Hilfe zu Tele2, Tarife, Fragen

Im Laufe seiner Karriere wandte sich Alexander Iwanowitsch Kuprin (1870-1938) den menschlichen Gefühlen zu, die nicht durch das moderne Leben verzerrt wurden, und den Gefühlen der Tiere. Diese Position blieb in Werken für junge Leser unverändert.

Kein Kind wird gleichgültig bleiben, wenn es die in „Yu-Yu“ erzählten Geschichten über eine erstaunliche, sensible und liebevolle Katze, über Pferde, die zärtlich an ihre Reiter gebunden sind, über das Familienleben der Gänse liest. Die Beobachtungen der schönen und intelligenten Katze Yu-yu sind geprägt von subtiler Lyrik, Dankbarkeit für ihre Hingabe und für die Wärme, die die Kommunikation mit Tieren in das Leben eines Menschen bringt.

In der Erzählung „Wanderfalke“ (1921) erzählt ein Hund von sich – „ein großer und kräftiger Hund einer seltenen Rasse“. Das Bild eines kraftvollen Hundes, der sich seiner Stärke bewusst ist, kommt dem Menschen so nahe wie möglich. Sapsan ist, wie viele starke Menschen, gutmütig und tolerant; Es schämt ihn und es tut ihm leid, wenn sie die „Kleinen und Feigen“ beleidigen. Eine zärtliche Beziehung verbindet diesen riesigen Hund mit Little – so nennt er die Tochter des Meisters. Als ein schrecklicher Moment kommt – die Kleine gerät in Gefahr, schützt Sapsan sie mit seinem Körper und rettet sie vor einem tollwütigen Hund.

Auch in anderen Werken des Autors erhalten Kinder Unterricht in Hingabe, gegenseitiger Hilfe und Liebe. So sind in der Geschichte „Barbos und Zhulka“ (1897) zwei Hofhunde trotz der unterschiedlichen Charaktere rührend miteinander verbunden.

In einer anderen berühmten Geschichte des Schriftstellers – „Der weiße Pudel“ (1904) – vollbringt ein Junge einen Liebesakt für seinen Freund und Ernährer – einen gelehrten Pudel, mit dem er und der alte Drehorgelspieler Auftritte geben, um sich ihr Geld zu verdienen Leben. Die Sympathien des Autors gelten ausschließlich den armen Straßenkünstlern und nicht dem verwöhnten Baby Trilly und seiner hysterischen Mutter. Weder Sergei noch der Orgelspieler können sich vorstellen, sich vom treuen Artaud zu trennen, egal wie viel Geld sie ihm versprechen.

Die Szene ist dramatisch und voller Spannung, in der der Junge nach Lust und Laune der launischen Trilly einen Pudel aus der Gefangenschaft rettet, der von einem Hausmeister gestohlen wurde. Dem Autor ist es gelungen, auch die Natur in die spannungsgeladene Handlung einzubeziehen. Die tagsüber so sanfte Natur erscheint ihm nun beunruhigend und vorwurfsvoll – schließlich ist er in die Datscha eines anderen geklettert.

Die entscheidende Authentizität vieler Werke Kuprins wurde von K. G. Paustovsky hervorgehoben, indem er sagte, dass der Autor seine Geschichten nicht aus der Welt der Fiktion und Poesie entnommen habe. „Im Gegenteil offenbarte er poetische Schichten der Wirklichkeit, die so tief und rein waren, dass sie den Eindruck einer freien Fiktion erweckten.“
KURZBESCHREIBUNG: Viele Werke von Alexander Iwanowitsch Kuprin (1870-1938), der seit 1897 für Kinder schreibt, handeln von Tieren und ihrer Beziehung zu Kindern. Die Geschichte „Der weiße Pudel“ (1904) basiert auf Opposition. Einerseits eine kleine reisende Künstlertruppe – ein zwölfjähriger Junge Sergei, Großvater Martyn Lodyzhkin und ein weißer Pudel Artaud. Sie verdienen ihren Lebensunterhalt mit Auftritten: Ein Akrobatenjunge macht Übungen und ein Hund tanzt zur Begleitung der Drehorgel eines alten Mannes. Auf der anderen Seite gibt es die kapriziöse Dame, in deren Haus sie auftreten, und ihren verwöhnten Jungen Trilly. In der Welt der Dame wird alles am Geld gemessen; sie ist ratlos, als der alte Mann sich weigert, den Hund zu verkaufen, den er als Spielzeug für Trilly haben möchte. „Es gibt nichts, was es nicht zu verkaufen gibt“, sagt die Dame. Es ist jedoch unmöglich, Freundschaft und Hingabe, Zuneigung und Treue zu verkaufen, denn ein Hund hilft nicht nur, sich selbst zu ernähren, er ist den Menschen in dem Leben, das sie führen, gleichgestellt.

Dreihundert Rubel (und das war damals viel Geld!) lassen den alten Mann nicht in Versuchung, doch auf Befehl der Dame stiehlt der Hausmeister Artaud. Und der Junge kommt dem Hund zu Hilfe und befreit ihn aus dem Steinkeller. Sie laufen zusammen – Mensch und Tier, ohne den Weg zu zerstören, rennen in die Freiheit, und in dieser Suche werden sie vom Autor gleichgesetzt, in die natürliche Welt der Natur einbezogen: „Der Junge kam erst an der Quelle zur Besinnung. . Mit zusammengepressten Mäulern an den kalten Teich schluckten der Hund und der Mann gierig frisches, wohlschmeckendes Wasser ...“

Die Stärke der Helden zu testen, ist ganz im Stil der KI. Kuprina: Der Autor zeigt, wie in dramatischen Episoden, die einen kurzen, aber extremen Einsatz aller Kräfte des Kindes erfordern, seine menschliche Persönlichkeit und sein mögliches Verhalten in der Zukunft bestimmt werden.

16. Moralische und soziale Quests Vlad.Galaktion. Korolenko: die Welt der Kindheit in den Werken „The Blind Musician“, „Children of the Dungeon“.
Er erwies sich als wahrer Humanist und Demokrat.

Sein Stil vereint die Merkmale romantischer, natürlicher und sentimental-didaktischer Stile, was seinen Werken eine besondere emotionale Intensität verleiht. Für ihn ist der Mensch der Mittelpunkt des Universums, und auch in Naturbeschreibungen wird stets der Gemütszustand eines Menschen zum Ausdruck gebracht.

Die Grundlage künstlerischer Prinzipien ist der Weg des Gewissens.

Nicht für Kinder geschrieben. Der Titel in Veröffentlichungen für Erwachsene lautet „In Bad Society“.

Es präsentierte alle typischen Merkmale kleiner Städte im Südwesten.

Vasya, im Alter von 6 Jahren Waise, vermisst seine Mutter und findet keinen Kontakt zu seinem Vater. Es scheint, dass ihre gemeinsame Trauer sie einander näher bringen sollte, aber nein, der Abgrund trennt sie immer tiefer.

Mein Vater zeichnete sich durch seine „weltfremde“ Ehrlichkeit und Unbestechlichkeit aus; ein Meister ist das Gesetz. (Das Bild des Vaters des Helden spiegelt die Züge von Korolenkos Vater selbst wider – einem Mann der Pflicht).

Gezeigt:

1) Ein Bild des elenden Lebens in Russland

2) Beziehungen zwischen Eltern und Kindern

3) Die Entstehung des Helden in der Geschichte, seine Veränderungen durch die Freundschaft mit den Kindern des Kerkers.

Einerseits findet die Erzählung in der Ich-Perspektive statt, man spürt aber auch die Anwesenheit des erwachsenen Vasya, der sich erinnert.

Die Welt der Armen: Korolenko reizt nicht nur der soziale Aspekt, sondern auch der moralische. Der moralische Sinn des Erzählers steht auf der Seite der Ausgestoßenen.

Farbschema. Die Landschaft wird zunächst durch die Dämmerung gezeichnet. Die graue Farbe wird vorherrschend. Der graue Hintergrund raubt Marusya das Leben. Das Bild des Regens begleitet immer traurige Bilder.

Vasya braucht nicht materiell, aber elterliche Wärme. Vater stößt Vasya kalt von sich, als er helfen will. Children of the Dungeon haben diese Wärme. Darin sind sie Vasya überlegen.

Die Menschen im Untergrund sind den Wohlhabenden moralisch überlegen, aber sozial benachteiligt.

Eine für Korolenko charakteristische Technik: Um seine Einstellung gegenüber seinem Vater zu ändern, musste Vasya ihn durch das Prisma der Wahrnehmung anderer Menschen sehen, und die guten Dinge, die er von Tyburtsy über ihn erfuhr, halfen dem Vater, seinem Sohn näher zu kommen verstehe ihn.

17. L. Andreev. Ideologische und künstlerische Originalität von Werken über Kinder

Frühe Geschichten – „Bargamot und Garaska“, „Angel“ (1899), „Biss“ (1901), „Petka in der Datscha“ (1899) und andere – stehen in der Tradition des Realismus und werden von A. Tschechow, M. beeinflusst . Gorki. Dennoch erhalten Lehrbuchthemen und -bilder einen neuen Klang, und Andreevs Intonation ist mit niemandem anderen zu verwechseln. So entstand die Geschichte „Petka in der Datscha“, die vom Leiden eines Kindes erzählt, in dem sein Friseurbesitzer nur einen „Jungen“ sieht (wie ein zukünftiger Lehrling im zaristischen Russland genannt wurde, ein Kind aus einer armen Familie, für das er gehalten wurde). trainieren und die schmutzigste Arbeit verrichten), führt den Leser zu Tschechows „Wanka Schukow“ zurück. Aber wenn in Tschechows Geschichten die Illusion besteht, dass sich der Autor nicht in das Leben und die innere Welt der Helden einmischt, dann verbirgt Andreev nicht nur sein „Ich“ nicht, sondern drückt auch beharrlich, sogar obsessiv seine Position aus und ordnet alles unter eine bestimmte allgemeine Idee. Andreev strebt nicht danach, Lebenseindrücke zu verallgemeinern, sondern wählt jene Fakten aus, die als Beweis für ein bestimmtes Postulat dienen. Die Idee des „natürlichen Lebens“, die auf die Ästhetik des Sentimentalismus zurückgeht (nach der alles Böse im Menschen von der Zivilisation, dem nivellierenden Einfluss der Gesellschaft, herrührt), wird durch die Handlung der Geschichte verwirklicht: einmal um Die Datscha, ein unterdrückter „Junge“, der an einen betagten Zwerg erinnert, verwandelt sich in ein lebhaftes und empfängliches Kind.

„Kinder“-Geschichten in Andreevs Werk sind nicht so sehr Geschichten für Kinder, sondern eher Werke über Kinder, die Probleme von Erwachsenen lösen. Andreevs kleine Helden verfügen über die Fähigkeit, mit der Trauer anderer zu sympathisieren. Valya, der Held der gleichnamigen Geschichte (1899), verfügt über echte Herzensweisheit, die ihm nicht nur hilft, seiner Mutter, die ihn einst verlassen hat, zu vergeben, sondern sich auch für ihr Schicksal verantwortlich zu fühlen: „Valya ging entschlossen vor. . und sagte mit jener ernsten Gründlichkeit, die alle Reden dieses Mannes auszeichnete:

- Weine nicht, Mama! Ich werde dich sehr lieben. Ich möchte nicht mit Spielzeug spielen, aber ich werde dich sehr lieben. Soll ich dir etwas über die arme kleine Meerjungfrau vorlesen? ...“

Das Wort „Mann“, das sich auf das Kind bezieht, zeugt vom Respekt des Autors vor dem Helden, dem es – teilweise mit Hilfe der Literatur – gelang, die ganze Tiefe des Leidens einer Frau zu begreifen, die von ihren Liebhabern betrogen und von der Gesellschaft abgelehnt wurde „wohlhabende“ Menschen – wie die Adoptiveltern des Jungen. Valya, der über eine einzigartige Intuition verfügt, konnte die Gemeinsamkeiten im Schicksal schöner Märchenheldinnen und einer hässlichen Frau erkennen, die sich als seine Mutter herausstellte: „Die „arme Frau“, wie sie genannt wurde, begann sich zu interessieren Als er sich an andere arme Frauen erinnerte, von denen er gelesen hatte, verspürte er ein Gefühl des Mitleids und der schüchternen Zärtlichkeit. Es kam ihm so vor, als ob sie alleine in einem dunklen Raum sitzen und Angst haben und weiter weinen sollte, weiter weinen, so wie sie damals geweint hatte. Es war vergebens, dass er ihr dann so schlecht über den Prinzen Bova erzählte.“ Mit der Technik der Überlagerung zweier realer und fiktiver märchenhafter Pläne zeigt der Autor die Merkmale der Weltanschauung eines Kindes und erschafft die innere Welt eines Kindes, das die Realität durch das Prisma eines Märchens begreift. „Die kleine Meerjungfrau“ und „Bova der Prinz“ verdecken nicht nur nicht die Realität, sondern geben Valya auch den Schlüssel zum Verständnis der Konflikte des Lebens. Valya bemerkt auf subtile Weise die Falschheit und Ungerechtigkeit in den Handlungen und Worten von Erwachsenen. Die Erzählung konzentriert sich auf den Standpunkt des Helden, und durch die Schärfung einiger scheinbar unbedeutender Details zeigt Andreev, wie sich Valyas Haltung gegenüber der „hässlichen Frau“, seiner echten Mutter und den freundlichen und süßen Adoptiveltern verändert. Diamantohrringe schimmern und zittern in den Ohren der Adoptivmutter des Helden in Momenten der Freude und Trauer und verleihen ihren Gefühlsbekundungen etwas Dekoratives, Spielzeugartiges. Weder der Held noch der Autor verweigern ihr Mitgefühl, aber sie sehen noch etwas anderes: das „hässliche“ Leiden von Valyas eigener Mutter, deren Lächeln und Stimme dem Jungen zunächst unnatürlich erscheinen, dann aber schmerzliches Mitleid mit ihr wecken. "...Sind Sie glücklich? „- fragte die Mutter mit dem gleichen gezwungenen, bösen Lächeln eines Menschen, der sein ganzes Leben lang unter Schlägen mit dem Stock lachen musste.“ In einem kleinen Werk gelang es dem Autor, das Heranwachsen eines kleinen Jungen zu zeigen, der es nicht nur schaffte, sein Schicksal zu akzeptieren, sondern auch seine Verantwortung für das Leben seines geliebten Menschen zu erkennen.

