"Jogadores de cartas"

Autor

Paulo Cézanne

Um país França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo

O artista nasceu no sul da França, na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio para ele depois de uma exposição pessoal organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para a periferia de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de “uma peregrinação a Aix”.

130x97cm
1895
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado

O trabalho de Cézanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta de um objeto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não confundissem o espectador. Cézanne combinou em sua arte duas principais tradições francesas: o classicismo e o romantismo. Com a ajuda de texturas coloridas, ele deu ao formato dos objetos uma plasticidade incrível.

A série de cinco pinturas “Jogadores de Cartas” foi pintada em 1890-1895. O enredo deles é o mesmo - várias pessoas jogam pôquer com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.

Quatro pinturas são mantidas em museus da Europa e da América (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do armador bilionário grego Georg Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores da obra “gratuita” de Cézanne foram o negociante de arte William Acquavella e o mundialmente famoso galerista Larry Gagosian, que ofereceram cerca de 220 milhões de dólares por ela. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões.O maior negócio de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. A jornalista Alexandra Pierce relatou isso na Vanity Fair. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo dono, e então a informação penetrou na mídia de todo o mundo.

Em 2010, o Museu Árabe de Arte Moderna e o Museu Nacional do Qatar foram inaugurados no Qatar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo xeque para esse fim.

A maioriapintura carano mundo

Proprietário
Xeque Hamad
bin Khalifa al-Thani

A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Há cerca de meio século, foram descobertas aqui enormes reservas de petróleo e gás, o que tornou instantaneamente o Qatar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país tem o maior PIB per capita. O Xeque Hamad bin Khalifa al-Thani tomou o poder em 1995, enquanto o seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do atual governante, segundo especialistas, está numa estratégia clara para o desenvolvimento do país e na criação de uma imagem de sucesso do Estado. O Qatar tem agora uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres têm o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Catar quem fundou o canal de notícias Al-Jazeera. As autoridades do estado árabe prestam grande atenção à cultura.

2

"Número 5"

Autor

Jackson Pollock

Um país EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato

Jack the Sprinkler - esse foi o apelido dado a Pollock pelo público americano por sua técnica especial de pintura. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou tinta sobre a superfície da tela ou da placa de fibra durante um movimento contínuo ao redor e dentro deles. Desde cedo ele se interessou pela filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante um “derramamento” gratuito.

122x244cm
1948
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's

O valor do trabalho de Pollock não reside no resultado, mas no processo. Não é por acaso que o autor chamou sua arte de “action painting”. Com sua mão leve, tornou-se o principal ativo da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia e cacos de vidro e pintou com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca e uma pá de lixo. O artista era tão popular que na década de 1950 foram encontrados imitadores até na URSS. A pintura “Número 5” é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o no leilão da Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, o escritório de advocacia logo emitiu um comunicado à imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Só uma coisa é certa: o financista mexicano colecionou recentemente obras de arte moderna. É improvável que ele tivesse perdido um “peixe grande” como o “Número 5” de Pollock.

3

"Mulher III"

Autor

Willem de Kooning

Um país EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato

Natural da Holanda, imigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, aconteceu a exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo seu autor como um grande artista modernista. Ele sofreu de alcoolismo durante a maior parte de sua vida, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada obra. De Kooning se distingue pela impulsividade de sua pintura e pelos traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe nos limites da tela.

121x171cm
1953
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006
em leilão privado

Na década de 1950, mulheres com olhos vazios, seios enormes e feições faciais feias apareciam nas pinturas de De Kooning. “Mulher III” foi a última obra desta série a ser leiloada.

Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi exportada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o “Número 5” de Jackson Pollock) vendeu a pintura ao milionário Steven Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isto deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o jornal Los Angeles Times.

Num dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de “Mulher III” com a pintura “Dama com Arminho” de Leonardo da Vinci. Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura viu a graça de uma pessoa de sangue real. Isto também é evidenciado pela coroa mal desenhada que coroa a cabeça da mulher.

4

"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustavo Klimt

Um país Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno

Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Os três filhos de Ernest Klimt tornaram-se artistas, mas apenas Gustav tornou-se famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte do pai, ele passou a ser responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Qualquer espectador congela diante de suas pinturas: o erotismo franco é claramente visível sob as finas pinceladas de ouro.

138x136cm
1907
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's

O destino da pintura, chamada de “Mona Lisa austríaca”, poderia facilmente se tornar a base de um best-seller. O trabalho do artista causou um conflito entre um estado inteiro e uma senhora idosa.

Assim, “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata uma aristocrata, esposa de Ferdinand Bloch. Seu último desejo era doar a pintura à Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria comprou com dificuldade a Golden Adele, mas então apareceu uma herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.

Em 2005, teve início o julgamento de grande repercussão “Maria Altmann contra a República da Áustria”, com o qual o filme “partiu” com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas sem precedentes: foram realizadas negociações sobre empréstimos, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca derrotou o mal: Altman aumentou o preço para US$ 300 milhões. Na época do processo, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que alterou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi adquirida por Ronald Lauder, dono da New Gallery de Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para 135 milhões de dólares.

5

"Gritar"

Autor

Edvard Munch

Um país Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo

A primeira pintura de Munch, que ficou famosa em todo o mundo, “The Sick Girl” (são cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, a sua pintura pesada e maníaca provocou até um escândalo. Porém, apesar dos temas depressivos, suas pinturas possuem um magnetismo especial. Veja "Grito", por exemplo.

73,5x91cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O título completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de um humano ou de um alienígena expressa desespero e pânico - as mesmas emoções que o espectador experimenta ao olhar a imagem. Uma das principais obras do expressionismo alerta para temas que se agravaram na arte do século XX. Segundo uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental que sofreu durante toda a vida.

A pintura foi roubada duas vezes de museus diferentes, mas foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava novamente pronto para exibição no Museu Munch em 2008. Para representantes da cultura pop, a obra tornou-se fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias impressas dela, e a máscara do filme “Scream” foi feita à imagem e semelhança do herói do filme.

Munch escreveu quatro versões da obra para um tema: a que está em coleção particular é feita em tons pastéis. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou valor recorde para “Scream”. Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Conselheiros Leões, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui o maior acervo de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.

6

"Nu contra fundo de busto e folhas verdes"

Autor

Pablo Picasso

Um país Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo

É espanhol de origem, mas por espírito e local de residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Depois foi para Paris e lá passou a maior parte da vida. É por isso que seu sobrenome tem duplo acento. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da ideia de que um objeto retratado na tela só pode ser visto de um ângulo.

130x162cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's

Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele acabou com a vadiagem e mudou-se para um apartamento luxuoso com ela. Naquela época, o reconhecimento havia encontrado o herói, mas o casamento foi destruído. Uma das pinturas mais caras do mundo foi criada quase por acidente - por um grande amor, que, como sempre acontece com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato retratando Marie-Thérèse na imagem de Daphne. A tela foi comprada pelo negociante nova-iorquino Paul Rosenberg e, em 1951, ele a vendeu para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez e apenas porque o artista estava completando 80 anos. Após a morte de seu marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie’s em março de 2010. Ao longo de seis décadas, o preço aumentou mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou-o por US$ 106,5 milhões. Em 2011, ocorreu uma “exposição de uma pintura” na Grã-Bretanha, onde foi lançada pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.

7

"Oito Elvis"

Autor

Andy Warhole

Um país EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop

“Sexo e festas são os únicos lugares onde você precisa aparecer pessoalmente”, disse o artista cult da pop art, diretor e um dos fundadores da revista Interview, o designer Andy Warhol. Ele trabalhou com a Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a empresa I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando símbolos da América: sopa Campbell's e Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.

358x208cm
1963
preço
US$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado

Os anos 60 de Warhol foi o nome dado à era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan, no estúdio Factory, onde se reuniam todos os boêmios de Nova York. Seus representantes proeminentes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol testou a técnica de serigrafia - repetição repetida de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar “Os Oito Elvises”: o espectador parece estar vendo cenas de um filme onde a estrela ganha vida. Aqui está tudo o que o artista tanto amou: uma imagem pública ganha-ganha, cor prateada e uma premonição de morte como mensagem principal.

Existem hoje dois negociantes de arte promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. O primeiro gastou US$ 200 milhões em 2008 para adquirir mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende suas pinturas como se fossem cartões de Natal, só que por um preço mais alto. Mas não foram eles, mas sim o modesto consultor de arte francês Philippe Segalot que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender “Oito Elvises” a um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol – 100 milhões de dólares.

8

"Laranja,Vermelho amarelo"

Autor

Marcos Rothko

Um país EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato

Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, Rússia (hoje Daugavpils, Letônia), em uma grande família de um farmacêutico judeu. Em 1911 emigraram para os EUA. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale e ganhou uma bolsa de estudos, mas sentimentos anti-semitas o forçaram a abandonar os estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatraram o artista e os museus o perseguiram por toda a vida.

206x236cm
1961
preço
US$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's

As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para colorir manchas, privando-as de qualquer objetividade. No início tinham tons claros e, na década de 1960, tornaram-se marrons e roxos, tornando-se pretos na época da morte do artista. Mark Rothko alertou contra a busca de qualquer significado em suas pinturas. O autor queria dizer exatamente o que disse: apenas a cor se dissolvendo no ar e nada mais. Ele recomendou visualizar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador fosse “atraído” pela cor, como se fosse um funil. Cuidado: observar de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito, a imersão completa em si mesmo, o relaxamento e a purificação vêm gradativamente. A cor em suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (dizem, às vezes curativo). O artista declarou: “O espectador deveria chorar ao olhar para eles”, e tais casos realmente aconteceram. Segundo a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele viveu enquanto trabalhava na pintura. Se você foi capaz de entendê-lo em um nível tão sutil, não ficará surpreso com o fato de essas obras de arte abstrata serem frequentemente comparadas pelos críticos a ícones.

A obra “Orange, Red, Yellow” expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu preço inicial no leilão da Christie’s em Nova York é de US$ 35 a 45 milhões. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes maior que o estimado. O nome do sortudo dono da pintura, como costuma acontecer, não é divulgado.

9

"Tríptico"

Autor

Francis Bacon

Um país
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo

As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e também descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o renegou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais de seu filho. Bacon foi primeiro para Berlim, depois para Paris, e então seus rastros ficaram confusos por toda a Europa. Durante sua vida, suas obras foram expostas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.

147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

Museus de prestígio procuravam possuir as pinturas de Bacon, mas o recatado público inglês não tinha pressa em desembolsar por tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse sobre ele: “O homem que pinta estes quadros aterrorizantes”.

O próprio artista considerou o pós-guerra o ponto de partida de sua obra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou grandes obras-primas. Antes da participação em “Tríptico, 1976”, o trabalho mais caro de Bacon foi “Estudo para um Retrato do Papa Inocêncio X” (US$ 52,7 milhões). Em “Tríptico, 1976” o artista retratou a trama mítica da perseguição de Orestes pelas Fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as Fúrias são o seu tormento. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em acervo particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte, e ainda por cima generoso? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, na qual foi significativamente influenciado por sua amiga Dasha Zhukova, que se tornou uma galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui pessoalmente obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, adquiridas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008 tornou-se proprietário do Tríptico. Aliás, em 2011 foi adquirida outra valiosa obra de Bacon - “Três Esboços para um Retrato de Lucian Freud”. Fontes ocultas dizem que Roman Arkadyevich tornou-se novamente o comprador.

10

"Lagoa com nenúfares"

Autor

Claude Monet

Um país França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo

O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que “patenteou” esse método em suas telas. A primeira obra significativa foi a pintura “Almoço na Relva” (versão original da obra de Edouard Manet). Na juventude desenhou caricaturas e dedicou-se à pintura real durante as suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris levou um estilo de vida boêmio e não o abandonou mesmo depois de servir no exército.

210x100cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também era um jardineiro entusiasta e adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é reforçada por grandes traços, que a uma certa distância tornam-se invisíveis e fundem-se numa imagem tridimensional texturizada. Nas pinturas do final de Monet, o tema da água e da vida nela contida ocupa um lugar especial. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes que trouxe especialmente do Japão. Quando as flores desabrocharam, ele começou a pintar. A série “Nenúfares” é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até à sua morte. Sua visão piorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da época do ano e do clima, a aparência do lago mudava constantemente e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, ele compreendeu a essência da natureza. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: o Museu Nacional de Arte Ocidental (Tóquio), a Orangerie (Paris). Uma versão do próximo “Lago com Nenúfares” chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.

11

Estrela Falsa t

Autor

Jasper Johns

Um país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop

Em 1949, Jones ingressou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta honraria civil dos Estados Unidos.

137,2x170,8cm
1959
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006
em leilão privado

Assim como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura em plena conformidade com o original. Para seus trabalhos utilizou objetos simples e compreensíveis: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou cartões. Não há uma composição clara no filme False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes rotulando “erroneamente” as cores da pintura, invertendo o próprio conceito de cor: “Eu queria encontrar uma maneira de representar a cor para que ela pudesse ser determinada por algum outro método”. Sua pintura mais explosiva e “insegura”, segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.

12

"Sentadonuno sofá"

Autor

Amedeo Modigliani

Um país Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo

Modigliani esteve frequentemente doente desde a infância; durante um delírio febril, reconheceu o seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza e em 1906 foi para Paris, onde sua arte floresceu.

65x100cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010
no leilão Sotheby's

Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e depois sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de “Nude Seated on a Sofa” em 2010. A pintura foi adquirida por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, doente de tuberculose, e no dia seguinte Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também suicidou-se.

13

"Águia em um pinheiro"

Autor

Qi Baishi

Um país China
Anos de vida 1864–1957
Estilo Guohua

O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi à pintura. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura chinês concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês" e em 1956 recebeu o Prémio Internacional da Paz.

10x26cm
1946
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China

Qi Baishi estava interessado nas manifestações do mundo circundante às quais muitos não dão importância, e esta é a sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: “Tenho medo de ir ao seu país, porque há Qi Baishi na China”. A composição “Águia em um Pinheiro” é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual a obra foi adquirida representa um recorde - 425,5 milhões de yuans. Somente o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões.

