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In den drei Jahren seit seiner Eröffnung veranstaltete Smart Art zehn Ausstellungen junger russischer Künstler und entwickelte sich zu einem erfolgreichen Startup auf dem Markt für zeitgenössische Kunst. Forbes Life hat Ekaterina Vinokurova und Anastasia Karneeva gefragt, was Smart Art ist und wie viel sie auf dem Kunstmarkt verdienen.

Yana Zhilyaeva

Foto DR

Im MMoMA-Ausstellungsraum am Gogolevsky Boulevard sind bis zum 17. November zwei Ausstellungen zu sehen: „When Flowers Don’t Cast Shadows“ von Anastasia Potemkina und „Continuous Function“ von Daria Irincheeva. Beide Projekte wurden mit Unterstützung von Smart Art organisiert, einem Unternehmen, das von Kunstberatern, den ehemaligen Top-Managern der russischen Niederlassung von Christie's Ekaterina Vinokurova und Anastasia Karneeva, gegründet wurde.

Was ist Smart Art? Ist das nicht doch eine Galerie?

Ekaterina Winokurowa: Wir sind ein Kunstberatungsunternehmen.

Anastasia Karneeva: Wir sind keine Galerie. In Russland entwickelt sich der Kunstmarkt gerade und es gibt fast keine Galerien, die die Weltkriterien erfüllen. Das heißt, das Problem liegt nicht nur bei Galerien oder Galeristen, bei Künstlern oder bei uns.

E.V.: Wir haben unterschiedliche Spielregeln.

Sie haben also Ihre eigenen Regeln aufgestellt?

E.V.: Ja, wir haben ein Modell entwickelt, das unserer Meinung nach für unser Publikum und den Moskauer Markt akzeptabler ist. Als wir unser eigenes Geschäft eröffneten, haben wir die Erfahrungen berücksichtigt, die wir im Auktionshaus Christie's gesammelt haben. Wir haben beschlossen, unabhängige Projekte an verschiedenen Standorten zu schaffen, anstatt mit der gleichen kleinen Ausstellungsfläche zu arbeiten.

A.K.: Uns war klar, dass wir vollwertige Projekte mit einem Kurator und einem Katalog machen wollten, damit der Künstler seine Idee zu 100 Prozent zum Ausdruck bringen konnte. Darüber hinaus haben wir viele Bekannte, die Sammler sind, unsere Freunde, die Sammler geworden sind, sowie Bekannte unserer Bekannten, die Beratung und Beratung zum Kauf und zu einer bestehenden Sammlung wünschen. Aber die Galerie muss sich schließlich mit ihren eigenen Künstlern auseinandersetzen und deren Werke verkaufen. Unser Geschäftsformat umfasst die Entwicklung der Karrieren von Künstlern sowie privaten und geschäftlichen Kunstsammlungen. Beide Bereiche sind uns wichtig.

Wie lösen Sie bei der Organisation einer Ausstellung die Frage der Bezahlung der Arbeit des Kurators, der Miete der Räumlichkeiten und der Veröffentlichung eines Katalogs?

E.V.: Wir betreiben Fundraising, das heißt, wir suchen für jedes Projekt Sponsoren. Normalerweise kommt ein Künstler mit einem neuen Projekt zu uns, wie jetzt zum Beispiel Sergei Sapozhnikov. Wir erstellen gemeinsam ein Budget und entscheiden, welchen Kurator wir einladen, einen russischen oder einen ausländischen.

A.K.: Den Raum wählen wir gemeinsam mit dem Künstler aus. Wenn wir entscheiden, dass die Tretjakow-Galerie für ein bestimmtes Projekt geeignet ist, beginnen Katya und ich zu verhandeln. Dies ist ein Produktionsauftrag. Es ist nur so, dass es in unserer Gegend keinen solchen Beruf wie den Produzenten gibt. So ungefähr arbeiten Theaterproduzenten.

Aber Theaterproduzenten schreiben alle rote Zahlen, wenn man ihnen zuhört.

E.V.: Nein, hier ist alles rosiger.

A.K.: Unser Ziel ist es, alles zu verkaufen. Wir möchten, dass unsere Künstler mit ihrer Arbeit Geld verdienen. Wir wollen nicht, dass ihnen endlos Zuschüsse gewährt werden; jemand würde ihnen mit Geld helfen.

E.V.: Ja, wir wollen, dass sich Kunst verkauft.

Was ist Ihre Vereinbarung mit Künstlern? Welchen Prozentsatz des Verkaufserlöses behalten Sie für sich?

A.K.: 35%.

E.V.: In Galerien sind es in der Regel 50 %.

Wie viele Künstler haben Sie?

E.V.: Zehn. Wir haben uns zum Ziel gesetzt, jedem Künstler eine persönliche Ausstellung zu ermöglichen. Aber Künstler sind alle unterschiedlich. Einige sind aktiver, wie zum Beispiel Sergei Sapozhnikov. Er hat eine Einzelausstellung gemacht, plant jetzt eine weitere und hat noch zwei weitere Ideen. Und manche müssen „gepusht“ werden.

A.K.: Wir glauben an diese Künstler, an ihr Talent und daran, dass ihre Kunst in der Geschichte bleiben wird. Wir verstehen, dass dies zwar schwierig und nicht immer angenehm ist, im Prinzip aber der richtige Ansatz ist, den ein Galerist verfolgen sollte.

Was sind die Auswahlkriterien? Gefallen Ihnen persönlich diese Künstler?

E.V.: Ja, sicher. Dies ist sowohl unsere subjektive Wahl als auch ein objektives Kriterium. Wir arbeiten nicht mit angehenden Künstlern, sondern mit denen, die bereits eine gewisse Anzahl persönlicher Projekte haben. Einige haben an der Biennale teilgenommen, andere waren bereits beim Manifest. Sasha Paperno zum Beispiel ist eine ernsthafte Künstlerin mit umfangreicher Erfahrung. In diesem Jahr wurde sie mit unserem Projekt „Selbstliebe unter den Ruinen“ für den Kandinsky-Preis nominiert. Sveta Shuvaeva wurde mit unserem Projekt „Last Apartments with a Lake View“ für „Innovation“ nominiert.

A.K.: Galerien beschäftigen sich mit jungen Menschen, sie finden Talente. Wenn die Künstler dann einen gewissen Entwicklungs- und Bekanntheitsgrad erreicht haben, werden sie von größeren Galerien im internationalen Kontext übernommen. Aber da sich unser Markt in einem Entwicklungsstadium befindet, können Künstler nirgendwo hingehen. Wir versuchen, diese Nische zu füllen.

