compositores italianos do século 20. Apresentação "Grandes compositores italianos
A história da música italiana não é concebível fora da história da arte operística. É justamente por essa circunstância que contaremos sobre a ópera em um dos seguintes materiais do projeto Viva Italia!. E agora vamos folhear algumas páginas da história geral da música italiana.
Após a conquista da Grécia Antiga pelos conquistadores romanos no século II aC. e. quase todos os instrumentos musicais gregos foram “salvos vivos” e continuaram a soar, embora em uma nova cultura. E embora os antigos músicos romanos usassem instrumentos de todo o vasto império naquela época, a lira e a cítara permaneceram os mais comuns por muito tempo.
O primeiro é familiar para muitos. Este é um tipo especial de harpa, embora muito menor em tamanho. De formato diferente, a lira era feita de madeira e tinha dez cordas. Kifara também é uma espécie de lira, só que mais profunda e ampla, graças à qual é mais harmoniosa. Nas mãos de profissionais, muitas vezes se encontrava um aulos - uma flauta dupla com furos.
Naqueles tempos distantes de nós, a música era impensável fora das festas da cidade e do teatro. Músicos e corais percorreram toda a cidade onde o feriado foi realizado com “tours” para que todos pudessem desfrutar de seus talentos. As atividades dos primeiros ... showmen estão ligadas aos mesmos tempos. Embora naquela época eles fossem chamados de "virtuosos". Eles mostraram ao público performances excêntricas, sensacionais, cheias de humor e atmosfera pomposa e grotesca. Terpnos (o grande citarista e professor de Nero), Mesomedes de Creta, Polon banhado nos raios da glória.
À medida que mais e mais novas terras e estados eram anexados ao Império Romano, a música absorvia, transformava inovações e oferecia novas formas de existência. Graças a essa mistura original de culturas, surgiram gêneros antigos como citarodia (tocar cítara e parte vocal) e citaristica (tocar cítara solo).
Desde o advento e disseminação do cristianismo, a música italiana se desenvolveu em duas direções: secular e eclesiástica. O canto gregoriano canônico (canto gregoriano, em homenagem ao Papa Gregório I, o Grande) foi finalmente formado no século VII.
Com o tempo, a geografia musical também mudou. No século 11, a Toscana recebeu o status de centro musical. Foi aqui, em Florença, que Guido d'Arezzo (c. 992-c. 1050). As laudes são muito populares - cantos laudatórios monofônicos e polifônicos. O Renascimento cantou, sobretudo, a cultura musical secular. academias de música e conservatórios apareceram Um fato interessante: esse era originalmente o nome dos orfanatos da cidade, onde, junto com outras ciências, as crianças aprendiam alfabetização musical.O primeiro "conservatório" apareceu em Nápoles em 1537.
No século 16, o madrigal tornou-se o gênero mais popular. Era originalmente uma música de uma voz em italiano. Com o tempo, a forma se tornou mais complexa e se transformou em um poema vocal polifônico. O tema permaneceu inalterado - amor-lírico. O mestre reconhecido era Carlo Gesualdo di Venosa, o príncipe da pequena cidade de Venosa, perto de Nápoles.
As escolas musicais mais influentes desta época são a romana e a veneziana.
Em Roma, o compositor Palestrina liderou a Congregação dos Músicos de Santa Cecília, que mais tarde se tornou a Academia. Por mais de quatro séculos, foi aqui que realmente se localizou o centro da vida musical profissional da Itália. Ao longo dos anos, Monteverdi, Scarlatti, Poganini, Verdi, Puccini e muitos outros tornaram-se membros da Academia. Hoje, a Academia Nacional de Santa Cecília também inclui um conservatório e uma orquestra sinfônica, além de possuir um verdadeiro tesouro - um dos maiores repositórios de música do mundo, um museu de instrumentos musicais etc. história da música, anote o endereço em Roma: Piazza S .Croce in Gerusalemme, 9.
