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Jazz - uma forma de arte musical que surgiu no final do século 19 - início do século 20 nos EUA, em Nova Orleans, como resultado da síntese das culturas africana e européia e posteriormente se difundiu. As origens do jazz foram o blues e outras músicas folclóricas afro-americanas. Os traços característicos da linguagem musical do jazz inicialmente se tornaram a improvisação, a polirritmia baseada em ritmos sincopados, e um conjunto único de técnicas de execução da textura rítmica - o swing. O desenvolvimento posterior do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz. Os sub-jazzes de jazz são: jazz de vanguarda, bebop, jazz clássico, cool, jazz modal, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e vários outros.

História do desenvolvimento do jazz

Banda de Jazz do Wilex College, Texas

O jazz surgiu como uma combinação de várias culturas musicais e tradições nacionais. Ele veio originalmente da África. Qualquer música africana é caracterizada por um ritmo muito complexo, a música é sempre acompanhada por danças, que são rápidas pisadas e palmas. Com base nisso, no final do século XIX, surgiu outro gênero musical - o ragtime. Posteriormente, os ritmos do ragtime, combinados com elementos do blues, deram origem a uma nova direção musical – o jazz.

O blues surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonia europeia, mas suas origens devem ser buscadas a partir do momento em que os escravos foram trazidos da África para o Novo Mundo. Os escravos trazidos não vinham do mesmo clã e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma única cultura (incluindo a música) de afro-americanos. Os processos de mistura da cultura musical africana e europeia (que também sofreu sérias mudanças no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do "proto-jazz", e depois do jazz no sentido aceito. O berço do jazz foi o sul americano, e especialmente Nova Orleans.
Juramento da eterna juventude do jazz - improvisação
A peculiaridade do estilo é a performance individual única do virtuoso do jazz. A chave para a eterna juventude do jazz é a improvisação. Após o surgimento de um artista brilhante que viveu toda a sua vida no ritmo do jazz e ainda continua sendo uma lenda - Louis Armstrong, a arte da performance jazz viu novos horizontes incomuns para si: a performance solo vocal ou instrumental se torna o centro de toda a performance , mudando completamente a ideia de jazz. O jazz não é apenas um certo tipo de performance musical, mas também uma era alegre única.

jazz de nova orleães

O termo Nova Orleans é comumente usado para descrever o estilo dos músicos que tocaram jazz em Nova Orleans entre 1900 e 1917, bem como os músicos de Nova Orleans que tocaram em Chicago e gravaram discos de 1917 até a década de 1920. Este período da história do jazz também é conhecido como a Era do Jazz. E o termo também é usado para descrever a música tocada em diferentes períodos históricos por revivalistas de Nova Orleans que buscavam tocar jazz no mesmo estilo dos músicos da escola de Nova Orleans.

O folclore afro-americano e o jazz se separaram desde a abertura de Storyville, distrito da luz vermelha de Nova Orleans, famoso por seus locais de entretenimento. Quem queria se divertir e se divertir aqui estava esperando por muitas oportunidades sedutoras que ofereciam pistas de dança, cabaré, shows de variedades, circo, bares e lanchonetes. E em todos os lugares nessas instituições a música soava e os músicos que dominavam a nova música sincopada podiam encontrar trabalho. Gradualmente, com o crescimento do número de músicos que atuam profissionalmente nos estabelecimentos de entretenimento de Storyville, o número de bandas marciais e de rua diminuiu e, em vez delas, surgiram os chamados conjuntos de Storyville, cuja manifestação musical se torna mais individual , em comparação com o jogo de bandas de metais. Essas composições, muitas vezes chamadas de "orquestras combinadas" e se tornaram os fundadores do estilo clássico de jazz de Nova Orleans. Entre 1910 e 1917, as casas noturnas de Storyville se tornaram o cenário ideal para o jazz.
Entre 1910 e 1917, as casas noturnas de Storyville se tornaram o cenário ideal para o jazz.
O desenvolvimento do jazz nos Estados Unidos no primeiro quartel do século XX

Após o fechamento de Storyville, o jazz começou a se transformar de um gênero folclórico regional em uma direção musical nacional, espalhando-se pelas províncias do norte e nordeste dos Estados Unidos. Mas é claro que apenas o fechamento de um bairro de entretenimento não poderia contribuir para sua ampla distribuição. Junto com Nova Orleans, St. Louis, Kansas City e Memphis desempenharam um papel importante no desenvolvimento do jazz desde o início. O Ragtime nasceu em Memphis no século XIX, de onde se espalhou por todo o continente norte-americano no período 1890-1903.