Erzählen Sie uns, wie zwei erfolgreiche Frauen, die bei führenden Auktionshäusern arbeiteten, beschlossen, sich der Kunstberatung zu widmen?

EKATERINA VINOKUROVA Es ist ganz einfach: Wir wollten unsere Erfahrung und unser Wissen mit einer aufrichtigen Liebe zur zeitgenössischen Kunst verbinden. Nastya und ich sind seit zehn Jahren in der Branche tätig. Nastya eröffnete das erste Christie’s-Büro in Moskau und war Direktorin einer Investmentgesellschaft. Ich habe 7 Jahre lang gearbeitet und auch mit der Galerie Haunch of Venison zusammengearbeitet. Vor zwei Jahren trennten wir uns von unseren Arbeitgebern und beschlossen, ein Projekt ins Leben zu rufen, das sich mit zeitgenössischen russischen Künstlern auseinandersetzt. Wir wollten ein Bindeglied zwischen jungen Sammlern und . sein.

ANASTASIA KARNEEVA Alles begann mit zwei einfachen Fragen, die uns ständig und am Herzen liegen: „Ich habe Renovierungsarbeiten durchgeführt – was soll ich im Schlafzimmer an die Wand hängen?“ und „Welches Gemälde soll ich zu meinem Geburtstag schenken?“ Wir haben für sie Werke ausgewählt, sie den Galeristen vorgestellt und manchmal haben wir sie auch einfach an die Hand genommen und sind mit ihnen zum Eröffnungstag gegangen. Irgendwann wurde klar, dass diese Tätigkeit sehr zeitaufwändig war – es gab einen Bedarf an unserer Hilfe und wir erkannten, dass darin unser Potenzial lag.

Warum haben Sie sich entschieden, sich auf russische Künstler zu konzentrieren?

E.V. Wir leben in Russland und interessieren uns für das, was im Land passiert. Darüber hinaus hat unser Kunstmarkt eine große Zukunft, ist aber unterbewertet. Im Westen werden die meisten etablierten Künstler durch Galerien vertreten – sie stellen sie aus, helfen ihnen bei der Herstellung und landen schließlich in Privatsammlungen. Leider ist das russische Galeriesystem nicht so gut entwickelt und viele Künstler arbeiten nicht regelmäßig mit irgendjemandem zusammen. Wir haben uns entschieden, die Funktionen dieses fehlenden Glieds zu übernehmen.

A.K. Heute betreuen wir zehn Künstler – sie wurden nach unterschiedlichen Techniken und Genres ausgewählt. Natürlich gibt es noch viele weitere Autoren, die uns gefallen, aber wir versuchen, unsere Stärken realistisch einzuschätzen. Zu Beginn unserer Arbeit haben wir uns zum Ziel gesetzt, für jeden Künstler eine persönliche Ausstellung zu gestalten. Wir haben bereits drei Künstler ausgestellt – Sergei Sapozhnikov, Daria Irincheeva und Sveta Shuvaeva. Darüber hinaus fand am 31. Oktober die Eröffnung des Projekts von Alexandra Galkina in der Neuen Tretjakow-Galerie statt. Dies ist das erste Mal, dass die Institution einem jungen Künstler die Möglichkeit gibt, sich außerhalb der Museumshallen auszudrücken. Der Künstler hat eigens für diesen Raum ein Gesamtgemälde in der Museumslobby geschaffen, das als ortsspezifisch bezeichnet wird. Und am 14. November wird eine Ausstellung der in Russland und im Ausland bereits recht berühmten Autorin Alexandra Paperno eröffnet. Es trägt den Titel „Selbstliebe in den Ruinen“ und findet in der berühmten „Ruine“ statt, die Teil des Architekturmuseums ist. A. V. Shchuseva. „Ruine“ wurde für Paperno zur zentralen Handlung, um die herum sich die gesamte Ausstellung entwickelt. Einen wichtigen Teil wird eine grafische Serie der sogenannten „annullierten Konstellationen“ einnehmen, die 1922 während der Internationalen Astronomischen Union gestrichen wurden.

Bezahlen die Künstler, mit denen Sie zusammenarbeiten, Sie für Ihre Dienste?

E.V. Für das Ausstellungsprojekt natürlich nein. Wir erhalten einen Prozentsatz der verkauften Werke.

A.K. Darüber hinaus bezahlen wir selbst manchmal Künstler – sie alle haben in der Regel Schwierigkeiten, ein stabiles Einkommen zu erzielen. Es kommt vor, dass sie nicht einmal genug Geld haben, um Werke zu schaffen, und dann geben wir ihnen ein jährliches Stipendium oder entwickeln ein System der für beide Seiten vorteilhaften Zusammenarbeit.

Lassen Sie uns über das andere Glied in dieser Kette sprechen – Ihre Kunden. Gibt es ein allgemeines Porträt einer Person, die sich hilfesuchend an Sie wendet? Geschlecht, Alter, Tätigkeitsbereich?

A.K. Zu uns kommen ganz andere Menschen. Gemeinsam ist ihnen, dass sie in der Regel viel reisen, sich für fremde Kulturen interessieren, offen für alles Neue sind und sich grundsätzlich für Kunst interessieren. Es gibt ein Klischee, dass Frauen eine größere Leidenschaft für Kunst haben, aber in unserer Praxis wird die Entscheidung für den Kauf eines bestimmten Werks am häufigsten von Männern getroffen. Für sie ist Kunst ein bestimmter Status. Sie können ihren Geschäftspartnern oder Freunden beim Abendessen das Gemälde eines modischen Künstlers zeigen – in beiden Fällen hilft es ihnen, den richtigen Eindruck zu hinterlassen. Heutzutage gehört es zu den schlechten Manieren, mit Dingen und Autos anzugeben. Und Kunst ist ewig.

E.V. Wir kennen 90 % unserer Kunden persönlich. Wir haben eine Vorstellung von ihrem Interessenspektrum und Lebensstil. Für Kunden, die ihre ersten Schritte im Sammeln unternehmen, helfen wir ihnen, den Kontext der betreffenden Werke zu verstehen, sie tiefer in das Umfeld der zeitgenössischen Kunst einzuführen und ihren Horizont zu erweitern. Die Auswahl eines Werkes für eine Sammlung ist ein sehr mühsamer Prozess, bei dem sich jeder neben Allgemeinwissen auch an seinem persönlichen Geschmack orientieren muss.

Wie überzeugt man Kunden davon, in zeitgenössische Kunst zu investieren?

