Manifest“ aus. Die Ratgeber des Dichters, sagt er, sollten die Natur, die Wahrheit und seine eigene Inspiration sein; außer ihnen sind für den Dichter nur die Gesetze verbindlich, die sich in jedem Werk aus seiner Handlung ergeben.

Im „Vorwort zu Cromwell“ definiert Hugo das Hauptthema aller modernen Literatur – die Darstellung sozialer Konflikte in der Gesellschaft, die Darstellung des intensiven Kampfes verschiedener gegeneinander rebellierender gesellschaftlicher Kräfte

Hugo versuchte bereits vor dem „Vorwort“ in seinem Artikel über W. Scotts Roman „Quentin Durward“ das Hauptprinzip seiner romantischen Poetik – die Darstellung des Lebens in seinen Gegensätzen – zu konkretisieren. „Ist das Leben nicht“, schrieb er, „ein bizarres Drama, in dem sich Gut und Böse, schön und hässlich, hoch und niedrig vermischen – ein Gesetz, das in der gesamten Schöpfung gilt?“

Das Prinzip der kontrastierenden Gegensätze in Hugos Poetik basierte auf seinen metaphysischen Vorstellungen über das Leben der modernen Gesellschaft, in der der entscheidende Faktor der Entwicklung angeblich der Kampf gegensätzlicher moralischer Prinzipien – Gut und Böse – ist, die seit Ewigkeiten existieren.

Hugo widmet im „Vorwort“ der Definition des ästhetischen Konzepts des Grotesken einen bedeutenden Platz und betrachtet es als ein charakteristisches Element mittelalterlicher und moderner romantischer Poesie. Was meint er mit diesem Konzept? „Das Groteske als Gegensatz zum Erhabenen, als Kontrastmittel ist unserer Meinung nach die reichhaltigste Quelle, die die Natur der Kunst offenbart.“

Hugo stellte die grotesken Bilder seiner Werke den konventionell schönen Bildern des epigonischen Klassizismus gegenüber und glaubte, dass es unmöglich sei, die Fülle und Wahrheit des Lebens mit all dem Metaphysischen zu vermitteln, ohne sowohl erhabene als auch niedrige, sowohl schöne als auch hässliche Phänomene in die Literatur einzuführen Verständnis der Kategorie „Groteske“ Hugos Begründung dieses Elements der Kunst war dennoch ein Schritt vorwärts auf dem Weg, die Kunst der Wahrheit des Lebens näher zu bringen.

Hugo betrachtete das Werk Shakespeares als den Höhepunkt der Poesie der Neuzeit, denn seiner Meinung nach wurde in Shakespeares Werk eine harmonische Verbindung von Elementen der Tragödie und Komödie, des Grauens und des Lachens, des Erhabenen und des Grotesken verwirklicht – und die Verschmelzung Diese Elemente bilden das Drama, das „eine typische Schöpfung des dritten Zeitalters der Poesie, der modernen Literatur“ ist.

Hugo der Romantiker verkündete die freie, uneingeschränkte Fantasie im dichterischen Schaffen. Er glaubte, dass der Dramatiker das Recht habe, sich auf Legenden und echte historische Fakten zu verlassen und die historische Genauigkeit zu vernachlässigen. Ihm zufolge „sollte man im Drama nicht nach reiner Geschichte suchen, auch wenn es „historisch“ ist. Sie präsentiert Legenden, keine Fakten. Dies ist eine Chronik, keine Chronologie.“

Das „Vorwort zu Cromwell“ betont nachdrücklich den Grundsatz einer wahrheitsgetreuen und vielschichtigen Darstellung des Lebens. Hugo spricht von „Wahrhaftigkeit“ („le vrai“) als Hauptmerkmal romantischer Poesie. Hugo argumentiert, dass Drama kein gewöhnlicher Spiegel sein sollte, der ein flaches Bild liefert, sondern ein konzentrierender Spiegel, der „nicht nur farbige Strahlen nicht schwächt, sondern sie im Gegenteil sammelt und verdichtet und so Flimmern in Licht und Licht in Flammen verwandelt.“ .“ Hinter dieser metaphorischen Definition verbirgt sich der Wunsch des Autors, die charakteristischsten hellen Phänomene des Lebens aktiv auszuwählen und nicht einfach alles zu kopieren, was er sah. Das Prinzip der romantischen Typisierung, das auf den Wunsch hinausläuft, aus dem Leben die auffälligsten, einzigartigsten Merkmale, Bilder und Phänomene in ihrer Originalität auszuwählen, ermöglichte es romantischen Schriftstellern, sich effektiv der Reflexion des Lebens zu nähern, was ihre Poetik von der dogmatischen Poetik unterschied des Klassizismus.

Die Merkmale eines realistischen Verständnisses der Realität sind in Hugos Diskussion über „Lokalkolorit“ enthalten, womit er die Wiedergabe des wahren Handlungsrahmens, historischer und alltäglicher Merkmale der vom Autor gewählten Epoche meint. Er verurteilt die weit verbreitete Mode, dem fertigen Werk hastig Akzente in „Lokalkolorit“ zu setzen. Seiner Meinung nach sollte das Drama von innen mit der Farbe der Zeit gesättigt sein; es sollte an der Oberfläche erscheinen, „wie der Saft, der von der Wurzel eines Baumes bis zu seinem letzten Blatt aufsteigt“. Dies kann nur durch sorgfältiges und beharrliches Studium der dargestellten Epoche erreicht werden.

Hugo rät den Dichtern der neuen, romantischen Schule, den Menschen in der untrennbaren Verbindung seines Außenlebens und seiner Innenwelt darzustellen und fordert, „das Drama des Lebens mit dem Drama des Bewusstseins“ in einem Bild zu vereinen.

Der romantische Sinn des Historismus und der Widerspruch zwischen Ideal und Realität wurden in Hugos Weltanschauung und Werk auf einzigartige Weise gebrochen. Das Leben erscheint ihm voller Konflikte und Dissonanzen, denn darin herrscht ein ständiger Kampf zwischen zwei ewigen moralischen Prinzipien – Gut und Böse. Und die schreienden „Antithesen“ (Kontraste) sind aufgerufen, diesen Kampf – das wichtigste künstlerische Prinzip des Schriftstellers, verkündet im „Vorwort zu Cromwell“ – zu vermitteln, in dem die Bilder des Schönen und des Hässlichen gegenübergestellt werden, egal ob er zeichnet . er ist ein Bild der Natur, der Seele des Menschen oder des Lebens der Menschheit. Das Element des Bösen, das „Groteske“, wütet in der Geschichte; Bilder vom Zusammenbruch von Zivilisationen, vom Kampf der Völker gegen blutige Despoten, Bilder von Leid, Katastrophen und Ungerechtigkeit ziehen sich durch Hugos gesamtes Werk. Und doch wurde Hugo im Laufe der Jahre immer stärker in seinem Verständnis der Geschichte als einer rigorosen Bewegung vom Bösen zum Guten, von der Dunkelheit zum Licht, von Sklaverei und Gewalt zu Gerechtigkeit und Freiheit. Im Gegensatz zu den meisten Romantikern hat Hugo diesen historischen Optimismus von den Aufklärern des 18. Jahrhunderts geerbt.

Hugo greift die Poetik der klassizistischen Tragödie an und lehnt das Prinzip der Einheit von Ort und Zeit ab, das mit der künstlerischen Wahrheit unvereinbar ist. Die Scholastik und der Dogmatismus dieser „Regeln“, argumentiert Hugo, behindern die Entwicklung der Kunst. Es wahrt jedoch die Einheit der Handlung, also die Einheit der Handlung, da sie den „Naturgesetzen“ entspricht und dazu beiträgt, der Entwicklung der Handlung die nötige Dynamik zu verleihen.

Hugo protestiert gegen die Affektiertheit und Anmaßung des Stils der Epigonen des Klassizismus und plädiert für Einfachheit, Ausdruckskraft und Aufrichtigkeit der poetischen Sprache, für die Bereicherung ihres Wortschatzes durch die Einbeziehung von Volkssprüchen und erfolgreichen Neologismen, denn „Sprache hört nicht in ihrer Entwicklung auf.“ . Der menschliche Geist entwickelt sich ständig weiter oder, wenn man so will, verändert sich, und mit ihm verändert sich auch die Sprache.“ Hugo entwickelt seine Position zur Sprache als Mittel zum Ausdruck von Gedanken und stellt fest, dass, wenn jede Epoche etwas Neues zur Sprache bringt, „jede Epoche auch Wörter haben muss, die diese Konzepte ausdrücken“.

Hugos Stil zeichnet sich durch detaillierte Beschreibungen aus; Lange Exkurse sind in seinen Romanen keine Seltenheit. Manchmal stehen sie nicht in direktem Zusammenhang mit der Handlung des Romans, zeichnen sich aber fast immer durch Poesie oder pädagogischen Wert aus. Hugos Dialoge sind lebendig, dynamisch und farbenfroh. Seine Sprache ist voll von Vergleichen und Metaphern, Begriffen, die sich auf den Beruf der Helden und die Umgebung, in der sie leben, beziehen.

Die historische Bedeutung des „Vorworts zu Cromwell“ liegt darin, dass Hugo mit seinem literarischen Manifest der Schule des Klassizismus einen vernichtenden Schlag versetzte, von dem sie sich nicht mehr erholen konnte. Hugo forderte die Darstellung des Lebens in seinen Widersprüchen, Kontrasten, im Zusammenprall gegensätzlicher Kräfte und brachte damit die Kunst tatsächlich einer realistischen Darstellung der Realität näher.

Kapitel 2 . Roman - Drama „Kathedrale“Notre Dame von Paris“

Die Julirevolution von 1830, die die Bourbonenmonarchie stürzte, fand in Hugo einen glühenden Anhänger. Es besteht kein Zweifel, dass Hugos erster bedeutender Roman, Notre Dame de Paris, der im Juli 1830 begann und im Februar 1831 fertiggestellt wurde, auch die Atmosphäre des sozialen Aufschwungs widerspiegelte, die durch die Revolution verursacht wurde. Noch stärker als in Hugos Dramen wurden die im Vorwort zu Cromwell formulierten Prinzipien der fortgeschrittenen Literatur in Notre Dame verkörpert. Die vom Autor dargelegten ästhetischen Prinzipien sind nicht nur ein Manifest eines Theoretikers, sondern die vom Autor tief durchdachten und empfundenen Grundlagen der Kreativität.

Der Roman wurde Ende der 1820er Jahre konzipiert. Möglicherweise war der Anstoß für die Idee Walter Scotts Roman „Quentin Durward“, in dem die Handlung in Frankreich in derselben Ära spielt wie im zukünftigen „Cathedral“. Der junge Autor ging jedoch anders an seine Aufgabe heran als sein berühmter Zeitgenosse. Bereits 1823 schrieb Hugo in einem Artikel: „Nach dem malerischen, aber prosaischen Roman von Walter Scott muss ein weiterer Roman geschaffen werden, der sowohl dramatisch als auch episch sein wird.“ , malerisch, aber auch poetisch, voller Realität, aber gleichzeitig ideal, wahrhaftig.“ Genau das wollte der Autor von „Notre Dame de Paris“ erreichen.