Oft greift Andreev auf eine erweiterte Metapher zurück, die das gesamte Werk abdeckt und als Hauptausdrucksform für die Idee des Autors dient. In der Geschichte „Angel“ wird ein Wachsspielzeug – ein an einem Weihnachtsbaum hängender Engel – zum Symbol für die illusorische Natur menschlicher Hoffnungen, zerbrechliche und wehrlose Schönheit, unvereinbar mit einem vulgären und unhöflichen Leben. Hier nutzt Andreev, wie in „Bargamot und Garaska“, die Technik der „Zerstörung von innen“ traditioneller literarischer Schemata und Klischees: Ein armer Junge, der sich an einem Weihnachtsbaum in einem reichen Haus wiederfindet, sieht – entgegen den Bedingungen von das Genre einer „Weihnachts-“ oder „Weihnachts“-Geschichte – Unwahrheit und die Vortäuschung von Menschen, die ihn „segneten“. Die Stilisierung weicht somit der Parodie. Zitate und Verweise auf Werke der russischen und europäischen Literatur helfen Andreev, in einen Dialog mit seinen Vorgängern und Zeitgenossen zu treten und den Leser in ihn einzubeziehen.

Das Material für Andreevs Schaffen sind nicht nur direkte Lebensbeobachtungen, sondern die gesamte bisherige Kultur. Wie viele seiner Zeitgenossen, die die Lehren der Moderne gezogen haben, greift der Schriftsteller in fast jedem seiner Werke biblische Geschichten, antike und historisch-kulturelle Mythen auf. In vielen seiner Figuren „erkannten“ Zeitgenossen die Helden von F. M. Dostojewski. „Angel“ zum Beispiel führt den Leser zurück zu Dostojewskis Erzählung „Der Junge am Weihnachtsbaum“. Der Schriftsteller und Philosoph V. Rozanov betrachtete Andreevs Erzählung „Dunkelheit“ (1907) als „eine nachahmende Sache“, da sie wie „Verbrechen und Strafe“ die Geschichte der Begegnung eines „Übermenschen“ und einer gefallenen Frau beschreibt. Rozanov sieht auch Ähnlichkeiten zwischen Andreevs Heldin und Gruschenka, einer der Heldinnen aus „Die Brüder Karamasow“. Die Liste solcher „Zufälle“ lässt sich leicht erweitern, aber es ist schwierig, der Meinung von Andreev als Dostojewskis Epigone zuzustimmen: Der Plagiator verbirgt sorgfältig die Tatsache, dass er die Idee eines anderen übernommen hat, während Andreev beharrlich seine Orientierung am Dialog mit Dostojewski betont und fungiert nicht so sehr als Nachfolger oder Mitläufer, sondern vielmehr als Gesprächspartner, manchmal auch als harter Gegner. So offenbart Dostojewski, der einen rebellischen Menschen darstellt, nicht nur die psychologischen und philosophischen, sondern auch die sozialen Ursprünge seiner Rebellion, während Andreev einen Menschen von sozialen Bindungen befreit, als wollte er sagen: Das Böse konzentriert sich im Menschen selbst. Wenn also das Problem der Rebellion in Dostojewskis Werk nach den Prinzipien des klassischen Realismus gelöst wird – Rebellion ist die Reaktion des Helden auf die Verzerrung universeller menschlicher Normen und „Verstöße“ gegen christliche Gebote, dann ist sie laut Andreev eine integrale Eigenschaft der menschlichen Seele.

18. Traditionen und Innovationen von M. Gorkis autobiografischer Geschichte „Kindheit“.
Kindheit – 1913. Teil der Trilogie. Diese Geschichte zeichnet sich durch das Prinzip der Heldendarstellung aus. G stellt seinen Helden mitten in das Leben der Menschen, er erscheint unter anderen, neben ihnen im Fluss des harten Lebens. Das ist russisches Leben und nicht nur die Geschichte der Spiritualität eines Kindes. Die Kindheit wird von G nicht als eine glückliche Zeit angesehen.

Ständiger Wechsel der Ereignisse. Oft kann das Kind die Tragödie nicht erklären. Er malt das Tragische mit dem Freudigen. Eine Darstellung des Lebens der Bürger – Handwerker. Gegenseitige Feindschaft aller mit allen (Fingerhut, Tischdecke, Streit um das Erbe). Das Motiv ist stark – ein anderes Leben. Die Feuerbilder stehen symbolisch für die Geschichte. Die Szene der Freude (Zigeuner) und das Bild des Untergangs (Aljoschas Vater, Zigeuner). Alyosha Peshkov lebt in einer seltsamen Umgebung. Der Großvater ist die Verkörperung des Hasses auf G, einer kleinbürgerlichen Lebenseinstellung. Es ist die Profitgier, die zur Degeneration der Sinnlichkeit führt. „Der Großvater erkrankte schließlich an Geiz.“ Der Vergleich zwischen Großmutter und Großvater wird in Bezug auf Gott anerkannt. Oma ist ebenso nah und freundlich. Großvater hat ein allgegenwärtiges Wesen, das Gebete deutlich liest. Für G ist die Einstellung einer Person zur Arbeit wichtig. Glaube an den Menschen (Großmutter war die erste, die Aljoscha den Glauben einflößte). Die Großmutter ist talentiert (eine Spitzenklöpplerin) und hat ein Gespür für volkstümliche Informationen (Märchen, Lieder). Sie versteht es, jeden mit Wärme zu wärmen. Aljoscha gibt sich nicht nur mit ihrer Demut zufrieden. Sie war die Mutter aller Menschen.

19. Traditionen und Innovationen der autobiografischen Geschichte von A.N. Tolstoi „Nikitas Kindheit“.
Die ersten Kapitel der Geschichte wurden erstmals in der zweiwöchigen Kinderzeitschrift „Green Stick“ veröffentlicht.

Anschließend wurde „Nikitas Kindheit“ viele Male in Form einzelner Bücher neu veröffentlicht. Die Geschichte wurde zwischen 1919 und 1920 geschrieben. Nach Angaben des Autors selbst kam ihm die Idee, „Nikitas Kindheit“ zu schreiben, und nahm im Zusammenhang mit einem äußeren Umstand Gestalt an – er versprach dem Herausgeber einer in Paris erscheinenden Kinderzeitschrift („Green Stick“), einen Kurzfilm zu geben Kindergeschichte: „Ich fing an und es war, als würde sich ein Fenster in die ferne Vergangenheit öffnen, mit all dem Charme, der zarten Traurigkeit und den scharfen Wahrnehmungen der Natur, die in der Kindheit vorkommen.“

„Nikitas Kindheit“ ist eine autobiografische Geschichte. Der Ort der Handlung gibt den Schauplatz des kleinen Anwesens des Stiefvaters des Schriftstellers, A. A. Bostrom, ziemlich genau wieder, wo Tolstoi aufwuchs. Sogar der Name des Anwesens Sosnovka bleibt in der Geschichte erhalten. Kindheitseindrücke und A. Tolstois Erinnerungen an sein frühes Leben in der Provinz Samara flossen in den Inhalt seiner Arbeit ein.

Nikitas Eltern wiederholen weitgehend die wahren Merkmale des Stiefvaters und der Mutter des Schriftstellers. Der Name von Nikitas Mutter ist der gleiche wie der der Mutter des Schriftstellers – Alexandra Leontyevna. Der Prototyp für das Bild des Lehrers war der Seminarist und Tutor Arkady Ivanovich Slovokhotov, der den zukünftigen Schriftsteller auf die Zulassung zu einer weiterführenden Bildungseinrichtung vorbereitete. Auch Nikitas Beziehung zu den Dorfkindern – zu Mishka Koryashonok und Styopka Karnaushkin –, ihre Freundschaft und ihre Freundschaftsspiele sind autobiografisch, ebenso wie eine Reihe weiterer Details.

A. Tolstoi schuf nur ein kleines autobiografisches Fragment, das zu Lebzeiten des Schriftstellers nicht veröffentlicht wurde.

Die Erzählung „Nikitas Kindheit“ ist mit der Tradition des autobiografischen Genres in der klassischen Literatur verbunden, geht aber mit Werken wie „Kindheit“ von Leo Tolstoi, „Kindheit“ von M. Gorki und Alexei Tolstois Erzählung „Nikitas Kindheit“ einher Der allgemeine Inhalt und die Struktur verraten, dass es viel Neues und Originelles gibt. Insbesondere die Geschichte stammt im Gegensatz zu den oben genannten Werken von einer dritten Person.

20. B. Zhitkovs kreativer Beitrag zur Entwicklung der Kinderliteratur.

Er war Zimmermann, Jäger, Navigator eines Segelschiffs, Ingenieur, Lehrer für Physik und Zeichnen usw.

Diese reiche Lebenserfahrung gab Schitkow Stoff für Kreativität.

Zhitkov schuf in 15 Jahren mehr als hundert Werke für Kinder. Durch die Weitergabe von wahrhaft enzyklopädischem Wissen an junge Leser und den Austausch von Lebenserfahrungen füllte der Autor seine Werke mit hohem moralischen Inhalt. Seine Geschichten sind dem menschlichen Mut, Mut und Freundlichkeit gewidmet.

Jedes seiner Werke enthält ein Beispiel für menschlichen Mut, die Überwindung von Ängsten, selbstlose Hilfe und edle Taten.

„Mechaniker von Salerno.“

Art der Präsentation: klare, präzise Episoden, einfache, lebendige Sprache, Fähigkeit, den Leser in Atem zu halten.

Die Charaktere werden im Verlauf der Handlung enthüllt. Der Spanier ist zuerst der Bewerber, dann der erste, der kandidiert.

Der Kapitän ist fürsorglich und übernimmt die volle Verantwortung. Grausam, aber logisch denkend (ein Panikmacher, der über Bord geworfen wurde, damit keine Panik entsteht).

Schitkow wirft das Problem der beruflichen Ehre auf.

Geschichten über Tiere.

Er liebte Tiere sehr. In den Geschichten steht ein Vorfall im Mittelpunkt, der dabei hilft, die Besonderheiten der Tiergewohnheiten darzustellen.

Zhitkov ist ein Innovator und Experimentator in der Kinderliteratur. Es beginnt mit der Auswahl der Themen und Handlungsstränge sowie dem künstlerischen Timing.

Künstlerische Zeit: entweder sehr weit entfernt oder relativ weit entfernt.

Handlungsthemen: Nimmt nicht-kindliche Themen auf und hat keine Angst vor schwierigen Situationen. Die Helden befinden sich in experimentellen Situationen (auf dem Wasser, unter Wasser).

Das Besondere an der Darstellung der Helden: Am Anfang sind es gewöhnliche Menschen, wir wissen nicht, ob sie gut oder böse sind, aber im Verlauf der Handlung wird klar, wer was wert ist.

21. Rasante Entwicklung naturkundlicher Kinderbücher. Beitrag von V.V. Bianchi in der Entwicklung dieses Genres.
Der Begriff „naturkundliche Literatur“ umfasst Werke ganz anderer Art. Dabei handelt es sich um lehrreiche Gespräche über Zoologie und Biologie, Geschichten und Märchen über Tiere, Beschreibungen von Naturphänomenen, Naturgeschichten. Die Beliebtheit naturkundlicher Themen ist nicht schwer zu erklären – auf Schritt und Tritt trifft ein Kind auf Vertreter der Tier- und Pflanzenwelt, und das Interesse an ihnen bleibt über alle Kindheitsjahre hinweg bestehen.

Es besteht kein Zweifel, dass solche Literatur einen patriotischen Klang hat: Sie weckt die Liebe zum eigenen Land und zur Heimat.

Durch die Lektüre von Büchern talentierter Naturautoren und Zoologen lernen wir nicht nur etwas über die Welt um uns herum, sondern beginnen auch, das Leben besser zu verstehen.

V. Bianchi (1894-1959) gilt zu Recht als Schöpfer des Naturmärchens. Unter seiner Feder war ein Märchen nicht mehr nur ein Träger moralischer und ethischer Ideen, sondern voller naturwissenschaftlicher Erkenntnisse (deshalb nannte Bianchi seine Werke „Nicht-Märchen“).

Als wesentliche Vorzüge von Bianchis Märchen sah Bianchi die actiongeladene Handlung, den emotionalen Reichtum und die Nähe zur lebendigen gesprochenen Sprache – ein Erbe der Volksmärchentradition.

Das Material basierte auf Beobachtungen des Lebens verschiedener Tiere. Bianchi schrieb besonders viel über Vögel (der Vater des Schriftstellers war ein berühmter Ornithologe und trat in die Fußstapfen seines Vaters). Eine Nähe zur Welt der Kindheit gibt es auch im Märchen „Die Abenteuer der Ameise“ (1936). Ihr Held muss vor Sonnenuntergang zum Ameisenhaufen gelangen – eine Tatsache aus dem Leben der Ameisen. Gleichzeitig weist das Verhalten des Helden deutliche Ähnlichkeit mit einem Kind auf, das vor Einbruch der Dunkelheit nach Hause eilt und Erwachsene mitleiderregend um Hilfe bittet.