E quanto a Veneza? Os gênios musicais desta região deram ao mundo um estilo único de polifonia vocal e instrumental, que se desenvolveu tanto na tradição eclesiástica quanto na secular. E o nome do compositor Giovanni Gabrieli está associado ao nascimento da própria música orquestral e de conjunto de câmara. Os instrumentos de sopro dão lugar aos primeiros papéis das partes do violino.
A propósito, a história da música italiana é inconcebível sem o trabalho dos fabricantes de violinos. As características de seu ofício são envoltas em mistério e passadas de pai para filho, de professor para aluno. E muitos deles ainda não foram resolvidos. Andrea Amati criou um violino de tipo clássico, Paganini, Kreisler, Uto Ugi tocou nos instrumentos dos mestres Guarneri... Mas talvez o mestre mais famoso dos instrumentos de arco tenha sido Antonio Stradivari (1644-1737). É em seus instrumentos que os músicos mais eminentes do mundo tocam hoje.
Em 1580, poetas, músicos, estudiosos humanistas e apenas amantes da música se uniram em Florença. A nova comunidade foi chamada de Camerata Florentina. É com ela que se conecta o surgimento de um novo gênero – a ópera. Mas sobre ele, como mencionado acima - em um dos seguintes artigos do projeto.
Na música da igreja, surgiram obras escritas sobre assuntos religiosos, mas não necessariamente destinadas a serem executadas no templo.
Muitas figuras dos séculos XVI-XVII contribuíram para o desenvolvimento da música italiana, algo que ainda hoje é relevante. Assim, por exemplo, Giacomo Carissimi criou um tipo clássico de cantata secular e espiritual. E o organista Frescobaldi desempenhou um dos papéis fundamentais na formação de uma forma de trabalho musical como a fuga. Finalmente, Bartolomeo Cristofori inventou o cravo martelado, agora conhecido como pianoforte, no início do século XVIII.
A música continuou a florescer. Um concerto instrumental aparece como um gênero independente. O cravo, o órgão, o violino e um pouco mais tarde o piano tornaram-se instrumentos solo. Toda a música escrita mostrava o talento não só do compositor, mas também do intérprete, de quem se exigia um virtuosismo excepcional.
Arcangelo Corelli é o fundador da escola romana de violino, Alessandro Scarlatti é o fundador da escola de ópera napolitana, Antonio Vivaldi é o criador do gênero de concerto instrumental solo. Verdadeiramente, os séculos 17-18 é um período magnífico na história da música instrumental na Itália. Pessoas de todo o mundo vieram aqui para receber educação musical profissional. E compositores, intérpretes e teóricos italianos encontraram um segundo lar no Reino Unido, França, Rússia e outros países.
No século XIX, a música italiana não é apenas o surgimento de novas formas e obras, mas também a interpretação do patrimônio existente. Ferruccio Busoni, um notável pianista, compositor, professor e musicólogo, deixou para seus descendentes não apenas suas próprias composições, mas também as mais sutis interpretações de Bach, Beethoven, Liszt. A Itália deu ao mundo uma galáxia inteira de maestros excepcionais: Arturo Toscanini, Gina Marinuzzi, Willy Ferrero.
Alta música italiana do século 20 é inúmeras competições, grupos musicais e personalidades notáveis, novas tendências e tendências. Um dos principais compositores italianos do século passado é Goffredo Petrassi, autor de óperas, balés, música instrumental sinfônica e de câmara, romances e música para cinema. By the way, tornou-se a mesma parte integrante da cultura musical da Itália como, por exemplo, ópera. Nino Rota, Ennio Morricone, Giorgio Moroder - eles criaram a música que se tornou a marca registrada dos filmes de Fellini, Visconti, Coppola
O palco italiano em meados do século 20 conquistou o coração de milhões, distinguindo-se por sua melodia especial e suave cor nacional. Modugno, Celentano, Cutugno, Mina, Robertino Loretto - esses muitos outros artistas são bem conhecidos tanto pela geração mais velha quanto pelos jovens amantes da cultura italiana.
A mais alta cultura musical da Itália está em demanda no século 21 - são maestros excepcionais, a alta reputação de instituições musicais de ensino superior, festivais e competições de música de prestígio.
