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O jazz é uma direção na música, caracterizada pela combinação de ritmo com melodia. Uma característica separada do jazz é a improvisação. A direção musical ganhou popularidade graças ao seu som incomum e à combinação de várias culturas completamente diferentes.

A história do jazz começou no início do século 20 nos Estados Unidos. O jazz tradicional ganhou forma em Nova Orleans. Posteriormente, novas variedades de jazz começaram a surgir em muitas outras cidades. Apesar de toda a variedade de sons de diferentes estilos, o jazz pode ser imediatamente distinguido de outro gênero devido às suas características.

Improvisação

A improvisação musical é uma das principais características do jazz, que está presente em todas as suas variedades. Os performers criam música espontaneamente, nunca pensam com antecedência, não ensaiam. Tocar jazz e improvisar requer experiência e habilidade nesta área de fazer música. Além disso, um músico de jazz deve estar atento ao ritmo e à tonalidade. A relação entre os músicos do grupo não é pequena, pois o sucesso da melodia obtida depende da compreensão do estado de espírito de cada um.

A improvisação no jazz permite que você crie sempre algo novo. O som da música depende apenas da inspiração do músico na hora do jogo.

Não se pode dizer que, se não houver improvisação na performance, isso não seja mais jazz. Esse tipo de produção musical foi para o jazz dos povos africanos. Uma vez que os africanos não faziam ideia sobre partituras e ensaios, a música era transmitida uns aos outros apenas pela memorização de sua melodia e tema. E cada novo músico já pode tocar a mesma música de uma nova maneira.

Ritmo e melodia

A segunda característica importante do estilo de jazz é o ritmo. Os músicos têm a capacidade de criar sons espontaneamente, pois a pulsação constante cria o efeito de vivacidade, jogo, excitação. O ritmo também limita a improvisação, exigindo que você produza sons de acordo com um determinado ritmo.

Como a improvisação, o ritmo veio para o jazz das culturas africanas. Mas é precisamente essa característica a principal característica do movimento musical. Os primeiros músicos do free jazz abandonaram completamente o ritmo para se tornarem completamente livres para criar música. Por causa disso, a nova direção do jazz não foi reconhecida por muito tempo. O ritmo é fornecido por instrumentos de percussão.

O jazz herdou a melodia da música da cultura europeia. É a combinação de ritmo e improvisação com música suave e harmoniosa que confere ao jazz um som inusitado.

A palavra "jazz" surgiu no início do século XX. Este é um novo movimento musical que se originou na América do Norte e posteriormente se espalhou pelo mundo. Os pais do jazz são escravos negros africanos e oprimidos.

No século 17, os primeiros escravos africanos apareceram na América, que foram tirados à força de sua terra natal e vendidos como escravos. Eles ansiavam por sua terra natal e seu único consolo era a música. No início, os negros simplesmente cantavam suas canções tradicionais, acompanhados de palmas ou batidas de caixas de madeira. Mas, com o tempo, os motivos nacionais africanos começaram a ser esquecidos e os ecos das canções dos brancos apareceram nas melodias negras. Os brancos, naquela época, tinham canções com temas religiosos, e os negros também passaram a entoar canções espirituais, mas à sua maneira, com ritmo e melodia característicos. Suas canções espirituais (espirituais) estavam cheias de dor e esperança de salvação.

No século 19, escravos negros começaram a cantar canções saturadas de tristeza, humor decadente, que eram executadas com acompanhamento (blues). Os intérpretes tocaram junto com instrumentos musicais caseiros, porque eles não tinham dinheiro para comprar reais. Além disso, os negros gostavam muito de tocar com uma orquestra, e após a Guerra Civil de 1861- 1865 g ... eles começaram a tocar instrumentos musicais profissionais, porque bandas militares foram dissolvidas e instrumentos vendidos por centavos.

Bandas negras tocavam em todos os lugares: em casamentos, festas e funerais. Os músicos não conheciam notação musical e, olhando para músicos profissionais, aprenderam a tocar por conta própria. A música instrumental, que transmitia com precisão os motivos do espiritual e do blues, era chamada de jazz. Suas características distintivas são ritmo livre, swinging (swing) e improvisação. Além disso, os músicos de jazz improvisam solo e coletivamente.

O jazz começou a se espalhar rapidamente pela América e depois pelo mundo, atraindo cada vez mais músicos e compositores "brancos".

Duke Ellington, Louis Armstrong, Glen Miller e Benny Goodman e outros são jazzistas que deram uma enorme contribuição para a popularização da música jazz e que agora são iguais à geração mais jovem de músicos de jazz.

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Jazz- um fenômeno único na cultura musical mundial. Essa forma de arte multifacetada nasceu na virada do século (XIX e XX) nos Estados Unidos. A música jazz é fruto da imaginação das culturas da Europa e da África, uma espécie de fusão de tendências e formas de duas regiões do mundo. Posteriormente, o jazz foi além dos Estados Unidos e se tornou popular em quase todos os lugares. Esta música é baseada em canções, ritmos e estilos folclóricos africanos. Na história do desenvolvimento dessa direção do jazz, muitas formas e tipos são conhecidos, que surgiram à medida que dominavam novos padrões de ritmos e harmônicos.

Características do jazz

A síntese de duas culturas musicais tornou o jazz um fenômeno radicalmente novo na arte mundial. As características específicas desta nova música são:

• Ritmos sincronizados que geram polirritmia.
• A pulsação rítmica da música é uma batida.
• O complexo de desvio de batida é um balanço.
• Improvisação constante nas composições.
• Uma riqueza de harmônicos, ritmos e timbres.

A base do jazz, especialmente nos primeiros estágios de desenvolvimento, era a improvisação combinada com uma forma cuidadosa (e a forma da composição não era necessariamente fixada em algum lugar). E da música africana, este novo estilo assumiu os seguintes traços característicos:

• Entendendo cada instrumento como um tambor.
• Entonações coloquiais populares ao executar composições.
• Uma imitação semelhante de conversa ao tocar os instrumentos.

Em geral, todas as direções do jazz diferem em suas próprias características locais, portanto, é lógico considerá-las no contexto do desenvolvimento histórico.

O surgimento do jazz, ragtime (1880-1910)

Acredita-se que o jazz se originou entre escravos negros trazidos da África para os Estados Unidos da América no século XVIII. Visto que os africanos cativos não eram representados por uma única tribo, eles tiveram que encontrar uma língua comum com seus parentes no Novo Mundo. Essa consolidação levou ao surgimento de uma cultura africana unificada na América, que também incluía a cultura musical. Foi apenas nas décadas de 1880 e 1890 que o primeiro jazz surgiu como resultado. Este estilo foi impulsionado pela demanda mundial por música de dança popular. Visto que a arte musical africana abundava nessas danças rítmicas, foi nessa base que uma nova direção nasceu. Milhares de americanos de classe média, incapazes de dominar as danças clássicas aristocráticas, começaram a dançar ao piano no estilo ragtime. O Ragtime trouxe algumas das futuras bases do jazz para a música. Assim, o principal representante deste estilo, Scott Joplin, é o autor do elemento “3 versus 4” (sonorização cruzada de esquemas rítmicos com 3 e 4 unidades, respetivamente).

Nova Orleans (1910-1920)

O jazz clássico apareceu no início do século XX nos estados do sul da América e, especificamente, em Nova Orleans (o que é lógico, porque foi no sul que o comércio de escravos se espalhou).

Orquestras africanas e crioulas tocaram aqui, tornando sua música influenciada pelo ragtime, blues e canções de trabalhadores negros. Após o surgimento na cidade de muitos instrumentos musicais de bandas militares, grupos amadores começaram a aparecer. O lendário músico de Nova Orleans, criador de sua própria orquestra, King Oliver também foi autodidata. Uma data importante na história do jazz foi 26 de fevereiro de 1917, quando a Original Dixieland Jazz Band lançou seu primeiro disco de gramofone. Em New Orleans, as principais características do estilo também foram estabelecidas: a batida dos instrumentos de percussão, um solo magistral, improvisação vocal com sílabas - scat.

Chicago (1910-1920)

Na década de 1920, conhecida pelos clássicos como “os loucos anos 20”, o jazz foi entrando gradativamente na cultura popular, perdendo os títulos de “vergonhoso” e “indecente”. As orquestras estão começando a se apresentar em restaurantes, indo dos estados do sul para outras partes dos Estados Unidos. Chicago está se tornando o centro do jazz no norte do país, onde apresentações noturnas gratuitas de músicos estão ganhando popularidade (durante esses shows, havia improvisações frequentes e solistas terceirizados). Arranjos mais complexos aparecem no estilo de música. O ícone do jazz dessa época foi Louis Armstrong, que se mudou de New Orleans para Chicago. Posteriormente, os estilos das duas cidades começaram a ser combinados em um gênero de música jazz - Dixieland. A principal característica deste estilo foi a improvisação coletiva em massa, que elevou a ideia central do jazz ao absoluto.