22. Werke von K.G. Paustovsky („Meshcherskaya Side“, Erzählzyklus „Sommertage“).
Die Geschichten von K. Paustovsky (1892-1968) beschreiben die Natur einer Ecke des russischen Landes. Für Paustovsky ist es topographisch definiert – dies ist die Region Meshchersky, nach der der Erzählzyklus „Meshcherskaya Side“ (1939) benannt ist. Dort finden auch die Ereignisse anderer Paustovsky-Geschichten statt. Der Autor bezieht sich gerne auf geografische Karten, erwähnt lokale Namen und erinnert sich an seine Spaziergänge durch die Wälder und Sümpfe von Meshchera.

In Geschichten für Kinder achtet Paustovsky stärker auf die alltägliche Seite des Lebens (Geschichten aus der Sammlung „Sommertag“, 1937). Aber auch in ihnen verzichtet der Autor nicht auf die Romantik. Romantisches und Alltägliches vereinen sich im Bild des Erzählers – eines Liebhabers von Angeln und Waldwanderungen. Auf Reisen erlebt der Autor einen Zustand, der einer poetischen Freude gleicht. Die ganze Welt, die den Fischer umgibt, ist in den Bildern der Schönheit zu sehen – das sind Fische, der dünne Rauch von Wolken, kalte Lilienstiele, das Knistern eines Feuers, das Quacksalbern von Wildenten.“ Nur ein Seelenverwandter kann diese Freude teilen. Deshalb steht neben dem Erzähler immer sein enger Freund, ebenfalls ein Romantiker und Naturliebhaber.

Das Poetische in Paustovskys Geschichten koexistiert mit dem Alltäglichen und Alltäglichen, und manchmal wirkt diese Gegenüberstellung komisch. Die in den Geschichten beschriebenen Vorfälle selbst sind nicht romantisch – die Katze hat den Fisch gefressen („Die Diebeskatze“), der Dachs hat sich die Nase verbrannt („Dachsnase“). Aber in jedem solchen Vorfall gibt es notwendigerweise poetische Details, in deren Licht die Ereignisse eine besondere Bedeutung erhalten.

Es scheint, dass alle Charaktere in Paustovskys Geschichten und alle darin beschriebenen Ereignisse von dieser außergewöhnlichen Schönheit erleuchtet werden.

Wie im Leiden des unglücklichen Dachses, der seine Nase in eine heiße Kartoffel („Dachsnase“) steckte und ihn verbrannte. Der Dachs „schaute uns mit runden und feuchten Augen an, stöhnte und leckte sich mit seiner rauen Zunge die schmerzende Nase. Es war, als würde er um Hilfe bitten, aber wir konnten ihm nicht helfen.“

Es liegt etwas Romantisches im Aussehen der Katze aus der Geschichte „Die Diebeskatze“, die bei ihren Diebestricks „jedes Gewissen verlor“. Der Vergleich einer Katze mit einem Landstreicher und einem Banditen verleiht ihr eine außergewöhnliche Bedeutung, die im Vergleich zu einem obdachlosen Tier komisch aussieht.

23. Kreativität M.M. Prishvina für Kinder. ANALYSE DES MÄRCHENS „DIE SPEICHERKAMMER DER SONNE“
Die Geschichten von M. Prishvin (1873-1954) widmen sich der Kommunikation zwischen Mensch und Natur. Die Natur erscheint in ihnen in konkreten Bildern – ein Tier, eine Pflanze, eine blühende Wiese oder ein Pinienhain. Aber das ist die Einzigartigkeit von Prishvins Geschichten: Hinter dem Konkreten und Sichtbaren verbirgt sich das Universelle. Dies verleiht Prishvins Geschichten eine besondere Tiefe.

Prishvins Geschichten gehören zu einer besonderen Art von „Jagd“-Geschichten, bei denen es nicht um den Sieg über Waldbewohner geht, sondern um die Beobachtung und Kommunikation mit Tieren.

Der Jäger in diesen Geschichten ist in erster Linie ein Kenner und Liebhaber der Natur, der die Zivilisation „verlässt“ und sich der Welt des natürlichen Lebens widmet. Sie ist es, die den Jäger anzieht, nicht Beute oder Profit. Deshalb gibt es so viele Geschichten über erfolglose Jagden, bei denen eine Person, von einem Gefühlsausbruch überwältigt, das Schießen verweigert.

Die Handlungssituationen in Prishvins Geschichten sind äußerst einfach. In der Geschichte „Fuchsbrot“ fand ein kleines Mädchen ein Stück Schwarzbrot köstlich: Schließlich wurde es ihr von einem Fuchs aus dem Wald „geschenkt“.

„Die Speisekammer der Sonne“ (1945) erzählt, wie wichtig und manchmal lebensrettend die Verbindung mit der Natur für den Menschen ist. Alles in diesem Werk hat einen doppelten Charakter (es ist kein Zufall, dass das Genre des Werkes als „Märchen“ bezeichnet wird). Topografische und zeitliche Sicherheit sowie Verlässlichkeit in der Naturbeschreibung – all das stammte aus der Region. Doch viele der Bilder in „Pantry of the Sun“ sind von märchenhaften Assoziationen umgeben.

Dies gilt vor allem für Kinder, die an ein Bruder-Schwester-Paar in russischen Volksmärchen erinnern. Nicht umsonst bekommen Kinder Doppelnamen: Mitrasha wird „der kleine Mann im Sack“ genannt, Nastya die „goldene Henne“. Auch andere Charaktere in der Geschichte tragen Doppelnamen: Der erfahrene Wolf heißt „Grauer Landbesitzer“ und der alte Jagdhund, der Retter der Kinder, heißt Grass.

Die Natur in „Pantry of the Sun“ ist belebt und scheint an dem Geschehen teilzunehmen, und das ganz im Sinne eines Märchens. Sumpfbäume ähneln alten Frauen und Menschen werden mit Tieren verglichen. Der Streit zwischen Bruder und Schwester geht mit Veränderungen in der Welt um sie herum einher: Die Dunkelheit naht, der Wind nimmt zu und das Heulen eines Wolfes ist zu hören. Aber über der katastrophalen Uneinigkeit erheben sich die Kräfte des Guten, was Prishvin „die Wahrheit des ewigen harten Kampfes der Menschen um Liebe“ nannte. Diese Liebe verbindet Mensch und Tier und ist der Schlüssel zum Fortbestand des Lebens. Ein Ausdruck dieser Liebe war die Geschichte eines Mannes, der von einem treuen Hund gerettet wurde. Schließlich spricht der Titel der Arbeit von der rettenden Kraft der Natur: „Die Speisekammer der Sonne“: Es geht nicht nur um die Vorkommen sumpfiger Reichtümer, sondern auch darum, was die Natur für den Menschen ist.

24. Diskussion über das Märchen der 20-30er Jahre. „Drei dicke Männer“ von Yu. Olesha ist das erste sowjetische Märchen.
Kinderliteratur der 20-30er Jahre: Themen, Probleme. Dies ist eine Zeit des schnellen Wachstums der Massenliteratur. Das wurde katastrophal:

1) Das kommerzielle Interesse an der Veröffentlichung von Büchern für Kinder hat zugenommen. (um des Geldes willen).

2) In den 60er Jahren des 19. Jahrhunderts verschärfte sich die Verfolgung der Kinderliteratur.

3) Die Zensur hat zugenommen. Kinderliteratur verliert an ethischem Wert.

Marshak nannte die Periode „Hund“. „Verwüstete Wüste“

Gorki und Tschukowski einigten sich darauf, mit Aktivitäten zur Erstellung von Kinderliteratur zu beginnen.

Chukovsky schreibt das erste Märchen „Krokodil“.

Gorki sagt, dass man eine erfahrene Person hinzuziehen muss, die alles gesehen hat.

Marshak – wird Kinderliteratur erstellen und bewahren.

Gorki forderte erfahrene Menschen in der Kinderliteratur, die über einen großen Erfahrungsschatz verfügten und Fragen beantworten konnten, die ein Kind beunruhigten.

Dies ist das goldene Zeitalter der russischen Literatur.

20er Jahre – A.K. Tolstoi, A. Neverov, M. Prishvin, Zhitkov, Paustovsky, Gaidar usw.

Kinderpoesie entwickelte sich in folgende Richtungen:

1) Oberiuts zeichnen sich durch einen unterhaltsamen Anfang aus (Vvedensky, Zabolotsky).

2) Moralisch-didaktische Literatur (Barto, Marshak).

3) Rasante Entwicklung der wissenschaftlichen und pädagogischen Literatur.

4) Es erscheinen autobiografische Geschichten über die Kindheit: Gaidar, Kassil, Kataev.

5) 20er Jahre – Verfolgung eines Märchens, 30er Jahre – Blütezeit

6) Naturhistorisches Thema (Zhitkov, Bianki).

Die Kinderliteratur der 30er Jahre war für viele Schriftsteller ein Zufluchtsort, da sie von strengen Vorschriften befreit war. Bis zum Alter von 33 Jahren stand das Märchen im Zeichen der „Stieftochter“.

Heimat - Odessa. Er war Mitarbeiter der Zeitung Gudok. Er schrieb unter dem Pseudonym Chisel.

23. Jahr - die Idee des Märchens „Drei dicke Männer“. Hat eine romantische Schöpfungsgeschichte. Olesha sah ein Mädchen, das Andersens Märchen las, er wollte auch schreiben, damit sie sie mit Begeisterung lesen würden.

1) Große Popularität erlangt. Jeder hat dieses Märchen inszeniert.

2) Chefs: „Dieser Roman bringt Kindern keinen Nutzen.“

Es beginnt witzig – „Die Zeit der Zauberer ist vorbei …“ – erfunden, um zu täuschen, das heißt, er leugnet Wunder.

Die Handlung betrifft eine entfremdete Schwester und einen entfremdeten Bruder.

Hier werden Kampfszenen gespielt, in denen der Kampf zwischen Arm und Reich allegorisch dargestellt wird.

GENRE: Dies ist eine Synthese aus einem romantischen, abenteuerlichen Abenteuerroman – Feuilleton und einem Prosaskript für eine Zirkusvorstellung.

Die Handlung entwickelt sich aktiv, daher ist das Lesen für das Kind interessant.

Das Heldensystem basiert auf Kontrasten und Parallelen (Arbeiter und Bürger, Schauspieler und Wächter).

Suok und Tutti sind die hellsten Helden.

Der Held ist eine Maske, das sind groteske Typen reicher Leute (Ohr in Form eines Knödels).

Motiv eines vergeistigten Mannes und einer mechanischen Puppe. Sie versuchten, aus Tutti eine mechanische Puppe zu machen. Eine Menagerie ersetzt seine lebenden Kinder.

Suok verkörpert den zarten Anfang.

Und doch liegt in diesem Märchen Magie: Es liegt in seiner einzigartigen Sprache, den beispiellosen Metaphern, die dieses Buch zu einer Art Lagerhaus unerschöpflicher Sprachmöglichkeiten machen. Aber wenn man anfängt, Metaphern aus dem Text zu zitieren, wird das viele, viele Seiten in Anspruch nehmen.

25. Entwicklung des Märchengenres in den 30er Jahren. Die Originalität eines Märchens, das eine literarische Quelle hat (K. Collodi – A.N. Tolstoi, F. Baum – A.M. Volkov, Anstey – Lagin).
Die 20er Jahre – das Leben im Märchen ist nicht einfach. Dies ist die Zeit, als Historiker in Charkow ein Märchenverbot verkündeten.

20er Jahre – es gibt einen Kampf gegen Märchen. Sie glaubten, dass ein Kind kein Märchen brauchte, dass das Märchen seinen Nutzen verloren hatte.

Märchen (außer Puschkin) wurden aus Bibliotheken beschlagnahmt. Marschaks Märchen wurden aus der Kinderlektüre verbannt und Tschukowskis „Moidodyr“ wurde wegen angeblicher Beleidigung von Schornsteinfegern verurteilt.

Am meisten verboten war „Die Tskotuha-Fliege“ – mit der Begründung, dass die Fliege eine verkleidete Prinzessin und die Mücke ein Prinz sei; Hornkäfer sind reiche Männer. Jeder war aufgerufen, den Tschukowismus zu bekämpfen.

M. Gorki schloss sich dem Kampf um das Märchen an. Er argumentiert, dass ein Kind biologisch Spiel braucht. Sie müssen mit Ihrem Kind lustig reden.

Bis zum Alter von 33 Jahren basierte das Märchen auf den Bedingungen der „Stieftochter“.

1936 wurde das Märchen legalisiert.

Die wahre Blütezeit des Märchens waren die 30er Jahre. Dies ist das goldene Zeitalter der Märchen.

Einer kommt heller heraus als der andere.

„Pinocchio“ – A. Tolstoi.

„Kapitän Vrungel“ – A. Nekrasov.

„Alter Mann Hottabych“ – Lagin.

Besonderheiten:

Alle gehen fast auf Folkloregeschichten aus anderen Ländern zurück. Dabei handelt es sich um Remake-Märchen (basierend auf einer bekannten Handlung).

„Alter Mann Hottabych“ – Enstein „Kupferkrug“.

„Der Zauberer von Oz“ – „Der Zauberer von OZ“

„Buratino“ – Pinocchio.

Die 30er Jahre werden mit den sozialen Untertönen des Werks in Verbindung gebracht. Die sozialen Motive von Märchen werden vom Autor selbst deutlich gemacht, sei es im Vorwort oder in der Handlung.

1) Das Motiv des Geldes („Old Man Hottabych“ – zuerst im Vorwort und dann in der Handlung. „The Snow Queen“ – stellt einen Handelsberater vor, der einen Rosenstrauch kaufen möchte. „The Golden Key“ ist ein Land voller Narren, voller sozialer Gegensätze).

2) Teamthema. Helden vollbringen ihre Heldentaten nicht alleine. Diese Tradition wurde von Yu. Olesha ins Leben gerufen.