Séculos se passaram. E a cultura italiana ainda está cheia de música, como os festivais outrora numerosos nas ruas das cidades antigas. A música é leve e espiritual, profissional e amadora, inovadora e conservadora - na Itália continua soando em todos os lugares.
O conceito de "compositor" apareceu pela primeira vez no século 16 na Itália, e desde então tem sido usado para se referir a uma pessoa que compõe música.
compositores do século 19
No século 19, a Escola de Música de Viena foi representada por um compositor tão notável como Franz Peter Schubert. Ele continuou a tradição do romantismo e influenciou toda uma geração de compositores. Schubert criou mais de 600 romances alemães, levando o gênero a um novo nível.
Franz Peter Schubert
Outro austríaco, Johann Strauss, ficou famoso por suas operetas e formas musicais leves de caráter dançante. Foi ele quem fez da valsa a dança mais popular de Viena, onde ainda há bailes. Além disso, seu legado inclui polcas, quadrilhas, balés e operetas.
Johann Strauss
Um representante proeminente do modernismo na música do final do século 19 foi o alemão Richard Wagner. Suas óperas não perderam sua relevância e popularidade até hoje.
Giuseppe Verdi
Wagner pode ser contrastado com a figura majestosa do compositor italiano Giuseppe Verdi, que permaneceu fiel às tradições operísticas e deu um novo fôlego à ópera italiana.
Peter Ilitch Tchaikovsky
Entre os compositores russos do século XIX, destaca-se o nome de Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Ele é caracterizado por um estilo único que combina as tradições sinfônicas europeias com a herança russa de Glinka.
Compositores do século 20
Sergei Vasilyevich Rahmaninov
Um dos compositores mais brilhantes do final do século 19 - início do século 20 é legitimamente considerado Sergei Vasilyevich Rachmaninov. Seu estilo musical foi baseado nas tradições do romantismo e existiu em paralelo com os movimentos de vanguarda. Foi por sua individualidade e ausência de análogos que seu trabalho foi muito apreciado pela crítica de todo o mundo.
Igor Fiodorovich Stravinsky
O segundo compositor mais famoso do século 20 é Igor Fedorovich Stravinsky. Russo de origem, emigrou para a França e depois para os EUA, onde mostrou seu talento ao máximo. Stravinsky é um inovador, não tem medo de experimentar ritmos e estilos. Em seu trabalho, pode-se rastrear a influência das tradições russas, elementos de vários movimentos de vanguarda e um estilo individual único, pelo qual ele é chamado de "Picasso na Música".
Apresentação "Grandes compositores italianos"
slide 1:
A música sempre desempenhou um papel importante na cultura italiana. Instrumentos associados à música clássica, incluindo piano e violino, foram inventados na Itália.
Na música italiana dos séculos XVI e XVII, as raízes de muitas das formas clássicas predominantes de música, como a sinfonia, o concerto e as sonatas, podem ser traçadas.
Slide 2: Objetivos da apresentação:
Conhecer a obra de compositores italianos dos séculos VII-XX.
Antonio Salieri;
Nicolau Paganini;
Gioacchino Rossini;
Giuseppe Verdi;
Antonio Vivaldi.
Desenvolver uma percepção figurativa da música.
Construir gosto musical.
Compositores italianos dos séculos VII a XX. Breves informações biográficas:
Antonio Salieri;
Nicolau Paganini;
Gioacchino Rossini;
Giuseppe Verdi;
Antonio Vivaldi.
Concerto instrumental de A. Vivaldi "As Estações":
Inverno;
Primavera;
Verão;
Outono.
A era barroca é representada na Itália pelos compositores Scarlatti, Corelli e Vivaldi, a era do classicismo pelos compositores Paganini e Rossini, e a era do romantismo pelos compositores Verdi e Puccini.
A tradição musical clássica continua, como evidenciado pela fama de inúmeras casas de ópera como La Scala em Milão e San Carlo em Nápoles, e intérpretes como o pianista Maurizio Pollini e o falecido tenor Luciano Pavarotti.
Ouça esta peça.