14

"1949-A-No. 1"

Autor

Clyfford ainda

Um país EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato

Aos 20 anos, visitei o Metropolitan Museum of Art de Nova York e fiquei decepcionado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso na Student Arts League, mas saiu 45 minutos após o início da aula - acabou “não sendo para ele”. A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se encontrou, e com ela o reconhecimento

79x93cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Ainda legou todas as suas obras, mais de 800 telas e 1.600 obras em papel, a uma cidade americana onde será inaugurado um museu com seu nome. Denver tornou-se uma dessas cidades, mas só a construção foi cara para as autoridades e, para concluí-la, quatro obras foram colocadas em leilão. É pouco provável que as obras de Still voltem a ser leiloadas, o que aumentou antecipadamente o seu preço. A pintura “1949-A-No.1” foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda por um máximo de 25 a 35 milhões de dólares.

15

"Composição suprematista"

Autor

Kazimir Malevitch

Um país Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo

Malevich estudou pintura na Escola de Arte de Kiev e depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim para “domínio”).

71x88,5cm
1916
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

A pintura foi mantida no Museu da Cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a doou. O artista pintou esta obra no mesmo ano do “Manifesto do Suprematismo”, por isso a Sotheby’s anunciou antes mesmo do leilão que não iria para uma coleção privada por menos de 60 milhões de dólares. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da terra. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra “Composição Suprematista” do Museu do MoMA para vendê-la no leilão da Phillips por US$ 17 milhões.

16

"Banhistas"

Autor

Paul Gauguin

Um país França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo

Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o levaram constantemente a viajar. Na França, começou a pintar e tornou-se amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.

93,4x60,4cm
1902
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's

Em 1891, Gauguin organizou uma venda de suas pinturas para usar o dinheiro arrecadado para viajar até a ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais se sente uma conexão sutil entre a natureza e o homem. Gauguin vivia numa cabana de palha e um paraíso tropical florescia nas suas telas. Sua esposa era Tahitian Tehura, de 13 anos, o que não impediu o artista de se envolver em relacionamentos promíscuos. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava lotado lá e ele voltou para o Taiti. Este período é chamado de “segundo taitiano” - foi então que foi pintado o quadro “Banhistas”, um dos mais luxuosos de sua obra.

17

"Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa"

Autor

Henrique Matisse

Um país França
Anos de vida 1869–1954
Estilo Fauvismo

Em 1889, Henri Matisse sofreu um ataque de apendicite. Quando ele estava se recuperando de uma cirurgia, sua mãe comprou tintas para ele. No início, Matisse copiou cartões postais coloridos por tédio, depois copiou obras de grandes pintores que viu no Louvre e, no início do século 20, surgiu com um estilo - o fauvismo.

65,2x81cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's

A pintura “Narcisos e Toalha de Mesa em Azul e Rosa” pertenceu durante muito tempo a Yves Saint Laurent. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie’s. A pérola da coleção vendida foi o quadro “Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa”, pintado sobre uma toalha de mesa comum em vez de tela. A exemplo do Fauvismo, ele está repleto da energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da famosa série de pinturas pintadas em toalhas de mesa, hoje esta obra é a única que se encontra em coleção particular.

18

"Menina Adormecida"

Autor

RoyLee

htenstein

Um país EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop

O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de artes. Em 1949, Lichtenstein recebeu o título de Mestre em Belas Artes. Seu interesse por quadrinhos e sua habilidade de usar a ironia fizeram dele um artista cult do século passado.

91x91cm
1964
preço
US$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

Um dia, um chiclete caiu nas mãos de Lichtenstein. Ele redesenhou a imagem do encarte na tela e ficou famoso. Esta história de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus, e não há menos beleza em uma embalagem de chiclete do que na Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem final, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. O quadro “Sleeping Girl” pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh durante quase 50 anos, cujos herdeiros o venderam em leilão.

19

"Vitória. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Um país Holanda
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo

O artista mudou seu nome verdadeiro, Cornelis, para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Juntamente com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento Neoplasticismo. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.

27x127cm
1944
preço
US$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's

O mais “musical” dos artistas do século XX ganhava a vida com naturezas mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e lá passou o resto da vida. Jazz e Nova York foram o que mais o inspirou! Pintura “Vitória. Boogie-Woogie" é o melhor exemplo disso. Os quadrados perfeitos foram obtidos com fita adesiva, o material favorito de Mondrian. Na América, ele foi chamado de “o imigrante mais famoso”. Nos anos 60, Yves Saint Laurent lançou vestidos “Mondrian” mundialmente famosos com grandes estampas xadrez.

20

"Composição nº 5"

Autor

ManjericãoKandinsky

Um país Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda

O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, tentou cooperar com o governo soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele, e não sem dificuldades emigrou para a Alemanha.

275x190cm
1911
preço
US$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's

Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como “arte degenerada” e não foram expostas em lugar nenhum. Em 1939, Kandinsky obteve a cidadania francesa e em Paris participou livremente do processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, por isso muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composição nº 5” é uma das obras-chave do gênero: “A palavra “composição” soou para mim como uma oração”, disse o artista. Ao contrário de muitos de seus seguidores, ele planejou o que retrataria em uma enorme tela, como se estivesse escrevendo notas.

21

"estudo de uma mulher em azul"

Autor

Fernand Leger

Um país França
Anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo

Léger formou-se em arquitetura e depois frequentou a École des Beaux-Arts de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e no século XX também fez sucesso como escultor.

96,5x129,5cm
1912–1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

David Norman, presidente do departamento internacional de impressionismo e modernismo da Sotheby's, considera completamente justificada a enorme quantia paga por “A Dama de Azul”. A pintura pertence à famosa coleção Léger (o artista pintou três pinturas sobre o mesmo tema, a última delas hoje está em mãos privadas. - Ed.), e a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor doou esta obra para a galeria Der Sturm, depois ela acabou na coleção de Hermann Lang, colecionador alemão do modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.

22

“Cena de rua. Berlim"

Autor

Ernesto LudwigKirchner

Um país Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo

Para o expressionismo alemão, Kirchner tornou-se uma pessoa icônica. No entanto, as autoridades locais acusaram-no de aderir à “arte degenerada”, o que afetou tragicamente o destino das suas pinturas e a vida do artista, que cometeu suicídio em 1938.

95x121cm
1913
preço
US$ 38,096 milhões
vendido em 2006
no leilão Christie's

Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços de cenas de rua. Ele se inspirou na agitação e no nervosismo da cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, o estado de ansiedade do artista é sentido de forma especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Foi a última obra da famosa série vendida em leilão; as demais estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com severidade: 639 de suas obras foram retiradas de galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.

23

"Vacacionista"dançarino"

Autor

Edgar Degas

Um país França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo

A história de Degas como artista começou com seu trabalho como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar “famoso e desconhecido” e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.

64x59cm
1879
preço
US$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

“As bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar movimentos”, disse Degas. Cenas da vida das bailarinas parecem ter sido espionadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. “Resting Dancer” foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões – hoje é a obra mais cara do artista já colocada em leilão. Degas prestou muita atenção às molduras, projetou-as ele mesmo e proibiu que fossem alteradas. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?

24

"Pintura"

Autor

Joan Miró

Um país Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata

Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve do lado republicano. Em 1937, fugiu do regime fascista para Paris, onde viveu na pobreza com a família. Nesse período, Miro pintou o quadro “Ajude a Espanha!”, chamando a atenção do mundo inteiro para o domínio do fascismo.

89x115cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O segundo título da pintura é “Blue Star”. O artista pintou-a no mesmo ano em que anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo as obras com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - a abstração surreal. A sua “Pintura” pertence ao ciclo das “pinturas de sonho”. No leilão, quatro compradores lutaram por ela, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa e “Pintura” tornou-se a pintura mais cara do artista.

25

"Rosa Azul"

Autor

Yves Klein

Um país França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática

O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, artesanato de dourador de molduras, Zen Budismo e muito mais. Sua personalidade e suas travessuras atrevidas eram muitas vezes mais interessantes do que as pinturas monocromáticas.

153x199x16cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie's

A primeira exposição de obras monocromáticas em amarelo, laranja e rosa não despertou interesse do público. Klein ficou ofendido e da próxima vez apresentou 11 telas idênticas, pintadas com ultramarino misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor ficou na história como “azul Klein internacional”. O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo papel à chuva, ateava fogo em papelão, fazia impressões do corpo de uma pessoa em tela. Em uma palavra, experimentei o melhor que pude. Para criar a “Rosa Azul” usei pigmentos secos, resinas, pedrinhas e uma esponja natural.

26

"Em Busca de Moisés"

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Um país Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo

O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo “alma” ao seu sobrenome para que pudesse ser listado em primeiro lugar nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista recebeu o título de cavaleiro.

213,4x136,7cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

O tema principal da obra de Alma-Tadema foi a antiguidade. Em suas pinturas, ele tentou retratar a época do Império Romano nos mínimos detalhes, para isso chegou a realizar escavações arqueológicas na Península dos Apeninos, e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Assuntos mitológicos tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi extremamente requisitado durante sua vida, mas após sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está renascendo, como evidenciado pelo custo da pintura “Em Busca de Moisés”, que é sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.

27

"Retrato de um funcionário nu dormindo"

Autor

Luciano Freud

Um país Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa

O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para a Grã-Bretanha. As obras de Freud estão no Wallace Collection Museum, em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.

219,1x151,4cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Enquanto os artistas da moda do século XX criavam “manchas coloridas na parede” positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia por ainda mais. “Capturo os gritos da alma e o sofrimento da carne enfraquecida”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o “legado” de Sigmund Freud. As pinturas foram exibidas e vendidas com tanto sucesso que os especialistas começaram a duvidar: elas têm propriedades hipnóticas? O Retrato de um Oficial Adormecido Nu, vendido em leilão, segundo o Sun, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.

28

"Violino e Guitarra"

Autor

Xum Gris

Um país Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo

Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, e também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.

5x100cm
1913
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's

Gris, em suas próprias palavras, estava engajado na “arquitetura plana e colorida”. Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço aleatório, o que torna a criatividade semelhante à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora respeitasse muito Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor ainda dedicou a ele sua primeira obra em estilo cubista, “Tributo a Picasso”. A pintura “Violino e Violão” é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris foi famoso e favorecido por críticos e críticos de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e mantidas em coleções particulares.

29

"RetratoCampos de Éluard"

Autor

Salvador Dalí

Um país Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo

“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o mais famoso artista surrealista. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem inventou a embalagem do Chupa Chups.

25x33cm
1929
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura “Retrato de Paul Eluard” foi pintada durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiada a responsabilidade de captar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e ficava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou o dueto Dali-Gala.

30

"Aniversário"

Autor

Marc Chagall

Um país Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda

Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e tornou-se próximo dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, durante a tomada do poder pelos nazistas, partiu para os Estados Unidos com a ajuda do cônsul americano. Ele retornou à França apenas em 1948.

80x103cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's

A pintura “Aniversário” é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Contém todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, o sentimento de um conto de fadas é preservado no cenário da vida burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não desenhou pessoas da vida, mas apenas da memória ou da imaginação. A pintura “Aniversário” retrata o próprio artista e sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi leiloada desde então. Curiosamente, o Museu de Arte Moderna de Nova York, MoMA, abriga exatamente o mesmo, apenas com o nome de “Aniversário”. A propósito, foi escrito antes - em 1915.

preparou o projeto
Tatiana Palasova
a classificação foi compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn nº 13 (maio a junho de 2013)

Introdução pág.3
1. Artistas e associações artísticas da década de 20 p.5
2. Artistas e associações artísticas da década de 30 p.11
Referências p.20

Introdução

Outubro de 1917 abriu uma nova era não só na vida social, mas também na vida artística. Qualquer revolução destrói algo e então começa a criação de algo novo. O que está a acontecer não é um simples desenvolvimento, mas um reequipamento decisivo dos fundamentos das anteriores estruturas sociais, políticas, ideológicas e de outros tipos, incluindo a arte.
A revolução levantou pelo menos dois problemas. O primeiro problema é o classismo da arte. A tentativa de ligá-lo estreitamente à luta de classes levou a uma distorção da sua natureza multifuncional. Uma compreensão particularmente simplificada do caráter de classe da arte manifestou-se nas atividades do conhecido Proletkult. O elemento de luta levou à destruição de monumentos culturais, causada não só pelas acções militares durante a guerra civil e pela intervenção estrangeira, mas também por políticas destinadas a esmagar a cultura burguesa. Assim, muitos monumentos escultóricos e obras de arquitetura antiga associadas ao culto religioso foram demolidos ou destruídos.
O segundo problema é o problema da política de classe na arte. Todas as forças estiveram envolvidas na sua resolução: “burguesas” e “proletárias”, destrutivas e criativas, soviéticas e não-soviéticas, “esquerda” e “direita”, culturais e ignorantes, profissionais e amadoras.
Os princípios de desenvolvimento social proclamados pelo Estado determinaram em grande parte o movimento gradual da arte. Houve uma espécie de estratificação de forças, a partir da qual se formou um vetor do verdadeiro estado da arte. Por um lado, este é o poder de autodesenvolvimento da arte, onde se refletiram os padrões de movimento das formas contidos na natureza da criatividade artística; por outro lado, a influência das forças sociais, das instituições públicas interessadas neste e não naquele movimento artístico, em algumas das suas formas. Em terceiro lugar, os ditames da política de Estado, que, contando ou não com as forças sociais, tiveram um impacto incondicional na estrutura da arte, na sua essência, no seu potencial evolutivo e revolucionário. Desde o final da década de 1920, a política começou claramente a distorcer o processo normal de desenvolvimento da arte, a exercer certa pressão sobre ela, proibindo ou condenando certas manifestações “não proletárias”.

