Die Ursprünge von Fabless gehen auf die Folklore der keltischen, gallischen und fränkischen Stämme zurück, die in der Antike auf dem Gebiet des heutigen Frankreichs lebten. Die Volksliedkunst sowie die galloromanische Kultur bildeten die Grundlage für die Entwicklung der klassischen Musik. und wird darstellen. Materialien deuten darauf hin, dass Musik und Tanz Wesen zugeordnet wurden. Musik spielte eine wichtige Rolle im Leben der Menschen, war ein wichtiger Bestandteil des Familienlebens und der Religionen. Rituale Zuverlässige Daten über die Menschen selbst. Das Lied stammt aus dem 15. Jahrhundert. (Ihre ersten erhaltenen Aufzeichnungen stammen aus dieser Zeit).

In den Werken der Franzosen Folkloristen werden von zahlreichen angesehen. Genres Lieder: lyrisch, Liebe, Klagelieder (complaintes), Tanzlieder (rondes), satirisch, Lieder der Handwerker (chansons de metiers), Kalenderlieder, z.B. Weihnachten (Noels); Arbeit, Geschichte, Militär usw. Zur Folklore gehören auch Lieder, die mit dem gallischen und keltischen Glauben verbunden sind – „Lieder über Taten“ (chansons de geste). Unter den lyrischen Liedern nehmen die Pastoralen (Idealisierung des Landlebens) einen besonderen Platz ein. In Liebesgeschichten dominieren die Themen unerwiderte Liebe und Trennung. Viele Lieder sind den Kindern gewidmet – Schlaflieder, Spiellieder. Es gibt eine Vielzahl von Arbeitsliedern (Lieder von Schnittern, Pflügern, Winzern usw.), Soldaten- und Rekrutenliedern. Eine besondere Gruppe besteht aus Balladen über die Kreuzzüge, Liedern, die die Grausamkeit von Feudalherren, Königen und Höflingen enthüllen, Liedern über Bauernaufstände (Forscher nennen diese Liedergruppe „das poetische Epos der Geschichte Frankreichs“).

Für Französisch Adv. Die Lieder zeichnen sich durch eine elegante und flexible Melodie, eine enge Verbindung zwischen Musik und Text sowie eine klare, oft versische Form aus. Die vorherrschenden Modi sind natürliches Dur und Moll. Typisch sind 2- und 3-Takt-Taktgrößen, wobei der 6/8-Takt am häufigsten vorkommt. In Refrains werden oft Silben wiederholt, die keine semantische Bedeutung haben: tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron usw. Nar. Das Lied ist organisch mit dem Tanz verbunden. Zu den ältesten Volkstänzen zählen verschiedene Rundtänze, Gruppen- und Paartänze, inkl. Giga, Bourre, Rigadon, Farandel, Branle, Paspier.

Eine der Kreaturen. Schichten Französisch Musik Kultur war die Kirche. Die Musik der Region verbreitete sich zusammen mit dem Christentum. Ab dem 4. Jahrhundert. zur Kirche Die Musik wurde zunehmend von der einheimischen Bevölkerung beeinflusst. beeinflussen. Die Kirche war gezwungen, im Gottesdienst Volkslieder zu verwenden und Latein anzupassen. Texte zu bestehender Folklore Melodien. Auf Katholisch Kirche Hymnen durchdringen auch die Musik (in Gallien war Hilarius von Poitiers unter ihren Autoren berühmt). Das. Es entstanden lokale Formen der Liturgie und es entstanden eigene Gesänge. Bräuche (gallikanische Gesänge). Die Zentren der gallikanischen Kultmusik konzentrierten sich auf Lugdunum, Narbonne und Massilia. Im Laufe mehrerer Jahrhunderte lang widersetzten sie sich der alles verzehrenden Politik der römischen Kirche, die sich für die Einheitlichkeit der Kirche gegen lokale Formen des Gottesdienstes richtete. Dienstleistungen. In diesem Kampf wurde Rom von den Frankenkönigen unterstützt.

Im 8.-9. Jahrhundert. Die frühen gallikanischen Formen der christlichen Liturgie wurden durch die gregorianische Liturgie ersetzt, die schließlich im 11. Jahrhundert etabliert wurde. Die Verbreitung des gregorianischen Chorals während der Herrschaft der Karolinger (751-987) wird vor allem mit den Aktivitäten der Benediktinerklöster in Verbindung gebracht. katholisch Als Zentren dienten die Abteien Jumièges (an der Seine, bei Rouen), Saint-Martial (in Limoges), Saint-Denis (bei Paris), Cluny (in Burgund), außerdem in Poitiers, Arles, Tours, Chartres und anderen Städten der kirchlichen Propaganda. Musik, waren Zentren von Prof. spirituelle und teilweise weltliche Musik. Kultur. Viele Abteien hatten Kantoren. Schulen (Metrizas), wo sie die Regeln des gregorianischen Gesangs lehrten und Musik spielten. Instrumente. Hier wurden die Prinzipien der Notation entwickelt (mit dem Aufkommen der Nicht-Menü-Notation Mitte des 9. Jahrhunderts beherrschten die Schüler die Grundlagen dieser Notation; siehe Nevms) und die Kreativität des Komponisten nahm Gestalt an.

Im 9. Jahrhundert im Zusammenhang mit dem Zusammenbruch des Reiches Karls des Großen und der Schwächung der Stellung des Papsttums in der Kirche. In der Musik treten demokratischere, im Wesentlichen „antigregorianische“ Tendenzen auf, und es entwickeln sich neue Formen, insbesondere die Sequenz (in Frankreich wird sie auch Prosa genannt). Die Entstehung dieser Form wurde dem Mönch des Klosters St. Gallen (in der Schweiz) Notker zugeschrieben, der jedoch im Vorwort zu seinem „Buch der Hymnen“ angab, dass er Informationen über Sequenzen von einem Mönch aus der Abtei von St. Gallen erhalten habe Jumièges. In der Folge erlangten die Prosaautoren Adam aus der Abtei Saint-Victor (12. Jahrhundert) und P. Corbeil (Anfang des 13. Jahrhunderts, Schöpfer der berühmten „Eselsprosa“) in Frankreich besondere Berühmtheit.

Neben Sequenzen haben sich auch Trails durchgesetzt. Diese Einfügungen in die Mitte des gregorianischen Chorals unterschieden sich zunächst nicht von diesem in der Art der Musik und ergänzten den Hauptgesang. Gesang Später, indem wir zur Kirche marschierten. weltliche Melodien durchdrangen die Musik. Zur gleichen Zeit (ab dem 10. Jahrhundert) nahm in den Tiefen des Gottesdienstes selbst ein liturgisches Drama Gestalt an (in Limoges, Tours und anderen Städten), das aus dialogischen Wegen mit abwechselnden „Fragen“ und „Antworten“ entstand ​von zwei antiphonalen Gruppen des Chores. Allmählich liturgisch. Das Drama entfernte sich zunehmend vom Kult (neben Bildern aus dem Evangelium wurden auch realistische Charaktere einbezogen).

Endlich ein Ziel. Der gregorianische Gesang beginnt, Elemente der im Volk bekannten Polyphonie zu durchdringen. Kunst seit der Antike. Die ersten Beispiele schriftlicher Polyphonie – Organum – stammen aus dem 9. Jahrhundert. (sie wurden genau auf dem Territorium Frankreichs entdeckt) gehört zu einer Aufzeichnung im Werk eines Mönchs aus Saint-Amand (Flandern) Hukbald. In seinen Abhandlungen (spätes 9. – frühes 10. Jahrhundert) skizzierte er die Prinzipien des Organums. Bei Prof. Musik schuf ein Polygon. Stil, anders als die Menschen. Musik Praktiken. Phänomene wie die Theatralisierung von Kirchen. Ritual, die Einführung von Sequenzen und Tropen in den Gottesdienst, die Entstehung liturgischer. Dramen, die Keime der Polyphonie im Gregorianischen Choral, zeugten vom Einfluss des Volkes. Geschmäcker, Einführung in den Katholizismus. Volkskirche Klage

Neben der Kultmusik entwickelte sich auch weltliche Musik, die in der Volksmusik zu hören war. Alltag, an den Höfen der fränkischen Könige, in den Burgen der Feudalherren. Die Träger der Umgangssprache Musik Traditionen des Mittelalters waren ch. arr. Wandermusikanten - Jongleure, die beim Volk sehr beliebt waren. Sie sangen moralisierende, humorvolle und satirische Lieder. Lieder, getanzt zu verschiedenen Instrumente, inkl. Tamburin, Trommel, Flöte, Zupfinstrument wie die Laute (dies trug zur Entwicklung der Instrumentalmusik bei). Jongleure traten bei Festen in Dörfern, an feudalen Höfen und sogar in Klöstern auf (sie nahmen an bestimmten Ritualen teil, den theatralischen Prozessionen zu kirchlichen Feiertagen, genannt Carole). Sie wurden von den Katholiken verfolgt. Kirche als Vertreter einer ihr feindlich gesinnten säkularen Kultur. Im 12.-13. Jahrhundert. Unter den Jongleuren kam es zu einer sozialen Schichtung. Einige von ihnen ließen sich in Ritterburgen nieder und gerieten in völlige Abhängigkeit vom Feudalritter, andere ließen sich in Städten nieder. So wurden Jongleure, die ihre Freiheit der Kreativität verloren hatten, zu sesshaften Minnesängern in Ritterburgen und Bergen. Musiker. Allerdings trug dieser Prozess gleichzeitig zur Durchdringung der Burgen und Städte des Volkes bei. Kreativität, die zur Grundlage ritterlicher und bürgerlicher Musik und Poetik wird. Klage Im Spätmittelalter im Zusammenhang mit dem allgemeinen Aufstieg der Franzosen. Kultur beginnt sich intensiv zu entwickeln und Musik. Klage In feudalen Burgen, die auf Menschen basieren. Musik, weltliche Musik und Poesie blühen auf. Kunst der Troubadours und Trouvères (11.-14. Jahrhundert). K con. 11. Jahrhundert nach Süden Teil des Landes, in der Provence, der zu diesem Zeitpunkt ein höheres wirtschaftliches Niveau erreicht hatte. und auf kultureller Ebene (im Süden kam es früher als in anderen Regionen Frankreichs und Europas zu einem Wendepunkt in der ritterlichen Moral von grober Barbarei zu höfischem Verhalten) entwickelte sich die Kunst der Troubadours, die nicht nur eine ritterliche Kultur war, sondern eine neue weltliche Lyrik, die auch Volksliedtraditionen aufnahm. Zu den berühmten Troubadours gehörten Marcabru, Wilhelm IX. – Herzog von Aquitanien, Bernard de Ventadorn, Jauffre Rudel (spätes 11.-12. Jahrhundert), Bertrand de Born, Guiraut de Borneil, Guiraut Riquier (spätes 12.-13. Jahrhundert).

In der 2. Hälfte. 12. Jahrhundert im Norden In den verschiedenen Regionen des Landes entstand ein ähnlicher Trend – die Kunst des Trouvères, die ursprünglich ritterlich war und später immer mehr mit dem Volk in Berührung kam. Kreativität. Unter den Trouvères erlangten neben den Königen auch die höchste Aristokratie – Richard Löwenherz, Thibault von Champagne (König von Navarra) – Vertreter der demokratischen Bewegung später Berühmtheit. Schichten der Gesellschaft - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Monio und andere.

In seinem Op. Troubadours und Trouvères verherrlichten den Mut und den Adel der Krieger und besangen die Liebe zur „schönen Dame“. In ihrer Arbeit dominierten ritterliche Themen; es wurden Genres wie Pastourels, Alben (Morgenlieder), Sirvents und Epen entwickelt. Lieder, Tanz. Estampides. Ihre Kunst trug zur Entwicklung einer Reihe von Musen bei. Genres und Formen - Balladen, Vireles, Le, Rondo; es nahm bestimmte Künste vorweg. Renaissance-Trends.

Aufgrund des Wachstums der Städte (Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse usw.) am Ende. 12-13 Jahrhunderte entwickelte Berge. Musik Kunst, deren Schöpfer Dichter-Sänger aus den Bergen waren. Klassen (Handwerker, einfache Bürger sowie Bürger). Sie brachten ihre eigenen Charakteristika in die Kunst der Troubadours und Trouvères ein und entfernten sich von ihrem erhaben ritterlichen musikalischen und poetischen Stil. Bilder, die volkstümliche Alltagsthemen beherrschen und einen charakteristischen Stil und eigene Genres schaffen. Der größte Meister der Berge. Musik Kultur des 13. Jahrhunderts Es gab den Dichter und Komponisten Adam de la Halle, den Autor von Liedern und Motetten sowie des populären Theaterstücks seiner Zeit, „Das Spiel von Robin und Marion“ (ca. 1283), voller Berge. Lieder, Tänze (die Idee, eine weltliche, von Musik durchdrungene Theateraufführung zu schaffen, war ungewöhnlich). Er interpretierte traditionelle Odnogols auf neue Weise. musikalisch-poetisch Genres von Troubadouren, die Polyphonie verwenden (zu seinen Werken gehören 3-Tore-Rondos).

Stärkung der Wirtschaft und kulturelle Bedeutung der Städte, die Gründung von Universitäten (unter anderem zu Beginn des 13. Jahrhunderts an der Universität Paris), wo der Musik große Aufmerksamkeit geschenkt wurde (sie war eines der Pflichtfächer, die im Quadrivium enthalten waren), trug dazu bei zunehmende Rolle der Musik als künstlerischer Beruf. Im 12. Jahrhundert eines der Zentren der Musik. Paris wurde zum Zentrum der Kultur und vor allem seiner Gesangsschule der Kathedrale Notre Dame (der sogenannten Pariser Schule), die die größten Meister – Sänger-Komponisten, Wissenschaftler – vereinte. Diese Schule blühte im 12. und 13. Jahrhundert auf. Kultpolyphonie (siehe Ars antiqua), die Entstehung neuer Musen. Genres, Entdeckungen im Bereich der Musik. Theorien.

Kap. Zentren der Polyphonie, die im 9. Jahrhundert entstanden, waren Klöster – in Chartres (hier entstand die größte nordfranzösische Gesangsschule), Saint-Martial in Limoges usw. Es wurden erhaltene Fragmente von Aufnahmen der Polyphonie (11.-12. Jahrhundert) gefunden Stellen Sie in den Manuskripten dieser Klöster die Etappen der Geschichte wieder her. Entwicklung des Organums (siehe Diaphonie, Diskant). Herausragende Persönlichkeiten der Schule der Kathedrale Notre Dame – die Diskantisten Leonin (12. Jahrhundert) und Perotin (spätes 12. – 1. Drittel des 13. Jahrhunderts) schufen herausragende Beispiele von Polygonen. Kirche Musik. Leonin hat 2 Tore. melismatisch Organums, in denen er erstmals rhythmische Aufnahmen verwendete (etablierte einen klaren Rhythmus der bewegten Oberstimme - Höhen). Perotin baute die Leistungen seines Vorgängers aus: Er schoss nicht nur 2, sondern auch 3, 4 Tore. Produktion, und Perotin komplizierte und bereicherte die Polyphonie rhythmisch (er kontrastierte die Unterstimme – den Tenor – mit einer Gruppe rhythmisch organisierter (nach dem Modusprinzip), die sich durch eine schnellere Bewegung der Oberstimmen auszeichnete). Der neue Stil, der von Vertretern der Schule der Kathedrale Notre Dame entwickelt wurde, lehnte die Prinzipien des gregorianischen Gesangs ab. In Produktion Bei diesen Komponisten erfuhr der gregorianische Gesang selbst Veränderungen: Der zuvor rhythmisch freie, flexible Choral erhielt eine größere Regelmäßigkeit und Geschmeidigkeit (daher der Name eines solchen Chorals Cantus planus), diktiert durch Polygone. Lager Polygoale Komplikation. Gewebe und sein Rhythmus. Die Struktur erforderte eine genaue Bezeichnung der Dauer (Vertreter der Pariser Schule kamen von der Tonleiterlehre zur Skalenlehre), eine Verbesserung der Notation. Im 13. Jahrhundert Man begann, die Mensuralnotation zu verwenden (zu den Theoretikern, die sich mit diesem Problem befassten, gehörte J. Garlandia).

Die Polyphonie brachte neue Genres der kirchlichen und weltlichen Musik hervor, darunter. Leitung und Motette. An der Wende vom 12. zum 13. Jahrhundert. Conduct entstand – eine frei komponierte Melodie auf Latein. Text (sowohl spiritueller als auch weltlicher Inhalt), eine Art Trope. Er war erfüllt. während der festlichen Kirche. Dienstleistungen. Hierbei handelt es sich um ein Übergangsgenre: Zunächst wurden Dirigenten in die Liturgie aufgenommen, später wurden sie rein weltlich und bekamen sogar eine alltägliche Konnotation (sie wurden bei Festen und Feiertagen gesungen, es gab auch Dirigenten mit scharf satirischen Texten). Zu den Autoren der Dirigenten gehört Perotin. Basierend auf dem Dirigenten im Con. 12. Jahrhundert In Frankreich entstand das wichtigste Genre der Polygoie. Musik - Motette. Seine frühen Beispiele gehören ebenfalls zu den Meistern der Pariser Schule (Pérotin, Franco von Köln, Pierre de la Croix). Die Motette erlaubte die Freiheit der liturgischen Kombination. und weltliche Melodien, Texte (jede der Stimmen hatte normalerweise ihren eigenen Text, und oft wurde der Tenor auf Lateinisch gespielt, die Oberstimmen auf Französisch und seinen lokalen Dialekten). Aus der Verbindung der Kirche. und Liedmelodien wurden im 13. Jahrhundert populär. komische Motette. Die Verbindung der Polyphonie mit alltäglichen Formen führte zu großen künstlerischen Leistungen. Ergebnisse.

Die Motette wurde häufig im Werk von Vertretern der Ars Nova verwendet, einer fortschrittlichen Bewegung, die im 14. Jahrhundert in der französischen Musik entstand. In diesem frühen weltlichen Prof. Musik Die Kunst legte großen Wert auf das Zusammenspiel von „alltäglicher“ und „wissenschaftlicher“ Musik (also Lied und Motette). Im 14. Jahrhundert Das Lied nahm unter den Musen eine führende Stellung ein. Genres. Alle bedeutenden Komponisten wandten sich an sie, gleichzeitig hatte sie großen Einfluss auf die Motette. Am Anfang 14. Jahrhundert erschien ein Liederzyklus von Jeannot de Lecurel – die erste Liedersammlung eines Autors in Frankreich. Der Ideologe der Ars Nova war der humanistische Dichter, Komponist, Musiktheoretiker und Mathematiker Philippe de Vitry (auf ihn wird die Abhandlung „Ars Nova“ zurückgeführt, die der Bewegung ihren Namen gab), der die Prinzipien der „neuen Kunst“ begründete. Philippe de Vitrys Innovationen auf dem Gebiet der Theorie waren insbesondere mit der Konsonanz- und Dissonanzlehre verbunden (er erklärte Terzen und Sexten zu Konsonanzen). Er führte auch neue kompositorische Prinzipien in seine Musik ein. op., Erstellen einer Isometrie. Motette. Diese Art von Motette wurde im Werk des größten Komponisten und Dichters der Ars Nova, Guillaume de Machaut, verkörpert. In seinem Prod. als ob die Künste vereint wären. Errungenschaften der Rittermusik. Klage mit dem gleichen Ziel. Lieder und viele Ziele. Gebirge Musik Kultur. Ihm gehören die Lieder des Volkes. Laien (Liegen), Vireles, Rondos, Balladen (er war der erste, der das Genre der polygonalen Balladen entwickelte). In Motetten verwendete Machaut (konsequenter als seine Vorgänger) Musen. Instrumente (wahrscheinlich waren die tieferen Stimmen instrumental). Er ist der Autor des ersten Französisch. polyphone Messen Lagerhaus (1364). Im Allgemeinen Französisch ars nova bedeutet. Grad mit dem Stil des Mittelalters verbunden. Polyphonie (polyphonisch komplexe Werke von Meistern dieser Richtung sind ein typisches Phänomen des reifen Mittelalters).

Im 15. Jahrhundert aus historischen Gründen Aus Gründen (während des Hundertjährigen Krieges wurde die beherrschende Stellung erneut von Feudalherren besetzt, große Feudalhöfe erwiesen sich als kulturelle Zentren; die Traditionen der Scholastik der Mitte des Jahrhunderts wurden mit neuer Kraft wiederbelebt) wurden keine besonders auffälligen Phänomene beobachtet F. Führende Position in der Musik. Französische Kultur des 15. Jahrhunderts besetzt mit Vertretern der französisch-flämischen (niederländischen) Schule. Die niederländische Schule, die sich zu einer kreativen Schule entwickelt hat. Richtung einer breiten Berichterstattung basierend auf einer Verallgemeinerung fortschrittlicher Trends in Französisch, Englisch und Italienisch. Musik hatte großen Einfluss auf Europa. Musik Kultur, inkl. und Französisch. Zwei Jahrhunderte lang wirkten die größten niederländischen Komponisten in Frankreich. polyphon Schulen: Mitte. 15. Jahrhundert - J. Benchois, G. Dufay, in der 2. Hälfte. 15. Jahrhundert - I. Okegem, J. Obrecht, in con. 15 - Anfang 16. Jahrhundert - Josquin Despres, in der 2. Hälfte. 16. Jahrhundert - O. Lasso.

Benchois und Dufay haben sich auf dem Gebiet der sogenannten. Burgundisches Chanson (entstanden am Hof ​​der burgundischen Herzöge in Dijon). Dufay, einer der Gründer der Niederlande. Schulen, zusammen mit vielen Zielen. Lieder und andere weltliche op. (insbesondere Motettenvarianten) schufen spirituelle Werke. Von großem Interesse sind seine Messen, in denen die Volkssprache als Cantus firmus verwendet wird. oder ein weltliches Lied (zum Beispiel das Liebeslied „Ihr Gesicht wurde blass“ in der 4-chaligen Messe, entstanden um 1450).

Ockeghem, der geschickteste Kontrapunktiker, war nicht nur Musiker (mehrere Jahre lang war er erster Kaplan und Kapellmeister des französischen Königshofs), sondern auch Mathematiker und Philosoph. Meisterliche Beherrschung der Technik der Nachahmung und Kanonik. Briefe, verwendete es in seinen Messen sowie burgundische Chansons. Ein raffinierter und virtuoser Stil, helle Emotionalität und Farbigkeit der Musik mit lebendiger Melodie (Volksmelodien werden häufig im Cantus firmus und anderen polyphonen Stimmen verwendet), Klarheit der Harmonie und Klarheit des Rhythmus zeichnen die Produktion aus. Obrecht – Messen (einschließlich sogenannter Parodien), Motetten sowie Chansons, Instrumente. spielt.

Josquin Despres (einst war er ein enger Musiker Ludwigs XII.) und stützte sich dabei auf die Errungenschaften von Obrecht und anderen niederländischen Meistern. Schule, vollendete Qualitäten in seiner Kreativität. ein Sprung, der die Ästhetik hervorhebt. die Bedeutung des Anspruchs. Als herausragender Polyphonist trug er gleichzeitig zur „harmonischen Klärung“ des Stils bei (in seinen mit komplexesten polyphonen Techniken gesättigten Kompositionen gibt es umfangreiche Episoden einer reinen Akkordstruktur). Josquin Despres hat eine solche technische Freiheit erreicht, wenn das Können unsichtbar wird und völlig der Offenbarung der Kunst untergeordnet wird. planen. In seinen Werken (Messe, Motetten, weltliche Lieder, polyphone Instrumentalstücke mit figurativem Charakter), von denen jedes leuchtend individuell ist, reflektierte Josquin Despres das Innere tiefer und wahrheitsgetreuer als seine Vorgänger. menschliche Welt. Seine Lieder sind auf Französisch. von Französisch vorbereitete Texte. polyphon Lied aus dem 16. Jahrhundert Dieses Genre ist in den Werken des größten Niederländers weit verbreitet. Polyphonist des 16. Jahrhunderts Lasso sind Meister der strengen Stilpolyphonie. Seine vielen Ziele. Französisch die Lieder („Über den alten Ehemann“, „Auf dem Markt in Arras“ usw.) sind witzig, pikant, spontan; Sie zeichnen sich durch typisch niederländisches Flair aus. Genre in der Darstellung alltäglicher Szenen, gutmütiger, rauer Humor. Sein Stil war ein Schritt vorwärts auf dem Weg zur Harmonie. Klarheit verwendet er bereits homophone Schreibtechniken. Dies gilt vor allem für weltliche Produktionen. (Lieder, Villanellen, Madrigale). Im spirituellen Op. (Motetten, Messen, Psalmen) dominiert transparente Polyphonie, in einigen von ihnen werden die Prinzipien der Fugenform skizziert. Lasso hatte einen fruchtbaren Einfluss auf F. m. Im Allgemeinen, die Niederlande. Schule 15-16 Jahrhunderte wurde zu einer der wichtigsten Quellen, die die Franzosen ernährten. Prof. Musik Klage

In con. 15. Jahrhundert In Frankreich etabliert sich die Kultur der Renaissance. (Einige Gelehrte sahen Renaissance-Merkmale in der Ars-Nova-Kunst und betrachteten das 14. Jahrhundert als die frühe französische Renaissance. Veröffentlichungen weltlicher Musikwerke aus der Wende vom 14. zum 15. Jahrhundert, die in den 1950er Jahren erschienen, weisen jedoch auf den Irrtum dieser Position hin . ) Die Wiederbelebung wurde von einer Reihe historischer Personen vorbereitet. Prozesse. Zur Entwicklung des Französischen Kultur wirkte sich positiv auf Faktoren wie die Entstehung des Bürgertums (15. Jahrhundert), den Kampf um die Vereinigung Frankreichs (abgeschlossen am Ende des 15. Jahrhunderts) und die Schaffung eines zentralisierten Militärstaates aus. Reisen nach Italien – ein Land mit höheren kulturellen Traditionen und Lebewesen. Wichtig war auch das kontinuierliche Grundwachstum der Menschen. Kreativität und Aktivitäten von Komponisten der französisch-flämischen Schule.

Die wichtigste Manifestation der Renaissancekultur war der Humanismus. Der Mensch mit seinem Inneren tritt in den Vordergrund. Frieden. Im 16. Jahrhundert Die Rolle der Musik in der Gesellschaft hat zugenommen. Leben. Franz. Könige errichteten an ihren Höfen große Kapellen und organisierten Musik. Feste (zum Beispiel eine prächtige Feier, die 1518 von König Franz I. im Hof ​​der Bastille zu Ehren der Botschafter des englischen Königs organisiert wurde). Im 16. Jahrhundert König der Innenhof (er wird schließlich in den Louvre verlegt) wird zu Kap. Brutstätte der Musik Leben, um das sich Prof. konzentrierte. Klage Die Rolle des Advents hat zugenommen. Kapellen (siehe Paris). Im Jahr 1581 genehmigte Heinrich III. die Position des „Oberintendenten der Musik“ am Hof. Der erste „Quartiermeister“ ist Italiener. Beitrag des Geigers Baltazarini de Belgioso (Balthazar de Beaujoyeux). im kleinen Burgunderpalast in Paris, von ihm gemeinsam komponiert. Mit dem Dichter Lachenet und den Musikern J. de Beaulieu und J. Salmon ist „The Queen’s Comedy Ballet“ die erste Erfahrung, Musik und Tanz mit Bühnenaufführungen zu verbinden. Action, die ein neues Genre eröffnete - Advent. Ballett. Wichtige Zentren der Musik. Klage zusammen mit dem König. Auch der Hof und die Kirche waren aristokratisch. Salons (zum Beispiel in Paris der Salon der Gräfin de Retz, in dem die besten Musiker dieser Zeit auftraten), Zunftmusen. Handwerkervereinigungen.

Die Blütezeit der Renaissance, verbunden mit der Bildung der Franzosen. national Kultur, fällt auf Mitte. 16. Jahrhundert Eine markante Manifestation der Renaissance war das weltliche Polygon. Das Lied-Chanson wurde, ohne den Bezug zum Alltag zu verlieren, zu einem Genre des Prof. Klage Polyphon Stil kommt ins Französische. Das Lied hat eine neue Interpretation (im Vergleich zum Lied der Meister der niederländischen Schule), die anderen Gedichten entspricht. Ideen der Franzosen Humanismus – die Ideen von Rabelais, C. Marot, P. Ronsard. Normalerweise ist ein Chanson ein Lied mit weltlichen Texten und Volksmelodien. Seine Handlung wird zum Ausdruck kommen. die Mittel waren mit der Alltagsdemokratie verbunden. Alltag.

Der herausragende Komponist Französisch. Die Wiederbelebung war K. Janequin, der mehr als 200 Polygone besitzt. Lieder. Mit Janequin wird das Lied zu einer erweiterten realistischen Komposition. Handlung (in eine Art Fantasy-Song). Dazu gehören seine „Hunting“, „Battle“, „Birdsong“, „Women’s Chat“, „Street Shouts of Paris“ usw. In Bezug auf den Reichtum an Genreskizzen werden seine Lieder zu Recht mit Werken verglichen. F. Rabelais. Janequin schrieb auch geistliche Musik (Messe, Motetten). Allerdings führte er die Merkmale weltlicher Woks auch in Kultgenres ein. op. Unter anderen Autoren gibt es Chanson - Comp. G. Kotle, K. Sermizi.

Chanson erlangte nicht nur in Frankreich, sondern auch außerhalb seiner Grenzen Berühmtheit. auch dank des Notendrucks, der auch zur Stärkung der Musen beitrug. Verbindungen zwischen europäischen Länder. Im Jahr 1528 in Paris, P. Attenyan gemeinsam. Musik wurde mit P. Auten gegründet. Verlag (dauerte bis 1557); in der 2. Hälfte. 16. Jahrhundert Große Bedeutung erlangte das Unternehmen von R. Ballard und A. Le Roy (1551 in Paris gegründet, später von den Söhnen und Enkeln von Ballard geleitet; das Unternehmen nahm bis Mitte des 18. Jahrhunderts eine führende Position im Musikverlag ein). Schon vom Ende. 20er Jahre 16. Jahrhundert Attenian begann mit der Veröffentlichung von Sammlungen von Liedern und Stücken für die Laute und veröffentlichte auch Tabulaturen für die Laute, die Orgel und später auch für andere Instrumente.

Während der Renaissance nahm die Rolle von Werkzeugen zu. Musik. In der Musik Geige, Laute, Gitarre und Geige (als Volksinstrument) waren im Alltag weit verbreitet. Instr. Genres durchdrangen sowohl Alltagsmusik (Arrangements und Arrangements von Tänzen und Liedern) als auch professionelle, teilweise kirchliche Musik (Arrangements vokaler polyphoner Werke, Arrangements von Chormelodien). Haushaltstanz. Die Musik war für Laute oder kleines Instrument gedacht. Ensemble, polyphon Prod. auf der Orgel aufgeführt. Lautentanz. Theaterstücke gehörten zu den dominierenden Theaterstücken des 16. Jahrhunderts. polyphon Prod. rhythmisch Plastizität, Klarheit der Melodien, homophone Struktur, Transparenz der Textur. Charakteristisch war die Vereinigung von zwei oder mehreren. Tänze, die auf dem rhythmischen Prinzip basieren. Kontrast in einzigartige Zyklen, die die Grundlage für den zukünftigen Tanz wurden. Suiten zum Beispiel Zersetzung Branly (in den von Attennan veröffentlichten Sammlungen gibt es solche Zyklen von 2, 3 Tänzen).

Unabhängiger. org. hat ebenfalls an Bedeutung gewonnen. Musik. Die Entstehung von org. Schulen in Frankreich (Ende des 16. Jahrhunderts) werden mit der Arbeit des Organisten J. Titlouz in Verbindung gebracht.

Notiz. Phänomen der Franzosen Kultur der Renaissance war die Akademie für Poesie und Musik, die 1570 von einem Musiker, Dichter und Mitglied der kreativen Gemeinschaft gegründet wurde. Commonwealth von Frankreich humanistische Dichter „Plejaden“ von J. A. de Baif gemeinsam. mit seinen Gesinnungsgenossen (dauerte bis 1584). Die Teilnehmer der Akademie versuchten, antike Poesie und Musik wiederzubeleben. Metrik, verteidigte das Prinzip der untrennbaren Verbindung zwischen Musik und Poesie. Sie haben eine Definition erstellt. Beitrag zur Entwicklung bestimmter Musikdramen. Formen Aber ihre Experimente, den Rhythmus des Gesangs unterzuordnen, sind metrisch. Die Struktur der Verse führte zur Entstehung abstrakter Musen. Prod. C. Le Jeune, J. Mauduit und andere schrieben Musik zu den „gemessenen Gedichten“ von Baif und Ronsard (Kapitel von „Plejaden“).

Bedeutet. Schicht in der Musik Französische Kultur des 16. Jahrhunderts komponierte die Musik der Hugenotten - Französisch. Vertreter der Reformation (dies waren die wichtigsten Adligen, die die feudale Ordnung bewahren und die Einmischung der königlichen Behörden in ihre Angelegenheiten abschwächen wollten, sowie ein Teil der Bourgeoisie, die ihre alten städtischen Freiheiten verteidigte). K ser. 16. Jahrhundert Es entstand das Hugenottenlied: Melodien populärer Alltags- und Volkslieder. Die Lieder wurden an die ins Französische übersetzten angepasst. Sprache liturgische Texte. Etwas spätere Religionen. Aus dem Kampf in Frankreich entstanden die Hugenottenpsalmen mit ihrer charakteristischen Übertragung der Melodie auf die Oberstimme und der Ablehnung der Polyphonie. Schwierigkeiten. Die größten Hugenottenkomponisten, die Psalmen komponierten, waren K. Gudimel und Le Jeune. Als Meister der Polyphonie spielte Gudimel sie. Rolle bei der Vorbereitung der Homophonie-Harmonik. Lagerhaus, das sich in der Renaissance durchzusetzen beginnt. Streitigkeiten zwischen Protestanten und Katholiken führten zu Polemiken. Lieder. Als Ergebnis der weiten Verbreitung dieser Massendemokratie Liedgenre während der religiösen Zeit. Kriege wurden national. patriotisch Französisch ein Lied, das eine Manifestation der Nationalität war Französisches Selbstbewusstsein.

17.-18. Jahrhundert gekennzeichnet durch die entscheidende Vorherrschaft der weltlichen Musik gegenüber der geistlichen Musik. Im 17. Jahrhundert, während der Etablierung der absoluten Monarchie in Frankreich, erlangte die Einführung des Advents große Bedeutung. Kunst, die die Entwicklungsrichtung der wichtigsten Genres der künstlerischen Musik dieser Zeit bestimmte - Oper und Ballett als synthetische. dekorative spektakuläre Darbietungen, die der Idee der Verherrlichung der Monarchie untergeordnet waren.

Die Regierungsjahre Ludwigs XIV. waren geprägt von der außergewöhnlichen Pracht des Advents. Leben, der Wunsch des Hofes und des feudalen Adels nach Luxus und raffinierter Unterhaltung. In dieser Hinsicht kam dem Advent eine große Rolle zu. Ballett, dessen Aufführungen im Louvre, im Arsenal und im Palais Cardinal (eröffnet 1641, ab 1642 im Palais Royal) stattfanden. Mittendrin. 17. Jahrhundert Die Italiener wurden am Hof ​​stärker. Trends. Italienische Bepflanzung Theater. Traditionen wurden von Kardinal Mazarin gefördert, der Komponisten und Sänger aus Rom, Venedig und Bologna nach Paris einlud. Die Italiener stellten die Franzosen vor. Aristokratie mit einem neuen Genre - der Oper (am königlichen Hof gab es mehrere Opern - „The Imaginary Madwoman“ von Sacrati, 1645; „Orpheus und Eurydike“ von L. Rossi, 1647 usw.). Italienisch kennenlernen Die Oper diente als Anreiz, eine eigene Nationalität zu schaffen. Opern. Die ersten Experimente auf diesem Gebiet gehörten dem Musiker E. Jacquet de la Guerre („Der Triumph der Liebe“, 1654), comp. R. Camber und der Dichter P. Perrin („Pastoral“, 1659). Im Jahr 1661 wurde die „Royal Academy of Dance“ unter der Leitung des Choreografen P. Beauchamp gegründet (existierte bis 1780). Im Jahr 1669 erhielten Camber und Perrin ein Patent zur Einrichtung eines dauerhaften Operntheaters, das 1671 unter diesem Namen eröffnet wurde. „Royal Academy of Music“ (siehe „Grand Opera“) mit ihrer Oper „Pomona“. Ab 1672 wurde das Theater von J. B. Lully geleitet, der in Frankreich das Monopol auf Opernproduktionen erhielt.

Der größte Franzose Komponist, Gründer des National Opernschule, Lully am Anfang seines kreativen Schaffens. Nebenbei schrieb er Musik für Ballette für den Pridv. Feierlichkeiten Er schuf eine Reihe von Komödien und Balletten („A Reluctant Marriage“, 1664; „Love the Healer“, 1665; „Monsieur de Poursonnac“, 1669; „The Bourgeois in the Nobility“, 1672; er schuf sie zusammen mit J. B. Molière ), aus dem Opern und Ballette hervorgingen. Lully war der Begründer des Genres der lyrischen Tragödie (eine Art heroisch-tragische Oper). Seine Lyrik Tragödien („Cadmus und Hermine“, 1673; „Alceste“, 1674; „Theseus“, 1675; „Hatis“, 1676; „Perseus“, 1682 usw.) mit ihrem hohen Heldentum, starken Leidenschaften, Konflikt zwischen Gefühl und Pflicht in seinem Thema und Hauptinhalt. stilistisch Die Prinzipien ähneln den klassizistischen Tragödien von P. Corneille und J. Racine.