Wie in Dramen wendet sich Hugo auch in Notre Dame der Geschichte zu; Diesmal richtete sich seine Aufmerksamkeit auf das späte französische Mittelalter, Paris am Ende des 15. Jahrhunderts. Das Interesse der Romantiker am Mittelalter entstand größtenteils als Reaktion auf die klassizistische Fokussierung auf die Antike. Auch der Wunsch, die verächtliche Haltung gegenüber dem Mittelalter zu überwinden, die sich dank der aufklärerischen Schriftsteller des 18 Rolle hier. Und schließlich, fast hauptsächlich, lockte das Mittelalter die Romantiker mit seiner Ungewöhnlichkeit an, als Gegenstück zur Prosa des bürgerlichen Lebens, dem tristen Alltag. Hier könne man, so glaubten die Romantiker, ganze, großartige Charaktere, starke Leidenschaften, Heldentaten und Märtyrertum im Namen der Überzeugungen treffen. All dies wurde noch in einer Aura eines gewissen Mysteriums wahrgenommen, das mit unzureichenden Kenntnissen des Mittelalters verbunden war, was durch die Hinwendung zu Volksmärchen und Legenden, die für romantische Schriftsteller eine besondere Bedeutung hatten, ausgeglichen wurde. Anschließend stellte Hugo im Vorwort zur Sammlung seiner historischen Gedichte „Legende der Zeitalter“ paradoxerweise fest, dass der Legende das gleiche Recht zugestanden werden sollte wie der Geschichte: „Die Menschheit kann aus zwei Gesichtspunkten betrachtet werden: aus der historischen und der legendär. Das Zweite ist nicht weniger wahr als das Erste. Das erste ist nicht weniger wahrsagekräftig als das zweite.“ Das Mittelalter erscheint in Hugos Roman in Form einer historischen Legende vor dem Hintergrund eines meisterhaft nachgebildeten historischen Flairs.

Die Grundlage, der Kern dieser Legende ist im Allgemeinen während der gesamten kreativen Karriere des reifen Hugo unverändert, die Sicht auf den historischen Prozess als eine ewige Konfrontation zwischen zwei Weltprinzipien – Gut und Böse, Barmherzigkeit und Grausamkeit, Mitgefühl und Intoleranz , Gefühle und Vernunft. Das Feld dieser Schlacht und verschiedener Epochen fesselt Hugos Aufmerksamkeit ungleich stärker als die Analyse einer konkreten historischen Situation. Daher der bekannte Suprahistorismus, die Symbolik von Hugos Helden, die Zeitlosigkeit seines Psychologismus. Hugo selbst gab offen zu, dass ihn die Geschichte als solche an dem Roman nicht interessierte: „Das Buch erhebt keinen Anspruch auf Geschichte, außer vielleicht, mit einem gewissen Wissen und einer gewissen Sorgfalt, sondern nur kurz und stoßweise den Zustand der Geschichte zu beschreiben.“ Moral, Glauben, Gesetze, Künste und schließlich die Zivilisation im fünfzehnten Jahrhundert. Dies ist jedoch nicht das Hauptthema des Buches. Wenn es eine Tugend hat, dann ist es, dass es ein Werk der Fantasie, Laune und Phantasie ist.“

Es ist bekannt, dass Hugo für Beschreibungen der Kathedrale und des Paris im 15. Jahrhundert sowie Darstellungen der Sitten dieser Zeit umfangreiches historisches Material studierte und sich erlaubte, sein Wissen unter Beweis zu stellen, wie er es auch in seinen anderen Romanen tat. Forscher des Mittelalters haben Hugos „Dokumentation“ sorgfältig geprüft und konnten darin keine schwerwiegenden Fehler finden, obwohl der Autor seine Informationen nicht immer aus Primärquellen bezog.

Und dennoch ist das Hauptthema des Buches, wenn wir Hugos Terminologie verwenden, „Laune und Fantasie“, also etwas, das vollständig durch seine Fantasie geschaffen wurde und kaum mit der Geschichte in Verbindung gebracht werden kann. Für die größte Popularität des Romans sorgen die darin aufgeworfenen ewigen ethischen Probleme und die im Vordergrund stehenden fiktiven Figuren, die längst (vor allem Quasimodo) in die Kategorie der literarischen Typen übergegangen sind.

Der Roman basiert auf einem dramatischen Prinzip: Drei Männer suchen die Liebe einer Frau; Die Zigeunerin Esmeralda wird vom Erzdiakon der Kathedrale Notre Dame, Claude Frollo, vom Glöckner der Kathedrale, dem Glöckner Quasimodo, und vom Dichter Pierre Gringoire geliebt, obwohl die Hauptrivalität zwischen Frollo und Quasimodo entsteht. Gleichzeitig schenkt die Zigeunerin dem gutaussehenden, aber leeren Edelmann Phoebus de Chateaupert ihre Gefühle.

Hugos Roman-Drama lässt sich in fünf Akte unterteilen. Im ersten Akt erscheinen Quasimodo und Esmeralda, die sich noch nicht gesehen haben, auf derselben Bühne. Diese Szene ist der Place de Greve. Hier tanzt und singt Esmeralda, und hier zieht eine Prozession vorbei, die mit komischer Feierlichkeit den Papst der Narren, Quasimodo, auf einer Trage trägt. Die allgemeine Heiterkeit wird durch die düstere Drohung des Glatzkopfes gestört: „Blasphemie! Blasphemie! Esmeraldas bezaubernde Stimme wird durch den schrecklichen Schrei des Einsiedlers vom Rolandturm unterbrochen: „Wirst du hier raus, ägyptische Heuschrecke?“ Das Spiel der Gegensätze endet mit Esmeralda, alle Handlungsstränge werden auf sie gerichtet. Und es ist kein Zufall, dass das festliche Feuer, das ihr schönes Gesicht erleuchtet, auch den Galgen erleuchtet. Dies ist nicht nur eine spektakuläre Gegenüberstellung – es ist der Beginn einer Tragödie. Die Handlung der Tragödie, die mit Esmeraldas Tanz auf dem Grevsky-Platz begann, endet hier – mit ihrer Hinrichtung.

Jedes Wort, das auf dieser Bühne gesprochen wird, ist voller tragischer Ironie. Die Drohungen des kahlen Mannes, des Erzdiakons der Kathedrale Notre Dame in Paris, Claude Frollo, werden nicht von Hass, sondern von Liebe diktiert, aber diese Liebe ist noch schlimmer als Hass. Leidenschaft verwandelt einen trockenen Schreiber in einen Bösewicht, der zu allem bereit ist, um von seinem Opfer Besitz zu ergreifen. Im Schrei: „Hexerei!“ - ein Vorbote von Esmeraldas zukünftigen Problemen: Claude Frollo wird von ihr abgelehnt und wird sie unerbittlich verfolgen, sie vor die Inquisition stellen und zum Tode verurteilen.

Überraschenderweise waren die Flüche des Einsiedlers auch von großer Liebe inspiriert. Sie wurde freiwillige Gefangene und trauerte um ihre einzige Tochter, die vor vielen Jahren von Zigeunern gestohlen wurde. Die unglückliche Mutter fordert himmlische und irdische Strafen auf Esmeraldas Kopf und ahnt nicht, dass die schöne Zigeunerin die Tochter ist, um die sie trauert. Flüche werden wahr. Im entscheidenden Moment werden die hartnäckigen Finger der Einsiedlerin Esmeralda nicht erlauben, sich zu verstecken, sie werden sie aus Rache am gesamten Zigeunerstamm festhalten, der die Mutter ihrer geliebten Tochter beraubt hat. Um die tragische Intensität zu steigern, wird die Autorin die Einsiedlerin zwingen, ihr Kind in Esmeralda zu erkennen – an Gedenkzeichen. Doch die Anerkennung wird das Mädchen nicht retten: Die Wachen sind bereits in der Nähe, ein tragischer Ausgang ist vorprogrammiert.

Im zweiten Akt wird derjenige, der gestern ein „Triumphator“ war – der Vater der Narren – „verurteilt“ (wieder im Kontrast). Nachdem Quasimodo mit Peitschenhieben bestraft und am Pranger zur Entweihung durch die Menge zurückgelassen wurde, erscheinen auf der Bühne des Place de Greve zwei Personen, deren Schicksal untrennbar mit dem Schicksal des Buckligen verbunden ist. Zuerst nähert sich Claude Frollo dem Pranger. Er war es, der einst ein hässliches Kind aufhob, das in den Tempel geworfen wurde, es großzog und zum Glöckner der Kathedrale Notre Dame machte. Seit seiner Kindheit hat sich Quasimodo an die Ehrfurcht vor seinem Retter gewöhnt und erwartet nun, dass er erneut zu Hilfe kommt. Aber nein, Claude Frollo geht mit heimtückisch gesenktem Blick vorbei. Und dann erscheint Esmeralda am Pranger. Zwischen den Schicksalen des Buckligen und der Schönen besteht zunächst ein Zusammenhang. Schließlich war er es, der Freak, den die Zigeuner in die Krippe legten, wo sie sie, die entzückende Kleine, entführten. Und nun steigt sie die Treppe zum leidenden Quasimodo hinauf und gibt ihm als einzige in der ganzen Menge Mitleid mit ihm und gibt ihm Wasser. Von diesem Moment an erwacht in Quasimodos Brust die Liebe, erfüllt von Poesie und heroischer Selbstaufopferung.

Wenn im ersten Akt die Stimmen von besonderer Bedeutung sind und im zweiten die Gesten, dann im dritten das Aussehen. Der Schnittpunkt der Ansichten ist die tanzende Esmeralda. Der Dichter Gringoire, der neben ihr auf dem Platz steht, blickt das Mädchen mitfühlend an: Sie habe ihm kürzlich das Leben gerettet. Der Hauptmann der königlichen Schützen, Phoebus de Chateaupert, in den sich Esmeralda bei ihrem ersten Treffen unsterblich verliebte, blickt sie vom Balkon eines gotischen Hauses aus an – das ist ein Blick der Wollust. Gleichzeitig blickt Claude Frollo von oben, vom Nordturm der Kathedrale aus, auf die Zigeunerin – das ist der Blick düsterer, despotischer Leidenschaft. Und noch höher, auf dem Glockenturm der Kathedrale, erstarrte Quasimodo und blickte das Mädchen mit großer Liebe an.

Im vierten Akt erreicht der schwindelerregende Schwung der Gegensätze seine Grenzen: Quasimodo und Esmeralda müssen nun die Rollen tauschen. Wieder einmal versammelte sich die Menschenmenge auf dem Place de Greve – und wieder waren alle Augen auf den Zigeuner gerichtet. Doch nun steht sie, angeklagt wegen versuchten Mordes und Hexerei, vor dem Galgen. Das Mädchen wurde zur Mörderin von Phoebus de Chateaupert erklärt – demjenigen, den sie mehr liebt als das Leben selbst. Und dazu bekennt sich derjenige, der den Kapitän tatsächlich verwundet hat – der wahre Verbrecher Claude Frollo. Um den Effekt zu vervollständigen, lässt der Autor Phoebus selbst, der die Wunde überlebt hat, sehen, wie die Zigeunerin gefesselt zur Hinrichtung geht. „Phöbus! Mein Phoebus!“ - Esmeralda ruft ihm „in einem Anfall von Liebe und Freude“ zu. Sie erwartet, dass der Kapitän der Schützen, seinem Namen entsprechend (Phoebus – „Sonne“, „schöner Schütze, der ein Gott war“), ihr Retter wird, doch er wendet sich feige von ihr ab. Esmeralda wird nicht von einer schönen Kriegerin gerettet, sondern von einem hässlichen, abgelehnten Glöckner. Der Bucklige wird die steile Mauer hinuntersteigen, die Zigeunerin den Händen der Henker entreißen und sie hochheben – zum Glockenturm der Kathedrale Notre Dame. Bevor Esmeralda, ein Mädchen mit einer geflügelten Seele, zum Gerüst hinaufsteigt, findet sie vorübergehend Zuflucht im Himmel – zwischen singenden Vögeln und Glocken.