A.K. Hier ist klar zu verstehen, dass tatsächlich alle Kunst einst modern war. Wir empfehlen den Kauf neuer Werke, da der Kunde ein Zeitgenosse ist und daher den Kontext verstehen kann, in dem diese oder jene Idee steht. Sie können ein Gemälde aus einer anderen Zeit kaufen und es bei sich zu Hause aufhängen, aber es wird nicht wirklich in Ihrer Nähe sein, weil Sie nicht in dieser Zeit gelebt haben. Um diese Kunst zu verstehen, müssen Sie nicht weniger arbeiten – darüber lesen, nachdenken.

E.V. Und dann sollten wir nicht vergessen, dass zeitgenössische Kunst zugänglicher ist. Selbst wenn Sie den Impressionismus lieben, ist es sehr schwierig, ihn zu bekommen – Gemälde kosten Millionen und die besten Werke befinden sich bereits in Museen und Privatsammlungen, was bedeutet, dass Sie ein Werk mit einem Namen bekommen, aber nicht eines der besten von einem bestimmten Künstler. Durch den Erwerb der Arbeiten Ihres Zeitgenossen können Sie Ihren eigenen Beitrag zur Entwicklung der künstlerischen Agenda leisten.

Bewerten Sie Werke selbst oder suchen Sie Hilfe bei anderen Experten?

A.K. Wir führen die Bewertung selbst durch, hören uns aber unbedingt auch die Meinungen der Künstler selbst an. Der Preis wird nicht aus der Luft gegriffen, sondern setzt sich aus vielen Faktoren zusammen: der Bedeutung des Autors, seiner Ausstellungsgeschichte, der Nachfrage nach seinem Werk und so weiter.

Neigen Ihre Kunden dazu, Kunstwerke als Investition oder Nahrung für die Seele zu betrachten?

E.V. Historisch gesehen ist der Kunstmarkt stetig gewachsen und weist eine gute Rentabilität auf. Aber auch Werke, die aus Investitionsgründen gekauft werden, sollten Ihnen wirklich gefallen. Wenn sich Ihre Hoffnungen auf die Investition nicht erfüllen, haben Sie immer noch eine Arbeit, die Ihren Augen Freude macht.

A.K. Der westliche Markt für zeitgenössische Kunst bewegt sich jetzt aktiv in Richtung Geschäft. Viele Menschen dort betrachten Kunst in erster Linie als Investition. Es ist eine weit verbreitete Praxis, dass mehrere Investoren Aktien für einen Job erwerben. Das bedeutet einerseits, dass zeitgenössische Kunst endlich anerkannt und ernst genommen wird. Andererseits hat diese Situation jedoch auch negative Auswirkungen auf die Künstler selbst, die begonnen haben, mehr Zeit nicht mit Kreativität, sondern mit Marketingstrategien zu verbringen.

E.V. Ein markantes Beispiel ist Damien Hirst. Er hat gute Werke, aber irgendwann, so scheint es mir, wurde er zum Populisten und hörte auf, sich als Autor weiterzuentwickeln. Es ist kein Geheimnis, dass für ihn Hunderte von Assistenten arbeiten, die physisch seine Arbeit erledigen und diese ganze riesige Maschine über Wasser halten – sie hat einfach kein Recht zu sinken – sonst wird die Kapitalisierung der Sammlungen, die seine Werke enthalten, stark sinken.

A.K. In dieser Hinsicht ist der russische Kunstmarkt noch recht unruhig, aber für Künstler, die ehrlich arbeiten, kann diese Situation nur von Vorteil sein. Sie haben die Chance, wirklich aufrichtige Werke zu schaffen. Ich kann mit voller Verantwortung sagen, dass die Autoren, mit denen wir zusammenarbeiten, in der Kunstgeschichte bleiben werden. Wir haben kein Interesse am Kurzstreckenlauf: Jetzt kaufen, in fünf Jahren verkaufen. In spekulativen und populistischen Geschichten geht es nicht um uns. Wir machen Kunst, die einen globalen Gedanken trägt.

Im MMoMA-Ausstellungsraum am Gogolevsky Boulevard sind bis zum 17. November zwei Ausstellungen zu sehen: „When Flowers Don’t Cast Shadows“ von Anastasia Potemkina und „Continuous Function“ von Daria Irincheeva. Beide Projekte wurden mit Unterstützung von Smart Art organisiert, einem Unternehmen, das von Kunstberatern und ehemaligen Top-Managern der russischen Niederlassung von Christie’s Ekaterina Vinokurova und Anastasia Karneeva gegründet wurde.

Was ist Smart Art? Ist das nicht doch eine Galerie?

Ekaterina Vinokurova: Wir sind ein Beratungsunternehmen im Bereich Kunst.

Anastasia Karneeva: Wir sind keine Galerie. In Russland entwickelt sich der Kunstmarkt gerade und es gibt fast keine Galerien, die die Weltkriterien erfüllen. Das heißt, das Problem liegt nicht nur bei Galerien oder Galeristen, bei Künstlern oder bei uns.

E.V.: Wir haben andere Spielregeln.

Sie haben also Ihre eigenen Regeln aufgestellt?

E.V.: Ja, wir haben ein Modell entwickelt, das unserer Meinung nach für unser Publikum und den Moskauer Markt akzeptabler ist. Bei der Eröffnung unseres eigenen Unternehmens haben wir die Erfahrungen berücksichtigt, die wir im Auktionshaus Christie’s gesammelt haben. Wir haben beschlossen, unabhängige Projekte an verschiedenen Standorten zu erstellen, anstatt auf demselben kleinen Raum zu arbeiten. Daher verfügen wir über keinen eigenen Dauerausstellungsraum.

A.K.: Uns war klar, dass wir vollwertige Projekte mit einem Kurator und einem Katalog machen wollten, damit der Künstler seine Idee zu 100 Prozent zum Ausdruck bringen konnte. Darüber hinaus haben wir viele Bekannte, die Sammler sind, unsere Freunde, die Sammler geworden sind, sowie Bekannte unserer Bekannten, die Beratung und Beratung zum Kauf und zu einer bestehenden Sammlung wünschen. Aber die Galerie muss sich schließlich mit ihren eigenen Künstlern auseinandersetzen und deren Werke verkaufen. Unser Geschäftsformat umfasst die Entwicklung der Karrieren von Künstlern sowie privaten und geschäftlichen Kunstsammlungen. Beide Bereiche sind uns wichtig.

Wie lösen Sie bei der Organisation einer Ausstellung die Frage der Bezahlung der Arbeit des Kurators, der Miete der Räumlichkeiten und der Veröffentlichung eines Katalogs?

E.V.: Wir betreiben Fundraising, das heißt wir suchen Sponsoren für jedes Projekt. Normalerweise kommt ein Künstler mit einem neuen Projekt zu uns, wie jetzt zum Beispiel Sergei Sapozhnikov. Wir erstellen gemeinsam ein Budget und entscheiden, welchen Kurator wir einladen, einen russischen oder einen ausländischen.