Auf F. m. 17. Jahrhundert. Der Rationalismus hatte einen starken Einfluss. die Ästhetik des Klassizismus, die die Anforderungen an Geschmack, Ausgewogenheit von Schönheit und Wahrheit, Klarheit des Designs und Harmonie der Komposition stellt. Der Klassizismus, der sich gleichzeitig entwickelte. im Barockstil, im 17. Jahrhundert in Frankreich erhalten. ein vollständiger Ausdruck, und Lully wurde sein prominenter Vertreter in der Musik. Gleichzeitig weist das Werk dieses Komponisten Züge der Barockkunst auf, was sich in der Fülle spektakulärer Effekte (Tänze, Prozessionen, geheimnisvolle Verwandlungen etc.) zeigt.

Lullys Beitrag zum Ingenieurwesen ist bedeutend. Musik. Er schuf den französischen Typ. Opernouvertüre (der Begriff selbst entstand in der 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts in Frankreich). Zahlreiche Tänze aus seiner Produktion. große Formen (Menuett, Gavotte, Sarabande usw.) beeinflussten die spätere Bildung des Orks. Suiten. Lullys Werk stellt eine wichtige Etappe in der Entwicklung der Musik ausgehend von der antiken Polyphonie dar. Formen für Sonaten-Symphonie. Genres des 18. Jahrhunderts

In con. 17 - 1. Stock. 18. Jahrhundert M. A. Charpentier (Oper „Medea“, 1693 usw.); er war auch der Autor der ersten französischen Kantate – „Orpheus Descending into Hell“, 1688), A. Campra (Opernballett „Galant Europe“, 1697; „ Venezianische Feste“, 1710; lyrische Tragödie „Tancred“, 1702 usw.), M. R. Delalande (Diverissements „Palace of Flora“, 1689; „Melicert“, 1698; „Rural Marriage“, 1700 usw.), A. K. Detush ( lyrische Tragödie „Greek Amadis“, 1699; „Omphale“, 1701; „Telemachus und Calypso“, 1714; Unter Lullys Nachfolgern machte sich die Konvention des Adv. besonders bemerkbar. Theater. Stil. In Produktion diese Komponisten, die weiterhin Lyrik schufen. Tragödien, dekoratives Ballett und ländlich-idyllische traten in den Vordergrund. Aspekte dieses Genres zum Nachteil von Dramen. die Grundlagen der Oper, ihr Heroisches. Inhalt. Von besonderer Bedeutung ist der Beginn des Divertissements (siehe Divertimento, 3). Lyrisch. Die Tragödie weicht einem neuen Genre – dem Opernballett.

Im 17. Jahrhundert in Frankreich verschiedene Arten von Instr. Schulen - Laute (D. Gautier, der auch den Cembalostil von J. A. Anglebert, J. C. de Chambonnière beeinflusste), Cembalo (Chambonnière, L. Couperin), Gambe (Gambist M. Marin, der als erster in Frankreich den Kontrabass einführte das Opernorchester anstelle der Kontrabass-Gambe). Die größte Bedeutung erlangte die französische Sprache. Cembalistenschule. Der frühe Cembalostil entwickelte sich direkt darunter. Einfluss der Lautenkunst. In Produktion Chambonniere wurde charakteristisch für die Franzosen. Art und Weise der Cembalisten, eine Melodie zu verzieren (siehe Verzierung) Die Fülle an Verzierungen gab der Produktion den Vorzug. Für das Cembalo gibt es eine gewisse Raffinesse sowie eine größere Kohärenz, „Melodie“, „Erweiterung“ des abrupten Klangs dieses Instruments. Im Instr. Musik war bereits im 16. Jahrhundert weit verbreitet. die Vereinheitlichung der Paartänze (Pavan, Galliard usw.), die bis ins 17. Jahrhundert führte. um eine Suite zu erstellen. Zu den alten Volkstänzen (Courante, Branle) kamen Tänze aus verschiedenen Regionen Frankreichs mit ausgeprägten lokalen Besonderheiten hinzu (Passier, Bourre, Rigaudon), die zusammen mit Menuett und Gavotte eine stabile Grundlage für die Franzosen bildeten. Instr. Suiten.

In den 20-30er Jahren. 18. Jahrhundert Die Cembalosuite erreicht ihren höchsten Höhepunkt und zeichnet sich durch raffinierte Bilder, Subtilität und Eleganz des Stils aus. Unter den Franzosen Unter den Cembalisten kommt dem Vertreter der großen französischen Familie eine herausragende Rolle zu. Musiker F. Couperin („der Große“), dessen Werk den Höhepunkt des Französischen darstellt. Musik Kunst aus der Zeit des Klassizismus. In seinen frühen Suiten folgte er dem Muster seiner Vorgänger und überwand anschließend die Normen des antiken Tanzes. In seinen Suiten schuf Couperin freie Zyklen, die auf dem Prinzip der Ähnlichkeit und des Kontrasts der Stücke basieren. Als Meister der Miniaturen gelang ihm im Rahmen dieses ursprünglich von den Franzosen geschaffenen Genres die Perfektion in der Verkörperung vielfältiger Inhalte. Cembalisten. Couperins Musik zeichnet sich durch unerschöpfliche Melodik aus. Einfallsreichtum. Sein Instr. Die Stücke zeichnen sich durch figurative Ausdruckskraft aus. Die meisten Stücke haben Programmtitel („Reapers“, „Reeds“, „Cuckoo“, „Florentine“, „Flirty“ usw.). Mit großer psychologischer Mit Subtilität fangen sie anmutige Frauenbilder ein und liefern poetisierte Genreskizzen. Einen großen Beitrag zur Entwicklung der programmatischen Cembalosuite leisteten neben Coupin auch J. F. Dandrieu und insbesondere J. F. Rameau, der in seinem Cembalo op. ging oft über die Grenzen der Intimität hinaus und strebte nach einem dekorativeren Schreiben, das die dynamische Entwicklung des Sonatentypus nutzte. Bedeutet. ein Meilenstein in der Bildung der Franzosen. skr. Schule, die sich in enger Verbindung mit der italienischen entwickelte, erschien das Werk von J. M. Leclerc (dem „Senior“), der anschauliche Beispiele von Skr schuf. Sonaten und Konzerte des 18. Jahrhunderts und C. de Mondonville, der als Erster Skrit einführte. natürliche Harmonikstimme, und auch in seinen „Stücken für Cembalo in Form von Sonaten mit Violinbegleitung“ (1734) wurde erstmals eine obligate (siehe Obligato, 1) Cembalostimme entwickelt.

In F. m. 18. Jahrhundert. Der erste Platz gehörte dem Musiktheater. Genres. In den 30-60er Jahren. Spitzenposition im Antrieb Oper - „Royal Academy of Music“ wurde von Rameau besetzt, dessen Werk im lyrischen Genre liegt. Die Tragödie erreichte ihren Höhepunkt. Entwicklung. Er schuf eine Reihe brillanter Opernwerke. - lyrisch Tragödien „Hippolytus und Arisia“ (1733), „Castor und Pollux“ (1737, 2. Aufl. 1754), „Dardan“ (1739, 2. Aufl. 1744), „Zoroaster“ (1749, 2. Aufl. 1756), Opern und Ballette „Gallant India“ (1735) usw. Rameau, der größte Musiker des 18. Jahrhunderts, aktualisierte den musikalischen Ausdruck. Mittel der Operngattung. Seine Vok.-Deklamation. Der Stil wurde durch verstärkte melodisch-harmonische Elemente bereichert. Ausdruck und organisch umgesetztes Italienisch. aryotische Formen. Seine zweiteilige Ouvertüre im lullistischen Stil erhielt einen abwechslungsreicheren Inhalt; Opernsinfonie. In einer Reihe von Opern nahm Rameau viele spätere Errungenschaften auf dem Gebiet der Musik vorweg. Drama, das den Boden für die Opernreform von K. V. Gluck bereitete. Aufgrund historischer Umstände war es ihm jedoch nicht möglich, die veraltete Lyrik radikal zu reformieren. Tragödie, überwinden Sie sie galant und aristokratisch. Ästhetik. Rameaus große Errungenschaften auf dem Gebiet der Musik. Theorien. Hervorragender Musiker Als Theoretiker entwickelte er eine harmonische Wissenschaft. System, eine Reihe von Bestimmungen, die als Grundlage für die Harmonielehre dienten („Abhandlung über die Harmonie“, 1722; „Der Ursprung der Harmonie“, 1750 usw.). Heroisch-mythologisch. Opern von Lully, Rameau und anderen Autoren in die Mitte. 18. Jahrhundert entsprechen nicht mehr der Ästhetik. Anfragen Burzh. Publikum. Beliebt waren Kirmes-Satirikaufführungen (die Pariser Kirmesaufführungen waren seit dem späten 17. Jahrhundert weithin bekannt), die die Sitten der „höheren“ Gesellschaftsschichten lächerlich machten und den Advent parodierten. Oper Die ersten Autoren solcher Comics. Opern waren die Dramatiker A. R. Lesage und S. S. Favard, die gekonnt Musik für ihre Aufführungen auswählten, bestehend aus Couplet-Liedern – „Voix de Ville“ (wörtlich „Stadtstimmen“; siehe Vaudeville) und anderen beliebten Bergtypen Folklore In den Tiefen des Messemarktes ist eine neue französische Sprache herangewachsen. Operngenre - Opernkomik. Die Stärkung der Position des Opernkomikers wurde durch die Ankunft Italiens in Paris im Jahr 1752 erleichtert. Operntruppe, die eine Reihe von Buffa-Opern inszenierte, darunter „Das Mädchen und die Dame“ von Pergolesi und die Kontroverse um Fragen der Opernkunst, die zwischen Anhängern (bürgerlich-demokratischen Kreisen) und Gegnern (Vertretern der Aristokratie) des Italieners aufflammte. Opera Buffa - sog „Krieg der Trottel“

In einer angespannten politischen Lage In der Atmosphäre von Paris erlangte diese Polemik eine besondere Schärfe und erlangte enorme Publizität. Resonanz. Französische Persönlichkeiten beteiligten sich aktiv daran. Aufklärungen, die die Demokratie unterstützten. Kunst der „Buffonisten“ – D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm und andere. Ihre brillante Polemik. Broschüren und wissenschaftliche Abhandlungen (Rousseau – Artikel über Musik in der „Encyclopedia, or Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts“; „Musical Dictionary“, 1768; „Briefe über die französische Musik ...“, 1753; Grimm – „Briefe über Omphale“, 1752; „Der kleine Prophet aus Bömish Brod“, 1758; „Gespräche über den „bösen Sohn““, 1757 usw.) richteten sich gegen die Konventionen der Franzosen. Adv. t-ra. Der von ihnen proklamierte Slogan „Nachahmung der Natur“ hatte großen Einfluss auf die Bildung der Franzosen. Opernstil des 18. Jahrhunderts Diese Werke enthalten auch eine wertvolle Ästhetik. und Musiktheorie Verallgemeinerungen.

Enzyklopädisten beschränkten sich in ihrer Tätigkeit nicht nur auf die Literatur. Polemik. Eine wichtige Rolle bei der Etablierung einer neuen Musikrichtung. Die Aufführung wurde von Rousseaus Pastoral „Der Dorfzauberer“ (1752) gespielt, dem ersten französischen. komisch Oper. Von diesem Zeitpunkt an begann die Opernkomik zu blühen; sie wurde zur führenden Gattung des Musiktheaters (Aufführungen fanden im Theater der Komischen Oper statt; siehe „Opera Comique“). Zu den ersten Autoren gehört Franzose. komisch Opern - E. Duni, F. A. Philidor. Italienisch Der ab 1757 in Paris tätige Komponist Dunya schuf mehr als 20 Werke dieser Gattung. („Zwei Jäger und eine Milchmagd“, 1763; „Die Schnitter“, 1768 usw.).

Komisch Philidors Opern sind in erster Linie Alltagsopern, viele von ihnen enthalten farbenfrohe Genrebilder („Der Schmied“, 1761; „Der Holzfäller“, 1763; „Tom Jones“, 1765 usw.). Der Opernkomiker entwickelte sich weiter und erweiterte das Spektrum seiner Handlungsstränge (melodramatische und heroische Themen werden nach und nach einbezogen). Art und Weise, ohne von Lyrik beeinflusst zu sein. Tragödie. Ihre Musik wird reicher und komplexer. Sprache, aber sie bleibt demokratisch. beanspruchen In den 1760er Jahren. komisch Die Oper nähert sich der „ernsthaften Komödie“, wie Diderot sie nannte. Ein typischer Vertreter dieser Strömung war P. A. Monsigny, dessen Werk dem damaligen Sentimentalismus nahe stand („Der Deserteur“, 1769; „Felix oder das Findelkind“, 1777 usw.). Sein Produkt. zeugen vom pädagogischen Humanismus des Comics. Oper, über ihre soziale Tendenz, typisch für das Vorrevolutionäre. Jahrzehnte. Figurative Kunst. Comic-Sphäre Die Oper wurde durch A. E. M. Gretry erheblich erweitert, der ihr lyrische Züge einbrachte. Poetisierung und Vorromantik. Farbe („Lucille“, 1769; „Richard Löwenherz“, 1784; „Raoul Blaubart“, 1789 usw.). Französische Ideen Aufklärung spielte Kreaturen. Rolle bei der Vorbereitung von Glucks Opernreform. Nachdem er seine Reform in den 1760er Jahren begonnen hatte. in Wien (Orpheus und Eurydike, 1762; Alceste, 1767), vollendete er es in Paris. Inszenierung der Opern „Iphigenie in Aulis“ (1774), „Armida“ (1777) und „Iphigenie in Tauris“ (1779) in Paris, die die Ideen von Heldentum und bürgerlicher Tapferkeit verkörperten, die von den fortgeschrittenen Kreisen der Vor- Revolutionäre. Frankreich wurde zum Auslöser eines heftigen Kampfes zwischen den Strömungen in der französischen Bewegung. Auch Anhänger der alten französischen Bewegung stellten sich gegen Gluck. Opernliebhaber (die nur die Opern von Lully und Rameau kannten) und Fans der italienischen Sprache. Opern, die rein musikalisch sind. Die Seite hatte Vorrang vor dem Drama. Glucks Opernstil (er wurde von fortschrittlichen Künstlern unterstützt) war aristokratisch. Kreise, Anhänger des alten Hedonismus. Opernästhetik (J.F. Marmontel, J.F. Laharpe usw.) wurde der Opernkunst Italiens gegenübergestellt. komp. N. Piccinni. Der Kampf zwischen den „Gluckisten“ und den „Piccinnisten“ (die ersteren gewannen) spiegelte die tiefgreifenden ideologischen Veränderungen wider, die in Frankreich in der zweiten Hälfte stattfanden. 18. Jahrhundert

Aufgrund des wachsenden Einflusses des Bürgertums im 18. Jahrhundert. Es entstehen neue Formen von Musikgesellschaften. Leben. Allmählich gehen die Konzerte über die Palastsäle und Aristokraten hinaus. Salons. 1725 organisierte A. Philidor (Danican) regelmäßig öffentliche „Spirituelle Konzerte“ in Paris und 1770 gründete F. J. Gossec die Gesellschaft „Amateurkonzerte“. Akademische Abende waren eher zurückhaltender Natur. Gesellschaft „Freunde des Apollo“ (gegründet 1741), in der Profis und Amateuraristokraten Musik spielten. Jährliche Konzertreihen wurden von der Royal Academy of Music organisiert. Tolles Französisch Die Revolution brachte enorme Veränderungen in allen Bereichen der Musik. Kunst, geschnitten unter dem Einfluss revolutionärer Kreativität. die Massen erlangten bürgerdemokratisch Charakter. Musik wird zu einem integralen Bestandteil von allem. revolutionäre Ereignisse Zeit - Militär Siege, revolutionär Feierlichkeiten Feste, Trauerzeremonien (die Bastille fiel zu den Klängen der Musik, das Volk komponierte Lieder über den Sturz der Monarchie, über die angenommene Verfassung, die Beerdigungen von Helden verwandelten sich in Massenprozessionen, begleitet von geistlichen Orchestern usw.).

Diese neue soziale Funktion der Musen. Kunst (sie wurde zu einem aktiven Mittel der staatsbürgerlichen Bildung, zu einer sozialen Kraft, die den Interessen des Staates diente) trug zur Etablierung von Massengenres bei – Lieder, Hymnen, Märsche usw. Im ersten Französisch. revolutionär In den Liedern wurde die Musik beliebter Melodien verwendet, die bereits im Volk gebräuchlich waren: zum Beispiel ein französisches Lied. Das Sansculottes „Za ira“ ist eine eigenartige Neuintonation der Melodie von Becourts „National Carillon“. Auch Lieder, die den charakteristischen Tonfall des Volkes verallgemeinerten, verbreiteten sich. Musik, - „Carmagnola“ und andere Das höchste, markanteste Beispiel des Revolutionären. Das Lied Frankreichs ist „La Marseillaise“, kreiert von C. J. Rouget de Lisle (1792; ab 1795, mit Unterbrechung, die Nationalhymne Frankreichs). Die Wiederbelebung der Musik ist heroisch. Bilder, die ein Massenpublikum ansprachen, erweckten die Kunst der Revolution zum Leben. Klassizismus. Die Ideen des Kampfes gegen die Tyrannei, die Freiheit des Menschen, nährten die Musen. Kunst, trug zur Suche nach neuen musikalischen Ausdrucksformen bei. Mittel. Für Wok. und Instr. Typisch sind Musik (von verschiedenen Autoren), rednerische Intonationen, eine durch „große Konturen“ gekennzeichnete Melodie (die oft Fanfaren-Intonationen enthält), gehämmerte Rhythmen, Marschieren, strenge Lapidartonarten und Harmonische. Lager Die größten Komponisten dieser Zeit – Gossec, E. Megul, J. F. Lesueur, L. Cherubini – wandten sich dem Schreiben von Liedern, Hymnen und Märschen zu („Lied vom 14. Juli“, Refrain „Erwacht, Leute!“, „Trauermarsch“ für die Geisterorchester und andere Werke von Gossec; „Marschlied“, „Lied des Sieges“ von Megul, „Lied der Triumphe der Französischen Republik“, „Hymne des 9. Thermidors“ von Lesueur; des Zehnten August“ von Cherubini). Diese Komponisten waren die bedeutendsten Musen. Figuren der Großen Franzosen Revolution, insbesondere leiteten sie die Organisation grandioser Massenmusen. Festlichkeiten (Leitung von Chören und Orchestern auf den Plätzen von Paris). Einer der Schöpfer der Musik. Stil der Revolution ist Gossek, dessen Werk den Grundstein für neue Genres legte, darunter. revolutionär-patriotisch Massenlied, heroisch Trauermarsch, Propaganda Oper der Revolution. Er war auch der Gründer der Franzosen. Symphonien (1. Symphonie, 1754). Basierend auf den Leistungen der Franzosen. Opern (hauptsächlich Rameau) aktualisierte und erweiterte Gossec die Komposition der Sinfonien. Orchester (führte Klarinetten und Hörner in die Partitur ein). Gesellschaft Die Atmosphäre der damaligen Zeit hatte einen erheblichen Einfluss. Einfluss auch auf die Musik. t-r. Revolutionär Die Ideologie trug zur Entstehung neuer Genres bei - Apotheosen, Agitation. Aufführungen mit großen Chören. Massen (Gossec – Apotheose „Geschenk der Freiheit“, 1792; Oper „Triumph der Republik oder Lager bei Grandpre“, 1793; Grétry – Agitation. Opern „Der republikanische Auserwählte oder das Fest der Tugend“, „Der Tyrann Dionysius“, beide 1794 usw.).

In den Jahren der Revolution erfuhr die „Oper der Erlösung“ eine besondere Entwicklung (sie nahm bereits vor der Revolution Gestalt an), indem sie den Kampf gegen die Tyrannei thematisierte, den Klerus bloßstellte und Treue und Hingabe verherrlichte. Dieses neue heroisch-alltägliche Genre vereint erhabene Heldentaten und alltäglichen Realismus, Merkmale des Comics. Opern und Helden Glucks Tragödie. Anschauliche Beispiele der „Oper der Erlösung“ wurden von Cherubini („Die Lodoiska“, 1791; Eliza, 1794; „Der Wasserträger“, 1800), Breton („Die Schrecken des Klosters“, 1790) und Lesueur („Die Höhle“, 1793) geschaffen. Komponisten der großen französischen Ära. Die Revolutionen trugen viel Wertvolles zur Entwicklung des Operngenres bei: Sie bereicherten seinen Ausdruck. Mittel (Cherubini verwendete die Prinzipien des Melodramas in Höhepunkten), Charakterisierungstechniken (die Bildung des Leitmotivismus bei Grétry, Lesueur, Cherubini, Megul; siehe Leitmotiv) gaben bestimmten Opernformen eine neue Interpretation. Eine Reihe von Opern von Grétry („Richard Löwenherz“, „Raoul Blaubart“) und Cherubini (darunter „Medea“, 1797), in denen die Autoren danach streben, das Innere zu zeigen. Menschliche Erfahrungen enthalten Romantik. Trends. Diese Werke ebneten den Weg für die romantische Oper im 19. Jahrhundert.

In den 80ern 18. Jahrhundert umgedreht konz. die Aktivitäten von J.B. Viotti – dem größten Vertreter der heroischen Ära. Klassizismus in Skr. Kunst, die die Bildung der Franzosen beeinflusste. skr. Schulen des 19. Jahrhunderts Aufgrund der besonderen Bedeutung erlangte es in den Jahren der Revolution einen militärischen Geist. Musik (erklang während Feiern, Feiern, Zeremonien, Trauerzügen) wurde vom Nationalorchester organisiert. Guard (1789, Gründer B. Sarret). Revolutionär Auch das System der Musik erfuhr Veränderungen. Ausbildung. Metrisen wurden abgeschafft; 1792 wurde die Musik eröffnet. Schule National Wache für die militärische Ausbildung. Musiker. Auf der Grundlage dieser Schule und König. Schulen für Gesang und Rezitation (gegründet vom Staatssekretär, 1784) im Jahr 1793 die Nationale. Musik Institut (seit 1795 - Pariser Konservatorium). Großes Verdienst für die Organisation des Konservatoriums gebührt Sarret; zu seinen ersten Inspektoren und Lehrern gehörten Gossec, Grétry, Cherubini, Lesueur und Megul.

Während der Zeit der napoleonischen Diktatur (1799-1814) und der Restauration (1814-15, 1815-30) war der ideologische Niedergang von F. M. zu beobachten Napoleons Reich (Oper „Semiramis“ von Catel, 1802 usw.). Diese Jahre gaben das (bis auf wenige Ausnahmen) nicht her. Aufsätze. Vor dem Hintergrund üppiger, fälschlicherweise heroischer. Prod. Hervorzuheben sind die Opern „Ossian oder die Barden“ von Lesueur (nach 1804) und „Joseph“ von Megul (1807).

Ein typischer Vertreter eines äußerlich spektakulären Opernstils war G. Spontini, dessen Werk die Anforderungen und Geschmäcker der Zeit am besten widerspiegelte. In seinen Opern („Vestalische Jungfrau“, 1805; „Fernand Cortes oder die Eroberung Mexikos“, 1809 usw.) führte er das Heroische fort. eine Tradition, die von Gluck stammt. Musik Die Dramaturgie von „Die Vestalinnen“ brachte die Kreaturen zum Ausdruck. Einfluss auf die Entstehung des Genres der Großen Oper.

Bis zum Ende der Restaurationszeit im Kontext aufstrebender Gesellschaften. Mit dem Aufschwung, der zur Julirevolution von 1830 führte, kam es auch auf dem Gebiet der Kultur zu einem Aufschwung. Im Kampf gegen Akademiker Die Kunst des Napoleonischen Reiches wurde von den Franzosen geprägt. romantisch Oper, Region in den 20-30er Jahren. nahm eine beherrschende Stellung ein. Romantisch Tendenzen manifestierten sich im Wunsch nach ideologischer, lyrischer Sättigung. Spontaneität des Ausdrucks, Demokratisierung und Farbigkeit der Musik. Sprache. Auch die in diesen Jahren am weitesten verbreitete Operngattung, die Opernkomödie, erfuhr eine Romantisierung. Zum besten Comic. Opern dieser Richtung gehören zur Produktion. A. Boieldieu, dessen größte Leistung die Oper „Die Weiße Dame“ (1825) mit ihrer patriarchalisch-idyllischen Atmosphäre war. alltägliche Szenen und romantisch. Fantasie. Weitere Romantisierung des Comics. Die Oper bewirkte darin eine Steigerung der Lyrik. begann, die breitere Verwendung von nar. Melodien und bereicherte auch ihren Stil. Eine neue Art von Comic. Opern mit großem Interesse. Handlungen, sich schnell entwickelnde Action, Musik. die Sprache ist reich an Intonationen alltäglicher Lieder und Tänze, geschaffen von F. Aubert („Fra Diavolo“, 1830; „Das Bronzene Pferd“, 1835; „Schwarzer Domino“, 1837 usw.). Im Comic-Genre. Auch andere Komponisten arbeiteten an Opern – F. Herold („Tsampa oder die Marmorbraut“, 1831), F. Halevi („Lightning“, 1835), A. Adam („Der Postbote aus Longjumeau“, 1836), der später auch von Romantikern anerkannt. Regie im Ballett („Giselle, or Willys“, 1841; „Corsair“, 1856).

In denselben Jahren nahm das Genre der großen Oper mit historischen und patriotischen Themen Gestalt an. und heroisch. Geschichten. Im Jahr 1828 gab es einen Posten. die Oper „Der Stumme von Portici“ („Fenella“) von Ober, deren Handlung der Gesellschaft entsprach. Stimmung am Vorabend der Julirevolution von 1830. Dies war die erste große Oper, in der einfache Menschen statt antiker Helden spielten. Die Musik selbst unterschied sich von der Feierlichkeit der alten Heldenlieder. Genres. „Der Stumme von Portici“ regte die Weiterentwicklung des Volksheldentums an. und romantisch Opern. Bestimmte dramaturgische Konzepte wurden in der großen Oper umgesetzt. Techniken, die G. Rossini in der Oper „Wilhelm Tell“ (1829) verwendete, die er für Paris schrieb. Durch seine Arbeit in Frankreich nahm Rossini viel von der dortigen Kultur auf und beeinflusste gleichzeitig die Arbeit der Franzosen. Musiker, insbesondere J. Meyerbeer.

Auf Französisch große Oper der 1830er-40er Jahre, hervorgegangen aus der Ära der Romantik, heroisch. Pathos und Hochgefühle wurden mit einer Menge Bühnenszenen kombiniert. Effekte, äußere Dekorativität. In dieser Hinsicht ist das Werk von Meyerbeer, dem bedeutendsten Vertreter der großen historisch-romantischen Bewegung, besonders bezeichnend. Oper, seit vielen Jahren mit Französisch verbunden. Kultur. Für seine Produktion Typisch sind sorgfältig geschriebene, markante Charaktereigenschaften, ein eingängiger Schreibstil und klare Musik. Dramaturgie (Hervorhebung des allgemeinen Höhepunkts und Schlüsselmomente in der Handlungsentwicklung). Mit einem gewissen Eklektizismus der Musen. Stil (seine Musiksprache wurde unter dem Einfluss verschiedener nationaler Kulturen geformt) schuf Meyerbeer Opern, die Action mit intensiver Dramatik und spektakulärem Theater einfingen. Wirksamkeit. Der Theaterbezug ist charakteristisch für die gesamte FM-Geschichte. und Musik Kunst manifestierte sich auch im Werk Meyerbeers, der von der Romantik beeinflusst war. Dramen, insbesondere Inszenierungen. V. Hugo. (Eine bedeutende Rolle bei der Bildung von Meyerbeers Opernstil kommt dem großen Dramatiker dieser Zeit, E. Scribe, zu, der sein ständiger Librettist wurde.) Meyerbeers Pariser Opern – „Robert der Teufel“ (1830), wo die Struktur eines großen Die französische Oper entstand. Opern, seine beste Produktion. „Hugenotten“ (1835), das zum leuchtendsten Beispiel des Französischen wurde. romantisch Die Opern „Der Prophet“ (1849) und „Die Afrikanerin“ (1864), in denen sich bereits Anzeichen für den Niedergang dieses Genres abzeichneten, zeugen bei all ihren Vorzügen von der Widersprüchlichkeit der Kreativität. Meyerbeers Methode und das Genre der großen Oper selbst mit ihren Außenwirkungen zu Lasten der Wahrhaftigkeit. Die Arbeit vieler Franzosen wird mit der großen Oper in Verbindung gebracht. Komponisten, inkl. Halevi („Jude“, 1835; „Königin von Zypern“, 1841; „Karl VI.“, 1843).

Progressives Französisch Musik Die Romantik fand ihren lebendigsten und vollständigsten Ausdruck im Werk von G. Berlioz, einem der größten Komponisten des 19. Jahrhunderts. Berlioz war der Schöpfer der programmatischen Romantik. Symphonie - „Fantastische Symphonie“ (1830), die zu einer Art Manifest der Franzosen wurde. Musik Romantik, „Harold in Italien“ (1834). Die Originalität der Symphonie. Die Kreativität von Berlioz beruht auf der Lichtbrechung. Bilder von Vergil, W. Shakespeare, J. Byron, J. W. Goethe, die Konvergenz der Sinfonien. Genres mit Theater. Das Problem der Theatralisierung wird in jedem seiner Werke gelöst. Einzelperson: dram. die Sinfonie „Romeo und Julia“ (1839) ähnelt dem Oratorium (dank der Einführung von Solisten und Chor) und enthält Elemente opernhafter Handlung; Dram Die Legende „Die Verdammnis des Faust“ (für Solisten, Chor und Orchester, 1846) ist eine komplexe Oper-Oratorien-Symphonie. Genre. Damit hängt gewissermaßen das von Berlioz in Symphonien weit verbreitete Prinzip des Monothematismus zusammen, das in diesem Fall aus den Leitmotivmerkmalen der Oper stammt. Mit seiner programmatischen Symphonie skizzierte Berlioz einen der wichtigsten Wege für die Entwicklung Europas. Symphonie Musik (siehe Programmmusik). In seiner Musik, zusammen mit intimen Texten, fantastisch. und Genrebilder verkörpern beharrlich das bürgerliche Revolutionär. Thema; er belebte die Traditionen der Masse und der Demokratie wieder. Kunst der großen Franzosen. Revolution (Requiem, 1837; „Trauer-Triumph-Symphonie“, 1840) Berlioz, ein großer Erneuerer, schuf eine neue Art von Nationalität. melodisch (seine Melodien zeichnen sich durch ihre Neigung zu alten Modi, ihren besonderen Rhythmus aus, der von den Besonderheiten der französischen Sprache beeinflusst wird; einige seiner Melodien ähneln einer optimistischen Rednersprache). Er führte große Innovationen auf dem Gebiet der Musik ein. Formen, revolutionierten den Bereich der Instrumentierung (eine wichtige Rolle bei der Bildgestaltung spielt das Orchester-Timbre-Element, dem andere Komponenten der Musiksprache untergeordnet sind – Rhythmus, Harmonie, Form, Textur). Eine etwas besondere Situation in Frankreich. Musik Berlioz‘ Opern nahmen diesen Platz ein: Seine Oper „Benvenuto Cellini“ (1837) führt die Traditionen des Komischen fort. Opern, Duologie „Die Trojaner“ (1859) – Glucks Heldentaten, in romantischen Tönen gemalt.

Ein bedeutender Dirigent und herausragender Musiker. Der Kritiker Berlioz war zusammen mit Wagner der Begründer einer neuen Dirigentenschule und schrieb eine Reihe bemerkenswerter Werke, darunter. gewidmet L. Beethoven, Gluck, Fragen der Dirigierkunst (darunter die Abhandlung „Orchesterdirigent“, 1856) und Orchestrierung („Große Abhandlung über Instrumentierung“, 1844).

Berlioz‘ Kreativität überschattete die Aktivitäten einer Reihe von Franzosen. Komponisten ser. 19. Jahrhundert, tätig auf dem Gebiet der Symphonie. Genre. Einige von ihnen, inkl. F. David hat eine Definition gemacht. Beitrag zur Musik Anspruch in Frankreich. Als Autor der Odensymphonien „Die Wüste“ (1844), „Christopher Kolumbus“ (1847) und anderer Werke legte er den Grundstein für den Orientalismus in der französischen Musik.

In den 30-40er Jahren. 19. Jahrhundert Paris entwickelt sich zu einem der Zentren der Weltmusik. Kultur, die Musiker aus anderen Ländern anzog. Hier entwickelte sich Kreativität, der Pianismus von F. Chopin und F. Liszt reifte, die Kunst der Sänger P. Viardot-Garcia und M. Malibran blühte auf, N. Paganini und andere herausragende Interpreten gaben Konzerte.

Von Anfang an 19. Jahrhundert europäisch Französisch wurde berühmt. Violine, sog Pariser, Schule - P. Rode, P. M. Baio, R. Kreutzer; Es entstand eine Galaxie von Sängern, die mit der Romantik verbunden sind. Oper, darunter Sänger L. Damoro-Cinti, D. Artaud, Sänger A. Nurri, J. L. Dupre. Es traten eine Reihe erstklassiger Musen auf. Mannschaften. Im Jahr 1828 dir. F. Habenek gründete die Konzertgesellschaft des Pariser Konservatoriums in Paris, Symphonie. dessen Konzerte eine große Rolle bei der Förderung des Schaffens Beethovens in Frankreich spielten (1828-31 fand in Paris ein Zyklus statt, der alle Symphonien Beethovens umfasste), sowie Berlioz (die Symphonie Fantastique, Romeo und Julia wurden erstmals aufgeführt). Zeit in den Konzerten des Unternehmens“, „Harold in Italien“). Umfangreiche Dirigententätigkeiten übte Berlioz aus, der die Sinfonie organisierte. Konzerte und Festivals (später war er Dirigent der auf seine Initiative hin gegründeten Grand Paris Philharmonic Society, 1850-51). Bedeutet. Auch der Chor entwickelte sich. Aufführung, die sich allmählich von Kirchen zu Konzerten verlagerte. Hallen. Eine große Anzahl von Chorliebhabern. Der Gesang wurde durch die Orpheon-Gesellschaft vereint. Für Musen Das Leben in Frankreich während des Zweiten Kaiserreichs (1852-70) war geprägt von einer Leidenschaft für Cafés, Konzerte und Theater. Revue, künstlerisches Chansonnier. In diesen Jahren entstanden zahlreiche. eine Mischung aus leichten Genres, in der Varietés und Farcen aufgeführt wurden. Überall war Unterhaltung und Belustigung zu hören. Musik. Allerdings sammelte der Komiker Erfahrungen. Die Oper trug in der Darstellung des Alltags, in der Schaffung realer Bilder zur Entstehung des neuen Theaters bei. Genres - Operette und lyrische Oper.

Die Pariser Operette ist ein typisches Produkt des Zweiten Kaiserreichs. Es entstand aus Rezensionsbeiträgen zu aktuellen Themen. Die Operette zeichnete sich vor allem durch den Reichtum ihres zeitgenössischen Stils aus. Inhalte und vorhandene Musik. Intonationen. Es basierte auf würzigen Couplets und Tanz. Divertissements, unterbrochen von gesprochenen Dialogen. Zu den Schöpfern der Pariser Operette zählen J. Offenbach und P. Hervé. Operetten verschiedener Handlungsstränge des größten Meisters dieses Genres, Offenbach („Orpheus in der Hölle“, 1858; „Genevieve von Brabant“, 1859; „Schöne Helena“, 1864; „Blaubart“ und „Pariser Leben“, 1866; „Pericola“. ", 1868 usw.) sind Kap. untergeordnet. Thema - das Bild der Moderne. Offenbach erweiterte die ideologische Kunst. Genrebereich; Seine Operette erlangte eine akute Aktualität und soziale Ausrichtung (in einer Reihe von Werken werden die Sitten der bürgerlich-aristokratischen Gesellschaft lächerlich gemacht). Musik wird in Offenbachs Operetten zum wichtigsten dramatischen Element. Faktor.

In der Folge (in den 70er Jahren, unter den Bedingungen der Dritten Republik) verlor die Operette ihre Satire, Parodie, Aktualität und es dominierten historisch-alltägliche und lyrisch-romantische Operetten. Handlung, Lyrik trat in der Musik in den Vordergrund. Anfang („Madame Favard“, 1878, und „The Tambour Major’s Daughter“, 1879, Offenbach; „Mademoiselle Nitouche“ von Herve, 1889 usw.); es kommt deutlich in den Operetten von C. Lecoq („Madame Angos Tochter“, 1872; „Giroflé-Giroflé“, 1874), R. Plunket („Die Glocken von Corneville“, 1877) zum Ausdruck. In Paris wurden mehrere Operettenaufführungen eröffnet. t-Reihe – „Bouffe-Parisien“ (1855, Gründer – Offenbach), „Foli Dramatic“ (1862), „Foli Bergere“ (1872; später – Musiksaal) usw.

In den 50er Jahren. 19. Jahrhundert auf Französisch die Kunst hat sich realistisch gesteigert. Trends. In der Oper manifestierte sich dies im Wunsch nach gewöhnlichen Themen, nach der Darstellung nicht außergewöhnlicher, romantischer Charaktere. Helden, sondern gewöhnliche Menschen mit ihren intimen Erfahrungen. In con. 50er – 60er Jahre Das Genre der Lyrik ist im Entstehen begriffen. Opern. Seine besten Beispiele zeichnen sich durch tiefgreifenden Psychologismus und subtile Offenlegung des Inneren aus. die menschliche Welt, eine wahrheitsgetreue Darstellung der Situation, vor deren Hintergrund sich die Handlung entwickelt. Allerdings lyrisch. Der Oper fehlte die Breite ideologischer Kunst. Verallgemeinerungen. Oft angezündet. Die Opern basierten auf Inszenierungen. Weltklassiker, aber sie betonten in erster Linie. lyrisch Drama, die Handlungen wurden in alltäglichen Begriffen interpretiert, die ideologischen Fragen wurden eingegrenzt, der philosophische Inhalt der Literatur wurde reduziert. die Originalquelle. Lyrisch. Die Oper zeichnet sich durch ihren poetischen Charakter aus. Skizze der Bühne Bilder, einfache, verständliche Musik, Attraktivität, Eleganz der Melodie, Demokratisierung der Musik. Sprache, die den Alltagstexten nahe kam (horizontale Folklore und verschiedene Alltagsgenres, darunter Romantik und Walzer, sind weit verbreitet).