26. Die Originalität der Kreativität von A. Green. Analyse des extravaganten Märchens „Scarlet Sails“

Greens gesamtes Werk ist ein Traum von dieser schönen und geheimnisvollen Welt, in der wundervolle, großzügige Helden leben, in der das Gute das Böse besiegt und alles Geplante wahr wird. Der Schriftsteller wurde manchmal als „seltsamer Geschichtenerzähler“ bezeichnet, aber Green schrieb keine Märchen, sondern die realsten Werke. Nur er erfand exotische Namen und Namen für seine Helden und die Orte, an denen sie lebten – Assol, Gray, Liss, Kaperna. Alexander Stepanowitsch hat alles andere aus dem Leben genommen. Er beschrieb sie zwar als wunderschön, voller romantischer Abenteuer und Ereignisse, von denen alle Menschen träumen.

Green lebte sozusagen zwei Leben. Der eine, der echte, war hart und freudlos. Aber in seinen Träumen und in seinen Werken wanderte er zusammen mit seinen Helden über das Meer, durchwanderte Märchenstädte ...

Einige Kritiker glauben, dass Greene solche Werke schrieb, weil er versuchte, ein „schmerzlich armes Leben“ mit seinen „wunderschönen Erfindungen“ zu bereichern und zu schmücken. (4.S.392)

Der berühmte Schriftsteller Eduard Bagritsky schrieb: „A. Green ist einer der Lieblingsautoren meiner Jugend. Er lehrte mich Mut und Lebensfreude“ (4.S.393). Green hat seine eigene Welt geschaffen, sein imaginäres Land, das nicht auf der geografischen Karte steht, das aber – und das wusste er ganz sicher – in der Vorstellung aller jungen Menschen existiert.

K. Paustovsky schrieb: „Nach Greenes Geschichten möchte ich den ganzen Globus sehen – nicht die Länder, die er erfunden hat, sondern echte, authentische, voller Licht, Wälder, mehrsprachigem Hafenlärm, menschlichen Leidenschaften und Liebe“ (5S.6 ).

Greene stellt alle seine Charaktere viele Male unter „außergewöhnlichen Umständen des Strebens nach einem Ziel“ auf die Probe. Seine Handlungen und Charakterisierungen schöpfen das Potenzial der Charaktere nicht einfach „bis auf den Grund“ aus. Er spricht wunderbar und überzeugend von der Unerschöpflichkeit, von der grenzenlosen Energie des menschlichen Geistes und Körpers. Es ist nicht verwunderlich, dass Psychophysiologen der Arbeit von Green Aufmerksamkeit schenken, seiner Vermutung über die Neigungen und Erscheinungsformen der menschlichen Natur im Prozess der Beziehungen zur Realität. Als Künstler versteht Green die Farben des Lebens und der Natur, die ihn umgeben, zu spüren. Die Welt der Künstler ist erstaunlich, sie schlägt gekonnt Brücken zum Beispiellosen, über das bisher weder in der Theorie noch in der Praxis der Menschheit etwas bekannt ist. All diese Merkmale sprechen natürlich von der romantischen Grundlage der Arbeit von A. Green. Greenes Romantik sagt nicht laut über sich selbst, dass er „die Welt mit der Kraft seiner Stimme riesig macht“. Aber ohne ein Wort zu sagen, offenbart der Autor es in seinen Werken, darunter „Scarlet Sails“.

Es liegt Intimität im Sehen und Darstellen, aber diese Intimität ist von besonderer Art. Greene poetisierte die Perfektion des Individuums in dem Glauben, dass Perfektion, bewaffnet mit dem Bewusstsein ihrer eigenen Macht, unwiderstehlich ist. Kunst ist in Greenes leidenschaftlicher Praxis „die funkelnde menschliche Seele, die durch künstlerische Anstrengung zum Ausdruck kommt“, und Greene setzt die Gabe der Vorstellungskraft mit „dem Verschmelzen der himmlischen Morgendämmerung“ gleich (3.S.93).

In Greenes Stil interagieren Emotionen und Vernunft, schwer fassbare Eindrücke und tief durchdachte Beweise ständig. Die Handlung, das Bild und die Phrase unterliegen dieser Funktion.

In seinem Werk „Scarlet Sails“ zeigte Green in seinen märchenhaften Bildern und Erfindungen, dass „eine Fantasie immer wahr wird, aber sie wird genau als das „assoziativ-Mögliche“ wahr, das den Bedingungen nicht nur Ihrer Existenz innewohnt , sondern auch die Existenz Ihrer Umgebung“ (3 .S.97).

Darüber hinaus zeigt eine Analyse von Greens kreativem Erbe, dass viele seiner Geschichten, die auf formalen Merkmalen basieren – ungewöhnliche Namen, Schauplätze, eine gewisse Komplexität in der Entwicklung der Handlung usw. – oft als romantische Werke betrachtet werden, aber inhaltlich, in ihrer Idee, Sie sind völlig realistisch. Was ist im Wesentlichen die Geschichte „Rene“, wenn nicht ganz realistisch. Allerdings kann man in Geschichten wie „Die Rückkehr“ und „Der Kommandant des Hafens“ Greens angeblichen Übergang zum Realismus kaum erkennen (M. Slonimsky. Alexander Green). Die Stärkung realistischer Züge in der einen oder anderen seiner Erzählungen (und nicht nur in seinen späteren) hing in erster Linie vom Inhalt jedes einzelnen Werkes und von den Aufgaben ab, die sich der Autor stellte. Der Hauptton der Geschichte war mehr oder weniger von Romantik durchdrungen. Dies ist eine Geschichte weiblicher Liebe – beleidigt und gerächt, aber treu bis zum Ende; oder „Der Landstreicher und der Aufseher“ – eine kurze Skizze über die heiße Frühlingssonne, einen gesprächigen Gefangenen und einen faulen, selbstgefälligen Aufseher, der unter dem hartnäckigen Gerede eines verhafteten Landstreichers einschlief; oder „Six Matches“ – eine dramatische Geschichte über zwei Schiffbrüchige.

Man könnte sagen, dass in vielen von Greenes Geschichten dieser Art romantische Charaktere unter realistischen Umständen agieren.

Dies beseitigt keineswegs die Frage nach der Romantik als Methode von Greens Kreativität. Ja, Green ist ein Romantiker schlechthin, er ist der romantischen Methode immer treu geblieben (das beweist zumindest sein letzter unvollendeter Roman „Touchable“), aber im Laufe seiner gesamten Karriere schrieb er gleichzeitig realistische Geschichten und romantische Geschichten. Greens realistische Werke wurden als zweitrangig angesehen. Der Grund dafür liegt höchstwahrscheinlich darin, dass die überwiegende Mehrheit von ihnen kaum nachgedruckt und nicht kritisch untersucht wurde. Und obwohl sie eigentlich nur einen kleinen Teil von Greenes Vermächtnis ausmachen, prägen sie den Schaffensweg des Schriftstellers ebenso wie die romantischen Werke, die die Grundlage seiner Prosa bilden.

Es genügt zu sagen, dass von fast 500 Erzählungen Greenes in der Gesamtsammlung in 6 Bänden (Pravda-Verlag, 1965) nur 170 veröffentlicht wurden, und von den letzteren wurden mehr als 50 Erzählungen nur einmal zu Lebzeiten des Autors veröffentlicht. Und meistens handelt es sich dabei um Geschichten realistischer Natur. A. Roskin schrieb auch, dass seine „frühen Werke mit Schwerpunkt auf dem Alltagsleben heute völlig in Vergessenheit geraten.“

Als Green im harten und hungrigen Jahr 1921 die Extravaganz „Scarlet Sails“ schrieb, waren viele überrascht: Wie konnte der damalige Schriftsteller ein so helles, lyrisches Märchen schaffen?

Allerdings handelt es sich bei dieser Extravaganz nicht um ein Märchen über eine unbekannte Welt, in der ein geheimnisvoller Prinz Aschenputtel einen Kristallschuh brachte. Dies ist ein Märchen über die heutige Realität, allerdings nur aus der Sicht eines Zauberers. Daher hat sich in dieser Realität auf subtile Weise etwas verändert: Etwas ist in den Schatten getreten, etwas ist heller geleuchtet, die Farben haben sich geändert, Ereignisse haben sich leicht verschoben, neue Namen und Titel sind aufgetaucht. Aber die reale Lebensgrundlage, auf der das Märchen wuchs, ist erhalten geblieben, und heute empfinden wir diese Extravaganz als eine Hymne an die Romantik menschlicher Beziehungen. Es gab vielleicht kein Kaperny, es gab kein Gray und kein Assol, es gab kein Schiff mit scharlachroten Segeln, aber „Kaperny“ existierte und wird immer existieren, „Assol“ und „Gray“ lebten und werden leben, „Schiffe mit scharlachroten Segeln“ segelte und wird über die Meere segeln“ – all das gab und wird es auf der Erde geben, solange gute Menschen auf ihr leben – Romantiker, die so viel zu lieben wissen, so viel träumen, so sehr an die Erfüllung von glauben Träume.

Eine romantische Wahrnehmung der Welt zieht sich durch alle Werke von Greene, aber seine Einstellung zur Romantik veränderte sich im Laufe der Jahre, ebenso wie seine Einstellung gegenüber seinen romantischen Helden.

Besonders deutlich wird dies in seinen Romanen. In „Scarlet Sails“ besang Green den Traum und die Menschen, die daran glauben, aber der nächste Roman, „The Shining World“, ist wie ein scharfer Blick in die ferne Zukunft, in der ein Mensch die Macht überwinden kann Schwerkraft und wird in der Lage sein, frei und leicht zu fliegen, unterscheidet sich deutlich von „Scarlet Sails“ mit deutlich wahrnehmbaren pessimistischen Anklängen. Grip sieht die Schwierigkeiten, die sich auf dem Weg menschlicher Träume ergeben, und versteht, dass die Realität in der Person gewöhnlicher, geerdeter Menschen einem Menschen, der versucht, sich über das Gewöhnliche zu erheben, heftigen Widerstand leisten wird.

Daher fühlt sich der Held des Romans Drood nur in einer von der Realität abgeschirmten Welt voller Musik und Frieden wohl. Er will die Grenzen dieser geschlossenen Welt nicht überschreiten und kommt bei einem seiner Zusammenstöße mit der Realität ums Leben. Der Vogelmann, ein wahrgewordener Traum, stirbt, aber die Menschen, die ihn getötet haben, leben weiter, als ob sich nichts geändert hätte. War es den Traum wert?

Im Roman spürt man die Lebensmüdigkeit, den Perspektivverlust und die Hilflosigkeit des Autors gegenüber den Schlägen der Realität. Vielleicht erklärt sich dies durch den vorübergehenden Aufstieg des neuen Kleinbürgertums, das durch die NEP hervorgebracht wurde und den Schriftsteller einige Zeit lang die Ohnmacht der Träume vor dem Triumph des Spießertums spüren ließ, das sich als Herr des Lebens vorstellte.

Dieser Pessimismus wird jedoch nicht lange anhalten. Bereits in „Die goldene Kette“ triumphieren, wenn auch durch den Tod Hannovers verdüstert, Töne des Optimismus. Dieser Roman ist, wie bei Greene üblich, ein Abenteuerroman, aber im besten Sinne des Wortes, denn die Hauptsache darin ist nicht Hannovers zufällige Entdeckung einer goldenen Ankerkette, nicht eine Beschreibung seines Märchenschlosses, und nicht einmal die Jagd einer Gruppe Abenteurer nach den unermesslichen Reichtümern des Helden. All dies ist nur ein unterhaltsamer Hintergrund für eine lebendige Darstellung menschlicher Charaktere, für die Bestätigung von Greens altem Lieblingsgedanken – das Gute wird immer triumphieren, das Böse muss besiegt werden. Und wie klare Sterne am klaren Nachthimmel werden die Taten und Seelen guter Menschen immer für die Menschen leuchten. Diese Lyrik der Darstellung, Intensität der Emotionen, Reinheit der Gedanken positiver Charaktere, ihre Loyalität, Hingabe, Aufrichtigkeit der Erfahrungen – all dies bildet die Grundlage des Inhalts von „The Golden Chain“.

27. Die Realität revolutionärer Ereignisse und die Abenteuerromantik in der Geschichte von Val.Peter. Kataev „Das einsame Segel ist weiß.“
Im Laufe seines Lebens wandte sich Valentin Petrovich Kataev immer wieder der Kreativität für Kinder zu. Geboren 1897 in Odessa. Vater und Mutter sind Lehrer. Ohne das Abitur abzuschließen, meldete sich Kataev freiwillig an der Front, schrieb dort Gedichte und fertigte Prosaskizzen über militärische Ereignisse und den Alltag eines Soldaten an.

Die Geschichte „The Lonely Sail Whitens“ wurde in der Zeitschrift „Krasnaya Nov“ veröffentlicht und erschien fast sofort als separate Veröffentlichung. Hohes Pathos, Lebendigkeit der Fakten. Kataev ist ein talentierter Alltagsautor.

Der Seemann Rodion Schukow kommt in der Geschichte nicht oft vor, aber er nimmt eine der Hauptrollen im Buch ein. Im Gegensatz dazu dargestellt - Petjas Vorstellung von einem schrecklichen Räuber und der Eindruck, den der Seemann in der Realität macht.

Mithilfe der Kontrasttechnik entsteht das psychologische Bild eines Mannes mit „schüchternem Lächeln“, der durch sein eigenes Eindringen in die Postkutsche, in der der Lehrer Bachey mit zwei Kindern unterwegs ist, verlegen ist und nur aus äußerster Gefahr zum Bleiben gezwungen wird darin. Auf diese Weise beginnt die von Petjas Fantasie geschaffene Fiktion über den Räuber zusammenzubrechen und zeichnet das wahre Bild von Schukow auf.