Swing e big bands (1930-1940)

O aumento da popularidade do jazz causou uma demanda por grandes orquestras que tocavam melodias de dança. É assim que o swing apareceu, representando desvios característicos em ambas as direções do ritmo. O swing se tornou a principal direção de estilo da época, manifestando-se no trabalho das orquestras. A execução de composições de dança harmoniosas exigia uma execução mais harmoniosa da orquestra. Os músicos de jazz tiveram que participar de maneira uniforme, sem muita improvisação (exceto para o solista), então a improvisação coletiva de Dixieland é coisa do passado. Na década de 1930, surgiram esses grupos, que eram chamados de big bands. Uma característica das orquestras da época era a competição de grupos de instrumentos, seções. Tradicionalmente, havia três deles: saxofones, trompetes, percussão. Os músicos de jazz mais famosos e suas orquestras: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Este último músico é famoso por sua devoção ao folclore negro.

Bebop (anos 1940)

O afastamento do Swing das tradições do jazz antigo e, em particular, das melodias e estilos clássicos africanos, causou descontentamento entre os conhecedores da história. Big bands e performers de swing, cada vez mais trabalhando para o público, passaram a se opor ao jazz de pequenos conjuntos de músicos negros. Os experimentadores introduziram melodias ultrarrápidas, trouxeram de volta longa improvisação, ritmos complexos e maestria de um instrumento solo. O novo estilo, que se posicionava como exclusivo, passou a se chamar bebop. Os músicos de jazz ultrajantes Charlie Parker e Dizzy Gillespie se tornaram os ícones desse período. A revolta dos negros americanos contra a comercialização do jazz, o desejo de devolver esta música à sua intimidade e singularidade tornou-se um ponto chave. A partir deste momento e deste estilo começa a contagem regressiva da história do jazz moderno. Ao mesmo tempo, os líderes de big band vêm para pequenas orquestras, desejando fazer uma pausa nos grandes salões. Em conjuntos chamados de combos, esses músicos aderiam a um estilo de swing, mas tinham liberdade para improvisar.

Cool jazz, hard bop, soul jazz e jazz-funk (1940-1960)

Na década de 1950, um gênero musical como o jazz começou a se desenvolver em duas direções opostas. Os defensores da música clássica "esfriaram" o bebop, trazendo a música acadêmica, a polifonia e os arranjos de volta à moda. O cool jazz tornou-se conhecido por sua contenção, aridez e melancolia. Os principais representantes desta direção do jazz foram: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Mas a segunda direção, ao contrário, começou a desenvolver as ideias do bebop. O estilo hard bop pregava a ideia de retornar às origens da black music. Melodias folk tradicionais, ritmos brilhantes e agressivos, solos explosivos e improvisação voltaram à moda. Conhecido no estilo hard bop: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Este estilo desenvolveu-se organicamente junto com o soul jazz e o jazz-funk. Esses estilos se aproximam do blues, tornando o ritmo um aspecto fundamental da apresentação. O funk jazz, em particular, foi apresentado por Richard Holmes e Shirley Scott.

HISTÓRIA DE DESENVOLVIMENTO DE JAZZ

Jazz

O que é jazz dificilmente alguém se atreverá a explicar, porque até o grande homem da história do jazz, Louis Armstrong, não fez isso, que disse que só é preciso entender e pronto. Na verdade, o jazz, sua história, origens, modificações e ramos são muito diversos e multifacetados para fornecer uma definição simples e abrangente. Mas há pontos que esclarecem a natureza dessa direção musical.

O jazz surgiu como uma combinação de várias culturas musicais e tradições nacionais. Inicialmente, chegou em sua infância de terras africanas, e sob a influência da música ocidental desenvolvida e suas tendências (blues, reg-times) e da combinação do folclore musical africano com eles, um estilo que não morreu até hoje - jazz, acabou.

O jazz vive no ritmo, na inconsistência, nas intersecções e na não observância das tonalidades e altura dos sons. Toda música é construída em confronto e contradição, mas em uma peça musical tudo harmoniosamente combina e surpreende com sua melodia e apelo especial.

Os primeiros jazzmen, com raras exceções, criaram a tradição de uma orquestra de jazz, onde há improvisação com som, velocidade ou andamento, é possível expandir o número de instrumentos e intérpretes, e atrair tradições sinfônicas. Muitos jazzmen contribuíram com sua arte para o desenvolvimento da tradição da arte de tocar conjuntos de jazz.

Após o surgimento de um artista gênio que viveu toda sua vida no ritmo do jazz, ele ainda permanece uma lenda - Louis Armstrong, a arte da performance de jazz viu novos horizontes incomuns para si mesma: o solo de performance vocal ou instrumental torna-se o centro da toda a performance, mudando completamente a ideia de jazz.

E é aqui que surge a oportunidade de explicar outra característica do estilo de jazz: esta é uma performance individual única de um jazzman virtuoso, esta é a sua performance e a apreciação por ele e pelos ouvintes da música neste momento. E a garantia da eterna juventude do jazz é a improvisação. O jazz tem espírito, mas não tem esqueleto para mantê-lo unido. Você pode mudar o saxofone para o piano, ou você pode deixar a cadeira e pegar o microfone, e se isso não funcionar, volte ao trompete e tente tocar algo que Armstrong e Bechet não tocaram.

O jazz não é apenas um certo tipo de apresentação musical, é também uma era única e alegre.

Origens

A questão do berço do jazz é conhecida - esta é a América, mas de onde vem?

O jazz surge como uma fusão única. E um dos seus componentes que lhe garantiram a origem é considerado de origem africana. Os colonizadores africanos trouxeram consigo sua cultura, que se desenvolveu em um cenário de forte influência europeia e americana.

A comunidade e suas regras (normas de comportamento, tradições) estão no sangue daqueles que vieram, embora a conexão com seus ancestrais tenha sido realmente cortada. E a música, como manifestação integral de uma cultura original, tornou-se um dos elos de ligação dessa cultura nativa para os africanos e uma nova vida em outro continente.

A música vocal dos afro-americanos, temperada com ritmo e danças, corpo plástico, palmas, cresceu em uma nova subcultura musical. A música africana é completamente diferente dos samples europeus, não tem uma galáxia de instrumentos, manteve em grande parte seu ritualismo e apego aos costumes.

Origens / História do jazz

Essa música de escravos, ao final, rompeu os regimes totalitários, onde reinavam as orquestras clássicas, obedecendo totalmente à vontade da batuta do maestro. De acordo com pesquisas da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como uma arma ideológica contra a URSS e a expansão da influência soviética no Terceiro Mundo. As origens do jazz estão associadas ao blues.

O jazz surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonia europeia, mas suas origens devem ser buscadas desde o momento em que os escravos foram trazidos da África para o território do Novo Mundo. Os escravos trazidos não eram do mesmo clã e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma única cultura (incluindo musical) de afro-americanos. Os processos de mesclagem da cultura musical africana e europeia (que também sofreu grandes transformações no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do "protojazz", e depois do jazz no sentido convencional.

A improvisação desempenha um papel fundamental no jazz autêntico. Além disso, o jazz é sincopado (destacando batidas fracas e acentos inesperados) e um impulso especial. Os dois últimos componentes surgem no ragtime e, em seguida, são transferidos para a execução de orquestras (bandas), após o que a palavra "jazz" aparece para denotar esse novo estilo de fazer música, soletrado primeiro como "Jass", depois como "Jasz "e só a partir de 1918 adquiriu seu visual moderno. Além disso, muitos estilos de jazz se distinguem por uma técnica especial de execução: "swinging" ou swing. O berço do jazz foi o sul americano e, acima de tudo, New Orleans. Em 26 de fevereiro de 1917, no estúdio Victor, em Nova York, cinco músicos brancos de Nova Orleans gravaram o primeiro disco de jazz. O significado desse fato dificilmente pode ser superestimado: antes do lançamento deste disco, o jazz permaneceu um fenômeno marginal, folclore musical, e depois disso surpreendeu toda a América por várias semanas. A gravação pertenceu à lendária Original Dixieland Jazz Band.

Origens / ascensão do jazz

As origens desta direção musical encontram-se na mistura de culturas africanas e europeias. Curiosamente, mas o jazz começou com o próprio Cristóvão Colombo. É claro que o grande viajante e descobridor não foi o primeiro músico de jazz. Abrindo a América para a Europa, Colombo lançou uma grande base para a interpenetração das tradições musicais africanas e europeias.