1. Artistas e associações artísticas da década de 20.

A década de 1920 foi uma época turbulenta para a arte. Havia muitos grupos diferentes. Cada um deles apresentou uma plataforma, cada um apresentou seu próprio manifesto. A arte, obcecada pela ideia de pesquisar, era diversa; fervilhava e fervilhava, tentando acompanhar a época e olhar para o futuro.
Os grupos mais significativos, cujas declarações e práticas criativas refletiam os principais processos criativos da época, foram AHRR, OST e “4 Artes” (8, p. 87).
O grupo AHRR (Associação de Artistas da Rússia Revolucionária) surgiu em 1922 (em 1928 foi renomeado AHRR - Associação de Artistas da Revolução). O núcleo da AHRR foi formado principalmente por ex-participantes da Associação de Exposições Itinerantes. A declaração da AHRR constava do catálogo da exposição de 1922: “O nosso dever cívico para com a humanidade é o registo artístico e documental do maior momento da história no seu impulso revolucionário. Vamos retratar hoje: a vida do Exército Vermelho, a vida dos trabalhadores, dos camponeses, dos revolucionários e dos heróis do trabalho.”
Os artistas da AHRR procuraram tornar a sua pintura acessível ao grande público da época. Em seu trabalho, eles frequentemente usavam mecanicamente a linguagem escrita cotidiana dos falecidos Wanderers. A AHRR organizou uma série de exposições de arte temáticas, cujos nomes são: “Vida e Vida dos Trabalhadores” (1922), “Vida e Vida do Exército Vermelho” (1923), “Revolução, Vida e Trabalho” (1924 - 1925), “Vida e Vida das Nações URSS" (1926) - falam sobre as tarefas de refletir diretamente a realidade moderna.
A peculiaridade da prática dos “Akhrovitas” era que eles iam às fábricas e fábricas, aos quartéis do Exército Vermelho, para ali observar a vida e o cotidiano de seus heróis. Durante a preparação da exposição “Vida e Vida dos Povos da URSS”, seus participantes visitaram os cantos mais remotos do país soviético e trouxeram de lá um número significativo de esboços que serviram de base para seus trabalhos. Os artistas da AHRR desempenharam um papel importante no desenvolvimento de novos temas, influenciando representantes de vários grupos artísticos da época.
Entre os artistas da AHRR destaca-se a obra de I. I. Brodsky (1883 - 1939), que teve como tarefa uma reprodução precisa e documental dos acontecimentos e heróis da revolução. Suas telas dedicadas às atividades de V. I. Lenin tornaram-se amplamente conhecidas. O nascimento da Leniniana pictórica baseia-se na pintura “O Discurso de Lenin na Fábrica Putilov”, pintada por Brodsky em 1929, e em uma de suas obras mais famosas, “Lenin em Smolny” (1930), retratando Lenin em seu escritório no trabalho. . Brodsky viu Lenin muitas vezes e fez esboços dele (12, p. 92).
As obras de Brodsky têm uma qualidade importante - a autenticidade, que tem grande significado histórico-educacional. Contudo, o desejo de documentação levou por vezes a uma interpretação empírica e naturalista do acontecimento. O significado artístico das pinturas de Brodsky também foi reduzido pelo naturalismo seco e pelo colorido dietético característico de uma parte significativa de suas obras.
O mestre da pintura de retratos G. G. Ryazhsky (1895 - 1952) ingressou na AHRR em 1923. Suas obras mais famosas são “Delegado” (1927) e “Presidente” (1928), nas quais o artista revela os traços sócio-psicológicos típicos de uma mulher da nova sociedade, participante ativa na vida industrial e social do país. A sua “Presidente” é uma trabalhadora-ativista. A sua postura e gestos revelam autoestima e descontração como prova da posição da mulher na nova sociedade de trabalho.
Entre os retratistas da AHRR, S. V. Malyutin (1859 - 1937) desempenhou um papel de destaque. A galeria de retratos que ele iniciou antes da revolução foi complementada na época soviética com retratos de V. K. Byalynitsky-Birulya, A. V. Lunacharsky e muitos outros. Entre eles, o mais interessante é o retrato de Dmitry Furmanov, pintado em 1922, que revela de forma convincente a imagem do escritor-guerreiro, representante da nova intelectualidade soviética.
Um participante ativo nas exposições do AHRR foi um importante pintor russo da virada dos séculos XIX para XX. A. E. Arkhipov. Na década de 20, Arkhipov criou imagens de mulheres camponesas - “Mulher com jarro”, “Mulher camponesa com avental verde”, “Mulher camponesa com lenço rosa na mão”, etc. temperamental e colorido.
A observação atenta e a atenção aos novos fenômenos da vida marcaram a obra de E. M. Cheptsov (1874 - 1943), que deu continuidade às tradições errantes no campo do gênero cotidiano. Sua pintura “Encontro da Célula da Aldeia” (1924), que retrata ativistas da aldeia dos primeiros anos da revolução, é amplamente conhecida. A observação e sinceridade do autor, a simplicidade da aparência de seus personagens e a simplicidade dos acessórios circundantes fizeram da pequena e modesta obra de arte de Cheptsov um dos exemplos mais interessantes da arte da AHRR.
O mesmo pode ser dito de uma das obras do pintor paisagista B. N. Yakovlev (1880 - 1972). O seu “Transporte está melhorando” (1923) é uma história modesta e ao mesmo tempo profunda sobre a era difícil dos primeiros anos da revolução, sobre o trabalho diário das pessoas. Pintada com calma e simplicidade, esta pintura é um dos primeiros exemplos de paisagem industrial na pintura soviética.
Um lugar especial na pintura do AHRR é ocupado pela obra de M. B. Grekov (1882-1934), o fundador do gênero de batalha na arte soviética. Durante uma década e meia - até o fim da vida - esteve ocupado criando uma série de pinturas dedicadas ao Primeiro Exército de Cavalaria, em cujas campanhas e batalhas o artista participou. Em sua obra, especialmente no período inicial, as tradições de Vereshchagin se fazem sentir claramente. O personagem principal de Grekov é um povo que assumiu todas as dificuldades da guerra. As obras de Grekov são uma afirmação da vida. Em pinturas de meados da década de 1920, como “Tachanka” (1925), a precisão da imagem do Wanderer é combinada com a euforia romântica. Mais tarde, continuando a crônica pictórica única do Primeiro Exército de Cavalaria, Grekov criou telas épicas, entre as quais se destacam as pinturas “Ao Kuban” e “Trompetistas do Primeiro Exército de Cavalaria” (ambas de 1934).
Juntamente com a AHRR, que incluía artistas das gerações mais velhas e médias que já possuíam uma vasta experiência criativa na época da revolução, o grupo OST (Society of Easel Painters), organizado em 1925, desempenhou um papel ativo na vida artística de naqueles anos.Uniu a juventude artística da primeira universidade de arte soviética - VHU-TEMASA. (3)
A principal tarefa da associação foi considerada pelos artistas da OST, como os Akrovitas, como a luta pelo renascimento e pelo desenvolvimento da pintura de cavalete sobre um tema moderno ou com conteúdo moderno. No entanto, as aspirações criativas e os métodos dos artistas da OST tinham diferenças características. Procuraram reflectir em factos individuais as novas qualidades da sua era contemporânea em relação à era anterior. O seu tema principal era a industrialização da Rússia, que recentemente era agrária e atrasada, e o desejo de mostrar a dinâmica da relação entre a produção moderna e as pessoas.
Um dos representantes mais talentosos do grupo OST foi A. A. Deineka. As declarações mais próximas da OST são as suas pinturas: “Na construção de novas oficinas” (1925), “Antes de descer à mina” (1924), “Jogadores de futebol” (1924), “Trabalhadores têxteis” (1926). O pathos figurativo de Deineka - o esqueleto encontrou saída na gráfica jornalística, em que o artista atuou como ilustrador em revistas de ampla leitura - como “At the Machine”, “Atheist at the Machine”, “Spotlight”, “ Juventude”, etc. A obra central do período Ostov de Deineka foi a pintura “Defesa de Petrogrado”, pintada em 1928 para a exposição temática “10 Anos do Exército Vermelho”. Este trabalho revela o principal pathos e significado das tradições inovadoras da OST mais vivificante e que encontrou o seu desenvolvimento na arte soviética dos períodos subsequentes. Deineka incorporou neste quadro toda a originalidade do seu estilo, reduziu ao mínimo os meios de expressão, mas tornou-os muito ativos e eficazes (8, p. 94).
Entre os outros membros da OST, Yu. I. Pimenov, P. V. Williams, SA Luchishkin são os mais próximos de Deineka na natureza de suas obras em termos de estilo. As obras “Indústria Pesada” de Pimenov, “A Revolta de Hamburgo” de Williams, “A bola voou para longe” e “I Love Life” de Luchishkin, criadas no mesmo período, revelaram e refletiram de forma inovadora as qualidades importantes da realidade moderna,
Ao contrário do grupo Ostov, de composição jovem, existiam outros dois grupos criativos que ocupavam um lugar importante na vida artística daqueles anos - “4 Arts” e OMH. (Sociedade de Artistas de Moscou) - mestres unidos da geração mais velha, que se desenvolveram criativamente nos tempos pré-revolucionários, que trataram os problemas de preservação da cultura pictórica com especial reverência e consideraram a própria linguagem, a forma plástica, muito importante parte do trabalho. A sociedade “4 Artes” surgiu em 1925. Os membros mais proeminentes deste grupo foram P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, N. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky.
As obras de Petrov-Vodkin, como “Depois da Batalha” (1923), “Garota na Janela” (1928), “Ansiedade” (1934), expressam de forma mais completa o significado ético de vários períodos - marcos no desenvolvimento da sociedade soviética. . Sua pintura “A Morte de um Comissário” (1928), assim como “Defesa de Petrogrado” de Deineka, pintada em conexão com a exposição “10 Anos do Exército Vermelho”, em contraste com o jornalismo específico - base das decisões figurativas de Deineka - dá sua solução filosófica para o problema: através de fatos que generalizam ideias sobre eventos ocorridos em todo o planeta Terra, através da identificação da essência ética desses eventos. Um comissário é uma pessoa que, tanto na vida como na morte, realiza um feito em nome da humanidade. A sua imagem é uma expressão da irresistibilidade de ideias brilhantes que vencerão no futuro, independentemente e apesar da morte dos mais activos portadores dessas ideias. O olhar de despedida do comissário moribundo é como uma palavra de despedida para um destacamento de combatentes antes de um ataque - ele está cheio de fé na vitória.
As ideias filosóficas de Petrov-Vodkin encontram expressão plástica adequada. O espaço representado parece estender-se sobre a superfície esférica do planeta. A combinação de perspectiva direta e reversa transmite de forma convincente e pungente o panorama “planetário” do que está acontecendo. Os problemas de imagem também são claramente resolvidos no sistema de cores. Em sua pintura, o artista segue o princípio do tricolor, como se personificasse as cores primárias da terra: ar azul frio, água azul; terra marrom-avermelhada; vegetação do mundo vegetal.
Uma marca significativa na história da pintura soviética foi deixada pelos artistas do grupo OMH, organizado em 1927. Muitos deles tornaram-se próximos uns dos outros nos anos pré-revolucionários na associação “Valete de Ouros”. Os mais ativos na OMX foram P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, V. V. Rozhdestvensky, A. A. Osmerkin.
Na sua declaração, os artistas OMKh afirmaram: “Exigimos do artista a maior eficácia e expressividade dos aspectos formais da sua obra, que constituem parte indissociável do lado ideológico desta última”. Este programa parece próximo do grupo 4 Artes.
Um dos expoentes mais proeminentes deste programa na arte soviética dos primeiros anos foi P. P. Konchalovsky. Ele procurou combinar as tendências do “Valete de Ouros” com a herança dos artistas realistas russos, o que expandiu enormemente seu alcance criativo e o ajudou a entrar de forma mais orgânica na arte soviética dos anos 20. Obras do mestre como “Autorretrato com sua esposa” (1922), “Retrato de O. V. Konchalovskaya” (1925), “Retrato de sua filha Natasha” (1925) distinguem-se pela integridade colorística e pela intensidade das cores individuais . Naqueles mesmos anos, P. P. Konchalovsky tentou criar pinturas temáticas, entre as quais as melhores foram “Novgorodianos” (1921) e “Da Feira” (1926). O artista está interessado em imagens tradicionais de “camponeses russos” - poderosos, atarracados, vivendo rodeados de objetos familiares, de acordo com as leis dos antigos costumes e, juntamente com o seu ambiente, constituindo algo tipicamente nacional.