Por outro lado, performances de menestréis, com seu mosaico heterogêneo de folclore afro-americano de todos os tipos, do jig ao ragtime, rapidamente se espalharam por toda parte e prepararam o palco para o advento do jazz. Muitas futuras celebridades do jazz começaram sua jornada no show de menestréis. Muito antes de Storyville fechar, os músicos de Nova Orleans estavam em turnê com as chamadas trupes de "vaudeville". Jelly Roll Morton de 1904 excursionou regularmente no Alabama, Flórida, Texas. A partir de 1914 ele tinha um contrato para se apresentar em Chicago. Em 1915 mudou-se para Chicago e para a White Dixieland Orchestra de Tom Brown. As principais turnês de vaudeville em Chicago também foram feitas pela famosa Creole Band, liderada pelo cornetista de Nova Orleans Freddie Keppard. Tendo se separado da Olympia Band uma vez, os artistas de Freddie Keppard já em 1914 se apresentaram com sucesso no melhor teatro de Chicago e receberam uma oferta para fazer uma gravação de som de suas performances antes mesmo da Original Dixieland Jazz Band, que, no entanto, Freddie Keppard rejeitado de forma míope. Ampliou significativamente o território coberto pela influência do jazz, orquestras tocando em vapores de recreio que navegavam pelo Mississippi.

Desde o final do século 19, as viagens fluviais de Nova Orleans a St. Paul tornaram-se populares, primeiro no fim de semana e depois durante toda a semana. Desde 1900, orquestras de Nova Orleans se apresentam nesses barcos fluviais, cuja música se tornou o entretenimento mais atraente para os passageiros durante os passeios fluviais. Em uma dessas orquestras, começou Suger Johnny, a futura esposa de Louis Armstrong, a primeira pianista de jazz Lil Hardin. A banda fluvial de outro pianista, Faiths Marable, apresentava muitas futuras estrelas do jazz de Nova Orleans.

Barcos a vapor que viajavam ao longo do rio muitas vezes paravam em estações de passagem, onde orquestras organizavam concertos para o público local. Foram esses shows que se tornaram estreias criativas para Bix Beiderbeck, Jess Stacy e muitos outros. Outra rota famosa corria ao longo do Missouri até Kansas City. Nesta cidade, onde, graças às fortes raízes do folclore afro-americano, o blues se desenvolveu e finalmente tomou forma, a atuação virtuosa dos jazzistas de Nova Orleans encontrou um ambiente excepcionalmente fértil. No início da década de 1920, Chicago tornou-se o principal centro de desenvolvimento da música jazz, na qual, através do esforço de muitos músicos que se reuniram de diferentes partes dos Estados Unidos, foi criado um estilo que foi apelidado de Chicago jazz.

Grandes bandas

A forma clássica e estabelecida de big bands é conhecida no jazz desde o início da década de 1920. Essa forma manteve sua relevância até o final da década de 1940. Os músicos que entraram na maioria das big bands, via de regra, quase na adolescência, tocavam partes bem definidas, aprendidas nos ensaios ou nas notas. Orquestras cuidadosas, juntamente com seções maciças de metais e sopros, produziram ricas harmonias de jazz e produziram o som sensacionalmente alto que ficou conhecido como "o som da big band".

A big band se tornou a música popular de sua época, atingindo seu auge em meados da década de 1930. Esta música tornou-se a fonte da mania da dança swing. Os líderes das famosas bandas de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet compuseram ou arranjaram e gravaram em discos um verdadeiro desfile de músicas que soavam não só no rádio, mas também em todos os salões de dança. Muitas big bands mostraram seus improvisadores solo, que levaram o público a um estado próximo à histeria durante as bem badaladas "batalhas das orquestras".
Muitas big bands demonstraram seus improvisadores solo, que levaram o público a um estado próximo à histeria.
Embora as big bands tenham diminuído em popularidade após a Segunda Guerra Mundial, as orquestras lideradas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e muitos outros fizeram turnês e gravaram com frequência nas décadas seguintes. Sua música foi gradualmente transformada sob a influência de novas tendências. Grupos como ensembles liderados por Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis exploraram novos conceitos em harmonia, instrumentação e liberdade de improvisação. Hoje, as big bands são o padrão na educação do jazz. Orquestras de repertório como a Lincoln Center Jazz Orchestra, a Carnegie Hall Jazz Orchestra, a Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e o Chicago Jazz Ensemble tocam regularmente arranjos originais de composições de big band.

jazz nordestino

Embora a história do jazz tenha começado em Nova Orleans com o advento do século 20, essa música experimentou um verdadeiro aumento no início da década de 1920, quando o trompetista Louis Armstrong deixou Nova Orleans para criar uma nova música revolucionária em Chicago. A migração dos mestres do jazz de Nova Orleans para Nova York, que começou pouco depois, marcou uma tendência de movimento contínuo de músicos de jazz do Sul para o Norte.