Ao explorar o continente americano, os europeus transportaram para cá um grande número de inimigos negros, cujo número em 1700 ultrapassava mais de cem mil. Os escravos foram transportados da costa oeste da África através do Atlântico.

Os europeus nem imaginavam que, junto com os escravos, transportavam para a América e a cultura musical africana, caracterizada por um ritmo musical incrível. Desde tempos imemoriais, na África, a música é um componente indispensável de vários rituais. O ritmo musical foi de enorme importância aqui.

A cultura europeia, por outro lado, trouxe harmonia, padrões menores e maiores, melodia, bem como um início melódico solo ao jazz.

Cantando jazz

Cantar jazz não pode ser equiparado a cantar no sentido geral da palavra. Inicialmente, o jazz não tinha uma voz solo, havia apenas um instrumento, e somente a partir da época das performances de Louis Armstrong (ou seja, seu trabalho posterior) os vocais se tornaram parte da "caixa de ferramentas" dos jazzistas. Mas, novamente - vocais de jazz, que é outra coisa.

Os vocais de jazz devem ter algumas peculiaridades, quero dizer, a voz do intérprete. Considerando a base do jazz - improvisação, a ausência de regras, deve-se entender que o mesmo se aplica à voz do intérprete: a capacidade de expandir o escopo de uma música "regular", tocar com uma voz, improvisar facilmente e ter um bom alcance. O intérprete deve aderir à maneira jazzística de execução: fraseado e "ataque".

"Canto Scat" - este termo surgiu na época em que Louis Armstrong trabalhava no palco, que cantava enquanto tocava: os sons feitos por sua voz eram muito semelhantes aos sons emitidos por seu trompete. Os vocais do jazz começarão a mudar e se tornar mais complexos um pouco mais tarde, quando o estilo "bop" entrar em voga. Chega a hora do "bop" -skeet, e a "primeira-dama do jazz" - Ella Fitzgerald se torna a estrela.

Se a conexão entre jazz e blues não for tão forte, então a conexão entre os vocais tem uma conexão mais óbvia. As possibilidades utilizadas de extração de sons (o trabalho da laringe, o chiado e o sussurro, o falsete, etc.) do blues foram alegremente aceitas pelas tradições do jazz.

Os nomes dos vocalistas que se tornaram famosos na história do jazz pelo seu canto: claro, o fundador - Louis Armstrong, seguido por Bing Crosby, ao lado dele, apelidado simplesmente de "a voz", Frank Sinatra, Nat King Cole. As mulheres deram sua contribuição e considerável: Bessie Smith, que foi apelidada de "Imperatriz do Blues", seguida pelos nomes de Billy Halliday, Ella Fitzgerald, uma cantora única Sarah Voen.

AS ORIGENS DO JAZZ E SEU ESTILO.

Introdução

Outrora editor-chefe da mais famosa revista americana de jazz "Down Beat", que é distribuída em 124 países do mundo, um repórter perguntou durante uma entrevista: "O que é jazz?" “Você nunca viu uma pessoa ser pega tão rapidamente no local por uma pergunta tão simples!” Este editor disse mais tarde. Ao contrário dele, qualquer outra figura do jazz, em resposta à mesma pergunta, poderia falar desta música durante duas horas ou mais, sem explicar nada de concreto, pois na realidade ainda não existe um tempo preciso, curto e mesmo o mesmo de completo e definição objetiva da palavra e do próprio conceito de "jazz".

Mas há uma grande diferença entre a música de King Oliver e Miles Davis, Benny Goodman e o Modern Jazz Quartet, Stan Kenton e John Coltrane, Charlie Parker e Dave Brubeck. Muitos componentes e o desenvolvimento constante do jazz ao longo de 100 anos levaram ao fato de que mesmo o conjunto de suas características exatas de ontem não pode ser totalmente aplicado hoje, e as formulações de amanhã podem ser diametralmente opostas (por exemplo, para Dixieland e Bebop, big band de swing e combo jazz rock).

Também existem dificuldades em definir jazz. o fato de sempre tentarem resolver esse problema de frente e falar de jazz com muitas palavras e sem resultado. Obviamente, isso poderia ser resolvido indiretamente, definindo todas as características que circundam esse mundo musical na sociedade, e então será mais fácil entender o que está no centro. Ao mesmo tempo, a pergunta "O que é jazz?" é substituído por "O que se entende por jazz?" E então descobrimos que essa palavra tem significados muito diferentes para pessoas diferentes. Cada pessoa preenche este neologismo lexical com um certo significado a seu próprio critério.

Existem duas categorias de pessoas que usam essa palavra. Algumas pessoas amam jazz, enquanto outras não se interessam por ele. A maioria dos amantes do jazz tem um uso muito amplo dessa palavra, mas nenhum deles pode determinar onde o jazz começa e termina, porque cada um tem sua própria opinião sobre o assunto. Eles podem encontrar uma linguagem comum entre si, mas cada um está convencido de que está certo e sabe o que é jazz, sem entrar em detalhes. Até os próprios músicos profissionais, que vivem do jazz e o executam regularmente, dão definições muito diferentes e vagas dessa música.

A infinita variedade de interpretações não nos dá nenhuma chance de chegar a uma conclusão única e indiscutível de que isso é jazz de um ponto de vista puramente musical. No entanto, aqui é possível uma abordagem diferente, que foi proposta na segunda metade dos anos 50 pelo mundialmente famoso musicólogo, presidente e diretor do Instituto de Pesquisa de Jazz de Nova York Marshall Stearns (1908-1966), que invariavelmente gozava de respeito ilimitado em círculos de jazz de todos os países do Velho e do Novo Mundo. Em seu excelente livro The History of Jazz, publicado pela primeira vez em 1956, ele deu sua definição dessa música de um ponto de vista puramente histórico.

Stearns escreveu: “Em primeiro lugar, onde quer que você ouça jazz, é sempre muito mais fácil reconhecê-lo do que descrevê-lo em palavras. Tradições - Europa Ocidental e África Ocidental - isto é, a fusão real da cultura branca e negra. a nível musical, a tradição europeia desempenhou um papel preponderante aqui, as qualidades rítmicas que fizeram do jazz uma música tão característica, invulgar e facilmente reconhecível originaram-se indubitavelmente de África. Portanto, os principais componentes desta música são a harmonia europeia, euro-africana melodia e ritmo africano. "

Mas por que o jazz se originou na América do Norte, e não no Sul ou no Centro, onde também havia brancos e negros em número suficiente? Afinal, quando se fala da pátria do jazz, a América é sempre chamada de berço, mas, ao mesmo tempo, costumam se referir apenas ao território moderno dos Estados Unidos. O fato é que se a metade norte do continente americano foi historicamente habitada principalmente por protestantes (britânicos e franceses), entre os quais havia muitos missionários religiosos que buscavam converter os negros à fé cristã, então na parte sul e central deste vasto continente, predominavam os católicos (espanhóis e portugueses), que viam os escravos negros como animais de carga, sem se importar com a salvação de suas almas. Portanto, não poderia ter havido uma interpenetração significativa e profunda o suficiente de raças e culturas, o que por sua vez teve um impacto direto no grau de preservação da música nativa dos escravos africanos, principalmente no campo de seu ritmo. Até agora, nos países da América do Sul e Central, existem cultos pagãos, rituais secretos e carnavais desenfreados são realizados acompanhados de ritmos afro-cubanos (ou latino-americanos). Não é surpreendente que é neste aspecto rítmico que a parte sul do Novo Mundo já influenciou visivelmente toda a música popular mundial em nosso tempo, enquanto o Norte deu algo diferente ao tesouro da arte musical moderna, por exemplo, a espiritualidade e blues.

Consequentemente, continua Sterns, no aspecto histórico, o jazz é uma síntese obtida no original a partir de 6 fontes fundamentais. Esses incluem:

1. Ritmos da África Ocidental;

2. Canções de trabalho (gritos de campo);

3. Canções religiosas negras (espirituais);

4. Canções seculares negras (blues);

5. Música folk americana dos últimos séculos;

6. Música de menestréis e bandas de música de rua.

1. As origens do jazz

Os primeiros fortes de brancos no Golfo da Guiné, na costa da África Ocidental, surgiram já em 1482. Exatamente 10 anos depois, um evento significativo aconteceu - a descoberta da América por Colombo. Em 1620, os primeiros escravos negros apareceram no moderno território dos Estados Unidos, que foram convenientemente transportados por navios da África Ocidental através do Oceano Atlântico. Nos cem anos seguintes, seu número cresceu para cem mil e, em 1790, esse número havia aumentado dez vezes.