In der Szene der Verfolgung des „schnauzbärtigen“ Matrosen auf dem Dampfer „Turgenev“ kommen Schukows verzweifelter Mut und Einfallsreichtum zum Vorschein.

Jede Szene des Erscheinens des Seemanns bringt ihn dem Leser näher und vertieft das psychologische Bild dieses Bildes.

Kataev gelang es, die Beziehungen zwischen Kindern verschiedener Schichten der vorrevolutionären russischen Gesellschaft auf neue Weise aufzuzeigen.

Kataevs Geschichte ist eines der Bücher, das in seinem Geist vorrevolutionäre, wohlerzogene und wohlmeinende Charaktere mit Langeweile politisiert. Die Beziehung zwischen Gavrik und Petya ist eine normale Beziehung zwischen ungefähr gleichaltrigen Männern. Jeder von ihnen ist für sich interessant.

Mit großem Geschick stellt Kataev die Komplexität von Petits spiritueller Welt, die Vielfalt seiner Erfahrungen dar. „Er spürte aus tiefstem Herzen, dass er in dieser kalten und verlassenen Welt des frühen Morgens ein völliger Fremder war.“

Der Autor zwingt seine Figuren nicht dazu, erwachsen zu werden; er zeigt, wie der Junge selbst in der für Gavrik schwierigsten Zeit, in der er vieles selbst entscheiden musste, begeistert Petjas Schulmütze „untersucht“.

Die Fähigkeit zu zeigen, dass Kinder auch unter schwierigsten Lebensbedingungen Kinder bleiben, lässt sein ästhetisches Konzept dem charakteristischen Gorki, Gaidar und Kassil ähneln.

28. Ark.Peter. Gaidar. Merkmale kreativer Art. Kreis von Ideen, Bildern. Streitigkeiten über Gaidar heute. ANALYSE EINER DER GESCHICHTEN
Zwei Leidenschaften zogen Arkady Golikov seit seiner Kindheit an – Abenteuer und Bücher. Als er zehn Jahre alt war, versuchte er an die Front zu fliehen, mit zwölf patrouillierte er mit Waffen durch die Ulips von Arzamas, der Stadt seiner Kindheit, mit dreizehn wurde er erstmals mit einem Messer in der Brust verwundet, und mit vierzehn er trat der RCP (b) bei und ging als Adjutant einer Sondereinheit an die Front. Seine Eltern – typische Intellektuelle aus der Provinz – halfen 1905–1907 dem revolutionären Untergrund. Arkady trat in ihre Fußstapfen (er wird aus der Partei ausgeschlossen, weil er seine Machtbefugnisse überschritten hat, und wird nie wieder in ihre Reihen aufgenommen). Der zukünftige Schriftsteller erhielt seine Ausbildung größtenteils dank seines Vaters und seiner Mutter (Petr Isidorovich, der aus einer Soldaten-Bauern-Familie stammte, arbeitete als Lehrer, und Natalya Arkadievna, eine Adlige, unterrichtete die Kinder in Französisch). Auch an der Arzamas Real School, wo er zwischen 1914 und 1918 studierte, hatte Arkady Glück: Dort unterrichteten talentierte und frei denkende Menschen. Das Lesespektrum war für Jungen dieser Zeit traditionell – russische epische Klassiker, insbesondere Gogol, und übersetzte Abenteuerliteratur, insbesondere Mark Twain.

Arkady Gaidar ist ein Schriftsteller mit militärischem Denken. In seinen Geschichten und Erzählungen gibt es nur zwei Zustände von Land und Volk – Krieg und Frieden. Gaidars Hauptfiguren sind in der Regel nicht an ihre Heimat gebunden und immer zu entschlossenem Handeln bereit. Kinder wachsen zu neuen Kämpfern heran und das Beispiel ihrer Väter ist ihnen sehr wichtig. Sogar Gaidars Landschaften und Innenräume basieren auf dem Kontrast von Ruhe und Angst. Die Grundlage der Geschichten, Kurzgeschichten und Märchen des Autors war das Detektiv-Abenteuer-Genre, sie enthalten jedoch fast immer ein Geheimnis – das eines Jungen oder eines Erwachsenen. Dem Autor gelang es am besten, Bilder von „Jungen“ darzustellen, die Spiel und Unfug leicht entkommen und in ein Erwachsenenleben voller Gefahren flüchten, in dem sie mit moralischer Intuition ihren Weg wählen. In der Erzählung „Patronen“ (1926) beleuchtete der Autor sein Hauptthema – Kinder und Krieg.

In allen Werken Gaidars verkörpern Kinder und Jugendliche, wenn auch nicht ohne Mängel, im Allgemeinen das Ideal einer Person. In ihrer moralischen Welt spiegelt sich der Krieg reiner wider; sie führen darin die Ethik des Spiels ein: „R. V.S.“ (1926), die Erzählung „Auf den Ruinen des Grafen“ (1928). Gaidar hatte ein gutes Gespür für seinen Leser und die Nuancen seiner Alterswahrnehmung. So sind die an Kinder im Vorschulalter gerichteten Miniaturgeschichten „Wassili Krjukow“, „Wanderung“, „Marusja“, „Gewissen“ (1939-1940) einfach und unterhaltsam.

Kinder und Jugendliche werden in der Darstellung des Autors stets genau nach Alter definiert, während erwachsene Helden vor allem nach sozialideologischen Merkmalen eingeteilt werden. Nicht weniger zuverlässig ist der psychologische Unterschied zwischen Jungen und Mädchen, der Unterschied in ihrem Verhalten. Ein listiger Geist und überstürztes Handeln, Verzweiflung und lebendige Angst, purer Glaube und naive Wahnvorstellungen – diese und andere widersprüchliche Eigenschaften charakterisieren Gaidars Jungen und Soldaten der Roten Armee, wie Bumbarash aus der unvollendeten gleichnamigen Geschichte.

Gaidars Helden, die in den 30er Jahren leben, zeichnen sich im Allgemeinen durch größere innere Reife und Ernsthaftigkeit aus. Dabei handelt es sich um Kinder, die sich bewusst darauf vorbereiten, Erwachsene in Kampf- oder Arbeitspositionen zu ersetzen, und um Erwachsene, die harte Prüfungen durchlaufen haben und ihre Ideale an die jüngere Generation weitergeben.

Eines der besten Werke des Autors, die Geschichte „The Blue Cup“ (1936), zeichnet sich durch seinen tiefen psychologischen Subtext, seine Lyrik und seinen fantastischen Erzählstil aus.

In der sowjetischen Kinderliteratur etablierte Gaidar das Bild eines Kindes als heldenhaftes Opfer. Das aufschlussreichste Werk in dieser Hinsicht ist die Geschichte „Militärgeheimnis“ mit der Einbeziehung „Die Geschichte vom Militärgeheimnis, vom Malchish-Kibalchish und seinem festen Wort“. Diese Geschichte erschien bereits 1933 separat. Darin formierte sich schließlich Gaidars Mythos vom Bürgerkrieg, der auf dem Widerspruch zwischen der Unzulässigkeit von Kinderopfern und ihrer Akzeptanz im Namen eines höheren Ziels basierte.

Auch in Friedenszeiten lauerten Gefahren auf Kinder: Besonders besorgt war Gaidar um das Schicksal der jüngeren Generation, die in den Jahren der Säuberungen Stalins ohne Vater blieb. Seine Erzählung „Das Schicksal des Schlagzeugers“ widmet sich diesem für den Autor sehr gefährlichen Problem. Die Jungen aus der Geschichte „Chuk und Gek“ (1938) können Fehler machen, aber ohne tragische Folgen, denn ihr Vater, die Rote Armee und das ganze Land schützen ihre Kindheit. Starke Einheit des Landes und der Familie – das ist Gaidars Ideal, das in einer Zeit heftiger Widersprüche zwischen dem Sowjetland und der Sowjetfamilie verkündet wird. Die ersten Monate des Großen Vaterländischen Krieges vergingen, als die Pionerskaja Prawda Arkady Gaidars Märchen „Heißer Stein“ veröffentlichte. Die Grundidee des Märchens besteht darin, dass sich jeder Mensch – im frühen oder reifen Alter – eines Tages mit Sicherheit auf einem „heißen Stein“ verbrennen wird, der die Suche nach dem Sinn des Lebens symbolisiert. Das Verdienst von A.P. Gaidar bestand darin, dass er das schwierigste Problem eines jeden Schriftstellers eines positiven Helden lösen konnte – zuverlässig, lebendig und modern. Die Geschichte „Timur und sein Team“ (1939-1940) wurde jahrzehntelang zum Hauptbuch der Pioniere und Timur wurde ein bekannter Name. Die Geschichten über Timur Garayev und sein Team sind ein Beispiel für echte Literaturklassiker, die eine große pädagogische Wirkung auf die Leser haben können. Das Werk von Arkady Gaidar ist auch deshalb wertvoll, weil es die dramatischen Etappen unserer Geschichte widerspiegelt – von den vorrevolutionären Jahren bis zum Beginn des Großen Vaterländischen Krieges. Wovon Menschen träumten und wie sie ihre Träume verwirklichten, was sie besonders schätzten und was sie nicht bemerkten, worüber sie sich irrten und was sie sicher wussten, wie sie ihr Leben organisierten, wie sie verloren, was sie erworben und gelebt hatten - Darüber und noch viel mehr, das uns wissenschaftliche Studien nicht verraten, erfahren wir aus Gaidars Büchern.
KURZ: Ein großes Phänomen in der Kinderliteratur der 1920er und 1930er Jahre war die Prosa von Arkadi Petrowitsch Gaidar (1904–1941).

Im Wesentlichen wurde sein Werk zu einer Chronik dieser zwei Jahrzehnte. Gaidars erste Geschichten sind dem Bürgerkrieg gewidmet: Er nahm daran teil und befand sich bereits mit vierzehn Jahren an der Front. Der Krieg hat ihn viel gelehrt, ihn zu einem erwachsenen Kämpfer gemacht, aber auch seine ersten, fast kindlichen Eindrücke blieben für immer in seiner Erinnerung. Gaidar verfolgte mit unerschöpflichem Interesse das Leben des Landes und wie es sich veränderte. Aber nicht weniger interessant für ihn waren die Menschen – die Generation der Erwachsenen und noch mehr – die Generation des Erwachsenwerdens.

TIMUR UND SEIN TEAM
Gaidar basierte die Handlung auf der Geschichte eines Spiels, das eine Gruppe von Kindern im Sommer in einem der Datscha-Dörfer in der Nähe von Moskau begann. Die Helden des Werkes leben in einer besorgniserregenden Atmosphäre der Vorkriegszeit, irgendwo herrscht bereits Krieg, und deshalb hat das Spiel von Timur und seinen Freunden ein großes, ernstes Ziel – den Familien derer zu helfen, die darin leben die Rote Armee. Durch die Geschichte dieses Spiels, um die sich die wichtigsten Handlungskonflikte der Geschichte drehen und definieren, löst Gaidar tatsächlich das Hauptthema der Arbeit – das Thema der Erziehung eines modernen Kindes.

Als der Autor die Geschichte über Timur schrieb, war ihm zweifellos klar, wie wichtig und bedeutsam das Spielen im Leben eines Kindes ist. Es ist nicht schwer zu erkennen, dass viele der Helden seiner anderen Werke auch ständig an Spielen teilnehmen, die meisten davon an Spielen, die das Leben nachahmen und das Kind in große, lebenswichtige Angelegenheiten einbeziehen („Militärgeheimnis“).

So kam er auf die Idee, eine neue Spielform zu schaffen, die sich durch ihren ausgeprägten sozialen Charakter grundlegend von vielen bisherigen Kinderspielen unterscheidet und sie mit dem Leben verbindet.

In Gaidars Ansichten über das Spiel und seine ernsthafte Bedeutung für die Förderung der Initiative, des Zusammenhalts und der Weckung der sozialen Interessen von Kindern fanden die wichtigsten Prinzipien fortgeschrittenen pädagogischen Denkens und pädagogischer Wissenschaft ihren künstlerischen Ausdruck.

Wie andere Autoren entwickelt er in seinem Werk die wunderbare Idee von A. S. Makarenko weiter, dass ein Kind im echten Spiel die richtige Einstellung gegenüber Menschen, gegenüber dem Team und zukünftigen Charaktereigenschaften entwickelt.

In dem Spiel der Helden des Buches gibt es eine sehr bemerkenswerte Besonderheit: Die Jungs imitieren nicht, stellen keine echte, echte Sache dar, sondern erschaffen sie; Spiel und Geschäft sind hier miteinander verflochten, miteinander verschmolzen. Das Spiel von Timur und seinen Freunden kann ohne die darin verwirklichten ernsthaften Lebensziele nicht existieren; Aber die praktischen Aktivitäten der Kinder wären nicht möglich gewesen, wenn sie nicht organisch in das spannende Spiel eingebunden worden wären.

Für einige Zeit übernimmt das Spiel das gesamte Leben der Mitglieder von Timurovs Team und wird zu einer Form der Manifestation ihrer sozialen Interessen; Es drückt den Wunsch der Kinder nach sozialen Aktivitäten aus. Durch das Spiel führt Gaidar seine Helden zu einem Bewusstsein für die Notwendigkeit einer echten Aufgabe und zu einem Verständnis dafür, dass diese Aufgabe freudig und wünschenswert ist. Das erstaunliche Erfolgsgeheimnis von „Timur und seinem Team“ besteht darin, dass Gaidar ein grundlegendes Gespräch über hohe moralische Standards, die Anforderungen an einen Menschen in der Gesellschaft, so einfach, einfach und natürlich angehen konnte wie Mayakovsky in dem Gedicht „What ist gut und schlecht.“

Gaidar strukturiert das Buch so, dass dem Leser die Bedeutung der Aktivitäten von Timur und seinen Freunden nicht sofort erschließt. Zusammen mit der Heldin des Werkes, Zhenya Alexandrova, kommt der Leser nach und nach zu einem Verständnis für alles, was passiert, zu unerwarteten Entdeckungen.