Diapositivo 5:
A execução de Paganini revelou possibilidades tão amplas para o violino que os contemporâneos suspeitaram que ele possuía algum segredo escondido dos outros; alguns até acreditavam que o violinista vendeu sua alma ao diabo. Toda a arte do violino das épocas subsequentes desenvolveu-se sob a influência do estilo de Paganini. Aqui está uma das obras mais famosas Caprice No. 24.
Diapositivo 6:
Colher gelo rachado
Cobertura da lagoa de inverno.
O sol cegou o rio
Sem estradas - um fluxo
Freio quente do vento.
Trouxeram torres ontem.
Tudo gorjeia e brilha com a carícia dos primeiros dias de primavera,
E com pressa para lavar. Um velho pardal em uma poça.
Diapositivo 13:
Assim os dias de primavera passaram rapidamente,
E o verão quente chegou.
E o sol é quente e radiante.
Trouxe consigo.
Diapositivo 14:
Olha, é outono.
Dia de outono, dia triste,
Folha de álamo, adeus,
A folha está girando, a folha está girando
A folha adormece no chão.
O desenvolvimento da música italiana no século XIX foi marcado pela ópera. Este século terminou com as obras-primas tardias de Verdi, o sucesso impressionante dos veristas Mascagni e Leoncavallo. Puccini traçou uma linha nessa época brilhante, que atuou como o verdadeiro herdeiro de Verdi e, ao mesmo tempo, abriu novas possibilidades no campo da dramaturgia musical e da melodia vocal. As descobertas de Puccini logo foram adotadas por compositores de várias escolas nacionais. No entanto, a maior parte das partituras de ópera italianas do início do século 20 (E. Wolf-Ferrari, F. Cilea, U. Giordano, F. Alfano) mostrou um número infinito de variações nas técnicas de escrita de ópera desenvolvidas no passado, apenas ligeiramente enriquecido com meios mais modernos, que testemunharam a crise da escola nacional de ópera.
As tentativas de desenvolver gêneros sinfônicos e instrumentais de câmara, iniciadas na segunda metade do século XIX, foram praticamente infrutíferas. As sinfonias de G. Sgambati, G. Martucci, escritas na tradição de Mendelssohn e Brahms, não vão além do ecletismo; a obra de órgão de M. E. Bossi não se eleva acima do nível da imitação, demonstrando as influências do romantismo musical alemão - de Schumann a Liszt e Wagner.
Desde o início do século, a influência do catolicismo aumentou visivelmente na Itália, o que também afetou a música. A bula do Papa Pio X "Motu proprio" (1903), dedicada ao problema da atualização da música sacra, desempenhou aqui o seu papel. Continha, em particular, um apelo ao renascimento do canto gregoriano e, ao mesmo tempo, autorizava o uso dos meios expressivos mais inovadores, desde que seu uso atendesse às exigências da Igreja. É verdade que as tentativas de reviver os gêneros de oratório, cantata e missa, empreendidas no início do século pelo abade Perosi*,
* Lorenzo Perosi em 1898 foi nomeado para o cargo de chefe da Capela Sistina e tornou-se o líder do movimento pela renovação da música sacra.
não foram coroados de sucesso: as composições deste autor não trouxeram a desejada renovação da música católica, nem em termos de suas qualidades estilísticas, nem espirituais, éticas. No entanto, a publicação de monumentos de música sacra católica (a famosa série Editio Vaticano, iniciada em 1904) atraiu a atenção de muitos compositores que buscavam maneiras de reviver as tradições nacionais. O interesse pelo canto gregoriano, pela antiga polifonia italiana (Palestrina), pelos gêneros e formas espirituais aumentará especialmente nos anos 20-30.