Im fünften Akt naht die Zeit des tragischen Endes – der entscheidenden Schlacht und Hinrichtung auf dem Greve-Platz. Diebe und Betrüger, Bewohner des Pariser Hofes der Wunder, belagern die Kathedrale Notre Dame, und nur Quasimodo verteidigt sie heldenhaft. Die tragische Ironie der Episode besteht darin, dass beide Seiten gegeneinander kämpfen, um Esmeralda zu retten: Quasimodo weiß nicht, dass die Armee der Diebe gekommen ist, um das Mädchen zu befreien, die Belagerer wissen nicht, dass der Bucklige, der die Kathedrale verteidigt, sie beschützt Zigeuner.

„Ananke“ – Fels – mit diesem Wort beginnt der Roman, zu lesen an der Wand eines der Türme der Kathedrale. Auf Geheiß des Schicksals verrät sich Esmeralda, indem sie erneut den Namen ihrer Geliebten ruft: „Phoebus! Komm zu mir, mein Phoebus!“ - und sich dadurch selbst zerstören. Claude Frollo selbst wird unweigerlich in den „tödlichen Knoten“ geraten, mit dem er „den Zigeuner gezogen“ hat. Rock wird den Schüler zwingen, seinen Wohltäter zu töten: Quasimodo wird Claude Frollo von der Balustrade der Kathedrale Notre Dame werfen. Nur diejenigen, deren Charaktere für eine Tragödie zu oberflächlich sind, werden dem tragischen Schicksal entgehen. Über den Dichter Gringoire und den Offizier Phoebus de Chateaupere wird der Autor ironisch sagen: Sie „endeten tragisch“ – der erste wird nur zum Drama zurückkehren, der zweite wird heiraten. Der Roman endet mit der Antithese von Kleinlichkeit und Tragik. Der gewöhnlichen Ehe des Phoebus wird eine tödliche Ehe, eine Ehe im Tod, gegenübergestellt. Viele Jahre später werden in der Krypta verfallene Überreste gefunden – das Skelett von Quasimodo, das das Skelett von Esmeralda umarmt. Wenn sie voneinander getrennt werden wollen, wird Quasimodos Skelett zu Staub.

Romantisches Pathos tauchte bei Hugo bereits in der Organisation der Handlung auf. Die Geschichte der Zigeunerin Esmeralda, des Erzdiakons der Kathedrale Notre Dame Claude Frollo, des Glöckners Quasimodo, des Kapitäns der königlichen Schützen Phoebus de Chateaupert und anderer mit ihnen verbundener Charaktere ist voller Geheimnisse, unerwarteter Wendungen, tödlicher Zufälle und Unfälle . Die Schicksale der Helden überschneiden sich auf komplexe Weise. Quasimodo versucht auf Befehl von Claude Frollo Esmeralda zu stehlen, doch das Mädchen wird versehentlich von Wachen unter der Führung von Phoebus gerettet. Quasimodo wird für den Mordanschlag auf Esmeralda bestraft. Doch sie ist es, die dem unglücklichen Buckligen einen Schluck Wasser gibt, als er am Pranger steht, und ihn durch ihre freundliche Tat verwandelt.

Es kommt zu einer rein romantischen, augenblicklichen Charakterveränderung: Quasimodo verwandelt sich von einem brutalen Tier in einen Mann und gerät, nachdem er sich in Esmeralda verliebt hat, objektiv in eine Konfrontation mit Frollo, der eine verhängnisvolle Rolle im Leben des Mädchens spielt.

Es stellt sich heraus, dass die Schicksale von Quasimodo und Esmeralda in der fernen Vergangenheit eng miteinander verbunden waren. Esmeralda wurde als Kind von Zigeunern entführt und erhielt unter ihnen ihren exotischen Namen (Esmeralda bedeutet auf Spanisch „Smaragd“). Sie ließen ein hässliches Baby in Paris zurück, das dann von Claude Frollo aufgenommen wurde und ihn auf Lateinisch nannte (Qusimodo übersetzt). als „unvollendet“), aber auch in Frankreich ist Quasimodo der Name des Red Hill-Feiertags, an dem Frollo das Baby abholte.

Hugo bringt die emotionale Intensität der Handlung auf die Spitze, indem er Esmeraldas unerwartete Begegnung mit ihrer Mutter, der Einsiedlerin von Rolands Turm Gudula, schildert, die das Mädchen immer hasst und sie für eine Zigeunerin hält. Dieses Treffen findet buchstäblich nur wenige Minuten vor der Hinrichtung statt Esmeralda, die die Mutter vergeblich zu retten versucht. Doch das Verhängnisvolle in diesem Moment ist das Erscheinen von Phoebus, den das Mädchen innig liebt und dem es in seiner Blindheit vergeblich vertraut. Es ist daher nicht zu übersehen, dass der Grund für die angespannte Entwicklung der Ereignisse im Roman nicht nur der Zufall, eine unerwartete Kombination von Umständen, sondern auch die spirituellen Impulse der Charaktere, menschliche Leidenschaften sind: Leidenschaft zwingt Frollo, Esmeralda zu verfolgen , was zum Anstoß für die Entwicklung der zentralen Intrige des Romans wird; Liebe und Mitgefühl für das unglückliche Mädchen bestimmen das Handeln von Quasimodo, dem es vorübergehend gelingt, sie den Händen der Henker zu entreißen, und eine plötzliche Einsicht, Empörung über die Grausamkeit von Frollo, der Esmeraldas Hinrichtung mit hysterischem Gelächter begrüßte, lässt die hässliche Glocke läuten -Ringer in ein Instrument der gerechten Vergeltung verwandelt.

Kapitel3. System der Charakterbilder im Roman

Die Handlung im Roman „Kathedrale Notre Dame“ spielt am Ende des 15. Jahrhunderts. Der Roman beginnt mit dem Bild eines lauten Volksfestes in Paris. Hier gibt es eine bunt zusammengewürfelte Schar von Bürgern und Bürgerinnen; und flämische Kaufleute und Handwerker, die als Botschafter nach Frankreich kamen; und der Kardinal von Bourbon, außerdem Universitätsstudenten, Bettler, königliche Bogenschützen, die Straßentänzerin Esmeralda und der fantastisch hässliche Glockenläuter der Kathedrale Quasimodo. So groß ist die Vielfalt der Bilder, die dem Leser präsentiert werden.

Wie in anderen Werken Hugos sind die Charaktere scharf in zwei Lager gespalten. Die demokratischen Ansichten des Schriftstellers werden auch dadurch bestätigt, dass er hohe moralische Qualitäten nur in den unteren Schichten der mittelalterlichen Gesellschaft findet – bei der Straßentänzerin Esmeralda und dem Glöckner Quasimodo. Während der frivole Aristokrat Phoebus de Chateaupert, der religiöse Fanatiker Claude Frollo, der edle Richter, der königliche Staatsanwalt und der König selbst die Unmoral und Grausamkeit der herrschenden Klassen verkörpern.

„Die Kathedrale Notre Dame“ ist in Stil und Methode ein romantisches Werk. Darin findet sich alles, was für Hugos Dramaturgie charakteristisch war. Es enthält Übertreibungen und das Spiel mit Kontrasten, die Poetisierung des Grotesken und eine Fülle von Ausnahmesituationen in der Handlung. Die Essenz des Bildes offenbart sich bei Hugo nicht so sehr anhand der Charakterentwicklung, sondern im Gegensatz zu einem anderen Bild.

Das Bildsystem des Romans basiert auf der von Hugo entwickelten Theorie des Grotesken und dem Prinzip des Kontrasts. Die Charaktere sind in klar definierten Kontrastpaaren angeordnet: der Freak Quasimodo und die schöne Esmeralda, außerdem Quasimodo und der äußerlich unwiderstehliche Phoebus; Der unwissende Glöckner ist ein gelehrter Mönch, der alle mittelalterlichen Wissenschaften beherrscht; Auch Claude Frollo widersetzt sich Phoebus: Der eine ist ein Asket, der andere vertieft sich in das Streben nach Unterhaltung und Vergnügen. Der Zigeunerin Esmeralda wird die blonde Fleur-de-Lys gegenübergestellt – Phoebes Verlobte, ein reiches, gebildetes Mädchen, das der High Society angehört. Die Beziehung zwischen Esmeralda und Phoebus basiert auf Kontrasten: der Tiefe der Liebe, Zärtlichkeit und Subtilität der Gefühle in Esmeralda – und der Bedeutungslosigkeit, Vulgarität des geckenhaften Adligen Phoebus.

Die innere Logik von Hugos romantischer Kunst führt dazu, dass die Beziehungen zwischen stark gegensätzlichen Helden einen außergewöhnlichen, übertriebenen Charakter bekommen.

Quasimodo, Frollo und Phoebus lieben alle drei Esmeralda, aber in ihrer Liebe erscheint jeder als Antagonist des anderen, der eine Zeit lang eine Liebesbeziehung braucht. Frollo brennt vor Leidenschaft und hasst Esmeralda als Objekt seiner Wünsche. Quasimodo liebt das Mädchen selbstlos und selbstlos; Er tritt Phoebus und Frollo als ein Mann entgegen, dem auch nur ein Tropfen Selbstsucht in seinen Gefühlen fehlt, und erhebt sich dadurch über sie. Verbittert über die ganze Welt verwandelt sich der verbitterte Freak Quasimodo durch die Liebe und erweckt in ihm das gute, menschliche Prinzip. Bei Claude Frollo hingegen erweckt die Liebe das Biest. Der Kontrast zwischen diesen beiden Charakteren bestimmt den ideologischen Klang des Romans. Laut Hugo verkörpern sie zwei grundlegende Menschentypen.

So entsteht eine neue Kontrastebene: das äußere Erscheinungsbild und der innere Inhalt der Figur: Phoebus ist schön, aber innerlich langweilig, geistig arm; Quasimodo sieht hässlich aus, hat aber eine schöne Seele.

Somit ist der Roman als System polarer Gegensätze konstruiert. Diese Kontraste sind für den Autor nicht nur ein künstlerisches Mittel, sondern ein Spiegel seiner ideologischen Positionen und seines Lebenskonzepts. Die Konfrontation zwischen polaren Prinzipien scheint Hugos Romanze ewig im Leben zu sein, aber gleichzeitig möchte er, wie bereits erwähnt, die Bewegung der Geschichte zeigen. Laut dem französischen Literaturforscher Boris Revizov betrachtet Hugo den Epochenwechsel – den Übergang vom Frühmittelalter zum Spätmittelalter, also zur Renaissance – als eine allmähliche Anhäufung von Güte, Spiritualität, einer neuen Haltung gegenüber dem Welt und uns selbst gegenüber.

In den Mittelpunkt des Romans stellte der Autor das Bild von Esmeralda und machte sie zur Verkörperung spiritueller Schönheit und Menschlichkeit. Die Schaffung eines romantischen Bildes wird durch die lebendigen Merkmale erleichtert, die der Autor dem Erscheinungsbild seiner Figuren schon beim ersten Erscheinen verleiht. Als Romantiker verwendet er leuchtende Farben, kontrastierende Töne, emotionsreiche Beinamen und unerwartete Übertreibungen. Hier ist ein Porträt von Esmeralda: „Sie war kleinwüchsig, aber sie wirkte groß – so schlank war ihre Figur. Sie war dunkelhäutig, aber es war nicht schwer zu erraten, dass ihre Haut tagsüber diesen wunderbaren goldenen Farbton hatte, der für andalusische und römische Frauen charakteristisch ist. Das Mädchen tanzte, flatterte, wirbelte ... und jedes Mal, wenn ihr strahlendes Gesicht aufblitzte, blendete dich der Blick ihrer schwarzen Augen wie ein Blitz ... Dünn, zerbrechlich, mit nackten Schultern und gelegentlich schlanken Beinen, die unter ihrem Rock hervorblitzten, schwarz- behaart, schnell wie eine Wespe „, in einem goldenen Mieder, das eng an der Taille anliegt, in einem bunten, wallenden Kleid, mit leuchtenden Augen, sie schien wirklich wie ein überirdisches Wesen.“

Eine Zigeunerin, die auf den Plätzen singt und tanzt, zeigt ein Höchstmaß an Schönheit. Allerdings ist dieses hübsche Mädchen auch voller Widersprüche. Sie kann mit einem Engel oder einer Fee verwechselt werden und lebt unter Betrügern, Dieben und Mördern. Das Strahlen ihres Gesichts weicht einer „Grimask“, erhabenem Gesang – komischen Streichen mit einer Ziege. Wenn das Mädchen singt, wirkt sie „entweder verrückt oder wie eine Königin“.