2. Artistas e associações artísticas da década de 30.

Os anos 30 da história da arte soviética são um período difícil, refletindo as contradições da própria realidade. Tendo percebido as consideráveis ​​mudanças ocorridas na sociedade, o pathos da industrialização, os mestres da arte, ao mesmo tempo, quase não perceberam as grandes contradições sociais, não expressaram os conflitos sociais associados ao fortalecimento do culto à personalidade de Stalin (1).
Em 23 de abril de 1932, o Comité Central do Partido adotou uma resolução “Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas”. Este decreto liquidou todos os grupos artísticos anteriormente existentes e indicou caminhos e formas gerais de estabilização e desenvolvimento de todas as forças criativas da arte soviética. A resolução enfraqueceu o confronto entre associações individuais, que se agravou tanto na virada dos anos 20 para 30. Mas, por outro lado, as tendências de unificação intensificaram-se na vida artística. As experiências de vanguarda que se fizeram sentir na década de 1920 foram interrompidas. Desenrolou-se uma luta contra o chamado formalismo, em consequência da qual muitos artistas foram obrigados a abandonar as suas conquistas anteriores.
A criação de um sindicato único coincidiu com a aprovação do princípio do realismo socialista formulado por A.M. Gorky no Primeiro Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União. O realismo socialista assumiu a herança das tradições da arte realista do século XIX. e direcionou os artistas para retratar a realidade em seu desenvolvimento revolucionário. No entanto, como mostrou a prática posterior da arte soviética, o termo “realismo socialista” revelou-se insuficientemente amplo e adequado às tendências complexas e multifacetadas da nova cultura. A sua aplicação formal à prática artística conferia-lhe muitas vezes o papel de travão dogmático ao desenvolvimento da arte. Nas condições de reestruturação social dos anos 80, o termo “realismo socialista” foi objecto de discussão nos círculos profissionais a diferentes níveis.
Muitas das tendências progressistas que surgiram na década de 20 continuaram a desenvolver-se na década de 30. Isto aplica-se, por exemplo, à interacção frutífera de diferentes escolas nacionais.
Artistas de todas as repúblicas da União Soviética participaram de grandes exposições de arte organizadas na década de 1930. Ao mesmo tempo, exposições republicanas são organizadas em Moscou em conexão com décadas de arte nacional. As questões da arte nacional preocupam particularmente os artistas das repúblicas fraternas.
Na década de 1930, a prática de encomendas governamentais e viagens criativas para artistas se expandiu. São organizadas as maiores exposições: “15 anos do Exército Vermelho”, “20 anos do Exército Vermelho”, “20 anos do Komsomol”, “Indústria do Socialismo”, “Exposição das melhores obras da pintura soviética”, etc. ... Artistas soviéticos participam de exposições internacionais em Paris e Nova York, realizam trabalhos para a Exposição Agrícola All-Union em Moscou, em cuja preparação foi criado um número significativo de obras monumentais e decorativas, que, em essência, significaram uma etapa importante no renascimento da pintura monumental como forma de arte independente com objetivos e leis próprias. Estas obras expressaram a tendência da arte soviética para o monumentalismo.
Um dos representantes mais significativos da pintura de cavalete deste período é o artista Boris Vladimirovich Ioganson (1893 - 1973), que recorreu em sua obra às mais altas tradições da pintura russa do século XIX. Ele interpreta o legado de Surikov e Repin, introduzindo em suas obras novos conteúdos revolucionários, em sintonia com a época. Deste ponto de vista, as pinturas de Ioganson “Interrogatório dos Comunistas” (1933) e “Na Antiga Fábrica dos Urais” (1937) são especialmente importantes.
A pintura “Interrogatório de Comunistas” foi exibida pela primeira vez na exposição “15 Anos do Exército Vermelho”. Nele, o artista mostrou os comunistas que se levantaram para defender a pátria revolucionária e seus oponentes - os Guardas Brancos, que tentaram estrangular o Estado soviético durante a guerra civil. O artista realiza sua generalização histórica nas tradições de Repin, mostrando uma ação específica em um cenário específico. Não sabemos os nomes das pessoas aqui retratadas, principalmente porque a imagem como um todo é percebida por nós como historicamente universal. Os comunistas do filme de Ioganson estão condenados à morte. Mas o artista mostra a sua calma, coragem, força e resiliência, que contrastam com a ansiedade, o nervosismo, a desunião psicológica que reina no grupo dos Guardas Brancos, impotentes não só nesta situação, mas, por assim dizer, face à história .
Na pintura “Na Antiga Fábrica dos Urais”, escrita para a exposição “Indústria do Socialismo”, Ioganson contrasta as imagens do proprietário da fábrica e do trabalhador, na qual revela um sentimento de consciência de classe emergente e superioridade interna sobre o explorador. Com esta pintura, o artista mostrou o conflito histórico entre o velho e o novo, o reacionário e o progressista, e estabeleceu o poder vitorioso do revolucionário e do progressista. Estas são as novas características do gênero histórico-revolucionário soviético usando o exemplo da pintura de Ioganson.
Nesse período, um lugar especial é ocupado pela criatividade de Sergei Vasilyevich Gerasimov, multifacetada em imagens, temas e gêneros. A obra mais marcante do gênero histórico em sua obra é a pintura “O Juramento dos Partidários Siberianos” (1933), deslumbrante por sua expressividade aberta, revelada pela expressividade colorística, desenho nítido e composição dinâmica. Trabalhando no gênero cotidiano, S. V. Gerasimov deu atenção principal ao tema camponês. O artista abordou a solução através de um retrato, criando toda uma série de imagens camponesas convincentes. Durante a construção da aldeia agrícola coletiva, pintou um dos retratos mais marcantes, “Vigilante da Fazenda Coletiva” (1933). Entre as obras mais significativas da pintura de gênero da década de 30 está a pintura “Férias Coletivas na Fazenda” (1937), exposta na exposição “Indústria do Socialismo”. O maior crítico de arte soviético, o acadêmico I.E. Grabar, caracteriza esta pintura de forma precisa e sucinta: “Quando apareceu a maravilhosa tela “Collective Farm Holiday”, uma das melhores pinturas da exposição “Indústria do Socialismo”, um novo e extraordinário crescimento do mestre tornou-se óbvio. Dificilmente algum dos artistas soviéticos, exceto Sergei Gerasimov, teria lidado com tal tarefa de composição, iluminação e cor, e mesmo com a ajuda de meios e técnicas tão simples. Foi o quadro mais ensolarado da pintura russa durante a revolução, apesar de ter sido executado de forma contida” (1, p. 189).
O “cantor” do campesinato soviético foi Arkady Aleksandrovich Plastov (1893 - 1983), ligado à aldeia russa por sua origem. Ao longo da sua vida foi muito influenciado pelas impressões da sua infância passada em estreita comunicação com a natureza, com a terra, com os camponeses que nesta terra viviam.
Após a Grande Revolução Socialista de Outubro, Plastov, apaixonado pelo trabalho na sua aldeia natal de Prislonikhe, dedicando o seu tempo livre à pintura, acumulou esboços e impressões para os seus futuros trabalhos dedicados à vida camponesa. Uma das primeiras obras significativas de Plastov - a pintura “Banhando os Cavalos”, cheia de ar e luz - foi concluída por ele para a exposição “20 Anos do Exército Vermelho”. Para a exposição “Indústria do Socialismo” Plastov pintou uma grande tela “Férias Coletivas na Fazenda”. Outra obra marcante de Plastov daquela época é “The Collective Farm Herd” (1938). Todas essas pinturas mostram algumas características comuns. Plastov não pensa numa cena de gênero fora da paisagem, fora da natureza russa, sempre interpretada liricamente, revelando sua beleza nas manifestações mais simples. Outra característica das obras do gênero Plastov é a ausência de qualquer conflito ou momento especial na trama escolhida pelo artista. Às vezes em suas pinturas, como, por exemplo, em “O Rebanho da Fazenda Coletiva”, não há acontecimento algum, nada acontece. Mas, ao mesmo tempo, o artista sempre busca a expressividade poética do quadro.
O talento de A. A. Deineka desenvolveu-se à sua maneira na década de 30. Ele continuou a aderir aos seus temas, enredos, imagens favoritas, sistemas de cores e composição anteriores. É verdade que o seu estilo de pintura é um tanto suavizado, como exemplificam as melhores obras dos anos 30 - “Mãe” (1932), “Pausa para almoço no Donbass” (1935), “Futuros Pilotos” (1938). Esportes, aviação, corpo nu treinado, laconicismo e simplicidade da linguagem pictórica, combinações sonoras de marrom-laranja e azul são suavizados em alguns casos pelo lirismo, um momento de contemplação. Deineka também ampliou o quadro temático de sua obra, incluindo histórias da vida de países estrangeiros que surgiram a partir de viagens aos EUA, França, Alemanha e Itália.
Outro ex-membro da OST - Yu I. Pimenov (1903-1977) criou uma das melhores pinturas dos anos 30, “Nova Moscou” (1937). A paisagem do centro de Moscou (Praça Sverdlov) parece ser vista de um carro em alta velocidade, ao volante do qual uma jovem está sentada de costas para o espectador. Os novos edifícios erguidos, o andamento rápido do carro, as cores claras, a abundância de ar, a amplitude do espaço e o enquadramento da composição - tudo está imbuído de uma atitude otimista.
Na década de 30, desenvolveu-se a criatividade paisagística de G. G. Nissky (1903 - 1987), seguidor dos ostovitas, que adotou seu laconicismo e nitidez de soluções composicionais e rítmicas. Assim são suas pinturas “Outono” (1932) e “On the Tracks” (1933). Nas paisagens de Nissa, a atividade transformadora do homem é sempre visível.
Dos pintores paisagistas da geração mais velha, é interessante a obra de N.P. Krymov (1884 - 1958), que criou a famosa pintura “Manhã no Parque Central de Cultura e Lazer com o nome de Gorky em Moscou” em 1937. A ampla vista panorâmica do parque, as distâncias que se abrem atrás dele, a linha suave do horizonte que conduz o olhar do observador para além da tela - tudo respira frescor e amplitude.
A. Rylov, cuja obra se formou no início do século XX, na pintura “Lenin em Razliv” (1934) combina a paisagem com o gênero histórico, alcançando uma sensação de amplitude da natureza, pensamentos, sentimentos, afirmando o otimismo histórico .
A atração pelas paisagens panorâmicas manifestou-se nas obras de muitos pintores de várias repúblicas. Essa atração estava associada àquele sentimento apurado de Pátria, terra natal, que se fortaleceu e cresceu na década de 30. D. N. Kakabadze (1889 - 1952) em sua “Paisagem Imeretiana” (1934) apresenta uma ampla extensão das montanhas do Cáucaso que se estendem ao longe - cume após cume, encosta após encosta. Na obra de M. S. Saryan, a década de 30 também foi marcada pelo interesse pela paisagem nacional e pelas vistas panorâmicas da Armênia.
O gênero do retrato também recebeu um desenvolvimento frutífero durante este período, no qual os artistas da geração mais velha P. P. Konchalovsky, I. E. Grabar, M. V. Nesterov e alguns outros se revelaram mais claramente.
P. P. Konchalovsky, conhecido por seus trabalhos nos mais diversos gêneros de pintura, nas décadas de 30 e 40 criou toda uma série de retratos de figuras da ciência e da arte soviética. Entre os melhores estão os retratos de V. V. Sofronitsky ao piano (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. E. Meyerhold (1937). Nessas obras, Konchalovsky traz sua excelente capacidade de expressar a vida por meio de um sistema plástico-cor. Ele combina as melhores tradições da arte antiga com uma visão inovadora e nítida da cor, um som da imagem que afirma a vida, é importante e emocionalmente poderoso.
O verdadeiro ápice do desenvolvimento do retrato desse período foram as obras de M. V. Nesterov. Ao longo de sua obra, que uniu os séculos XIX e XX, Nesterov manteve uma ligação viva com a vida. Na década de 1930 teve uma ascensão brilhante, redescobrindo seu talento como pintor de retratos. O significado figurativo nos retratos de Nesterov é a afirmação do espírito criativo da época através da identificação do pathos criativo de uma grande variedade de pessoas que representam esta época. O círculo de heróis de Nesterov são representantes da geração mais velha da intelectualidade soviética, pessoas de profissões criativas. Assim, entre as obras mais significativas de Nesterov estão retratos de artistas - os irmãos Korin (1930), o escultor I. D. Shadr (1934), o acadêmico I. P. Pavlov (1935), o cirurgião S. S. Yudin (1935), o escultor V. I. Mukhina (1940). Nesterov atua como um continuador das tradições do retrato de V. A. Serov. Ele enfatiza as características, acentua os gestos e as poses características de seus heróis. O acadêmico Pavlov cerrou firmemente os punhos colocados sobre a mesa, e essa pose revela coragem, contrastando com sua óbvia idade senil. O cirurgião Yudin também é retratado de perfil, sentado a uma mesa. Mas a expressividade desta imagem baseia-se no gesto característico e “voador” da mão levantada. Os dedos estendidos de Yudin são dedos típicos de um cirurgião, hábeis e fortes, prontos para cumprir sua vontade. Mukhina é retratada em um momento de criatividade. Ela esculpe uma escultura - concentrada, sem prestar atenção ao artista, totalmente subordinada ao seu impulso.
Os acessórios são apresentados laconicamente nesses retratos. Eles entram plena e ativamente nas características das pessoas retratadas com sua cor, iluminação e silhueta. A coloração dos retratos é dramaticamente ativa, saturada de tons adicionais sonoros e sutilmente harmonizados. Assim, a cor complexa do retrato de Pavlov, construída sobre uma combinação dos melhores tons de tons frios e quentes, caracteriza a clareza espiritual e a integridade do mundo interior do cientista. E no retrato dos irmãos Korin ele se torna azul profundo, preto, marrom rico, expressando o drama de seu estado criativo. Os retratos de Nesterov introduziram na arte um princípio fundamentalmente novo de afirmação da vida, o fogo criativo como as manifestações mais típicas e vívidas do estado das pessoas em uma era de grande entusiasmo pelo trabalho.
O artista mais próximo de Nesterov é Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967). Ele foi criado entre os pintores Palekh, iniciou seu caminho criativo pintando ícones e, em 1911, a conselho de Nesterov, ingressou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou. Extremamente exigente consigo mesmo e com as pessoas, Korin carregou essa qualidade em todo o seu trabalho. A. M. Gorky, que conheceu em 1931, desempenhou um papel significativo no desenvolvimento criativo e, de fato, na vida do artista em geral.Gorky ajudou Korin a viajar para o exterior para estudar os melhores monumentos da arte mundial.
Talvez seja por isso que a galeria de retratos de cientistas, artistas e escritores do nosso tempo, que Korin vem criando há muitos anos, começou com a imagem de A. M. Gorky (1932). Essencialmente, já nesta obra são reveladas as principais características de Korin como retratista. O retrato de Gorky é uma obra verdadeiramente monumental, onde uma silhueta claramente definida, um fundo contrastante, um amplo preenchimento de cores em grandes áreas da tela e um desenho expressivo e nítido expressam uma generalização histórica da personalidade do escritor. Este, assim como outros retratos de Korin, é caracterizado por uma paleta dura com abundância de tons de cinza escuro, azul escuro, às vezes chegando ao preto. Esta gama, bem como a forma claramente esculpida da cabeça e da figura da pessoa retratada, expressam as qualidades emocionais da própria natureza do artista (6).
Na década de 30, Korin criou retratos dos atores L. M. Leonidov e V. I. Kachalov, do artista M. V. Nesterov, do escritor A. N. Tolstoy, do cientista N. F. Gamaleya. É óbvio que para ele, assim como para seu professor espiritual M.V. Nesterov, o interesse por uma personalidade criativa está longe de ser acidental.
Os sucessos da pintura na década de 1930 não significam que o caminho do seu desenvolvimento tenha sido simples e desprovido de contradições. Em muitas obras daqueles anos, características geradas pelo culto a I. V. Stalin apareceram e se estabilizaram. Este é o falso pathos de uma atitude pseudo-heróica, pseudo-romântica e pseudo-otimista perante a vida, que determina a essência e o significado da arte “cerimonial”. Surgiu uma competição entre artistas na luta por “supertramas” inconfundíveis associadas à imagem de I. V. Stalin, aos sucessos da industrialização, aos sucessos do campesinato e à coletivização. Surgiram vários artistas que se “especializaram” neste tema. O mais tendencioso a este respeito foi Alexander Gerasimov (“Stalin e K.E. Voroshilov no Kremlin” e suas outras obras).