Lyrisch. Die vollständigste und künstlerisch vollkommenste Verkörperung erhielt die Oper im Werk von C. Gounod. Als Klassiker gilt die Oper „Faust“ (1859, 2. Auflage 1869), die die Geburtsstunde einer neuen Gattung markierte. Probe. Gounod hat zwei weitere helle lyrische Lieder geschaffen. Opern - „Mireil“ (1863, 2. Auflage 1864) und „Romeo und Julia“ (1865, 2. Auflage 1888). Unter den Komponisten, die in diesem Genre schrieben, zeichnete er sich durch seine originelle Lyrik aus. Talent, Anmut der Musik. Stil von J. Massenet, Autor der populären Opern „Manon“ (1884), „Werther“ (1886). Solche lyrischen Lieder sind weithin bekannt. Opern wie „Mignon“ (1866) und „Hamlet“ (1868) von Thoma, „The Pearl Fishers“ (1863), „The Belle of Perth“ (1866) und „Djamile“ (1871) von Bizet, „Lakmé“ von Delibes (1883). Die genannten Opern von J. Bizet und L. Delibes über Exotik. „Orientalische“ Geschichten sowie „Samson und Delilah“ von Saint-Saëns (1876) gehören zu den besten französischen. lyrisch-orientalische Werke. Viele Lyrik. Opern wurden im Lyric Theatre (gegründet 1851) aufgeführt.

In den 70ern 19. Jahrhundert realistisch. Trends traten auch im Ballettgenre auf. Ein Innovator auf diesem Gebiet war Delibes, der das Drama in den Balletten „Coppelia oder das Mädchen mit den Emailleaugen“ (1870) und „Sylvia oder die Nymphe der Diana“ (1876) verstärkte. beginnend im Tanz, erweiterte den Umfang des lyrisch-psychologischen. Ausdruckskraft der Tradition. Ballettformen, nutzten die durchgängige Entwicklung der Musik-Hopeographie. Aktion, wodurch eine Symphonisierung der Ballettmusik erreicht wird. Die Vertiefung ist realistisch. Prinzipien der Lyrik Die Oper ist mit dem Werk von Bizet verbunden. Seine besten Schöpfungen – die Musik zu A. Daudets Drama „La L'Arlesienne“ (1872) und die Oper „Carmen“ (1874) – zeichnen sich durch Realismus aus. das Drama der Menschen aus den Menschen enthüllen, die Kraft der Darstellung von Lebenskonflikten, die Wahrheit menschlicher Leidenschaften, die Dynamik von Bildern und Dramen. Ausdruckskraft der Musik, lebendige Nachbildung des Nationalen Farbe, melodisch Reichtum, Originalität der Musik. Sprache, Kombination von Intensität Symphonie. Entwicklung aus Tradition. Französische Formen komisch Opern („Carmen“ wurde offiziell in diesem Genre geschrieben). „Carmen“ ist der Höhepunkt des französischen Realismus. Oper, eines der größten Werke. Weltopernkunst. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. Kreaturen Platz in der Musik Das Leben Frankreichs war vom Werk von R. Wagner geprägt, das einen bedeutenden Einfluss hatte. Einfluss auf eine Reihe von Franzosen Komponisten. Es kam zu heftigen Debatten zwischen den Wagnerianern und ihren Gegnern. Paris wurde zu einem der Zentren des Wagnerismus. Hier wurde sogar ein Special veröffentlicht. Magazin „Revue Wagnerrienne“ (1885-88), an der prominente Schriftsteller, Musiker, Philosophen und Künstler mitwirkten. Der Einfluss der Musik. Wagners Dramaturgie spiegelte sich in den Opern „Fervaal“ und „Andy“ (1895), „Gwendoline“ von Chabrier (1886) wider, auch auf instrumentale Genres (Suchen im Bereich Harmonie, Orchestrierung) – bestimmte Werke von A. Duparc , E. Chausson usw. In den 90er Jahren gab es jedoch eine Reaktion gegen die Dominanz von Wagners Ideen, die mit der literarischen Bewegung unter der Leitung von E. Zola verbunden waren. Sie wurden in der Arbeit von A. Bruno anschaulich verkörpert. Als prominentester Vertreter des Naturalismus in der Opernkunst Frankreichs brachte er in seinen Opern (die meisten davon basierten auf Handlungssträngen, teilweise auf Zolas Libretti) als erster moderne Bauern und Arbeiter auf die Bühne – „Die Belagerung von“. Die Mühle“ (1893), „Messidor“ (1897), „Hurricane“ (1901) In Brunos Werken werden jedoch häufig wahrheitsgetreue Lebenskollisionen mit einer mysteriösen Symbolik verbunden von G. Charpentier, dem Autor der vor allem bei demokratischen Zuschauern beliebten Oper „Louise“ (1900), die Bilder gewöhnlicher Menschen und Bilder des alltäglichen Pariser Lebens zeigt.

In der 2. Hälfte. 19. Jahrhundert Die durch die Kreativität des Chansonniers repräsentierte Liedtradition verbreitete sich. Anschließend äußerte sich W. I. Lenin mit großer Anteilnahme über ihre Klage. Besonders beliebt war W. I. Lenin in den 90er Jahren. Sänger Chansonnier G. Montagus ist der Sohn eines Kommunarden. Prod. Chansonniers zeichneten sich oft durch ihren lebhaften Journalismus aus. Viele Lieder trugen zum Erwachen des Klassenbewusstseins der Arbeiter bei. Darunter ist die „Internationale“ – eine lebendige Antwort auf das Heroische. Ereignisse der Pariser Kommune (Text geschrieben vom Pop-Songwriter E. Pothier im Juni 1871, Musik des Arbeiters und Amateurkomponisten P. Degeyter 1888, uraufgeführt 1888 bei einem Arbeiterurlaub in Lille), die zur Hymne von wurde die Revolution. Proletariat.

Die Pariser Kommune markierte einen großen Wendepunkt in der sozialen und politischen Geschichte. und kulturelles Leben Frankreichs. Politik der Kommune in der Kunst. Die Region basierte auf dem von ihr proklamierten Slogan „Kunst für die Massen“. Im Tuilerienpalast und an verschiedenen Orten wurden für das Volk grandiose Konzerte und Massenaufführungen organisiert. In den Pariser Vierteln erklang Musik auf den Straßen und Plätzen. Ausgezeichnet von der Pariser Kommune der Künste. Die Veranstaltungen zeichneten sich durch ihre ideologische Breite aus. Den Arbeitern wurde die Möglichkeit geboten, Theater, Konzerte und Museen zu besuchen. Eine bedeutende revolutionäre Persönlichkeit. Der Komponist und Folklorist P. Salvador-Daniel, der in den Tagen der Pariser Kommune auf den Barrikaden kämpfte und das Konservatorium leitete, wurde zum Komponisten und Folkloristen von Paris (er wurde von den Versaillesern gefangen genommen und erschossen). Die Ideen der Pariser Kommune wurden direkt gefunden. Sie spiegelten sich in den Liedern der Arbeiterdichter und Komponisten wider und trugen auch zur Demokratisierung des Berufs bei. realistisch. Klage Nach den Ereignissen von 1870–71 in Frankreich weitete sich die Bewegung zur Etablierung nationaler Musiktraditionen aus. Im Bereich der Werkzeuge steht eine wohltuende Veränderung bevor. Musik - hohe Kunst. Französische Komponisten erzielten Ergebnisse in den Bereichen Symphonie, Kammermusik und Instrumentalmusik. Genres. Diese „Erneuerung“ ist vor allem mit den Aktivitäten von S. Frank und C. Saint-Saens verbunden.

Der größte Franzose Der Komponist und Organist Frank kombinierte in seinem Werk klassische Musik. Klarheit des Stils mit heller Romantik. Bilder. Er widmete dem Problem der Kunst große Aufmerksamkeit. Einheit der Instrumente Zyklus, basierend auf dem Prinzip der Querschnittsthematik: der Vereinigung abgeschlossener, relativ unabhängiger Themen. Teile des Zyklus mit gemeinsamen Themen (eine Tradition, die bis zu Beethovens 5. Symphonie zurückreicht). Zu hohen Beispielen des Französischen. Symphonie gehört zu solchen Werken. Franck, als Sinfonie d-Moll (1888), Sinfonie. Gedichte „The Cursed Hunter“ (1882), „Djinns“ (für Klavier und Orchester, 1884), „Psyche“ (für Chor und Orchester, 1888), „Symphonic Variations“ (für Klavier und Orchester, 1885). Das für Sinfonien charakteristische Prinzip der Zyklizität. Franks Schaffen ist auch durch sein Kammerinstrument geprägt. Aufsätze. Er war der Autor von Orgel, fp. Inszenierungen, Oratorien, Romanzen, Kirchenmusik. Klassizistische Tendenzen in Franks Werk (Appell an strenge klassische Formen, weit verbreitete Verwendung von Polyphonie) bereiteten teilweise den Neoklassizismus in der Musik des 20. Jahrhunderts vor. Gleichzeitig nahmen seine Entdeckungen auf dem Gebiet der Harmonie das Impressionistische vorweg. Schreibtechniken. Frank, ein hervorragender Lehrer, war der Gründer der Schule (zu seinen Schülern gehörten V. d'Andy, A. Duparc, E. Chausson). Seine Arbeit hatte im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert eine positive Wirkung .

Kreativ die Individualität von Saint-Saëns, dem Autor zahlreicher Prod. verschiedene Genres, die sich am deutlichsten in der instrumentalen, vor allem konzertvirtuosen Musik manifestieren - einer Sinfonie mit Orgel (3. Sinfonie, 1886), Sinfonie. das Gedicht „Totentanz“ (1874), „Einleitung und Rondo Capriccioso“ und das 3. Konzert für Violine und Orchester (1863, 1880), das 2., 4., 5. Konzert für Fp. mit Orchester (1868, 1875, 1896), 2. Konzert für Cello und Orchester (1902) usw. In seiner romantischen Musik lassen sich klassizistische Tendenzen erkennen. Die Arbeit von Saint-Saëns ist geprägt von Loyalität gegenüber dem Nationalen. Traditionen (seine kreativen Prinzipien wurden größtenteils unter dem Einfluss von Cembalisten, Berlioz, großer und lyrischer Oper geformt). In seinem Op. Er verwendet häufig volkstümliche Intonationen und Genres sowie Tanz. Rhythmen (er zeigte auch Interesse an Volksmusik anderer Länder: „Algerische Suite“ für Orchester, 1880; Fantasie für Klavier und Orchester „Afrika“, 1891; „Persische Melodien“ für Gesang mit Klavier, 1870 usw.). National Gewissheit und Demokratie der Musik. Auch als Musiker verteidigte Saint-Saëns die Kunst. Kritiker. Alle seine vielfältigen Aktivitäten als Komponist, virtuoser Konzertpianist, Organist, Dirigent, Mus. Die Kritik richtete sich gegen die Förderung von F. m. Davon zeugt auch die Veröffentlichung auf Initiative und unter der Leitung von. Saint-Saëns abgeschlossen. Sammlung op. Rameau (1895-1918, unvollendet).

Bedeutender Beitrag zum Französischen. Musik Betrugskultur 19 - Anfang 20. Jahrhundert komp. E. Lalo (Meister der Orchester- und Kammerinstrumentalmusik, Autor der beliebten „Spanischen Symphonie“ für Violine und Orchester, 1875, die den Beginn der Leidenschaft französischer Musiker für spanische Folklore markierte), E. Chabrier (ein Künstler, der zeigte die Gabe des Witzes und der tiefen Lyrik und des kreativen Einfallsreichtums, der sich der Kanonisierung der Kunst widersetzte, zu dessen Werken die lebhafte nationale komische Oper „The Reluctant King“, 1887, f subtiler Lyriker, Schöpfer gefühlvoller symphonischer Werke, darunter „Gedichte“ für Violine und Orchester, 1896, sowie Romanzen).

D'Andy sticht in dieser Galaxie heraus und entwickelt seine Traditionen weiter. D'Andys Musik zeichnet sich durch ihren polyphonen Charakter aus. Einfallsreichtum, farbenfrohe Harmonie, Transparenz der Orchestrierung, Umfang der Kompositionen. Als Bewunderer und Propagandist von Wagners Ideen folgte er dessen musikalischen Prinzipien. Dramaturgie, Leitmotivismus. In zahlreichen Produktionen. d „Andy fand die Umsetzung französischer Musikfolklore – „Symphonie zum Thema eines französischen Hochlandliedes“ für Klavier und Orchester (1886), „Fantasie zu Themen französischer Volkslieder“ für Oboe und Orchester (1888), symphonisch Suite „Sommertag“ in den Bergen“ (1905). D'Andys Aktivitäten trugen dazu bei, das Interesse der Menschen zu wecken. Musik Frankreichs (er sammelte und verarbeitete Volkslieder, veröffentlichte mehrere Liedersammlungen) sowie Kontrapunktik. Kunst alter Meister bis hin zur Wiederbelebung der alten Musik (eine Manifestation neoklassizistischer Tendenzen). D'Andy trug auch wesentlich zum Aufstieg der Musikausbildung in Frankreich bei.

Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts gestiegen. Interesse an Werkzeugen Musik sorgte für eine Wiederbelebung des Konzerts. Leben. Es entstanden erstklassige Sinfonien. und Kammermusikinstrumente Mannschaften. Im Jahr 1861, auf der Grundlage des 1851 erstellten Verzeichnisses. J. Padlu „Vereinigung junger Künstler des Konservatoriums“ entstand „Volkskonzerte klassischer Musik“ (existierte bis 1884, wurde 1886–87 von Padlu erneuert; 1920 von Direktor Rene-Baton als „Vereinigung der Konzerte von Padlu“ wiederbelebt) ). Im Jahr 1873 wurde es auf Initiative des Verlegers J. Hartmann gegründet. Gesellschaft „Nationale Konzerte“ unter der Leitung des Direktors. E. Colonna (ab 1874 – „Chatelet Concerts“, später – „Colonna Concerts“). Bei den Konzerten dieser Kompanie wurden häufig Kompositionen aufgeführt. Berlioz, Frank. Im selben Jahr 1873 auf Initiative von Dir. S. Lamoureux Haupt „Die Gesellschaft der Heiligen Harmonie“ („Société de I „Harmonie sacrée“), in deren Konzerten zum ersten Mal in Frankreich bestimmte Werke von J. S. Bach und G. F. Händel aufgeführt wurden (1881 wurde sie in „About-in Neue Konzerte“, ab 1897, nach Fusion mit den „Opernkonzerten“ unter der Leitung von K. Chevillard – zu den „Lamourieux-Konzerten“). Eine besondere Rolle bei der Förderung von f. m. und der Wahrung nationaler Traditionen kam der 2001 gegründeten National Musical Society zu 1871 wurde auf Initiative von Saint-Saens und R. Bussin unter Beteiligung von S. Frank, die als Reaktion auf den landesweiten patriotischen Aufschwung entstand, die Rolle der Chöre gegründet: die Concordia Society ( 1879), dessen Repertoire von Werken von Bach und Händel dominiert wurde, der Saint-Gervaise Singers Association (1892, Gründer S. Borde), die Musik der Renaissance aufführte, Bachovskoe (1904), Gendelevskoe (1908) Gemeinden.

Viele haben weltweite Berühmtheit erlangt. Französisch Darsteller 2. Stock 19 - Anfang 20. Jahrhundert, inkl. Sänger S. Galli-Marier, Sänger J. L. Lassalle, V. Morel, J. M. Reschke, J. F. Delmas, Pianisten A. F. Marmontel, L. Diemer, Organisten S. M. Widor, Frank, L. Vierne, G. Pierne, A. Gilman und andere das 19. Jahrhundert. Französisch entwickelte sich intensiv. Musikalischer Forschungsgedanke. Zahlreiche theoretisch und pädagogisch Die Werke wurden von einem Tschechen geschaffen, der in Paris lebte. Komponist und Theoretiker A. Reich; „Historical Dictionary of Musicians“ (Bd. 1-2, 1810-11) und „Musical Encyclopedia“ (Bd. 1-8, 1834-36, nicht fertiggestellt) wurden von A. E. Shoron, dem Autor musiktheoretischer Werke ( verbundene Theorie mit allgemeiner und musikalischer Ästhetik); über Franco-Flam. Kirche Musik und Mittelalter. Musik E. A. Kusmaker schrieb über Theoretiker, deren Werke den Weg für das Studium der Musik des Mittelalters ebneten; hat eine Folkloresammlung zusammengestellt Lieder, bereitete und veröffentlichte Partituren vergessener Opern und Ballette, schrieb ein Werk über die Geschichte der Instrumentierung (1883) von J. B. T. Weckerlen; großer Beitrag zum Studium der Folklore. Die Musik wurde von L. A. Burgo-Ducudray beigesteuert, der zahlreiche Werke veröffentlichte. Sammlungen von Folklore Melodien; Hauptwerke im Bereich Lexikographie und Musikgeschichte, inkl. „Allgemeine Musikerbiographie und bibliographisches Musikwörterbuch“ (Bd. 1-8, 1837-44, Zusatzausgabe 1860-65), gehören F. Zh. Bord stellte eine Anthologie mit Werken antiker Kirchenmusik zusammen; Anthologie der Orgelmusik des 16.-18. Jahrhunderts. veröffentlicht von Gilman und A. Pirro (Bd. 1-10, 1898-1914).

Im 19. Jahrhundert Musik Das Pariser Konservatorium bildete weiterhin Personal aus (seine Direktoren waren bis zum 20. Jahrhundert nach Sarrett Cherubini, Aubert, Salvador-Daniel, Thomas und T. F. C. Dubois). Es erschienen auch neue Musen. äh. Institutionen, darunter die Niedermeyer-Schule, die Kapellmeister und Organisten ausbildete (eröffnet 1853 auf der Grundlage des 1817 von Shoron neu organisierten Instituts für Kirchenmusik) und die Schola Cantorum (gegründet 1894 auf Initiative von d' Indy, Borda, Gilman, die offizielle Eröffnung fand 1896 statt, ihr Direktor in den Jahren 1900-1931 war d'Andy), das zu einem Zentrum für das Studium und die Propaganda (Konzerte, Schulpublikationen) der alten weltlichen und kirchlichen Welt wurde. Musik, Werke der französischen Sprache. Komponisten des 17. und 18. Jahrhunderts sowie Frank. In con. 80er - 90er Jahre 19. Jahrhundert In Frankreich entstand eine neue Bewegung, die sich im 20. Jahrhundert verbreitete – der Impressionismus (er entstand in den 70er Jahren in der französischen Malerei, manifestierte sich dann in der Musik usw.). Musik Der Impressionismus belebte bestimmte Nationalitäten wieder Künste Traditionen - der Wunsch nach Spezifität, Programmatik, Eleganz des Stils, transparenter Textur. In der Musik der Impressionisten geht es vor allem um die Übertragung wechselhafter Stimmungen, flüchtiger Eindrücke und subtiler Geisteszustände. Daher die Anziehungskraft der Poesie. Landschaft sowie raffinierte Fantasie.

Der Impressionismus fand seinen vollständigsten Ausdruck in der Musik von C. Debussy und manifestierte sich in den Werken von M. Ravel, P. Dukas, J. J. E. Roger-Ducas und anderen, dem größten Meister der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Debussy fasste die Leistungen seiner Vorgänger zusammen und erweiterte seinen Ausdruck. und koloristisch Musikmöglichkeiten. Er hat das Produkt geschaffen. hohe Künste. Werte, die durch die grenzenlose Variabilität der Klangbilder gekennzeichnet sind. Seine flexiblen, fragilen Melodien scheinen aus unaufhörlichen „Übergängen und Überläufen“ gewoben zu sein. Rhythmisch. Auch die Zeichnung ist wechselhaft und instabil. Bei der Harmonie ist für einen Komponisten der Kolorismus das Wichtigste. Effekt (modale Freiheit, Einsatz kühner Parallelismen, Aneinanderreihung unaufgelöster Farbharmonien). Komplikation der Harmonischen Mittel führten zu polytonalen Elementen in seiner Musik. Im Ork. Die Palette wird von reinen Aquarellfarben dominiert. Debussy schuf auch einen neuen pianistischen Stil. Stil und findet unzählige klangliche Nuancen im Klavierklang.

Der Impressionismus brachte auch Neuerungen auf dem Gebiet der Musik. Genres. Im Werk Debussys Symphonie. Zyklen weichen Sinfonien. Skizzen; im FP In der Musik dominieren Programmminiaturen. Anschauliche Beispiele impressionistischer Klangmalerei sind sein „Vorspiel zu „Der Nachmittag eines Fauns““ (1894), orc. Triptychon „Nocturnes“ (1899), 3 Sinfonien. Skizze „Das Meer“ (1905) für Orchester, FFP-Reihe. Prod.

Debussy war der Schöpfer der impressionistischen Oper. Sein „Pelleas und Mélisande“ (1902) ist im Wesentlichen eine Einheit. ein Beispiel für diese Art von Oper (es ist nicht typisch für den musikalischen Impressionismus im Allgemeinen, sich dramatischen Genres zuzuwenden). Es zeigte auch die Vorliebe des Autors für symbolistische Bilder. Bei aller Tiefe der psychologischen Ausdruckskraft, der subtilen Übertragung verschiedener Nuancen der Stimmung der Charaktere durch die Musik leidet die Oper unter einer statischen Dramaturgie. Debussys innovatives Werk hatte großen Einfluss auf die weitere Entwicklung der gesamten Weltmusik des 20. Jahrhunderts.

Der größte Künstler des 20. Jahrhunderts. Ravel wurde auch von der impressionistischen Ästhetik beeinflusst. In seinem Werk sind verschiedene Typen miteinander verflochten. ästhetisch und stilistisch Tendenzen - klassizistisch, romantisch-impressionistisch (in späteren Werken auch neoklassizistisch). Ravels spritzige, temperamentvolle Musik zeichnet sich durch Augenmaß und Zurückhaltung im Ausdruck aus. Mehr Freiheit bei der Musikvermittlung. Gedanken verbinden sich mit der Treue zu den Klassikern. Formen (bevorzugt Sonatenform). Mit erstaunlicher Rhythmik Ravels Musik unterliegt in ihrer Vielfalt und ihrem Reichtum einem strengen Metrum. Als großer Meister der Instrumentierung erreichte er die Raffinesse und Brillanz eines Orks. Farben, wobei die Klangdefinition erhalten bleibt. Ein charakteristisches Merkmal seiner Arbeit ist sein Interesse an Folklore (Französisch, Spanisch usw.) und dem Alltagsleben, insbesondere dem Tanz. Genres. Einer der Gipfel der Franzosen Symphonie war sein „Bolero“ (1928), und andere Orchester sind zweifellos von Wert. op. - „Spanische Rhapsodie“ (1907), choreografisch. Gedicht „Walzer“ (1920). Ravel schuf eindrucksvolle Beispiele in der Oper („Die spanische Stunde“, 1907, der Prototyp dieser Oper war Mussorgskis „Die Hochzeit“; Opernballett „Das Kind und der Zauber“, 1925) und im Ballett (darunter „Daphnis und Chloe“, 1912). ) Genres, im Bereich PHP. Musik (2 Konzerte für Klavier und Orchester, 1935, Klavierstücke, Zyklen). Mit den Techniken der Polytonalität, Polyrhythmik, Linearität und Elementen des Jazz ebnete Ravel in seinem Werk den Weg für neue Stilrichtungen. Trends in der Musik des 20. Jahrhunderts. Zusammen mit impressionistischen Tendenzen in der Freskenmalerei an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Traditionen von Saint-Saëns und Frank entwickelten sich weiter. Der Hüter dieser Traditionen war G. Fauré. Als älterer Zeitgenosse von Debussy und Lehrer von Ravel war er in seinem Werk weit entfernt von den neuen Trends der Zeit. Besitzt eine ausgezeichnete Melodie. Vergebens schuf Fauré Musik voller gefühlvoller Lyrik – dazu gehören sein poetischer Gesang (Romanzen nach Gedichten von P. Verlaine und anderen), sein Klavier (Ballade für Klavier und Orchester, 1881; eine Reihe von Nocturnes, Präludien) und sein Kammerinstrumental. (2. Sonate für Violine mit Klavier, 2 Sonaten für Cello mit Klavier, Streichquartett mit Klavier, Trio, 2 Klavierquintette) Werke. Er schrieb auch die Oper „Penelope“ (1913), die später von A. Honegger hochgeschätzt wurde. Fauré war ein hervorragender Lehrer und bildete viele Menschen aus. Komponisten, zu seinen Schülern zählen J. J. E. Roger-Ducas, C. Ququelin, F. Schmitt, L. Aubert.

Der impressionistische Malstil war gewissermaßen charakteristisch für Duke. Dies äußerte sich beispielsweise in der Farbigkeit des Harmonischen. und Ork. die Sprache seiner Oper „Ariana und Blaubart“ (1907). Als Bewunderer von Debussys Talent war Dukas jedoch kein Anhänger der impressionistischen Ästhetik. Sein Produkt. zeichnen sich durch Klarheit der Komposition, Klarheit der Form, Klassik aus. Ausgewogenheit der Musik. Durchführung (sinfonisches Scherzo „Der Zauberlehrling“, 1897). Die Partituren dieses Orchestrierungsmeisters sind voller Farben. Funde (choreografisches Gedicht für Orchester „Peri“, 1912). Bedeutet. Von Interesse ist seine Kritik Erbe. Dukas war auch ein berühmter Lehrer.

Debussy, Ravel, Dukas und andere Franzosen. Komponisten zeigten großes Interesse an Russisch. Musik, studierte die Werke von M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin und anderen. Spur in der Musik Das Leben Frankreichs verließ die russischen Konzerte. Musik während der Weltausstellung in Paris (1889; Rimsky-Korsakov und A.K. Glasunow nahmen als Dirigenten an den Konzerten teil), Historisch. rus. Konzerte organisiert von S. P. Diaghilew (1907, Leitung: Rimsky-Korsakow, Glasunow, S. V. Rachmaninow usw.) und insbesondere die „Russischen Jahreszeiten“ (ab 1908 auf Initiative von Diaghilew veranstaltet), in Opern- und Ballettaufführungen vieler der größten russischen Kompanien teilgenommen. Künstler – F. I. Chaliapin, A. P. Pavlova, V. F. Nijinsky und andere – führten die Franzosen nicht nur ins Russische ein. Musik, sondern erweckte eine Reihe von Werken zum Leben, darunter. I. F. Strawinsky - „Der Feuervogel“ (1910), „Petruschka“ (1911), „Das Frühlingsopfer“ (1913) sowie „Die Hochzeit“ (1923), „Apollo Musaget“ (1928), wo aus malerischen Stilisierungen im Geiste der „Welt der Kunst“ kamen zu Balletten, die auf der Symphonisierung von Musik und Tanz basierten. Im Auftrag von Diaghilew wurden eine Reihe von Werken geschaffen. E. Satie, J. Auric, F. Poulenc, D. Milhaud und andere.

Der Prozess, ein kreativer Komponist zu werden, war nicht einfach. deren Weg die historisch schwierige Zeit des Endes umfasst. 19 - 1. Stock. 20. Jahrhundert Zu ihnen gehörte auch A. Roussel. Als Hommage an seine Leidenschaft für die Musik von Wagner und Frank wandte er sich dem Neoklassizismus zu (Ballett „Bacchus“), nachdem er den Einfluss des Impressionismus erlebt hatte (Oper-Ballett „Padmavati“, 1918; Ballett-Pantomime „Fest der Spinne“, 1913). und Ariadne“, 1931; 3. und 4. Symphonie, 1930 und 1934 usw.). Die Aktivitäten des Komponisten und der Musen reichen bis in die gleiche Zeit zurück. Theoretiker Keclin – einer der größten Lehrer (zu seinen Schülern zählen F. Poulenc, A. Coge), Komponist und Pianist Roger-Ducas, der mit der spätromantischen Bewegung in Verbindung gebracht wurde. aktuell in F. m., Komponist und Organist Widor, Komponist und Pianist D. do Severak, Komponisten A. Magnard, L. Ober, G. Ropartz und andere.

Der 1. Weltkrieg von 1914–18 führte zu grundlegenden Veränderungen in der Lebensauffassung, im Geschmack und in der Einstellung der Menschen zur Kunst. Unter jungen Kulturschaffenden gibt es einen Protest gegen das Bürgertum. Moral, Spießertum. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. machte besonders durch seinen rebellischen und antibürgerlichen Geist auf sich aufmerksam. Position, Verleugnung aller Musen. Behörden der Comp. Sati. Zusammen mit dem Dichter, Librettisten, Künstler und Kritiker J. Cocteau leitete er die Bewegung junger Franzosen. Musiker, die sich für die Ästhetik des Urbanismus einsetzten, für die Kunst des „Heutigen“, also der Moderne. die Stadt mit ihrem Autolärm, der Musikhalle, dem Jazz. Satie beeinflusste junge Komponisten bei aller Originalität eher als spiritueller Mentor und nicht mit seiner Kreativität (in seinen Werken entstehen ungewöhnliche Klänge, die eine Autosirene nachbilden, das Zirpen einer Schreibmaschine, dann werden klare, manchmal zurückhaltend harsche Melodien dargeboten; Techniken der vor-Bach-Polyphonie werden mit akut grotesken Elementen kombiniert) übertrafen nicht ihre Zeit. Ein öffentlicher Skandal begleitete die Inszenierung von Saties Ballett „Parade“ (Drehbuch von Cocteau, künstlerischer Leiter P. Picasso, 1917), verursacht sowohl durch die ungewöhnliche Musik, die den Geist des Varietés verkörperte und Straßengeräusche nachbildete, als auch durch die Inszenierung selbst (die Annäherung der Choreographie an die Bühne, Exzentrizität und Kubofuturismus. Prinzipien des Bühnenbildes). Junge Komponisten begrüßten das Ballett mit Begeisterung. Unter der Schirmherrschaft von Satie und Cocteau entstand Kreativität. Gemeinschaft von Komponisten, die in der Geschichte unter diesem Namen bekannt ist. „Sechs“ (diesen Namen gab der Kritiker A. Collet der Gruppe in dem 1920 veröffentlichten Artikel „Fünf Russen und sechs Franzosen“). „Six“, zu dem ganz unterschiedliche kreative Künstler gehörten. Bestrebungen der Komponisten – D. Milhaud, A. Honegger, F. Poulenc, J. Auric, L. Durey, J. Taillefer – war keine stilistisch einheitliche Schule, hielt sich nicht an gemeinsame ideologische und ästhetische Prinzipien. Ansichten. Die Teilnehmer einte die Liebe zum Französischen. Kultur, Engagement für die nationale Traditionen (Bestätigung wahrhaft französischer Musik), der Wunsch nach Neuheit und gleichzeitig Einfachheit, Leidenschaft für Strawinsky sowie Amer. Jazz. Nachdem sie dem Urbanismus eine bekannte Hommage gezollt hatten („Pacific 231“ und „Rugby“ für Honeggers Orchester, 1923, 1928; Gesangszyklus „Agricultural Machines“ von Milhaud, 1919 usw.), behielt jedes Mitglied dieser Gruppe eine helle Individualität; ihre innovativen suche gingen oft in diametral entgegengesetzte richtungen. Die „Sechs“ hielten als Gemeinschaft in der Mitte nicht lange durch. 20er Jahre es löste sich auf (die guten Beziehungen seiner Teilnehmer blieben viele Jahre bestehen). Nach der Trennung von den Six gründete Satie eine neue Gruppe junger Komponisten – die sogenannten. Die Arkean-Schule, die wie die Sechs keine kreative Schule hatte Einheit. Darunter waren A. Coge, R. Desormières, M. Jacob und A. Clique-Pleyel. Die größten Vertreter von F. m. in der Mitte. 20. Jahrhundert es gab Honegger und Milhaud. Komponist großer Dramen. Talent, einer der führenden modernen Honegger verkörperte in seinem Werk hohe ethische Ideale. Daher seine Anziehungskraft auf die antike, biblische Literatur des mittleren Jahrhunderts. Themen als Quelle universeller moralischer Werte. Im Streben nach Verallgemeinerung der Bilder gelangte er zu einer Konvergenz der Gattungen Oper und Oratorium. Synthetik Opern- und Oratorienwerke. gehören zu den höchsten Leistungen des Komponisten: das Opern-Oratorium „König David“ (1921, 3. Auflage 1924), „Judith“ (1925), Drama. das Oratorium „Jeanne d’Arc auf dem Scheiterhaufen“ (1935) ist das bedeutendste seiner Werke. Anschauliche Beispiele für Symphonie sind seine Sinfonien – die 3. „Liturgische“ (1946), die 5. „Symphonie der drei D“ (1950). Honegger bricht in seinem Werk verschiedene Strömungen der modernen Kunst, darunter den Neoklassizismus und den Expressionismus, und bleibt dabei ein äußerst origineller Künstler.

Vielschichtigkeit kennzeichnet Milhauds Werk, das nahezu alle Musen abdeckt. Genres, unterschiedlich in Thema und sogar Stil. Zu seinen 16 Opern zählen Inszenierungen. zu antiken und biblischen Themen, die sich durch strenge Farbigkeit und Epik auszeichnen („Eumenides“, 1922; „Medea“, 1938; „David“, 1953), hier op. zu einem frei modernisierten antiken Thema („Das Unglück des Orpheus“, 1924) sowie im Geiste des veristischen Dramas („Armer Seemann“, 1926) und schließlich traditionell romantisch. eine Aufführung ähnlich einer großen Oper, jedoch auf moderner Grundlage. Mittel der Musik Ausdrücke (Triptychon „Christopher Kolumbus“, „Maximilian“, „Bolivar“, 1928, 1930, 1943). Er besitzt auch Opernminiaturen (eine parodistische Brechung einer mythologischen Handlung) – „Die Vergewaltigung Europas“, „Die verlassene Ariadne“, „Die Befreiung des Theseus“ (1927).

Milhaud ist ein Meister der Kammerinstrumente. Musik (hauptsächlich Streichquartett), Chor. Deklamation (sowohl melodisch als auch rezitativisch und im Geiste von Schönbergs Sprechgesang). Im Kammerinstrument. Genres fällt vor allem die Verbindung zum Französischen auf. Musik Klassiker. Gleichzeitig ist Milhaud ein konsequenter Verfechter der Polytonalität, die für ihn durch die Kombination multitonaler Melodien entsteht. Linien, eine Vorliebe für Polyphonie. Entwicklungsmethoden (Elemente der Polytonalität finden sich auch bei Honegger, ihre Grundlage ist jedoch eine andere – sie sind das Ergebnis harmonischer Überlagerungen).

Bedeutender Beitrag zur Oper und Kammermusik. Genres von Poulenc - einem Komponisten mit großer Melodik. umsonst. Seine Musik ist rein französisch. Leichtigkeit. In drei Opern – dem Possenreißer „Breasts of Tiresias“ (1944), den tragischen „Dialogues of the Carmelites“ (1956), lyrisch-psychologisch. Die Monooper „The Human Voice“ (1958) konzentriert sich auf die besten Aspekte von Poulencs Werk. In den Jahren der faschistischen Besatzung schuf dieser fortschrittliche Künstler ein patriotisches Werk. Kantate „The Human Face“ (Text von P. Eluard, 1943). Melodisch. Reichtum, ein Hang zum Witz und Ironie zeichnen Oriks Musik aus. Die Individualität des Komponisten kam in den 20er Jahren am deutlichsten zum Ausdruck. (Es ist kein Zufall, dass Cocteau ihm von allen Mitgliedern der „Sechs“ die Broschüre „Der Hahn und der Harlekin“ widmete.) Als humanistischer Künstler verkörperte er in seinem Werk die Tragödie der Kriegsjahre („Vier Lieder des leidenden Frankreichs“, nach Texten von L. Aragon, J. Supervielle, P. Eluard, 1947; ein Zyklus von 6 Gedichten nach Texten von Eluard, 1948). Eines seiner besten Werke. - Ballett „Phaedra“ (1950).

In den 30er Jahren 20. Jahrhundert in den Werken einiger Franzosen. Modernistische Tendenzen verstärkten sich unter Komponisten. Gleichzeitig viele Musiker verteidigten den Realismus. Kunst, ideologisch nahe am demokratischen Nar. nach vorne. Zur antifaschistischen Nar-Bewegung. ehemalige Mitglieder der „Sechs“ und andere Musen schlossen sich der Front an. Figuren. Mit ihrer Musik reagierten sie auf die drängenden Fragen unserer Zeit (das Oratorium „Stimmen der Welt“, 1931, „Tänze der Toten“, 1938, Honegger; Chöre auf Texte revolutionärer Dichter, Kantate „Über die Welt“ für Chor und andere op. Milhaud; „Lied der Kämpfer“ für die Freiheit“ und „Auf den Flügeln einer Taube“ für den Chor von Durey; eine Reihe von Messliedern, darunter „Singt, Mädchen“ von Orik; das Lied „Freiheit“. für Thälmann“ für Chor und Orchester von Keklen, 1934 usw.). Auch das Interesse an Menschen war groß. Musik („Provenzalische Suite“ für das Milhaud-Orchester, 1936; Adaption von Honeggers Volksliedern, Poulencs Chören), bis hin zu heroischen. die Vergangenheit („Jeanne d’Arc auf dem Scheiterhaufen“ von Honegger usw.) Die Komponisten Honegger, Auric, Milhaud, Roussel, Ququelin, J. Ibert, D. Lazarus waren an der Entstehung der Musik für das Revolutionsstück „14. Juli“ beteiligt. von R. Rolland (1936).

Im Jahr 1935 wurde die People's Music Federation gegründet, der progressive Persönlichkeiten angehörten, darunter. Roussel, Ququelin (später auch einer der Gründer der Gesellschaft Frankreich-UdSSR), Durey, Milhaud, Honegger, A. Prunier, A. Radiguet, die Schriftsteller L. Aragon, L. Moussinac und andere.

Neben den Figuren der „Sechs“ und der Arkey-Schule haben viele Menschen ihren Beitrag zur Entwicklung des Sportunterrichts geleistet. Komponisten, inkl. J. Ibert, C. Delvencourt, E. Bondeville, J. Viener, J. Migo.