A.K.: Den Raum wählen wir gemeinsam mit dem Künstler aus. Wenn wir entscheiden, dass die Tretjakow-Galerie für ein bestimmtes Projekt geeignet ist, beginnen Katya und ich zu verhandeln. Dies ist ein Produktionsauftrag. Es ist nur so, dass es in unserer Gegend keinen solchen Beruf wie den Produzenten gibt. So ungefähr arbeiten Theaterproduzenten.

Aber Theaterproduzenten schreiben alle rote Zahlen, wenn man ihnen zuhört.

E.V.: Nein, hier ist alles rosiger.

A.K.: Unser Ziel ist es, alles zu verkaufen. Wir möchten, dass unsere Künstler mit ihrer Arbeit Geld verdienen. Wir möchten nicht, dass ihnen endlos Zuschüsse gewährt werden; jemand würde ihnen mit Geld helfen.

E.V.: Ja, wir wollen, dass sich Kunst verkauft.

Was ist Ihre Vereinbarung mit Künstlern? Welchen Prozentsatz des Verkaufserlöses behalten Sie für sich?

E.V.: In Galerien sind es normalerweise 50 %.

Wie viele Künstler haben Sie?

E.V.: Zehn. Wir haben uns zum Ziel gesetzt, jedem Künstler eine persönliche Ausstellung zu ermöglichen. Aber Künstler sind alle unterschiedlich. Einige sind aktiver, wie zum Beispiel Sergei Sapozhnikov. Er hat eine persönliche Ausstellung gemacht, plant jetzt eine weitere und hat noch zwei weitere Ideen. Und manche müssen „gepusht“ werden.

A.K.: Wir glauben an diese Künstler, an ihr Talent und daran, dass ihre Kunst in der Geschichte bleiben wird. Wir verstehen, dass dies zwar schwierig und nicht immer angenehm ist, aber im Prinzip der richtige Ansatz ist, den ein Galerist verfolgen sollte.

Was sind die Auswahlkriterien? Gefallen Ihnen persönlich diese Künstler?

E.V.: Ja, natürlich. Dies ist sowohl unsere subjektive Wahl als auch ein objektives Kriterium. Wir arbeiten nicht mit angehenden Künstlern, sondern mit solchen, die bereits eine gewisse Anzahl persönlicher Projekte haben. Einige haben an der Biennale teilgenommen, andere waren bereits beim Manifest. Sasha Paperno zum Beispiel ist eine ernsthafte Künstlerin mit umfangreicher Erfahrung. In diesem Jahr wurde sie mit unserem Projekt „Selbstliebe unter den Ruinen“ für den Kandinsky-Preis nominiert. Sveta Shuvaeva wurde mit unserem Projekt „Last Apartments with a Lake View“ für „Innovation“ nominiert.

A.K.: Galerien beschäftigen sich mit jungen Menschen, sie finden Talente. Wenn die Künstler dann einen gewissen Entwicklungs- und Bekanntheitsgrad erreicht haben, werden sie von größeren Galerien im internationalen Kontext übernommen. Aber da sich unser Markt in einem Entwicklungsstadium befindet, können Künstler nirgendwo hingehen. Wir versuchen, diese Nische zu füllen.

E.V.: Wir haben einen Plan – jedem persönliche Ausstellungen zu geben. Jetzt entscheiden wir, wie wir uns weiterentwickeln. Vielleicht machen wir Gruppenprojekte oder laden ausländische Künstler ein. Wir haben bereits einen Plan bis Ende 2021 erstellt. Die Autoren, mit denen wir zusammenarbeiten, sind bereit, eine Karriere im Westen zu beginnen, haben aber weder die Möglichkeit noch die Verbindungen, in diesen Markt einzusteigen.

A.K.: Tatsächlich ist es sowohl für das Land als auch für den Markt wichtig, dass Künstler während ihrer Entwicklung im Land bleiben. Wir verhandeln derzeit mit einem russischen Künstler, der noch nie in Russland gearbeitet hat. Auf jeden Fall müssen ausländische Projekte ernst genommen werden, denn wir machen sie von Grund auf und von der Idee bis zum Ende der Ausstellung vergehen ein bis zwei Jahre – und das hier in Russland. Und da könnten es noch mindestens zwei Jahre sein.

Wie viele Personen sind in Ihrem Sammlerpool?

E.V.: Wir arbeiten mit Sammlern zusammen, die unsere zeitgenössischen Künstler sammeln, die wir produzieren und verkaufen, und wir beraten Sammler auch zur Kunst des 20.-21. Jahrhunderts. Dementsprechend gibt es bei uns eine Einteilung in diejenigen, die sehr junge Kunst sammeln, und diejenigen, die erfahrene Autoren sammeln.

A.K.: Seit Christie’s haben wir Kontakte zu allen möglichen internationalen Experten in allen Kategorien geknüpft. Das heißt, wenn jemand beispielsweise französische Orientalisten finden möchte, werden wir sie finden.

E.V.: Unser Sammlerpool umfasst 30-40 Personen und er wächst ständig. Es gibt Zeiten, in denen Menschen zu uns kommen, die noch nie zuvor Kunstwerke gekauft haben, auf den Geschmack kommen und immer wieder zurückkommen.

Sehen Sie eine Geschmacksentwicklung?

E.V.: Wenn Sie sich erinnern, was Sammler aus Russland vor zehn und fünf Jahren gekauft haben und was jetzt, gibt es einen Unterschied.

A.K.: Menschen, die zeitgenössische Kunst kaufen, werden in 99 % der Fälle niemals Kunst aus anderen Kategorien kaufen, und Sammler aus anderen Kategorien wechseln am häufigsten zu zeitgenössischer Kunst. Dies ist wichtig, da klassische Kunst in der Regel verständlich ist. Daher ist es einfacher, mit den Klassikern zu beginnen. Aber zeitgenössische Kunst ist für Investitionen attraktiver, weil sie teurer wird. Das ist die Kunst unserer Zeit, sie spiegelt wider, was jetzt mit uns passiert, sie wurde von unseren Zeitgenossen geschaffen. Es ist nicht notwendig, in die Zeit Rembrandts einzutauchen und zu studieren, was dort auf der Tagesordnung stand.

E.V.: Es ist fast unmöglich, einen guten Rembrandt zu bekommen, selbst wenn man Geld hat, aber man kann zum Beispiel George Condo in erweiterter Form sammeln.

A.K. Sammler sind Menschen mit Ambitionen. Niemand wird sagen: „Gib mir einen drittklassigen Picasso, egal welchen, solange es Picasso ist.“

Was passiert mit Menschen, deren Geschmack sich ändert? Verändert sich ihr Leben?