Se dissermos "ritmo africano", então devemos ter em mente, é claro, que os negros da África Ocidental nunca tocaram "jazz" como tal - estamos falando apenas de ritmo como parte integrante de sua vida em sua terra natal, onde ele foi representado por um ritual "coro de tambores". com sua polirritmia complexa e muito mais. Mas os escravos não podiam levar nenhum instrumento musical consigo para o Novo Mundo e, no início, na América, eles foram até proibidos de fazer tambores caseiros, exemplos dos quais só poderiam ser vistos em museus etnográficos muito mais tarde. Além disso, nenhuma pessoa, de qualquer cor de pele, nasce com um senso de ritmo pronto, tudo gira em torno de tradições, ou seja, na continuidade das gerações e do meio ambiente, portanto, os costumes e rituais dos negros foram preservados e transmitidos nos Estados Unidos exclusivamente por via oral e de memória de geração em geração de negros afro-americanos. Como Dizzy Gillespie disse: "Não acho que Deus pode dar a alguém mais do que os outros se eles se encontrarem nas mesmas condições. Você pode levar qualquer pessoa, e se você colocá-la no mesmo ambiente, então a jornada de sua vida definitivamente ser semelhante ao nosso. "

O jazz nasceu nos Estados Unidos como resultado da síntese de numerosos elementos das culturas musicais reassentadas dos povos da Europa, por um lado, e do folclore africano, por outro. Essas culturas tinham qualidades fundamentalmente diferentes. A música africana é de natureza improvisada, é caracterizada por uma forma coletiva de fazer música com forte polirritmia, polimetria e linearidade. A função mais importante nele é o início rítmico, a polifonia rítmica, da qual surge o efeito do ritmo cruzado. O início melódico, e ainda mais harmonioso, no fazer musical africano é desenvolvido em muito menos grau do que no europeu. Música para africanos tem mais valor aplicado do que para europeus. Muitas vezes está associada a atividades de trabalho, a rituais, incluindo adoração. O sincretismo de diferentes tipos de artes afeta a natureza da produção musical - não aparece independentemente, mas em conjunto com dança, plásticos, oração e recitação. Em um estado de excitação dos africanos, sua entonação é muito mais livre do que a dos europeus, encadeada em uma escala normalizada. O canto de chamada e resposta é amplamente desenvolvido na música africana.

Por seu lado, a música europeia deu o seu rico contributo para a futura síntese: construções melódicas com uma voz protagonista, padrões modais maior-menor, possibilidades harmónicas e muito mais. Em geral, relativamente falando, a emocionalidade africana, um começo intuitivo, colidiu com o racionalismo europeu, especialmente manifestado na política musical do protestantismo.

2. "Terceira corrente"

O termo "terceira corrente" foi cunhado pelo crítico John Wilson. Ele delineou uma alternativa, ou melhor, variantes da síntese da primeira e da segunda correntes, ou seja, música acadêmica e jazz. Essa direção se formou na década de 50 e não está associada a um estilo específico. Trabalhos experimentais de vários músicos capturaram o jazz sinfônico, o jazz-rock e as tendências de vanguarda.

O jazz, como uma das formas mais distintas de arte musical do século XX, aos poucos foi conquistando o mundo inteiro e, ao final, adquiriu um caráter internacional. Isso aconteceu principalmente pelo fato de seus compositores e intérpretes em suas obras frequentemente se voltarem para a música de outros países e povos - índios, sul-americanos, árabes e, claro, para o seu próprio folclore. A fonte de inspiração mais importante para os jazzistas em busca de novas direções para a evolução de seu gênero foram também os melhores exemplos da música clássica europeia e suas variedades um pouco mais populares.

Contatos históricos com jazz de compositores clássicos são bem conhecidos, e aqui dezenas de nomes famosos poderiam ser citados como um exemplo (estes são Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Millau, Honegger, Kschenek, bem como Copland, Gershwin e Bernstein), mas suas tentativas foram guiadas pelo desejo de trazer apenas certos elementos do jazz para a música acadêmica. Por outro lado, há muitos trabalhos experimentais de jazzistas interessados ​​que tentaram aplicar certos princípios de desenvolvimento sinfônico e usar os princípios originais da música clássica em suas partituras de jazz.

Em décadas diferentes, tais experimentos às vezes levaram ao surgimento de novos, senão estilos, então, em qualquer caso, ramos independentes na árvore genealógica da história do jazz - então, na década de 1920 era "jazz sinfônico" (Paul Whiteman, que queria "fazer do jazz uma dama"), nos anos 40 - "progressivo" (Stan Kenton), e nos anos 60 - "o terceiro movimento".

"A terceira corrente" é mencionada precisamente na história do jazz, porque então os jazzmen vieram do seu lado, e não dos clássicos. Foi uma direção experimental do jazz moderno, cujos representantes tentaram criar obras extensas para conjuntos orquestrais mistos, incluindo tanto intérpretes acadêmicos como improvisadores de jazz.

As composições da "terceira tendência" caracterizam-se por uma fusão mais orgânica da técnica composicional europeia com as tradições do jazz. Os representantes mais proeminentes dessa tendência nos Estados Unidos foram os músicos e compositores Gunther Schuller, John Lewis (chefe do Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Juffrey e outros.

Conhecida, por exemplo, apresentações (e gravações) conjuntas de Duke Ellington com as orquestras do La Scala e da London Symphony. Com essa combinação, surgem novas tonalidades harmônicas e instrumentais, por assim dizer, obtém-se a "música intelectual" moderna. Tem uma abordagem clássica do tema, mas em seu cerne, continua muito jazz. É perfeitamente possível sintetizar esses dois componentes em uma forma de música, perto tanto do jazz (liberdade de improvisação, um senso de swing, frescor de novos timbres) e da técnica de composições "sérias" (técnicas do campo do 12- música tonal, polifonia, politonalidade, polirritmia, evolução temática geral, etc.).

Dave Brubeck deu uma contribuição significativa para o terceiro movimento com composições para quarteto de jazz e orquestra sinfônica. A tradição de combinar uma orquestra sinfônica e um conjunto de jazz ou mesmo uma orquestra é continuada por Wynton Marsalis e sua Orquestra do Lincoln Center.

3. Blues contemporâneos. Bandas grandes da era pós-swing

Historicamente, o blues gradualmente penetrou nos principais centros industriais e rapidamente ganhou popularidade lá. Estabeleceu os traços característicos herdados da música dos afro-americanos, definiu claramente a forma de 12 compassos (como a mais típica) e definiu o acompanhamento harmônico com base na escala de blues. Entre os artistas de blues de jazz mais famosos dos anos 50-60. foram Jimmy Rushing (1903-1972) e Joe Williams (1918-1999).

No final dos anos 40 e início dos 50, surgiu uma nova variedade - “rhythm and blues” - era uma modificação urbana do blues clássico, que se generalizou nas áreas negras das maiores cidades dos Estados Unidos. Usando o principal meio melódico-harmônico do blues, "rnb" se distingue por um aumento significativo no acompanhamento instrumental, uma forma expressiva de execução, andamentos mais rápidos, um ritmo claramente pronunciado e batida enérgica, que é alcançada na forma de alternância massiva e batida retumbante em 1 e 3 batidas de um compasso com acento seco e interrompido nas batidas 2 e 4. A performance é caracterizada por tensão emocional implacável, som alto, enfatizando "notas de blues", transições frequentes do vocalista para falsete, intensidade máxima (pressão, "impulso") do acompanhamento sonoro e é baseada na antífona de "riffs" curtos da cantora e acompanhamento.

Até o final dos anos 40. "rnb" em som "ao vivo" e em registros (em uma série das chamadas "gravações raciais") era conhecido principalmente pela população negra em grandes cidades industriais. Os favoritos dessa tendência naquela época eram os saxofonistas Louis Jordan e Earl Bostic, os guitarristas "T-Bone" Walker e Muddy Waters, o pianista Jay McShann e, um pouco mais tarde, Ray Charles, o vocalista Big Joe Turner.

No entanto, no início dos anos 50, o interesse por essa música rítmica apareceu também entre os brancos. Gradualmente, uma demanda crescente por peças de "rnb" por parte da juventude branca surgiu, e vários músicos se voltaram para essa direção, tornando-se propagandistas ativos de "rnb" naqueles anos, o que revolucionou a música popular e levou ao surgimento do "rock and roll". Quando o guitarrista branco Bill Haley e sua banda gravaram o famoso número R&B Rock Around the Clock em 12 de abril de 1954, a data de lançamento dessa gravação foi considerada o aniversário do Rock and Roll, e o tema em si é seu hino.

Naqueles anos, o disc jockey branco Alan Freed (1922-1965) apareceu na rádio de Cleveland, que começou a transmitir regularmente gravações de artistas de "rhythm and blues", e agora podemos dizer que Freed é quase o único responsável por mudar o todo curso de música popular americana. Foi ele quem tirou compositores negros e artistas de rhythm and blues da cortina racial e os apresentou a um grande público de adolescentes brancos. Em um acesso de inspiração, ele chamou essas gravações de "rock and roll" e popularizou o termo entre os jovens de todo o mundo.