Laut Hugo ist die Formel des Dramas und der Literatur des New Age „alles im Gegensatz“ . Nicht umsonst lobt der Autor von „The Cathedral“ Shakespeare, weil „er von einem Pol zum anderen reicht“, weil in ihm „die Komödie in Tränen ausbricht, aus Schluchzen das Lachen entsteht.“ Die Prinzipien des Romanautors Hugo sind dieselben – eine kontrastierende Stilmischung, eine Kombination aus „dem Bild des Grotesken und dem Bild des Erhabenen“, „dem Schrecklichen und dem Clownischen, der Tragödie und der Komödie“.

Victor Hugos Liebe zu Freiheit und Demokratie drückt sich im Bild des Glöckners Quasimodo aus – dem Niedrigsten der Klasse, der feudalen Hierarchie, einem Ausgestoßenen und auch hässlich, hässlich. Und wieder erweist sich dieses „niedere“ Wesen als eine Möglichkeit zur Beurteilung der gesamten Hierarchie der Gesellschaft, aller „höheren“, denn die Macht der Liebe und Selbstaufopferung verwandelt Quasimodo und macht ihn zu einem Mann, einem Helden. Als Träger wahrer Moral erhebt sich Quasimodo vor allem über den offiziellen Vertreter der Kirche, Erzdiakon Claude Frollo, dessen Seele durch religiösen Fanatismus entstellt ist. Quasimodos hässliches Aussehen ist eine gängige groteske Technik des romantischen Hugo, ein spektakulärer, eingängiger Ausdruck der Überzeugung des Schriftstellers, dass es nicht sein Aussehen ist, das einen Menschen schön macht, sondern seine Seele. Die paradoxe Kombination aus schöner Seele und hässlichem Aussehen macht Quasimodo zu einem romantischen Helden – zu einem Ausnahmehelden.

Die Erscheinung von Quasimodo, dem Glöckner der Kathedrale Notre Dame, scheint verkörpert zu sein grotesk – nicht umsonst wurde er einstimmig zum Papst der Narren gewählt. „Verdammter Teufel! - sagt einer der Schüler über ihn. - Schau ihn dir an - ein Buckliger. Wenn er geht, sieht man, dass er lahm ist. Er wird dich ansehen – schief. Wenn du mit ihm redest, wirst du taub.“ Diese Groteske ist jedoch nicht nur ein Höchstmaß an äußerer Hässlichkeit. Gesichtsausdruck und Gestalt des Buckligen sind nicht nur erschreckend, sondern in ihrer Widersprüchlichkeit auch überraschend. „...Es ist noch schwieriger, die Mischung aus Wut, Erstaunen und Traurigkeit zu beschreiben, die sich im Gesicht dieses Mannes widerspiegelte.“ Traurigkeit ist das, was dem schrecklichen Schein widerspricht; In dieser Traurigkeit liegt das Geheimnis großer spiritueller Möglichkeiten. Und in der Figur des Quasimodo liegt trotz der abstoßenden Merkmale – ein Buckel auf dem Rücken und der Brust, ausgerenkte Hüften – etwas Erhabenes und Heroisches: „... eine Art beeindruckender Ausdruck von Stärke, Beweglichkeit und Mut.“

Auch diese erschreckende Figur hat einen gewissen Reiz. Wenn Esmeralda die Verkörperung von Leichtigkeit und Anmut ist, dann ist Quasimodo die Verkörperung von Monumentalität, die Respekt vor Macht einflößt: „In seiner gesamten Figur gab es einen beeindruckenden Ausdruck von Stärke, Beweglichkeit und Mut – eine außergewöhnliche Ausnahme von der allgemeinen Regel, die dies erfordert.“ Kraft, wie Schönheit, floss aus Harmonie ... Es schien, als wäre es ein gebrochener und erfolglos zusammengeschweißter Riese.“ Aber in einem hässlichen Körper steckt ein empfängliches Herz. Mit seinen spirituellen Qualitäten stellt sich dieser einfache, arme Mann sowohl gegen Phoebus als auch gegen Claude Frollo.

Der Geistliche Claude, ein asketischer und alchemistischer Wissenschaftler, verkörpert einen kalten rationalistischen Geist, der über alle menschlichen Gefühle, Freuden und Zuneigungen triumphiert. Dieser Geist, der Vorrang vor dem Herzen hat und für Mitleid und Mitgefühl unzugänglich ist, ist für Hugo eine böse Kraft. Im Mittelpunkt des ihm im Roman entgegengesetzten guten Prinzips steht das Herz von Quasimodo, das Liebe braucht. Sowohl Quasimodo als auch Esmeralda, die Mitgefühl für ihn zeigten, sind völlige Antipoden von Claude Frollo, da ihre Handlungen vom Ruf des Herzens geleitet werden, einem unbewussten Wunsch nach Liebe und Güte. Selbst dieser spontane Impuls macht sie unermesslich höher als Claude Frollo, der seinen Geist mit allen Versuchungen mittelalterlicher Gelehrsamkeit in Versuchung führte. Wenn bei Claude die Anziehungskraft auf Esmeralda nur das sinnliche Prinzip weckt, ihn zu Verbrechen und Tod führt, wahrgenommen als Vergeltung für das Böse, das er begangen hat, dann wird Quasimodos Liebe entscheidend für sein spirituelles Erwachen und seine Entwicklung; Der Tod von Quasimodo am Ende des Romans wird im Gegensatz zum Tod von Claude als eine Art Apotheose wahrgenommen: Es ist die Überwindung der körperlichen Hässlichkeit und der Triumph der Schönheit des Geistes.

In den Charakteren, Konflikten, der Handlung und der Landschaft der „Kathedrale Notre Dame“ siegte das romantische Prinzip der Widerspiegelung des Lebens – außergewöhnliche Charaktere in außergewöhnlichen Umständen. Die Umstände sind so extrem, dass sie den Anschein eines unwiderstehlichen Schicksals erwecken. So stirbt Esmeralda an den Folgen der Taten vieler Menschen, die nur das Beste für sie wollen: eine ganze Armee von Vagabunden, die die Kathedrale angreifen, Quasimodo, der die Kathedrale verteidigt, Pierre Gringoire, der Esmeralda aus der Kathedrale bringt, und sogar ihre eigene Mutter, die sie festnimmt ihre Tochter, bis die Soldaten erscheinen. Aber hinter dem kapriziösen Spiel des Schicksals, hinter seiner scheinbaren Zufälligkeit, erkennt man das Muster typischer Umstände dieser Zeit, die jede Manifestation von Freidenken, jeden Versuch eines Menschen, sein Recht zu verteidigen, zum Tode verurteilte. Quasimodo blieb nicht nur ein visueller Ausdruck der romantischen Ästhetik des Grotesken – der Held, der Esmeralda aus den räuberischen Fängen der „Gerechtigkeit“ riss und seine Hand gegen einen Vertreter der Kirche erhob, wurde zum Symbol der Rebellion, zum Vorboten der Revolution.

Im Roman gibt es eine „Figur“, die alle Charaktere um sich herum vereint und fast alle Haupthandlungsstränge des Romans zu einem Ball zusammenfasst. Der Name dieser Figur ist im Titel von Hugos Werk enthalten – Kathedrale Notre Dame.

Im dritten Buch des Romans, das ganz der Kathedrale gewidmet ist, singt der Autor buchstäblich eine Hymne auf diese wunderbare Schöpfung menschlichen Genies. Für Hugo ist die Kathedrale „wie eine riesige steinerne Symphonie, eine kolossale Schöpfung von Mensch und Volk … ein wunderbares Ergebnis der Vereinigung aller Kräfte der Epoche, in der aus jedem Stein die Fantasie eines Arbeiters spritzt und Hunderte entstehen.“ von Formen, diszipliniert durch das Genie des Künstlers... Diese Schöpfung menschlicher Hände ist kraftvoll und reichlich, wie ein Schöpfungsgott, von dem sie einen doppelten Charakter zu übernehmen schien: Vielfalt und Ewigkeit ... "

Die Kathedrale wurde zum Hauptschauplatz; die Schicksale von Erzdiakon Claude, Frollo, Quasimodo und Esmeralda sind damit verbunden. Die Steinskulpturen der Kathedrale zeugen von menschlichem Leid, Adel und Verrat und gerechter Vergeltung. Indem der Autor die Geschichte der Kathedrale erzählt und uns vorstellt, wie sie im fernen 15. Jahrhundert aussah, erzielt sie eine besondere Wirkung. Die Realität der Steinbauten, die bis heute in Paris zu beobachten sind, bestätigt in den Augen des Lesers die Realität der Charaktere, ihrer Schicksale und die Realität menschlicher Tragödien.

Die Schicksale aller Hauptfiguren des Romans sind untrennbar mit dem Rat verbunden, sowohl durch die äußeren Umrisse der Ereignisse als auch durch die Fäden innerer Gedanken und Motivationen. Dies gilt insbesondere für die Bewohner des Tempels: Erzdiakon Claude Frollo und den Glöckner Quasimodo. Im fünften Kapitel des vierten Buches lesen wir: „...Ein seltsames Schicksal ereilte die Kathedrale Unserer Lieben Frau in jenen Tagen – das Schicksal, von zwei so unterschiedlichen Geschöpfen wie Claude und Quasimodo so ehrfurchtsvoll, aber auf völlig unterschiedliche Weise geliebt zu werden . Einer von ihnen – ein Anschein eines Halbmenschen, wild, nur dem Instinkt unterworfen, liebte die Kathedrale wegen ihrer Schönheit, wegen ihrer Harmonie, wegen der Harmonie, die dieses großartige Ganze ausstrahlte. Ein anderer, begabt mit einer leidenschaftlichen, mit Wissen angereicherten Vorstellungskraft, liebte seine innere Bedeutung, die darin verborgene Bedeutung, liebte die damit verbundene Legende, seine Symbolik, die sich hinter den skulpturalen Verzierungen der Fassade verbirgt – mit einem Wort, liebte das Geheimnis, das geblieben ist für den menschlichen Geist seit jeher die Kathedrale Notre Dame.“

Für Erzdiakon Claude Frollo ist die Kathedrale ein Ort des Wohnsitzes, des Gottesdienstes und der halbwissenschaftlichen, halbmystischen Forschung, ein Behälter für all seine Leidenschaften, Laster, Reue, Hingabe und letztendlich seinen Tod. Der Geistliche Claude Frollo, ein asketischer und alchemistischer Wissenschaftler, verkörpert einen kalten rationalistischen Geist, der über alle guten menschlichen Gefühle, Freuden und Zuneigungen triumphiert. Dieser Geist, der Vorrang vor dem Herzen hat und für Mitleid und Mitgefühl unzugänglich ist, ist für Hugo eine böse Kraft. Die niederträchtigen Leidenschaften, die in Frollos kalter Seele aufflammten, führten nicht nur zu seinem eigenen Tod, sondern sind auch die Ursache für den Tod aller Menschen, die ihm in seinem Leben etwas bedeuteten: Jehan, der jüngere Bruder des Erzdiakons, stirbt durch die Hand von Quasimodo, dem Reinen und die schöne Esmeralda stirbt am Galgen, von Claude den Behörden ausgeliefert, begibt sich die Schülerin des Priesters Quasimodo, von ihm zunächst gezähmt und dann tatsächlich verraten, freiwillig in den Tod. Die Kathedrale, sozusagen ein integraler Bestandteil des Lebens von Claude Frollo, fungiert auch hier als vollwertiger Teilnehmer an der Handlung des Romans: Von ihren Emporen aus beobachtet der Erzdiakon Esmeralda beim Tanzen auf dem Platz; In der von ihm für die Ausübung der Alchemie ausgestatteten Zelle der Kathedrale verbringt er Stunden und Tage mit Studien und wissenschaftlichen Forschungen, hier bittet er Esmeralda um Mitleid und Liebe. Die Kathedrale wird schließlich zum Ort seines schrecklichen Todes, den Hugo mit verblüffender Kraft und psychologischer Authentizität beschreibt.