Im Laufe der Geschichte lässt Gaidar die Helden des Spiels gegen Erwachsene antreten – Menschen unterschiedlicher Berufe, Altersgruppen und Charaktere. Die Beziehung zwischen Timur und seinem Team zur Erwachsenenwelt ist manchmal sehr kompliziert. Sie werden durch die Tatsache erschwert, dass alle Angelegenheiten der Kinder von Geheimhaltung umgeben sind, dass die wahre Bedeutung dieser Angelegenheiten vor anderen verborgen bleibt und für sie unverständlich ist. Dies führt natürlich zu Missverständnissen, ärgerlichen Fehlern und direkten Auseinandersetzungen. Nicht alle Erwachsenen sind in der Lage, das, was sie sehen, ernst und nachdenklich zu nehmen. Timur und seine Freunde spielen ein Spiel, das so neu und ungewöhnlich ist und nicht in die üblichen Vorstellungen von Kinderbeschäftigungen passt, dass Erwachsene es oft nicht nur seltsam, sondern auch verdächtig gefährlich finden. Typisch dafür ist das Gespräch zwischen Timur und seinem Onkel. Timur fragt, was sein Onkel und seine Kameraden gemacht haben, als sie Jungen waren. „Wir?...“ antwortet der Onkel. „Wir sind gerannt, gesprungen, auf die Dächer geklettert; Es kam vor, dass sie kämpften. Aber unsere Spiele waren einfach und für jeden verständlich.“

Und doch verfolgt Gaidar trotz der negativen Einstellung einiger Erwachsener zum Spiel von Timur und seinem Team im Laufe der Geschichte beharrlich die Idee, dass dieses Spiel untrennbar mit den Angelegenheiten des gesamten Landes verbunden ist. Es spiegelt wie ein Wassertropfen die typischen Verhältnisse der gesamten sozialistischen Gesellschaft wider.

Die Hauptfigur der Geschichte ist natürlich Timur – ein charmanter Träumer und Visionär – ein echter Anführer der Jungs. Er hat wunderbare menschliche Eigenschaften – Mut, unerschütterliche Ausdauer, spirituelle Weite, Fröhlichkeit. Und gleichzeitig ist Timur ein gewöhnlicher und netter Junge, ein Gleicher unter Gleichen, der sich von den anderen nur durch seine großen organisatorischen Fähigkeiten und seine große Klarheit der Sicht auf die Welt abhebt. Er ist leicht im Umgang mit seinen Kameraden, und sie gehorchen ihm bereitwillig und fröhlich, so wie Kinder im Allgemeinen ihrem gewählten Kommandanten in einem ernsthaften und fairen Spiel gehorchen. Dies ist wirklich der Held, der, ohne die zwölf Arbeiten des Herkules auszuführen, Zustimmung, Bewunderung und den Wunsch nach Nachahmung weckt.

29. Das Problem der Charakterbildung, das Thema Ehre und Schande im Roman von Ven.Alex. Kaverin „Zwei Kapitäne“.
Sein Roman ist teilweise autobiografisch.

1 Buch – 1938.

Buch 2 – 1944.

Prototypen.

KAPITÄN TATARINOV:

1) Polargeologe Rusanov. Alle seine Leute starben auf der Expedition. "Herkules".

2) Brusilovs Expedition. Fast alle starben. „St. Anna".

3) Sedovs Expedition. Er hatte eine schlechte Ausrüstung.

Das Bild des Kapitäns ist kollektiv und schafft das Bild eines mutigen Mannes, eines edlen Mannes. Er war nicht nur ein Navigator, sondern auch ein Wissenschaftler (er schrieb Bücher über die Natur, machte eine Entdeckung über das Eis).

Kapitän Tatarinov war Sanyas geistiger Vater.

1) Professor-Genetiker Mikhail Lobashev. Bis zu seinem neunten Lebensjahr war er stumm und lebte in einer Kommune. 1 Buch.

2) Klebanov – ein Polarflieger, der heldenhaft starb. Buch 2.

Pskow ist der Prototyp der Stadt Ensk.

Die Charaktere von Kapitän Tatarinov und Sanya sind ähnlich – zielstrebig.

Sanya möchte die Ehre von Kapitän Tatarinov in den Augen Russlands wiederherstellen und begibt sich deshalb auf eine Expedition.

NEGATIVER HELD

N / A. TATARINOV – profitierte von seinem Cousin, der auf der Expedition starb.

KAMILLE ist eine unehrliche Person. Informant, Verräter. Ich habe mein ganzes Leben lang Geld gespart.

Die Frage der Ehre rückt in den Vordergrund.

Kaverins Motto: „Seien Sie ehrlich, tun Sie nicht so, versuchen Sie, die Wahrheit zu sagen und bleiben Sie selbst in schwierigen Situationen.“

3 Mottos von Sani Grigoriev:

1) „Kämpfe, suche, finde und gib nicht auf.“

2) „Wenn es einen geben soll, dann der Beste sein.“

3) „Keine halben Sprünge machen“, „Vorwärts!“

Das Problem der Ungerechtigkeit: kannte den Mörder, konnte es aber nicht sagen.

30. Das Thema der ersten Liebe in R. Fraermans Geschichte „The Wild Dog Dingo…“. Das Bild der Hauptfigur, das Bild ihrer inneren Welt.
Er studierte an der Eisenbahnfachschule. Ich war im Fernen Osten, der Bürgerkrieg begann und ich verliebte mich in den Fernen Osten.

1938 – „Der wilde Hundedingo“.
Der Zeitpunkt des Handelns liegt am Vorabend des Zweiten Weltkriegs.

Fraerman beschäftigt sich mit einer sehr seltenen Sache – der Erziehung von Gefühlen.

Das Thema der ersten jugendlichen, romantischen Liebe.

Ich habe es mir zur Aufgabe gemacht, den Ursprung der reinen, hohen Liebe aufzuzeigen.

Gleichzeitig wirft er das Problem der familiären Umstände auf (Kolya wird von Tanyas Vater großgezogen).

Seine Helden sind gewöhnliche Menschen.

Der Autor eröffnet uns die Welt der kindlichen Seele mit ihren unerklärlichen Impulsen, Träumen, Bewunderung für das Leben, Hass, Freuden und Sorgen.

Sie ist einsam. Und das ist ihr Unglück. Das Mädchen hat ein Zuhause, eine Mutter (obwohl sie immer im Krankenhaus arbeitet), eine Freundin Filka, ein Kindermädchen, eine Katze usw.

Die ganze Welt. Doch das alles wird ihren Vater nicht ersetzen, den Tanya überhaupt nicht kennt und der weit, weit weg lebt.

Kolya wird für sie zum Objekt von Schadenfreude, Aggression und Wut.

Dann erkennt sie, dass sie ihn liebt.

Sie versteht, dass ihre Mutter auch ihren Vater liebt, der nicht wie Filka ein Freund für sie werden kann.

Der Held sollte ein ehrliches, mutiges und sanftes Mädchen sein und das Gefühl sollte hoch und strahlend sein. (Fraerman).

„, „In Menschen“ (1913-1916) und „Meine Universitäten“ (1925) porträtiert M. Gorki einen Menschen, der zur spirituellen Selbstentwicklung fähig ist. Der Prozess der menschlichen Bildung war neu in . In berühmten Werken über die Kindheitsjahre von S. Aksakov, L. N. Tolstoi wurde das Hauptaugenmerk auf die Darstellung der inneren Welt eines Kindes gelegt. Forscher von Gorkis Werk glauben, dass der soziale Charakter des Helden der Trilogie, die Gemeinsamkeit des Schicksals mit dem Volk es von anderen Beispielen des autobiografischen Genres unterscheidet. Die von Gorki dargestellte Kindheit ist alles andere als ein wunderbarer Lebensabschnitt. Dies sind nicht nur die Seelen eines Kindes, sondern auch russische in einer bestimmten Zeit.

Der Held von „Childhood“ blickt in dieses Leben, auf die Menschen um ihn herum, versucht die Ursprünge des Bösen und der Feindseligkeit zu verstehen und wendet sich dem Licht zu. Ich selbst habe in meiner Kindheit viel gesehen und erlebt. Er schrieb: „Wenn ich an diese bleiernen Abscheulichkeiten des wilden russischen Lebens denke, frage ich mich minutenlang: Lohnt es sich, darüber zu sprechen?“ Und mit neuem Selbstvertrauen antworte ich mir: Es lohnt sich; Denn das ist eine hartnäckige, abscheuliche Wahrheit, sie ist bis heute nicht ausgestorben. Dies ist die Wahrheit, die bis in die Wurzeln bekannt sein muss, um sie aus den Wurzeln, aus der Erinnerung, aus der menschlichen Seele, aus unserem ganzen Leben herauszureißen, schwierig und beschämend. Und es gibt noch einen weiteren, positiveren Grund, der mich dazu veranlasst, diese Abscheulichkeiten zu zeichnen. Obwohl sie abscheulich sind, obwohl sie uns zermalmen und viele schöne Seelen zu Tode zermalmen, ist der Russe immer noch so gesund und jung im Herzen, dass er sie überwindet und überwinden wird.“

Obwohl diese Aussagen vom Autor erst im 12. Kapitel gemacht werden, bilden sie den roten Faden der Geschichte. Die Erzählung verläuft nicht in chronologischer Reihenfolge, sondern sequentiell und ruhig: Die vom Autor gezeichneten Bilder entstehen als Ergebnis der stärksten Eindrücke, die das Kind bei der Begegnung mit der Realität hinterlassen hat.

Gorki kennt die Merkmale der kindlichen Psyche und zeigt das Dunkle und Tragische im Gegensatz zum Hellen und Fröhlichen, das auf das Kind den stärksten Eindruck macht. So wird der schwere Eindruck der Bilder vom tragischen Tod des Vaters durch ein Gefühl der Nähe zu einer außergewöhnlichen Person ersetzt – der Großmutter; das Bild der unmenschlichen Grausamkeit des Großvaters bei der Bestrafung von Kindern grenzt an die Beschreibung des intimen Gesprächs des Großvaters mit Aljoscha; Den inquisitorischen Unterhaltungen der Onkel stehen die freundlichen und witzigen Vergnügungen der Zigeuner gegenüber. Es ist wichtig, den „engen, stickigen Kreis schrecklicher Eindrücke“ zu sehen, in dem Aljoscha in der Familie Kashirin lebte und wie sich die Vorstellungen des Helden über die Moral seiner eigenen Welt außerhalb des Hauses seines Großvaters verbreiteten.

Aljoscha wurde stark von den „schönen Seelen“ beeinflusst, die er im Haus seines Großvaters und in der Welt um ihn herum traf und die „Hoffnung auf Wiedergeburt … in ein strahlendes, menschliches Leben“ einflößten. Die Besonderheit von „Childhood“ besteht darin, dass die Erzählung im Namen des Erzählers erzählt wird. Diese Art der Darstellung ist nicht neu, aber die Schwierigkeit liegt darin, dass das Dargestellte in der Geschichte sowohl mit den Augen eines Kindes, der Hauptfigur, die mitten im Geschehen ist, als auch mit den Augen eines Kindes gesehen wird weise Person, die alles aus der Perspektive großer Lebenserfahrung beurteilt.

Gerade die Tatsache, dass der Erzähler in der Geschichte die leidenschaftliche Spontaneität der kindlichen Weltwahrnehmung bewahrt und gleichzeitig eine tiefgreifende sozialpsychologische Analyse liefert, lässt den Schluss zu, dass Gorki versucht hat, Abscheu vor den „Greuel“ zu wecken des Lebens“ und wecken Liebe für das geistig großzügige, beharrliche und talentierte russische Volk.

Brauchen Sie einen Spickzettel? Dann speichern – „Gorkis autobiografische Trilogie.“ Literarische Essays!

In den Geschichten der autobiografischen Trilogie „Kindheit“, „In Menschen“ (1913-1916) und „Meine Universitäten“ (1925) porträtiert M. Gorki einen Helden, der zur spirituellen Selbstentwicklung fähig ist. Der Prozess der menschlichen Bildung war in der Literatur neu. In berühmten Werken über die Kindheitsjahre von S. Aksakov, L. N. Tolstoi wurde das Hauptaugenmerk auf die Darstellung der inneren Welt eines Kindes gelegt. Forscher von Gorkis Werk glauben, dass der soziale Charakter des Helden der Trilogie und die Gemeinsamkeit des Schicksals mit dem Volk dieses Werk von anderen Beispielen des autobiografischen Genres unterscheiden. Die Kindheit, wie Gorki sie beschreibt, ist alles andere als eine wunderbare Zeit im Leben. Dies ist nicht nur die Geschichte der Seele eines Kindes, sondern auch die Geschichte des russischen Lebens in einer bestimmten Zeit.