Esta versão adaptada de "rnb" reduziu-se a três acordes básicos, alguns "riffs" de guitarra elétrica simples e uma batida pesada e monótona com acentos fortes na 2ª e 4ª batidas do compasso (ou seja, no "fora da batida"). No entanto, a harmonia do "rock and roll" ainda era baseada no esquema do blues de 12 compassos, então seu principal mérito foi ter estabelecido na consciência musical de massa dos americanos brancos, e depois deles europeus, o conceito fundamental do blues. que tem um enorme potencial para o desenvolvimento de ritmo, melodia e harmonia. O blues não apenas reviveu a música popular em geral, mas também mudou sua orientação europeia "branca" e abriu a porta para um amplo fluxo de inovações e empréstimos de culturas musicais de outras partes do mundo, por exemplo, a música latino-americana.

As duras condições econômicas após a Segunda Guerra Mundial e as mudanças nos interesses do público e dos administradores tiveram um impacto radical em muitas big bands da era do swing. A maioria deles se foi para sempre. No entanto, no início dos anos 50, um renascimento do gênero começou. Com dificuldade, mas as orquestras de Benny Goodman, Count Basie foram restauradas, um pouco mais tarde - a orquestra de Duke Ellington. O público novamente queria ouvir os sucessos do pré-guerra. Apesar da significativa renovação das formações e da chegada de jovens músicos, os dirigentes, cedendo à vontade do público, restauraram o antigo repertório. Destes três pilares da era do swing, apenas Duke Ellington está no caminho da mudança. Isso dizia respeito ao uso generalizado da forma de suíte, que começou durante os anos de guerra. Suites em grande escala com conteúdo de programa apareceram em seu repertório. Uma etapa significativa foi a criação dos "Concertos de Música Sacra" (1965-66) para orquestra, coro, solistas e dançarina. As performances enérgicas do vibrafoneista da big band Lionel Hampton continuaram, focadas principalmente na musicalidade e no charme de seu líder.

Gradualmente, algumas das orquestras transformaram-se em formações memoriais de apoio às tradições estabelecidas. Entre eles estão a Glenn Miller Orchestra, que morreu em 1944, a Count Basie Orchestra, que existiu sob o mesmo nome após a morte do líder em 1984, liderada por Mercer Ellington (filho de Duke), e depois por seu neto Paul Mercer Ellington, o Orquestra de Duke Ellington (mente. 1974).

As orquestras progressivas perderam gradualmente seu espírito experimental e adquiriram um repertório relativamente padrão. As orquestras de Woody Herman e Stan Kenton, tendo dado origem aos mais interessantes solistas, passaram a batuta aos seus colegas mais jovens. Entre eles, é necessário destacar as bandas que criaram um novo som baseado em arranjos luminosos, polistilísticos, um novo uso do som de instrumentos de sopro, principalmente trompetes. As bandas de trompetistas Maynard Fergusson e Don Ellis tornaram-se centros de progresso do som orquestrado nos anos 60. Um movimento consistente na direção escolhida ocorreu no laboratório criativo de um dos fundadores do Cool Gil Evans. Suas próprias performances, gravações com Miles Davis na virada dos anos 50 - 60, novos experimentos com música modal e elementos de jazz-rock nos anos 70 foram um importante movimento individual na história do jazz.

Nos anos 70, um poderoso ímpeto ao movimento da banda foi dado por uma orquestra, formada por músicos jovens e muito fortes da cena jazz de Nova York, o trompetista Thad Jones, ex-membro da banda Basie, e o baterista Mel Lewis, que tocou na orquestra Stan Kenton. Durante uma década, esta banda foi considerada a melhor, graças aos magníficos arranjos modernos e ao alto nível dos instrumentistas. A orquestra se desfez devido à mudança de Jones para a Dinamarca, mas Mel Louis tentou apoiá-lo por muito tempo em colaboração com o trombonista e arranjador Bob Brookmeier. Nos anos 80, o primeiro lugar na hierarquia mundial era ocupado por uma banda criada pela pianista e arranjadora japonesa Toshiko Akiyoshi junto com seu marido, o saxofonista Lew Tabakin. Esta orquestra já é invulgar por ter sido criada por uma mulher, executa principalmente as suas obras, mas continua a seguir as tradições orquestrais americanas. Em 1985 a orquestra foi dissolvida e Akiyoshi formou uma nova banda chamada "Toshiko Akiyoshi" s New York Jazz Orchestra ".

Nos anos 90, o gênero das big bands não secou, ​​mas, talvez, se fortaleceu. Ao mesmo tempo, a gama de estilística orquestral se expandiu. A ala conservadora, além das orquestras memoriais, é representada pela Orquestra do Lincoln Center, dirigida por um dos músicos de jazz mais favoritos, o talentoso trompetista e compositor Winton Marsalis. Esta orquestra tenta seguir a linha de Duke Ellington de criar peças de grande formato e caráter programático. Mais diversificado é o trabalho da fortíssima e mais moderna Charles Mingus Big Band. Esta banda atrai músicos criativos. Ideias mais radicais são professadas por vários "workshops" de natureza temporária e por várias bandas que professam idéias mais vanguardistas. Essas orquestras incluem as bandas de Sam Rivers, George Gruntz e vários conglomerados europeus.

4. Hardbop. Funky

Em contraste com o refinamento e a frieza do estilo cool, a racionalidade do progressivo na costa leste dos Estados Unidos, jovens músicos do início dos anos 50 continuaram a desenvolver o estilo bebop aparentemente exausto. O aumento da consciência dos afro-americanos, característico da década de 1950, desempenhou um papel significativo nessa tendência. A atenção foi novamente atraída para manter a fé nas tradições de improvisação afro-americanas. Ao mesmo tempo, todas as conquistas do bebop foram preservadas, mas muitas das conquistas do kul foram adicionadas a eles no campo da harmonia e no campo das estruturas rítmicas. A nova geração de músicos, via de regra, teve uma boa formação musical. Este movimento, denominado "hardbop", revelou-se muito numeroso. Inclui os trompetistas Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, os pianistas Thelonious Monk, Horace Silver, o baterista Art Blakey, os saxofonistas Sonny Rollins (Hank Mobley) Hank Mobley), Cannonball Adderly, o baixista Paul Chambers e muitos outros.

Para o desenvolvimento do novo estilo, mais uma inovação técnica revelou-se imprescindível, consistindo no surgimento dos LPs. Agora você pode gravar longos solos. Para os músicos, isso se tornou uma tentação e uma prova difícil, pois por muito tempo nem todos conseguem se expressar plena e sucintamente. Os primeiros a aproveitar essas vantagens foram os trompetistas, que modificaram o estilo de Dizzy Gillespie para um toque mais calmo, mas profundo. Os mais influentes foram Fats Navarro e Clifford Brown (ambos destinados a seguir um caminho muito curto na vida). A atenção principal desses músicos foi dada não às passagens virtuosas de alta velocidade no registro superior, mas a linhas melódicas lógicas e pensativas.

A complexidade musical que Art Blakey, por exemplo, alcançou, utilizando estruturas rítmicas complexas, não levou à perda do jazz, da espiritualidade emocional. O mesmo se aplica à nova conformação nas improvisações de Horace Silver ou nas figurações polirrítmicas do solo de Sonny Rollins. A música ganhou dureza, acrimônia e uma nova dimensão de swing. Um papel especial no desenvolvimento do hardbop foi desempenhado por Art Blakey, que criou o ensemble "Jazz Messengers" em 1955. Esta composição desempenhou o papel de uma escola em que se revelou e floresceu o talento de numerosos representantes desta tendência. Entre eles estão os pianistas Bobby Timmons e Horace Silver, os saxofonistas Benny Golson, Hank Mobley, os trompetistas Lee Morgan, Kenny Dorham, Winton Marsalis e muitos outros. "Jazz Messengers" de uma forma ou de outra existem até hoje, tendo sobrevivido a seu líder (1993).

O saxofonista tenor Sonny Rollins ocupa um lugar especial na galáxia dos músicos do hard-bop. Seu estilo era composto pelas linhas de Parker e pelo tom amplo de Coleman Hawkins, e a inovação se deve ao seu temperamento e espontaneidade como improvisador. É caracterizado por uma liberdade especial no uso de material harmônico. Em meados da década de 1950, Rollins chama a atenção pelas peculiaridades de seu fraseado, que é uma magnífica figura polirrítmica que dilacera o material harmônico oriundo do tema. Em suas improvisações melódicas há uma dureza de som, sarcasmo musical.