In dieser Szene wirkt auch die Kathedrale fast wie ein belebtes Wesen: Nur zwei Zeilen widmen sich der Art und Weise, wie Quasimodo seinen Mentor von der Balustrade stößt, die nächsten beiden Seiten beschreiben Claude Frollos „Konfrontation“ mit der Kathedrale: „Der Glockenläuter zog sich ein paar zurück Schritte hinter dem Erzdiakon und plötzlich, in einem Anfall von Wut, stürzte er ihn in den Abgrund, über den sich Claude beugte... Der Priester fiel hin... Das Abflussrohr, über dem er stand, stoppte seinen Sturz. In seiner Verzweiflung klammerte er sich mit beiden Händen daran fest ... Ein Abgrund gähnte unter ihm ... In dieser schrecklichen Situation brachte der Erzdiakon kein Wort hervor, kein einziges Stöhnen. Er zappelte einfach und unternahm übermenschliche Anstrengungen, um die Rutsche zur Balustrade hinaufzuklettern. Aber seine Hände glitten über den Granit, seine Beine kratzten an der geschwärzten Wand und suchten vergeblich nach Halt ... Der Erzdiakon war erschöpft. Schweiß lief ihm über die kahle Stirn, Blut sickerte unter seinen Nägeln auf die Steine ​​und seine Knie waren verletzt. Er hörte, wie bei jeder Anstrengung, die er unternahm, seine Soutane an der Dachrinne hängen blieb, knackte und riss. Um das Unglück noch schlimmer zu machen, endete die Rinne in einem Bleirohr, das sich unter der Last seines Körpers verbogen hatte ... Die Erde verschwand nach und nach unter ihm, seine Finger glitten über die Rinne, seine Arme wurden schwächer, sein Körper wurde schwerer ... Er betrachtete die teilnahmslosen Skulpturen des Turms, die wie er über dem Abgrund hingen, aber ohne Angst um sich selbst, ohne Reue für ihn. Alles um ihn herum war aus Stein: Direkt vor ihm waren die offenen Mäuler von Monstern, unter ihm, in den Tiefen des Platzes, war das Pflaster, über seinem Kopf war ein weinender Quasimodo.“

Ein Mann mit einer kalten Seele und einem Herzen aus Stein befand sich in den letzten Minuten seines Lebens allein mit einem kalten Stein – und erwartete kein Mitleid, Mitleid oder Gnade von ihm, weil er selbst niemandem Mitgefühl, Mitleid entgegenbrachte , oder Gnade.

Noch mysteriöser und unverständlicher ist der Zusammenhang mit der Kathedrale von Quasimodo – diesem hässlichen Buckligen mit der Seele eines verbitterten Kindes. Dazu schreibt Hugo: „Im Laufe der Zeit verbanden den Glöckner starke Bindungen mit der Kathedrale. Für immer von der Welt abgeschnitten durch das doppelte Unglück, das auf ihm lastete – seine dunkle Herkunft und seine körperliche Missbildung, seit seiner Kindheit in diesem doppelten unüberwindlichen Kreis geschlossen, war der arme Kerl daran gewöhnt, nichts zu bemerken, was auf der anderen Seite der heiligen Mauern lag die ihn unter ihrem Baldachin schützten. Während er wuchs und sich entwickelte, diente ihm die Liebfrauenkathedrale als Ei, dann als Nest, dann als Zuhause, dann als Heimat und schließlich als Universum.

Es bestand zweifellos eine Art geheimnisvolle, vorherbestimmte Harmonie zwischen dieser Kreatur und dem Gebäude. Als sich Quasimodo, noch ein ganz kleiner Junge, mit mühsamen Anstrengungen im Galopp unter den düsteren Bögen durchschlug, kam er mit seinem menschlichen Kopf und tierischen Körper wie ein Reptil vor, das auf natürliche Weise zwischen den feuchten und düsteren Platten auftauchte. .

So wurde Quasimodo schließlich wie er, indem er sich im Schatten der Kathedrale entwickelte, in ihr lebte und schlief, sie fast nie verließ und ständig ihren geheimnisvollen Einfluss erlebte; Es schien, als wäre es in das Gebäude hineingewachsen und zu einem seiner Bestandteile geworden. Man kann fast ohne Übertreibung sagen, dass es die Form einer Kathedrale annahm, so wie Schnecken die Form eines Muschelhauses annehmen. Dies war sein Zuhause, sein Versteck, seine Hülle. Zwischen ihm und dem antiken Tempel bestand eine tiefe instinktive Bindung, eine körperliche Verbundenheit ...“

Wenn wir den Roman lesen, sehen wir, dass die Kathedrale für Quasimodo alles war – ein Zufluchtsort, ein Zuhause, ein Freund, sie schützte ihn vor der Kälte, vor menschlicher Bosheit und Grausamkeit, sie befriedigte das Bedürfnis eines von den Menschen abgelehnten Freaks nach Kommunikation: „ Nur mit äußerster Zurückhaltung richtete er seinen Blick auf viele Menschen. Eine Kathedrale, bevölkert von Marmorstatuen von Königen, Heiligen, Bischöfen, die ihm zumindest nicht ins Gesicht lachten und ihn mit einem ruhigen und wohlwollenden Blick ansahen, reichte ihm völlig aus. Die Statuen von Monstern und Dämonen hassten ihn auch nicht – er war ihnen zu ähnlich ... Die Heiligen waren seine Freunde und beschützten ihn; Die Monster waren auch seine Freunde und beschützten ihn. Er schüttete ihnen lange Zeit seine Seele aus. Er hockte vor einer Statue und redete stundenlang mit ihr. Wenn zu dieser Zeit jemand den Tempel betrat, lief Quasimodo davon wie ein Liebhaber, der in einer Serenade gefangen ist.“

Nur ein neues, stärkeres, bisher ungewohntes Gefühl könnte diese untrennbare, unglaubliche Verbindung zwischen Mensch und Gebäude erschüttern. Dies geschah, als ein Wunder, verkörpert in einem unschuldigen und schönen Bild, in das Leben eines Ausgestoßenen trat. Der Name des Wunders ist Esmeralda. Hugo verleiht dieser Heldin die besten Eigenschaften, die Vertretern des Volkes innewohnen: Schönheit, Zärtlichkeit, Freundlichkeit, Barmherzigkeit, Einfachheit und Naivität, Unbestechlichkeit und Loyalität. Leider waren all diese Eigenschaften in grausamen Zeiten unter grausamen Menschen eher Nachteile als Vorteile: Freundlichkeit, Naivität und Einfachheit helfen nicht, in der Welt der Wut und des Eigennutzes zu überleben. Esmeralda starb, verleumdet von ihrem Geliebten Claude, verraten von ihrem Geliebten Phoebus und nicht gerettet von Quasimodo, der sie verehrte und vergötterte.

Quasimodo, der es sozusagen geschafft hat, die Kathedrale mit Hilfe derselben Kathedrale – seinem integralen „Teil“ – in den „Mörder“ des Erzdiakons zu verwandeln, versucht, die Zigeunerin zu retten, indem er sie von ihrem Ort stiehlt Hinrichtung und Nutzung der Zelle der Kathedrale als Zufluchtsort, d. h. als Ort, an dem die von Gesetz und Autorität verfolgten Kriminellen für ihre Verfolger unzugänglich waren und hinter den heiligen Mauern der Zuflucht die Verurteilten unverletzlich waren. Der böse Wille der Menschen erwies sich jedoch als stärker und die Steine ​​der Liebfrauenkathedrale retteten Esmeraldas Leben nicht.

Kapitel4. Konflikte und Probleme des Romans

Kathedrale Notre-Dame von Paris

In jeder historischen Epoche unterscheidet Hugo trotz all seiner verschiedenen Widersprüche den Kampf zwischen zwei moralischen Hauptprinzipien. Seine Helden – sowohl in Notre-Dame de Paris als auch noch mehr in seinen späteren Romanen – sind nicht nur aufgeweckte, lebhafte Charaktere, sozial und historisch geprägt; Ihre Bilder entwickeln sich zu romantischen Symbolen, werden zu Trägern sozialer Kategorien, abstrakter Konzepte und letztlich der Ideen von Gut und Böse.

In „Notre Dame de Paris“, das ganz auf spektakulären „Antithesen“ basiert, die die Konflikte der Übergangszeit widerspiegeln, ist der Hauptgegensatz die Welt des Guten und die Welt des Bösen. „Das Böse“ im Roman wird konkretisiert – das ist die Feudalordnung und der Katholizismus. Die Welt der Unterdrückten und die Welt der Unterdrücker: Einerseits ist das königliche Schloss Bastille der Zufluchtsort eines blutigen und verräterischen Tyrannen, das Adelshaus Gondelaurier ist der Wohnsitz „anmutiger und unmenschlicher“ Damen und Herren, auf der anderen Seite die Pariser Plätze und Slums des „Hofes der Wunder“; wo die Benachteiligten leben. Der dramatische Konflikt basiert nicht auf dem Kampf zwischen Königen und Feudalherren, sondern auf der Beziehung zwischen Volkshelden und ihren Unterdrückern.

Die königliche Macht und ihre Stütze, die katholische Kirche, werden im Roman als volksfeindliche Kraft dargestellt. Dies definiert das Bild des berechnend grausamen Königs Ludwig XI. und das Bild des düsteren fanatischen Erzdiakons Claude Frollo.

Die äußerlich brillante, aber in Wirklichkeit leere und herzlose Adelsgesellschaft verkörpert das Bild von Kapitän Phoebus de Chateaupert, einem unbedeutenden Kerl und unhöflichen Martinet, der nur für Esmeraldas liebevollen Blick wie ein Ritter und ein Held erscheinen kann; Wie der Erzdiakon ist Phoebus zu selbstlosem und selbstlosem Gefühl unfähig.

Das Schicksal von Quasimodo ist außergewöhnlich in seiner Anhäufung schrecklicher und grausamer Dinge, aber es (schrecklich und grausam) wird durch die Ära und Position von Quasimodo bestimmt. Claude Frollo ist die Verkörperung des Mittelalters mit seinem dunklen Fanatismus und Askese, aber seine Gräueltaten werden durch die Verzerrung der menschlichen Natur hervorgerufen, für die der religiöse Obskurantismus des mittelalterlichen Katholizismus verantwortlich ist. Esmeralda ist die poetisierte „Seele des Volkes“, ihr Bild ist fast symbolisch, aber das persönliche tragische Schicksal einer Straßentänzerin ist das mögliche Schicksal jedes echten Mädchens aus dem Volk unter diesen Bedingungen.