Im Jahr 1935 entstand eine neue Kreativität. Verein - „Junges Frankreich“ (Manifest veröffentlicht 1936). Die zu dieser Gruppe gehörenden Komponisten O. Messiaen, A. Jolivet, Daniel-Lesur und I. Baudrieu sahen ihre Aufgabe darin, „lebende“ Musik voller Humanismus zu schaffen, in der Wiederbelebung der Nationalmusik. Traditionen. Sie zeichnen sich durch ein besonderes Interesse an der geistigen Welt des Menschen aus. Sie wollten „die Musik im Menschen erwecken“ und „den Menschen in der Musik zum Ausdruck bringen“; sie betrachteten sich als Vorboten eines neuen Humanismus.

Einer der größten Meister der Musik. Kultur des 20. Jahrhunderts gehört dem Komponisten und Organisten Messiaen – eines der hellsten und zugleich widersprüchlichsten Phänomene in F. m. Oft werden die Ideen seines Komponisten durch das Prisma der Religionen gebrochen. Darstellungen. Messiaen zeichnet sich durch eine Vorliebe für ideale, überirdische Bilder aus. Sein Werk ist von Theologie und Mystik durchdrungen. Ideen (Suite „Die Geburt unseres Herrn“ für Orgel, 1935; Zyklus „Zwanzig Ansichten des Jesuskindes“, 1944; Oratorium „Die Verklärung unseres Herrn“, 1969 usw.). Messiaens Musik basiert auf komplexen modalen Strukturen, Akkord-Klang-Strukturen und Rhythmen. Systeme, bei denen verschiedene Probleme auftreten. Arten von Polyrhythmik und Polymetrie, über die Verwendung von Serialität. Er legte großen Wert auf Außereuropäisches. Kulturen (arabisch, indisch, japanisch, polynesisch). Rechtfertigung Ihrer Kreativität. Theoretisch führt Messiaen neue Konzepte und Musik ein. Begriffe (z. B. Multimodalität). Als talentierter Lehrer nimmt er das Studium von Klassikern, Musik asiatischer Länder und Komponisten des 20. Jahrhunderts in seinen Lehrplan auf. (insbesondere Strawinsky, A. Schönberg) ist bestrebt, bei seinen Schülern (darunter P. Boulez, S. Nig, der auch Kompositionstheorie bei E. Leibowitz studierte) Interesse an der Suche zu wecken. Während der faschistischen Besatzung im 2. Weltkrieg 1939-45 sinniert. Das Leben Frankreichs war gelähmt. Fortgeschrittene Musiker kämpften mit ihrer Kreativität gegen den Feind: Es entstanden Lieder des Widerstands, Produktionen wurden geboren. (darunter Poulenc, Auric, Honegger), die die Schrecken des Krieges, Befreiungsbestrebungen und Heldentum widerspiegeln. der Geist des Unbesiegten.

Nach Kriegsende begann die Wiederbelebung der Musen. Kultur. Die Theater haben die Produktion französischer Opern und Ballette wieder aufgenommen. Autoren, in Konz. die Musik des Vaterlandes begann in den Sälen zu erklingen. Komponisten, was während der Besatzungsjahre verboten war. In den Nachkriegsjahren setzte sich die aktive Kreativität fort. Die Aktivitäten der Komponisten, die in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts zur Kunst kamen, blühten im Werk von J. Francais, A. Dutilleux, J. L. Martinet und M. Landowski auf.

Vom Ende 40er und vor allem in den 50er Jahren. Dodekaphonie, serielle (siehe Dodekaphonie, Serialität), elektronische Musik, Aleatorik und andere Avantgarde-Bewegungen verbreiteten sich. Ein prominenter Vertreter der Franzosen. Musik In der Avantgarde trat der Komponist und Dirigent Boulez auf, der, indem er die Prinzipien von A. Webern entwickelte, weit verbreitete Kompositionsmethoden wie Pointillismus und Serialismus einsetzte. Boulez befürwortet die totale Serialität. Er verwendet auch den Sonorismus (siehe Sonorismus), dessen Elemente in einem seiner berühmten Werke vorkommen. „Hammer ohne Meister“ für Gesang mit Instrumenten. Ensemble (1954, 2. Aufl. 1957). 1954 organisierte er Konzerte mit neuer Musik „Domaine Musicale“, die zum Zentrum der französischen Musik wurden. Avantgarde (seit 1967 wurden sie vom Komponisten und Dirigenten J. Amy geleitet; sie hörten 1974 auf). Seit 1975 (1966-75 arbeitete er in Großbritannien und den USA) leitet Boulez das auf seine Initiative hin gegründete Institut für Forschung und Koordination von Musik und Akustik. Probleme (IRCAM).

Einige Komponisten nutzten die Prinzipien der Aleatorik – Ami, A. Bukureshliev, P. Mefano, J. C. Elois. Derzeit laufen Recherchen im Bereich elektronischer und sogenannter. konkrete Musik - P. Schaeffer, I. Henri, F. Bayle, F.B. Mash, B. Parmegiani usw. Zu diesem Zweck gründete Schaeffer 1948 eine Gruppe von Musen. Recherche (GRM – Groupe de recherches musicales) auf Französisch. Radio und Fernsehen, wo er sich mit Musik und Akustik beschäftigt. Probleme. Der griechische Komponist nutzte ein spezielles „stochastisches“ Kompositionssystem (basierend auf mathematischen Berechnungen, Wahrscheinlichkeitstheorie und sogar den Aktionen elektronischer Computer). Herkunft J. Xenakis. Gleichzeitig plädieren einige Komponisten für eine sinnvolle Erneuerung der Musik und streben danach, die neuesten Mittel der Musik zu vereinen. Ausdruckskraft mit nationalem Traditionen. Zum Nationalen Gewissheit in der Moderne Nig, der Autor des Oratoriums „The Unknown Shot“ (1949), Symphonie, fordert Musik. Gedicht „To the Captive Poet“ (gewidmet Nazym Hikmet, 1950), 2 Konzerte für f. mit Orchester (1954, 1971). Auch Computer gehören in diese Richtung. C. Baif, J. Bondon, R. Boutry, J. Gilloux, J. Cosma, M. Mihalovichi, C. Pascal und andere. Großer Beitrag zu den körperlichen Künsten des 20. Jahrhunderts. beigesteuert von Vertretern der darstellenden Künste: Dirigenten - P. Monteux, P. Paré, A. Cluytens, C. Bruck, I. Markevich, P. Drevo, J. Martinon, L. Forestier, J. Pretre, P. Boulez, S. Baudot; Pianisten - A. Cortot, M. Long, E. Risler, R. Casadesus, Yves Nat, S. Francois, J. B. Pomier; Geiger - J. Thibault, Z. Francescatti, J. Neveu; Cellisten - M. Marechal, P. Fournier, P. Tortelier; Organisten - C. Tournemire, M. Dupre, O. Messiaen, J. Alain; Sänger - E. Blanc, R. Crespin, J. Girodo, M. Gerard, D. Duval; Chansonnier - A. Bruant, E. Piaf, S. Gainsbourg, J. Brassens, C. Aznavour, M. Mathieu, M. Chevalier, J. Dassin und andere. Geschichte des f. m., seine Modernität sowie Fragen der Musiktheorie zahlreichen gewidmet Werke der Franzosen Musikwissenschaftler, inkl. J. Combarieu, A. Lavignac, J. Thiersot, L. de La Laurencie, P. Landormi, R. Rolland, A. Pruniere, E. Villermoz, R. Dumenil, N. Dufourcq, B. Gavoti, R. M. Hoffmann, A . Golea, F. Lesure.

Musik Paris bleibt, wenn auch in vielen Fällen, immer noch das Zentrum des Landes. In den Städten Frankreichs entstanden (insbesondere ab Mitte der 60er Jahre) Opernhäuser und Sinfonien. Orchester, Musik äh. Betriebe. In Paris gibt es (1980): das Grand Opera Theatre, das Pariser Opernstudio (1973 auf der Grundlage des an Bedeutung verlorenen Opéra-Comique-Theaters gegründet), das Theater der Nationen (1954 gegründet, Aufführungen finden in statt). verschiedene Theaterräume, darunter das Théâtre des Champs-Élysées, das Sarah-Bernhardt-Theater); unter den Sinfonien Zu den Orchestern gehören das Paris Orchestra (gegründet 1967) und das National Orchestra. Orchester Franz. Radio und Fernsehen; Zahlreiche Referenten. Kammerorchester und Ensembles, inkl. International Musikerensemble am IRCAM (gegründet 1976). 1975 wurde in Paris das Palais des Congrès eröffnet, in dem Sinfonien aufgeführt werden. Konzerte im selben Jahr in Lyon - Konz. Saal „Publikum M. Ravel“.

Zu den Besonderen Musik äh. Institutionen - das Pariser Konservatorium, Schola Cantorum, Ecole Normale (gegründet 1919 von A. Cortot und A. Mangeot) in Paris, Amerika. Konservatorium in Fontainebleau (gegründet 1918 vom Geiger F. Casadesus). Die wichtigste Musik n.-i. Das Zentrum ist das Institut für Musikwissenschaft der Universität Paris. Bücher und Archivmaterialien werden im National aufbewahrt. Bibliothek (die Musikabteilung wurde 1935 gegründet), Bibliothek und Musikmuseum. Instrumente im Wintergarten. In Paris gibt es die größten Musen. Verbände und Institutionen Frankreichs, inkl. National Musik Ausschuss, Musik Federation, nach ihr benannte Academy of Gramophone Records. Sh. Cro. Paris ist Sitz des Internationalen Musikrats der UNESCO. 1977 wurde der National in Paris gegründet. Komponistenverband

In Frankreich finden folgende Veranstaltungen statt: International. Wettbewerb der nach ihm benannten Pianisten und Geiger. M. Long – J. Thibault (organisiert 1943 als nationaler, ab 1946 als internationaler), Gitarrenwettbewerb (1959, ab 1961 – internationaler, ab 1964 – internationaler Gitarrenwettbewerb des französischen Radios und Fernsehens), International. Gesangswettbewerb in Toulouse (seit 1954), Int. Wettbewerb für junge Dirigenten in Besançon (seit 1951), Int. Harfenwettbewerb in Paris sowie zahlreiche. Feste, inkl. Herbstfest in Paris, eingeweiht. Klassiker Musik, Pariser Musikfestival des 20. Jahrhunderts. (gegründet 1952), Festival der Neuzeit. Musik in Royan, „Musikwoche von Orleans“. In Frankreich wird Musik veröffentlicht. Zeitschriften, inkl. „La Revue Musicale“ (seit 1827 wurde das Erscheinen immer wieder unterbrochen, die Zeitschrift fusionierte mit anderen Zeitschriften), „Revue de Musicologie“ (seit 1922 Fortsetzung der seit 1917 erscheinenden Zeitschrift „Bulletin de la Société Française de Musicologie“) ), „Journal Musical Français“ (1951–66), „Diapason“ (seit 1956), „Le Courrier Musical de France“ (seit 1963), „Harmonie“ (seit 1964), „Musique en jeu“ (seit 1970) . In Paris wurden mehrere enzyklopädische Bücher veröffentlicht. Veröffentlichungen, gewidmet Musik, inkl. „Encyclopédie de la musique et dictionnaire du conservatoire...“ (partie I (v. 1-5), partie II (v. 1-2), 1913-26), „Larousse de la musique“ (v. 1- 2, 1957), „Dictionnaire des musiciens français“ (1961), „Dictionnaire de la musique. Les hommes et leurs oeuvres“ (V. 1-2, 1970); „Dictionnaire de la musique. Science de la musique. Formen, Technik, Instrumente“ (V. 1-2, 1976); Tenot F., Carles Ph., „Le Jazz“ (1977).

Literatur: Ivanov-Boretsky M.V., Materialien und Dokumente zur Musikgeschichte, Bd. 2, M., 1934; Alshwang A., Französischer Musikimpressionismus (Debussy und Ravel), M., 1935; Französische Musik der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts (Kunstsammlung), Einleitung. Kunst. und Hrsg. M. S. Druskina, M., 1938; Livanova T. N., Geschichte der westeuropäischen Musik bis 1789, M. - L., 1940; Gruber R., Geschichte der Musikkultur, Bd. 1, Teile 1-2, M. - L., 1941; Schneerson G., Music of France, M., 1958; seine, französische Musik des 20. Jahrhunderts, M., 1964, 1970; Alekseev A.D., Französische Klaviermusik des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts, M., 1961; Khokhlovkina A., Westeuropäische Oper. Ende des 18. – erste Hälfte des 19. Jahrhunderts. Essays, M., 1962; Musikästhetik des westeuropäischen Mittelalters und der Renaissance, Komp., Einleitung. Kunst. V. P. Shestakova, M., 1966; Musik der Französischen Revolution des 18. Jahrhunderts Beethoven, M., 1967; Nestyev I., An der Wende von zwei Jahrhunderten, M., 1967; Konen V., Theater und Symphonie, M., 1968, 1975; Geschichte der europäischen Kunstgeschichte. Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts – Anfang des 20. Jahrhunderts, M., 1969; Druskin M., Zur westeuropäischen Musik des 20. Jahrhunderts, M., 1973; Musikästhetik Frankreichs im 19. Jahrhundert, vgl. Texte, Einführung. Kunst. und Eintritt Aufsätze von E. P. Bronfin, M., 1974; Auric J., Französische Musik ist erhalten geblieben, Brief aus Paris, „SM“, 1975, Nr. 9; Krasovskaya V., Westeuropäisches Balletttheater. Essays zur Geschichte. Von den Anfängen bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts, L., 1979.

O. A. Vinogradova

Die französische Musik, die wir hören, hat tiefe Wurzeln. Es taucht in der Volkskunst der Bauern und Städter, in der religiösen und ritterlichen Poesie und im Tanzgenre auf. Die Entstehung von Musik hängt von Epochen ab. Der keltische Glaube und später die regionalen Bräuche der französischen Provinzen und benachbarten Völker bilden besondere musikalische Melodien und Genres, die dem Musikklang Frankreichs innewohnen.

Musik der Kelten

Die Gallier, das größte keltische Volk, verloren ihre Sprache und sprachen Latein, erwarben aber keltische Musiktraditionen, Tänze, Epen und Musikinstrumente: Flöte, Dudelsack, Violine, Leier. Gallische Musik ist Gesang und untrennbar mit Poesie verbunden. Die Stimme der Seele und der Ausdruck von Gefühlen wurden durch wandernde Barden vermittelt. Sie kannten viele Lieder, hatten eine Stimme und wussten, wie man spielt, und verwendeten Musik auch in geheimnisvollen Ritualen. In der französischen Folklore sind zwei Arten von Musikwerken bekannt: Balladen und Lyrik – Volkspoesie mit einem Refrain, der die Musik ersetzt. Alle Lieder sind auf Französisch geschrieben, obwohl die Bewohner verschiedener Teile Frankreichs ihre eigenen Dialekte sprachen. Die Sprache Zentralfrankreichs galt als feierlich und poetisch.

Epische Lieder

Balladenlieder genossen beim Volk hohes Ansehen. Deutsche Sagen nahmen die Talente des Volkes als Grundlage für ihre sagenumwobenen Lieder. Das epische Genre wurde von einem Jongleur aufgeführt – einem Volkssänger, der wie ein Chronist Ereignisse in Liedern verewigte. Später wurde seine musikalische Erfahrung auf mittelalterliche Wandersänger übertragen – Troubadours, Minnesänger, Trouvères. Unter den legendären Liedern bilden Lieder eine bedeutende Gruppe – Klagelieder als Reaktion auf tragische oder ungerechtfertigte Ereignisse. Eine religiöse oder weltliche Geschichte ist normalerweise traurig und dominiert von der Moll-Tonart. Die Beschwerde könnte romantischer oder abenteuerlicher Natur sein, wobei die Haupthandlung eine Liebesgeschichte mit tragischem Ende oder Szenen voller Leidenschaft, manchmal voller Grausamkeit, war. Der Klagegesang verbreitete sich bis tief in die Dörfer und erlangte nach und nach einen komischen und satirischen Charakter. Der Klagegesang könnte Kirchengesang oder Dorfgesang sein – lange Geschichten mit Pausen. Ein klassisches Beispiel für narrative Gesänge ist das „Lied von Reno“, das einen Rhythmus in Dur hat. Die Melodie ist ruhig und bewegend.

Eine Liedballade mit keltischen Motiven ist im Werk von Nolwen Leroy, einer Folksängerin aus der Bretagne, zu hören. Das erste Album „Bretonka“ (2010) ließ Volkslieder wieder aufleben. Balladen sind auch bei den Rock-Folk-Klassikern zu hören – „Tri Yann“. Die Geschichte über einen einfachen Seemann und seine Freundin gilt als Hit und Perle der Folklore. Die Gruppe wurde 1970 von drei Musikern namens Jean gegründet. Darauf deutet auch der Name der Gruppe hin, der aus dem Bretonischen mit „drei Jeans“ übersetzt wird. Ein weiteres Balladelied, „In den Gefängnissen von Nantes“, über einen entflohenen Gefangenen mit Hilfe der Tochter des Gefängniswärters, ist in ganz Frankreich beliebt und bekannt.

Liebestexte

In allen Formen der Volksmusik entstand eine Liebesgeschichte. In einem Epos handelt es sich um eine Geschichte über die Liebe vor dem Hintergrund einiger militärischer oder alltäglicher Ereignisse. In einem komischen Lied handelt es sich um einen ironischen Dialog, bei dem ein Gesprächspartner über den anderen lacht, es gibt keine Einheit liebevoller Herzen und Erklärungen. Kinderlieder erzählen von der Hochzeit der Vögel. Das lyrische französische Lied im klassischen Sinne ist eine Pastorale, die aus einer ländlichen Gattung hervorgegangen ist und in das Repertoire der Troubadours übergegangen ist. Seine Helden sind Hirtinnen und Herren. Gesellschaftssänger geben auch den Zeitpunkt und den Ort der Aktion an – meist ist es die Natur, ein Weinberg oder ein Garten. Regional variieren die Tonalität volkstümlicher Liebeslieder. Bretonische Lieder sind sehr empfindlich. Eine ernste, aufgeregte Melodie spricht von erhabenen Gefühlen. Alpenmusik ist sauber, fließend, erfüllt von Bergluft. In Zentralfrankreich gibt es „einfache Lieder“ im Stil der Romantik. Die Provence und der Süden des Landes komponierten Serenaden, in deren Mitte ein verliebtes Paar stand und das Mädchen mit einer Blume oder einem Stern verglichen wurde. Der Gesang wurde durch das Spielen des Tamburins oder der französischen Pfeife begleitet. Troubadour-Dichter komponierten ihre Lieder in der Sprache der Provence und besangen höfische Liebe und ritterliche Taten. In Sammlungen von Volksliedern des 15. Jahrhunderts. Viele humorvolle und satirische Lieder sind enthalten. Den Liebestexten fehlt die für die heißen Lieder Italiens und Spaniens charakteristische Raffinesse; sie sind von einem Hauch Ironie geprägt.

Die Sensibilität von Volksliedern spielt eine entscheidende Rolle, und die Liebe zu diesem Genre verbreitete sich bis zu den Schöpfern des Chansons und lebt noch heute in Frankreich.

Musikalische Satire

Der gallische Geist manifestiert sich in Witzen und Liedern. Voller Lebendigkeit und Spott bildet es ein charakteristisches Merkmal des französischen Liedes. Die urbane Folklore, die der Volkskunst sehr nahe steht, entstand im 16. Jahrhundert. Dann sang der Pariser Chansonnier, der in der Nähe des Pont Neuf wohnte, über aktuelle Themen und verkaufte hier seine Texte. Als Reaktion auf verschiedene gesellschaftliche Ereignisse sind satirische Couplets in Mode gekommen. Eindringliche Volkslieder bestimmten die Entwicklung des Kabaretts.

Tanzmusik

Auch die klassische Musik ließ sich von der Kreativität der Bauern inspirieren. Volksmelodien spiegeln sich in den Werken französischer Komponisten wider – Berlioz, Saint-Saëns, Bizet, Lully und vielen anderen. Die alten Tänze – Farandole, Gavotte, Rigaudon, Menuett und Bourre – sind eng mit der Musik verbunden und ihre Bewegungen und Rhythmen basieren auf Liedern.

• Farandola entstand im frühen Mittelalter in Südfrankreich aus Weihnachtsmelodien. Der Tanz wurde von den Klängen eines Tamburins und einer sanften Flöte begleitet. Der Kranichtanz, wie er später genannt wurde, wurde an Feiertagen und Massenfeiern getanzt. Die Farandole erklingt in Bizets Suite Arlesienne nach dem Dreikönigsmarsch.
• Gavotte- ein alter Tanz der Bewohner der Alpen - Gavotten und in der Bretagne. Ursprünglich ein Rundtanz in der keltischen Kultur, wurde er in schnellem Tempo nach dem Prinzip „Schritt – Fuß unter den Dudelsack setzen“ aufgeführt. Darüber hinaus wurde es aufgrund seiner rhythmischen Form in einen Salontanz umgewandelt und wurde zum Prototyp des Menuetts. In ihrer wahren Interpretation können Sie die Gavotte in der Oper Manon Lescaut hören.
• Rigodon- Ein fröhlicher Tanz der Bauern der Provence zu Geigenmusik, Gesang und den Schlägen von Holzschuhen war im Barock beliebt. Der Adel verliebte sich in ihn wegen seiner Leichtigkeit und seines Temperaments.
• Bourret- ein energiegeladener Volkstanz mit Sprüngen, der im 15. Jahrhundert in Zentralfrankreich entstand. Im 17. und 18. Jahrhundert entstand ein anmutiger Tanz der Höflinge, der aus dem volkstümlichen Umfeld der Provinz Poitou hervorging. Das Menuett zeichnet sich durch ein langsames Tempo mit kleinen Schritten, Verbeugungen und Knicksen aus. Die Musik des Menuetts wird vom Cembalo komponiert, und zwar in einem schnelleren Tempo als die Bewegungen der Tänzer.

Es gab eine Vielzahl von Musik- und Liedkompositionen – Volkslieder, Arbeitslieder, Feiertagslieder, Schlaflieder und Zähllieder.

Die volkstümliche Melodie „The Mare from Michao“ (La Jument de Michao) erhielt in Leroys Album „Bretonka“ einen modernen Ausdruck. Sein musikalischer Ursprung ist der Rundtanzgesang. Die im Album „Bretonka“ enthaltenen Volkslieder wurden für die Fest-noz-Feiertage und in Erinnerung an die Volkstanz- und Gesangstradition der Bretagne geschrieben.

Der französische Gesang hat alle Merkmale der Volksmusikkultur aufgenommen. Es zeichnet sich durch Aufrichtigkeit und Realismus aus; es enthält keine übernatürlichen Elemente oder Wunder. Und in unserer Zeit, in Frankreich und auf der ganzen Welt, erfreuen sich französische Popsänger, die die besten Folk-Traditionen fortsetzen, großer Beliebtheit.

Die volkstümlichen Ursprünge der französischen Musik reichen bis ins frühe Mittelalter zurück: Im 8.-9. Jahrhundert gab es Tanzmelodien und Lieder verschiedener Genres – Arbeitslieder, Kalenderlieder, Epos und andere.
Ende des 8. Jahrhunderts wurde es gegründet Gregorianischer Gesang.
Im 11.-12. Jahrhundert blühte in Südfrankreich die ritterliche Musik- und Poesiekunst der Troubadours auf.

Die Nachfolger der Troubadour-Tradition waren im 12.-13. Jahrhundert die Ritter und Bürger Nordfrankreichs – die Trouvères. Unter ihnen ist Adam de la Al (gestorben 1286) der berühmteste.

Adam de la Al „Das Spiel von Robin und Marion“.

Im 14. Jahrhundert entstand in der französischen Musik die Bewegung der Neuen Kunst. Der Kopf dieser Bewegung war Philippe de Vitry (1291-1361) – ein Musiktheoretiker und Komponist, Autor vieler weltlicher Werke Motetten. Gegen Ende des 16. Jahrhunderts, während der Zeit Karls 9, veränderte sich jedoch die Natur der Musik Frankreichs. Die Ära des Balletts begann, als Musik den Tanz begleitete. In dieser Zeit verbreiteten sich folgende Instrumente: Flöte, Cembalo, Cello, Violine. Und diese Zeit kann als die Geburtszeit echter Instrumentalmusik bezeichnet werden.

Philippe de Vitry „Herr der Herren“ (Motette).

Das 17. Jahrhundert ist eine neue Etappe in der Entwicklung der französischen Musik. Der große französische Komponist Jean Baptiste Lully (28.11.1632, Florenz - 22.03.1687, Paris) kreiert seine Opern. Jean Baptiste ist ein ausgezeichneter Tänzer, Geiger, Dirigent und Choreograf italienischer Herkunft, der als anerkannter Schöpfer der französischen Nationaloper gilt.
Darunter sind Opern wie: Theseus (1675), Isis (1677), Psyche (1678, Perseus (1682), Phaethon (1683), Roland (1685) und Armida (1686) und andere. In seinen Opern, die waren Jean Baptiste Lully, genannt „tragedie mise en musique“ („Tragödie über die Musik“), versuchte dank der szenischen Kunst und der Wirksamkeit des Balletts etwa 100 Jahre lang auf der Bühne zu stehen. Gleichzeitig begannen Sängerinnen und Sänger in Opern erstmals ohne Maske aufzutreten und Frauen begannen, im Ballett auf einer öffentlichen Bühne zu tanzen.
Rameau Jean Philippe (1683–1764) – französischer Komponist und Musiktheoretiker. Er nutzte die Errungenschaften der französischen und italienischen Musikkultur, veränderte den Stil der klassizistischen Oper maßgeblich und bereitete die Opernreform von Christophe Willibaldi Gluck vor. Er schrieb die lyrischen Tragödien „Hippolytus und Arisia“ (1733), „Castor und Pollux“ (1737), das Opernballett „Gallant India“ (1735), Cembalospiele und mehr. Seine theoretischen Arbeiten stellen einen bedeutenden Schritt in der Entwicklung der Harmonielehre dar.
Francois Couperin (1668–1733) – französischer Komponist, Cembalist, Organist. Aus einer mit der deutschen Bach-Dynastie vergleichbaren Dynastie, da es in seiner Familie mehrere Generationen von Musikern gab. Couperin wurde teilweise aufgrund seines Sinns für Humor und teilweise aufgrund seines Charakters „der große Couperin“ genannt. Sein Werk ist der Höhepunkt der französischen Cembalokunst. Couperins Musik zeichnet sich durch melodischen Einfallsreichtum, Anmut und Detailgenauigkeit aus.

1. Sonate von Jean Baptiste Lully in a-Moll, 4. Satz „Gigue“ Alexey Koptev (Klarinette) – Oleg Boyko (Gitarre).

2. Jean Philippe Rameau „Chicken“, gespielt auf dem Akkordeon von Arkady Kazaryan.

3. Francois Couperin „Alarm Clock“, gespielt auf dem Akkordeon von Ayan Sambuev.

Im 18. und Ende des 19. Jahrhunderts wurde Musik zu einer echten Waffe im Kampf für die eigenen Überzeugungen und Wünsche. Eine ganze Galaxie berühmter Komponisten taucht auf: Maurice Ravel, Jean-Philippe Rameau, Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836), französischer Militäringenieur, Dichter und Komponist. Er schrieb Hymnen, Lieder, Romanzen. 1792 schrieb er die Komposition „Marseillaise“, die später zur Hymne Frankreichs wurde.

Hymne von Frankreich.

Gluck Christoph Willibald (1714–1787) – berühmter deutsch-französischer Komponist. Seine bekanntesten Aktivitäten sind mit der Pariser Opernbühne verbunden, für die er seine besten Werke mit französischen Texten schrieb. Deshalb betrachten ihn die Franzosen als einen französischen Komponisten. Zahlreiche seiner Opern: „Artaserse“, „Demofonte“, „Fedra“ und andere wurden in Mailand, Turin, Venedig, Cremona aufgeführt. Nachdem er eine Einladung nach London erhalten hatte, schrieb Gluck zwei Opern für das Hay-Market Theatre: „La Caduta de Giganti“ (1746) und „Artamene“ sowie eine Medley-Oper (Pasticcio) „Pyram“.

Melodie aus der Oper „Orpheus und Eurydike“.

Im 19. Jahrhundert - Komponisten Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel und andere.

Im 20. Jahrhundert erschienen echte professionelle Künstler. Sie waren es, die französische Lieder so berühmt machten und eine ganze Richtung des französischen Chansonniers schufen. Heute stehen ihre Namen außerhalb von Zeit und Mode. Dies sind Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Sie alle sind für ihre wunderschönen lyrischen Lieder bekannt, die nicht nur Zuhörer in Frankreich, sondern auch in anderen Ländern gewonnen haben. Viele davon wurden von anderen Interpreten gecovert.

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http://ru.wikipedia.org/wiki, http://www.tlemb.ru/articles/french_music;
http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc1p/14802
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Material aus dem Buch „The Musician's Companion“ Herausgeber – Verfasser A. L. Ostrovsky; Verlag „MUSIK“ Leningrad 1969, S.340

Archäologen waren die ersten, die über die Existenz von Musikinstrumenten in der Antike berichteten und bei fast allen Ausgrabungen Pfeifen, Hochtöner und andere Gegenstände zum Musizieren fanden. Darüber hinaus wurden ähnliche Funde in den Gebieten entdeckt, in denen es Archäologen gelang, Stätten von Naturvölkern auszugraben.

Archäologen führen einige der gefundenen Musikinstrumente auf das Jungpaläolithikum zurück – mit anderen Worten, diese Instrumente erschienen 22.000 bis 25.000 Jahre vor Christus.

Darüber hinaus wussten die alten Menschen nicht nur, wie man Musikinstrumente herstellt, sondern auch Musik für sie, indem sie Musiknoten auf Tontafeln aufschreiben. Die bisher älteste Musiknotation wurde im 18. Jahrhundert v. Chr. verfasst. Archäologen fanden es in der von ihnen ausgegrabenen sumerischen Stadt Nippur, die einst auf dem Gebiet des heutigen Irak lag. Wissenschaftler der University of California, die 1974 die Musiktafel entschlüsselten, sagten, sie enthalte den Text und die Musik einer assyrischen Liebesballade für Streichleier.

Das älteste Musikinstrument

Im Jahr 2009 entdeckten Archäologen in einer der Höhlen im Südwesten Deutschlands die Überreste eines Werkzeugs, das einem modernen Werkzeug stark ähnelt. Analysen und Studien haben gezeigt, dass das Alter der antiken Flöte mehr als 35.000 Jahre beträgt. Im Korpus der Flöte wurden fünf perfekt runde Löcher angebracht, die man beim Spielen mit den Fingern schließen sollte, und an den Enden befanden sich zwei tiefe V-förmige Einschnitte.

Die Länge des Musikinstruments betrug 21,8 Zentimeter und die Dicke betrug nur 8 Millimeter.

Es stellte sich heraus, dass es sich bei dem Material, aus dem die Flöte gefertigt war, nicht um Holz, sondern um einen Vogelflügel handelte. Dieses Instrument ist mit Abstand das älteste, aber nicht das erste in der Geschichte archäologischer Funde – bei Ausgrabungen wurden auch immer wieder Knochenpfeifen, hohle Tierhörner, Muschelpfeifen, Stein- und Holzrasseln sowie Trommeln aus Tierhäuten gefunden.

Über den Ursprung der Musik ranken sich viele Legenden. Die alten Griechen glaubten, dass es ihnen von den großen Göttern des Olymp gegeben wurde, doch moderne Wissenschaftler haben eine Reihe ethnografischer und archäologischer Studien durchgeführt. Als Ergebnis dieser Studien wurde festgestellt, dass die erste Musik in der primitiven Gesellschaft erschien und als Schlaflied zur Beruhigung verwendet wurde

Blasinstrumente sind die älteste Art von Musikinstrumenten, die aus der Antike ins Mittelalter gelangte. Im Verlauf der Entwicklung und Bildung der mittelalterlichen westlichen Zivilisation hat sich der Einsatzbereich von Blasinstrumenten jedoch erheblich erweitert: Einige, wie der Oliphant, gehören zu den Höfen adliger Herren, andere – Flöten – werden sowohl im Volk als auch im Volk verwendet Bei professionellen Musikern werden andere, wie etwa die Trompete, zu ausschließlich militärischen Musikinstrumenten.

Der älteste Vertreter der Blasinstrumente in Frankreich sollte wahrscheinlich als Fretel oder „Panflöte“ angesehen werden. Ein ähnliches Instrument ist in einer Miniatur aus einer Handschrift aus dem 11. Jahrhundert zu sehen. in der Nationalbibliothek von Paris (Abb. I). Dabei handelt es sich um eine mehrläufige Flöte, die aus einem Satz Rohre (Rohr, Rohr oder Holz) unterschiedlicher Länge besteht, wobei ein Ende offen und das andere geschlossen ist. Fretel wird oft zusammen mit anderen Flötentypen in Romanen des 11.-12. Jahrhunderts erwähnt. Allerdings bereits im 14. Jahrhundert. Von der Fretel wird nur als Musikinstrument gesprochen, das auf Dorffesten gespielt wird; sie wird zu einem Instrument des einfachen Volkes.

Die Flöte hingegen erlebt einen „Aufstieg“: vom Alltagsinstrument zum Gerichtsinstrument. Die ältesten Flöten wurden auf dem Territorium Frankreichs in der galloromanischen Kulturschicht (1.-2. Jahrhundert n. Chr.) gefunden. Die meisten davon sind Knochen. Bis zum 13. Jahrhundert. die Flöte ist meist doppelt, wie in der Miniatur aus der Handschrift aus dem 10. Jahrhundert. aus der Nationalbibliothek von Paris (Abb. 3), und die Röhren können entweder gleich oder unterschiedlich lang sein. Die Anzahl der Löcher im Flötenrohr kann variieren (von vier bis sechs oder sieben). Flöten wurden normalerweise von Minnesängern und Jongleuren gespielt, und oft ging ihr Spielen dem Erscheinen einer feierlichen Prozession oder eines hochrangigen Beamten voraus.

Die Minnesänger spielten auch eine Doppelflöte mit Pfeifen unterschiedlicher Länge. Eine solche Flöte ist in einer Vignette aus einem Manuskript aus dem 13. Jahrhundert abgebildet. (Abb. 2). Auf dem Miniaturbild ist ein Orchester aus drei Minnesängern zu sehen: einer spielt die Gambe; die zweite auf einer ähnlichen Flöte, ähnlich der modernen Klarinette; Der Dritte schlägt auf ein quadratisches Tamburin aus Leder, das über einen Rahmen gespannt ist. Die vierte Figur schenkt den Musikern Wein zur Erfrischung ein. Ähnliche Orchester aus Flöte, Trommel und Violine gab es in den Dörfern Frankreichs bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts.

Im 15. Jahrhundert Es tauchten Flöten aus gekochtem Leder auf. Darüber hinaus könnte die Flöte selbst einen runden oder achteckigen Querschnitt haben und nicht nur gerade, sondern auch gewellt sein. Ein ähnliches Instrument befindet sich in der Privatsammlung von Herrn Fo (Abb. 4). Seine Länge beträgt 60 cm, an der breitesten Stelle beträgt der Durchmesser 35 mm. Der Körper besteht aus schwarzem Walkleder, der Zierkopf ist bemalt. Diese Flöte diente als Prototyp für die Herstellung der Serpan-Trompete. Serpan-Flöten wurden sowohl bei Gottesdiensten in Kirchen als auch bei weltlichen Feiern verwendet. Querflöten werden ebenso wie Mundharmonikas erstmals in Texten aus dem 14. Jahrhundert erwähnt.

Eine andere Art von Blasmusikinstrumenten sind Dudelsäcke. Auch im mittelalterlichen Frankreich gab es mehrere Arten davon. Dabei handelt es sich um eine Chevrette – ein Blasinstrument bestehend aus einer Tasche aus Ziegenleder, einem Luftzufuhrrohr und einem Rohr. Ein Musiker, der dieses Instrument spielt (Abb. 6), ist in einem Manuskript aus dem 14. Jahrhundert dargestellt. „Die Romanze der Rose“, aus der Nationalbibliothek von Paris. Einige Quellen unterscheiden Chevrette von Dudelsäcken, während andere Chevrette einfach „kleinen Dudelsack“ nennen. Das Instrument, dessen Aussehen stark an Chevrette erinnert, wurde bereits im 19. Jahrhundert hergestellt. trafen sich in den Dörfern der französischen Provinzen Burgund und Limousin.

Eine andere Art von Dudelsäcken war der Horo oder Chorum. Laut der Beschreibung im Manuskript der Abtei St. Vlasiya (IX. Jahrhundert), dies ist ein Blasinstrument mit einem Rohr zur Luftzufuhr und einem Rohr, und beide Rohre befinden sich in derselben Ebene (sie scheinen eine Fortsetzung voneinander zu sein). Im mittleren Teil des Brunnens befindet sich ein Luftreservoir aus gegerbtem Leder mit perfekter Kugelform. Da die Haut der „Tasche“ zu vibrieren begann, als der Musiker in den Choro blies, war der Ton etwas rasselnd und rau (Abb. 6).

Dudelsack (coniemuese), der französische Name für dieses Instrument kommt vom lateinischen „corniculans“ (gehörnt) und kommt in Manuskripten erst ab dem 14. Jahrhundert vor. Weder sein Aussehen noch seine Verwendung im mittelalterlichen Frankreich unterschieden sich von den uns bekannten traditionellen schottischen Dudelsäcken, wie aus dem Studium des Bildes aus dem Manuskript aus dem 14. Jahrhundert hervorgeht. (Abb. 9).