Louis Armstrong

Chicago abraçou a música de Nova Orleans e a tornou quente, transformando-a não apenas com os famosos conjuntos Hot Five e Hot Seven de Armstrong, mas também com outros, incluindo nomes como Eddie Condon e Jimmy McPartland, cuja equipe da Austin High School ajudou a reviver o New Orleans escolas. Outros notáveis ​​habitantes de Chicago que ultrapassaram os limites do jazz clássico de Nova Orleans incluem o pianista Art Hodes, o baterista Barrett Deems e o clarinetista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, que acabaram se mudando para Nova York, criaram lá uma espécie de massa crítica que ajudou esta cidade a se transformar em uma verdadeira capital mundial do jazz. E enquanto Chicago permaneceu principalmente o centro da gravação de som no primeiro quartel do século 20, Nova York também emergiu como o principal local de jazz, hospedando clubes lendários como o Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy e Village Vengeward, bem como arenas como o Carnegie Hall.

Estilo Kansas City

Durante a era da Grande Depressão e da Lei Seca, a cena jazzística de Kansas City tornou-se uma meca para os novos sons do final dos anos 1920 e 1930. O estilo que floresceu em Kansas City é caracterizado por peças com alma com um toque de blues, executadas por big bands e pequenos grupos de swing, demonstrando solos muito enérgicos, realizados para freqüentadores de tavernas com bebidas vendidas ilegalmente. Foi nesses pubs que o estilo do grande Count Basie se cristalizou, começando em Kansas City com a orquestra de Walter Page e depois com Benny Moten. Ambas as orquestras eram representantes típicos do estilo de Kansas City, que se baseava em uma forma peculiar de blues, chamado "blues urbano" e formado na execução das orquestras acima. A cena do jazz de Kansas City também foi distinguida por toda uma galáxia de mestres destacados do blues vocal, o reconhecido "rei" entre os quais o solista de longa data da Count Basie Orchestra, o famoso cantor de blues Jimmy Rushing. O famoso saxofonista alto Charlie Parker, nascido em Kansas City, ao chegar a Nova York, fez amplo uso dos característicos "chips" de blues que aprendera nas orquestras de Kansas City e posteriormente constituiu um dos pontos de partida nas experiências dos boppers na década de 1940.

Jazz da Costa Oeste

Artistas capturados pelo movimento cool jazz na década de 1950 trabalharam extensivamente nos estúdios de gravação de Los Angeles. Em grande parte influenciados pelo nonet Miles Davis, esses artistas de Los Angeles desenvolveram o que hoje é conhecido como West Coast Jazz. O jazz da Costa Oeste era muito mais suave do que o bebop furioso que o precedera. A maior parte do jazz da Costa Oeste foi escrita em grande detalhe. As linhas de contraponto frequentemente usadas nessas composições pareciam fazer parte da influência européia que penetrou no jazz. No entanto, essa música deixou muito espaço para longas improvisações lineares de solo. Embora o West Coast Jazz tenha sido realizado principalmente em estúdios de gravação, clubes como o Lighthouse on Hermosa Beach e o Haig em Los Angeles muitas vezes apresentavam seus mestres, que incluíam o trompetista Shorty Rogers, os saxofonistas Art Pepper e Bud Shenk, o baterista Shelley Mann e o clarinetista Jimmy Giuffrey .

A propagação do jazz

O jazz sempre despertou interesse entre músicos e ouvintes de todo o mundo, independentemente de sua nacionalidade. Basta traçar os primeiros trabalhos do trompetista Dizzy Gillespie e sua fusão das tradições do jazz com a música dos negros cubanos na década de 1940 ou posterior, a combinação do jazz com a música japonesa, eurasiana e do Oriente Médio, conhecida na obra do pianista Dave Brubeck , bem como no brilhante compositor e líder do jazz - a Duke Ellington Orchestra, que combinou a herança musical da África, América Latina e Extremo Oriente.