Spirituelle Größe und hohe Menschlichkeit sind nur den Außenseitern der Gesellschaft eigen; sie sind die wahren Helden des Romans. Die Straßentänzerin Esmeralda symbolisiert die moralische Schönheit der Menschen, der taube und hässliche Glöckner Quasimodo symbolisiert die Hässlichkeit des sozialen Schicksals der Unterdrückten.

In der Kritik wurde immer wieder darauf hingewiesen, dass beide Figuren, Esmeralda und Quasimodo, im Roman verfolgt werden, machtlose Opfer eines unfairen Prozesses und grausamer Gesetze: Esmeralda wird gefoltert und zum Tode verurteilt, Quasimodo wird leicht an den Pranger gestellt. In der Gesellschaft ist er ein Ausgestoßener, ein Ausgestoßener. Doch nachdem der Romantiker Hugo das Motiv für die gesellschaftliche Einschätzung der Realität kaum skizziert hat (wie übrigens in der Darstellung des Königs und des Volkes), richtet er seine Aufmerksamkeit auf etwas anderes. Ihn interessiert das Aufeinandertreffen moralischer Prinzipien, ewiger Polarkräfte: Gut und Böse, Selbstlosigkeit und Egoismus, das Schöne und das Hässliche.

Hugo drückte sein Mitgefühl für die „Leidenden und Benachteiligten“ aus und war erfüllt von tiefem Glauben an den Fortschritt der Menschheit, an den endgültigen Sieg des Guten über das Böse, an den Triumph des humanistischen Prinzips, das das Böse in der Welt überwinden und Harmonie und Gerechtigkeit schaffen wird die Welt.

Abschluss

„Notre Dame“ war der größte Sieg des jungen Anführers der französischen progressiven Romantiker auf dem Gebiet der Prosa. Die Prinzipien, die er im Vorwort zu Cromwell verkündete, wurden von Hugo im Roman erfolgreich angewendet. Die Realität des Bildes vom Leben in einer mittelalterlichen Stadt verbindet sich hier mit dem freien Lauf der Fantasie. Historische Genauigkeit geht mit poetischer Fiktion einher. Die Vergangenheit schwingt mit der Gegenwart mit.

Exkursionen in die Geschichte helfen Hugo, die Befreiung seines Bewusstseins von der Unterdrückung religiöser Dogmen zu erklären. Dies wird konkret am Beispiel von Quasimodo gezeigt. Das Wesen dieses „fast“-Mannes (Quasimodo bedeutet „als ob“, „fast“) wurde durch die Liebe verändert, und er war nicht nur unfähig, Esmeraldas Konflikt mit Claude Frollo zu verstehen, sondern auch nicht, die schöne Tänzerin aus den Händen zu reißen „Gerechtigkeit“, sondern auch zu beschließen, ihren Verfolger Frollo, ihren Adoptivvater, zu töten. Somit wird das Thema des historischen Prozesses im Roman verkörpert. Dieser Prozess führt zum Erwachen einer humaneren Moral und im Allgemeinen zu einer Veränderung des symbolischen „Steinbuchs des Mittelalters“. Die Aufklärung wird das religiöse Bewusstsein besiegen: Diese Idee wird in einem der Kapitel des Romans mit dem Titel „This Will Kill That“ festgehalten.

Der Stil des Romans und die Komposition selbst sind gegensätzlich: Die ironische Männlichkeit der Gerichtsverhandlungen wird durch den Rabelaisschen Humor der Menge beim Tauffest und dem Narrenfest ersetzt; Esmeraldas romantische Liebe zu Quasimodo steht im Gegensatz zu Claude Frollos monströser Liebe zu Esmeralda. Der gesamte Grundriss des Romans ist kontrastreich, und das ist das Hauptmerkmal von Hugos romantischer Methode. Hier ist eine polyphone Menge, in der die schöne Esmeralda tanzt, die das Gute und Kluge, Talentierte und Natürliche verkörpert, und der bucklige Glöckner Quasimodo, hässlich, aber mit innerer Schönheit ausgestattet, die selbstlose, selbstlose Liebe nährt, zwei verschiedene Gesichter darstellen. Quasimodo erschreckt durch seine Hässlichkeit, und sein Lehrer, Erzdiakon Claude Frollo, erschreckt durch seine alles verzehrende Leidenschaft, die die verwirrte Seele von Quasimodo und Esmeralda zerstört; oder ein anderer, nicht weniger grausamer König von Frankreich, trotz seiner äußerlichen Frömmigkeit. Es gibt auch viele Widersprüche in den Beziehungen zwischen allen Charakteren des Romans, den Hugo in einer engen Verflechtung von Erhabenem und Niedrigem, Tragischem und Komischem geschaffen hat. Dieser leidenschaftliche Kontrast des Romans, der scharfe Kontrast von positiven und negativen Charakteren, die unerwarteten Diskrepanzen zwischen dem äußeren und inneren Inhalt der menschlichen Natur können als Wunsch des Schriftstellers verstanden werden, den Widerspruch der zeitgenössischen Realität anhand des Materials des Frankreichs des 15. Jahrhunderts aufzuzeigen .

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Das größte Werk Victor Hugos aus dieser Zeit seines Schaffens ist die „Kathedrale Notre Dame“.

Sie schreiben oft, dass die Menschen in diesem Roman von Hugo ein vergessenes Bedürfnis seien, nicht einmal ein Volk, sondern deklassierte Elemente der mittelalterlichen Gesellschaft, eine zerstörerische Kraft. Wenn sie dies behaupten, vergessen sie normalerweise das wichtigste Merkmal der Charakterisierung der Menschen in „Notre Dame de Paris“ – dass sie als eine gewaltige Kraft dargestellt werden, die gleichzeitig einen enormen Sinn für Gerechtigkeit, Menschlichkeit, Adel, weder Phoebus de Chateaupert noch Priester Frollo, geschweige denn Ludwig XI., der verzweifelt seine Schützen, Ritter und Gendarmen einsetzte, um den aufstrebenden „Hof der Wunder“ zu unterdrücken. Man kann nicht sagen, dass die Ära Ludwigs XI. – des Schöpfers einer einheitlichen französischen Monarchie – in diesem Roman ausreichend vollständig widergespiegelt wird. Aber dass Hugo viele der unmenschlichen Mittel, mit denen die vereinte französische Monarchie aufgebaut wurde, richtig aufgezeigt hat, steht außer Zweifel.

Der Zeitraum von Mitte 20 bis Mitte 30. kann als die erste bedeutende Periode von Hugos Schaffensentwicklung angesehen werden, in der bereits zutiefst originelle Kunstwerke entstanden, die zu Recht die Aufmerksamkeit ganz Europas auf Hugo zogen.

Die nächsten Jahre, ab Mitte der 30er Jahre, waren für die Entwicklung von Hugos Werk besonders schwierig. vor der Revolution von 1848. Diese Zeit wird manchmal als die Zeit von Hugos Krise angesehen, was durch das Fehlen bedeutender neuer Werke bewiesen wird, die in ihrer Stärke mit den vorherigen vergleichbar wären oder auf eine Art Verschiebung in der Geschichte hinweisen würden Schriftsteller, ein Übergang zu neuen Themen. Tatsächlich wurden in diesen Jahren viele schwache Werke geschrieben, unter denen das Drama „Burggraf“ besonders bezeichnend ist und von Belinsky in einer Sonderrezension über die Inszenierung dieses Dramas in einem der St. Petersburger Theater zu Recht hart bewertet wurde. Zahlreiche Beispiele für Hugos dichterisches Schaffen in diesen Jahren sind ebenfalls nicht von besonderem Interesse und weit entfernt von den noch bevorstehenden hohen Leistungen des Dichters Hugo.

Aber einer der Tatsachen, die bezeugen, dass die Entwicklung des Schriftstellers nicht aufgehört hat, dass seine kritische Haltung gegenüber der Herrschaft der Bourgeoisie sich langsam aber sicher verstärkt, nicht in ihrer monarchischen Form, sondern in ihrem Wesen, war der wachsende Protest gegen die Unterdrückung und Ausbeutung, gegen die Macht des reinen Spiels, – eine dieser Tatsachen ist die Arbeit an der ersten Fassung des Romans „Les Miserables“.

Diese erste Fassung unterscheidet sich deutlich von dem in den 60er Jahren verfassten Roman „Les Misérables“. und beim Leser einen so wohlverdienten Erfolg zu haben. Aber es enthält auch eine Kritik des bürgerlichen Systems, einen scharfen Kontrast zwischen der Stellung der besitzenden Klassen und der unterdrückten, ausgebeuteten Massen, eine direkte Widerspiegelung der Widersprüche zwischen Arbeit und Kapital, deren Klärung Hugo anstrebte. Da die Arbeit des Autors natürlich nicht als eine Art Ansammlung von Materialien betrachtet werden kann, sondern als ein Prozess, in dem sich bestimmte Trends entwickeln, können wir mit Recht glauben, dass die Arbeit an der ersten Version von „Les Misérables“ der wertvollste Moment davon ist zweite Periode von Hugos Entwicklung, Vorbereitung der Kunst von Hugo, dem Schriftsteller der 60er Jahre

Es ist wichtig, die Frage des Beginns der dritten Phase im Werk des Künstlers zu klären. Sollten wir es auf 1851 datieren, das Jahr von Hugos Exil, dem Jahr des Beginns seines Kampfes gegen das Zweite Kaiserreich, oder, nachdem wir seine Aktivitäten während der Jahre der Republik studiert haben, den Übergang zu dieser Phase bereits im Kontext von erfassen die Ereignisse von 1848?

Obwohl Hugo dazu neigte, die Zweite Republik zu idealisieren, geriet er lange vor den Dezemberereignissen in einen Kampf mit der stattfindenden bürgerlichen Reaktion. ein systematischer Angriff auf die allgemeinen demokratischen Freiheiten, die 1848 errungen wurden. Herzen war in „Vergangenheit und Gedanken“ der Erste, der den Beginn des Wachstums seiner demokratischen Gefühle bemerkte, das genau in den Jahren der Zweiten Republik stattfand, als Hugo tiefer studierte die Lage der Massen Frankreichs und versuchte mit zunehmender Leidenschaft, dem Druck der Reaktion – diesmal der bürgerlichen Reaktion – zu widerstehen. die sich nach dem Massaker an den Arbeitern zu einer dreisten und aggressiven politischen Kraft entwickelte. Hugos Übergang zu einer Position aktiver demokratischer Aktivität, die darauf abzielt, die Interessen der breiten Massen Frankreichs, einschließlich der Interessen der Arbeiterklasse, zumindest im Rahmen einer bürgerlichen Republik, zu schützen, ist genau in diesen Jahren geplant.

In diesen Jahren begann auch Hugos Kampf für den Frieden: 1849 protestierte er gegen den Krieg und überzeugte die Völker Europas von der Möglichkeit eines erfolgreichen Ausgangs im Kampf gegen den Militarismus. Zu den Dezemberveranstaltungen kam Hugo mit einer gewissen Erfahrung im politischen Kampf gegen die bürgerliche Reaktion und mit einer gewissen Verhärtung, die er in den Ereignissen von 1850 erlitten hatte; Besonders hervorzuheben ist die Tatsache, dass 1849-1850. In Hugos Leben gab es eine Zeit, in der seine direkte und umfassende Kommunikation mit den Massen begann.

Nur dies kann Hugos mutiges Verhalten während der Tage des Putsches und danach erklären: Der Schriftsteller hatte bereits den Weg der aktiven Opposition gegen den Bonapartismus eingeschlagen und ging immer weiter, wobei er zweifellos die Unterstützung und Liebe jener Massen Frankreichs spürte, die ihn schätzten Haltung gegenüber dem Putsch: „Hugo hielt den Kugeln zu voller Größe stand“, schrieb Herzen darüber. Daher ist es angebracht, den Beginn der dritten Phase von Hugos schöpferischer Entwicklung den Jahren 1849–1850 zuzuordnen und nicht den Jahren nach der Dezemberrevolution.