Der Held von „Childhood“ blickt in dieses Leben, auf die Menschen um ihn herum, versucht die Ursprünge des Bösen und der Feindseligkeit zu verstehen und wendet sich dem Licht zu. Der Schriftsteller selbst hat in seiner Kindheit viel gesehen und erlebt. Er schrieb: „Wenn ich an diese bleiernen Abscheulichkeiten des wilden russischen Lebens denke, frage ich mich minutenlang: Lohnt es sich, darüber zu sprechen?“ Und mit neuem Selbstvertrauen antworte ich mir: Es lohnt sich; denn es ist hartnäckig, abscheulich, es ist bis heute nicht ausgestorben. Das ist die Wahrheit, die man bis in die Wurzeln kennen muss, um sie aus der Erinnerung, aus der Seele eines Menschen, aus unserem ganzen Leben, schwierig und beschämend, auszurotten. Und es gibt noch einen weiteren, positiveren Grund, der mich dazu veranlasst, diese Abscheulichkeiten zu zeichnen. Obwohl sie abscheulich sind, obwohl sie uns zermalmen und viele schöne Seelen zu Tode zermalmen, ist der russische Mensch immer noch so gesund und jung im Herzen, dass er sie überwindet und überwinden wird.“

Obwohl diese Aussagen vom Autor erst im 12. Kapitel gemacht werden, bilden sie den roten Faden der Geschichte. Die Erzählung verläuft nicht in chronologischer Reihenfolge, sondern sequentiell und ruhig: Die vom Autor gezeichneten Bilder entstehen als Ergebnis der stärksten Eindrücke, die das Kind bei der Begegnung mit der Realität hinterlassen hat.

Gorki kennt die Merkmale der kindlichen Psyche und zeigt das Dunkle und Tragische im Gegensatz zum Hellen und Fröhlichen, das auf das Kind den stärksten Eindruck macht. So wird der schwere Eindruck der Bilder vom tragischen Tod des Vaters durch ein Glücksgefühl aus der Nähe zu einer außergewöhnlichen Person – der Großmutter – ersetzt; das Bild der unmenschlichen Grausamkeit des Großvaters bei der Bestrafung von Kindern grenzt an die Beschreibung des intimen Gesprächs des Großvaters mit Aljoscha; Den inquisitorischen Unterhaltungen der Onkel stehen die freundlichen und witzigen Vergnügungen der Zigeuner gegenüber. Es ist wichtig, den „engen, stickigen Kreis schrecklicher Eindrücke“ zu sehen, in dem Aljoscha in der Familie Kashirin lebte und wie sich die Vorstellungen des Helden über die Moral seiner eigenen Welt außerhalb des Hauses seines Großvaters verbreiteten.

Aljoscha wurde stark von den „schönen Seelen“ beeinflusst, die er im Haus seines Großvaters und in der Welt um ihn herum traf und die „Hoffnung auf Wiedergeburt … in ein strahlendes, menschliches Leben“ einflößten. Die Besonderheit von „Childhood“ besteht darin, dass die Erzählung im Namen des Erzählers erzählt wird. Diese Art der Darstellung ist nicht neu, aber die Schwierigkeit liegt darin, dass das Dargestellte in der Geschichte sowohl mit den Augen eines Kindes, der Hauptfigur, die sich mitten im Geschehen befindet, als auch mit den Augen eines Kindes gesehen wird weise Person, die alles aus der Perspektive großer Lebenserfahrung beurteilt.

Gerade die Tatsache, dass der Erzähler in der Geschichte die leidenschaftliche Spontaneität der kindlichen Weltwahrnehmung bewahrt und gleichzeitig eine tiefgreifende sozialpsychologische Analyse liefert, lässt den Schluss zu, dass Gorki versucht hat, Abscheu vor den „Greuel“ zu wecken des Lebens“ und wecken Liebe für das geistig großzügige, beharrliche und talentierte russische Volk.

Präsentation für eine Literaturstunde zum Thema:

„Autobiografisch

Maxim Gorki „Kindheit“.

Abgeschlossen von einem Lehrer für russische Sprache und Literatur

Iwanowo-Justizvollzugsanstalt Nr. 3

Fomina Evgenia Vitalievna

Maxim Gorki -

Pseudonym von Alexey Maksimovich

Bücher ... zeigten mir ein anderes Leben - ein Leben voller großer Gefühle und Wünsche, das Menschen zu Heldentaten und Verbrechen führte ...

...Für mich ist ein Buch ein Wunder, es enthält die Seele der Person, die es geschrieben hat; Indem ich das Buch öffne, befreie ich diese Seele und sie spricht auf mysteriöse Weise zu mir.

M. Gorki. „In Menschen“

Meine Universitäten

Im Jahr 1913

M. Gorki schreibt

erster Teil der Autobiographie

- „Kindheit“.

Maxim Gorki – russischer Schriftsteller, Prosaautor, Dramatiker,

Fünfmal für den Literaturnobelpreis nominiert.

Im ersteren entstand das Museum

Das Haus von Maxims Großvater

Gorki - Vorarbeiter der Färberei Nischni Nowgorod

Werkstatt von Wassili Wassiljewitsch Kashirin, wo Aljoscha Peschkow

lebte bei seiner Mutter

in den Jahren 1871–1872

nach dem Tod seines Vaters.

Die Schöpfer des Museums stützten sich auf die Erinnerungen der Nachkommen der Kashirins, Oldtimer von Nischni Nowgorod,

der Autor selbst

und vor allem auf Autobiographie

Gorkis Geschichte

"Kindheit".

Jeder, der umzingelt ist

Aljoscha Peschkowa,

half dem Autor zu wachsen,

Lass es mit Schmerzen sein

Erinnerungen, Beschwerden, aber

es war eine Schule.

Immer noch zitternd

unbewusste Liebe

brachte es in dem Jungen zum Vorschein

Großmutter – Akulina Iwanowna.

Ein Mann mit reicher Seele

farbenfrohes Aussehen,

diese Weisheit besitzen

was typisch ist

an das russische Volk.

„Seit diesen Tagen leide ich unter Unruhe

Aufmerksamkeit gegenüber den Leuten, und ich wurde definitiv betrogen

Haut vom Herzen, sie ist unerträglich empfindlich gegenüber jeder Beleidigung und jedem Schmerz geworden,

das eigene und das eines anderen.“

„Großvaters Haus war voller heißem Nebel

gegenseitige Feindschaft aller mit allen; sie

vergiftete Erwachsene und sogar Kinder

beteiligte sich aktiv daran.“

Tsygnok (Ivan) – Findelkind,

„im zeitigen Frühling, an einem regnerischen Tag

Nachts wurde er am Tor des Hauses gefunden

auf der Bank.“ Gypsy arbeitet in

Die Färberei meines Großvaters, das hilft

in Haushaltsangelegenheiten.

Sie nannten ihn Zigeuner, weil

dunkle Haut, schwarze Haare und,

natürlich, weil er unrein war

auf der Hand: „Oma hat mir erklärt,

dass Tsyganok nicht so sehr auf dem Markt kauft, sondern stiehlt.“

„Ich, Bruder, bin ein Schurke!“

„Der Großvater wird ihm fünf Rubel geben, er wird für drei Rubel kaufen und für zehn stehlen.

liebt es zu stehlen, Spoiler! Einmal

Ich habe es ausprobiert und es hat gut geklappt

er machte Diebstahl zur Gewohnheit.“

Gute Tat und

Aljoscha Peschkow

„Er war ein dünner, gebeugter Mann,

mit einem weißen Gesicht in einer schwarzen Gabel

Bart, freundliche Augen, Brille.

Er war still, unbemerkt und wann

er wurde zum Abendessen eingeladen, um Tee zu trinken,

immer geantwortet:

• Gute Arbeit."

„Ich habe schnell und fest eine Bindung aufgebaut

Guter Grund, es ist notwendig geworden

für mich sowohl in den Tagen bitterer Beschwerden als auch in

Stunden voller Freude. Schweigend ist er nicht

hat mir verboten, über alles Mögliche zu reden

es kam mir in den Sinn ...“

Meister Grigory Ivanovich

„...Bei Grigory ist es so einfach wie bei einer Großmutter, aber es ist gruselig, und es scheint

dass er hinter seiner Brille alles durchschaut ...“

„Nun, Leksey, du trägst keine Medaille am Hals

Ich – es gibt keinen Platz für dich, aber geh und schließe dich den Menschen an ...

Und ich ging unter die Leute.“

Alexey Peshkov ist klug und

fähiger Junge. Er hat

gutes Gedächtnis („Pferd“).

Aljoscha ist ein starker und kluger Junge.

Gedanken an Gott helfen ihm

Überlebe im Haus der Kashirins.

Fragen zum Textwissen:

1. Wo spielt sich die Handlung von M. Gorkis Geschichte „Kindheit“ ab?

2. Wie nannte die Großmutter ihre Verwandten, als sie und Aljoscha das Schiff verließen?

3. Was forderten die Söhne von ihrem Vater?

4. Wie „scherzten“ Onkel Mikhail und sein Sohn über den halbblinden Gregory?

5. Für welches „Experiment“ peitschte der Großvater Aljoscha?

6. Setzen Sie den Satz fort: „Oma hat nicht getanzt, aber als ob ...“

7. Wie verhält sich Oma bei einem Brand?

8. Wem gehören die Worte: „...Schreibe auf, was deine Großmutter erzählt – das, Bruder, ist sehr passend...“?

9. Wie begann Aljoscha, Geld zu verdienen?

10. Erklären Sie den Ausdruck: „unter Menschen gehen“.

Gorkis autobiografische Trilogie – „Kindheit“, „In Menschen“, „Meine Universitäten“ – ist eine der gefühlvollsten und poetischsten Schöpfungen nicht nur der russischen, sondern auch der Weltkunst. Hinsichtlich der künstlerischen Kraft und des Reichtums an ideologischen und philosophischen Inhalten ist die Trilogie selbst in der russischen Literatur ein Ausnahmephänomen. Dies ist eine „Geschichte über mich selbst“ und gleichzeitig eine umfassende epische Erzählung über eine ganze Generation russischer Menschen der 70er und 80er Jahre, die einen schwierigen, manchmal schmerzhaften Weg der ideologischen und moralischen Suche nach der Wahrheit des Lebens gegangen sind. Die Biographie von Alexei Peshkov unter der Feder Gorkis wurde zu einem Werk über das russische Volksleben und die Schicksale der Menschen in Russland am Ende des 19. Jahrhunderts.

Für Gorki wurde in diesen Jahren die künstlerische Auseinandersetzung mit der Vergangenheit zur notwendigen Voraussetzung für das Verständnis der Moderne. Aus dieser Sicht war das autobiografische Thema für Gorki ein zutiefst modernes Thema. Besonderen Wert legte er dann generell auf autobiografische Werke, Geschichten über die Lebensschicksale des russischen Volkes aus dem Volk.

Zentrales Problem Geschichten „Kindheit“ (1913–1914), „In Menschen“ (1916) – Bildung des Charakters eines neuen Menschentyps– enthüllt autobiografisches Material. Der ideologische und kompositorische Kern der Trilogie ist spirituelles und moralisches Wachstum Alexey Peschkow. Der Held, der sich mit offener Seele und „barfüßigem Herzen“ auf die „Suche nach sich selbst“ im Leben macht, stürzt sich mitten ins Geschehen. Die Erzählung erstreckt sich über fast zwei Jahrzehnte, der Held trifft auf viele Menschen, die ihre Gedanken und Gedanken mit ihm teilen, beobachtet das Leben des „dummen Stammes“ der Philister und kommt der Intelligenz nahe. Vor dem Leser entfaltet sich schnell eine helle Kette von Geschichten über das russische Volk. Zigeunerin, gute Tat, Königin Margot, Feuerwehrmann Yakov Shumov, Zimmermann Osip, Altgläubige, Koch Smury, erstaunliche Ikonenmalermeister, Studenten, fanatische Wissenschaftler und „große Märtyrer um der Vernunft willen“ – das sind die Helden der Geschichten, die miteinander verbunden sind das autobiografische Bild von Alexei Peshkov. Die Werke zeigen fast ganz Russland an einem Wendepunkt seiner historischen Entwicklung. Der epische Charakter von Gorkis Geschichten bestimmte die Originalität ihrer Komposition, die es ermöglichte, die Verbindungen des autobiografischen Helden zum Leben zu maximieren. Der Held ist nicht immer direkter Teilnehmer an den Ereignissen, aber er erlebt sie zusammen mit anderen Charakteren und versteht ihre Freuden und Qualen voll und ganz. Zwischen ihm und den anderen Helden der Geschichten besteht eine unauflösliche innere psychologische Verbindung, bestimmt durch das Interesse am Menschen, den Wunsch, ihm beim Wiederaufbau der Welt zu helfen.

In autobiografischen Geschichten sind das Thema der Volksrealität und das autobiografische Thema, das die tiefgreifenden Prozesse im russischen Volksleben und im Bewusstsein des russischen Volkes künstlerisch verkörpert, untrennbar miteinander verbunden. In „Childhood“ und „In People“ wird der Prozess der allmählichen, manchmal schmerzhaften Befreiung des Bewusstseins der Menschen von den uralten Traditionen der besitzergreifenden Welt in den Vordergrund gerückt. Der Autor interessiert sich für die Geschichte der Bildung einer neuen Haltung des Helden gegenüber dem Menschen, die Liebe und Glauben an ihn mit einem Protest gegen soziale und moralische Lebensstandards verbindet. Daher spielen in den Geschichten soziale und psychologische Kontraste eine so wichtige ideologische und kompositorische Rolle, wie in den Geschichten der Sammlung „Across Rus“.

Von den ersten Seiten von „Childhood“ an klingt das Thema eklatante Diskrepanz zwischen der Schönheit der Welt und den Beziehungen, die sich zwischen den Menschen entwickelt haben. Idee Die Konfrontation zwischen antagonistischen Lebensprinzipien bestimmt den Charakter der Erzählung. Der Held, der ins Leben eintritt und an der Schwelle zur „Entdeckung der Welt“ steht, ist voller unbewusster, bewundernder Überraschung über die Schönheit der Erde. Die Tage seiner Kommunikation mit der Natur während der Schiffsfahrt waren, wie der Autor schreibt, Tage der „Sättigung mit Schönheit“. Die Welt öffnet sich vor ihm in ihrer ungetrübten Erhabenheit; sie ist in den leuchtendsten Farben gemalt. Doch dieses Gefühl der Harmonie hält nicht lange an. Gorki konfrontiert den Jungen mit den Widersprüchen des wirklichen Lebens.