Hörner und Hörner (corne). Alle diese Blasinstrumente, einschließlich des großen Olifantenhorns, unterscheiden sich in Design und Verwendung kaum voneinander. Sie wurden aus Holz, gekochtem Leder, Elfenbein, Horn und Metall hergestellt. Wird normalerweise am Gürtel getragen. Das Klangspektrum der Hörner ist nicht groß, dafür aber bei Jägern des 14. Jahrhunderts. Sie spielten einfache Melodien, die aus bestimmten Signalen zusammengesetzt waren. Jagdhörner wurden, wie bereits erwähnt, zunächst am Gürtel getragen, dann bis zum 16. Jahrhundert an einer Schlinge über der Schulter. Ein ähnlicher Anhänger findet sich häufig auf Bildern, insbesondere im „Buch der Jagd“ von Gaston Phoebus “ (Abb. 8). Das Jagdhorn eines edlen Herrn ist ein kostbares Ding; So trug Siegfried im „Nibelungenlied“ auf der Jagd ein fein gearbeitetes goldenes Horn bei sich.

Getrennt davon sollte über den Olifanten (Alifanten) gesprochen werden – ein riesiges Horn mit Metallringen, das speziell dafür hergestellt wurde, dass der Olifant an der rechten Seite seines Besitzers aufgehängt werden konnte. Olifants wurden aus Elefantenstoßzähnen hergestellt. Wird bei der Jagd und bei militärischen Operationen verwendet, um die Annäherung des Feindes zu signalisieren. Eine Besonderheit des Olifanten besteht darin, dass er nur dem souveränen Herrn gehören konnte, unter dessen Unterordnung die Barone stehen. Der ehrenhafte Charakter dieses Musikinstruments wird durch Skulpturen aus dem 12. Jahrhundert bestätigt. aus der Abteikirche in Vaselles, wo ein Engel mit einem Olifanten an seiner Seite dargestellt ist, der die Geburt des Erlösers verkündet (Abb. 13).

Die Jagdhörner unterschieden sich von denen der Minnesänger. Letztere nutzten fortschrittlichere Werkzeuge. Auf dem Kapitell einer Säule aus derselben Abteikirche in Vaselles ist ein Minnesänger abgebildet (Abb. 12), der ein Horn spielt, dessen Löcher nicht nur entlang der Pfeife, sondern auch in der Glocke angebracht wurden, was dies ermöglichte Modulieren Sie den Klang und verleihen Sie ihm mehr oder weniger Lautstärke.

Die Pfeifen wurden durch die Trompe selbst und gebogene Pfeifen mit einer Länge von mehr als einem Meter - Busines - dargestellt. Holunderbohnen wurden aus Holz, gekochtem Leder, meist jedoch aus Messing hergestellt, wie aus der Miniatur aus einem Manuskript aus dem 13. Jahrhundert hervorgeht. (Abb. 9). Ihr Klang war scharf und laut. Und da es weithin zu hören war, nutzte die Armee Beuzins zum morgendlichen Wecken, sie gaben Signale für den Abtransport des Lagers und für die Abfahrt von Schiffen. Sie kündigten auch die Ankunft des Königshauses an. So wurde 1414 mit Glockengeläut der Einzug Karls VI. in Paris angekündigt. Aufgrund der besonderen Lautstärke des Klangs glaubte man im Mittelalter, dass Engel durch das Spielen der Ältesten den Beginn des Gerichtstages ankündigen würden.

Die Trompete war ausschließlich ein militärisches Musikinstrument. Es diente dazu, die Moral in der Armee zu heben und Truppen zu sammeln. Das Rohr ist kleiner als Holunder und ist ein Metallrohr (gerade oder mehrfach gebogen) mit einer Glocke am Ende. Der Begriff selbst tauchte gegen Ende des 15. Jahrhunderts auf, ein Instrument dieser Art (gerade Pfeifen) wurde jedoch bereits ab dem 13. Jahrhundert in der Armee verwendet. Bis zum Ende des 14. Jahrhunderts. die Form der Pfeife ändert sich (ihr Körper biegt sich) und die Pfeife selbst ist zwangsläufig mit einem Wimpel mit Wappen verziert (Abb. 7).

Ein besonderer Trompetentyp – die Schlange – diente als Prototyp für viele moderne Blasinstrumente. In der Sammlung von Herrn Fo gibt es einen Serpan (Abb. 10), der aus gekochtem Leder besteht und eine Höhe von 0,8 m und eine Gesamtlänge von 2,5 m hat. Der Musiker hielt das Instrument mit beiden Händen, während seine linke Hand die Biegung hielt Teil (A) und die Finger der rechten Hand betasteten die Löcher im oberen Teil des Serpans. Der Serpan hatte einen kraftvollen Klang; dieses Blasinstrument wurde sowohl in Militärkapellen als auch bei Gottesdiensten verwendet.

Die Orgel (Orgel) steht etwas außerhalb der Familie der Blasinstrumente. Dieses Tasten- und Pedalinstrument mit einem Satz von mehreren Dutzend Pfeifen (Registern), deren Klang durch einen Blasebalg erzeugt wird, wird derzeit nur mit großen stationären Orgeln in Verbindung gebracht – Kirchen- und Konzertorgeln (Abb. 14). Im Mittelalter war jedoch möglicherweise ein anderer Typ dieses Instruments weiter verbreitet – die manuelle Orgel (orgue de main). Hierbei handelt es sich im Grunde um eine „Panflöte“, die mithilfe von Druckluft zum Klingen gebracht wird, die aus einem Tank mit durch Ventile verschlossenen Löchern in die Rohre gelangt. Allerdings waren bereits in der Antike, in Asien, im antiken Griechenland und Rom, große Orgeln mit hydraulischer Steuerung bekannt. Im Westen tauchten diese Instrumente erst im 8. Jahrhundert auf und schon damals als Geschenke der byzantinischen Kaiser an westliche Monarchen (Konstantin V. Kopronymus schickte eine solche Orgel als Geschenk an Pippin den Kleinen und Konstantin Kuropolat an Karl den Großen und Ludwig). das Gute).

Abbildungen von Handorgeln tauchen in Frankreich erst im 10. Jahrhundert auf. Mit der rechten Hand berührt der Musiker die Tasten, mit der linken drückt er auf den Blasebalg, der die Luft aufpumpt. Das Instrument selbst liegt meist auf der Brust oder dem Bauch des Musikers. Handorgeln haben meist acht Pfeifen und dementsprechend acht Tasten. Im 13. und 14. Jahrhundert wurden an Handorgeln praktisch keine Veränderungen vorgenommen, die Anzahl der Pfeifen konnte jedoch variieren. Erst im 15. Jahrhundert tauchten bei Manualorgeln eine zweite Pfeifenreihe und eine Doppelklaviatur (vier Register) auf. Die Rohre waren schon immer aus Metall. Manuelle Orgel, hergestellt in Deutschland im 15. Jahrhundert. erhältlich in der Münchner Pinotek (Abb. 15).

Handorgeln verbreiteten sich unter reisenden Musikern, die singen und sich selbst auf dem Instrument begleiten konnten. Sie erklangen auf Stadtplätzen, bei Dorffeiertagen, aber nie in Kirchen.

Orgeln, die kleiner als Kirchenorgeln, aber manueller sind, wurden einst in Schlössern installiert (z. B. am Hofe Karls V.) oder konnten bei Zeremonien auf Straßenpodesten aufgestellt werden. So erklangen in Paris mehrere ähnliche Orgeln, als Isabella von Bayern feierlich in die Stadt einzog.

Schlagzeug

Es gibt wahrscheinlich keine Zivilisation, die nicht ein Musikinstrument erfunden hat, das einer Trommel ähnelt. Eine getrocknete Haut, die über einen Topf oder einen ausgehöhlten Baumstamm gespannt ist, ist eine Trommel. Obwohl Trommeln bereits seit dem alten Ägypten bekannt sind, wurden sie im frühen Mittelalter kaum genutzt. Erst seit den Kreuzzügen und ab dem 12. Jahrhundert werden Trommeln (Tambour) regelmäßig erwähnt. Unter diesem Namen erscheinen Instrumente verschiedenster Formen: Lang-, Doppel-, Tamburin- usw. Bis zum Ende des 12. Jahrhunderts. Dieses Instrument, das auf dem Schlachtfeld und im Bankettsaal erklingt, erregt bereits die Aufmerksamkeit von Musikern. Darüber hinaus ist es im 13. Jahrhundert so weit verbreitet. Trouvères, die behaupten, in ihrer Kunst alte Traditionen zu bewahren, beklagen die „Dominanz“ von Trommeln und Tamburinen, die „edlere“ Instrumente verdrängen.

Tamburine und Trommeln begleiten nicht nur den Gesang und die Darbietungen von Trouvères, sondern auch reisende Tänzer, Schauspieler und Jongleure; Frauen tanzen und begleiten ihre Tänze durch das Spielen von Tamburinen. Das Tamburin (Tambour, Bosquei) wird in einer Hand gehalten und mit der anderen, freien, rhythmisch angeschlagen. Manchmal begleiteten sich Minnesänger beim Flötenspiel auf einem Tamburin oder einer Trommel, die sie mit einem Gürtel an der linken Schulter befestigten. Der Minnesänger spielte Flöte und begleitete ihren Gesang mit rhythmischen Schlägen auf das Tamburin, die er mit dem Kopf machte, wie auf der Skulptur aus dem 13. Jahrhundert zu sehen ist. von der Fassade des Hauses der Musiker in Reims (Abb. 17).

Sarazenen- oder Doppeltrommeln sind auch aus der Skulptur des Hauses der Musiker bekannt (Abb. 18). Während der Zeit der Kreuzzüge verbreiteten sie sich in der Armee, da sie leicht auf beiden Seiten des Sattels angebracht werden konnten.

Eine andere Art von Schlagmusikinstrumenten, die im Mittelalter in Frankreich verbreitet war, war das Timbre (Cembel) – zwei Halbkugeln und später – Becken aus Kupfer und anderen Legierungen, die zum Taktschlag und zur rhythmischen Begleitung von Tänzen verwendet wurden. Im Limoges-Manuskript des 12. Jahrhunderts. Aus der Pariser Nationalbibliothek ist die Tänzerin mit genau diesem Instrument abgebildet (Abb. 14). Bis zum 15. Jahrhundert bezieht sich auf ein Fragment einer Skulptur aus dem Altar der Abteikirche in O, auf der die Klangfarbe im Orchester verwendet wird (Abb. 19).

Zur Klangfarbe gehört das Becken (Becken) – ein Instrument, bei dem es sich um einen Ring mit daran angelöteten Bronzerohren handelte, an dessen Enden beim Schütteln Glocken läuten. Das Bild dieses Instruments ist aus einer Handschrift aus dem 13. Jahrhundert bekannt. aus der Abtei Saint-Blaise (Abb. 20). Das Becken war im frühen Mittelalter in Frankreich weit verbreitet und wurde sowohl im weltlichen Leben als auch in Kirchen verwendet – es galt als Zeichen für den Beginn des Gottesdienstes.

Zu den mittelalterlichen Schlaginstrumenten gehören auch Glocken (Chochettes). Sie waren sehr weit verbreitet, Glocken ertönten bei Konzerten, sie wurden an Kleidung genäht, in Häusern von der Decke gehängt, ganz zu schweigen von der Verwendung von Glocken in Kirchen ... Tänze wurden auch vom Läuten von Glocken begleitet, und es gibt Beispiele dafür Dies sind Miniaturbilder vom Anfang des 10. Jahrhunderts! In Chartres, Sens und Paris findet man auf den Portalen der Kathedralen Flachreliefs, auf denen eine Frau, die hängende Glocken schlägt, die Musik der Familie der Freien Künste symbolisiert. König David wurde beim Glockenspiel dargestellt. Wie auf der Miniatur aus der Bibel aus dem 13. Jahrhundert zu sehen ist, spielt er sie mit Hämmern (Abb. 21). Die Anzahl der Glocken kann variieren – normalerweise zwischen fünf und zehn oder mehr.

Auch türkische Glocken – ein militärisches Musikinstrument – ​​entstanden im Mittelalter (manche nennen die türkischen Glocken ein Hackbrett).

Im 12. Jahrhundert. Die Mode für Glocken oder an die Kleidung genähte Glocken verbreitete sich. Sie wurden sowohl von Damen als auch von Männern genutzt. Letztere trennten sich zudem noch lange, bis ins 14. Jahrhundert, von dieser Mode. Damals war es üblich, die Kleidung mit dicken Goldketten zu schmücken, an denen Männer oft Glocken aufhängten. Diese Mode war ein Zeichen der Zugehörigkeit zum hohen feudalen Adel (Abb. 8 und 22) – dem Kleinadel und dem Bürgertum war das Tragen von Glocken verboten. Aber schon im 15. Jahrhundert. Die Glocken bleiben nur auf der Kleidung der Narren. Das Orchesterleben dieses Schlaginstruments dauert bis heute an; und er hat sich seitdem kaum verändert.

Streichsaiten

Von allen mittelalterlichen Streichinstrumenten ist die Gambe das edelste und für den Spieler am schwierigsten. Nach der Beschreibung des Dominikanermönchs Hieronymus von Mähren im 13. Jahrhundert. die Gambe hatte fünf Saiten, frühere Miniaturen zeigen jedoch sowohl drei- als auch viersaitige Instrumente (Abb. 12 und 23, 23a). Dabei werden die Saiten sowohl am „Grat“ als auch direkt am Resonanzboden gespannt. Den Beschreibungen nach zu urteilen, klang die Geige nicht laut, aber sehr melodisch.

Eine interessante Skulptur an der Fassade des Hauses der Musiker zeigt einen lebensgroßen Musiker (Abb. 24), der eine dreisaitige Gambe spielt. Da die Saiten in einer Ebene gespannt sind, könnte der Bogen, der einer Saite Klang entzieht, die anderen berühren. Besondere Aufmerksamkeit verdient die „Modernisierung“ für die Mitte des 13. Jahrhunderts. Bogenform.

Bis zur Mitte des 14. Jahrhunderts. In Frankreich ähnelt die Form der Gambe der einer modernen Gitarre, was wahrscheinlich das Spielen mit einem Bogen erleichtert (Abb. 25).

Im 15. Jahrhundert große Bratschen erscheinen - Viola de Gamba. Sie spielten sie mit dem Instrument zwischen ihren Knien. Ende des 15. Jahrhunderts wurde die Viola de Gamba siebensaitig. Später wird die Viola de Gamba durch das Cello ersetzt. Alle Arten von Gamben waren im mittelalterlichen Frankreich weit verbreitet; das Spielen auf ihnen begleitete sowohl Feste als auch intime Abende.

Die Gambe unterschied sich von der Croth durch die doppelte Befestigung der Saiten am Resonanzboden. Egal wie viele Saiten dieses mittelalterliche Instrument hat (auf den ältesten Kreisen sind es drei Saiten), sie sind immer am „Grat“ befestigt. Darüber hinaus verfügt der Resonanzboden selbst über zwei Löcher entlang der Saiten. Diese Löcher sind durchgehend und dienen dazu, dass Sie Ihre linke Hand hindurchstecken können, deren Finger abwechselnd die Saiten an den Resonanzboden drücken und sie dann wieder loslassen. Der Darsteller hielt normalerweise einen Bogen in der rechten Hand. Eines der ältesten Bilder einer Krut findet sich in einem Manuskript aus dem 11. Jahrhundert. aus der Limoges-Abtei St. Martialisch (Abb. 26). Es muss jedoch betont werden, dass es sich bei der Kurt in erster Linie um ein englisches und sächsisches Instrument handelt. Die Anzahl der Saiten auf einem Kreis nimmt mit der Zeit zu. Und obwohl es als Urvater aller Streichinstrumente gilt, hat das Kurt in Frankreich nie Fuß gefasst. Viel häufiger nach dem 11. Jahrhundert. Ruber oder Jig finden Sie hier.

Der Jig (Gigue, Kichern) wurde offenbar von den Deutschen erfunden; er ähnelt in seiner Form einer Gambe, hat aber keinen Anschlag auf dem Resonanzboden. Der Jig ist ein Lieblingsinstrument der Minnesänger. Die Spielfähigkeiten dieses Instruments waren deutlich schlechter als die der Gambe, es erforderte aber auch weniger Spielgeschick. Den Bildern nach zu urteilen, spielten die Musiker die Jig (Abb. 27) wie eine Geige und legten die Ära an die Schulter, wie aus der Vignette aus dem Manuskript „Das Buch der Weltwunder“ aus dem Jahr 1960 hervorgeht Anfang des 15. Jahrhunderts.

Rubère ist ein Streichinstrument, das an das arabische Rebab erinnert. Ähnlich wie eine Laute hat die Ruber nur eine Saite, die auf einem „Grat“ gespannt ist (Abb. 29), wie sie in einer Miniatur in einer Handschrift der Abtei St. Blasius (IX. Jahrhundert). Laut Hieronymus von Mähren im XII.-XIII. Jahrhundert. Die Ruber ist bereits ein zweisaitiges Instrument; sie wird im Ensemblespiel verwendet und führt immer die „tiefe“ Basslinie. Zhig ist dementsprechend die „Spitze“. So stellt sich heraus, dass die Monocorde (Monocorde), ein Streichinstrument, das gewissermaßen als Vorfahre des Kontrabasses diente, auch eine Art Ruber ist, da es auch im Ensemble als Instrument zur Stimmabgabe eingesetzt wurde Basston. Manchmal konnte das Monocord auch ohne Bogen gespielt werden, wie an der Skulptur an der Fassade der Abteikirche von Vaselles zu sehen ist (Abb. 28).

Trotz ihrer weit verbreiteten Verwendung und zahlreichen Varianten galt die Ruber nicht als der Gambe gleichwertiges Instrument. Sein Wirkungskreis ist eher die Straße, beliebte Feiertage. Es ist jedoch nicht ganz klar, wie der Klang des Ruber tatsächlich war, da einige Forscher (Jerome Moravsky) von tiefen Oktaven sprechen, während andere (Aymeric de Peyrac) behaupten, der Klang des Ruber sei scharf und „laut“. ähnlich dem „weiblichen“ Quietschen.“ Vielleicht sprechen wir aber auch von Instrumenten aus anderen Zeiten, zum Beispiel dem 14. oder 16. Jahrhundert...

Zupfsaiten

Wahrscheinlich sollten Diskussionen darüber, welches Instrument älter ist, als irrelevant angesehen werden, da das Wahrzeichen der Musik schließlich ein Saiteninstrument, die Leier, war, mit der wir die Geschichte über Zupfinstrumente beginnen werden.

Die antike Leier ist ein Saiteninstrument mit drei bis sieben Saiten, die vertikal zwischen zwei Ständern gespannt sind, die auf einem hölzernen Resonanzboden montiert sind. Die Saiten der Leier wurden entweder mit den Fingern gezupft oder mit einem Resonator-Plektrum gespielt. In einer Miniatur aus einer Handschrift des 10.-11. Jahrhunderts. (Abb. 30), aufbewahrt in der Nationalbibliothek von Paris, sehen Sie eine Leier mit zwölf Saiten, die in Dreiergruppen zusammengefasst und in unterschiedlichen Höhen gespannt sind (Abb. 30a). Solche Leier haben normalerweise schön geformte Griffe auf beiden Seiten, an dem man den Gürtel befestigen konnte, was dem Musiker offensichtlich das Spielen erleichterte.

Die Leier wurde im Mittelalter mit der Sitar (Cithare) verwechselt, die auch im antiken Griechenland vorkam. Ursprünglich war es ein sechssaitiges Zupfinstrument. Laut Hieronymus von Mähren hatte die Sitar im Mittelalter eine dreieckige Form (genauer gesagt hatte sie die Form des Buchstabens „Delta“ des griechischen Alphabets) und die Anzahl der Saiten variierte zwischen zwölf und vierundzwanzig. Eine solche Sitar (9. Jahrhundert) ist in einer Handschrift der Abtei St. Vlasiya (Abb. 31). Allerdings kann die Form des Instruments variieren; es gibt ein bekanntes Bild einer Sitar mit unregelmäßiger runder Form und einem Griff, der das Spiel zeigt (Abb. 32). Der Hauptunterschied zwischen der Sitar und dem Psalterion (siehe unten) zu anderen Zupfinstrumenten besteht jedoch darin, dass die Saiten einfach auf einen Rahmen gezogen werden und nicht auf eine Art „klingendes Gefäß“.

Auch die mittelalterliche Guiterne hat ihren Ursprung in der Sitar. Die Form dieser Instrumente ist ebenfalls vielfältig, ähnelt jedoch meist entweder einer Mandoline oder einer Gitarre (Zither). Erste Erwähnungen solcher Instrumente tauchen im 13. Jahrhundert auf und sowohl Frauen als auch Männer spielen sie. Die Gitern begleitete den Gesang des Interpreten, und dieser spielte ihn entweder mit oder ohne Hilfe eines Resonator-Plektrums. In der Handschrift „Die Romanze von Troja“ von Benoit de Saint-Maur (13. Jahrhundert) singt der Minnesänger, während er spielt Hytern ohne Mediator (Abb. 34) . In einem anderen Fall, im Roman „Tristan und Isolde“ (Mitte des 13. Jahrhunderts), gibt es eine Miniatur, die einen Minnesänger zeigt, der den Tanz seines Kameraden begleitet, indem er die Hyterna spielt (Abb. 33). Die Saiten der Gitarre sind gerade gespannt (ohne „Stutfohlen“), am Korpus befindet sich jedoch ein Loch (Rosette). Der Vermittler war ein Knochenstab, der mit Daumen und Zeigefinger gehalten wurde, was in der Skulptur eines Musikers aus der Abteikirche in O deutlich zu erkennen ist (Abb. 35).

Den verfügbaren Bildern nach zu urteilen, könnte es sich bei Gitern auch um ein Ensembleinstrument handeln. Bekannt ist der Deckel einer Schatulle aus der Sammlung des Cluny Museums (14. Jahrhundert), in der der Bildhauer eine bezaubernde Genreszene auf Elfenbein geschnitzt hat: zwei junge Männer, die im Garten spielen und die Ohren erfreuen; einer hat eine Laute in der Hand, der andere hat eine Gittern (Abb. 36).

Manchmal wurde die Gittern, wie früher die Sitar, im mittelalterlichen Frankreich als Rote bezeichnet; Richard Löwenherz spielte in Gefangenschaft.

Im XIV. Jahrhundert. Es wird auch ein anderes Instrument erwähnt, das der Gittern ähnelt – die Laute. Bis zum 15. Jahrhundert Seine Form nimmt bereits endlich Gestalt an: ein sehr konvexer, fast halbkreisförmiger Körper, mit einem runden Loch auf dem Deck. Der „Hals“ ist nicht lang, der „Kopf“ steht im rechten Winkel dazu (Abb. 36). Zur gleichen Instrumentengruppe gehören Mandoline und Mandora, die im 15. Jahrhundert verwendet wurden. die vielfältigste Form.

Auch die Harfe (Harfe) kann sich ihrer antiken Herkunft rühmen – ihre Abbilder finden sich bereits im alten Ägypten. Bei den Griechen ist die Harfe nur eine Variante der Sitar; bei den Kelten heißt sie Sambuk. Die Form der Harfe ist konstant: Es handelt sich um ein Instrument mit Saiten unterschiedlicher Länge, die in einem mehr oder weniger offenen Winkel über einen Rahmen gespannt sind. Alte Harfen sind dreizehnsaitig und in einer diatonischen Tonleiter gestimmt. Sie spielten die Harfe im Stehen oder Sitzen mit beiden Händen und verstärkten das Instrument so, dass sein vertikaler Stand sich auf der Brust des Interpreten befand. Im 12. Jahrhundert erschienen kleine Harfen mit unterschiedlicher Saitenanzahl. Ein charakteristischer Harfentyp ist in einer Skulptur an der Fassade des Hauses der Musiker in Reims dargestellt (Abb. 37). Jongleure verwendeten sie bei ihren Auftritten ausschließlich, und es konnten ganze Ensembles von Harfenisten gebildet werden. Die Iren und Bretonen galten als die besten Harfenisten. Im 16. Jahrhundert Die Harfe verschwand in Frankreich praktisch und erschien hier erst Jahrhunderte später in ihrer modernen Form.

Besonders hervorzuheben sind zwei mittelalterliche Zupfinstrumente. Dies sind das Psalterium und das Siphonium.

Das antike Psalterion ist ein dreieckiges Saiteninstrument, das entfernt an unsere Harfe erinnert. Im Mittelalter veränderte sich die Form des Instruments – auch quadratische Psalterionen werden in Miniaturen dargestellt. Der Spieler hielt es auf seinem Schoß und zupfte mit den Fingern oder einem Plektrum einundzwanzig Saiten (der Tonumfang des Instruments beträgt drei Oktaven). Als Erfinder des Psalters gilt König David, der der Legende nach einen Vogelschnabel als Plektrum nutzte. Eine Miniatur aus dem Manuskript von Gerhard von Landsberg in der Straßburger Bibliothek zeigt den biblischen König beim Spielen seiner Idee (Abb. 38).

In der mittelalterlichen französischen Literatur werden Psalterionen seit Beginn des 12. Jahrhunderts erwähnt; die Form der Instrumente kann sehr unterschiedlich sein (Abb. 39 und 40); sie wurden nicht nur von Minnesängern, sondern auch von Frauen – edlen Damen – gespielt und ihr Gefolge. Bis zum 14. Jahrhundert Das Psalter verlässt nach und nach die Bühne und macht dem Cembalo Platz, doch das Cembalo konnte nicht den chromatischen Klang erreichen, der für Psalter mit Doppelsaiten charakteristisch ist.

In gewisser Weise ähnelt auch ein anderes mittelalterliches Instrument, das bereits im 15. Jahrhundert praktisch verschwand, dem Gips. Dies ist eine Siphonie (Chifonie) – eine westliche Version der russischen Radharfe. Allerdings ist der Siphon neben dem Rad mit Holzbürste, das beim Drehen des Griffs drei gerade Saiten berührt, auch mit Tasten ausgestattet, die auch seinen Klang regulieren. Am Siphon sind sieben Tasten angebracht am Ende, das dem Ende gegenüberliegt, auf dem sich das Rad dreht. Die Siphonia wurde meist von zwei Personen gespielt, der Klang des Instruments war laut Quellen harmonisch und ruhig. Eine Zeichnung einer Skulptur auf dem Kapitell einer der Säulen in Bocheville (12. Jahrhundert) zeigt eine ähnliche Spielweise (Abb. 41). Am weitesten verbreitet war die Siphonie im 11.-12. Jahrhundert. Im 15. Jahrhundert Beliebt war der kleine Siphon, gespielt von einem Musiker. Im Manuskript „Die Romanze des Gerard de Nevers und der schönen Ariana“ aus der Pariser Nationalbibliothek findet sich eine Miniatur, die die als Minnesänger verkleidete Hauptfigur mit einem ähnlichen Instrument an seiner Seite zeigt (Abb. 42).

Ursprünge der französischen Musik.

Die volkstümlichen Ursprünge der französischen Musik reichen bis ins frühe Mittelalter zurück: Im 8.-9. Jahrhundert gab es Tanzmelodien und Lieder verschiedener Genres – Arbeitslieder, Kalenderlieder, Epos und andere.
Ende des 8. Jahrhunderts wurde es gegründet Gregorianischer Gesang.
IN Im 11.-12. Jahrhundert blühte in Südfrankreich die ritterliche Musik- und Poesiekunst der Troubadours auf.
IN Die Nachfolger der Troubadour-Tradition waren im 12. und 13. Jahrhundert die Ritter und Bürger Nordfrankreichs – die Trouvères. Unter ihnen ist Adam de la Al (gestorben 1286) der berühmteste.

Adam de la Al „Das Spiel von Robin und Marion“.

Im 14. Jahrhundert entstand in der französischen Musik die Bewegung der Neuen Kunst. Der Kopf dieser Bewegung war Philippe de Vitry (1291-1361) – ein Musiktheoretiker und Komponist, Autor vieler weltlicher Werke Motetten. Gegen Ende des 16. Jahrhunderts, während der Zeit Karls 9, veränderte sich jedoch die Natur der Musik Frankreichs. Die Ära des Balletts begann, als Musik den Tanz begleitete. In dieser Zeit verbreiteten sich folgende Instrumente: Flöte, Cembalo, Cello, Violine. Und diese Zeit kann als die Geburtszeit echter Instrumentalmusik bezeichnet werden

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Philippe de Vitry „Herr der Herren“ (Motette).

Das 17. Jahrhundert ist eine neue Etappe in der Entwicklung der französischen Musik. Der große französische Komponist Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florenz - 22.03.1687, Paris) kreiert seine Opern. Jean Baptiste ist ein ausgezeichneter Tänzer, Geiger, Dirigent und Choreograf italienischer Herkunft, der als anerkannter Schöpfer der französischen Nationaloper gilt. Darunter sind Opern wie: Theseus (1675), Isis (1677), Psyche (1678, Perseus (1682), Phaethon (1683), Roland (1685) und Armida (1686) und andere. In seinen Opern, die waren Jean Baptiste Lully, genannt „tragedie mise en musique“ („Tragödie über die Musik“), versuchte dank der szenischen Kunst und der Wirksamkeit des Balletts etwa 100 Jahre lang auf der Bühne zu stehen. Gleichzeitig begannen Sängerinnen und Sänger in Opern erstmals ohne Maske aufzutreten und Frauen begannen, im Ballett auf einer öffentlichen Bühne zu tanzen.
Rameau Jean Philippe (1683–1764) – französischer Komponist und Musiktheoretiker. Er nutzte die Errungenschaften der französischen und italienischen Musikkultur, veränderte den Stil der klassizistischen Oper maßgeblich und bereitete die Opernreform von Christophe Willibaldi Gluck vor. Er schrieb die lyrischen Tragödien „Hippolytus und Arisia“ (1733), „Castor und Pollux“ (1737), das Opernballett „Gallant India“ (1735), Cembalospiele und mehr. Seine theoretischen Arbeiten stellen einen bedeutenden Schritt in der Entwicklung der Harmonielehre dar.
Francois Couperin (1668–1733) – französischer Komponist, Cembalist, Organist. Aus einer mit der deutschen Bach-Dynastie vergleichbaren Dynastie, da es in seiner Familie mehrere Generationen von Musikern gab. Couperin wurde teilweise aufgrund seines Sinns für Humor und teilweise aufgrund seines Charakters „der große Couperin“ genannt. Sein Werk ist der Höhepunkt der französischen Cembalokunst. Couperins Musik zeichnet sich durch melodischen Einfallsreichtum, Anmut und Detailgenauigkeit aus.

1. Jean-Baptiste-Lully-Sonate a-Moll, 4. Satz „Gigue“.

2. Jean Philippe Rameau „Chicken“ – gespielt von Arkady Kazaryan.

3. Francois Couperin „Alarm Clock“ – gespielt von Ayan Sambueva.

Im 18. und Ende des 19. Jahrhunderts wurde Musik zu einer echten Waffe im Kampf für die eigenen Überzeugungen und Wünsche. Eine ganze Galaxie berühmter Komponisten taucht auf: Maurice Ravel, Jean-Philippe Rameau, Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836), französischer Militäringenieur, Dichter und Komponist. Er schrieb Hymnen, Lieder, Romanzen. 1792 schrieb er die Komposition „Marseillaise“, die später zur Hymne Frankreichs wurde.

Hymne von Frankreich.

Gluck Christoph Willibald (1714–1787) – berühmter deutsch-französischer Komponist. Seine bekanntesten Aktivitäten sind mit der Pariser Opernbühne verbunden, für die er seine besten Werke mit französischen Texten schrieb. Deshalb betrachten ihn die Franzosen als einen französischen Komponisten. Zahlreiche seiner Opern: „Artaserse“, „Demofonte“, „Fedra“ und andere wurden in Mailand, Turin, Venedig, Cremona aufgeführt. Nachdem er eine Einladung nach London erhalten hatte, schrieb Gluck zwei Opern für das Hay-Market Theatre: „La Caduta de Giganti“ (1746) und „Artamene“ sowie eine Medley-Oper (Pasticcio) „Pyram“.

Melodie aus der Oper „Orpheus und Eurydike“.

Im 19. Jahrhundert - Komponisten Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel und andere.

Im 20. Jahrhundert erschienen echte professionelle Künstler. Sie waren es, die französische Lieder so berühmt machten und eine ganze Richtung des französischen Chansonniers schufen. Heute stehen ihre Namen außerhalb von Zeit und Mode. Dies sind Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Sie alle sind für ihre wunderschönen lyrischen Lieder bekannt, die nicht nur Zuhörer in Frankreich, sondern auch in anderen Ländern gewonnen haben. Viele davon wurden von anderen Interpreten gecovert.

Zur Erstellung dieser Seite wurden Materialien der Website verwendet:
http://ru.wikipedia.org/wiki, http://www.tlemb.ru/articles/french_music;
http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc1p/14802
http://www.fonstola.ru/download/84060/1600x900/
Material aus dem Buch „The Musician's Companion“ Herausgeber – Verfasser A. L. Ostrovsky; Verlag „MUSIK“ Leningrad 1969, S.340

Französische Musik- eine der interessantesten und einflussreichsten europäischen Musikkulturen, die ihren Ursprung in der Folklore keltischer und germanischer Stämme hat, die in der Antike im heutigen Frankreich lebten. Mit der Entstehung Frankreichs im Mittelalter verschmolz die französische Musik die volksmusikalischen Traditionen zahlreicher Regionen des Landes. Die französische Musikkultur entwickelte sich und interagierte auch mit den Musikkulturen anderer europäischer Nationen, insbesondere der italienischen und deutschen. Seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wird die französische Musikszene durch die musikalischen Traditionen afrikanischer Menschen bereichert. Sie bleibt der Weltmusikkultur nicht fern, indem sie neue musikalische Trends einbezieht und Jazz, Rock, Hip-Hop und elektronischer Musik eine besondere französische Note verleiht.

Geschichte

Ursprünge

Die französische Musikkultur nahm auf einer reichen Schicht von Volksliedern Gestalt an. Obwohl die ältesten zuverlässigen Aufzeichnungen von Liedern, die bis heute erhalten sind, aus dem 15. Jahrhundert stammen, deuten literarische und künstlerische Materialien darauf hin, dass Musik und Gesang seit der Zeit des Römischen Reiches einen herausragenden Platz im täglichen Leben der Menschen eingenommen haben.

Mit dem Christentum gelangte die Kirchenmusik in die französischen Länder. Ursprünglich lateinisch, veränderte es sich allmählich unter dem Einfluss der Volksmusik. Die Kirche verwendete in ihren Gottesdiensten Materialien, die für die Anwohner verständlich waren. Zwischen dem 5. und 9. Jahrhundert entwickelte sich in Gallien eine einzigartige Art der Liturgie – der gallikanische Ritus mit gallikanischem Gesang. Unter den Autoren von Kirchenliedern war Hilarius von Poitiers berühmt. Der gallikanische Ritus ist aus historischen Quellen bekannt, was darauf hindeutet, dass er sich deutlich vom römischen unterschied. Es überlebte nicht, weil die französischen Könige es abschafften, um von Rom den Kaisertitel zu erlangen, und die römische Kirche versuchte, die Vereinheitlichung der Gottesdienste zu erreichen.

Durch die Polyphonie entstanden neue Genres kirchlicher und weltlicher Musik, darunter Dirigieren und Motette. Das Dirigat wurde zunächst vor allem bei festlichen Gottesdiensten aufgeführt, entwickelte sich später aber zu einer rein weltlichen Gattung. Zu den Autoren des Verhaltens gehört Perotin.

Basierend auf einem Dirigenten vom Ende des 12. Jahrhunderts. In Frankreich entstand die wichtigste Gattung polyphoner Musik – die Motette. Seine frühen Beispiele gehören ebenfalls zu den Meistern der Pariser Schule (Pérotin, Franco von Köln, Pierre de la Croix). Die Motette ermöglichte die Freiheit, liturgische und weltliche Melodien und Texte zu kombinieren, eine Kombination, die im 13. Jahrhundert zur Geburt der Motette führte. eine verspielte Motette. Die Gattung der Motette erfuhr im 14. Jahrhundert eine bedeutende Aktualisierung der Regiebedingungen ars nova, dessen Ideologe Philippe de Vitry war.

In der Kunst der Ars Nova wurde großer Wert auf das Zusammenspiel von „alltäglicher“ und „wissenschaftlicher“ Musik (also Lied und Motette) gelegt. Philippe de Vitry schuf eine neue Art von Motette – die isorhythmische Motette. Die Neuerungen von Philippe de Vitry beeinflussten auch die Konsonanz- und Dissonanzlehre (er verkündete die Konsonanzen von Terzen und Sexten).

Die Ideen der Ars Nova und insbesondere der isorhythmischen Motette setzten ihre Entwicklung im Werk von Guillaume de Machaut fort, der die künstlerischen Errungenschaften der ritterlichen Musik- und Poesiekunst mit ihren einstimmigen Liedern und der polyphonen städtischen Musikkultur verband. Er besitzt Lieder im Folk-Stil (Laien), Virele, Rondo und war der Erste, der das Genre der polyphonen Ballade entwickelte. In der Motette verwendete Machaut Musikinstrumente konsequenter als seine Vorgänger (wahrscheinlich waren die tieferen Stimmen zuvor instrumental). Machaut gilt auch als Autor der ersten französischen polyphonen Messe (1364).

Renaissance

Ende des 15. Jahrhunderts. In Frankreich etabliert sich die Kultur der Renaissance. Die Entwicklung der französischen Kultur wurde durch Faktoren wie das Aufkommen des Bürgertums (15. Jahrhundert), den Kampf um die Vereinigung Frankreichs (Ende Ende des 15. Jahrhunderts) und die Schaffung eines zentralisierten Staates beeinflusst. Von Bedeutung waren auch die kontinuierliche Entwicklung der Volkskunst und die Aktivitäten der Komponisten der französisch-flämischen Schule.

Die Rolle der Musik im gesellschaftlichen Leben nimmt zu. Französische Könige errichteten große Kapellen an ihren Höfen, organisierten Musikfestivals und der königliche Hof wurde zum Zentrum professioneller Kunst. Die Rolle der Hofkapelle wurde gestärkt. Heinrich III. etablierte die Position des „Oberintendenten der Musik“ am Hof; der erste, der dieses Amt innehatte, war der italienische Geiger Baltazarini de Belgioso. Neben dem königlichen Hof und der Kirche waren auch die Adelssalons wichtige Zentren der Musikkunst.