In seinen Reden 1849 – 1850. Gegen die bürgerliche Reaktion spiegelte Hugo bereits am Vorabend des Putsches den demokratischen Protest gegen die Diktatur der Bourgeoisie wider, der unter den breiten Massen Frankreichs und vor allem in den Reihen der Arbeiterklasse wuchs.

Hugos Balladen wie „Das Turnier von König John“, „Die Jagd des Burggrafen“, „Die Legende von der Nonne“, „Die Fee“ und andere sind bereits in der Frühzeit reich an Zeichen nationaler und historischer Bedeutung In dieser Phase seines Schaffens befasste sich Hugo mit einem der drängendsten Probleme der Romantik, nämlich mit der Erneuerung der Dramaturgie, der Schaffung eines romantischen Dramas. Als Antithese zum klassizistischen Prinzip der „geadelten Natur“ entwickelt Hugo die Theorie des Grotesken: Dies ist ein Mittel, das Lustige, das Hässliche in einer „konzentrierten“ Form darzustellen. Diese und viele andere ästhetische Richtlinien betreffen nicht nur das Drama, sondern im Wesentlichen die romantische Kunst im Allgemeinen, weshalb das Vorwort zum Drama „Cromwell“ zu einem der wichtigsten romantischen Manifeste wurde. Die Ideen dieses Manifests werden in Hugos Dramen, die alle über historische Themen geschrieben sind, und im Roman „Kathedrale Notre Dame“ umgesetzt.

Die Idee des Romans entsteht in einer Atmosphäre der Faszination für historische Genres, die mit den Romanen von Walter Scott begann. Hugo würdigt diese Leidenschaft sowohl im Drama als auch im Roman. Ende der 1820er Jahre. Hugo plant, einen historischen Roman zu schreiben, und schließt 1828 sogar einen Vertrag mit dem Verleger Gosselin. Die Arbeit wird jedoch durch viele Umstände erschwert, und der wichtigste ist, dass seine Aufmerksamkeit zunehmend vom modernen Leben angezogen wird.

Hugo begann erst 1830 mit der Arbeit an dem Roman, buchstäblich wenige Tage vor der Julirevolution. Seine Gedanken über seine Zeit sind eng mit der Gesamtauffassung der Menschheitsgeschichte und mit Vorstellungen über das 15. Jahrhundert verknüpft, über das er seinen Roman schreibt. Dieser Roman heißt Notre-Dame de Paris und wurde 1831 veröffentlicht. Literatur, ob Roman, Gedicht oder Drama, stellt Geschichte dar, aber nicht auf die gleiche Weise wie die Geschichtswissenschaft. Chronologie, der genaue Ablauf von Ereignissen, Schlachten, Eroberungen und der Zusammenbruch von Königreichen seien nur die äußere Seite der Geschichte, argumentierte Hugo. Im Roman konzentriert sich die Aufmerksamkeit auf das, was der Historiker vergisst oder ignoriert – auf die „falsche Seite“ der historischen Ereignisse, also auf die innere Seite des Lebens.

Diesen für seine Zeit neuen Ideen folgend, kreiert Hugo die „Kathedrale Notre Dame“. Der Autor betrachtet den Ausdruck des Zeitgeistes als das Hauptkriterium für die Wahrhaftigkeit eines historischen Romans. Darin unterscheidet sich ein Kunstwerk grundlegend von einer Chronik, die die Tatsachen der Geschichte darlegt. In einem Roman sollte der eigentliche „Umriss“ nur als allgemeine Grundlage für die Handlung dienen, in der fiktive Charaktere agieren und durch die Fantasie des Autors gewobene Ereignisse entstehen können. Die Wahrheit eines historischen Romans liegt nicht in der Genauigkeit der Fakten, sondern in der Treue zum Zeitgeist. Hugo ist überzeugt, dass man in der pedantischen Nacherzählung historischer Chroniken nicht so viel Bedeutung finden kann, wie im Verhalten der namenlosen Menge oder „Argotiner“ (in seinem Roman handelt es sich um eine Art Zusammenschluss von Vagabunden, Bettlern, Dieben und Betrügern) verborgen ist. , in den Gefühlen der Straßentänzerin Esmeralda, oder des Glöckners Quasimodo, oder in einem gelehrten Mönch, an dessen alchemistischen Experimenten sich auch der König interessiert.

Die einzige unveränderliche Anforderung an die Fiktion des Autors besteht darin, auf den Zeitgeist zu reagieren: die Charaktere, die Psychologie der Charaktere, ihre Beziehungen, Handlungen, den allgemeinen Ablauf der Ereignisse, die Details des Alltagslebens – alles Aspekte des dargestellten Historischen Die Realität sollte so dargestellt werden, wie sie tatsächlich hätte sein können. Um eine Vorstellung von einer längst vergangenen Ära zu bekommen, müssen Sie nicht nur Informationen über die offiziellen Realitäten finden, sondern auch über die Moral und die Lebensweise der einfachen Leute. Sie müssen all dies studieren und es dann in a nachbilden Roman. Traditionen, Legenden und ähnliche folkloristische Quellen, die im Volk existieren, können dem Schriftsteller helfen, und der Schriftsteller kann und sollte die darin fehlenden Details mit der Kraft seiner Vorstellungskraft ergänzen, das heißt, auf Fiktion zurückgreifen und dabei immer daran denken, dass er dies in Beziehung setzen muss Früchte seiner Fantasie mit dem Zeitgeist.

Die Romantiker betrachteten die Vorstellungskraft als die höchste schöpferische Fähigkeit und die Fiktion als unverzichtbares Merkmal eines literarischen Werkes. Fiktion, durch die es möglich ist, den wahren historischen Zeitgeist entsprechend ihrer Ästhetik nachzubilden, kann noch wahrer sein als die Tatsache selbst.

Künstlerische Wahrheit ist höher als sachliche Wahrheit. Diesen Grundsätzen des historischen Romans der Romantik folgend, verbindet Hugo nicht nur reale Ereignisse mit fiktionalen und echte historische Charaktere mit unbekannten, sondern gibt Letzteren eindeutig den Vorzug. Alle Hauptfiguren des Romans – Claude Frollo, Quasimodo, Esmeralda, Phoebus – sind von ihm erfunden. Eine Ausnahme bildet nur Pierre Gringoire: Er hat einen echten historischen Vorbild – er lebte im 15. – frühen 16. Jahrhundert in Paris. Dichter und Dramatiker. Im Roman sind auch König Ludwig XI. und der Kardinal von Bourbon zu sehen (letzterer erscheint nur gelegentlich). Die Handlung des Romans basiert nicht auf einem großen historischen Ereignis, und nur detaillierte Beschreibungen der Kathedrale Notre Dame und des mittelalterlichen Paris können auf reale Fakten zurückgeführt werden.

Im Gegensatz zu den Helden der Literatur des 17.-18. Jahrhunderts vereinen Hugos Helden widersprüchliche Eigenschaften. Mit der romantischen Technik kontrastierender Bilder, manchmal mit bewusster Übertreibung und Hinwendung zum Grotesken, schafft der Autor komplexe, mehrdeutige Charaktere. Er wird von gigantischen Leidenschaften und Heldentaten angezogen. Er rühmt die Stärke seines Charakters als Held, seinen rebellischen, rebellischen Geist und seine Fähigkeit, gegen die Umstände anzukämpfen. In den Charakteren, Konflikten, der Handlung und der Landschaft von „Notre Dame Cathedral“ hat das romantische Prinzip der Widerspiegelung des Lebens – außergewöhnliche Charaktere in außergewöhnlichen Umständen – gesiegt. Die Welt der ungezügelten Leidenschaften, romantischer Charaktere, Überraschungen und Unfälle, das Bild eines tapferen Mannes, der keiner Gefahr erliegt, das verherrlicht Hugo in diesen Werken.

Hugo argumentiert, dass es auf der Welt einen ständigen Kampf zwischen Gut und Böse gibt. Noch deutlicher als in Hugos Gedichten wurde im Roman die Suche nach neuen moralischen Werten skizziert, die der Autor in der Regel nicht im Lager der Reichen und Mächtigen, sondern im Lager der Enteigneten und findet verachtete Arme. Die besten Gefühle – Freundlichkeit, Aufrichtigkeit, selbstlose Hingabe – werden ihnen von dem Findelkind Quasimodo und der Zigeunerin Esmeralda vermittelt, die die wahren Helden des Romans sind, während sie wie der König die Antipoden sind, die an der Spitze weltlicher oder spiritueller Macht stehen Ludwig XI. oder derselbe Erzdiakon Frollo zeichnen sich durch Grausamkeit, Fanatismus und Gleichgültigkeit gegenüber dem Leiden der Menschen aus.

Hugo versuchte bereits vor dem „Vorwort“ in seinem Artikel über W. Scotts Roman „Quentin Dorward“, das Hauptprinzip seiner romantischen Poetik – die Darstellung des Lebens in seinen Gegensätzen – zu konkretisieren. „Ist das Leben nicht“, schrieb er, „ein bizarres Drama, in dem sich Gut und Böse, schön und hässlich, hoch und niedrig vermischen – ein Gesetz, das in der gesamten Schöpfung gilt?“

Das Prinzip der kontrastierenden Gegensätze in Hugos Poetik basierte auf seinen metaphysischen Vorstellungen über das Leben der modernen Gesellschaft, in der der entscheidende Faktor der Entwicklung angeblich der Kampf gegensätzlicher moralischer Prinzipien – Gut und Böse – ist, die seit Ewigkeiten existieren.

Hugo widmet im „Vorwort“ der Definition des ästhetischen Konzepts des Grotesken einen bedeutenden Platz und betrachtet es als ein charakteristisches Element mittelalterlicher und moderner romantischer Poesie. Was meint er mit diesem Konzept? „Das Groteske als Gegensatz zum Erhabenen, als Kontrastmittel ist unserer Meinung nach die reichhaltigste Quelle, die die Natur der Kunst offenbart.“

Hugo stellte die grotesken Bilder seiner Werke den konventionell schönen Bildern des epigonischen Klassizismus gegenüber und glaubte, dass es unmöglich sei, die Fülle und Wahrheit des Lebens mit all dem Metaphysischen zu vermitteln, ohne sowohl erhabene als auch niedrige, sowohl schöne als auch hässliche Phänomene in die Literatur einzuführen Verständnis der Kategorie „Groteske“ Hugos Begründung dieses Elements der Kunst war dennoch ein Schritt vorwärts auf dem Weg, die Kunst der Wahrheit des Lebens näher zu bringen.

Im Roman gibt es eine „Figur“, die alle Charaktere um sich herum vereint und fast alle Haupthandlungsstränge des Romans zu einem Ball zusammenfasst. Der Name dieser Figur ist im Titel von Hugos Werk enthalten – Kathedrale Notre Dame.