Bibliografia

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Artistas dos anos 30

Artistas Deineka, Pimenov, Williams, S. Gerasimov, Kuprin, Konchalovsky, Lentulov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Saryan

Conheci Deineka pela primeira vez em Leningrado. Ele chegou quando a exposição já estava pendurada, nos últimos dias antes da inauguração, tirou todos os seus trabalhos da parede e pendurou do seu jeito, cortando muito: trouxeram algumas de suas coisas de menos sucesso, e ele os removeu. Afinal, havia “A Defesa de Petrogrado”, “O Menino Adormecido com Flores”, toda uma série de coisas de primeira classe. Então Deineka causou-me uma impressão estranha e bastante negativa. Ele foi duro, um pouco rude. A maioria das pessoas o via dessa forma - como uma espécie de atleta, jogador de futebol ou boxeador. Mas, felizmente, descobri seu verdadeiro caráter rapidamente. Ele não continha nada disso em si mesmo, era uma maneira de se comportar com estranhos, com estranhos. Aproximei-me dele em meados dos anos 30, quando comecei a trabalhar no Detizdat; falaremos disso mais tarde. E quanto mais o tempo passava, mais próximo ele ficava de mim. Nosso último encontro à revelia, dois dias antes de sua morte, foi uma troca das mais ternas palavras por telefone de ambos os lados.

Conheci outro membro da OST, Yuri Ivanovich Pimenov, não em Leningrado. Havia muito poucas de suas obras em Leningrado, e a primeira vez que o vi foi em Moscou, quando o vice-diretor do Museu Russo, Dobychina, veio pagar aos artistas pelas obras compradas deles em Leningrado. Estavam todos reunidos em Volkhonka, em uma daquelas casinhas que ficam entre a rua Frunze e o museu. Todos os artistas sentaram-se no corredor e conversaram, e foram convidados, por sua vez, para uma determinada sala. E foi aí que vi e lembrei de Pimenov pela primeira vez. Ele mostrou como três artistas faziam paisagens para vender: um coloca muitas telas idênticas e as preenche com tinta azul representando o mar, o segundo percorre e pinta alguns barcos com tinta preta, e o último coloca velas com tinta branca em uma delas. caiu. Ele retratou isso de maneira incomumente temperamental e muito expressiva.

Estabelecemos uma relação com ele muito rapidamente, mas não a nível museológico, porque ele não fazia nenhum grafismo - nem gravura, nem muito desenho, era um pintor puro. Já em 1932 desenvolvemos a mais terna amizade. Foi neste período, entre 1930 e 1932, que sofreu uma doença cerebral muito grave, associada quer a uma concussão, quer mesmo a algum tipo de doença mental, e quando finalmente se livrou dela, isso o mudou completamente. personagem inteiro. Tanto que destruiu grande parte de suas primeiras obras, muito intensas, expressivas e esquemáticas, e até trocou em museus o que conseguiram comprar dele. E ele se tornou completamente diferente, do jeito que permaneceu pelo resto da vida: radiante, brilhante, ensolarado, cheio de uma espécie de grande ganância pela vida real. A cada ano, nossas relações amistosas se aprofundavam cada vez mais e, no final, ele se tornou, entre meus colegas, tão próximo de mim quanto Shmarinov. Na verdade, eu deveria nomear os dois primeiro entre os meus amigos mais próximos da minha geração. Eu era um ano e meio mais novo que Pimenov e um ano e meio mais velho que Shmarinov.

Também me tornei amigo de Williams no início dos anos 30. Ele era um pintor na época, e um pintor muito forte e bom. Ele tinha excelentes trabalhos: um retrato de Meyerhold, um retrato do diretor Barnet, uma grande pintura “Marinheiros da Aurora”, que foi enviada para alguma exposição em Veneza e apresentada à organização comunista de lá. Lá ela permaneceu. Mas na verdade tenho uma reprodução dele. Isso é uma coisa muito boa, lembro muito bem. Mas então, em meados dos anos 30, ele se interessou por teatro, teve um sucesso extraordinário, fez, por exemplo, o projeto do “Pickwick Club” no Teatro de Arte de Moscou com decorações incomumente bizarras nas quais foram introduzidas figuras humanas. E então ele se tornou o artista mais fashion do Teatro Bolshoi e até ganhou um traje digno de uma figura teatral de sucesso: uma espécie de casaco de pele extraordinário quase até o chão com pêlo da gola até a barra, um chapéu de pele como uma pedra de moinho em sua cabeça, que foi objeto da maior zombaria de mim e de Pimenov em peculiaridades. Ele apenas sorriu timidamente. Em geral, ele entrou completamente no ambiente teatral, na vida teatral.

Tenho uma lembrança muito boa associada à Williams. Em meados dos anos 30, Natasha e eu fomos para o Cáucaso, para Tegenekli - um lugar acima do rio Baksan, no sopé de Elbrus. Lá havia uma casa de repouso, de quem - não sei, mas destinada à intelectualidade criativa. De qualquer forma, os ingressos para ir até lá tinham que ser obtidos no fundo de arte da União de Moscou e, quando cheguei lá, me disseram que Williams tinha acabado de passar por lá e também iria com sua esposa.

Havia muitos conhecidos em Tegenekli. Natasha e eu tínhamos lá um amigo próximo - o cientista - geógrafo Lazar Sholomovich Gordonov, com quem, de fato, concordamos em ir para lá. O diretor de cinema Alexandrov estava lá com sua esposa Lyubov Orlova. Houve um poeta Nikolai Tikhonov. Havia uma tradutora entediada - presumia-se que haveria estrangeiros lá, mas não havia nenhum, e ela vagava tristemente sem nada para fazer. Uma noite ela se animou: o inglês Sr. Williams finalmente estava chegando! Ela se pulverizou, pintou os lábios e geralmente se preparou. Mas quando esse Sr. Williams apareceu, descobriu-se que era meu amigo Pyotr Vladimirovich Williams, que não sabia uma única palavra em inglês. Seu pai era, de fato, de origem inglesa, na minha opinião, uma espécie de cientista agrícola proeminente, mas ele próprio não tinha nada a ver com a Inglaterra, então o tradutor ficou desapontado.

Lembro-me de como uma vez fomos a Elbrus, não até o topo, claro, mas até o horizonte, fica em algum lugar no meio do caminho, já acima das nuvens - uma plataforma e um pequeno hotel. Subimos através da nuvem por um caminho íngreme e, tendo saído dessa nuvem, aparecemos ali completamente molhados. As senhoras foram ao hotel para trocar de roupa e se arrumar, e Williams e eu passeamos pelo local. E de repente alguém gritou: “Elbrus está abrindo!” Estava tudo coberto de nuvens, e de repente as nuvens se dissiparam, e um cone branco como a neve do pico de Elbrus apareceu contra o fundo de um céu completamente verde. Williams entrou correndo em casa em busca de papel e lápis - não levou mais nada - e começou, sob a chuva que naquela época caía de cima, a esboçar todos os contornos, anotando quais cores. Lembrei-me dele com o cabelo preso na testa, desenhando e escrevendo freneticamente essas mesmas cores. Mas, infelizmente, não deu em nada: quando ele me mostrou em Moscou um esboço feito a partir desse esboço, tudo acabou sendo completamente diferente. E ele mesmo sabia disso perfeitamente. Lembro que nossas senhoras saíram seminuas para admirar Elbrus. A “Aparição de Elbrus” foi um espetáculo passageiro; tivemos apenas dois ou três minutos para fazer tudo.

Williams era um homem simples, gentil e bom, um pouco engraçado com seus hobbies teatrais da moda.

Eu também tive boas relações com outros membros da OST - tanto com Labas quanto com Shifrin, mas eles não eram tão próximos. Shifrin era uma pessoa encantadora, um artista teatral muito bom, um mestre teatral brilhante. Labas sempre foi uma figura um tanto maluca e desorganizada. Mas quem, claro, era uma pessoa absolutamente maravilhosa e um artista maravilhoso, é Tyshler. Mas meu conhecimento e amizade com ele remontam a tempos muito recentes, já depois da guerra. De alguma forma, descobriu-se que ele não estava representado em Leningrado e então não precisei conhecê-lo. Antes da guerra eu o conhecia, mas à distância. Só depois da guerra se estabeleceu uma amizade muito terna, que só se aprofundou e melhorou. Ele é uma das criaturas mais adoráveis ​​que já conheci na minha vida.

Depois da OST, devo, claro, citar, se falarmos de grupos artísticos da década de 20, dois que me tornaram amigos muito próximos. Em primeiro lugar, estas são as “4 artes”, que incluíam Favorsky, Ulyanov, Pavel Kuznetsov, Saryan e toda uma série de pessoas mais próximas de mim. E a segunda é a Sociedade dos Artistas de Moscou - “OMH”, que me trouxe uma das amizades mais queridas - com Sergei Vasilyevich Gerasimov, bem como com Rodionov, Osmerkin e outros.

Conheci Sergei Vasilyevich pela primeira vez em Leningrado, ele foi um dos organizadores da exposição, esteve entre os capatazes e pendurou pinturas dele e de artistas próximos a ele. Embora ele ensinasse desenho na VKHUTEIN, conheci seus gráficos muito mais tarde e não precisei comprá-los para o museu. Mas em Leningrado tínhamos que colidir todos os dias, nos encontrar no trabalho comum e, o mais importante, íamos almoçar juntos em grupo: ele, eu, Kupreyanov e Istomin. Isso acontecia com tanta frequência que rapidamente aprendi seu caráter, sua inteligência, suas piadas e seu ridículo, que eram apenas uma defesa contra estranhos. Mesmo assim, apreciei seu caráter incrível e sua arte maravilhosa. Embora ainda fosse um período muito inicial, as obras eram apenas da década de 20, bem no início da década de 30, já eram muito boas. E então esse conhecimento gradualmente se transformou em uma intimidade cada vez maior, e no pós-guerra ele foi, claro, uma das pessoas mais próximas de mim. E devo dizer com muito prazer que, aparentemente, fui uma das pessoas mais próximas dele, gozei de toda a sua procuração, cumpri todas as suas instruções, principalmente quando se tornou chefe do Sindicato dos Artistas da URSS. Na verdade, mesmo antes disso, ele era visto como tal, um chefe da arte soviética universalmente reconhecido, embora completamente não oficial. Mas quando o Primeiro Congresso de Artistas da União ocorreu em 1957, era bastante natural que Sergei Vasilyevich acabasse à frente da União.

Talvez uma relação mais externa, mas muito amigável, tenha sido marcada pela minha convivência com Osmerkin, um dos principais participantes do “Valete de Ouros”, que aos 30 anos se tornou um pintor de paisagens lírico muito simples, sutil e gentil. E ele próprio era uma pessoa maravilhosa, atraente, sutil. Mas eu me encontrava com ele com menos frequência, e ainda era uma amizade periférica, e não principal e enraizada.

Falando sobre os ex-membros do grupo “Valete de Ouros”, precisamos lembrar de outra pessoa muito gentil, doce e atraente, Alexander Vasilyevich Kuprin. Kuprin era baixo, de barba rala, um homem muito calado e tímido, vestido com muita modéstia, sem quaisquer efeitos externos, ocupado com alguns de seus pensamentos e sua criatividade. Osmerkin e Kuprin são talvez os dois artistas mais sutis de todo o grupo.

Com Kuprin, assim como com Osmerkin, tive o relacionamento mais amigável e, pode-se dizer, sincero. Não como Konchalovsky, por quem eu tinha profundo respeito, que me favorecia, mas ainda assim havia uma grande distância entre nós.

Minha relação com Pyotr Petrovich Konchalovsky foi muito amigável, escrevi sobre ele e ele gostou da maneira como escrevo. Mas não poderia haver nenhuma intimidade especial, ele era muito diferente. Ele era, antes de tudo, um cavalheiro, um pouco mercantil, que vivia em grande estilo, invulgarmente temperamental, com uma enorme “casa” artística. Certa vez, quando eu estava em sua oficina, ele disse: “Já tenho os exemplares número mil e oitocentos”. Isto se aplicava apenas às suas pinturas; Ele nem contou aquarelas e desenhos. De qualquer forma, nosso relacionamento era amigável, que mais tarde esfriou muito graças à graça de sua filha e genro - Natalia Petrovna Konchalovskaya, a poetisa, e seu marido Mikhalkov. Mas Piotr Petrovich nada teve a ver com isso, assim como, até certo ponto, nada teve a ver com o esnobismo senhorial de sua casa - foi incutido por sua esposa, uma senhora de caráter difícil, que, sendo filha de Surikov entendia muito sobre si mesma e respeitava extremamente a dignidade de Konchalovsky. Quando escrevi um artigo, a pedido dele, para a sua última exposição em vida, em 1956, houve um constrangimento com este artigo. Dei para Pyotr Petrovich ler. Ele a aprovava calorosamente, gostava muito dela. E então Nikolai Georgievich Mashkovtsev, um antigo historiador de arte e trabalhador de museu, que na época trabalhava na Academia de Artes e era membro correspondente desta mesma Academia, veio até mim, com um olhar envergonhado por Olga Vasilievna ter vetado meu artigo, porque critico Konchalovsky por algumas coisas aí. Piotr Petrovich não prestou atenção a isso e sua esposa não permitiu que essa crítica fosse publicada. Eu disse que iria devolver o artigo, não o entregaria ao catálogo e de alguma forma o publicaria de forma não corrigida. Depois disso, quando me encontrei com Piotr Petrovich, ele balançou a cabeça e lamentou o resultado tão ruim. Mas eu o tranquilizei, consolei-o, disse que já o tinha entregue à revista “Arte” e que seria publicado na forma em que o escrevi. Mas ele morreu durante esta exposição, então não viu meu artigo publicado. E teve tanto sucesso que foi posteriormente reimpresso sem o meu conhecimento, em particular, no enorme volume “O Património Artístico de Konchalovsky” e foi até colocado, sem me perguntar, como artigo introdutório. Obviamente, serviu ao seu propósito. Mesmo assim, essas relações não eram próximas, embora boas e amigáveis.

Favorsky me contou um episódio engraçado relacionado ao seu trabalho na concepção do poema “Nossa Antiga Capital”, da filha de Pyotr Petrovich, Natalya Petrovna Konchalovskaya. Ele teve que ir à casa dos Konchalovskys por muito tempo: “Nossa Antiga Capital” consistia em três livros inteiros, ele teve que fazer muitas ilustrações. Natalya Petrovna muitas vezes simplesmente se referia a ele em seus poemas: o artista lhe mostrará todo o resto.

Enquanto ele e Natalya Petrovna trabalhavam, Piotr Petrovich entrou na sala, olhou os lençóis dispostos e disse: “Nunca pensei que algo que valesse a pena sairia da minha tola Natasha”.

Desde então, ela continua sendo a “tola Natasha” em nossa casa. Este nome criou raízes firmes e irremediáveis. Quanto a Mikhalkov, falaremos dele sucessivamente no que diz respeito a Detizdat, onde apareceu pela primeira vez e onde, diante dos meus olhos, cresceu e se desenvolveu como um poeta oficial de sucesso dos tempos de culto à personalidade.