Die Blütezeit der Renaissance, verbunden mit der Entstehung der französischen Nationalkultur, fiel in die Mitte des 16. Jahrhunderts. Zu dieser Zeit wurde das weltliche polyphone Lied – Chanson – zu einem herausragenden Genre der professionellen Kunst. Ihr polyphoner Stil erhält eine neue Interpretation, die mit den Ideen der französischen Humanisten Rabelais, Clément Marot und Pierre de Ronsard übereinstimmt. Als führender Chansonautor dieser Epoche gilt Clément Janequin, der mehr als 200 polyphone Lieder schrieb. Chansons erlangten nicht nur in Frankreich, sondern auch im Ausland Berühmtheit, vor allem dank des Notendrucks und der Stärkung der Beziehungen zwischen europäischen Ländern.

Während der Renaissance nahm die Rolle der Instrumentalmusik zu. Geige, Laute, Gitarre und Violine (als Volksinstrument) waren im Musikleben weit verbreitet. Instrumentale Genres drangen sowohl in die Alltags- als auch in die Berufsmusik ein, teilweise auch in die Kirchenmusik. Zu den vorherrschenden Tanzstücken des 16. Jahrhunderts gehörten die Lautentanzstücke. polyphone Werke mit rhythmischer Plastizität, homophoner Komposition, Transparenz der Textur. Ein charakteristisches Merkmal war die Kombination von zwei oder mehr Tänzen nach dem Prinzip des rhythmischen Kontrasts zu einzigartigen Zyklen, die zur Grundlage der zukünftigen Tanzsuite wurden. Auch die Orgelmusik erlangte eine eigenständigere Bedeutung. Die Entstehung der Orgelschule in Frankreich (Ende des 16. Jahrhunderts) ist mit der Arbeit des Organisten J. Titlouz verbunden.

Ausbildung

17. Jahrhundert

Die französische Musik des 17. Jahrhunderts wurde stark von der rationalistischen Ästhetik des Klassizismus beeinflusst, die die Anforderungen an Geschmack, Ausgewogenheit von Schönheit und Wahrheit, Klarheit des Designs und Harmonie der Komposition stellte. Der Klassizismus, der sich gleichzeitig mit dem Barock entwickelte, erschien im 17. Jahrhundert in Frankreich. vollständiger Ausdruck.

Zu dieser Zeit überwiegt in Frankreich die weltliche Musik gegenüber der geistlichen Musik. Mit der Errichtung der absoluten Monarchie erlangte die Hofkunst große Bedeutung und bestimmte die Entwicklungsrichtung der wichtigsten Genres der französischen Musik jener Zeit – Oper und Ballett. Die Regierungsjahre Ludwigs XIV. waren geprägt von der außergewöhnlichen Pracht des Hoflebens, dem Wunsch des Adels nach Luxus und raffinierten Vergnügungen. In dieser Hinsicht kam dem Hofballett eine große Rolle zu. Im 17. Jahrhundert Die italienischen Tendenzen verstärkten sich am Hof, was insbesondere durch Kardinal Mazarin gefördert wurde. Die Bekanntschaft mit der italienischen Oper diente als Anreiz, eine eigene Nationaloper zu schaffen; die ersten Erfahrungen auf diesem Gebiet machte Elisabeth Jacquet de la Guerre („Der Triumph der Liebe“).

Ende des 17. – erste Hälfte des 18. Jahrhunderts schrieben Komponisten wie N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delalande und A. K. Detouch für das Theater. Unter Lullys Nachfolgern verschärften sich die Konventionen des Hoftheaterstils. In ihren lyrischen Tragödien treten dekorativ-ballettistische, pastoral-idyllische Aspekte in den Vordergrund, der dramatische Anfang wird zunehmend abgeschwächt. Die lyrische Tragödie weicht dem Opernballett.

Im 17. Jahrhundert In Frankreich entwickelten sich verschiedene Instrumentalschulen – Laute (D. Gautier, der den Cembalostil von J.-A. d'Anglebert, J. C. de Chambonnière beeinflusste), Cembalo (Chambonnière, L. Couperin), Gambe (M. Marin, der Zum ersten Mal wurde in Frankreich ein Kontrabass anstelle einer Kontrabass-Gambe eingeführt Musik, eine Kombination aus Paartänzen (Pavane, Galliard usw.), die seit dem 16. Jahrhundert verwendet wurde, war weit verbreitet, was im 17. Jahrhundert zur Schaffung einer Instrumentalsuite führte.

XVIII Jahrhundert

Im 18. Jahrhundert bildeten sich mit dem wachsenden Einfluss des Bürgertums neue Formen des musikalischen und gesellschaftlichen Lebens heraus. Allmählich überschreiten Konzerte die Grenzen von Schlosssälen und Adelssalons. In A. organisierte Philidor (Danican) regelmäßig öffentliche „Spirituelle Konzerte“ in Paris, in Francois gründete Gossec die Gesellschaft „Amateurkonzerte“. Die Abende der akademischen Gesellschaft „Friends of Apollo“ (gegründet 1997) waren zurückhaltender; die jährliche Konzertreihe wurde von der „Royal Academy of Music“ organisiert.

In den 20-30er Jahren des 18. Jahrhunderts. Die Cembalosuite erreicht ihren höchsten Höhepunkt. Unter den französischen Cembalisten spielt F. Couperin die führende Rolle, der Autor freier Zyklen, die auf den Prinzipien der Ähnlichkeit und des Kontrasts der Stücke basieren. Neben Couperin leisteten auch J. F. Dandré und insbesondere J. F. Rameau einen großen Beitrag zur Entwicklung der programmatisch charakteristischen Cembalosuite.

Auch das System der Musikausbildung hat radikale Veränderungen erfahren. Metrisen wurden abgesagt; aber in der Nationalgarde wurde eine Musikschule zur Ausbildung von Militärmusikern eröffnet, und im Nationalen Musikinstitut (mit dem Pariser Konservatorium) wurde eine Musikschule eröffnet.

Die Zeit der napoleonischen Diktatur (1799–1814) und der Restauration (1814–15, 1815–30) brachte der französischen Musik keine nennenswerten Erfolge. Am Ende der Restaurationszeit kam es zu einem Aufschwung im Kulturbereich. Im Kampf gegen die akademische Kunst des Napoleonischen Reiches nahm die französische romantische Oper Gestalt an, die in den 20er und 30er Jahren eine beherrschende Stellung einnahm (F. Aubert). In denselben Jahren entstand das Genre der großen Oper mit historischen, patriotischen und heroischen Handlungssträngen. Die französische Musikromantik fand ihren lebendigsten Ausdruck im Werk von G. Berlioz, dem Schöpfer der programmatischen romantischen Symphonie. Berlioz gilt neben Wagner auch als Begründer einer neuen Dirigentenschule.

Ein wichtiges Ereignis im Leben des öffentlichen Frankreichs in den 1870er Jahren war die Pariser Kommune von 1870-1871. In dieser Zeit entstanden viele Arbeitslieder, von denen eines, „Die Internationale“ (Musik von Pierre Degeyter mit Texten von Eugene Pothier), zur Hymne der kommunistischen Parteien und 1944 zur Hymne der UdSSR wurde.

20. Jahrhundert

In den späten 80er und 90er Jahren des 19. Jahrhunderts entstand in Frankreich eine neue Bewegung, die sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts verbreitete – der Impressionismus. Der musikalische Impressionismus hat bestimmte nationale Traditionen wiederbelebt – den Wunsch nach Konkretheit, Programmatik, Raffinesse des Stils, Transparenz der Textur. Der Impressionismus fand seinen vollständigsten Ausdruck in der Musik von C. Debussy und beeinflusste die Arbeit von M. Ravel, P. Dukas und anderen. Der Impressionismus brachte auch Innovationen im Bereich der Musikgenres. In Debussys Werk weichen symphonische Zyklen symphonischen Skizzen; Programmminiaturen dominieren in der Klaviermusik. Auch Maurice Ravel wurde von der Ästhetik des Impressionismus beeinflusst. Sein Werk verflochten verschiedene ästhetische und stilistische Tendenzen – romantische, impressionistische und in späteren Werken neoklassizistische Tendenzen.

Zusammen mit impressionistischen Tendenzen in der französischen Musik an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Traditionen von Saint-Saëns entwickelten sich weiter, ebenso wie die von Frank, dessen Werk sich durch eine Kombination aus klassischer Klarheit des Stils mit leuchtend romantischer Bildsprache auszeichnet.

Frankreich spielte eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung der elektronischen Musik – hier entstand Ende der 1940er Jahre konkrete Musik, unter der Führung von Xenakis wurde ein Computer mit grafischer Informationseingabe – UPI – entwickelt und in den 1970er Jahren die Richtung der Spektralmusik wurde in Frankreich geboren. Das Zentrum der experimentellen Musik ist seit 1977 das IRCAM, ein von Pierre Boulez eröffnetes Forschungsinstitut.

Modernität

Akademische Musik

Das musikalische Zentrum Frankreichs bleibt seine Hauptstadt – Paris. In Paris gibt es die „Pariser Staatsoper“ (gibt Aufführungen in den Theatern Opera Garnier und Opera Bastille), Konzerte und Opernaufführungen finden im Théâtre des Champs-Élysées statt, zu den führenden Musikgruppen gehören das Nationalorchester von Frankreich, das Philharmonische Orchester von Radio France, das Orchester von Paris, das Orchestra Colonna und andere.

Zu den spezialisierten Musikbildungseinrichtungen zählen das Pariser Konservatorium, die Skola Cantorum und die Ecole Normale in Paris. Das wichtigste Musikforschungszentrum ist das Institut für Musikwissenschaft der Universität Paris. Bücher und Archivmaterialien werden in der Nationalbibliothek (die Abteilung für Musik wurde 1990 gegründet), der Bibliothek und dem Museum für Musikinstrumente am Konservatorium aufbewahrt.

In der modernen Kultur ist Chanson populäre französische Musik, die den spezifischen Rhythmus der französischen Sprache beibehält und sich von Liedern unterscheidet, die unter dem Einfluss englischsprachiger Musik geschrieben wurden. Zu den herausragenden Chanson-Interpreten zählen Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Leo Ferret, Jean Ferrat, Georges Moustakis, Mireille Mathieu, Patricia Kaas und andere. Interpreten französischer Chansons werden üblicherweise Chansonniers genannt. In den 1960er Jahren war die Yé-Yé-Richtung (yé-yé, yéyé) eine beliebte Art von Chanson, die hauptsächlich von weiblichen Interpreten vertreten wurde, darunter France Gall, Sylvie Vartan, Brigitte Bardot, Françoise Hardy, Dalida und Michelle Torre.

Frankreich war dreimal Gastgeber des Eurovision Song Contest – in und um die Welt. Fünf französische Musiker gewannen den Eurovision Song Contest – Andre Clavier (), Jacqueline Boyer (), Isabelle Aubray (), Frida Boccara () und Marie Miriam (), danach war der höchste Erfolg der Franzosen der zweite Platz im Jahr 2016.

Jazz

French House wurde zu einem spezifischen Phänomen, das durch eine Fülle von Phaser-Effekten und Frequenzkürzungen gekennzeichnet war, die der Eurodisco der 1970er Jahre eigen waren. Als Begründer dieses Trends gelten Daft Punk, Cassius und Etienne de Crécy. In den 2000er Jahren wurde House-DJ David Guetta zu einem der bestbezahlten französischen Musiker.

Rock und Hip-Hop

Die Rockmusik in Frankreich begann in den späten 1950er Jahren mit Künstlern wie Johnny Hallyday, Richard Anthony, Dick Rivers und Claude Francois, die Rock'n'Roll im Geiste von Elvis Presley spielten. Progressive Rock war in den 1970er Jahren in Frankreich gut entwickelt. Zu den Patriarchen des französischen Rocks der 1960er und 70er Jahre zählen die Progressive-Rock-Gruppen Art Zoyd, Gong, Magma, deren Sound dem deutschen Krautrock ähnelt. In den 1970er Jahren gab es auch eine blühende Celtic-Rock-Szene, insbesondere im Nordwesten, wo Alan Stivell, Malicorne, Tri Yann und andere herkamen. Die Schlüsselgruppen der 80er Jahre waren die Post-Punks Noir Désir, die Metaller Shakin' Street und Mystery Blue. In den 1990er Jahren bildete sich in Frankreich eine Underground-Black-Metal-Bewegung, Les Légions Noires. Die erfolgreichsten Gruppen des letzten Jahrzehnts sind die Metaller Anorexia Nervosa und Rapcore-Künstler Pleymo.

Pleymo werden auch mit der französischen Hip-Hop-Szene in Verbindung gebracht. Dieser „Straßenstil“ ist bei Nicht-Indigenen, arabischen und afrikanischen Einwanderern sehr beliebt. Einige Künstler aus Einwandererfamilien haben Massenruhm erlangt, zum Beispiel K.Maro, Diam's, MC Solaar, Stromae, Sexion d'Assaut.

In Frankreich finden Rockmusikfestivals wie Eurockéennes (seit 1989), La Route du Rock (seit 1991), Vieilles Charrues Festival (seit 1992), Rock en Seine (seit 2003), Main Square Festival (seit 2004) und Les Massiliades (seit 2004) statt 2008).

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Literatur

• O. A. Vinogradova.// Musikalische Enzyklopädie, M., 1973-82
• T. F. Gnativ. Musikkultur Frankreichs an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert / Lehrbuch für Musikuniversitäten. - K.: Musical Ukraine, 1993. - 10,92 p.s.
• Französische Musik der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts (Kunstsammlung), Einleitung. Kunst. und Hrsg. M. S. Druskina, M., 1938
• Schneerson G., Music of France, M., 1958
• Edith Weber, Geschichte der französischen Musik von 1500 bis 1650, Greetings sur l'histoire, 1999 (ISBN 978-2-7181-9301-4)
• Marc Robine, Es war ein französischer Song, Paris, Fayard/Chorus, 2004, (ISBN 2-213-61910-7).
• François Porcile, Die Belle Epoque der französischen Musik 1871-1940, Paris, Fayard, 1999, (Chemins de la musique) (ISBN 978-2-213-60322-3)
• Damien Ehrhardt, Die französisch-deutschen Beziehungen und die Musik im Programm, Lyon, Symétrie, 2009 (Sammlung Perpetuum mobile) (ISBN 978-2-914373-43-2)
• Collectif (Autor) Ein Jahrhundert französischer Lieder 1979–1989(Partition de musique), Csdem, 2009 (ISBN 979-0-231-31373-4)
• Henri, Blog: 2010.
• Paris A. Das neue Wörterbuch der Dolmetscher. Paris: R. Laffont, 2015. IX, 1364 S. ISBN 9782221145760.
• Dictionnaire des Musiciens: les Interprètes. : Encyclopaedia universalis Frankreich, 2016. ISBN 9782852295582.

Links

• (Französisch)

Notizen

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Abhängige Gebiete Nicht anerkannte und teilweise anerkannte Staaten

Ein Auszug, der die Musik Frankreichs charakterisiert

All diese Neuigkeiten machten mich schwindelig... Aber Veya war wie immer überraschend ruhig, und das gab mir die Kraft, weiterzufragen.
– Und wen nennt man einen Erwachsenen? Wenn es solche Leute gibt, natürlich.
- Na klar! – Das Mädchen lachte aufrichtig. - Willst du sehen?
Ich nickte nur, weil mir vor Schreck plötzlich die Kehle völlig zuschnürte und meine „flatternde“ Konversationsfähigkeit irgendwo verloren ging... Ich verstand vollkommen gut, dass ich jetzt ein echtes „Star“-Wesen sehen würde!.. Und , obwohl ich, so lange ich mich erinnern konnte, mein ganzes Erwachsenenleben darauf gewartet hatte, war nun plötzlich aus irgendeinem Grund mein ganzer Mut schnell „zu Boden gegangen“...
Veya wedelte mit der Handfläche – das Gelände veränderte sich. Statt goldener Berge und eines Baches befanden wir uns in einer wunderbaren, beweglichen, transparenten „Stadt“ (zumindest sah sie wie eine Stadt aus). Und direkt auf uns zu, entlang einer breiten, nass glänzenden silbernen „Straße“, ging langsam ein atemberaubender Mann ... Er war ein großer, stolzer alter Mann, den man nicht anders nennen konnte als – majestätisch!. Alles darüber er war irgendwie... manchmal sehr korrekt und weise – und Gedanken so rein wie Kristall (was ich aus irgendeinem Grund sehr deutlich hörte); und langes silbernes Haar, das ihn mit einem schimmernden Umhang bedeckte; und die gleichen erstaunlich freundlichen, riesigen violetten „Eitlen“-Augen ... Und auf seiner hohen Stirn befand sich ein leuchtender, wunderbar funkelnder goldener, diamantener „Stern“.
„Ruhe in Frieden, Vater“, sagte Veya leise und berührte ihre Stirn mit den Fingern.
„Und du, derjenige, der gegangen ist“, antwortete der alte Mann traurig.
Von ihm strahlte eine unendliche Freundlichkeit und Zuneigung aus. Und plötzlich wollte ich mich wie ein kleines Kind in seinen Schoß vergraben und mich für mindestens ein paar Sekunden vor allem verstecken, den tiefen Frieden einatmen, der von ihm ausgeht, und nicht daran denken, dass ich Angst habe ... dass ich nicht weiß, wo ich zu Hause bin ... und was ich überhaupt nicht weiß, ist, wo ich bin und was im Moment wirklich mit mir passiert ...
„Wer bist du, Geschöpf? …“ Ich hörte im Geiste seine sanfte Stimme.
„Ich bin ein Mann“, antwortete ich. - Tut mir leid, dass ich Ihren Frieden störe. Mein Name ist Swetlana.
Der Älteste sah mich mit seinen weisen Augen warm und aufmerksam an, und aus irgendeinem Grund leuchtete Zustimmung in ihnen.
„Du wolltest den Weisen sehen – du siehst ihn“, sagte Veya leise. – Möchten Sie etwas fragen?
– Bitte sagen Sie mir, gibt es in Ihrer wunderbaren Welt Böses? – Obwohl ich mich für meine Frage schämte, beschloss ich dennoch, sie zu stellen.
– Wie nennt man „böse“, Mann-Svetlana? - fragte der Weise.
– Lügen, Mord, Verrat... Kennst du solche Worte nicht?...
– Es ist lange her... niemand erinnert sich mehr. Nur ich. Aber wir wissen, was es war. Dies ist in unserem „alten Gedächtnis“ verankert, sodass wir es nie vergessen. Kommst du von dort, wo das Böse lebt?
Ich nickte traurig. Ich war sehr verärgert über meine Heimat Erde und über die Tatsache, dass das Leben auf ihr so ​​unvollkommen war, dass es mich zwang, solche Fragen zu stellen ... Aber gleichzeitig wollte ich wirklich, dass das Böse unsere Heimat für immer verlässt, denn dass ich dieses Haus von ganzem Herzen liebte und sehr oft davon träumte, dass eines Tages so ein wunderbarer Tag kommen würde, an dem:
Ein Mensch wird vor Freude lächeln, wissend, dass die Menschen ihm nur Gutes bringen können ...
wenn ein einsames Mädchen keine Angst hat, abends durch die dunkelste Straße zu gehen, ohne Angst zu haben, dass jemand sie beleidigen könnte ...
wenn du freudig dein Herz öffnen kannst, ohne Angst davor zu haben, dass dein bester Freund dich verrät ...
wenn man etwas sehr Kostbares direkt auf der Straße liegen lassen kann, ohne befürchten zu müssen, dass es sofort gestohlen wird, wenn man sich abwendet...
Und ich habe aufrichtig und von ganzem Herzen geglaubt, dass es irgendwo wirklich eine so wundervolle Welt gibt, in der es kein Böses und keine Angst gibt, sondern eine einfache Lebensfreude und Schönheit... Deshalb folgte ich meinem naiven Traum und Ich nutzte die geringste Gelegenheit, um zumindest etwas darüber zu erfahren, wie es möglich ist, dieses so hartnäckige und unzerstörbare irdische Übel zu zerstören ... Und auch – damit ich mich nie schäme, irgendwo jemandem zu sagen, dass ich es bin ein Mann..
Natürlich waren das naive Kindheitsträume... Aber damals war ich noch ein Kind.
– Mein Name ist Atis, Man-Svetlana. Ich habe hier von Anfang an gelebt, ich habe das Böse gesehen ... viel Böses ...
- Wie bist du ihn losgeworden, weiser Atis?! Hat dir jemand geholfen?... – fragte ich hoffnungsvoll. – Können Sie uns helfen? Geben Sie mir wenigstens einen Rat?
- Wir haben den Grund gefunden ... und sie getötet. Aber Ihr Böses liegt außerhalb unserer Kontrolle. Es ist anders... Genau wie andere und Du. Und das Wohl anderer ist möglicherweise nicht immer gut für Sie. Sie müssen Ihren eigenen Grund finden. Und zerstöre es“, er legte sanft seine Hand auf meinen Kopf und ein wunderbarer Frieden strömte in mich hinein... „Leb wohl, Mann-Svetlana... Du wirst die Antwort auf deine Frage finden.“ Mögest du dich ausruhen...
Ich stand tief in Gedanken versunken und achtete nicht darauf, dass sich die Realität um mich herum längst verändert hatte und wir statt einer seltsamen, durchsichtigen Stadt nun durch dichtes violettes „Wasser“ auf einer ungewöhnlichen, flachen Fläche „schwammen“. und transparentes Gerät, das keine Griffe, keine Ruder hatte – überhaupt nichts, als stünden wir auf einem großen, dünnen, sich bewegenden transparenten Glas. Obwohl keinerlei Bewegung oder Schaukeln zu spüren war. Es glitt überraschend sanft und ruhig über die Oberfläche, sodass man vergaß, dass es sich überhaupt bewegte ...
-Was ist das? Wohin gehen wir? – fragte ich überrascht.
„Um deinen kleinen Freund abzuholen“, antwortete Veya ruhig.
– Aber – wie?! Sie kann es nicht tun, oder?
- Er kann. „Sie hat den gleichen Kristall wie du“, war die Antwort. „Wir werden sie an der „Brücke“ treffen und ohne weitere Erklärungen hielt sie bald unser seltsames „Boot“ an.
Jetzt befanden wir uns bereits am Fuß einer glänzenden „polierten“ Wand, schwarz wie die Nacht, die sich stark von allem Licht und Glitzern um uns herum unterschied und künstlich geschaffen und fremdartig wirkte. Plötzlich „teilte“ sich die Wand, als bestünde sie an dieser Stelle aus dichtem Nebel, und in einem goldenen „Kokon“ erschien ... Stella. Frisch und gesund, als hätte sie gerade einen schönen Spaziergang gemacht... Und natürlich wahnsinnig glücklich über das, was passierte... Als sie mich sah, strahlte ihr süßes kleines Gesicht vor Freude und aus Gewohnheit fing sie sofort an zu plappern :
– Bist du auch hier?!... Oh, wie gut!!! Und ich war so besorgt!.. So besorgt!.. Ich dachte, dir wäre definitiv etwas passiert. Wie bist du hierher gekommen? … – das kleine Mädchen starrte mich verblüfft an.
„Ich denke genauso wie du“, lächelte ich.
„Und als ich sah, dass du mitgerissen wurdest, habe ich sofort versucht, dich einzuholen!“ Aber ich habe es immer wieder versucht und nichts hat funktioniert... bis sie kam. – Stella richtete ihren Stift auf Veya. – Dafür bin ich dir sehr dankbar, Mädchen Veya! – Aus ihrer komischen Angewohnheit heraus, zwei Personen gleichzeitig anzusprechen, bedankte sie sich liebevoll.
„Dieses „Mädchen“ ist zwei Millionen Jahre alt…“, flüsterte ich meiner Freundin ins Ohr.
Stellas Augen weiteten sich vor Überraschung, und sie selbst blieb in stiller Benommenheit stehen und verdaut langsam die atemberaubende Nachricht ...
„Hm, zwei Millionen?... Warum ist sie so klein?...“, keuchte Stella fassungslos.
- Ja, sie sagt, dass sie lange leben... Vielleicht stammt Ihre Essenz vom selben Ort? – Ich habe gescherzt. Doch Stella gefiel mein Witz offenbar überhaupt nicht, denn sie war sofort empört:
- Wie kannst du?!.. Ich bin genau wie du! Ich bin überhaupt nicht „lila“!
Ich fühlte mich komisch und ein wenig beschämt – das kleine Mädchen war eine echte Patriotin …
Sobald Stella hier erschien, fühlte ich mich sofort glücklich und stark. Anscheinend wirkten sich unsere gemeinsamen, teils gefährlichen „Bodengänge“ positiv auf meine Stimmung aus und brachten sofort alles in Ordnung.
Stella sah sich entzückt um und es war klar, dass sie unseren „Führer“ unbedingt mit tausend Fragen bombardieren wollte. Aber das kleine Mädchen hielt sich heldenhaft zurück und versuchte, ernster und reifer zu wirken, als sie tatsächlich war ...
- Bitte sag mir, Mädchen Veya, wohin können wir gehen? – Fragte Stella sehr höflich. Anscheinend konnte sie sich nie mit der Vorstellung abfinden, dass Veya so „alt“ sein könnte ...
„Wo immer du willst, da du hier bist“, antwortete das „Star“-Mädchen ruhig.
Wir schauten uns um – es zog uns in alle Richtungen gleichzeitig! Es war unglaublich interessant und wir wollten alles sehen, aber wir wussten vollkommen, dass wir nicht ewig hier bleiben konnten. Als ich sah, wie Stella vor Ungeduld hin und her rutschte, forderte ich sie auf, zu entscheiden, wohin wir gehen sollten.
- Oh, können wir bitte sehen, was für „Lebewesen“ Sie hier haben? – unerwartet für mich, fragte Stella.
Natürlich würde ich mir gerne etwas anderes ansehen, aber ich konnte nirgendwo hingehen – ich bot ihr an, zu wählen...
Wir befanden uns in so etwas wie einem sehr hellen Wald voller Farben. Es war absolut erstaunlich!.. Aber aus irgendeinem Grund dachte ich plötzlich, dass ich nicht lange in so einem Wald bleiben möchte... Es war wieder einmal zu schön und hell, ein wenig bedrückend, überhaupt nicht wie unser beruhigender und frischer, grüner und heller irdischer Wald.
Es ist wahrscheinlich wahr, dass jeder dort sein sollte, wo er wirklich hingehört. Und ich dachte sofort an unser süßes „Star“-Baby... Wie sehr sie ihr Zuhause und ihre heimische und vertraute Umgebung vermisst haben muss!... Erst jetzt konnte ich zumindest ein wenig verstehen, wie einsam sie in unserem Unvollkommenen gewesen sein muss und manchmal gefährliche Erde...
- Bitte sag mir, Veya, warum hat Atis dich für tot erklärt? – Endlich stellte ich die Frage, die mir nervig im Kopf herumschwirrte.
– Oh, das liegt daran, dass meine Familie einst freiwillig anderen Wesen half, die unsere Hilfe brauchten. Das passiert uns oft. Und diejenigen, die gegangen sind, kehren nie wieder in ihre Heimat zurück... Das ist das Recht der freien Wahl, damit sie wissen, worauf sie sich einlassen. Deshalb hatte Atis Mitleid mit mir...
– Wer geht, wenn du nicht zurückkommen kannst? – Stella war überrascht.
„Sehr viele... Manchmal sogar mehr als nötig“, wurde Veya traurig. „Einst hatten unsere „weisen“ Leute sogar Angst, dass wir nicht mehr genug Viilis haben würden, um unseren Planeten ordnungsgemäß zu bewohnen ...
– Was ist viilis? – Stella wurde interessiert.
- Das sind wir. So wie Sie Menschen sind, sind wir Viilis. Und unser Planet heißt Viilis. – Veya antwortete.
Und dann wurde mir plötzlich klar, dass wir aus irgendeinem Grund nicht früher daran gedacht hatten, danach zu fragen! … Aber das ist das Erste, was wir hätten fragen sollen!
– Hast du dich verändert oder warst du schon immer so? – Ich habe noch einmal gefragt.
„Sie haben sich verändert, aber nur innerlich, falls du das meinst“, antwortete Veya.
Ein riesiger, verrückt leuchtender, vielfarbiger Vogel flog über unsere Köpfe ... Auf seinem Kopf funkelte eine Krone aus leuchtend orangefarbenen „Federn“, und seine Flügel waren lang und flauschig, als würde er eine mehrfarbige Wolke tragen. Der Vogel saß auf einem Stein und starrte ganz ernst in unsere Richtung...
- Warum schaut sie uns so aufmerksam an? – Fragte Stella zitternd und es schien mir, als hätte sie eine weitere Frage im Kopf – „Hat dieser „Vogel“ heute schon zu Mittag gegessen?“...
Der Vogel sprang vorsichtig näher. Stella quietschte und sprang zurück. Der Vogel machte einen weiteren Schritt... Er war dreimal größer als Stella, wirkte aber nicht aggressiv, sondern eher neugierig.
- Hat sie mich gemocht, oder was? – Stella schmollte. - Warum kommt sie nicht zu dir? Was will sie von mir?
Es war lustig zu sehen, wie das kleine Mädchen sich kaum zurückhalten konnte, von hier aus wegzuschießen. Anscheinend erweckte der schöne Vogel bei ihr nicht viel Mitgefühl ...
Plötzlich breitete der Vogel seine Flügel aus und ein blendendes Licht kam von ihnen. Langsam, langsam begann über den Flügeln ein Nebel zu wirbeln, ähnlich dem, der über Veya flatterte, als wir sie zum ersten Mal sahen. Der Nebel wirbelte und verdichtete sich immer mehr und wurde wie ein dicker Vorhang, und aus diesem Vorhang blickten uns riesige, fast menschliche Augen an ...
„Oh, verwandelt sie sich in jemanden?!..“ Stella quiekte. - Schau, schau!..
Es gab wirklich etwas zu sehen, denn der „Vogel“ begann sich plötzlich zu „verformen“ und verwandelte sich entweder in ein Tier mit menschlichen Augen oder in einen Menschen mit einem Tierkörper ...
-Was ist das? – Meine Freundin riss überrascht ihre braunen Augen hervor. -Was passiert mit ihr?
Und schon war der „Vogel“ aus seinen Flügeln geschlüpft und ein ganz ungewöhnliches Geschöpf stand vor uns. Es sah aus wie ein halb Vogel, halb Mensch, mit einem großen Schnabel und einem dreieckigen menschlichen Gesicht, einem sehr flexiblen, gepardenähnlichen Körper und räuberischen, wilden Bewegungen ... Sie war sehr schön und gleichzeitig sehr beängstigend.
- Das ist Miard. – Wei stellte die Kreatur vor. – Wenn Sie möchten, zeigt er Ihnen die „Lebewesen“, wie Sie sagen.
Die Kreatur namens Miard bekam wieder Feenflügel. Und er winkte sie einladend in unsere Richtung.
- Warum genau er? Bist du sehr beschäftigt, „Star“ Wei?
Stella hatte ein sehr unglückliches Gesicht, weil sie offensichtlich Angst vor diesem seltsamen „schönen Monster“ hatte, aber sie hatte offenbar nicht den Mut, es zuzugeben. Ich denke, sie würde lieber mit ihm gehen, als zuzugeben, dass sie einfach Angst hatte ... Veya, die Stellas Gedanken klar gelesen hatte, beruhigte sie sofort:
– Er ist sehr anhänglich und freundlich, Sie werden ihn mögen. Du wolltest etwas live sehen, und er weiß das besser als jeder andere.
Miard näherte sich vorsichtig, als hätte er gespürt, dass Stella Angst vor ihm hatte ... Aber dieses Mal hatte ich aus irgendeinem Grund überhaupt keine Angst, eher im Gegenteil – er interessierte mich unheimlich.
Er näherte sich Stella, die in diesem Moment vor Entsetzen fast innerlich kreischte, und berührte vorsichtig ihre Wange mit seinem weichen, flauschigen Flügel ... Ein violetter Nebel wirbelte über Stellas rotem Kopf.
„Oh, sieh mal, meiner ist derselbe wie der von Veiya!…“, rief das überraschte kleine Mädchen begeistert aus. - Wie ist das passiert?.. Oh-oh, wie schön!.. - das bezog sich bereits auf das neue Gebiet, das mit absolut unglaublichen Tieren vor unseren Augen erschien.
Wir standen am hügeligen Ufer eines breiten, spiegelglatten Flusses, dessen Wasser seltsamerweise „gefroren“ war und man schien ruhig darauf gehen zu können – es bewegte sich überhaupt nicht. Ein glitzernder Nebel wirbelte über der Flussoberfläche, wie ein zarter, transparenter Rauch.
Wie ich schließlich vermutete, verstärkte dieser „Nebel, den wir hier überall sahen, irgendwie alle Handlungen der hier lebenden Kreaturen: Er öffnete die Helligkeit ihrer Sicht, diente als zuverlässiges Mittel zur Teleportation, im Allgemeinen half er ihnen bei allem.“ Konnten in diesem Moment diese Kreaturen nicht beschäftigt sein? Und ich glaube, es wurde für etwas anderes verwendet, viel, viel mehr, was wir noch nicht verstehen konnten ...
Der Fluss schlängelte sich wie eine wunderschöne breite „Schlange“ und verschwand, sanft in der Ferne verschwindend, irgendwo zwischen den üppigen grünen Hügeln. Und an beiden Ufern spazierten, lagen und flogen erstaunliche Tiere ... Es war so schön, dass wir vor Erstaunen über diesen atemberaubenden Anblick buchstäblich erstarrten ...
Die Tiere waren beispiellosen königlichen Drachen sehr ähnlich, sehr strahlend und stolz, als wüssten sie, wie schön sie waren ... Ihre langen, gebogenen Hälse funkelten in orangefarbenem Gold, und auf ihren Köpfen befanden sich rote Stachelkronen mit Zähnen. Die königlichen Tiere bewegten sich langsam und majestätisch, und bei jeder Bewegung glänzten ihre schuppigen, perlmuttblauen Körper, die buchstäblich in Flammen aufgingen, wenn sie den goldblauen Strahlen der Sonne ausgesetzt wurden.
- Schönheit und mehr!!! – Stella atmete vor Freude kaum aus. – Sind sie sehr gefährlich?
„Gefährliche Menschen leben hier nicht, wir haben sie schon lange nicht mehr.“ Ich kann mich nicht erinnern, wie lange es her ist... - kam die Antwort, und erst dann bemerkten wir, dass Vaiya nicht bei uns war, sondern Miard zu uns sprach...
Stella sah sich ängstlich um, da sie sich offenbar bei unserer neuen Bekanntschaft nicht so wohl fühlte ...
– Es besteht also überhaupt keine Gefahr für Sie? – Ich war überrascht.
„Nur äußerlich“, kam die Antwort. - Wenn sie angreifen.
– Kommt das auch vor?
„Das letzte Mal war es vor mir“, antwortete Miard ernst.
Seine Stimme klang sanft und tief in unserem Gehirn, wie Samt, und es war sehr ungewöhnlich zu glauben, dass ein so seltsames halbmenschliches Wesen mit uns in unserer eigenen „Sprache“ kommunizierte ... Aber wir haben uns wahrscheinlich schon zu sehr an alles gewöhnt Art wunderbare Wunder, denn innerhalb einer Minute kommunizierten sie frei mit ihm und vergaßen völlig, dass er kein Mensch war.
- Und was - Sie haben nie Probleme?! – Das kleine Mädchen schüttelte ungläubig den Kopf. – Aber dann hast du überhaupt kein Interesse daran, hier zu leben!..
Sie sprach von einer echten, unstillbaren irdischen „Abenteuerlust“. Und ich habe sie perfekt verstanden. Aber ich denke, es wäre sehr schwierig, Miard das zu erklären ...
- Warum ist es nicht interessant? – Unser „Führer“ war überrascht und zeigte plötzlich, sich selbst unterbrechend, nach oben. – Schau – Saviya!!!
Wir schauten nach oben und waren verblüfft.... Märchenwesen schwebten sanft am hellrosa Himmel!... Sie waren völlig transparent und, wie alles andere auf diesem Planeten, unglaublich farbenfroh. Es schien, als würden wundervolle, funkelnde Blumen über den Himmel fliegen, nur waren sie unglaublich groß... Und jede von ihnen hatte ein anderes, traumhaft schönes, überirdisches Gesicht.
„Oh-oh.... Schau... Oh, was für ein Wunder...“, sagte Stella aus irgendeinem Grund flüsternd und völlig fassungslos.
Ich glaube, ich habe sie noch nie so schockiert gesehen. Aber es gab wirklich etwas, worüber man sich wundern konnte ... Es war unmöglich, sich solche Kreaturen vorzustellen, selbst in der wildesten Fantasie, die funkelnden goldenen Staub hinter sich versprühten ... Miard gab einen seltsamen „Pfeif“ von sich, und das Märchen! Plötzlich begannen die Kreaturen sanft herabzusteigen und bildeten über uns einen massiven, riesigen „Regenschirm“, der in allen Farben ihres verrückten Regenbogens blinkte ... Es war so schön, einfach atemberaubend!
Die erste, die bei uns „landete“, war die perlblaue, rosa geflügelte Savia, die, nachdem sie ihre funkelnden Flügelblätter zu einem „Blumenstrauß“ gefaltet hatte, begann, uns mit großer Neugier, aber ohne Angst anzusehen... Es Es war unmöglich, ihre skurrile Schönheit ruhig zu betrachten, sie zog mich wie ein Magnet an und ich wollte sie endlos bewundern ...
– Schauen Sie nicht zu lange hin – Savia ist faszinierend. Sie werden hier nicht mehr weg wollen. „Ihre Schönheit ist gefährlich, wenn man sich nicht verlieren will“, sagte Miard leise.
- Warum haben Sie gesagt, dass es hier nichts Gefährliches gibt? Das stimmt also nicht? – Stella war sofort empört.
„Aber das ist keine Gefahr, die man fürchten oder bekämpfen muss.“ „Ich dachte, das meinten Sie, als Sie fragten“, war Miard verärgert.
- Aufleuchten! Anscheinend werden wir über viele Dinge unterschiedliche Vorstellungen haben. Das ist normal, oder? – „edel“ beruhigte ihn das kleine Mädchen. -Kann ich mit ihnen reden?
- Sprechen Sie, wenn Sie hören können. – Miard wandte sich an die Wunder-Savia, die zu uns heruntergekommen war, und zeigte etwas.
Das wundersame Geschöpf lächelte und kam näher auf uns zu, während der Rest seiner (oder ihrer?...) Freunde immer noch leicht über uns schwebte und in den hellen Sonnenstrahlen funkelte und schimmerte.
„Ich bin Lilis…lis…ist…“, hallte eine erstaunliche Stimme wider. Er war sehr sanft und gleichzeitig sehr klangvoll (wenn man solche gegensätzlichen Konzepte zu einem kombinieren kann).
- Hallo, schöne Lillis. – Stella begrüßte die Kreatur freudig. - Ich bin Stella. Und hier ist sie – Swetlana. Wir sind Menschen. Und du, das wissen wir, Saviya. Woher kommst du? Und was ist Saviya? – Es regneten erneut Fragen, aber ich versuchte nicht einmal, sie aufzuhalten, da es völlig nutzlos war... Stella wollte einfach „alles wissen!“ Und sie ist immer so geblieben.
Lillis kam ganz nah an sie heran und begann, Stella mit ihren bizarren, großen Augen zu untersuchen. Sie waren leuchtend purpurrot, hatten goldene Flecken im Inneren und funkelten wie Edelsteine. Das Gesicht dieses wunderbaren Geschöpfes sah erstaunlich zart und zerbrechlich aus und hatte die Form eines Blütenblattes unserer irdischen Lilie. Sie „sprach“, ohne den Mund zu öffnen, und lächelte uns gleichzeitig mit ihren kleinen, runden Lippen an ... Aber das Erstaunlichste, was sie hatten, waren wahrscheinlich ihre Haare ... Sie waren sehr lang und reichten fast bis zum Rand des durchsichtigen Flügels, absolut schwerelos und , da er keine konstante Farbe hatte, blitzte die ganze Zeit mit den unterschiedlichsten und unerwartetsten leuchtenden Regenbögen auf... Die durchsichtigen Körper von Savius ​​​​sind geschlechtslos (wie der Körper eines kleinen irdischen Kindes) , und von hinten verwandelten sie sich in „Blütenblätter-Flügel“, wodurch sie wirklich wie riesige, leuchtende Blumen aussahen ...
„Wir sind aus den Bergen geflogen…“ erneut ertönte ein seltsames Echo.
- Oder können Sie es uns vielleicht schneller sagen? – fragte Stella ungeduldig Miarda. - Wer sind Sie?
– Sie wurden einst aus einer anderen Welt mitgebracht. Ihre Welt lag im Sterben und wir wollten sie retten. Zuerst dachten sie, sie könnten mit allen zusammenleben, aber das gelang ihnen nicht. Sie leben sehr hoch in den Bergen, niemand kann dorthin gelangen. Aber wenn du ihnen lange in die Augen schaust, werden sie dich mitnehmen... Und du wirst mit ihnen leben.
Stella zitterte und entfernte sich leicht von Lilis, die neben ihr stand ... - Was machen sie, wenn sie es wegnehmen?
- Nichts. Sie leben einfach mit denen zusammen, die weggebracht werden. In ihrer Welt war es wahrscheinlich anders, aber jetzt tun sie es nur noch aus Gewohnheit. Aber für uns sind sie sehr wertvoll – sie „säubern“ den Planeten. Niemand wurde nach ihrer Ankunft jemals krank.
- Du hast sie also nicht gerettet, weil es dir leid tat, sondern weil du sie brauchtest?!. Ist es wirklich gut, sie zu benutzen? – Ich hatte Angst, dass Miard beleidigt sein würde (wie man sagt, geh nicht mit Stiefeln in das Haus eines anderen...) und schubste Stella hart in die Seite, aber sie schenkte mir keine Beachtung und drehte sich nun um nach Savia. – Leben Sie gerne hier? Bist du traurig um deinen Planeten?
„Nein, nein... Es ist wunderschön hier, Grau und Weide…“, flüsterte dieselbe sanfte Stimme. - Und gut-osho...
Lillis hob plötzlich eines ihrer funkelnden „Blütenblätter“ und streichelte sanft Stellas Wange.
„Baby... Schön... Stella-la...“ und zum zweiten Mal funkelte Nebel über Stellas Kopf, aber dieses Mal war er mehrfarbig...
Lillis schlug sanft mit ihren transparenten Blütenblattflügeln und begann sich langsam zu erheben, bis sie sich ihren eigenen anschloss. Die Savii gerieten in Aufregung, und plötzlich verschwanden sie ganz hell aufblitzend ...
-Wo sind sie hingegangen? – Das kleine Mädchen war überrascht.
- Sie sind gegangen. Hier, schau... - und Miard zeigte auf die bereits sehr weit entfernten Berge, die sanft im rosafarbenen Himmel schweben, wunderbare Kreaturen, die von der Sonne beleuchtet werden. - Sie gingen nach Hause...
Veya erschien plötzlich ...
„Es ist Zeit für dich“, sagte das „Star“-Mädchen traurig. „Du kannst nicht so lange hier bleiben.“ Es ist schwer.
- Oh, aber wir haben noch nichts gesehen! – Stella war verärgert. – Können wir noch einmal hierher zurückkommen, liebe Veya? Leb wohl, guter Miard! Du bist gut. Ich werde auf jeden Fall wieder auf Sie zurückkommen! – Stella verabschiedete sich wie immer alle gleichzeitig.
Veya winkte mit der Hand, und wir wirbelten nach einem kurzen (oder vielleicht schien es nur kurzen?) Moment erneut in einem hektischen Strudel funkelnder Materie herum und „warfen uns“ auf unseren gewohnten mentalen „Boden“ ...
„Oh, wie interessant das ist!“, quietschte Stella vor Freude.
Es schien, als wäre sie bereit, die schwersten Lasten zu ertragen, nur um noch einmal in die farbenfrohe Weiying-Welt zurückzukehren, die sie so sehr liebte. Plötzlich dachte ich, dass sie ihn wirklich gemocht haben musste, denn er ähnelte sehr ihrem eigenen, den sie hier, auf den „Böden“, so gerne für sich kreierte ...
Meine Begeisterung ließ etwas nach, weil ich diesen wunderschönen Planeten bereits mit eigenen Augen gesehen hatte, und jetzt wollte ich unbedingt etwas anderes! … Ich spürte diesen schwindelerregenden „Geschmack des Unbekannten“ und wollte ihn unbedingt wiederholen … Ich schon Ich wusste, dass dieser „Hunger“ meine zukünftige Existenz vergiften würde und dass ich ihn ständig vermissen würde. Um auch in Zukunft zumindest ein wenig glücklicher Mensch zu bleiben, musste ich einen Weg finden, mir die Tür zu anderen Welten zu „öffnen“ ... Aber damals verstand ich noch kaum, dass das Öffnen einer solchen Tür nicht so einfach ist nur... Und es werden noch viele weitere Winter vergehen, bis ich frei „laufen“ kann, wohin ich will, und dass jemand anderes diese Tür für mich öffnet... Und dieser andere wird mein großartiger Ehemann sein.
- Nun, was machen wir als nächstes? – Stella hat mich aus meinen Träumen gerissen.
Sie war verärgert und traurig, dass sie nicht mehr sehen konnte. Aber ich war sehr froh, dass sie wieder sie selbst geworden war und nun war ich mir absolut sicher, dass sie von diesem Tag an definitiv mit dem Trübsal aufhören und wieder bereit für alle neuen „Abenteuer“ sein würde.
„Bitte verzeihen Sie mir, aber ich werde heute wahrscheinlich nichts anderes tun…“, sagte ich entschuldigend. - Aber vielen Dank für Ihre Hilfe.
Stella strahlte. Sie liebte es wirklich, gebraucht zu werden, deshalb versuchte ich ihr immer zu zeigen, wie viel sie mir bedeutete (was absolut stimmte).
- OK. „Wir gehen ein anderes Mal woanders hin“, stimmte sie selbstgefällig zu.
Ich glaube, sie war, wie ich, etwas erschöpft, aber wie immer versuchte sie, es nicht zu zeigen. Ich winkte ihr zu ... und fand mich zu Hause auf meinem Lieblingssofa wieder, mit einer Reihe von Eindrücken, die es nun in Ruhe zu erfassen und langsam, gemächlich „verdaut“ werden musste …