Algumas das músicas que surgiram durante o período "hardbop" absorveram naturalmente o blues, usado em um andamento lento a médio com uma expressão especial, baseada em uma batida pronunciada. Esse estilo é chamado de "funky". A palavra é gíria e significa uma definição amplificadora de um odor ou sabor pungente e pungente. No jazz, é sinônimo de música prática e "real". O surgimento deste ramo não é acidental. Nos anos 50, no jazz, houve um afastamento da velha essência negra do jazz, e o enfraquecimento da linguagem jazzística tornou-se perceptível. Tornou-se cada vez mais difícil determinar que tipo de música deve ser percebida como jazz. Os músicos de jazz experimentaram o folclore de diferentes povos, foram atraídos pelo impressionismo e atonalismo, começaram a se deixar levar pela música antiga. Esses processos não foram convincentes o suficiente para todos. Vários músicos se voltaram para composições fortemente temperadas com o som do blues tradicional e cantos religiosos. Inicialmente, o elemento religioso era mais decorativo do que funcional. Às vezes, os gritos antiquados dos campos de algodão desempenhavam o papel de uma introdução a figuras bastante tradicionais do bebop. Sonny Rollins mostra sinais desse estilo, mas sua expressão mais marcante pode ser encontrada no pianista Horace Silver, que criou o blues funky. A sinceridade de sua música foi reforçada por motivos religiosos que norteiam o músico.

Do estilo funk, cresceu a figura de Charles Mingus - contrabaixista, compositor e líder de banda, um músico que não se enquadra no quadro de um determinado estilo. Mingus se propôs a evocar sensações emocionais muito específicas no ouvinte. Ao mesmo tempo, a carga se distribuía entre a própria composição e os músicos, que deveriam improvisar, vivenciando justamente essas emoções. Mingusa pode muito bem ser contado entre os poucos compositores de jazz. Ele próprio se considerava um seguidor de Duke Ellington e se voltou para a mesma área da cultura afro-americana, religiosidade, misticismo - uma área que requer o uso de técnicas de estilo funky..

5. Free jazz

No início dos anos 60, a próxima etapa no desenvolvimento dos estilos de jazz se deu, em grande parte, pelo fortalecimento da identidade racial dos músicos negros. Entre os jovens da época, esse processo se expressou de formas muito radicais, inclusive no jazz, que sempre foi uma válvula de escape na cultura dos afro-americanos. Na música, isso novamente se manifestou no desejo de abandonar o componente europeu, de retornar às origens do jazz. No novo jazz, os músicos negros se voltaram para religiões não cristãs, principalmente o budismo e o hinduísmo. Por outro lado, esta época é caracterizada pelo surgimento de ondas de protesto, instabilidade social, independente da cor da pele (movimento hippie, anarquismo, fascínio pelo misticismo oriental). O “free jazz” que surgiu naquela época deu uma guinada brusca em todo o caminho principal de desenvolvimento do jazz, desde o mainstream. A combinação da plenitude das experiências espirituais e estéticas com uma abordagem fundamentalmente nova para a organização do material musical isolou completamente o novo jazz da esfera da arte popular. Esta foi uma aceleração dramática no processo que os Boppers começaram.

Dixieland e estilistas de swing criaram improvisações melódicas, com músicos de bebop, cool e hardbop seguindo as estruturas de acordes em seus solos. O free jazz foi um afastamento radical dos estilos anteriores, pois neste estilo o solista não é obrigado a seguir uma determinada direção ou construir uma forma de acordo com os cânones conhecidos, ele pode ir em qualquer direção imprevisível. Inicialmente, a principal aspiração dos líderes do free jazz era uma orientação destrutiva em relação a ritmo, estrutura, harmonia, melodia. O principal para eles era a máxima expressividade, nudez espiritual, êxtase. As primeiras experiências dos novos músicos de jazz Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler não romperam a conexão com as normas mainstream. As primeiras gravações de free jazz ainda apelam para as leis harmônicas. No entanto, esse processo chega gradativamente ao ponto extremo de ruptura com a tradição. Quando Ornette Coleman apresentou totalmente o free jazz ao público de Nova York (apesar do fato de Cecil Taylor ser conhecido antes e muito bem), muitos dos músicos de bebop e conhecedores de jazz chegaram à conclusão de que essa música não pode ser considerada não apenas jazz, mas também , na verdade, música. Assim, os ex-radicais tornaram-se conservadores em menos de 15 anos.

Um dos primeiros destruidores de canhões foi Cecil Taylor, que na época de sua idade adulta era um músico altamente treinado. Formou-se no conservatório, conhecia bem o jazz e pensou em aplicar os princípios da música do compositor ao processo de improvisação. Em 1956 ele, junto com o saxofonista Steve Lacy (Steve Lacy), conseguiu lançar um disco contendo algumas idéias do novo jazz. O falecido pianista e compositor Herbie Nichols seguiu o mesmo caminho, principalmente de Thelonious Monk. Apesar da dificuldade de perceber uma música que não contenha marcos comuns, Cecil Taylor tornou-se uma figura famosa já em 1958, o que foi facilitado por suas apresentações no clube "Five Spot".

Ao contrário de Taylor, o outro fundador do free jazz, Ornette Coleman, já tinha vasta experiência em apresentações e nunca tocou "direito". Talvez Coleman, sem saber, tenha se formado como um mestre do primitivismo. Isto, por sua vez, deu-lhe a base para uma fácil transição para a música não normativa, que realizou em conjunto com o trompetista Don Cherry. Os músicos tiveram sorte, se interessaram pelo contrabaixista Red Mitchell e o pianista John Lewis, que tinham peso no meio musical. Em 1959 os músicos lançaram o disco "Something Else !!" e consegui um contrato com "Five Spot". Um marco para o novo jazz foi o álbum de banda dupla "Free Jazz" de Ornette Coleman, em 1960.

Freqüentemente, o free jazz se sobrepõe a outros movimentos de vanguarda, que, por exemplo, podem usar sua forma e sequência de estruturas rítmicas. Desde o seu início, o free jazz permaneceu nas mãos de um pequeno número de pessoas e é geralmente encontrado no underground, ainda influenciando fortemente o mainstream moderno. Apesar da negação total, uma certa normatividade se desenvolveu no free jazz, o que torna possível distingui-lo de outras tendências do new jazz. Essas convenções se relacionam com o plano geral da peça, a interação dos músicos, o suporte rítmico e, claro, o plano emocional. Deve-se notar que a velha forma de improvisação coletiva reapareceu no free jazz. Para o free jazz, tornou-se característico trabalhar com uma "forma aberta" não vinculada a estruturas específicas. Essa abordagem começou a se manifestar entre músicos que não são puramente free jazz - como são, por exemplo, as improvisações espontâneas de Keith Jarrett em seus recitais.

A recusa do "novo jazz" às normas musicais europeias suscitou um enorme interesse por culturas não europeias, principalmente no Oriente. John Coltrane era muito sério sobre a música indiana, Don Cherry - indonésio e chinês, Farrow Sanders - árabe. Além disso, esta orientação não é superficial, decorativa, mas sim profunda, com um desejo de compreender e absorver todo o caráter não só da música correspondente, mas também seu ambiente estético e espiritual.

Os idiomas do free jazz muitas vezes se tornaram parte integrante da música poliestilista. Uma das manifestações mais marcantes dessa abordagem é a criatividade do grupo de músicos negros de Chicago, que começou a se apresentar na década de 60 sob os auspícios da Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM). Mais tarde, esses músicos (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) criaram o "Chicago Art Ensemble", de feitiços rituais africanos e música gospel ao free jazz. Outro lado do mesmo processo fica evidente na obra do clarinetista e saxofonista Anthony Braxton, intimamente associado ao Chicago Artistic Ensemble. Sua música é livre e intelectual. Às vezes, Braxton usa princípios matemáticos para suas composições, por exemplo, teoria de grupo, mas isso não diminui o impacto emocional de sua música. O debate sobre a possibilidade desse tipo de música continua até hoje. Assim, a autoridade oficial do establishment do jazz americano, Winton Marsalis, desdenhosamente chama Braxton de "bom jogador de xadrez", ao mesmo tempo que nas pesquisas da American Association of Jazz Journalists Marsalis assume a próxima linha depois de Braxton na categoria de compositores de jazz.

Deve-se notar que, no início dos anos 70, o interesse pelo free jazz começou a capturar os músicos europeus de mentalidade criativa, que muitas vezes combinam seus princípios de "liberdade" com os desenvolvimentos da prática musical europeia do século 20 - atonalidade, serial técnica, aleatória, sonorística, etc. Por outro lado, alguns líderes do free jazz estão se afastando do radicalismo extremo e, nos anos 80, estão caminhando para algum tipo de compromisso, embora original, de versões musicais. Entre eles estão Ornette Coleman com o projeto "Prime Time", Archie Shepp e outros.