A Primeira Guerra Mundial abalou profundamente a Itália econômica, política, social e culturalmente, o que levou a uma crise ideológica. Na arte do final dos anos 10 - início dos anos 20, pode-se notar tanto uma compreensão agudamente crítica dos eventos da guerra passada e da realidade do pós-guerra, quanto ceticismo e aspirações religiosas e místicas, juntamente com o renascimento e o desenvolvimento intensivo de tendências nacionalistas militantes. Ainda no início do século, os sonhos da Grande Itália, herdeira da Roma de César, da transformação do Mar Mediterrâneo no Mar Italiano - "nosso mar", etc., surgiram em antecipação à ideologia fascista. grupo, que publicou seu primeiro manifesto no jornal parisiense Figaro em 1909. Após a guerra, a atividade desse grupo assume um caráter político claramente expresso. No outono de 1918, o primeiro número do semanário Roma Futurista publicou um manifesto e programa de um partido político contendo uma franca apologia ao nacionalismo. O partido que estava sendo criado era chefiado por F. T. Marinetti; incluía B. Mussolini, bem como G. d "Annunzio e vários outros artistas, entre os quais músicos - L. Russolo, F. B. Pratella; mais tarde P. Mascagni e B. Gigli tornaram-se seus membros. por Marinetti preparou o surgimento da organização Esquadrões de Combate Fascista; a atividade deste último começou em março de 1919, quando Mussolini convocou em Milão a primeira assembleia do futuro partido fascista, chamada Assembleia de San Sepolcro (depois da mansão onde ocorreu) Poucos meses depois, foi publicado o Programa San Sepolcro, que combinava alguns pontos do programa futurista com a demagogia democrático-revolucionária de Mussolini e o nacionalismo militante de d'Annunzio.
Uma parte significativa da intelectualidade, especialmente entre as figuras culturais e artísticas, não aceitava a ideologia nacionalista. Para esta parte dos escritores, poetas, dramaturgos italianos, os temas universais “eternos” tornaram-se um refúgio espiritual. As idéias humanistas foram proclamadas, em particular, por um grupo de "rondistas", que receberam seu nome da revista "Ronda" publicada pelo partido socialista. Incapaz de fazer um protesto ativo contra o fascismo, eles pregavam a separação da arte da política e proclamavam a "liberdade individual de pensamento do artista". A autolimitação consciente pelos problemas do domínio artístico foi combinada com um recuo ao passado, com foco no domínio da experiência dos clássicos nacionais. A estética dos "rondistas" indubitavelmente influenciou alguns compositores proeminentes (Pizzetti, Malipiero, Casella) e contribuiu para o estabelecimento do neoclassicismo na música italiana dos anos 20-30 como a principal direção.
Um papel importante na mobilização das forças de esquerda da intelectualidade artística foi desempenhado pelo semanário Ordino Nuovo, publicado em 1919-1922, fundado por A. Gramsci (mais tarde um dos fundadores do Partido Comunista Italiano). Nas páginas do semanário, Gramsci liderou uma luta ativa pela cultura democrática, prestando muita atenção à divulgação da obra de escritores modernos da direção de esquerda - M. Gorky, A. Barbusse, R. Rolland e outros. Em vários artigos, ele criticou duramente o futurismo e a plataforma nacionalista de d'Annunzio.Desde 1924, o jornal do Partido Comunista Italiano Unita tornou-se o porta-voz do movimento antifascista.
Na música da Itália, como antes da guerra, a direção verista continuou a dominar, apesar de estar claramente degenerando (isso é especialmente perceptível nas obras do pós-guerra de Mascagni). A luta contra a rotina e o conservadorismo que reinava na vida musical italiana foi liderada por representantes da geração mais jovem - Respighi, Pizzetti, Malipiero e Casella, guiados pelo sinfonismo de R. Strauss, Mahler, impressionismo francês, obra de Rimsky -Korsakov, Stravinsky. Ainda antes, em 1917, fundaram a National Musical Society, que visava atualizar o repertório de concertos sinfônicos. A propaganda da nova música e a luta contra o domínio das tendências acadêmicas e veristas, esses compositores também realizaram na imprensa.
Uma nova situação se desenvolveu no país depois de outubro de 1922. Mussolini, tendo se tornado primeiro-ministro, inicia represálias contra seus oponentes políticos e, ao mesmo tempo, segue uma política insidiosa de envolver a intelectualidade no movimento fascista, esperando assim direcionar a opinião pública mundial em uma direção favorável à sua ideologia e prática. Já após o golpe de estado de 3 de janeiro de 1925, que levou à instauração de um regime abertamente ditatorial, em março do mesmo ano foi realizado um Congresso em Bolonha em nome da cultura fascista, e em abril o “Manifesto de the Fascist Intelligentsia” foi publicado, compilado pelo ideólogo do fascismo italiano, o filósofo J. Gentile.