E.V.: Sie entscheiden zunächst mit Ihren Augen, das ist Ihre Ästhetik, aber sie ändert sich, wenn Sie beginnen, mehr über die künstlerische Welt zu lernen. Mein Geschmack hat sich im Laufe von 10 Jahren verändert. Ich habe Werke, die ich jetzt nicht kaufen würde.

A.K.: Es gibt Künstler, die verschwinden so unmerklich, wie sie auftauchen. Wenn man bedenkt, dass wir in diesem Bereich arbeiten und viel Zeit darauf verwenden, ist es einfacher, dies bei uns herauszufinden, als die ganze Reise von vorne zu beginnen. Der Geschmack wird subtiler, die Wahl bewusster. Der Sammler beginnt, die Situation zu studieren, versteht, welche Künstlergruppen es gibt, welche Geschichten dahinter stehen, welche Konzepte, Bewegungen, historischen Entwicklungen, geografischen und zeitlichen Kontext sie haben.

Früher suchten Käufer häufiger nach einem dekorativen Element an der Wand, jetzt suchen sie nach Arbeiten mit einer interessanten Idee oder Geschichte.

E.V.: Zum Beispiel kam die Firma Akron zu uns. Dies ist ein seriöses Unternehmen, der Direktor ist ein junger westlicher Manager. Sie möchten, dass Mitarbeiter Zugang zu zeitgenössischer Kunst haben, sie planen, eine Vortragsreihe zu organisieren, das haben wir bereits mit MMoMA besprochen.

Wie oft überzeugen Sie Ihre Kunden durch Ihr Beispiel, etwas zu kaufen? Präsentieren Sie Ihre Meetings?

A.K.: Wir laden mit unserer Begeisterung ein, zeigen und erzählen, warum wir ein bestimmtes Werk gekauft haben, warum wir es hier aufgehängt haben, wie ein Werk mit einem anderen zusammenhängt. Wenn die Leute uns kennenlernen, verstehen sie, warum wir das tun.

E.V.: Wir laden enge Freunde zu einem Besuch ein. Dann kommen Bekannte von Bekannten, Freunde von Freunden zu uns. Es stellt sich heraus, dass es sich um Mundpropaganda handelt.

A.K.: Wenn jemand eine neue Wohnung oder ein neues Haus kauft, kommt er zu uns. Der Prozess beginnt also. Was haben Sie gern? Was willst du? Eine Skulptur aufstellen oder einen Druck aufhängen?

E.V.: Es ist eine gute Idee, mit dem Sammeln in einer Wohnung zu beginnen. Denn dann verwandelt sich die Wohnung in ein Büro, das Büro in eine Datscha, und dann gibt es keinen Platz mehr, um die Arbeit aufzubewahren. Es stellt sich heraus, dass es sich um eine Sammlung handelt. Sobald jemand anfängt, sich für diesen Bereich zu interessieren und sich aktiv damit auseinanderzusetzen, wird ihm klar, dass das Thema endlos ist.

Wie oft werden Werke zeitgenössischer Künstler weiterverkauft? Oder befinden sich jetzt alle in einer Phase der Akkumulation?

E.V.: Der UBS-Bericht enthält Daten aus einer Umfrage unter amerikanischen Sammlern aus dem Jahr 2018. Laut Statistik wollen 87 % ihre Sammlungen Kindern, Enkeln, Unternehmen und Museen hinterlassen. Und mehr als 69 % haben noch nie ein Werk aus ihrer Sammlung verkauft. Das heißt, Investitionen in Kunst sind eine langfristige Geschichte. Obwohl allgemein anerkannt ist, dass es sich hierbei um einen spekulativen Markt handelt, kann man ein Werk kaufen, es nach drei Monaten verkaufen und damit Geld verdienen. Obwohl es solche Geschichten gibt, handelt es sich dabei vor allem um langfristige Investitionen.

Aber auch eine Landschaftsmalerei eines niederländischen Meisters aus dem 17. Jahrhundert kann eine langfristige Investition sein. Und mancher Konzeptualist kann sehr schnell langweilig werden.

E.V.: In 10 Jahren werden Sie den niederländischen Meister höchstwahrscheinlich für den gleichen Betrag verkaufen, für den Sie ihn gekauft haben, wenn es keine Krisen gibt. Er verspricht Ihnen keine großen Höhenflüge, es sei denn, er entpuppt sich plötzlich als Leonardo da Vinci.

A.K.: Und in der zeitgenössischen Kunst gibt es eine Million Beispiele für enorme Preissteigerungen im Laufe von 10 bis 20 Jahren. Prozentual gesehen können das Sprünge sein, die sich im normalen Geschäftsleben niemand erträumen würde. Sie können beispielsweise für 1.000 US-Dollar einen Job kaufen, der in 20 Jahren 300.000 US-Dollar wert sein wird.

Bei der jüngsten Phillips-Auktion hat KAWS alle Rekorde gebrochen. Soll ich es jetzt kaufen?

E.V.: Nein. Wissen Sie, wie viele Künstler im Laufe der 15 Jahre unserer Arbeit am Horizont auftauchten, zu Stars wurden und dann spurlos verschwanden? Von Gagosian, von Phillips. Sie sind einfach verschwunden.

A.K.: Wir persönlich mögen KAWS nicht. Dies ist eine subjektive Geschichte. Das bedeutet nicht, dass jede existierende Kunst gemocht werden sollte.

Ist Ai Weiwei beispielsweise ein Künstler oder kein Künstler? Kurator Francesco Bonami erklärte ihm beispielsweise den Kampf mit der Begründung, er sei kein Künstler, sondern alles, was er tue, der PR. Heutzutage ist beispielsweise afroamerikanische Kunst sehr in Mode. Der westliche Markt ist verrückt danach, aber bei unseren Sammlern findet es kaum Anklang.

E.V.: Ich glaube nicht, dass unsere Sammler jetzt Akunyili Crosby kaufen wollen.

A.K.: Das heißt, selbst wenn Sie eine Investition tätigen, ist es seltsam, etwas zu kaufen, das nicht Ihrem Geschmack entspricht oder Ihnen nicht gefällt. Daher empfehlen wir Ihnen natürlich, das zu kaufen, was Ihnen in erster Linie am Herzen liegt, was Ihnen gefällt, was mit Emotionen und mit Ihrem Leben verbunden ist.

Kunstkompetenz erfordert also eine ästhetische, ethische und emotionale Reaktion?

A.K.: Ja, ästhetische, emotionale und rationale Betrachtung.

E.V.: Wenn Sammler kommen, sage ich ehrlich, was mir gefällt und was nicht. Wir beginnen damit, unseren Künstlerpool zu zeigen, aber wenn sie Ihnen nicht gefallen, ist das kein Problem, wir machen weiter.