Alexey Peshkov gehört zur Familie Kashirin. Und der Konflikt zwischen dem autobiografischen Helden und dem „dummen Stamm“ der Philister war sofort entschieden. Dieser Konflikt wird sich zunehmend verschärfen. In der Welt der Kaschirins gibt es weder Sinn noch Harmonie, alles ist menschenfeindlich, „erfüllt vom heißen Nebel der gegenseitigen Feindschaft aller mit allen ...“. Meister Gregory erklärte dem Jungen sehr einprägsam: „Die Kashirins mögen keine guten Dinge.“ Talent, Selbstlosigkeit, moralische Reinheit und Großzügigkeit rufen bei den Philistern, die sich der Gier nach Erwerb und Profit ergeben haben, geradezu dumme Feindseligkeit hervor.

Es scheint, dass ein Leben „voller Grausamkeiten“, schrecklicher Eindrücke, die täglich die Seele des Jungen vergiften, ihn verbittern und verbittern sollte. Dies geschieht jedoch nicht: In der Seele des Helden wächst und verstärkt sich die Liebe zu den Menschen, der Wunsch, ihnen um jeden Preis zu helfen, und der Glaube an die guten, schönen Anfänge des Lebens wird gestärkt. Dieser hohe Humanismus der Geschichten hängt vor allem mit dem Bild von Alexeis Großmutter Akulina Iwanowna zusammen, die in der Seele ihres Enkels ein „starkes Vertrauen“ in die Welt einflößte.

Es ist kein Zufall, dass die alte Kashirin ihre Mutter nennt. Gorki hat geschaffen poetisches, majestätisches Bild der Mutter mit ihrer grenzenlosen, „unausrottbaren Liebe“ zu allen Menschen – ihren Kindern. Dieses Bild erschien erstmals 1906 in Gorkis gleichnamigem Roman und wurde dann in den Geschichten der Sammlungen „Across Rus“ und „Tales of Italy“ verkörpert.

Im ersten Teil der Trilogie stand das Bild von Akulina Iwanowna im Mittelpunkt. Gorki hatte ursprünglich sogar vor, die Geschichte „Großmutter“ zu nennen. Akulina Iwanowna verkörperte für Alexey die lebenswichtige Volksweisheit. Sie nahm freudig die Schönheit der Welt um ihn herum wahr, unterstützte den Glauben des Jungen an den Menschen und spielte eine entscheidende Rolle bei der Bildung seiner moralischen Ideale. Die „unsöldnerische“ Großmutter stellte sich in Aljoschas Augen sowohl gegen seinen Großvater als auch gegen den gesamten „Stamm“ der Geldräuber.

Die gegensätzlichen Bilder von Kashirins Großvater und Großmutter spielten (insbesondere im ersten Teil der Trilogie) eine wichtige kompositorische Rolle – als Verkörperung zweier gegensätzlicher Lebensprinzipien. Der Kontrast ihrer Charaktere manifestierte sich in ihrer Einstellung zu Leben und Tod, zu Wahrheit und Lüge, zu Liebe und Hass, zu Religion und Gebet. Angesichts dieser beiden Prinzipien stand der autobiografische Held vor der Notwendigkeit, sich zu entscheiden. In seiner Großmutter fühlte er sich als Freundin, deren selbstlose Liebe zur Welt und zu den Menschen ihm „starke Kraft für ein schwieriges Leben“ verlieh; Die „Weisheit“ von Kashirin, der „sein ganzes Leben lang jeden wie rostendes Eisen auffraß“, erwies sich für Alexei Peshkov als fremd und für immer feindselig für ihn.

Gorkis Helden stehen im Kampf gegensätzlicher, manchmal scheinbar einander ausschließender Gedanken und Bestrebungen. Aber diese äußere „Vielfalt“ der Charaktere erklärt der Autor speziell historisch, als Ergebnis der gesellschaftlichen Bedingungen des russischen Lebens. Der Charakter von Kashirin selbst ist betont widersprüchlich, in dem unvereinbare Kräfte kämpfen. Er liebt Alexei und seine Lieben, aber seine Liebe wird, anders als die Liebe seiner Großmutter, durch das Gefühl der Eigenverantwortung, des Meisters, des „Ältesten“ im Leben erschwert. Aus eigener Kraft gelangte er „in das Volk“, wurde ein „Meister“, betrat eine „fremde Straße“ und verlor hier alles Erhabene und Menschliche. Gorki sprach in den 1910er Jahren in einem anderen autobiografischen Werk, der Erzählung „Der Meister“, darüber, wie der moralisch unreine Prozess des sozialen Aufstiegs alles Gute im Menschen auslöscht.

Aber auch in der Figur seiner Großmutter, die dem Helden geistig nahe stand, bemerkte Gorki tiefe Widersprüche, die das Ergebnis latenter sozialgeschichtlicher Einflüsse waren. Die Großmutter, die den Frieden und die Schönheit des Lebens verherrlicht, akzeptierte ihre „bitteren Tränen“ als fälliges und unvermeidliches Übel: Sie erträgt stillschweigend die Schikanen ihres Großvaters, versucht, alle mit allen zu versöhnen, die Grausamkeit der Welt zu verstehen und zu rechtfertigen. Und diese Haltung gegenüber den Übeln des Lebens wird weder vom Autor noch vom Helden der Geschichten akzeptiert, die sehr bald verstehen werden, dass die Sanftmut der Großmutter keine Stärke, sondern ein Ausdruck von Schwäche und Hilflosigkeit ist. Ihre allverzeihende Freundlichkeit weckt bei Peschkow zunächst Zweifel und dann entschiedenen Protest, denn Gorki schrieb: „Ich war schlecht an Geduld gewöhnt.“ Dies war die Zeit, in der die Seele des Helden bereits „die Milchzähne der Unzufriedenheit mit der bestehenden Situation ausgebissen“ hatte. Das Schicksal vieler Menschen um Alexey ist tragisch, ebenso wie das Schicksal seiner Altersgenossen: der sanften, fröhlichen Sanka Vikhar und Grishka Churka. Die Vorstellungen des Helden über die Welt und den Menschen werden immer komplizierter und dunkler. Dann entsteht der Gedanke, ob es überhaupt möglich ist, etwas Besseres zu erreichen. Als sein Großvater einen Gast rausschmiss – einen Verbannten, der Kashirin verärgerte, weil er nicht nach seinen Regeln lebte, spürte der Held seine Einsamkeit in der feindlichen Welt seines Großvaters besonders deutlich: „Wenn ich mich an diese bleiernen Abscheulichkeiten des wilden russischen Lebens erinnere, frage ich mich danach Minuten: Lohnt es sich, darüber zu reden? Und mit neuem Selbstvertrauen antworte ich mir: Es lohnt sich.<...>Obwohl sie abscheulich sind, obwohl sie uns zu Tode zermalmen und viele schöne Seelen zermalmen, ist der russische Mensch immer noch so gesund und jung in der Seele, dass er sie überwindet und überwinden wird. Unser Leben ist nicht nur deshalb erstaunlich, weil es eine so fruchtbare und fette Schicht aus allerlei bestialischem Müll gibt, sondern weil durch diese Schicht immer noch das Helle, Gesunde und Kreative siegreich wächst, das Gute – das Menschliche – wächst und eine unzerstörbare Hoffnung weckt für unsere Wiederbelebung zum hellen, menschlichen Leben. Diese Überzeugung stärkte die Stärke des autobiografischen Helden.

Innovation Gorki war keine „maximale“ Darstellung der „bleigrauen Greuel“ der Vergangenheit, sondern in der stetigen Bestätigung der „mächtigen Kraft des Lichts“, die von Tag zu Tag wächst, was sich in den Beziehungen von Gorkis Helden zur Welt und zu den Menschen sowie in der Haltung von Alexei Peschkow zeigt. Gorkis Idee, dass in den Tiefen des Volkes „Russland talentiert und groß“, „reich an großer Kraft und bezaubernder Schönheit“ ist, findet in autobiografischen Geschichten ihre vollständige künstlerische Verkörperung.

Gorki dachte über die Einzigartigkeit des russischen Nationalcharakters, über die Vergangenheit und Zukunft des russischen Volkes nach und widersetzte sich auch hier unversöhnlich der offensiven, demütigenden Predigt von Passivität, Demut vor den Übeln des Lebens, Sanftmut und „Karataevismus“. Auf den Seiten desselben „Russischen Wortes“, auf dem „Kindheit“ veröffentlicht wurde, veröffentlicht Gorki seine Artikel über „Karamasowismus“, in denen er „Aktion“ und aktives „Wissen“ über das Leben fordert. „Wissen ist eine Handlung, die darauf abzielt, die bitteren Tränen und Qualen eines Menschen zu beseitigen, den Wunsch nach Sieg über den schrecklichen Kummer des russischen Landes.“ Diese Idee von Gorki wurde in seinen Geschichten künstlerisch verkörpert.

In der Geschichte „In Menschen“ entwickelt sich eine neue Haltung des Helden gegenüber dem Menschen und der ihn umgebenden Welt. Das zentrale Problem dieses Teils der Trilogie wird zum Problem der Herausbildung eines wirksamen Humanismus.

Der Titel „In Menschen“ hat eine weit gefasste allgemeine Bedeutung. Der Mensch mit all seinen Freuden und Sorgen, seinen guten und schlechten – das ist es, was den Geist, das Herz und die Seele von Gorkis Helden beschäftigt. Gorki sieht Not und Trauer, eine Empörung gegen den Menschen, sinnlose Arbeit, die von den Besitzern in harte Arbeit verwandelt wird.

Der zweite Teil der Trilogie ist eine inspirierte Geschichte über die Menschen des russischen Landes – Zimmerleute, Maurer, Lader, Ikonenmaler – in denen die ursprünglichen Qualitäten von Künstlern, Dichtern, Philosophen und Schauspielern verborgen sind.

Jeder von ihnen ist auf seine Weise wichtig für die Persönlichkeitsbildung von Gorkis Helden, jeder von ihnen hat ihn bereichert, ihm eine neue Facette der Realität offenbart und ihn dadurch stärker und weiser gemacht. Je näher Peschkow diese Menschen kennenlernte, desto unbedeutender erschienen ihm die „Herren“; ihre Welt erwies sich als gar nicht so stabil und stark. Peschkows „Lehrer“ waren Smury und Ikonenmaler – Menschen mit neugierigem „figurativem“ Denken, reich an Geist, unglaublich talentiert und erfüllt von einem wahrhaft künstlerischen Verständnis sowohl des Lebens als auch der Kunst. In den Jahren dieser Wanderungen wurde Alexei Peshkov geboren Gefühl großer Liebe zu einer Person die er sein ganzes Leben lang tragen wird. „Das Gute an dir ist, dass du mit allen Menschen verwandt bist“, sagt ihm einer der Helden der Trilogie, der gutaussehende starke Mann Kapendyukhin. Das Gefühl der Liebe zu einem Menschen bekommt für ihn nach und nach neue Bedeutungen. Immer häufiger spürt er in seiner Seele Hassausbrüche gegenüber düsteren, geduldigen Menschen. Der Held entwickelt einen aktiven Wunsch, den menschlichen Widerstandswillen zu wecken<...>. In dieser Bewusstseinsentwicklung seines Helden spiegelte Gorki objektiv die historisch natürliche Entwicklung des Selbstbewusstseins eines Menschen aus dem Volk wider. Die Worte von Nikita Rubtsov in der Geschichte klangen fast prophetisch: „Weder Gott noch dem Zaren wird es besser gehen, wenn ich auf sie verzichte, aber die Menschen müssen wütend auf sich selbst sein.“

Merken Sie sich meine Worte: Die Leute werden es nicht dulden, eines Tages werden sie wütend und beginnen, alles zu zerstören – sie werden ihre Kleinigkeiten zu Staub zermalmen ...“ Im Prozess des Lernens über das Leben wird in Alexeys Kopf die Kluft zwischen Traum und Realität überwunden. Auf der Suche nach dem Heldenhaften greift er nicht nur auf Bücher, Lieder, Märchen zurück, sondern auf das Leben selbst. Peshkov kommt zu dem Schluss, dass Am Ende der Geschichte „In Menschen“ taucht ein bedeutungsvolles Bild eines „halbschlafenden Landes“ auf, das der Held leidenschaftlich wecken und ihm und sich selbst einen Tritt geben möchte, damit sich alles „dreht“. ein freudiger Wirbelsturm, ein festlicher Tanz verliebter Menschen in diesem Leben, das für ein anderes Leben begonnen hat – schön, fröhlich, ehrlich ...“ Aber auch in diesem Entwicklungsstadium ist das Bewusstsein des Helden noch nicht frei von Widersprüchen; die Antwort auf die Frage, was zu tun ist, um das Ideal einer vernünftigen und gerechten Welt für alle zu verwirklichen, ist noch nicht gefunden. Die Geschichte „In Menschen“ endet mit intensiven dramatischen Gedanken über die Notwendigkeit, um jeden Preis seinen Platz im Leben zu finden: „Ich muss etwas mit mir selbst anfangen, sonst bin ich verloren ...“ Und Alexey geht zum „Großen“. Stadt Kasan.“ Eine neue, „universitäre“ Stufe seines Wissens über das Leben beginnt.

Die Geschichten verbinden auf organische Weise eine nüchterne Sicht der Welt mit gefühlvoller Lyrik, eine autobiografische, fast dokumentarische Geschichte mit Bildern von großer allgemeiner Bedeutung und vermitteln die Atmosphäre des russischen Lebens in den 1910er Jahren vor dem Sturm.

Gorki M. Sammlung Zit.: In 30 Bänden. T. 4. S. 441.

Gorki M. Sammlung Zit.: In 30 Bänden. T. 24. S. 496–497.

Gorki M. Sammlung cit.: In 30 Bänden. T. 24. S. 154.