Os outros “Valete de Ouros” tinham personagens muito diferentes. Lentulov era uma personalidade ousada; pode-se imaginar como ele voa sobre um motorista de táxi imprudente de uma maneira completamente alegre, farreando de forma imprudente até de manhã em algum “Yar”. Talvez tenha sido ostensivo, mas foi assim que ele se comportou - com a alma aberta, a natureza aberta. No fundo, era muito sério e um verdadeiro mestre, embora tenha começado, como se pôde ver na exposição Moscovo-Paris, com coisas muito turbulentas, onde o cubismo se misturava com o futurismo e a herança da pintura russa do século XIX. E tudo de forma extremamente exuberante em telas enormes. Na verdade, apesar de tudo isso, ele era um artista muito sutil. Lentulov era muito amigo de Pimenov e, de fato, meu relacionamento com ele se desenvolveu principalmente por meio de Pimenov. Ele era um homem agradável e bom.

Não tive um bom relacionamento com Mashkov. Ele era muito talentoso. Mas desde o primeiro encontro com ele, comecei a me maravilhar com como o Senhor Deus poderia investir talento em um clube tão centenário, em uma pessoa tão irremediavelmente estúpida. Isso ficou extremamente evidente quando ele tentou desenhar figuras humanas. Ele entrou na AHR e pintou alguns pioneiros com gravata nas margens do Mar Negro - era algo completamente impossível, a vulgaridade babada, o olhar mais vulgar e estúpido. E, no entanto, durante toda a sua vida ele pintou excelentes naturezas-mortas. Não consegui desenvolver nenhuma intimidade com ele. E quando critiquei em um de meus artigos seu cerimonial “Retrato de Partidários”, onde os guerrilheiros com drekoly, com rifles, com cartuchos e cintos de metralhadoras eram retratados em torno de uma magnífica, enorme e luxuosamente pintada ficus, como se fosse um popular imprimir a fotografia de um fotógrafo provinciano - como se enfiassem o rosto nos buracos do cenário acabado - Mashkov, é claro, ficou completamente zangado comigo e nosso relacionamento terminou completamente.

Eu também não tive um bom relacionamento com outro ex-“Valete de Ouros”, Falk. Mas falarei dele mais tarde, quando se tratar dos anos de guerra - só então o conheci, na evacuação, em Samarcanda. Foi um encontro muito desagradável e tenho uma atitude muito tranquila em relação a ele - tanto em relação à sua arte como, em particular, em relação à sua própria pessoa. Uma pessoa muito presunçosa, muito arrogante, arrogante e extremamente hostil com as pessoas.

Quanto à sociedade “4 Artes”, lá encontrei bons amigos. Este não é apenas Favorsky, mas depois dele Ulyanov. Conheci Nikolai Pavlovich Ulyanov quando organizava uma exposição gráfica em Moscou. Lá estava seu estande, onde ele tinha uma seleção de desenhos muito bons, principalmente retratos. Lembro que havia um retrato de Mashkovtsev, um retrato de Efros. Desde então, começamos a desenvolver relações cada vez mais próximas, que acabaram por se transformar numa amizade que foi muito importante para mim. Eu ia vê-lo constantemente, ele me escrevia cartas, embora ambos morássemos em Moscou. E em Samarcanda, para onde nós dois fomos evacuados, eu o via quase todos os dias. No início da guerra, ele foi enviado para Nalchik, depois para Tbilisi, junto com todo um grupo de eminentes escritores, artistas e performers. (Juntos, aliás, com Alexander Borisovich Goldenweiser.) No outono de 1942, todos foram transportados para a Ásia Central, mas a maioria foi para Tashkent e ele permaneceu em Samarcanda.

Todos os dias, quando chegava ao Registan, onde ficava o Instituto de Arte de Moscou, ia consolá-lo, porque sua vida em Samarcanda era muito difícil. Ele recebeu uma hudjra completamente feia, desconfortável e dilapidada no pátio de Shir-Dora, sem nenhuma mobília. E ele trouxe do Cáucaso sua esposa moribunda, que já estava imóvel. Ela morreu lá, em Samarcanda.

Nikolai Pavlovich Ulyanov, e após sua morte sua segunda esposa Vera Evgenievna presentearam meu pai com muitas obras de Ulyanovsk de primeira classe: um retrato de Vyacheslav Ivanov, uma aquarela “Diderot em Catherine's”, um de seus melhores desenhos de Pushkin, esboços de figurinos para “ Molière” e vários outros. Temos também uma obra rara - uma paisagem de sua primeira esposa, a artista Glagoleva, falecida em Samarcanda. Há toda uma história ligada a uma grande obra de Ulyanov, “A Modelo e o Cavalo de Silena”. O jovem Ulyanov escreveu esta peça quando era assistente de Serov na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura - foi uma “produção” educacional que Serov ofereceu aos seus alunos. Retornando da evacuação para Moscou, Ulyanov descobriu que os vizinhos usaram essa tela retirada da maca, forrando com ela uma cesta para guardar batatas. A imagem era um pedaço preto e rachado, no qual mal era possível distinguir alguma coisa. Ulyanov deu-o ao pai, dizendo com tristeza: se você conseguir salvá-lo, guarde-o para você. Meu pai deu a tela ao notável restaurador do GM II, Stepan Churakov, e ele salvou o trabalho! Ele duplicou em uma nova tela, limpou - quase não há vestígios de restauração visíveis, e “A Modelo e o Cavalo de Silena”, brilhando com todo o seu pitoresco verdadeiro “Serov”, está pendurado acima do sofá de seu pai em seu escritório por meio século.

Do mesmo grupo das “4 artes” vieram outras pessoas próximas a mim, como Vera Ignatievna Mukhina, uma escultora maravilhosa e uma pessoa maravilhosa, de extraordinária força, autoridade e energia, independência absoluta, com uma paz de espírito invulgarmente grande e grande âmbito espiritual. Isto resultou tanto numa grandiosa plasticidade monumental como em peças líricas - o famoso grupo feito para uma exposição em Paris em 1937 foi acompanhado por obras como “Pão”, uma das esculturas mais poéticas e delicadas que existem na arte soviética. Ela também era uma pintora de retratos maravilhosa.

Dessa mesma sociedade, de fato, veio Sara Dmitrievna Lebedeva, que já foi esposa de Vladimir Vasilyevich Lebedev, um dos melhores escultores que tivemos, e uma pessoa adorável, muito reservada, muito silenciosa, muito calma e com uma espécie de incrível e elevado senso de caráter e movimento em sua arte. Faça o que fizer, seja a sua grande estátua “Menina com Borboleta”, um dos seus melhores trabalhos, sejam retratos, como, por exemplo, um retrato de corpo inteiro, embora em tamanho miniatura, de Tatlin, com as pernas abertas. , longo rosto de cavalo - era extraordinariamente significativo e extremamente talentoso. Conhecer Sara Lebedeva e ter um bom relacionamento com ela também é uma das minhas lembranças mais queridas.

Também desenvolvi um relacionamento muito bom, embora nunca tenha havido uma proximidade espiritual especial, com Pavel Varfolomeevich Kuznetsov, um homem muito complacente, um pouco tacanho. No entanto, talvez esta fosse uma forma de comportamento por trás da qual algo mais estava escondido. Kupreyanov, no entanto, chamou-o de palavras não muito gentis: “uma foca que está tentando fingir ser um leão”. Talvez isso estivesse de acordo com seu caráter.

Ele era muito simplório e isso se manifestava de muitas formas diferentes. Por exemplo, um dia Kuznetsov aparece de repente no corredor onde eu pendurava gravuras e águas-fortes de Nivinsky, Kravchenko e gravuras de outros artistas gráficos, arrastando atrás de si uma tela gigante de um de seus alunos - amorfa, solta, completamente pitoresca. E quando digo surpreso: “Bem, onde vou colocá-lo?”, Pavel Varfolomeevich responde: “Mas estes são gráficos perfeitos!” Era impossível imaginar algo menos parecido com gráficos. Ele se importava muito com seus alunos. Essa tela, aliás, foi de Davidovich, que morreu na milícia durante a guerra. Mas eu mal o conhecia.

Enquanto trabalhávamos em Leningrado, Pavel Varfolomeevich e eu às vezes almoçávamos no próprio Museu Russo. A comida ali era nojenta, mas nada se podia fazer - nem sempre era possível retirar-se para o Hotel Europeu ou para a Casa dos Cientistas. Lembro-me de uma vez que estávamos sentados com Pavel Varfolomeevich e ele puxou um longo rabo de peixe da sopa que lhe foi servida. Ele chamou a garçonete e perguntou com muita calma: “O que você me serviu, sopa de peixe ou sopa de repolho?” Ela disse: “Sopa”. Então ele lhe mostrou o rabo do peixe, para seu grande constrangimento. Eu realmente gostei do seu sério interesse em descobrir o que realmente estava sendo servido a ele.

Foi muito agradável para mim conhecê-lo em Gurzuf no início dos anos 50, quando ele decidiu pintar o meu retrato. Ele me sugeriu isso várias vezes em Moscou, mas em Moscou não tive tempo de posar e em Gurzuf não tive desculpa para recusar. Ele me sentou no topo da dacha Korovinskaya tendo como pano de fundo o mar e pintou uma enorme cabeça vermelha brilhante, parecendo um tomate gigantesco contra o fundo do mar azul deslumbrante. Ele pintou este retrato com grande prazer e lamento muito que ele tenha se perdido em algum lugar. Recentemente, porém, me disseram que após a morte de Kuznetsov e sua esposa (eles não tinham filhos), tudo o que restou na oficina foi para Saratov, para o Museu Radishchev. É bem possível que meu retrato tenha ido parar ali. Provavelmente não havia muitas semelhanças ali, mas a memória em si era simplesmente agradável. Posso vê-lo sentado e com grande prazer pintando esse contraste de vermelho brilhante com azul brilhante. Mas, para falar a verdade, tive dificuldade em sentar-me, porque a sua esposa Bebutova, também artista, decidiu entreter-me com conversas eruditas durante esta sessão. As conversas, com todas as suas tentativas de aprendizagem, eram tantas que mal conseguia conter o riso. Ela também era uma pessoa simplória e simplória.

Era improvável que uma amizade próxima pudesse ter se desenvolvido com Kuznetsov - éramos pessoas muito diferentes. Mas lembro-me dele com muito respeito. E ele é um artista muito bom, como mostrou sua recente exposição junto com Matveev.

Mas Matveev, meu conhecimento com ele, que se transformou em um relacionamento muito bom, foi uma das minhas “conquistas” mais importantes. Ele era um homem muito severo, muito calado, muito reservado, retraído, trabalhava devagar e pouco, e desempenhou cada um de seus trabalhos durante muitos anos. Não sobraram muitas coisas depois dele, mas eram maravilhosas.

Por volta dessa época, o mais tardar em meados dos anos 30, conheci Saryan. Este é um dos acontecimentos muito importantes da minha biografia artística. Não me lembro quando e onde o conheci, porque ele não veio me ver no museu, pois não estava particularmente envolvido com nenhuma gráfica e não participou das exposições que organizei . Mas ele próprio não estava em Leningrado em 1932. Ali estava o seu muro, bastante aleatório na sua composição, geralmente não correspondendo ao seu nível e significado, embora bonito. Mas em comparação com as outras três paredes brilhantes do mesmo salão - Petrov - Vodkin, Shevchenko e Kuznetsov, ele parecia mais modesto, embora nos resultados de sua trajetória criativa tenha superado todos os três em muitas cabeças. Escrevi um artigo muito elogioso e simplesmente entusiasmado sobre ele em 1936, já o conhecendo, e este artigo marcou o início de uma amizade duradoura que durou até o fim da vida de Saryan. Aliás, este artigo na Literaturnaya Gazeta de 1936 causou grande desagrado a Kemenov, que na época, como eu, trabalhava na Literaturnaya Gazeta como crítico. Publicamos com ele quase que alternadamente, mantendo posições diametralmente opostas e desaprovando-nos muitíssimo um ao outro.

Depois da guerra, muitas vezes vi Saryan - sempre que ele vinha a Moscou. Escrevi sobre ele várias vezes depois, já na década de 60 e depois. Não há nada que descreva Saryan - todo mundo o conhece, mas sempre fiquei impressionado com o tipo de infantilidade desse homem, sua admiração aberta e simplória pela beleza do mundo real, sua infinita atitude bem-humorada para com as pessoas, embora ele entendia perfeitamente quem o estava tratando como. Em 1952, durante uma discussão sobre a exposição de aniversário, Boris Weymarn falou com tiradas extraordinariamente apaixonadas, muito indignado com o júri sem princípios, que levou as terríveis pinturas de Saryan para a exposição. Então, apenas cinco anos depois, essas mesmas pinturas renderam a Saryan o Prêmio Lênin, de modo que Weimarn ganhou apenas o que Saryan, até o fim de seus dias, não se expressou de outra forma senão “aquele bastardo de Weimarn”. E isso apesar de toda a sua gentileza e brilho, que não estava apenas na pintura de Saryan, mas também em todo o seu comportamento, em toda a sua aparência - a personificação do sol, e até mesmo do sol da Armênia. Este é um sol muito especial. Um dos países mais bonitos do planeta é a Armênia. Aprendi isso nos anos do pós-guerra, quando estive lá duas vezes.

Lembro-me bem de como meu pai e eu visitamos Saryan em sua oficina em Yerevan, na “Saryan Street”, como ele nos mostrou seus trabalhos - tanto os primeiros quanto os muito recentes, desenhos de cavalete muito trágicos e poderosos. Por causa do calor, meu pai começou a ter uma forte hemorragia nasal - Saryan ficou terrivelmente agitado, deitou o pai no sofá e cuidou dele com comovente cuidado. Ele já era muito velho e, embora ainda inteligente, muito triste - pouco antes de seu filho morrer em um acidente de carro .