6. Desenvolvimento da fusão: jazz-rock. Fusão. ECM. Jazz mundial

A definição original de "jazz rock" era a mais clara: combinar a improvisação do jazz com a energia e os ritmos da música rock. Até 1967, os mundos do jazz e do rock existiam quase separadamente. Mas nessa época o rock se torna mais criativo e complicado, o rock psicodélico, a música soul aparece. Ao mesmo tempo, alguns músicos de jazz começaram a ficar entediados com o hardbop puro, mas não queriam tocar música de vanguarda difícil de entender. Como resultado, dois idiomas diferentes começaram a trocar ideias e unir forças. A partir de 1967, o guitarrista Larry Coryell, o vibrafone Gary Burton, o baterista Billy Cobham em 1969 com a banda "Dreams", na qual os irmãos Brecker tocavam, começaram a dominar uma nova vastidão de estilo. No final dos anos 1960, Miles Davis tinha potencial para fazer a transição para o jazz rock. Foi um dos fundadores do jazz modal, com base no qual Miles dá um novo passo, usando ritmo 8/8 e instrumentos eletrônicos, gravando os discos "Bitches Brew", "In a Silent Way". Junto com ele nesta época há uma galáxia brilhante de músicos, muitos dos quais mais tarde se tornaram as figuras fundamentais dessa direção - John McLaughlin, Joe Zawinul, Herbie Hancock. Ascetismo, laconicismo, contemplação filosófica, características de Davis, mostraram-se muito úteis no novo estilo. No início dos anos 1970, o jazz rock tinha uma personalidade distinta como um estilo de jazz criativo, embora fosse ridicularizado por muitos puristas do jazz. As principais bandas da nova direção foram "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", vários conjuntos de Miles Davis. Eles tocaram jazz rock de alta qualidade que combinava uma grande variedade de técnicas de jazz e rock.

Fusão

As composições de jazz-rock mais interessantes são caracterizadas pela improvisação, combinada com soluções composicionais, o uso de princípios harmônicos e rítmicos da música rock, a incorporação ativa da melodia e ritmo do Oriente, a introdução poderosa de meios eletrônicos de processamento e sintetização som em música. Nesse estilo, a gama de aplicação dos princípios modais se expandiu, o próprio conjunto de vários modos, inclusive exóticos. Nos anos 70, o jazz-rock se tornou incrivelmente popular, os músicos mais ativos estavam se juntando a ele. O jazz-rock, mais desenvolvido em relação à síntese de vários meios musicais, foi denominado "fusion" (fusion, fusion). Um ímpeto adicional para a "fusão" foi a próxima (não a primeira na história do jazz) inclinação para a música acadêmica europeia. Na verdade, nesta fase, a fusão continua a linha da "terceira tendência" dos anos 50.

A combinação de várias influências culturais afeta até mesmo os conjuntos mais interessantes. Um exemplo notável é "Weather Report", dirigido pelo tecladista austríaco inicialmente americanizado Joseph Zawinul e pelo saxofonista americano Wayne Shorter, cada um dos quais frequentou a escola Miles Davis em momentos diferentes. O conjunto reúne músicos do Brasil, Tchecoslováquia, Peru. Mais tarde, instrumentistas e vocalistas de quase todo o mundo começaram a colaborar com Zawinul. No sucessor do "Weather Report", o projeto "Syndicat", a geografia dos músicos se estende de Tuva à América do Sul.

Infelizmente, com o tempo, o jazz-rock adquire em grande parte as características da música comercial; por outro lado, o próprio rock abandona muitas das descobertas criativas feitas em meados da década de 1970. Em muitos casos, a fusão na verdade se torna uma combinação de jazz com pop regular e ritmos leves e blues; crossover. A ambição da música de fusão para profundidade musical e empoderamento permaneceu insatisfeita, embora em raras ocasiões a busca continue, por exemplo em bandas como Tribal Tech e Chick Corea ensembles.

Jazz elétrico

O uso de conversores e sintetizadores eletrônicos de som tem se mostrado extremamente atraente para músicos que estão principalmente na fronteira com o rock ou música comercial. Na verdade, existem relativamente poucos exemplos frutíferos entre a massa geral da música elétrica. Assim, por exemplo, Joe Zawinul no projeto "Weather Report" conseguiu uma fusão muito eficaz de elementos étnicos e tonais. Herbie Hancock há muito se tornou um ídolo não tanto do público quanto dos músicos, usando sintetizadores, inúmeros teclados e vários truques eletrônicos nos anos 70 e 80. Nos anos 90, esta área da música está cada vez mais se movendo para a esfera não-jazz. Isso é facilitado pelas possibilidades ampliadas de criação musical de computador, que, com certas vantagens e capacidades, perde a conexão com a principal qualidade do jazz - a improvisação.

Um nicho separado na comunidade de estilos de jazz desde o início dos anos 70 foi ocupado pela companhia alemã ECM (Edition of Contemporary Music), que gradualmente se tornou um centro de união de músicos que professavam não tanto apego à origem afro-americana do jazz como a capacidade de resolver uma grande variedade de tarefas artísticas, não se limitando a um determinado estilo, mas em consonância com o processo de improvisação criativa. Com o tempo, no entanto, uma certa face da empresa foi se desenvolvendo, o que levou à separação dos artistas dessa marca em uma direção estilística em grande escala e pronunciada. A orientação do criador do selo, Manfred Eicher, para unir uma variedade de expressões do jazz, folclore mundial e nova música acadêmica em um único som impressionista, tornou possível com a ajuda desses meios reivindicar profundidade e compreensão filosófica dos valores da vida.

O principal estúdio de gravação da empresa com sede em Oslo está claramente relacionado com um papel de liderança no catálogo de músicos escandinavos. Em primeiro lugar, são os noruegueses Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. No entanto, a geografia do ECM abrange o mundo inteiro. Aqui estão os europeus John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin e representantes de culturas não europeias Egberto Gismonti (Egberto Gismon), Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Ancara Brahem e muitos outros. Igualmente representativa é a Legião Americana - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie (John Abercrombie, Leo Smith. O impulso revolucionário inicial das publicações da empresa transformou-se ao longo do tempo em um som indiferente à meditação de formas abertas com camadas de som cuidadosamente polidas. Naturalmente, Eicher cruzou aquela linha invisível que separava inúmeras tentativas de combinar jazz e música acadêmica europeia. Esta não é mais uma terceira tendência, mas simplesmente uma tendência que flui suavemente para a "Nova Série" do ECM com música acadêmica muito semelhante em espírito aos lançamentos de jazz. A orientação da política da gravadora para o exterior da cultura de massa, no entanto, levou a um aumento da popularidade desse tipo de música, o que pode ser considerado uma espécie de paradoxo. Alguns adeptos do mainstream negam o caminho escolhido pelos músicos dessa direção; entretanto, o jazz, como cultura mundial, está se desenvolvendo apesar dessas objeções e produzindo resultados muito impressionantes.

Jazz mundial

"Jazz Mundial" (World Jazz) - termo que soa estranho em russo, refere-se à fusão da música do Terceiro Mundo, ou "world music" (World Music), com o jazz. Essa direção muito ramificada pode ser dividida em vários tipos.

Música étnica que incluía improvisações de jazz, como jazz latino. Nesse caso, às vezes, apenas o solo é improvisado. O acompanhamento e a composição são essencialmente os mesmos da própria música étnica;

Jazz, que incluía aspectos limitados da música não ocidental. Os exemplos incluem as gravações antigas de Dizzy Gillespie de A Night in Tunisia, música em alguns quartetos e quintetos de Keith Jarrett lançados na década de 1970 no Impulse! Usando instrumentos do Oriente Médio ligeiramente modificados e técnicas harmônicas semelhantes. Estes incluem algumas das músicas de Sun Ra dos anos 50 aos 90, que incluem ritmos africanos, algumas das gravações de Yusef Lateef usando instrumentos e técnicas islâmicas tradicionais;

Novos estilos musicais emergindo através de formas orgânicas de combinar a improvisação de jazz com as idéias e instrumentos originais, harmonias, técnica de composição e ritmos da tradição étnica existente. O resultado acaba sendo original e reflete claramente os aspectos essenciais da etnia. Os exemplos dessa abordagem são numerosos e incluem os conjuntos Don Cherry, Codona e Nu; algumas das músicas de John McLaughlin dos anos 70 aos 90, baseadas nas tradições da Índia; algumas das músicas de Don Ellis dos anos 70, pegando emprestado ideias da música da Índia e da Bulgária; a obra de Andy Narell nos anos 90, que mesclou a música e os instrumentos de Trinidad com a improvisação do jazz e do funky.