Nennen Sie zehn Ihrer Lieblingskünstler aus Russland. In wen würden Sie jetzt investieren?

E.V.: Ich mag Evgeny Antufiev. Ich habe seine Arbeit dieses Jahr gekauft.

Ist Evgeny Antufiev einer der Smart Art-Künstler?

E.V.: Nein, aber wir kennen uns, wir waren zu seiner Ausstellung im MMAM. Nach der Ausstellung kaufte ich ein Werk in der Artwin-Galerie. Wir haben jetzt keine Aufgabe, mit Antufiev zusammenzuarbeiten; er wird bereits von Artwin und einer guten jungen westlichen Galerie vertreten.

A.K.: Wir haben die Künstler, die nicht mit Galerien in Verbindung stehen, zur Zusammenarbeit eingeladen. Um keine unnötige Konkurrenz zu schaffen.

E.V.: Deshalb haben wir nur zehn Künstler. Wir mögen „Where Dogs Run“ und Taus Makhacheva.

A.K.: Alexandra Sukhareva, mit der wir nicht zusammenarbeiten, ist eine sehr gute Künstlerin, und Andrey Kuzkin.

E.V.: Wir lieben auch Pavel Pepperstein.

A.K.: Dmitry Okruzhnov und Maria Sharova. Sie haben eine sehr gute großformatige Malerei mit einem interessanten Konzept. Ich würde sie kaufen, aber sie haben Drei-Meter-Gemälde und es ist immer noch unklar, wo ich sie aufhängen soll.

E.V.: Von uns sind das Sergei Sapozhnikov und Sveta Shuvaeva. Bei der ersten Ausstellung von Sergei Sapozhnikov, die wir im Kino Udarnik organisierten, verkauften wir etwa 60 seiner Werke für insgesamt 13 Millionen Rubel. Sveta Shuvaeva ist großartig, sie hat letztes Jahr ein so schönes Projekt beim MMoMA gemacht. Nach der Ausstellung wurde ihre Arbeit vom MKHA-Museum in Antwerpen gekauft und eröffnete im Mai dieses Jahres seine Sommersaison. Im November reist Sveta zu einem Kunstaufenthalt nach Shanghai, wir haben die Reise finanziell unterstützt.

A.K.: Wir haben ein Stipendium, das wir zum Beispiel letztes Jahr an Künstler vergeben haben, um ihnen die Finanzierung ihrer Ateliers zu ermöglichen. Zuerst haben wir das Studio des Urban Fauna Lab für längere Zeit gemietet, dann haben wir Sasha Galkina ein Stipendium gewährt. Jedes Jahr wählen wir.

Welcher Smart Art-Künstler ist der Verkaufschampion?

E.V.: Seryozha Sapozhnikov und Sasha Paperno. Sasha Paperno hat weniger Werke, aber sie sind teurer. Sasha ist bereits ein bekannter Künstler, für den wir die erste Einzelausstellung seit 10 Jahren veranstaltet haben. Sie arbeitet sehr lange. Ich erinnere mich, dass sie ein Bild für mich malte und ich fragte, wann sie es fertigstellen würde. Sasha antwortete, dass sie es in vier Monaten fertigstellen würde, aber am Ende hat sie weitere acht Monate fertiggestellt. Sie hat eine vielschichtige Malerei, daher braucht sie viel Zeit und Mühe, um ihre Projekte zu erstellen.

A.K.: Einer der interessantesten Ausflüge, die wir für Sammler machen, ist ein Besuch im Atelier von Sasha Paperno.

E.V.: Jetzt werden wir einen Katalog zu ihrer Ausstellung veröffentlichen, die vor fast einem Jahr stattfand. Und das ganze Jahr hat Sasha am Katalog gearbeitet. Wir mussten Werke für den Katalog fotografieren, da sie alle von Sasha speziell für ihre Ausstellung geschaffen wurden. Und Sergei Sapozhnikov möchte in seiner Ausstellung in der Tretjakow-Galerie Werke zeigen, die sich in Privat- und Unternehmenssammlungen befinden. Beispielsweise befinden sich mittlerweile fünf seiner Werke in der Tretjakow-Sammlung. Wir zeigen auch Werke aus unseren persönlichen Sammlungen, aus der Sammlung der Gazprombank.

Bietet Smart Art Firmentreffen an?

E.V.: Ja. Akron-Unternehmen. Wir haben vor etwa zwei Jahren mit der Erstellung der Kollektion von Grund auf begonnen. Sie kauften Werke von Serezha Sapozhnikov aus seinem Tanzprojekt im MMoMA. Sie haben auch Werke von Sasha Paperno aus unserer letzten Ausstellung. Sie haben ein bestimmtes Jahresbudget und möchten daher ihre Sammlung erweitern.

A.K.: Wir arbeiten eng mit der Gazrombank zusammen. Wir organisieren gemeinsam eine Ausstellung von Serezha Sapozhnikov in der Tretjakow-Galerie. Sie kaufen bei uns auch Werke für ihre Unternehmenssammlung. Wir haben zunächst nicht die Aufgabe, etwas zu verkaufen, auch wenn wir ein Handelsunternehmen sind. Im Gegensatz zu großen Konzernen wollen wir eine neue Generation von Sammlern heranbilden.

Wer sind Ihre Konkurrenten?

E.V.: Wir haben eine sehr kleine Galerieumgebung und je mehr Kunden es gibt, desto besser für alle. Wir kommunizieren offen mit allen.

Der russische Markt für zeitgenössische Kunst ist im Vergleich zum Westen immer noch sehr klein und von Stereotypen geprägt. Wir haben mit den Gründerinnen des Kunstberatungsunternehmens Smart Art, Ekaterina Vinokurova und Anastasia Karneeva, darüber gesprochen, wie man diese Stereotypen überwinden kann, wie man mit dem Sammeln einer eigenen Kunstsammlung beginnt und wie ein Kunstberater dabei helfen kann.

Ekaterina Vinokurova und Anastasia Karneeva Gründer des Beratungsunternehmens Smart Art

Wir haben vor mehr als 10 Jahren begonnen, professionell Kunst zu machen. Aber nach und nach entwickelte sich aus meiner Leidenschaft und Liebe zur zeitgenössischen Kunst mein eigenes Unternehmen – ein Beratungsunternehmen, das bereits mehr als zwei Jahre alt ist. Während dieser Zeit veranstalteten wir persönliche Ausstellungen von Sergei Sapozhnikov, Daria Irincheeva, Sveta Shuvaeva, Alexandra Paperno und Alexandra Galkina und schufen im Rahmen der Cosmoscow-Messe das kuratorische Projekt FomoSapiens. Derzeit findet in den Ausstellungsräumen von Christie's in Moskau eine Ausstellung mit Grafiken von Alexei Buldakov statt. Wir arbeiten mit den wichtigsten Museumsstandorten des Landes zusammen, darunter der Tretjakow-Galerie und dem Moskauer Museum für moderne Kunst , was zur Entwicklung des Kunstmarktes beiträgt.