GOGOL E OS ARTISTAS Feliz é o escritor que, passando por personagens chatos e nojentos, marcantes por sua triste realidade, se aproxima de personagens que demonstram a elevada dignidade do homem... Gogol, “Dead Souls” Para a posteridade, a ligação de Gogol com Ivanov foi preservada

Artistas e escultores Existem artistas cujas obras admiro agora, mas aprendi a admirar muitas das obras dos artistas na minha juventude. Acima de tudo, adoro os impressionistas. Cézanne é um deus para mim. Ele sempre deixa algo para a imaginação. Ele tem o suficiente

Artistas Conheci os artistas do Mundo da Arte pela primeira vez em 1904. Um dos funcionários do “New Way” e amigo próximo de A. N. Benois me levou a um zhurfix a este líder e apologista dos mestres de São Petersburgo. Posteriormente, aprendi que naquela época os artistas olhavam para mim como

Artistas O pincel do artista encontra caminhos por toda parte. E, para tentação dos policiais da guarda, Artistas desconhecidos da Europa Pintam com tintas nas calçadas sombrias. Sob as solas da era ambulante, as pinturas dormem, sorridentes e tristes. Mas tanto os que são bons como os que são maus desaparecem após o primeiro

ARTISTAS Yakov Vinkovetsky, sendo ele próprio um artista, embora não um profissional, apresentou-me a mais dois - não apenas profissionais, mas campeões, heróis de seu ofício, que, apesar de suas super-habilidades e campeonatos, nunca tiveram sucesso ou

O artista Konstantin Korovin mora em Paris. Quantos pensamentos sobre a pintura nacional russa estão associados a este nome. Muitas pessoas se lembram dele como o nome de um magnífico decorador que executou uma grande variedade de tarefas teatrais. Mas isto é apenas parte da essência de Korovin.

Artistas Mexicanos Os artistas reinaram supremos na vida intelectual do México.Esses artistas pintaram toda a cidade do México com temas históricos e geográficos, imagens sobre temas cívicos, nas quais soava o metal da polêmica. Clemon te Orozco, magro

Artistas no Museu Conhecer os artistas – visitantes da Sala de Gravura. Rodionov, Favorsky, Shterenberg, Goncharov, Kupreyanov, Shevchenko, Bruni, Tatli O início dessas conexões cada vez mais amplas estava enraizado no Museu de Belas Artes - desde então

Artistas Meu pai Vladimir fez outra reforma na igreja: os quadros foram lavados e os tetos pintados. O templo em Losinka não é antigo, construído em 1918. Antes da revolução não tinham tempo para pintar as paredes e depois não havia tempo para a beleza. Então meu pai, tendo se tornado reitor, decidiu

Artistas “anti-soviéticos” Mais de 70 anos (1917-1991) de prática da chamada luta “cruel e intransigente” contra oponentes políticos, anti-soviéticos e dissidentes estão repletos de mais de cem conluios abertos ou secretos de funcionários do partido com esta categoria

Artistas Caro Oleg Leonidovich! Um crítico de arte local me perguntou apressadamente como os artistas vivem em Moscou e quais são seus ganhos reais. Mas não tenho esses dados. Ouvimos dizer que os escritores ganham bem, e as taxas anuais de Tolstoi e Sholokhov

Artistas como belos loucos Hoje prestamos homenagem a Sergei Shchukin e Ivan Morozov não só pelo seu colecionismo, mas também pelo seu gosto visionário, pela sua capacidade de adivinhar a próxima onda do processo artístico. E não foi nada fácil. Como observado

ARTISTAS O interesse pela arte aproximou Gogol da colônia de artistas russos em Roma. Eles permaneceram em uma companhia amigável, sobrevivendo com modestos subsídios concedidos pela Academia de Artes. Entre eles estavam talentos notáveis ​​que se tornaram o orgulho da arte russa. Gogol não é

Artistas Irina Brzeska, artista (Estônia) “Este retrato foi colocado na capa do disco” Reprodução de uma pintura de Irina Brzeska do disco de Anna German, 1977 Muitas pessoas conhecem o retrato desta artista de Tallinn: ele adorna a capa do um dos discos de gramofone mais famosos

Estes não são trabalhos de fotógrafos profissionais, que podem ser acusados ​​de serem unilaterais. Estas são fotografias de álbuns privados - a vida real que o povo soviético médio viveu nas décadas de 20 e 50.
É claro que eles não podem ser comparados ao nível de trabalho dos repórteres fotográficos profissionais; a maioria deles foi feita por amadores. Mas refletem a vida como aquelas pessoas a viam e conseguiram preservá-la parcialmente em fotografias de família...
Ainda resta muita coisa nos bastidores. Por exemplo, programas educacionais onde 80% da população analfabeta do país aprendia a ler e escrever - onde os camponeses daquela época conseguiam suas câmeras? Mas não é isso. Veja o que rodeava o povo soviético daqueles anos, as roupas, os rostos que reflectiam o seu tempo. Às vezes, eles falarão sobre sua época melhor do que quaisquer historiadores, propagandistas e analistas.

Crianças de 20 e poucos anos
Livros escolares - pela primeira vez na minha vida. Pela primeira vez no mundo, o governo soviético proporcionou educação para todos.


1926 Tcherepovets. Comemoração do 1º de maio
Ao lado do pódio estão crianças sem-teto - consequências da Guerra Civil. A falta de moradia será eliminada apenas por volta dos 30 anos.


1928 Região de Krasnoyarsk. Congresso dos trabalhadores do partido.
Veja como os trabalhadores do partido estão vestidos - exatamente como a pessoa comum hoje em dia.
Na década de 20, nem todo mundo usava terno. E os partidários tinham 2 túnicas, ou mesmo uma, como guarda-roupa habitual.


Celebração familiar, 20-30 anos

Foto de uma mulher. 1930 Moscou


Grupo de pessoas 1930 Local desconhecido


Início do Conselho da Aldeia 30 anos. Distrito de Pavlo-Posadsky, região de Moscou.


Carro em madeira (!) Auto quilometragem 1931
Entusiastas do design dos anos 30. O petróleo na URSS não era muito bom naquela época - quase todas as reservas comprovadas estavam concentradas no Cáucaso. Os campos de petróleo do Tartaristão e da Sibéria foram descobertos apenas nas décadas de 40 e 50, quando foi criada uma base para pesquisas geológicas. Antes disso, o país estava catastroficamente carente de geólogos, equipamentos, engenheiros, transportes... não havia praticamente nada. Tudo isso foi criado na década de 30.


1931 A melhor equipe na construção da Usina Metalúrgica Kuznetsk, Novokuznetsk.
As bases da indústria pesada estão sendo lançadas.
Olhe para os rostos dessas pessoas. Eles, sem se pouparem, construíram fábricas e cidades para seus descendentes, para nós. Dentro de 10 anos defenderão o que fizeram na guerra mais terrível da história da humanidade, morrendo para que possamos viver. E permitimos que tudo fosse roubado e destruído. Poderíamos olhá-los nos olhos?


Família. Leningrado 1930-31
A intelectualidade e os especialistas ganharam muito dinheiro naqueles anos.


Relaxamento na água. Região de Kirov 1932 - 1936


18 de abril 1934. “Brigada de Trabalho”. Artel agrícola Neverovsko-Slobodskaya "Testamento de Lenin" S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh. Distrito de Shuisk. env.
Trabalhadores agrícolas de uma remota província da Sibéria. Um artel é uma organização não governamental, mas uma cooperativa de empresários unidos que firmaram acordos com o Estado e outras cooperativas, pagaram impostos, etc.
O movimento cooperativo foi extremamente desenvolvido na URSS stalinista. Além das fazendas coletivas, que eram organizações cooperativas, existiam então mais de 114 mil oficinas industriais, onde trabalhavam cerca de 2 milhões de pessoas. Produziram quase 6% da produção industrial bruta da URSS em sua composição: 40% de todos os móveis do país, 70% de todos os utensílios de metal, 35% dos agasalhos, quase 100% dos brinquedos.
Nos artels rurais cooperativos, os trabalhadores (tanto agricultores coletivos como agricultores individuais) trabalhavam geralmente a tempo parcial. Na década de 1930, incluíam até 30 milhões de pessoas.
O movimento cooperativo na URSS foi destruído por Khrushchev simultaneamente com o desenrolar da histeria anti-stalinista.

1934 Caminhadas ao longo da Estrada Militar da Geórgia
Você consegue imaginar um trabalhador da Rússia czarista que foi acampar às custas do Estado? Como disse G. Wells, este é o único país do mundo onde se toca música clássica para os trabalhadores.

“Depois do banho” Meados dos 30 anos.
“Povo soviético aterrorizado. "© Olha, há medo nesses rostos? Em qualquer uma das fotografias. Rostos abertos, otimistas e brilhantes.


Agricultores coletivos. Região de Kirov entre 1932 e 1936
Agricultores coletivos soviéticos comuns no campo de feno.


Distrito de Kolomna. Meados dos anos 30.


1935, região de Oryol, casa de férias Bogdanovsky.
Todo o país estava envolvido com esportes. Estas são garotas soviéticas comuns, e não a equipe de ginástica. Tente replicar o que eles fazem.

Alunos da escola pedagógica, 1935, região de Kirov
Os uniformes foram entregues aos estudantes pelo Estado Soviético. Este é um país que há alguns anos andava com sapatos bastões e não sabia ler e escrever.


Jovens dos anos 30, região de Kirov.
Crachás - aprovados nos padrões GTO (Pronto para o Trabalho e Defesa) e GTSO (os mesmos, mas sanitários). Naqueles anos, era absolutamente necessário que um menino que se prezasse recebesse tal distintivo. Uma pessoa era valorizada por suas qualidades pessoais, e não pela carteira e conexões de seus pais. Aqueles que usavam conexões eram desprezados.
Dentro de poucos anos, essas pessoas vencerão a guerra, construirão uma potência mundial quase do zero e lançarão o homem ao espaço.
Preste atenção aos rostos adultos controlados e obstinados desses meninos - eles têm aproximadamente 16 anos. E compare-os com os atuais.


Jogo "Banco Pioneiro". Acampamento pioneiro 1937
Cada criança podia passar todo o verão em um acampamento de pioneiros, praticamente de graça, onde eram criadas, treinadas e educadas. Nos países ocidentais ainda é impossível sonhar com isso. E isso é comum conosco desde os anos 30.


Aerosleigh no gelo do Volga, perto da ponte Kanavdinsky. Meados dos anos 30.
Alta tecnologia daqueles anos. Eles desempenharam um papel importante no desenvolvimento de tecnologias de aviação e foram amplamente utilizados no desenvolvimento do Norte, nas Guerras Finlandesa e Patriótica.

Vera Voloshina, 1º de outubro de 1941. Dois meses depois, em 29 de novembro, essa linda menina morrerá.
Escultura de oito metros de uma Menina com Remo do maravilhoso escultor Ivan Shadr (Ivanov), o modelo era a maravilhosa atleta soviética Vera Voloshina, desaparecida em novembro de 1941 durante uma operação de sabotagem atrás das linhas inimigas.
Um mês antes de sua morte, a escultura foi destruída por uma bomba alemã. Apenas um quarto de século depois os detalhes de sua morte foram conhecidos - ela foi gravemente ferida ao retornar de uma missão, capturada pelos alemães e, depois de muita tortura, enforcada na floresta. Isto aconteceu a 10 km do local da morte de Zoya Kosmodemyanskaya, no mesmo dia. Vera Voloshina, que realizou o mesmo feito, foi organizadora do Komsomol do grupo de reconhecimento e sabotagem Komsomol, que incluía Zoya.
Vera também era uma excelente paraquedista, e o escultor, meio brincando, disse que a colocou especialmente para olhar a torre do paraquedas.


Estudantes de geologia 1937


O que trata a foto fica claro pela inscrição na parte superior. Observe que quase todos os jovens têm distintivos GTO. Ser um membro distrófico do Komsomol era simplesmente uma loucura. Os membros do Komsomol e os comunistas poderiam ter armas pessoais.


Família comum de Moscou 1939-1940


1939 Cacássia. Vila
Uma bicicleta na Terra dos Soviéticos tornou-se comum - quase todos podiam comprá-la para si e para seus filhos. No Ocidente, por exemplo, nem todos podiam comprar uma bicicleta naquela época. O Plano Quinquenal para bens de consumo começou e foi executado com extremo sucesso. O padrão de vida do povo soviético cresceu rapidamente de 1939... até 22 de junho de 1941.

1942, dois meses depois ele morrerá nas batalhas perto de Vyazma.

Nas ruínas da casa da família, 1942. Região de Moscou.


Juramento. 1944


1947 Escola rural na região de Vologda.
Nas fotografias dos primeiros anos após a guerra, mesmo nos rostos das crianças, são visíveis vestígios de forte estresse e vida difícil. Os vestígios da guerra são visíveis nos rostos humanos ainda no início dos anos 50 e depois desaparecem gradualmente, e os rostos das crianças de 10 anos deixam de parecer adultos.
Quase todos eles tiveram alguém próximo morto ou gravemente ferido, se não sua família, então seus amigos, suas famílias, colegas de classe. Muitos deles tinham mães viúvas.


Meninos do campo 1947


4 turma "A", final de outubro de 1948, vila perto de Smolensk.


"Trindade, 1949." Região de Kirov
Nos últimos 20 anos, “todos sabem” que os ritos religiosos eram estritamente proibidos na URSS e que o terror era especialmente violento durante o tempo de Estaline. Como nos garantem: coloque uma cruz no túmulo, decore a árvore de Natal - e marche em coluna até Kolyma. E foi assim.


Turma de 1950. Uma das escolas de Moscou.


"Recreação ao ar livre" - final dos anos 40 - início dos anos 50


Em uma mesa de escritório. 1949, região de Kirov


Feriado da Revolução de Outubro. Início dos anos 50


Redação do Jornal Local. Ouvindo as notícias. Região de Vladimir, começando anos 50


Residentes de Kaunas 1950


Estudante, 50 anos.

Homem jovem. Ufá, 1953.


Aldeia Meninos, aldeia. Chupakhino, região de Oryol. 1953
Uma vez na TV disseram que o “zíper” apareceu na URSS apenas na década de 60, estava muito atrás dos “países civilizados” em bens de consumo. O que eu queria dizer era: “Por que precisamos de espaço se não podemos produzir raios?” Aparentemente, o cara do lado esquerdo da foto esfolou o americano morto.


1954. Pronto para trabalho e defesa. Aprovando os padrões GTO.

“Nadya” - meados dos anos 50, Moscou
A Guerra não se reflete mais em seus rostos, eles se tornam despreocupados e travessos. Crianças que tentaram “engordar” melhor na década de 50, após os anos de fome da guerra.

Riga-50.