Esta não é a primeira vez que "World Fusion Jazz" segue este caminho na história do jazz, e esta tendência em si não se aplica exclusivamente ao jazz americano. Por exemplo, a música polinésia foi misturada com estilos pop ocidentais no início do século XX, e seu som era evidente em alguns dos primeiros músicos de jazz. As batidas de dança caribenha se tornaram uma parte significativa da cultura pop americana ao longo do século XX e, como os músicos de jazz frequentemente improvisavam sobre temas pop, eles se misturavam quase continuamente. Django Reinhardt combinou as tradições da música cigana, do impressionismo francês com a improvisação de jazz nos anos 30 na França. A lista de músicos ativos na região de fronteira pode incluir centenas ou milhares de nomes. Entre eles, por exemplo, pessoas tão diferentes como Al DiMeola, Dead Can Dance, Joe Zawinul, Shakti, Lakshminarayana Shankar, Paul Winter, Trilok Gurtu e muitos outros.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

O funk moderno refere-se aos estilos populares de jazz dos anos 70 e 80, nos quais os acompanhantes tocam no estilo de black pop soul e funk, enquanto extensas improvisações de solo são mais criativas e de natureza jazzística. Em vez de usar o conjunto diversificado de expressões idiomáticas do jazz do arsenal de saxofonistas do jazz moderno (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), a maioria dos saxofonistas desse estilo usa seu próprio conjunto de frases simples, que consistem em gritos de blues e geme. Eles se baseiam na tradição emprestada dos solos de saxofone em gravações vocais de ritmo e blues como King Curtis em Coasters, Junior Walker com grupos vocais da Motown, David Sanborn Sanborn com Paul Butterfield's Blues Band. Uma figura proeminente no gênero é Grover Washington, Jr, que costumava tocar solos no estilo de Hank Crawford com acompanhamento funk. É assim que ele aparece em suas gravações mais famosas, embora Washington seja capaz de tocar música em outros estilos de jazz. Os Jazz Crusaders, Felder Wilton e Joe Sample, alcançaram grande popularidade, mudando significativamente seu repertório durante os anos 70 e removendo a palavra "jazz" do nome da banda. Grande parte da música de Michael Brecker, Tom Scott e seus alunos segue essa abordagem, embora eles também possam tocar nos estilos de John Coltrane ou Joe Henderson. "Najee", Richard Elliott e seus contemporâneos também trabalham no estilo "funk moderno". Entre 1971 e 1992, Miles Davis liderou conjuntos interpretando uma complexa variedade deste estilo, embora os saxofonistas de seu grupo fossem influenciados por John Coltrane, e seus guitarristas exibissem uma mentalidade jazzística moderna juntamente com a influência de Jimy Hendrix. Muito do funk moderno também pode ser classificado como "crossover".

Jazz ácido

Muitos consideram as últimas composições de Miles Davis o ancestral dessa tendência. O termo "acid jazz" colou-se a um dos tipos de jazz light, principalmente do gênero dance, unidos pelo fato de ser parcialmente tocada por músicos "ao vivo", e o restante ser tomado em forma de sampleamento ou na forma de sons, para os quais são obtidos por meio de discos, na maioria das vezes antigos, de vinil quarenta e cinco, produzidos para discotecas. O resultado musical pode ser de qualquer estilo, porém, com um som alterado. Mais preferível para esses propósitos é o radical "punk jazz", "soul", "fusion". O acid jazz também tem uma ala de vanguarda mais radical, como o trabalho do guitarrista britânico Derek Bailey. Ele difere da versão disco do acid jazz na contribuição significativa do modo de tocar "ao vivo" dos músicos. Aparentemente, essa direção tem um futuro que lhe permite se desenvolver.

Crossover

Com o declínio gradual da atividade da música rock (do ponto de vista artístico), a partir do início dos anos 70, com a diminuição do fluxo de ideias do mundo do rock, a música de fusão (a combinação da improvisação do jazz com os ritmos do rock) tornou-se mais simples. Ao mesmo tempo, muitos começaram a perceber que o jazz elétrico poderia se tornar mais comercial, produtores e alguns músicos começaram a buscar essas combinações de estilos para aumentar a comercialização. Eles realmente criaram com sucesso um tipo de jazz que é mais acessível ao ouvinte comum. Nas últimas duas décadas, surgiram muitas combinações diferentes, para as quais promotores e publicitários gostam de usar a expressão "Jazz Contemporâneo", usada para descrever a "fusão" do jazz com elementos do pop, rhythm and blues e world music. No entanto, a palavra "crossover" denota com mais precisão a essência do assunto. Crossover e fusion alcançaram seu objetivo e aumentaram o público para o jazz, principalmente graças àqueles que estavam fartos de outros estilos. Em alguns casos, essa música merece atenção, embora na maioria dos casos, o conteúdo de jazz nela seja reduzido a zero. Para um estilo que é, na verdade, pop com um pequeno toque de improvisação que transcende o jazz, o termo "pop instrumental" é o mais adequado. Exemplos de estilos de crossover variam dos vocais de Al Jarreau e George Benson a Kenny G, Spyro Gyra e os Rippingtons. Há uma influência do jazz em tudo isso, mas, no entanto, essa música se encaixa no reino da pop art, que é representada por Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders", George Duke, o saxofonista Bill Evans , Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Manjone Mangione, Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Suave

"Smooth jazz" é um produto de estilo de fusão que enfatiza o lado suavizado e suavizado da música. Em geral, o "jazz suave" se baseia mais em ritmos e linhas melódicas do que improvisação. Ele usa camadas de som de sintetizadores, ritmos funk, baixo funk, linhas elásticas de guitarra e trompete, saxofone alto ou soprano. A música não é tão inteligente quanto o hardbop, mas não é tão enérgica quanto o funky ou o soul jazz. As composições de "smooth jazz" parecem simplistas, superficiais e polidas, com o som geral sendo mais importante do que as partes individuais. Representantes típicos do estilo "suave" são George Benson, Kenny G., Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

O movimento jazzístico na música, que foi fundado nos EUA no estado de New Orleans, gradualmente se espalhou pelo mundo. Esta música gozou de maior popularidade na década de 30, foi nesta altura que caiu o apogeu deste género, que combinava a cultura europeia com a africana. Agora você pode ouvir muitos subgêneros de jazz, como: bebop, jazz de vanguarda, soul jazz, cool, swing, free jazz, jazz clássico e muitos outros.

O jazz combinou várias culturas musicais e, claro, veio até nós de terras africanas, isso pode ser entendido pela complexidade do ritmo e estilo de execução, mas esse estilo lembrava mais o ragtime, por isso, combinando ragtime e blues, os músicos tem um novo som, que eles chamam - jazz. Graças à fusão do ritmo africano e da melodia europeia, podemos agora desfrutar do jazz, e a performance virtuosa e a improvisação tornam este estilo único e imortal, à medida que novos padrões rítmicos são constantemente introduzidos, um novo estilo de performance é inventado.

O jazz sempre foi popular entre todos os segmentos da população, nacionalidades, e ainda é do interesse de músicos e ouvintes de todo o mundo. Mas o Art Ensemble de Chicago foi um pioneiro na fusão do blues com o ritmo africano, foram esses caras que agregaram formas de jazz aos motivos africanos, o que causou extraordinário sucesso e interesse entre os ouvintes.

Na URSS, o Jazz Tour começa a surgir na década de 1920 (como nos Estados Unidos) e o primeiro criador da orquestra de jazz em Moscou é o poeta e figura teatral Valentin Parnakh, o concerto deste grupo aconteceu no dia 1º de outubro, 1922, que é considerado o aniversário do jazz na URSS. É claro que a atitude do governo soviético em relação ao jazz era dupla, por um lado, eles não pareciam proibir esse gênero musical, mas, por outro lado, o jazz foi submetido a duras críticas, afinal, nós adotamos este estilo do Ocidente, e tudo novo e estranho em todos os tempos, foi severamente criticado pelas autoridades. Hoje, Moscou acolhe anualmente festivais de música jazz, existem casas noturnas onde bandas de jazz mundialmente conhecidas, intérpretes de blues, cantores de soul são convidados, ou seja, para os admiradores desta direção da música sempre haverá tempo e lugar para curtir o animado e jazz de som único.

Claro, o mundo moderno está mudando, a música também está mudando, gostos, estilos e técnicas de performance mudam. Porém, podemos dizer com segurança que o jazz é um clássico do gênero, sim, a influência dos sons modernos também não poupou o jazz, mas muito menos você nunca vai confundir essas notas com outras, porque isso é jazz, um ritmo que não tem análogos, ritmo que tem tradições próprias e virou world music (World Music).