Mit zehn Jahren hatte ich eine starke Bindung zu meinem Vater entwickelt.
Ich habe ihn immer geliebt. Aber leider war er in meinen ersten Kindheitsjahren viel unterwegs und zu selten zu Hause. Jeder Tag, den ich damals mit ihm verbrachte, war für mich ein Feiertag, an den ich mich später noch lange erinnern konnte, und Stück für Stück sammelte ich alle Worte, die Papa sagte, und versuchte, sie wie ein kostbares Geschenk in meiner Seele zu behalten.
Schon in jungen Jahren hatte ich immer den Eindruck, dass ich mir die Aufmerksamkeit meines Vaters verdienen musste. Ich weiß nicht, woher das kam oder warum. Niemand hat mich jemals davon abgehalten, ihn zu sehen oder mit ihm zu kommunizieren. Im Gegenteil, meine Mutter versuchte immer, uns nicht zu stören, wenn sie uns zusammen sah. Und Papa verbrachte immer gerne seine gesamte freie Zeit von der Arbeit mit mir. Wir gingen mit ihm in den Wald, pflanzten Erdbeeren in unserem Garten, gingen zum Fluss zum Schwimmen oder unterhielten uns einfach, während wir unter unserem alten Lieblingsapfelbaum saßen, was fast das war, was ich gerne tat.

Im Wald für die ersten Pilze...

An den Ufern des Flusses Nemunas (Neman)

Papa war ein ausgezeichneter Gesprächspartner, und ich war bereit, ihm stundenlang zuzuhören, wenn sich eine solche Gelegenheit ergab ... Wahrscheinlich nur seine strenge Lebenseinstellung, die Anordnung der Lebenswerte, die sich nie ändernde Angewohnheit, nichts für nichts zu bekommen, alles Das hat bei mir den Eindruck erweckt, dass ich es auch verdienen muss...
Ich erinnere mich noch gut daran, wie ich als ganz kleines Kind an seinem Hals hing, als er von einer Geschäftsreise nach Hause kam, und ihm endlos wiederholte, wie sehr ich ihn liebte. Und Papa sah mich ernst an und antwortete: „Wenn du mich liebst, solltest du mir das nicht sagen, aber du solltest es mir immer zeigen ...“
Und es waren diese Worte von ihm, die für den Rest meines Lebens für mich ein ungeschriebenes Gesetz blieben... Es stimmt, ich war wahrscheinlich nicht immer sehr gut darin, „zu zeigen“, aber ich habe es immer ehrlich versucht.
Und im Allgemeinen verdanke ich alles, was ich jetzt bin, meinem Vater, der Schritt für Schritt mein zukünftiges „Ich“ geformt hat und dabei keine Zugeständnisse machte, obwohl er mich so selbstlos und aufrichtig liebte. In den schwierigsten Jahren meines Lebens war mein Vater meine „Insel der Ruhe“, wohin ich jederzeit zurückkehren konnte, weil ich wusste, dass ich dort immer willkommen war.
Da er selbst ein sehr schwieriges und turbulentes Leben geführt hatte, wollte er sicher sein, dass ich in allen für mich ungünstigen Umständen für mich selbst einstehen kann und nicht an den Schwierigkeiten des Lebens scheitern würde.
Eigentlich kann ich aus tiefstem Herzen sagen, dass ich mit meinen Eltern sehr, sehr viel Glück hatte. Wenn sie ein bisschen anders gewesen wären, wer weiß, wo ich jetzt wäre und ob ich überhaupt wäre ...
Ich denke auch, dass das Schicksal meine Eltern aus einem bestimmten Grund zusammengeführt hat. Weil es für sie absolut unmöglich schien, sich zu treffen ...
Mein Vater wurde in Sibirien, in der fernen Stadt Kurgan, geboren. Sibirien war nicht der ursprüngliche Wohnort der Familie meines Vaters. Dies war die Entscheidung der damals „fairen“ Sowjetregierung und stand, wie immer akzeptiert, nicht zur Diskussion...
So wurden meine echten Großeltern eines schönen Morgens unsanft von ihrem geliebten und sehr schönen, riesigen Familienanwesen eskortiert, von ihrem gewohnten Leben abgeschnitten und in eine völlig gruselige, schmutzige und kalte Kutsche gesetzt, die in eine beängstigende Richtung fuhr – nach Sibirien ...
Alles, worüber ich weiter sprechen werde, habe ich nach und nach aus den Erinnerungen und Briefen unserer Verwandten in Frankreich, England sowie aus den Geschichten und Erinnerungen meiner Verwandten und Freunde in Russland und Litauen zusammengetragen.
Zu meinem großen Bedauern konnte ich dies erst nach dem Tod meines Vaters tun, viele, viele Jahre später ...
Mit ihnen verbannt wurden auch die Schwester des Großvaters Alexandra Obolensky (später Alexis Obolensky) sowie Wassili und Anna Serjogin, die freiwillig gingen und ihrem Großvater freiwillig folgten, da Wassili Nikandrowitsch viele Jahre lang Großvaters Anwalt in allen seinen Angelegenheiten war und einer von ihnen die meisten seiner engen Freunde.

Alexandra (Alexis) Obolenskaya Wassili und Anna Serjogin

Wahrscheinlich musste man wirklich ein FREUND sein, um die Kraft zu finden, eine solche Entscheidung zu treffen und aus freien Stücken dorthin zu gehen, wohin man wollte, so wie man nur in den eigenen Tod geht. Und dieser „Tod“ hieß damals leider Sibirien...
Ich war immer sehr traurig und schmerzlich für unser wunderschönes Sibirien, so stolz, aber so gnadenlos von den bolschewistischen Stiefeln zertrampelt ... Und keine Worte können sagen, wie viel Leid, Schmerz, Leben und Tränen dieses stolze, aber gequälte Land aufgenommen hat! ... Liegt es daran, dass die „weitsichtigen Revolutionäre“ beschlossen haben, dieses Land zu verunglimpfen und zu zerstören, weil es einst das Herz unserer angestammten Heimat war, und haben es genau für ihre teuflischen Zwecke ausgewählt? ... Schließlich sogar für viele Menschen Viele Jahre später blieb Sibirien immer noch ein „verfluchtes“ Land, in dem jemandes Vater, jemandes Bruder, jemandes Sohn oder vielleicht sogar jemandes ganze Familie starben.
Meine Großmutter, die ich zu meinem großen Bedauern nie kennengelernt habe, war zu diesem Zeitpunkt mit meinem Vater schwanger und hatte eine sehr schwierige Zeit mit der Reise. Aber natürlich musste man nicht auf Hilfe von irgendwoher warten ... Also statt des leisen Raschelns der Bücher in der Familienbibliothek oder der üblichen Klavierklänge, wenn sie ihre Lieblingswerke spielte, dies hier Mal lauschte sie nur dem unheilvollen Geräusch der Räder, das die verbleibenden Stunden ihres so zerbrechlichen und zu einem echten Albtraum gewordenen Lebens bedrohlich herunterzuzählen schien ... Sie saß auf einigen Taschen am schmutzigen Kutschenfenster und schaute unaufhörlich hin Die letzten erbärmlichen Spuren der „Zivilisation“, die ihr so ​​vertraut und vertraut war, entfernten sich immer weiter ...
Der Schwester des Großvaters, Alexandra, gelang mit Hilfe von Freunden die Flucht an einer der Haltestellen. Nach allgemeiner Vereinbarung sollte sie (wenn sie Glück hatte) nach Frankreich gelangen, wo derzeit ihre gesamte Familie lebte. Zwar hatte keiner der Anwesenden eine Ahnung, wie sie das bewerkstelligen konnte, aber da dies ihre einzige, wenn auch kleine, aber sicherlich letzte Hoffnung war, war ihr Aufgeben ein zu großer Luxus für ihre völlig aussichtslose Situation. Alexandras Ehemann Dmitry war zu diesem Zeitpunkt ebenfalls in Frankreich, mit dessen Hilfe sie von dort aus der Familie ihres Großvaters helfen wollten, aus dem Albtraum herauszukommen, in den das Leben sie durch die abscheulichen Hände so gnadenlos geworfen hatte brutale Leute...
Bei ihrer Ankunft in Kurgan wurden sie in einen kalten Keller gebracht, ohne etwas zu erklären und ohne Fragen zu beantworten. Zwei Tage später holten einige Leute meinen Großvater ab und sagten, sie seien angeblich gekommen, um ihn zu einem anderen „Ziel“ zu „begleiten“ ... Sie nahmen ihn wie einen Verbrecher mit, ohne ihm zu erlauben, irgendwelche Dinge mitzunehmen, und ohne geruhte zu erklären, wohin und wie lange er gebracht wird. Niemand sah den Großvater jemals wieder. Nach einiger Zeit brachte ein unbekannter Soldat die persönlichen Gegenstände seines Großvaters in einem schmutzigen Kohlensack zur Großmutter ... ohne etwas zu erklären und keine Hoffnung zu lassen, ihn lebend zu sehen. Zu diesem Zeitpunkt hörte jede Information über das Schicksal meines Großvaters auf, als ob er ohne Spuren oder Beweise vom Erdboden verschwunden wäre ...
Das gequälte, gequälte Herz der armen Prinzessin Elena wollte sich mit einem so schrecklichen Verlust nicht abfinden und bombardierte den örtlichen Stabsoffizier buchstäblich mit der Bitte, die Umstände des Todes ihres geliebten Nikolaus aufzuklären. Aber die „roten“ Offiziere waren blind und taub gegenüber den Bitten einer einsamen Frau, wie sie sie nannten, „der Adligen“, die für sie nur eine von Tausenden und Abertausenden namenlosen „Lizenz“-Einheiten war, die in ihrem Umfeld keine Bedeutung hatten kalte und grausame Welt ... Es war ein wahres Inferno, aus dem es keinen Weg zurück in die vertraute und freundliche Welt gab, in der ihr Zuhause, ihre Freunde und alles, woran sie von klein auf gewöhnt war, zurückblieben, und dass sie so stark und aufrichtig liebte... Und es gab niemanden, der helfen oder zumindest die geringste Hoffnung auf Überleben geben konnte.
Die Seryogins versuchten, die Geistesgegenwart aller drei aufrechtzuerhalten und versuchten mit allen Mitteln, die Stimmung von Prinzessin Elena zu heben, aber sie verfiel immer tiefer in eine fast völlige Benommenheit und saß manchmal den ganzen Tag in einem gleichgültig gefrorenen Zustand Sie reagierte fast nicht auf die Versuche ihrer Freunde, ihr Herz und ihren Geist vor der endgültigen Depression zu retten. Es gab nur zwei Dinge, die sie kurzzeitig in die reale Welt zurückholten – wenn jemand anfing, über ihr ungeborenes Kind zu sprechen, oder wenn überhaupt, auch nur die geringste, neue Details über den vermeintlichen Tod ihres geliebten Nikolai kamen. Sie wollte unbedingt (noch zu Lebzeiten) wissen, was wirklich passiert war und wo ihr Mann war oder zumindest, wo seine Leiche begraben (oder deponiert) wurde.
Leider gibt es fast keine Informationen mehr über das Leben dieser beiden mutigen und klugen Menschen, Elena und Nicholas de Rohan-Hesse-Obolensky, sondern sogar die wenigen Zeilen aus den beiden verbliebenen Briefen Elenas an ihre Schwiegertochter Alexandra, die wurden irgendwie in Alexandras Familienarchiven in Frankreich aufbewahrt und zeigen, wie tief und zärtlich die Prinzessin ihren vermissten Ehemann liebte. Es sind nur wenige handschriftliche Blätter erhalten, von denen einige Zeilen leider überhaupt nicht entziffert werden können. Aber selbst das, was gelungen ist, schreit mit tiefem Schmerz nach einem großen menschlichen Unglück, das ohne Erfahrung nicht leicht zu verstehen und unmöglich zu akzeptieren ist.

12. April 1927. Aus einem Brief von Prinzessin Elena an Alexandra (Alix) Obolenskaya:
„Ich bin heute sehr müde. Völlig gebrochen kam ich aus Sinyachikha zurück. Die Waggons sind voller Menschen, es wäre eine Schande, überhaupt Vieh darin zu transportieren…………………………….. Wir hielten im Wald an – es roch so köstlich nach Pilzen und Erdbeeren... Es ist kaum zu glauben, dass diese Unglücklichen dort getötet wurden! Die arme Ellochka (gemeint ist Großherzogin Elizaveta Feodorovna, die auf hessischer Seite mit meinem Großvater verwandt war) wurde in der Nähe, in dieser schrecklichen Staroselim-Mine, getötet ... was für ein Horror! Meine Seele kann das nicht akzeptieren. Erinnern Sie sich, dass wir sagten: „Möge die Erde in Frieden ruhen“? Großer Gott, wie kann ein solches Land in Frieden ruhen?!
Oh Alix, meine liebe Alix! Wie kann man sich an solchen Horror gewöhnen? ...................... .................... Ich habe das Betteln so satt und mich selbst zu demütigen... Alles wird völlig nutzlos sein, wenn die Tscheka nicht zustimmt, eine Anfrage nach Alapaevsk zu schicken... Ich werde nie wissen, wo ich nach ihm suchen soll, und ich werde nie erfahren, was sie ihm angetan haben. Es vergeht keine Stunde, in der ich nicht an ein mir so liebes Gesicht denke ... Was für ein Horror ist es, sich vorzustellen, dass er in einer verlassenen Grube oder auf dem Grund einer Mine liegt! ... Wie kann man diesen alltäglichen Albtraum ertragen? Wenn ich weiß, dass er es bereits getan hat, werde ich ihn nie sehen?! Genau wie meine arme Kornblume (der Name, der meinem Vater bei der Geburt gegeben wurde) ihn nie sehen wird ... Wo ist die Grenze der Grausamkeit? Und warum nennen sie sich Menschen?
Meine liebe, gütige Alix, wie ich dich vermisse!... Zumindest würde ich gerne wissen, dass bei dir alles in Ordnung ist und dass Dmitry, der dir am Herzen liegt, dich in diesen schwierigen Momenten nicht verlässt... ... .................................... Wenn ich auch nur einen Tropfen Hoffnung hätte, meine zu finden Lieber Nikolai, ich hätte scheinbar alles ertragen. Meine Seele scheint sich an diesen schrecklichen Verlust gewöhnt zu haben, aber es tut immer noch sehr weh... Ohne ihn ist alles anders und so trostlos.“

18. Mai 1927. Ein Auszug aus dem Brief von Prinzessin Elena an Alexandra (Alix) Obolenskaya:
„Derselbe liebe Arzt kam wieder. Ich kann ihm nicht beweisen, dass ich einfach keine Kraft mehr habe. Er sagt, ich solle für den kleinen Vasilko leben... Ist das so?... Was wird er auf dieser schrecklichen Erde finden, mein armes Baby? ........................................ Der Husten ist zurückgekehrt und manchmal wird es unmöglich atmen. Der Arzt hinterlässt immer ein paar Tropfen, aber ich schäme mich, dass ich ihm in keiner Weise danken kann. .................................... Manchmal träume ich von unserem Lieblingszimmer. Und mein Klavier... Gott, wie weit ist das alles! Und ist das alles überhaupt passiert? .................... und die Kirschen im Garten und unser Kindermädchen, so liebevoll und freundlich. Wo ist das alles jetzt? ................................ (aus dem Fenster?) Ich will nicht hinsehen, es ist alles zugedeckt Ruß und nur schmutzige Stiefel sind zu sehen … ich hasse Feuchtigkeit.“

Meine arme Großmutter erkrankte aufgrund der Feuchtigkeit im Zimmer, das auch im Sommer nicht beheizt wurde, bald an Tuberkulose. Und offenbar geschwächt durch die Erschütterungen, die sie erlitten hatte, Hunger und Krankheit, starb sie während der Geburt, ohne ihr Baby jemals zu sehen und (zumindest!) ohne das Grab seines Vaters zu finden. Buchstäblich vor ihrem Tod nahm sie den Seryogins das Wort ab, dass sie das Neugeborene (wenn es überlebte natürlich) nach Frankreich zur Schwester seines Großvaters bringen würden, egal wie schwierig es für sie war. Was zu dieser wilden Zeit zu versprechen, war natürlich fast „falsch“, da die Seryogins leider keine wirkliche Gelegenheit dazu hatten ... Aber sie versprachen ihr das trotzdem, um das Letzte zumindest irgendwie zu lindern Minuten ihres so brutal ruinierten, sehr jungen Lebens, und dass ihre vom Schmerz gequälte Seele zumindest mit wenig Hoffnung diese grausame Welt verlassen konnte ... Und obwohl sie wussten, dass sie alles tun werden, um ihr Wort zu halten Elena gegeben, glaubten die Seryogins immer noch nicht wirklich daran, dass sie diese ganze verrückte Idee jemals zum Leben erwecken könnten ...

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Musikkultur Frankreichs: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Wie oft denken wir darüber nach, wie wichtig uns Musik ist? Es dient als hervorragende Möglichkeit, sich selbst auszudrücken und Gefühle, Emotionen und Gedanken zu vermitteln. Nicht umsonst wird Musik als universelle Sprache der Kommunikation bezeichnet. Musik ist für jeden nah und verständlich. Jedes Volk auf unserem Planeten beherrscht die 7 jedem bekannten Noten perfekt. Musikalische Sprache ist die einfachste und zugänglichste. Es dringt in Herz und Seele ein. Es dient dazu, verschiedene Nationen und Menschen zu vereinen und wunderschöne Brücken von Herz zu Herz, von Seele zu Seele zu bauen. Diese prächtigen Brücken überspannen manchmal Jahrhunderte, von einem Land zum anderen, von einem Kontinent über den Ozean zu einem anderen Kontinent. Musikalische Sprache kann Wunder bewirken. Jeder von uns erlebt und fühlt nach den Werken der großen Klassiker unbeschreibliche Dinge. Hohe Töne erschüttern uns, vertraute Motive treiben uns in Tränen aus. Wir suchen im Text nach uns selbst und hören in der Melodie bekannte Stimmen. Nicht wahr? Wie betrachten Sie die Musik danach? Wie werden Sie, nachdem Sie die Rolle der Musik erkannt haben, die Welt ohne sie betrachten? Stellen Sie sich ein Leben ohne etwas vor, das Sie ununterbrochen zum Lachen, zum Tanzen und vielleicht zum Weinen bringt ... Gruselig, oder? Was kann Sie über die Realität hinausführen? Was kann deine innere Welt verändern? Was funktioniert, welche Musik? Denken Sie darüber nach. Aber heute werde ich Ihnen etwas über die Musik Frankreichs erzählen. Heute werden Sie sehen, dass es genauso wunderbar ist wie Frankreich selbst. Es klingt genauso anspruchsvoll und lockt und winkt und winkt.

Die französische Sprache ist sehr musikalisch, melodisch, wohlklingend. Die einfachsten Wörter und Phrasen scheinen Musik in sich zu tragen und sind jederzeit bereit, sich in ein Lied zu verwandeln. Französische Musik ist eine der interessantesten und einflussreichsten europäischen Musikkulturen. Es zeigt deutlich Anklänge an alte Kulturen, die Folklore der keltischen und fränkischen Stämme, die in der Antike auf dem Gebiet des heutigen Frankreichs lebten. Sie waren die Grundlage, der fruchtbare Boden, auf dem im übertragenen Sinne der schöne, mächtige, verzweigte Baum der französischen Musikkultur wuchs. Keltische und fränkische Wurzeln verwandelten sich im Mittelalter in einen starken Stamm, auf dem in späteren Perioden, zum Beispiel in der Renaissance, im Klassizismus, im Jugendstil usw., zahlreiche Äste und Zweige wuchsen. Musikalische Traditionen sowohl zahlreicher Völker des Landes als auch anderer europäischer Länder sind hier organisch miteinander verflochten. Die engste Interaktion und Durchdringung wurde zwischen den Musikkulturen Frankreichs, Italiens, Deutschlands und Spaniens beobachtet. Auch die flämische Kultur hatte großen Einfluss. Es sei daran erinnert, dass Frankreich, wie die Franzosen selbst sagen, ein weltoffenes Land ist. Zwar haben sie diesen Slogan im Laufe der Jahrhunderte auf ganz einzigartige Weise verstanden, indem sie beispielsweise eine aktive Kolonialpolitik betrieben. Dennoch hatte dieser Prozess im Hinblick auf die Entwicklung der eigenen Musikkultur spürbare positive Auswirkungen. Die französische Musikkultur wurde erheblich bereichert, indem sie das Beste aus den Musikkulturen der Völker Afrikas und Asiens aufnahm. Dieser Trend zeigte sich deutlich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, als die französische Musikszene durch die Musiktraditionen afrikanischer Menschen bereichert wurde.

Wenn man über die Musikkultur Frankreichs spricht, kann man nicht umhin, den bedeutenden Beitrag der russischen Musikkultur zu ihrer Entwicklung zu erwähnen. Die beiden Großmächte sind in fast allen Bereichen menschlichen Handelns durch enge, langjährige Beziehungen verbunden. Die russische Kultur wurde lange Zeit von der französischen Kultur getragen, die in unserer Gesellschaft als Maßstab und zu befolgendes Objekt angesehen wurde. Doch dann kam die Zeit, „die Schulden zurückzuzahlen“, und die Kulturschaffenden Frankreichs schauten zu ihren russischen Kollegen auf und übernahmen von ihnen das Beste, Fortschrittlichste und Interessanteste. Nach der Revolution von 1917 und dem Bürgerkrieg in Russland fanden viele Emigranten Zuflucht in Frankreich. Ihr Beitrag zur französischen Kultur, einschließlich der Musikkultur, ist enorm. Es ist schwer, es zu überschätzen, geschweige denn, es nicht zu bemerken.

Wenn wir also über die französische Musikkultur sprechen, sprechen wir von einem völlig einzigartigen Phänomen auf globaler Ebene. Diese Kultur hat das Beste aus fast allen Nationen aufgenommen, verändert, transformiert, neu gedacht, neuen Schwung und Klang verliehen und letztendlich etwas Schönes, Einzigartiges, Originelles, Verführerisches und Bezauberndes geformt. Es ist ein lebender Organismus, der ständig wächst, sich verändert und transformiert. Die französische Musikkultur steht der Weltmusikkultur nicht fern. Es verleiht modernen Musikrichtungen wie Jazz, Rock, Hip-Hop und elektronischer Musik eine neue, besondere französische Note.

Entstehungsstadien der französischen Musikkultur.

Mittelalter.

Die französische Musikkultur nahm auf einer reichen Schicht von Volksliedern Gestalt an. Die ältesten zuverlässigen Liederaufzeichnungen, die bis heute erhalten sind, stammen aus dem 15. Jahrhundert. Mit dem Christentum gelangte die Kirchenmusik in die französischen Länder. Ursprünglich lateinisch, veränderte es sich allmählich unter dem Einfluss der Volksmusik. Um ihre Position und ihren Einfluss auf das französische Volk zu stärken, verwendete die Kirche in ihren Gottesdiensten Material, das für die Anwohner verständlich, nah und zugänglich war. Dazu heißt es in der elektronischen Enzyklopädie Wikipedia: „Auf diese Weise entwickelte sich zwischen dem 5. und 9. Jahrhundert in Gallien eine besondere, einzigartige Art der Liturgie – der gallikanische Ritus mit gallikanischem Gesang.“ Aus historischen Quellen ist bekannt, dass es sich erheblich vom römischen unterscheidet. Leider überlebte es nicht, weil die französischen Könige es abschafften, um von Rom den Kaisertitel zu erlangen, und die römische Kirche versuchte, die Vereinheitlichung der Gottesdienste zu erreichen.“ Über viele Jahrhunderte hinweg war die Kirche ein Zentrum der Aufklärung, Bildung und Kultur, darunter auch der Musik. Sein Einfluss auf die Bildung der Musikkultur war enorm und seine Echos sind bis heute in der Musik zu hören, man muss sie nur hören können. Im Mittelalter wurde die Entwicklung am besten dokumentiert Kirchenmusik . Die frühen gallikanischen Formen der christlichen Liturgie wurden durch die gregorianische Liturgie ersetzt. Die Verbreitung des gregorianischen Chorals während der Herrschaft der Karolinger wird vor allem mit den Aktivitäten der Benediktinerklöster in Verbindung gebracht. Die katholischen Abteien von Jumièges wurden zu Zentren der Kirchenmusik, zu Zellen professioneller geistlicher und weltlicher Musikkultur. Um den Schülern das Singen beizubringen, wurden in vielen Abteien spezielle Gesangsschulen (Metrizas) gegründet. Dort lehrten sie nicht nur gregorianischen Gesang, sondern auch das Spielen von Musikinstrumenten und die Fähigkeit, Noten zu lesen. Mitte des 9. Jahrhunderts. Es erschien eine unveränderliche Notation, deren allmähliche Entwicklung nach vielen Jahrhunderten zur Entstehung der modernen Musiknotation führte. Im 9. Jahrhundert wurde der gregorianische Choral um Sequenzen bereichert, die in Frankreich auch Prosa genannt werden. Die Entstehung dieser Form wurde dem Mönch Notker aus dem Kloster St. Gallen (heute Schweiz) zugeschrieben. Allerdings gab Notker im Vorwort zu seinem „Book of Hymns“ an, dass er Informationen über die Sequenz von einem Mönch aus der Abtei Jumièges erhalten habe. Besonders berühmt wurden in der Folge der Prosaautor Adam aus der Abtei Saint-Victor (12. Jahrhundert) und der Schöpfer der berühmten „Eselsprosa“ Pierre Corbeil (frühes 13. Jahrhundert).

Die Werke französischer Folkloristen untersuchen zahlreiche Genres Volkslied : lyrisch, Liebe, Klagelieder (complaintes), Tanzlieder (rondes), satirisch, Lieder von Handwerkern (chansons de metiers), Kalenderlieder, zum Beispiel Weihnachtslieder (Noël); Arbeit, historisch, militärisch usw. Daher ist es leicht zu erkennen, dass die Volksmusikkultur eine Themen- und Genrepalette hat, die um ein Vielfaches reicher ist als die der Kirchenkultur. Unter den lyrischen Genres nehmen die Pastoralen einen besonderen Platz ein. Dieses Thema spiegelt sich nicht nur in der französischen Musikkultur wider, sondern auch in Literatur, Malerei und Theater. Selbst am königlichen Hof beliebt, verherrlichte und idealisierte die Pastoral das Landleben und zeichnete ein märchenhaftes Bild, das unglaublich weit von der Realität entfernt war. In der französischen Volksmusik gefällt mir besonders ein Abschnitt, der auf die eine oder andere Weise in der Folklore jeder Nation präsent ist. Er scheint mir der süßeste, angenehmste und fröhlichste zu sein. Es spürt Wärme, Ehrfurcht, mütterliche Fürsorge, Naivität, den Wunsch, an Wunder zu glauben und jeden Tag, den man lebt, zu genießen. Ich spreche von französischen Volksliedern für Kinder – Schlaflieder, Spiele, Zählreime (französische Comptines). Es gibt eine Vielzahl von Arbeitsliedern (Lieder von Schnittern, Pflügern, Winzern usw.), Soldaten- und Rekrutenliedern. Ein anderes Genre der französischen Volksmusik stand im Einklang mit den Musiktraditionen der europäischen Länder, die an den Kreuzzügen teilnahmen. In allen teilnehmenden Ländern entstanden Lieder und Balladen, die von diesen historischen Ereignissen, Heldentaten, Schlachten, Niederlagen, Rittern, Helden, Feinden und Verrätern erzählten. Natürlich konnten sich die Franzosen weder von Kampagnen noch von Kreativität fernhalten. Leider sind die meisten dieser Werke bis heute nicht erhalten, im Gegensatz zu den Meisterwerken der Kirchenmusik, die am häufigsten aufgenommen, also dokumentiert wurden.