No campo de tiro da sociedade Dínamo 1955


Em um apartamento novo. Trabalhador pessoal da fábrica do Outubro Vermelho Shubin A.I. Moscou, Tushino, 1956


Pessoal, Kolomna, 1958.


Kislovodsk Cerimônia de consumo de água mineral. 1957 Autor - Javad Bagirov


Apartamento Kyiv 1957

Baku, ande cansado. Autor de 1959 - Javad Bagirov


Uma máquina de venda de perfumes e colônias. anos 50
Desde a década de 50, era possível “borrifar-se” com perfume ou colônia nas grandes lojas. Custava 15 copeques, antes da reforma de Khrushchev.

Detalhes Categoria: Belas artes e arquitetura do período soviético Publicado em 14/09/2018 13:37 Visualizações: 1845

Desde a década de 1930 do século XX. a arte oficial na Rússia desenvolveu-se em linha com o realismo socialista. A diversidade de estilos artísticos foi posta fim.

A nova era da arte soviética foi caracterizada por estrito controle ideológico e elementos de propaganda.
Em 1934, no Primeiro Congresso de Escritores Soviéticos de toda a União, Maxim Gorky formulou os princípios básicos do realismo socialista como um método de literatura e arte soviética:

Nacionalidade.
Ideologia.
Especificidade.

Os princípios do realismo socialista não foram apenas declarados, mas também apoiados pelo Estado: encomendas estatais, viagens criativas de artistas, exposições temáticas e comemorativas, o renascimento da arte monumental como uma arte independente, porque refletia “grandes perspectivas para o desenvolvimento da sociedade socialista”.
Os representantes mais significativos da pintura de cavalete deste período foram Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin e outros. artigos para alguns artistas.

Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973)

B. Joganson. Auto-retrato

Um dos principais representantes do realismo socialista na pintura. Ele trabalhou nas tradições da pintura russa do século XIX, mas introduziu em suas obras “novo conteúdo revolucionário, em sintonia com a época”.
Ele também foi professor de pintura, diretor da Galeria Estatal Tretyakov em 1951-1954, primeiro secretário do Sindicato dos Artistas da URSS, editor-chefe da enciclopédia “Arte dos Países e Povos do Mundo” e teve muitos prêmios e títulos estaduais.
Duas de suas pinturas são especialmente famosas: “Interrogatório de Comunistas” e “Na Antiga Fábrica dos Urais” (1937).

B. Joganson “Interrogatório de Comunistas” (1933). Lona, óleo. 211 x 279 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
A história da criação da pintura, neste caso, é necessária para compreender a sua ideia. “Fui pessoalmente assombrado pela ideia de comparar classes, pelo desejo de expressar contradições de classe irreconciliáveis ​​​​na pintura.
A Guarda Branca é um crescimento especial na história, é uma turba onde se misturam os restos dos antigos oficiais, especuladores em uniforme militar, bandidos declarados e saqueadores de guerra. Que contraste marcante com este bando eram os nossos comissários militares, os comunistas, que eram os líderes ideológicos e defensores da sua pátria socialista e do povo trabalhador. Foi minha tarefa criativa expressar esse contraste e compará-lo” (B. Ioganson).
Um oficial da Guarda Branca está sentado em uma cadeira dourada, de costas para o espectador. Os oficiais brancos restantes estão de costas. Para realçar o efeito dramático, o artista fornece iluminação noturna artificial. A figura do guarda está colocada na borda superior escura do canto esquerdo e representa uma silhueta quase imperceptível. No canto direito há uma janela com cortina, através dela entra luz noturna adicional.
Os Comunistas parecem estar numa posição mais elevada em comparação com os Guardas Brancos.
Comunistas - uma menina e um trabalhador. Eles ficam por perto e olham calmamente para os rostos de seus inimigos, sua excitação interior está escondida. Os jovens comunistas simbolizam um novo tipo de povo soviético.

Sergei Vasilievich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Auto-retrato (1923). Lona, óleo. 88 x 66 cm Museu de Arte de Kharkov (Kharkov, Ucrânia)
Artista russo, representante do impressionismo russo, manifestado especialmente em suas paisagens. Ele também criou uma série de pinturas realistas socialistas padrão.

S. Gerasimov “Primavera. Marchar". Lona, óleo
No gênero histórico, sua obra mais famosa é “O Juramento dos Partidários Siberianos”.

S. Gerasimov “O Juramento dos Partidários Siberianos” (1933). Lona, óleo. 173 x 257 cm Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
A imagem tem conteúdo áspero, mas expressiva e expressiva. Tem uma composição e orientação ideológica claras.
A pintura de gênero de S. Gerasimov “Collective Farm Holiday” (1937) é considerada uma das obras mais significativas da arte soviética dos anos 30 do século XX.

S. Gerasimov “Férias coletivas na fazenda” (1937). Lona, óleo. 234 x 372 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Uma das pinturas mais famosas sobre a guerra foi a pintura de S. Gerasimov “Mãe do Partidário”.

S. Gerasimov “Mãe do Partidário” (1943-1950). Lona, óleo. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O próprio artista falou sobre a ideia da pintura assim: “Queria mostrar na imagem dela todas as mães que mandaram seus filhos para a guerra”.
A mulher está firme em sua razão; ela personifica o grande poder da raiva popular. Ela sofre, mas esse é o sofrimento de uma pessoa orgulhosa e forte, então seu rosto parece calmo neste momento trágico.

Arkady Aleksandrovich Plastov (1893-1972)

P. Bendel. Retrato do artista Plastov

O artista A. Plastov é chamado de “o cantor do campesinato soviético”. Todas as suas pinturas de gênero foram criadas tendo como pano de fundo uma paisagem. A natureza russa do artista é sempre lírica e animada. Suas pinturas se distinguem pela expressividade poética e pela natureza quase livre de conflitos.

A. Plastov “Primeira Neve” (1946)
O artista retratou um pequeno fragmento da vida na aldeia. Na soleira de uma casa de madeira estão dois filhos camponeses, provavelmente uma irmã e um irmão. Acordando de manhã, viram neve e correram para a varanda. A menina nem teve tempo de amarrar o xale amarelo quentinho, apenas jogou-o por cima de um vestido de farol e calçou botas de feltro. As crianças olham com surpresa e alegria para a primeira neve. E essa alegria, esse deleite infantil pela beleza da natureza é transmitido ao público.
Plastov é um realista convicto. A busca por algo completamente novo e sem precedentes era estranha para ele. Ele viveu no mundo e admirou sua beleza. Plastov acreditava que o principal para um artista é ver essa beleza e transmiti-la na tela. Você não precisa escrever lindamente, você tem que escrever a verdade, e ela será mais bonita do que qualquer fantasia.

A. Plastov “Golden Edge” (1952). Lona, óleo. 57 x 76 cm Museu-Reserva do Estado "Rostov Kremlin"

A. Plastov “Feação de feno” (1945). Lona, óleo. 193 x 232 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O artista criou uma série de pinturas sobre a Grande Guerra Patriótica. A tela “O Fascista Voou” está repleta de tragédia e é considerada uma obra-prima da arte soviética da guerra e do pós-guerra.

A. Plastov “O fascista passou voando” (1942). Lona, óleo. 138 x 185 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O artista A. Deineka continua trabalhando em seus temas favoritos.

Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Conhecido como pintor, artista de teatro, cenógrafo e artista gráfico, cartazista e professor.
Sua pintura mais famosa é “Nova Moscou”.

Yu Pimenov “Nova Moscou” (1937). Lona, óleo. 140 × 170 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Escrito no auge da reconstrução da capital. Uma mulher dirigindo é uma ocorrência bastante rara naquela época. Este é um símbolo de uma nova vida. A solução composicional também é inusitada: a imagem parece o quadro de uma câmera. A mulher é mostrada de costas, e esse ângulo convida o espectador a olhar a cidade matinal através de seus olhos. É criada uma sensação de alegria, frescor e clima primaveril. Isso é facilitado pela pincelada impressionista do artista e pela delicada coloração da pintura. A imagem está imbuída de uma atitude otimista característica da época.
O artista também utilizou essa técnica na pintura “Front Road”. O conteúdo emocional da imagem é construído no contraste entre a imagem de uma Moscou pacífica e em mudança e a cidade saqueada e destruída como resultado da invasão fascista, retratada na pintura “Front Road”.

Y. Pimenov “Estrada da Frente” (1944)
No período inicial de sua criatividade, Pimenov foi influenciado pelo expressionismo alemão, o que explica em grande parte a pungência dramática de suas melhores pinturas desses anos: “Inválidos da Guerra”, “Dê a Indústria Pesada!” (1927), “Os soldados passam para o lado da revolução” (1932). Gradualmente ele mudou para o impressionismo, aderindo ao princípio criativo do “belo momento”.

Y. Pimenov “Inválidos da Guerra” (1926). Museu Estatal Russo (São Petersburgo)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

Georgy Nissky esteve ativamente envolvido na pintura de paisagens durante este período. Suas pinturas se distinguem pelo laconicismo pitoresco, dinâmica, soluções composicionais e rítmicas brilhantes. A natureza do artista é sempre transformada pelas mãos humanas.

G. Nyssky “Outono. Semáforos" (1932)

G. Nissky “Região de Moscou. Fevereiro" (1957). Lona, óleo. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Nikolai Krymov é considerado um pintor paisagista da geração mais velha.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Nikolai Krymov (1921)
N.P. Krymov nasceu na família de um artista itinerante, então a direção inicial de seu trabalho foi a mesma. Durante seus anos de estudo (1905-1910), ele se inclinou para representações impressionistas da natureza; delicadas cores pastéis e pinceladas leves deram às suas telas uma aparência espiritual e leve. Na década de 20, tornou-se um adepto da pintura realista russa.

N.P. Krymov “Manhã no Parque Central de Cultura e Lazer que leva seu nome. M. Gorky em Moscou" (1937). Lona, óleo. 81 x 135 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
O último período da obra do artista está associado ao rio Oka e à pequena cidade de Tarusa, onde Krymov veio se hospedar. Ele ficou fascinado pelas paisagens locais e pelo rio Oka, que “respirava liberdade”.

N. Krymov “Rua em Tarusa” (1952)
As pinturas “Antes do Crepúsculo”, “Polenovo. Rio Oka" e vários outros. O artista tem muitas paisagens de inverno.

N. Krymov “Inverno. Telhados" (1934)

Arkady Aleksandrovich Rylov (1870-1939)

A. Rylov. Autorretrato com um esquilo (1931). Papel, tinta, lápis italiano. Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

Pintor paisagista, artista gráfico e professor russo e soviético.
Sua pintura mais famosa é “Lenin em Razliv”.

A. Rylov “V.I. Lenin em Razliv em 1917." (1934). Lona, óleo. 126,5 × 212 cm Museu Estatal Russo (São Petersburgo)
Esta é uma das melhores obras do artista em seu período tardio de criatividade. Nesta pintura, o artista combina a paisagem com o gênero histórico. A estada de Lenin em Razliv no verão de 1917 é um dos principais temas do tema Lenin nas belas-artes soviéticas. A emoção e a tensão do momento fazem-se sentir na paisagem e na figura dinâmica do líder. As nuvens correm pelo céu, o vento dobra árvores poderosas, na luta contra estas forças naturais, a figura de Lénine avança ao vento com a firme determinação de vencer em nome do futuro.
Um lago tempestuoso e um céu alarmante simbolizam uma tempestade. O crepúsculo cai sobre a terra. Lenin, sem perceber nada disso, perscruta intensamente a distância. Esta interpretação da imagem do líder é uma ordem ideológica da era soviética.
O gênero do retrato soviético estava se desenvolvendo ativamente nessa época, no qual Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar e Mikhail Nesterov se mostraram mais claramente.

P. Konchalovsky. Retrato do compositor Sergei Sergeevich Prokofiev (1934). Lona, óleo. 181 x 140,5 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

P. Konchalovsky. Retrato de V.E. Meyerhold (1938). Lona, óleo. 211 x 233 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)
Durante o período de repressões em massa, pouco antes da prisão e morte de Meyerhold, P. Konchalovsky criou um retrato desta notável figura teatral. Em 7 de janeiro de 1938, o Comitê de Artes adotou uma resolução para liquidar o Meyerhold State Theatre.
O artista transmitiu o conflito da personalidade com a realidade circundante através de uma solução composicional complexa. A tela retrata não um sonhador, mas um homem cujo destino está em jogo, e ele sabe disso. Através da comparação entre um tapete brilhante, densamente coberto de ornamentos, e a figura monocromática do diretor, Konchalovsky revela a imagem trágica do diretor-reformador.

I. Grabar. Retrato do Acadêmico N.D. Zelinsky (1935). Lona, óleo. 95 x 87 cm Galeria Estatal Tretyakov (Moscou)

I. Grabar. Retrato de Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967)

Pavel Korin (1933)
Pintor russo e soviético, monumentalista, retratista, restaurador e professor, professor.
Ele foi criado em Palekh e começou pintando ícones. Ele estudou na Escola de Escultura e Arquitetura de Moscou e acabou se tornando um dos mais importantes mestres do retrato soviético, criando uma galeria inteira de retratos de intelectuais de seu tempo.
As obras deste artista caracterizam-se pela monumentalidade, cores fortes e formas claramente esculpidas.
As obras mais famosas de P. Korin: o tríptico “Alexander Nevsky”, retratos de Georgy Zhukov e Maxim Gorky.

P.Korin. Tríptico "Alexander Nevsky"
O tríptico foi encomendado ao artista durante a Grande Guerra Patriótica, quando o tema da resistência ao invasor era central na arte.
Nas partes esquerda e direita do tríptico, os soldados se preparam para a guerra. Eles estão acompanhados por mulheres: uma mãe idosa, uma esposa segurando um filho pequeno nos braços. Eles, assim como sua terra natal, precisam de proteção.

No meio está a imagem de um guerreiro. Alexander Nevsky deteve os cavaleiros alemães nos tempos antigos, para poder inspirar os defensores a lutar contra os invasores fascistas. Sua figura é monumental - é uma memória dos heróis russos. A bandeira com o rosto de Cristo lembra a santidade da terra russa. Ele fica apoiado em sua espada - os inimigos devem morrer pela espada que veio com eles.
Atrás dele está sua terra natal, que deve ser protegida.
As pinturas e retratos temáticos executados pelo mestre caracterizam-se pela espiritualidade e compostura das imagens, rigor de composição e desenho.
O interesse por indivíduos criativos é característico da atmosfera deste período.