Wir versuchen, Sammlern die gesamte Bandbreite der Möglichkeiten auf dem Markt aufzuzeigen und unterstützen Künstler bei der Umsetzung ihrer Projekte von Grund auf.

Stereotype in der Kunst und wie man sie bekämpft

Viele Menschen halten das Sammeln von Kunst für ein teures Vergnügen. Und wenn wir über zeitgenössische Kunst sprechen, dann kommt uns das manchmal wie etwas Unverständliches vor. Dies sind die beiden wichtigsten Stereotypen, die jeweils auf Übertreibung basieren. Der Markt für zeitgenössische Kunst entwickelt sich ständig weiter und wächst. Es gibt bereits etablierte Künstler, die Spitzenpreise auf dem Markt erreicht haben, aber es gibt auch viele würdige Namen, die sich noch in der Entwicklungsphase befinden. Ihre Preise sind um das Zehnfache niedriger, sodass Sie auch mit kleinem Budget Werke guter Autoren sammeln können.

In der Anfangsphase des Sammelns befürchten viele Menschen, dass sie hochwertige Kunst nicht von minderwertiger Kunst unterscheiden können. Wenn Sie das Gefühl haben, nicht über genügend persönliche Erfahrung zu verfügen, ist es sinnvoll, den Experten zu vertrauen – wenden Sie sich an einen Kunstberater, kaufen Sie nur bei vertrauenswürdigen Händlern, auf seriösen Messen und Auktionen.

Die Arbeit eines Beraters und was sie beinhaltet

Unter Berücksichtigung Ihrer Interessen und Ziele berät er, welche Werke es wert sind, beachtet zu werden und wie Sie am besten eine Sammlung aufbauen. Außerdem gibt er Tipps, was man beim Kauf vermeiden sollte. Alle Ratschläge von Beratern haben beratenden Charakter.

Wo fängt man mit dem Kunstsammeln an und welche Arten von Sammlungen gibt es?

Zunächst ist es am wichtigsten, zu verstehen, was Ihnen gefällt: bestimmte Autoren, Themen, Techniken. Der zweite Schritt ist eine eingehende Untersuchung der gewählten Richtung. Es ist wichtig, Ausstellungen und Messen zu besuchen und Fachliteratur zu lesen. Es ist sehr wichtig, mit Experten zu kommunizieren – Menschen, die sich mit Ihren Interessen bestens auskennen. Vor einem tatsächlichen Kauf ist es außerdem sinnvoll, die Verkaufshistorie eines bestimmten Autors zu studieren, der Ihre Aufmerksamkeit erregt hat. Nachdem Sie Ihre eigene Idee entwickelt haben, über eigene Erfahrungen verfügen und die Unterstützung von Fachleuten in Anspruch nehmen, können Sie mit dem Kauf beginnen.

Beim Sammeln gibt es unterschiedliche Herangehensweisen. Die meisten Profis raten zu einem: Sammeln Sie, was Ihnen persönlich gefällt. Es gibt viele Möglichkeiten.

Manche Menschen sammeln Grafiken aus einer bestimmten Epoche, während andere beispielsweise ausschließlich Gemälde von Künstlerinnen sammeln.

Das Hauptprinzip von Yves Saint Laurent (seine Sammlung wurde 2009 bei Christie’s für die Rekordsumme von über 300 Millionen Pfund verkauft) bestand darin, nur das Beste zu kaufen, was er sich leisten konnte. Die Wahl liegt bei Ihnen.

Wie man vielversprechende Kunst vorhersagt

Dazu müssen Sie am Puls der Zeit bleiben, was in der Kunstwelt passiert – regelmäßig Messen und Ausstellungen besuchen, mit Künstlern und Experten kommunizieren, viel lesen und die Nachrichten verfolgen. Mit der Zeit tauchen Erfahrungen und Beobachtungen auf und die Intuition entwickelt sich. Oder Sie kontaktieren uns.

Die Ausstellung mit Grafiken von Alexey Buldakov „Däumelinchen“ läuft bis zum 19. April im Moskauer Raum von Christie's unter der Adresse: Romanov Lane, Gebäude 2/6, Gebäude 13.

Ein kleines Büro in einem alten Gebäude in Prechistenka, an dessen weißen Wänden ein Foto von Sergei Sapozhnikov, Gemälde von Svetlana Shuvaeva und Alexandra Paperno hängen, nebenan Skulpturen von Alexander Povzner. All dies sind Werke von Künstlern, die von der neuen Firma SmartArt vertreten werden, die auf dem russischen Markt keine Entsprechungen hat. Es wurde im Januar 2017 von Ekaterina Vinokurova und Anastasia Karneeva gegründet; hier werden sich ihre Beratungsaktivitäten entfalten und, wie die Ideologen des Projekts hoffen, die Entwicklung des russischen Marktes für zeitgenössische Kunst „im Kontext der Interaktion zwischen einer neuen Generation von Künstlern und.“ Sammler“ wird damit einhergehen.

Das Unternehmen wurde als Vermittler zwischen diesen beiden Zielgruppen konzipiert, die selbst in einem einzigen Bereich der Kunstwelt noch weit voneinander entfernt sind. Ekaterina und Anastasia „bauen“ eine neue Plattform für ihre Interaktion und mehr.

Zwar machten langjährige Freunde und Kollegen im Auktionshaus Christie’s vor der Gründung eines gemeinsamen Unternehmens eine gute Karriere. Ekaterina Vinokurova, Absolventin der Fakultät für Politikwissenschaft der Columbia University und Master-Abschluss der London School of Economics, begann als PR-Spezialistin für eines der russischen Öl- und Gasunternehmen. 2007 erhielt sie von Harry Blaine, dem Direktor der Galerie Haunch of Venison, das Angebot, ihre Aktivitäten in Russland auszubauen. Drei Jahre lang pendelte Ekaterina zwischen London und Moskau, besuchte alle Weltveranstaltungen im Bereich zeitgenössischer Kunst und leitete 2010 die Entwicklungsrichtung von Christie’s in Russland und den GUS-Staaten. Fünf Jahre später, bereits als Direktorin von Christie’s in Russland, eröffnete Vinokurova ein neues Büro des Auktionshauses mit einem permanenten Ausstellungsraum.