No entanto, os sentimentos de oposição ainda eram bastante fortes entre as figuras culturais. A oposição liberal se uniu em torno do filósofo e político Benedetto Croce. Em seu nome, em 1º de maio de 1925, um "contra-manifesto" escrito por Croce apareceu no jornal Mondo, intitulado "A resposta de escritores, professores e publicitários italianos ao manifesto da intelectualidade fascista". A própria publicação do "contra-manifesto" durante o período de ofensiva ativa das autoridades contra o pensamento progressista foi um ato de coragem, embora seu programa se distinguisse pela abstração e pela passividade política. O "Contra-Manifesto" se opunha à mistura de política e literatura, política e ciência, argumentava que a verdade não está na ação, mas no pensamento. Foi precisamente essa separação entre filosofia e arte da ação cívica que resultou na retirada gradual da intelectualidade artística da Itália em várias formas de "emigração espiritual". Assim, primeiro na poesia, e depois nas artes afins, foram criados os pré-requisitos para o surgimento do "hermetismo", que recebeu um desenvolvimento particular nos anos 30. Na música, a influência do "hermetismo" foi mais pronunciada em várias obras de Malipiero.
Seguindo as ideias do “contra-manifesto”, os artistas procuravam opor a cultura fascista barulhenta e espiritualmente empobrecida com altos valores estéticos, expressos, porém, de uma forma difícil de ser compreendida pelas massas. Na música italiana, o "contra-manifesto" fortaleceu ainda mais a posição do neoclassicismo, que, com todas as diferenças entre compositores individuais, com todas as nuances em relação à herança clássica e à arte popular, tornou-se a principal direção na década de 20. -30s. As tendências expressionista-existencialistas associadas à compreensão e desenvolvimento da experiência da escola de Novovensk começaram a se manifestar claramente um pouco mais tarde, a partir dos anos 30 (na obra de L. Dallapikkola e G. Petrassi).
Desempenhando o papel de patrono da ciência e da arte, Mussolini organizou o Instituto de Cultura Fascista, sob cuja liderança várias organizações científicas e artísticas se desenvolveram. Ao mesmo tempo, o regime mostrou uma rara atitude onívora em relação a várias direções criativas. No entanto, a maior parte da intelectualidade artística permaneceu em posições de rejeição oculta das doutrinas ideológicas e práticas políticas do fascismo.
Destacam-se duas tendências polares que afetaram claramente todas as áreas da arte italiana nas décadas de 1920 e 1930: são “strachitta” (“super-cidade”) e “strapaese” (“super-vila”). A primeira tendência estava focada em refletir a cultura e a vida da cidade moderna (essencialmente fundindo-se com as tendências do urbanismo europeu), enquanto a segunda defendia o solo nacional e, na verdade, procurava isolar a arte da Itália, limitá-la às fronteiras nacionais.
O catolicismo continuou a exercer uma enorme influência no desenvolvimento da vida cultural do país. A concordata de Mussolini com o Vaticano, concluída em 1929, levou à expansão das atividades sociais e políticas da Igreja e contribuiu para o fortalecimento dos motivos religiosos na obra de vários compositores. No entanto, o aumento da atenção a temas religiosos e gêneros espirituais na década de 30 teve motivos mais profundos e foi encontrado na música de vários países europeus (em particular, França). Era específico para a Itália que trabalha temas religiosos, aparentemente respondendo à linha do clericalismo oficial, muitas vezes servia como expressão de oposição espiritual ao fascismo.
Da mesma forma, vários empreendimentos culturais importantes que correspondiam externamente à política do regime eram essencialmente independentes dele. Por exemplo, o apelo dos principais compositores italianos à grande herança dos séculos XVII-XVIII, que surgiu nos anos pré-guerra e trouxe resultados frutíferos, nada tem a ver com o programa ideológico do fascismo italiano. É impossível associar ao nacionalismo militante e ao discurso da "cultura românica escolhida - a herdeira da Roma imperial" o tremendo trabalho que cientistas e compositores italianos fizeram nos anos 20-30 ao coletar, pesquisar e publicar o mais rico folclore de música e dança do várias regiões e províncias da Itália - um trabalho que enriqueceu não só a ciência da música, mas também a criatividade profissional*.