Allerdings konnten weder Kirche noch Volksmusik die spirituellen Bedürfnisse des dritten Teils der Gesellschaft befriedigen, des reichsten und einflussreichsten – des Adels. Unter ihrem Einfluss entstand die weltliche Musik . Es ertönte nicht unter den Gewölben der Kirche, nicht auf Jahrmärkten und Stadtplätzen, sondern im königlichen Palast, in den Burgen edler Adliger und Feudalherren. Die Träger der volksmusikalischen Traditionen des Mittelalters waren vor allem Wandermusikanten – Jongleure, die sich beim Volk großer Beliebtheit erfreuten. Sie sangen moralisierende, komische und satirische Lieder und tanzten zur Begleitung verschiedener Instrumente, darunter Tamburin, Trommel, Flöte und eines Zupfinstruments wie einer Laute (dies trug zur Entwicklung der Instrumentalmusik bei). Jongleure traten an Feiertagen in Dörfern, an Feudalhöfen und sogar in Klöstern auf (sie nahmen an einigen Ritualen teil, theatralischen Prozessionen, die den kirchlichen Feiertagen gewidmet waren und Carole genannt wurden). Sie wurden von der Kirche als Vertreter einer ihr feindlich gesinnten säkularen Kultur verfolgt. Im 12.-13. Jahrhundert. Unter den Jongleuren kam es zu einer sozialen Schichtung. Einige von ihnen ließen sich in Ritterburgen nieder und gerieten in völlige Abhängigkeit vom Feudalritter, andere blieben in Städten. So wurden aus Jongleuren, die ihre gestalterische Freiheit verloren hatten, sesshafte Minnesänger auf Ritterburgen und Stadtmusikanten. Dieser Prozess trug jedoch gleichzeitig zum Eindringen der Volkskunst in Burgen und Städte bei, die zur Grundlage der ritterlichen und bürgerlichen Musik- und Poesiekunst wurde. Im Spätmittelalter begann sich im Zusammenhang mit dem allgemeinen Aufstieg der französischen Kultur die Musikkunst intensiv zu entwickeln. In feudalen Burgen, die auf der Volksmusik basierten, blühte die weltliche Musik- und Poesiekunst der Troubadours und Trouvères (11.-14. Jahrhundert) auf. Zu den berühmten Troubadouren gehörten Marcabrun, Guillaume IX. – Herzog von Aquitanien, Bernard de Ventadorn, Joffrey Rudel (spätes 11.–12. Jahrhundert), Bertrand de Born, Guiraut de Borneil und Guiraut Riquier (spätes 12.–13. Jahrhundert). In der 2. Hälfte. 12. Jahrhundert In den nördlichen Regionen des Landes entstand ein ähnlicher Trend – die Kunst der Trouvères, die zunächst ritterlich war und sich später immer mehr der Volkskunst annäherte. Unter den Trouvères wurden später neben den Königen und der Aristokratie – Richard Löwenherz, Thibaut von Champagne (König von Navarra) – auch Vertreter der demokratischen Gesellschaftsschichten – Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony und andere – berühmt. Im Zusammenhang mit dem Wachstum von Städten wie Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse und anderen entwickelte sich im 12. und 13. Jahrhundert die städtische Musikkunst, deren Schöpfer Dichter und Sänger aus den städtischen Schichten (auch Handwerker, einfache Bürger) waren als bürgerlich). Sie brachten ihre eigenen Merkmale in die Kunst der Troubadours und Trouvères ein, entfernten sich von ihren erhaben ritterlichen musikalischen und poetischen Bildern, beherrschten Volksthemen und schufen einen charakteristischen Stil und ihre eigenen Genres. Der bedeutendste Meister der städtischen Musikkultur des 13. Jahrhunderts war der Dichter und Komponist Adam de la Hall, Autor von Liedern, Motetten sowie dem populären Theaterstück „The Play of Robin and Marion“ (ca. 1283). von urbanen Liedern und Tänzen (die Idee, eine weltliche, von Musik durchdrungene Theateraufführung zu schaffen, war schon ungewöhnlich). Er interpretierte die traditionellen einstimmigen musikalischen und poetischen Genres der Troubadours auf neue Weise und nutzte dabei die Polyphonie.

In dieser Zeit war das Wachstum und die Stärkung von Städten wie Arras, Limoges, Montpellier und Toulouse zu beobachten. Dies spiegelte sich nicht nur im politischen und wirtschaftlichen Bereich wider, sondern auch im kulturellen Bereich. Die Gründung von Universitäten und Schulen trug zur Entwicklung von Kultur und Musik und zur zunehmenden Bedeutung der Musik als Kunst bei. So gehörte Musik an der zu Beginn des 13. Jahrhunderts gegründeten Universität Sorbonne in Paris zu den obligatorischen und wichtigen Fächern. Dies trug sicherlich dazu bei, dass die Musik als Kunst immer mehr an Bedeutung gewann. Im 12. Jahrhundert wurde Paris zu einem der Zentren der Musikkultur und vor allem seiner Gesangsschule in der Kathedrale Notre-Dame, die die größten Meister – Sänger-Komponisten und Wissenschaftler – vereinte. Diese Schule blühte im 12. und 13. Jahrhundert auf. ikonische Polyphonie, die Entstehung neuer Musikgenres, Entdeckungen auf dem Gebiet der Musiktheorie. In den Werken der Komponisten der Notre-Dame-Schule erfuhr der gregorianische Gesang Veränderungen: Der zuvor rhythmisch freie, flexible Choral erhielt mehr Regelmäßigkeit und Geschmeidigkeit (daher der Name eines solchen Chorals Cantusplanus). Die Komplikationen des polyphonen Gefüges und seiner rhythmischen Struktur erforderten eine genaue Bezeichnung der Dauer und eine Verbesserung der Notation – in der Folge gelangten Vertreter der Pariser Schule nach und nach zur Mensuralnotation, um die Lehre von den Modi zu ersetzen. Der Musikwissenschaftler John de Garlandia leistete einen wesentlichen Beitrag in diese Richtung. Durch die Polyphonie entstanden neue Genres kirchlicher und weltlicher Musik, darunter Dirigieren und Motette. Das Dirigieren wurde zunächst hauptsächlich im Rahmen eines festlichen Gottesdienstes aufgeführt, entwickelte sich jedoch später zu einer rein weltlichen Gattung. Zu den Autoren des Verhaltens gehört Perotin. Basierend auf einem Dirigenten vom Ende des 12. Jahrhunderts. In Frankreich entstand die wichtigste Gattung polyphoner Musik – die Motette. Seine frühen Beispiele gehören ebenfalls zu den Meistern der Pariser Schule (Pérotin, Franco von Köln, Pierre de la Croix). Die Motette ermöglichte die Freiheit, liturgische und weltliche Melodien und Texte zu kombinieren, eine Kombination, die im 13. Jahrhundert zur Geburt der Motette führte. eine verspielte Motette. Das Genre der Motette erfuhr im 14. Jahrhundert unter der Arsnova-Bewegung, deren Ideologe Philippe de Vitry war, eine bedeutende Aktualisierung. In der Arsnova-Kunst wurde großer Wert auf das Zusammenspiel von „alltäglicher“ und „wissenschaftlicher“ Musik (also Lied und Motette) gelegt. Philippe de Vitry schuf eine neue Art von Motette – die isorhythmische Motette. Die Neuerungen von Philippe de Vitry beeinflussten auch die Konsonanz- und Dissonanzlehre (er verkündete die Konsonanzen von Terzen und Sexten). Die Ideen von Arsnova und insbesondere der isorhythmischen Motette setzten ihre Entwicklung im Werk von Guillaume de Machaut fort, der die künstlerischen Errungenschaften der ritterlichen musikalischen und poetischen Kunst mit ihren einstimmigen Liedern und der polyphonen urbanen Musikkultur verband. Er besitzt Lieder im Volksstil, Virele, Rondo und war der Erste, der das Genre der polyphonen Ballade entwickelte. In der Motette verwendete Machaut Musikinstrumente konsequenter als seine Vorgänger (wahrscheinlich waren die tieferen Stimmen zuvor instrumental). Machaut gilt auch als Autor der ersten französischen polyphonen Messe.

Im 15. Jahrhundert während des Hundertjährigen Krieges eine führende Stellung in der Musikkultur Frankreichs im 15. Jahrhundert. besetzt mit Vertretern der französisch-flämischen (niederländischen) Schule. Zwei Jahrhunderte lang wirkten die herausragendsten Komponisten der niederländischen polyphonen Schule in Frankreich: Mitte des 15. Jahrhunderts. - J. Benchois, G. Dufay, in der 2. Hälfte des 15. Jahrhunderts. - J. Okegem, J. Obrecht, Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts. - JosquinDepres, in der 2. Hälfte des 16. Jahrhunderts. – Orlando di Lasso.

Wie Sie sehen, war die französische Musikkultur des Mittelalters sehr vielfältig, reich und vielfältig. Es entwickelte sich auf der Grundlage der ursprünglichen Volksmusik der Stämme und Völker, die bis zum Mittelalter das moderne Gebiet Frankreichs bewohnten. Sie wurde stark von der christlichen Religion und den Traditionen der christlichen Kirchenmusik beeinflusst. Natürlich gingen zahlreiche Kontakte und kulturelle Kontakte mit den Völkern der Nachbarländer nicht spurlos vorüber. Die französische mittelalterliche Musikkultur basierte fest auf drei Hauptpfeilern: religiöser, volkstümlicher und weltlicher Musik. Sie waren die Grundlage, die es der französischen Musikkultur ermöglichte, sich durch die Kombination dieser Richtungen zu entwickeln, zu verbessern und gegenseitig zu bereichern.

Wiederbelebung.

Das düstere, religiöse Mittelalter wurde durch die prächtige und brillante Renaissance ersetzt. Die Renaissance erschien in Italien und gewann bald in Europa an Popularität. Auch die Franzosen traten nicht daneben. Sie gehörten zu den Ersten, die diese „Kulturrevolution“ erkannten und sich ihr anschlossen. Der angeborene Sinn für Schönheit, der ausgezeichnete Geschmack und das künstlerische Flair ließen die Franzosen nicht im Stich. Doch nicht nur der ästhetische Geschmack beeinflusste den Wandel der Kulturepochen in Frankreich. Dabei gilt es, eine Reihe der wichtigsten historischen Prozesse und Faktoren zu berücksichtigen, die für die Entstehung und Verabschiedung der Normen und Kanons der Renaissance von Bedeutung waren. Einer der Schlüsselfaktoren in dieser historischen Ereignisreihe ist zu Recht die Entstehung des Bürgertums (15. Jahrhundert) und die deutliche Stärkung seiner Rolle und Position in der französischen Gesellschaft. Der nächste Faktor ist der Kampf um die Einigung Frankreichs, der Ende des 15. Jahrhunderts endete. Und natürlich die Schaffung eines einzigen zentralisierten Staates, der in einer neuen Ära neue Werte verkündete. Also bereits am Ende des 15. Jahrhunderts. In Frankreich etabliert sich schließlich die Kultur der Renaissance.

In dieser Zeit nahm die Rolle der Musik im gesellschaftlichen Leben deutlich zu. Französische Könige errichteten große Kapellen an ihren Höfen, organisierten Musikfestivals und der königliche Hof wurde zum Zentrum professioneller Kunst. Die Rolle der Hofkapelle wurde gestärkt. Im Jahr 1581 genehmigte Heinrich III. die Position des „Oberintendenten der Musik“ am Hof. Der erste, der dieses Amt innehatte, war der italienische Geiger Baltazarini de Belgioso. Neben dem königlichen Hof und der Kirche waren auch die Adelssalons wichtige Zentren der Musikkunst. Die Blütezeit der Renaissance, verbunden mit der Entstehung der französischen Nationalkultur, fiel in die Mitte des 16. Jahrhunderts. Zu dieser Zeit wurde das weltliche polyphone Lied – Chanson – zu einem herausragenden Genre der professionellen Kunst. Ihr polyphoner Stil erhält eine neue Interpretation, die mit den Ideen der französischen Humanisten Rabelais, Clément Marot und Pierre de Ronsard übereinstimmt. Als führender Chansonautor dieser Epoche gilt Clément Janequin, der mehr als 200 polyphone Lieder schrieb. Chansons erlangten nicht nur in Frankreich, sondern auch im Ausland Berühmtheit, vor allem dank des Notendrucks und der Stärkung der Beziehungen zwischen europäischen Ländern. Während der Renaissance nahm die Rolle der Instrumentalmusik zu. Geige, Laute, Gitarre und Violine (als Volksinstrument) waren im Musikleben weit verbreitet. Instrumentale Genres drangen sowohl in die Alltags- als auch in die Berufsmusik ein, teilweise auch in die Kirchenmusik. Zu den vorherrschenden Tanzstücken des 16. Jahrhunderts gehörten die Lautentanzstücke. polyphone Werke mit rhythmischer Plastizität, homophoner Komposition, Transparenz der Textur. Ein charakteristisches Merkmal war die Kombination von zwei oder mehr Tänzen nach dem Prinzip des rhythmischen Kontrasts zu einzigartigen Zyklen, die zur Grundlage der zukünftigen Tanzsuite wurden. Auch die Orgelmusik erlangte eine eigenständigere Bedeutung. Die Entstehung der Orgelschule in Frankreich (Ende des 16. Jahrhunderts) ist mit der Arbeit des Organisten J. Titlouz verbunden. Im Jahr 1570 wurde die Akademie für Poesie und Musik von Jean-Antoine de Baif gegründet. Die Teilnehmer dieser Akademie versuchten, die alte poetische und musikalische Metrik wiederzubeleben und verteidigten das Prinzip der untrennbaren Verbindung zwischen Musik und Poesie. Eine bedeutende Schicht in der Musikkultur Frankreichs im 16. Jahrhundert. war die Musik der Hugenotten. Hugenottenlieder verwendeten Melodien populärer Alltags- und Volkslieder und passten sie an übersetzte französische liturgische Texte an. Wenig später brachte der religiöse Kampf in Frankreich die Hugenottenpsalmen mit ihrer charakteristischen Übertragung der Melodie auf die Oberstimme und der Ablehnung polyphoner Komplexität hervor. Die größten Hugenottenkomponisten, die Psalmen komponierten, waren Claude Gudimel und Claude Lejeune.

Klassizismus und Barock.

Das 17. Jahrhundert wurde zu einem wichtigen Meilenstein in der Entstehung der französischen Musikkultur. In dieser Zeit kam es nicht nur zu einem Wandel der Kulturepochen: Die Renaissance wurde zunächst durch den Klassizismus und dann durch den kunstvollen Barock ersetzt, sondern auch durch eine Änderung der Prioritäten. Damals hatte die weltliche Musik endlich Vorrang vor der religiösen Musik, und in Zukunft war sie es, die die französische Musikkultur prägte, Kanons, Mode, Stil, führende Richtungen, Trends und Genres festlegte. Diese beiden Faktoren trugen zur Entwicklung der wichtigsten Genres dieser Zeit bei – Oper und Ballett. Die Regierungsjahre Ludwigs XIV. waren geprägt von der außergewöhnlichen Pracht des Hoflebens, dem Wunsch des Adels nach Luxus und raffinierten Vergnügungen. Kein Wunder, dass dieser König der Sonnenkönig genannt wurde. Alles war in Prunk, Prunk und Pracht begraben. Der französische Hof strahlte wie der Olymp. In dieser Hinsicht kam dem Hofballett eine große Rolle zu. Seltsamerweise spielte Kardinal Mazarin, wenn auch indirekt, eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung der Musikkultur und trug auf jede erdenkliche Weise zur Stärkung des italienischen Einflusses am Hof ​​bei. Die Bekanntschaft mit der italienischen Oper war ein starker Anreiz, eine eigene Nationaloper zu schaffen; die ersten Erfahrungen auf diesem Gebiet machte Elisabeth Jacquet de la Guerre (Der Triumph der Liebe, 1654). Im Jahr 1671 wurde in Paris ein Opernhaus namens Royal Academy of Music eröffnet. Es wurde von J. B. Lyuli geleitet. Diese herausragende Persönlichkeit gilt heute als Begründer der nationalen Opernschule. Lully schuf eine Reihe von Ballettkomödien, die zum Vorläufer des Genres der lyrischen Tragödie und später des Opernballetts wurden. Lully leistete auch einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Instrumentalmusik. Er schuf den Typus der französischen Opernouvertüre (der Begriff wurde in der 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts in Frankreich etabliert). Zahlreiche Tänze aus seinen großformatigen Werken (Menuett, Gavotte, Sarabande etc.) beeinflussten die weitere Gestaltung der Orchestersuite. Ende des 17. – erste Hälfte des 18. Jahrhunderts schrieben so berühmte Komponisten wie N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delalande und A. K. Detouch für das französische Theater. Unter Lullys Nachfolgern verschärften sich die Konventionen des Hoftheaterstils. In ihren lyrischen Tragödien treten dekorativ-ballettistische, pastoral-idyllische Aspekte in den Vordergrund, der dramatische Anfang wird zunehmend abgeschwächt. Die lyrische Tragödie weicht dem Opernballett. Im 17. Jahrhundert. In Frankreich entwickelten sich verschiedene Instrumentalschulen – Laute (D. Gautier, der den Cembalostil von J.-A. d'Anglebert, J. C. de Chambonnière beeinflusste), Cembalo (Chambonnière, L. Couperin), Gambe (M. Marin, der zum ersten Mal in Frankreich anstelle einer Kontrabass-Gambe einen Kontrabass in ein Opernorchester einführte). Die größte Bedeutung erlangte die französische Schule der Cembalisten. Der frühe Cembalostil entwickelte sich unter dem direkten Einfluss der Lautenkunst. Chambonnières Werke spiegelten die für französische Cembalisten typische Art der Melodieverzierung wider. Die Fülle an Verzierungen verlieh den Werken für das Cembalo eine gewisse Raffinesse sowie größere Kohärenz, „Melodie“, „Länge“ und den abrupten Klang dieses Instruments. In der Instrumentalmusik ist es seit dem 16. Jahrhundert weit verbreitet. die Vereinheitlichung von Paartänzen (Pavane, Galliard usw.), die im 17. Jahrhundert zur Schaffung einer Instrumentalsuite führte.

18.-19. Jahrhundert in der Geschichte der französischen Musik.

Im 18. Jahrhundert bildeten sich mit dem wachsenden Einfluss des Bürgertums neue Formen des musikalischen und gesellschaftlichen Lebens heraus. Allmählich überschreiten Konzerte die Grenzen von Schlosssälen und Adelssalons. 1725 organisierte A. Philidor (Danican) regelmäßig öffentliche „Spirituelle Konzerte“ in Paris und 1770 gründete François Gossec die Gesellschaft „Amateurkonzerte“. Die Abende der akademischen Gesellschaft „Friends of Apollo“ (gegründet 1741) waren zurückhaltender; jährliche Konzertreihen wurden von der „Royal Academy of Music“ organisiert. In den 20-30er Jahren des 18. Jahrhunderts. Die Cembalosuite erreicht ihren höchsten Höhepunkt. Unter den französischen Cembalisten spielt F. Couperin die führende Rolle, der Autor freier Zyklen, die auf den Prinzipien der Ähnlichkeit und des Kontrasts der Stücke basieren. Neben Couperin leisteten auch J. F. Dandré und insbesondere J. F. Rameau einen großen Beitrag zur Entwicklung der programmatisch charakteristischen Cembalosuite. Die erfolgreiche Uraufführung von Rameaus Oper Hippolyte und Arisia sicherte diesem Komponisten 1733 eine führende Position an der Hofoper, der Royal Academy of Music. In Rameaus Werk erreichte die Gattung der lyrischen Tragödie ihren Höhepunkt. Sein Gesangs- und Deklamationsstil wurde durch melodischen und harmonischen Ausdruck bereichert. Seine zweiteiligen Ouvertüren zeichnen sich durch große Vielfalt aus, aber auch dreistimmige Ouvertüren, die der italienischen Opern-„Sinfonie“ nahestehen, sind in seinem Werk vertreten. In einer Reihe von Opern nahm Rameau viele spätere Errungenschaften auf dem Gebiet des Musikdramas vorweg und bereitete den Boden für die Opernreform von K. V. Gluck. Rameau besitzt ein wissenschaftliches System, dessen Bestimmungen als Grundlage für die moderne Harmonielehre dienten („Abhandlung über die Harmonie“, 1722; „Der Ursprung der Harmonie“, 1750 usw.). Mitte des 18. Jahrhunderts entsprachen die heroisch-mythologischen Opern von Lully, Rameau und anderen Autoren nicht mehr den ästhetischen Bedürfnissen des bürgerlichen Publikums. Ihre Popularität ist den seit dem Ende des 17. Jahrhunderts bekannten scharf satirischen Jahrmarktsaufführungen unterlegen. Diese Aufführungen zielen darauf ab, die Moral der „höheren“ Gesellschaftsschichten lächerlich zu machen und auch die Hofoper zu parodieren. Die ersten Autoren solcher komischen Opern waren die Dramatiker A. R. Lesage und S. S. Favara. In den Eingeweiden des Messetheaters reifte ein neues französisches Operngenre heran – die Opernkomödie. Die Stärkung ihrer Position wurde durch die Ankunft der italienischen Operntruppe in Paris im Jahr 1752 erleichtert, die eine Reihe von Opernaufführungen aufführte, darunter Pergolesis „Das Mädchen und die Frau“, und die Polemik über Fragen der Opernkunst, die zwischen ihren Anhängern aufflammte (bürgerlich-demokratische Kreise) und Gegner (Vertreter der Aristokratie) der italienischen Opera buffa, - also N. „Krieg der Buffons.“ In der angespannten Atmosphäre von Paris erlangte diese Kontroverse besondere Dringlichkeit und stieß auf großes öffentliches Echo. Persönlichkeiten der französischen Aufklärung beteiligten sich aktiv daran und unterstützten die demokratische Kunst der „Buffonisten“, und Rousseaus Pastoral „Der Dorfzauberer“ bildete die Grundlage der ersten französischen komischen Oper. Der von ihnen proklamierte Slogan „Nachahmung der Natur“ hatte großen Einfluss auf die Entstehung des französischen Opernstils des 18. Jahrhunderts. Auch in den Werken der Enzyklopädisten finden sich wertvolle ästhetische und musiktheoretische Verallgemeinerungen.

Das 18. Jahrhundert, das mit der Blüte der bürgerlichen Kultur und der Herausbildung neuer Formen des öffentlichen Musiklebens begann: öffentliche Konzerte, Konzert- und Aufführungszyklen, Musikvereine, endete sehr tragisch. Die Große Französische Revolution brach aus. Sie hat in allen Bereichen des französischen Kulturlebens und natürlich auch im Bereich der Musikkunst große Veränderungen bewirkt . Musik wird zum integralen Bestandteil aller Ereignisse revolutionärer Zeiten und erlangt gesellschaftliche Funktionen. Die Ära selbst trug zur Bildung und Etablierung von Massengenres bei: Lieder, Hymnen, Märsche und andere. Unter dem Einfluss der Französischen Revolution entstanden Theatergenres wie die Apotheose, eine Propagandaaufführung mit großen Chormessen. Besonders hervorzuheben sind die „Heilsopern“, die in dieser alarmierenden und tragischen Zeit äußerst populär wurden. Das Thema des Kampfes gegen die Tyrannei erklang in ihnen besonders lebendig, die Laster des Klerus wurden entlarvt und Loyalität, Hingabe, Patriotismus und Opferbereitschaft für das Wohl des Volkes und des Vaterlandes verherrlicht. Aufgrund der wachsenden patriotischen Gefühle in der Gesellschaft erlangte die militärische Blasmusik große Bedeutung und das Nationalgarde-Orchester wurde gegründet. Auch das System der Musikausbildung erfuhr revolutionäre Veränderungen: 1792 wurde eine Musikschule der Nationalgarde zur Ausbildung von Militärmusikern eröffnet und 1793 das Nationale Musikinstitut (ab 1795 das Pariser Konservatorium).

Die Zeit der napoleonischen Diktatur (1799–1814) und der Restauration (1814–15, 1815–30) brachte der französischen Musik keine nennenswerten Erfolge. Eine gewisse Wiederbelebung im Bereich der Kultur begann erst gegen Ende der Restaurationszeit. In den 20er und 30er Jahren des 19. Jahrhunderts nahm die französische romantische Oper sowie das Genre der großen Oper mit historischen, patriotischen und heroischen Themen Gestalt an. G. Berlioz, der Schöpfer der programmatischen romantischen Symphonie, gilt weltweit zu Recht als einer der prominentesten Vertreter der französischen Musikromantik. In den Jahren des Zweiten Kaiserreichs entwickelte sich in Frankreich aus einem modischen weltlichen Trend eine Leidenschaft für Café-Konzerte, Theaterrevuen und die Kunst des Chansonniers. In dieser Zeit waren Varietés, Possen und Operetten beliebt und zahlreich. Die französische Operette erlebt im wahrsten Sinne des Wortes eine Blütezeit und beginnt besonders interessant, neu und originell zu klingen, was in direktem Zusammenhang mit den Namen ihrer spirituellen Schöpfer und Inspiratoren steht: J. Offenbach und F. Hervé. Sie verliert nach und nach ihre Satire, Parodie, Aktualität und verändert ihre historischen, alltäglichen und lyrisch-romantischen Handlungsstränge mit operettenhafter Leichtigkeit und Leichtigkeit. Dies entspricht voll und ganz dem allgemeinen musikalischen Trend der Zeit: Der lyrische Charakter tritt in fast allen Kulturbereichen in den Vordergrund. In der Oper manifestierte sich diese Tendenz in der Sehnsucht nach Alltagsthemen, nach der Darstellung gewöhnlicher Menschen mit ihren intimen Erlebnissen. Zu den bekanntesten Autoren der lyrischen Oper zählen C. Gounod, „Faust“, „Mireille“ und „Romeo und Julia“, J. Massenet, J. Bizet „Carmen“. Aber die Mode ist launisch und flüchtig, auch die Musikmode, und das gilt umso mehr für Frankreich. Bereits in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es gibt eine Zunahme realistischer Tendenzen. Ein wichtiges Ereignis im gesellschaftlichen und politischen Leben Frankreichs war die Pariser Kommune von 1870-1871. Dies spiegelte sich auch in der Musikkultur wider: Es entstanden viele Arbeitslieder, von denen eines, „Die Internationale“ (Musik von Pierre Degeyter mit Texten von Eugene Potier), zur Hymne der kommunistischen Parteien und von 1922 bis 1944 zur Hymne von wurde die UdSSR.

20. Jahrhundert Neue Trends.

In den späten 80er und 90er Jahren des 19. Jahrhunderts entstand in Frankreich eine neue Bewegung, die sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts verbreitete – der Impressionismus. Der musikalische Impressionismus hat bestimmte nationale Traditionen wiederbelebt – den Wunsch nach Konkretheit, Programmatik, Raffinesse des Stils, Transparenz der Textur. Der Impressionismus fand seinen vollständigsten Ausdruck in der Musik von C. Debussy und beeinflusste die Arbeit von M. Ravel, P. Dukas und anderen. Der Impressionismus brachte auch Innovationen im Bereich der Musikgenres. In Debussys Werk weichen symphonische Zyklen symphonischen Skizzen; Programmminiaturen dominieren in der Klaviermusik. Auch Maurice Ravel wurde von der Ästhetik des Impressionismus beeinflusst. Sein Werk verflochten verschiedene ästhetische und stilistische Tendenzen – romantische, impressionistische und in späteren Werken neoklassizistische Tendenzen. Zusammen mit impressionistischen Tendenzen in der französischen Musik an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Traditionen von Saint-Saëns entwickelten sich weiter, ebenso wie die von Frank, dessen Werk sich durch eine Kombination aus klassischer Klarheit des Stils mit leuchtend romantischer Bildsprache auszeichnet. Nach dem Ersten Weltkrieg zeigten sich in der französischen Kunst Tendenzen zur Verleugnung des deutschen Einflusses, zum Wunsch nach Neuem und gleichzeitig nach Einfachheit. Zu dieser Zeit bildete sich unter dem Einfluss des Komponisten Erik Satie und des Kritikers Jean Cocteau eine kreative Vereinigung namens „French Six“, deren Mitglieder sich nicht nur dem Wagnerismus, sondern auch der impressionistischen „Vagheit“ widersetzten. Laut ihrem Autor Francis Poulenc hatte die Gruppe jedoch „keine anderen Ziele als eine rein freundschaftliche und überhaupt nicht ideologische Vereinigung“ und ihre Mitglieder (zu den berühmtesten zählen auch Arthur Honegger und Darius Milhaud) seit den 1920er Jahren ) haben sich jeweils auf individuelle Weise entwickelt. Im Jahr 1935 entstand in Frankreich eine neue kreative Komponistenvereinigung – „Junges Frankreich“, zu der Komponisten wie O. Messiaen und A. Jolivet gehörten, die wie die „Sechs“ die Wiederbelebung nationaler Traditionen und humanistischer Ideen in den Vordergrund stellten Vordergrund. Sie lehnten Akademismus und Neoklassizismus ab und richteten ihre Bemühungen auf die Aktualisierung der musikalischen Ausdrucksmittel. Am einflussreichsten waren Messiaens Forschungen auf dem Gebiet der modalen und rhythmischen Strukturen, die sowohl in seinen musikalischen Werken als auch in musikwissenschaftlichen Abhandlungen zum Ausdruck kamen. Nach dem Zweiten Weltkrieg verbreiteten sich avantgardistische Musikbewegungen in der französischen Musik. Ein herausragender Vertreter der französischen Musikavantgarde war der Komponist und Dirigent Pierre Boulez, der die Prinzipien von A. entwickelte. Webern verwendet häufig Kompositionsmethoden wie Pointillismus und Serialismus. Ein spezielles „stochastisches“ Kompositionssystem verwendet der Komponist griechischer Herkunft J. Xenakis. Frankreich spielte eine bedeutende Rolle bei der Entwicklung der elektronischen Musik – hier entstand Ende der 1940er Jahre konkrete Musik, unter der Führung von Xenakis wurde ein Computer mit grafischer Informationseingabe – UPI – entwickelt und in den 1970er Jahren die Richtung Spektral Musik wurde in Frankreich geboren. Das Zentrum der experimentellen Musik ist seit 1977 das IRCAM, ein von Pierre Boulez eröffnetes Forschungsinstitut. Zusammenfassend lässt sich festhalten, dass die wichtigsten Meilensteine ​​des 20. Jahrhunderts in der französischen Musikkultur waren: musikalischer Impressionismus, avantgardistische Musikbewegungen, die sich nach dem 2. Weltkrieg entwickelten, elektronische Musik, französischer Chanson.

Modernität. Blick in die Zukunft.

Und natürlich ist Frankreich auch heute noch eines der größten Zentren der Musikkultur der Welt. In Frankreich selbst ist Paris das musikalische Zentrum bzw. sein rhythmisch schlagendes, pulsierendes Herz. Dies ist keine unbegründete Aussage, sondern eine Tatsache, die durch die Präsenz der Pariser Staatsoper, der Theater Opéra Garnier und Opéra Bastille sowie zahlreicher Theater, Konzertsäle und Veranstaltungsorte in der französischen Hauptstadt bestätigt wird. Zu den führenden Musikgruppen zählen das Nationalorchester von Frankreich, das Philharmonische Orchester von Radio France, das Orchester von Paris, das Orchestra Colonna usw. Musikpädagogische Einrichtungen in Frankreich (Pariser Konservatorium, Scola Cantorum, Ecole Normale usw.). Dies ist der Stolz und das Erbe der französischen Musikkultur, die in der ganzen Welt verherrlicht wird. Ein äußerst interessanter Aspekt ist, dass in Frankreich der wissenschaftlichen Arbeit im Bereich Musik große Bedeutung beigemessen wird. Der Grundsatz „Wissenschaft im Dienste der Kunst“ kommt hier voll zum Ausdruck. Das wichtigste Musikforschungszentrum ist das Institut für Musikwissenschaft der Universität Paris. Bücher und Archivmaterialien werden in der Nationalbibliothek aufbewahrt, wo bereits 1935 eigens eine Musikabteilung eingerichtet wurde, sowie in der Bibliothek und dem Museum für Musikinstrumente am Konservatorium. Tausende Touristen kommen wegen der regelmäßig stattfindenden verschiedenen Musikveranstaltungen nach Frankreich. Sie alle gelten zu Recht als leuchtende, eigenständige und bedeutende Ereignisse im musikalischen Kulturleben. Es ist schwer zu entscheiden, wer diesen Wettlauf der Talente gewonnen hat; wir können nur die berühmtesten und beliebtesten Veranstaltungen des reichen Kultur- und Musiklebens Frankreichs nennen: den Internationalen Klavier- und Violinwettbewerb. M. Long und J. Thibault, Gitarrenwettbewerb, Internationaler Wettbewerb für junge Dirigenten in Besançon, Internationaler Gesangswettbewerb in Toulouse, Internationaler Harfenwettbewerb in Paris usw. Zahlreiche Festivals können nicht ignoriert werden: das Herbstfestival in Paris, das Pariser Festival der Musik des 20. Jahrhunderts, der Klavierwettbewerb in Epinal, das Festival für klassische Musik in Rouen und andere, die „Mother of Pearl Nights“ – das Akkordeonfestival in der Stadt Tulle, der Orgelwettbewerb „Garn-prix de Chartres“. Am 21. Juni 1982 erfanden die Franzosen das „Festival der Musik“ und veranstalteten es zum ersten Mal. An diesem Tag kann jeder direkt auf den Straßen der Städte singen und Musik machen. Hier können Sie aufstrebende Künstler und Prominente treffen. Derzeit ist dieser Feiertag international geworden und wird in 110 Ländern auf der ganzen Welt gefeiert.

Die französische Musikszene ist für fast alle Bereiche der Popmusik bekannt, hat aber gleichzeitig eine Reihe spezifischer nationaler Genres hervorgebracht, vor allem den französischen Chanson . (Es hat nichts mit russischem Chanson gemein!!!). In der modernen Kultur ist Chanson populäre französische Musik, die den spezifischen Rhythmus der französischen Sprache bewahrt. Diese Lieder unterscheiden sich in Melodie, Text, Bedeutung, Geist und Klang deutlich von Liedern, die unter dem Einfluss englischsprachiger Musik geschrieben wurden. Man erkennt sie an den ersten Tönen, an den ersten Akkorden. Das Herz selbst reagiert auf die ersten Töne und unwillkürlich erscheint ein warmes, einfaches Lächeln auf den Lippen. Es ist Einfachheit und Wärme, die alle Melodien des französischen Chansons durchdringen. Was auch immer in diesen Liedern besungen wird, die Hauptsache ist: Seele. Herausragende Interpreten des französischen Chansons (Chansonnier) wie Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kaas und andere haben weltweite Berühmtheit erlangt. Ihre CDs werden immer noch erfolgreich auf der ganzen Welt verkauft, ihre Lieder werden im Radio gespielt und sie werden gerne im Internet heruntergeladen. Frankreich war dreimal Gastgeber des internationalen Musikwettbewerbs Eurovision. Dieses wichtige Ereignis im modernen Musikleben fand 1959, 1961 und 1978 statt. Fünf französische Künstler gewannen den Eurovision Song Contest – Andre Clavier (1958), Jacqueline Boyer (1960), Isabelle Aubray (1962), Frida Boccara (1969) und Marie Miriam (1977), danach war der höchste Erfolg der Franzosen der zweite Platz 1990 und 1991 Französische Musiker haben einen besonderen Beitrag zum neuen, modernen Genre der elektronischen Musik geleistet. Für mich nimmt Jean-Michel Jarre mit seinen grandiosen, hypnotisierenden und unvergesslichen Lasershows, die den Komponisten und Musiker auf der ganzen Welt verherrlichten, einen besonderen Ehrenplatz ein. Seine Arbeit ist hier in Russland verständlich und beliebt, sowohl bei jungen Menschen als auch bei Musikliebhabern der älteren Generation.

Abschluss.

So wurde uns klar, dass Frankreich eine große Rolle in der Musikgeschichte spielt und dass Musik eine große Rolle in der Geschichte Frankreichs spielt. Es beeinflusste aktiv die Gestaltung der Musikkultur in anderen Ländern; in bestimmten historischen Epochen galt es als Vorbild, an dem man sich orientierte und das man nachahmte. Sie verstand es perfekt, musikalische Trends, Genres, Trends und Stile anderer Völker aufzunehmen, zu absorbieren, sie anzupassen, zu verarbeiten, neu zu überdenken und sie auf Französisch neu klingen zu lassen. Als markantes Beispiel für die Kollision und Interaktion der Musikkulturen in der gegenwärtigen Phase kann die Interaktion der amerikanischen und französischen Musikkulturen angesehen werden. Von Beginn des Eindringens der amerikanischen Massenkultur auf den europäischen Kontinent an versuchten die Franzosen ihr Bestes, die Reinheit ihrer Kultur, einschließlich der Musik, zu bewahren und kämpften für deren Einzigartigkeit, Exklusivität, Originalität und Unabhängigkeit. Die Franzosen lieben, schätzen, sind stolz auf ihre moderne Musikkultur und bewahren sie äußerst sorgfältig. Es sei darauf hingewiesen, dass es ihnen dank der sehr korrekten staatlichen Kulturpolitik, der Position des zuständigen Ministeriums und prominenter Persönlichkeiten Frankreichs gelungen ist, viel auf dem Gebiet der Erhaltung, Entwicklung und Popularisierung der französischen Musikkultur zu tun . Dadurch konnten die Franzosen sowohl der unangefochtenen amerikanischen Dominanz als auch ihrer eigenen kulturellen Isolation entkommen. Möglich wurde dies unter anderem durch Sendequoten, Beschränkungen für Radiosender beim Abspielen englischsprachiger Musik und allerlei Vorzugskonditionen für inländische Künstler. Eine wichtige Rolle spielten hingegen der französische Patriotismus, die Liebe zu allem „Einheimischen, Französischen“, der Stolz und der Respekt vor ihrer Kultur, die meiner Meinung nach in den Franzosen von Kindheit an verankert waren. In diesem Zusammenhang ist es angemessener, von der gegenseitigen Durchdringung der Musikkulturen zu sprechen. Französische Lieder drangen nach Amerika, wenn auch in einer überarbeiteten Fassung („My Way“, das zur Visitenkarte von Frank Sinatra wurde, wurde von Claude Francois geschrieben und heißt „Comme d’habitude“ oder „Et maintenant“ von Gilbert Beco, gesungen von das Duett Sonny und Cher und dann viele andere – „What now my love“). Es gibt französische Lieder – Übersetzungen aus dem Englischen, viel berühmter als die Originale – das bekannte Lied von Joe Dassin „Les Champs-Elysées“. Wer kennt das Original – „Waterloo Road“?

Ich hoffe, dass Sie jetzt ebenso wie ich davon überzeugt sind, dass die französische Musikkultur reich, vielfältig, einzigartig, unnachahmlich und einflussreich ist. Vielleicht werden Sie, wie ich, es lieben oder sich zumindest dafür interessieren und versuchen, mehr darüber herauszufinden. Es wäre angebracht, dass wir uns die fürsorgliche Haltung der Franzosen gegenüber ihrer Musikkultur sowohl auf staatlicher Ebene als auch auf der Ebene der einfachen Bürger zum Vorbild nehmen. Viele Länder sollten eine solche Erfahrung eines vernünftigen, würdigen Kulturpatriotismus übernehmen. Musik ist eines der Wunder der Welt. Musik ist eine universelle Sprache der internationalen Kommunikation, überall auf der Welt zugänglich, vertraut und verständlich. Frankreich leistete einen wesentlichen Beitrag zu seiner Entstehung, Entwicklung und seinem Wohlstand.

Literatur:

https://ru.wikipedia.org/wiki/ Musik Frankreichs

http://niderlandi.takustroenmir.ru

http://www.frmusique.ru/review.htm

https://dis.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1569665

A. Klenov „Wo Musik lebt“ M. „Pädagogik“ 1985

Medushevsky V.V., Ochakovskaya O.O. Enzyklopädisches Wörterbuch eines jungen Musikers, M. „Pädagogik“ 1985