Michail Podgorny

Als Ekaterina 2010 die Schwelle zu Christie’s überschritt, arbeitete ihre Freundin Anastasia Karneeva bereits seit drei Jahren dort. Als Absolventin der Fakultät für Journalismus der Moskauer Staatsuniversität studierte sie am University College of London und arbeitete weiterhin in der Zentrale des Russischen Wirtschaftsforums. Christie’s erkannte Anastasias Organisationstalent und lud sie 2007 ein, die Interessen des Auktionshauses in Moskau zu vertreten.

Anastasia und Ekaterina arbeiteten ein Jahr lang zusammen, steigerten nicht nur ihren Kundenstamm, sondern auch den Umsatz deutlich und bewiesen die Wirksamkeit ihres Duetts. Und schließlich wurde uns klar, dass es genauso angenehm ist, beruflich zusammenzuarbeiten wie Freunde zu sein. Allerdings beschloss Anastasia schon bald, dieses Duett zu verlassen und einen ruhigeren Job bei der Investmentgesellschaft Sapinda UK Limited in London anzunehmen. Karneeva war jedoch die ganze Zeit über weiterhin als Beraterin für Christie’s in Russland tätig und nahm auf die eine oder andere Weise an allen Veranstaltungen des Auktionshauses teil.

Einfache Berechnungen zeigen, dass das Wirtschaftstandem Vinokurov-Karneev über 20 Jahre Erfahrung im Kunstbereich verfügt. Die Nachfrage nach Letzterem brachte Ekaterina und Anastasia auf die Idee, ein gemeinsames Unternehmen zu gründen. „Wir interessieren uns beide schon seit langem für zeitgenössische Kunst und besuchen seit sieben Jahren gemeinsam alle internationalen Kunstausstellungen und erwerben etwas für unsere persönlichen Sammlungen. Irgendwann fragten sie uns ständig: Was soll man kaufen? Darüber hinaus haben nicht nur Freunde, sondern auch Fremde um Rat gefragt“, erzählt Ekaterina über die Umstände, die zur Entstehung von SmartArt führten. „Wir organisierten gemeinsame Reisen zu Kunstmessen und führten die Leute zu bestimmten Galerien, weil wir die Marktbedingungen sehr gut kannten. Und sie begannen, so viel ihrer persönlichen Zeit damit zu verbringen, dass ihnen irgendwann klar wurde: Das sollte eine berufliche Tätigkeit werden. Darüber hinaus ist die Marktsituation reif für die Entstehung eines solchen Unternehmens – in Russland gibt es keine Analoga“, wiederholt Anastasia, eine Kollegin.

Michail Podgorny

SmartArt ist ein Beratungsunternehmen, das sich mit der Kunst der letzten hundert Jahre beschäftigt und Ratschläge zu einem breiten Spektrum von Themen gibt: von einfachen Fragen – wie man eine Wand im Wohnzimmer dekoriert, bis hin zu ernsthaften Fragen – wie man etwas Wesentliches und Persönliches hinzufügt Sammlung. Hier finden sie einen Experten für jede Kunstepoche, verbinden Sie mit jeder Galerie auf der Welt und geben eine Zweitmeinung von Mitarbeitern von Auktionshäusern oder Museumsdirektoren. Unter allen angebotenen Dienstleistungen weist SmartArt jedoch bereits eine vorherrschende Spezialisierung auf. „Wir haben die Zusammenarbeit mit einheimischen Künstlern als Hauptrichtung unserer Tätigkeit gewählt, da der Markt für russische zeitgenössische Kunst unterentwickelt ist und sie sowohl im Inland als auch im Westen unterbewertet sind“, sagt Anastasia. „Wir können diese Situation ändern, und jetzt ist der Moment gekommen, in dem wir neue Namen finden und auf den Markt bringen müssen.“

„Die Menschen sind bereit, zeitgenössische russische Kunst zu sammeln, wissen aber oft nicht, wonach sie suchen sollen. Und SmartArt ist das Bindeglied zwischen einer neuen Generation von Künstlern und einer neuen Generation von Sammlern. Abschließend sprechen wir über den Künstler, die Preise, stellen Optionen für die Entwicklung seiner Sammlung vor und haben auch eine pädagogische Funktion“, fährt Vinokurova fort.

Das aktuelle Portfolio von SmartArt umfasst neun verschiedene Künstler (zusätzlich zu den oben genannten sind dies Arseny Zhilyaev, Alexandra Galkina, Daria Irincheeva, Alexey Buldakov und Anastasia Potemkina (Duett Urban Fauna Laboratory), die Ekaterina und Anastasia nach ihrem eigenen Geschmack und Selbstvertrauen ausgewählt haben in ihrem Potenzial.

Wir gehen davon aus, dass unsere Künstler gefragt sein werden, ihre Preise steigen und zum kulturellen Erbe des Landes werden

Ekaterina Winokurowa

Mitbegründer der Firma SmartArt

Anastasia und Ekaterina planen, sie der Öffentlichkeit nicht nur durch private Beratungen, sondern auch durch große Ausstellungen verschiedener Formate, zwei oder drei im Jahr, vorzustellen. Die erste davon, eine Ausstellung von Sergei Sapozhnikov, fand kürzlich in Udarnik statt. Zwar wurde das Projekt „The Drama Machine“ ursprünglich von der Gazprombank und der Don Foundation initiiert und im Heimatland der Künstlerin in Rostow am Don gezeigt, doch die Mädchen verlegten es in einer anderen Interpretation der Kuratorin Irene Calderoni, einer Kunstkritikerin aus Turin, nach Moskau. Für Sapozhnikov war diese Ausstellung die erste persönliche Ausstellung in der Hauptstadt in seiner gesamten Karriere und 90 % der ausgestellten Werke wurden verkauft. „Unser Portfolio aus neun Namen wird im Laufe der Zeit wachsen. Wir gehen davon aus, dass unsere Künstler gefragt sein werden, ihre Preise steigen und zum kulturellen Erbe des Landes werden. Das Interesse an russischer Kunst wächst: Sammler erkennen, dass es sich um ein unterbewertetes Gut handelt, und möchten mehr darüber erfahren“, erklärt Ekaterina.

„Kunst ist auch eine Zeitinvestition; man muss darauf warten, dass der Markt auf natürliche Weise wächst“, fährt Anastasia fort. „Die Quintessenz unserer geschäftlichen Qualitäten und Erfahrungen lässt uns hoffen, dass sich unser Unternehmen weiterentwickeln, eine klare Position auf dem Markt einnehmen und sich zu einer seriösen Kunstberatungsstruktur entwickeln wird, ähnlich wie seine bedeutenden westlichen Pendants.“