* Entre essas publicações devem ser mencionados o estudo de B. Croce "Poesia Popular e Artística", as coleções de canções folclóricas de G. Farah "A Alma Musical da Itália" e "Canções da Sardenha", as coleções de A. Fanara-Mistrello "Canções sicilianas da terra e do mar" e "Canções folclóricas da província de Valdemeszaro", estudos do compositor futurista F. B. Pratella "Ensaios sobre lamentos, canções, coros e danças do povo italiano" e "Etnofonia da Romagna".
De grande valor objetivo são as publicações acadêmicas de notáveis monumentos de música sacra, obras-primas do Renascimento, ópera italiana e música instrumental dos séculos XVII-XVIII. Este trabalho, iniciado antes da Primeira Guerra Mundial, continuou durante os anos dos "Black Twenty" sob o patrocínio oficial do rei e de Mussolini, que entendiam perfeitamente o prestígio que era para o regime fascista. O estudo de gêneros de culto antigos e as obras de polifonistas (especialmente Palestrina) também enriqueceram o trabalho dos compositores. Seu estilo foi fertilizado pela expressividade entoacional de modos antigos, canto gregoriano e sequências antigas voltadas para a percepção das massas em momentos de estados mentais sublimes.
Durante o período dos Black Twenty, vários cientistas musicais de destaque trabalharam na Itália, cujas obras fundamentais adquiriram importância mundial. Denominemos os estudos de A. della Corte sobre os problemas da ópera italiana, a monumental biografia de Rossini em três volumes escrita por G. Radiciotti, monografia de M. Gatti sobre Verdi. Durante esses anos, a publicação de documentos e materiais sobre os problemas gerais da música italiana e o trabalho de compositores individuais também se desenrolou.
Em particular, várias publicações mais valiosas da herança epistolar de Verdi são publicadas.
Por motivos de prestígio, os líderes fascistas encorajavam a ópera e os concertos de todas as maneiras possíveis, ou seja, aquelas formas de arte que não lhes pareciam perigosas. O teatro "La Scala" atinge uma cultura de alto desempenho, e depois dele outras casas de ópera, por exemplo, a romana, que estava sob o patrocínio especial do regime. A ópera brilha com cantores maravilhosos - A. Galli-Curci, T. Dal Monte, B. Gigli, Titta Ruffo. Ao mesmo tempo, ideologicamente, a casa de ópera estava sob estreita supervisão da censura. A censura fascista-clerical proibiu a produção da ópera de Malipiero A Lenda do Filho Changeling e, durante a intervenção na Abissínia, o regime manchou-se com a vergonhosa retirada da Aida de Verdi do repertório. Não é por acaso que Toscanini deixou a Itália em 1928 em protesto contra a política fascista, e outros grandes músicos emigraram (M. Castelnuovo-Tedesco, V. Rieti e outros).
A vida da literatura e do teatro dramático foi ainda mais constrangida pela pressão da censura fascista, que obrigou muitos artistas a assumir a posição de "hermetismo". Ao mesmo tempo, muitos escritores, poetas e dramaturgos italianos foram fortemente influenciados pela obra de L. Pirandello, que expôs a trágica realidade da vida de um “homenzinho”, a futilidade da busca pela liberdade, beleza e felicidade. Vale ressaltar que vários compositores italianos se referem às obras de Pirandello. Na literatura desses anos, também havia obras mais ativas em sua crítica social (por exemplo, o jovem A. Moravia, E. Vittorini), mas permaneceram exceções.
Em um ambiente tão difícil, os maiores compositores de toda uma geração tiveram que trabalhar - Respighi, Pizzetti, Malipiero, Caselle. Para seu crédito, eles não se tornaram trovadores do fascismo italiano, embora também não fossem combatentes ativos contra ele.