Im dritten Buch des Romans, das ganz der Kathedrale gewidmet ist, singt der Autor buchstäblich eine Hymne auf diese wunderbare Schöpfung menschlichen Genies. Für Hugo ist die Kathedrale „wie eine riesige steinerne Symphonie, eine kolossale Schöpfung von Mensch und Volk … ein wunderbares Ergebnis der Vereinigung aller Kräfte der Epoche, in der aus jedem Stein die Fantasie eines Arbeiters spritzt und Hunderte entstehen.“ von Formen, diszipliniert durch das Genie des Künstlers... Diese Schöpfung menschlicher Hände ist kraftvoll und reichlich, wie ein Schöpfungsgott, von dem sie einen doppelten Charakter zu übernehmen schien: Vielfalt und Ewigkeit ... "

Die Kathedrale wurde zum Hauptschauplatz; die Schicksale von Erzdiakon Claude, Frollo, Quasimodo und Esmeralda sind damit verbunden. Die Steinskulpturen der Kathedrale zeugen von menschlichem Leid, Adel und Verrat und gerechter Vergeltung. Indem der Autor die Geschichte der Kathedrale erzählt und uns vorstellt, wie sie im fernen 15. Jahrhundert aussah, erzielt sie eine besondere Wirkung. Die Realität der Steinbauten, die bis heute in Paris zu beobachten sind, bestätigt in den Augen des Lesers die Realität der Charaktere, ihrer Schicksale und die Realität menschlicher Tragödien.

Die Schicksale aller Hauptfiguren des Romans sind untrennbar mit dem Rat verbunden, sowohl durch die äußeren Umrisse der Ereignisse als auch durch die Fäden innerer Gedanken und Motivationen. Dies gilt insbesondere für die Bewohner des Tempels: Erzdiakon Claude Frollo und den Glöckner Quasimodo. Im fünften Kapitel des vierten Buches lesen wir: „...Ein seltsames Schicksal ereilte die Kathedrale Unserer Lieben Frau in jenen Tagen – das Schicksal, von zwei so unterschiedlichen Geschöpfen wie Claude und Quasimodo so ehrfurchtsvoll, aber auf völlig unterschiedliche Weise geliebt zu werden . Einer von ihnen – ein Anschein eines Halbmenschen, wild, nur dem Instinkt unterworfen, liebte die Kathedrale wegen ihrer Schönheit, wegen ihrer Harmonie, wegen der Harmonie, die dieses großartige Ganze ausstrahlte. Ein anderer, begabt mit einer leidenschaftlichen, mit Wissen angereicherten Vorstellungskraft, liebte seine innere Bedeutung, die darin verborgene Bedeutung, liebte die damit verbundene Legende, seine Symbolik, die sich hinter den skulpturalen Verzierungen der Fassade verbirgt – mit einem Wort, liebte das Geheimnis, das geblieben ist für den menschlichen Geist seit jeher die Kathedrale Notre Dame.“

Für Erzdiakon Claude Frollo ist die Kathedrale ein Ort des Wohnsitzes, des Gottesdienstes und der halbwissenschaftlichen, halbmystischen Forschung, ein Behälter für all seine Leidenschaften, Laster, Reue, Hingabe und letztendlich seinen Tod. Der Geistliche Claude Frollo, ein asketischer und alchemistischer Wissenschaftler, verkörpert einen kalten rationalistischen Geist, der über alle guten menschlichen Gefühle, Freuden und Zuneigungen triumphiert. Dieser Geist, der Vorrang vor dem Herzen hat und für Mitleid und Mitgefühl unzugänglich ist, ist für Hugo eine böse Kraft. Die niederträchtigen Leidenschaften, die in Frollos kalter Seele aufflammten, führten nicht nur zu seinem eigenen Tod, sondern sind auch die Ursache für den Tod aller Menschen, die ihm in seinem Leben etwas bedeuteten: Jehan, der jüngere Bruder des Erzdiakons, stirbt durch die Hand von Quasimodo, dem Reinen und die schöne Esmeralda stirbt am Galgen, von Claude den Behörden ausgeliefert, begibt sich die Schülerin des Priesters Quasimodo, von ihm zunächst gezähmt und dann tatsächlich verraten, freiwillig in den Tod. Die Kathedrale, sozusagen ein integraler Bestandteil des Lebens von Claude Frollo, fungiert auch hier als vollwertiger Teilnehmer an der Handlung des Romans: Von ihren Emporen aus beobachtet der Erzdiakon Esmeralda beim Tanzen auf dem Platz; In der von ihm für die Ausübung der Alchemie ausgestatteten Zelle der Kathedrale verbringt er Stunden und Tage mit Studien und wissenschaftlichen Forschungen, hier bittet er Esmeralda um Mitleid und Liebe. Die Kathedrale wird schließlich zum Ort seines schrecklichen Todes, den Hugo mit verblüffender Kraft und psychologischer Authentizität beschreibt.

In dieser Szene wirkt auch die Kathedrale fast wie ein belebtes Wesen: Nur zwei Zeilen widmen sich der Art und Weise, wie Quasimodo seinen Mentor von der Balustrade stößt, die nächsten beiden Seiten beschreiben Claude Frollos „Konfrontation“ mit der Kathedrale: „Der Glockenläuter zog sich ein paar zurück Schritte hinter dem Erzdiakon und plötzlich, in einem Anfall von Wut, stürzte er ihn in den Abgrund, über den sich Claude beugte... Der Priester fiel hin... Das Abflussrohr, über dem er stand, stoppte seinen Sturz. In seiner Verzweiflung klammerte er sich mit beiden Händen daran fest ... Ein Abgrund gähnte unter ihm ... In dieser schrecklichen Situation brachte der Erzdiakon kein Wort hervor, kein einziges Stöhnen. Er zappelte einfach und unternahm übermenschliche Anstrengungen, um die Rutsche zur Balustrade hinaufzuklettern. Aber seine Hände glitten über den Granit, seine Beine kratzten an der geschwärzten Wand und suchten vergeblich nach Halt ... Der Erzdiakon war erschöpft. Schweiß lief ihm über die kahle Stirn, Blut sickerte unter seinen Nägeln auf die Steine ​​und seine Knie waren verletzt. Er hörte, wie bei jeder Anstrengung, die er unternahm, seine Soutane an der Dachrinne hängen blieb, knackte und riss. Um das Unglück noch schlimmer zu machen, endete die Rinne in einem Bleirohr, das sich unter der Last seines Körpers verbogen hatte ... Die Erde verschwand nach und nach unter ihm, seine Finger glitten über die Rinne, seine Arme wurden schwächer, sein Körper wurde schwerer ... Er betrachtete die teilnahmslosen Skulpturen des Turms, die wie er über dem Abgrund hingen, aber ohne Angst um sich selbst, ohne Reue für ihn. Alles um ihn herum war aus Stein: Direkt vor ihm waren die offenen Mäuler von Monstern, unter ihm, in den Tiefen des Platzes, war das Pflaster, über seinem Kopf war ein weinender Quasimodo.“

Ein Mann mit einer kalten Seele und einem Herzen aus Stein befand sich in den letzten Minuten seines Lebens allein mit einem kalten Stein – und erwartete kein Mitleid, Mitleid oder Gnade von ihm, weil er selbst niemandem Mitgefühl, Mitleid entgegenbrachte , oder Gnade.

Noch mysteriöser und unverständlicher ist der Zusammenhang mit der Kathedrale von Quasimodo – diesem hässlichen Buckligen mit der Seele eines verbitterten Kindes. Dazu schreibt Hugo: „Im Laufe der Zeit verbanden den Glöckner starke Bindungen mit der Kathedrale. Für immer von der Welt abgeschnitten durch das doppelte Unglück, das auf ihm lastete – seine dunkle Herkunft und seine körperliche Missbildung, seit seiner Kindheit in diesem doppelten unüberwindlichen Kreis geschlossen, war der arme Kerl daran gewöhnt, nichts zu bemerken, was auf der anderen Seite der heiligen Mauern lag die ihn unter ihrem Baldachin schützten. Während er wuchs und sich entwickelte, diente ihm die Liebfrauenkathedrale als Ei, dann als Nest, dann als Zuhause, dann als Heimat und schließlich als Universum.

Es bestand zweifellos eine Art geheimnisvolle, vorherbestimmte Harmonie zwischen dieser Kreatur und dem Gebäude. Als sich Quasimodo, noch ein ganz kleiner Junge, mit mühsamen Anstrengungen im Galopp unter den düsteren Bögen durchschlug, kam er mit seinem menschlichen Kopf und tierischen Körper wie ein Reptil vor, das auf natürliche Weise zwischen den feuchten und düsteren Platten auftauchte. .

So wurde Quasimodo schließlich wie er, indem er sich im Schatten der Kathedrale entwickelte, in ihr lebte und schlief, sie fast nie verließ und ständig ihren geheimnisvollen Einfluss erlebte; Es schien, als wäre es in das Gebäude hineingewachsen und zu einem seiner Bestandteile geworden. Man kann fast ohne Übertreibung sagen, dass es die Form einer Kathedrale annahm, so wie Schnecken die Form eines Muschelhauses annehmen. Dies war sein Zuhause, sein Versteck, seine Hülle. Zwischen ihm und dem antiken Tempel bestand eine tiefe instinktive Bindung, eine körperliche Verbundenheit ...“

Wenn wir den Roman lesen, sehen wir, dass die Kathedrale für Quasimodo alles war – ein Zufluchtsort, ein Zuhause, ein Freund, sie schützte ihn vor der Kälte, vor menschlicher Bosheit und Grausamkeit, sie befriedigte das Bedürfnis eines von den Menschen abgelehnten Freaks nach Kommunikation: „ Nur mit äußerster Zurückhaltung richtete er seinen Blick auf viele Menschen. Eine Kathedrale, bevölkert von Marmorstatuen von Königen, Heiligen, Bischöfen, die ihm zumindest nicht ins Gesicht lachten und ihn mit einem ruhigen und wohlwollenden Blick ansahen, reichte ihm völlig aus. Die Statuen von Monstern und Dämonen hassten ihn auch nicht – er war ihnen zu ähnlich ... Die Heiligen waren seine Freunde und beschützten ihn; Die Monster waren auch seine Freunde und beschützten ihn. Er schüttete ihnen lange Zeit seine Seele aus. Er hockte vor einer Statue und redete stundenlang mit ihr. Wenn zu dieser Zeit jemand den Tempel betrat, lief Quasimodo davon wie ein Liebhaber, der in einer Serenade gefangen ist.“

Nur ein neues, stärkeres, bisher ungewohntes Gefühl könnte diese untrennbare, unglaubliche Verbindung zwischen Mensch und Gebäude erschüttern. Dies geschah, als ein Wunder, verkörpert in einem unschuldigen und schönen Bild, in das Leben eines Ausgestoßenen trat. Der Name des Wunders ist Esmeralda. Hugo verleiht dieser Heldin die besten Eigenschaften, die Vertretern des Volkes innewohnen: Schönheit, Zärtlichkeit, Freundlichkeit, Barmherzigkeit, Einfachheit und Naivität, Unbestechlichkeit und Loyalität. Leider waren all diese Eigenschaften in grausamen Zeiten unter grausamen Menschen eher Nachteile als Vorteile: Freundlichkeit, Naivität und Einfachheit helfen nicht, in der Welt der Wut und des Eigennutzes zu überleben. Esmeralda starb, verleumdet von ihrem Geliebten Claude, verraten von ihrem Geliebten Phoebus und nicht gerettet von Quasimodo, der sie verehrte und vergötterte.

Quasimodo, der es sozusagen geschafft hat, die Kathedrale mit Hilfe derselben Kathedrale – seinem integralen „Teil“ – in den „Mörder“ des Erzdiakons zu verwandeln, versucht, die Zigeunerin zu retten, indem er sie von ihrem Ort stiehlt Hinrichtung und Nutzung der Zelle der Kathedrale als Zufluchtsort, d. h. als Ort, an dem die von Gesetz und Autorität verfolgten Kriminellen für ihre Verfolger unzugänglich waren und hinter den heiligen Mauern der Zuflucht die Verurteilten unverletzlich waren. Der böse Wille der Menschen erwies sich jedoch als stärker und die Steine ​​der Liebfrauenkathedrale retteten Esmeraldas Leben nicht.