Dave Brubeck

Jazz constantemente absorvido e não apenas as tradições musicais ocidentais. Por exemplo, quando diferentes artistas começaram a tentar trabalhar com os elementos musicais da Índia. Um exemplo desse esforço pode ser ouvido nas gravações do flautista Paul Horn no Taj Mahal, ou na corrente da "world music" representada, por exemplo, pela banda de Oregon ou pelo projeto Shakti de John McLaughlin. A música de McLaughlin, anteriormente amplamente baseada no jazz, começou a usar novos instrumentos de origem indiana, como o khatam ou tabla, durante seu trabalho com Shakti, ritmos intrincados soaram e a forma do raga indiano foi amplamente utilizada.
À medida que a globalização do mundo continua, o jazz é constantemente influenciado por outras tradições musicais.
O Art Ensemble of Chicago foi um dos pioneiros na fusão de formas africanas e jazz. O mundo mais tarde veio a conhecer o saxofonista/compositor John Zorn e sua exploração da cultura musical judaica, tanto dentro como fora da orquestra de Masada. Esses trabalhos inspiraram grupos inteiros de outros músicos de jazz, como o tecladista John Medeski, que gravou com o músico africano Salif Keita, o guitarrista Marc Ribot e o baixista Anthony Coleman. O trompetista Dave Douglas traz inspiração dos Balcãs para sua música, enquanto a Asian-American Jazz Orchestra emergiu como um dos principais proponentes da convergência do jazz e das formas musicais asiáticas. À medida que a globalização do mundo continua, o jazz é constantemente influenciado por outras tradições musicais, fornecendo alimento maduro para pesquisas futuras e provando que o jazz é verdadeiramente world music.

Jazz na URSS e na Rússia

O primeiro na banda de jazz RSFSR de Valentin Parnakh

A cena jazz originou-se na URSS na década de 1920, simultaneamente com seu apogeu nos EUA. A primeira orquestra de jazz na Rússia soviética foi criada em Moscou em 1922 pelo poeta, tradutor, dançarino, figura do teatro Valentin Parnakh e foi chamada de "Primeira Orquestra de Banda de Jazz Excêntrica de Valentin Parnakh na RSFSR". O aniversário do jazz russo é tradicionalmente considerado 1º de outubro de 1922, quando ocorreu o primeiro show desse grupo. A orquestra do pianista e compositor Alexander Tsfasman (Moscou) é considerada o primeiro conjunto profissional de jazz a tocar no ar e gravar um disco.

As primeiras bandas de jazz soviéticas se especializaram em realizar danças da moda (foxtrot, Charleston). Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade nos anos 30, em grande parte devido ao conjunto de Leningrado liderado pelo ator e cantor Leonid Utesov e pelo trompetista Ya. B. Skomorovsky. O popular filme de comédia com sua participação "Merry Fellows" (1934) foi dedicado à história de um músico de jazz e teve uma trilha sonora correspondente (escrita por Isaac Dunayevsky). Utyosov e Skomorovsky formaram o estilo original de "tea-jazz" (jazz teatral), baseado em uma mistura de música com teatro, opereta, números vocais e um elemento de performance desempenhou um grande papel nele. Uma contribuição notável para o desenvolvimento do jazz soviético foi feita por Eddie Rosner, compositor, músico e líder de orquestras. Tendo iniciado sua carreira na Alemanha, Polônia e outros países europeus, Rozner mudou-se para a URSS e tornou-se um dos pioneiros do swing na URSS e o iniciador do jazz bielorrusso.
Na consciência de massa, o jazz começou a ganhar grande popularidade na URSS na década de 1930.
A atitude das autoridades soviéticas em relação ao jazz era ambígua: os artistas de jazz nacionais, via de regra, não eram banidos, mas as duras críticas ao jazz como tal eram generalizadas, no contexto da crítica à cultura ocidental em geral. No final da década de 1940, durante a luta contra o cosmopolitismo, o jazz na URSS passou por um período particularmente difícil, quando grupos de música "ocidental" foram perseguidos. Com o início do "degelo", as repressões contra os músicos foram interrompidas, mas as críticas continuaram. De acordo com a pesquisa da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como arma ideológica contra a URSS e contra a expansão da influência soviética nos países do terceiro mundo. Nos anos 50 e 60. em Moscou, as orquestras de Eddie Rozner e Oleg Lundstrem retomaram suas atividades, surgiram novas composições, entre as quais se destacaram as orquestras de Iosif Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Moscou), bem como a Orquestra de Variedades de Riga (REO).

As big bands criaram uma galáxia inteira de arranjadores talentosos e improvisadores solo, cujo trabalho trouxe o jazz soviético a um nível qualitativamente novo e o aproximou dos padrões mundiais. Entre eles estão Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Começa o desenvolvimento do jazz de câmara e do club jazz em toda a sua diversidade de estilos (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)

Clube de Jazz "Pássaro Azul"

Muitos dos mestres do jazz soviético acima mencionados começaram sua carreira criativa no palco do lendário clube de jazz de Moscou "Blue Bird", que existiu de 1964 a 2009, descobrindo novos nomes de representantes da geração moderna de estrelas do jazz russo (irmãos Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e outros). Nos anos 70, o trio de jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) composto pelo pianista Vyacheslav Ganelin, o baterista Vladimir Tarasov e o saxofonista Vladimir Chekasin, que existiu até 1986, ganhou grande popularidade. Nos anos 70-80, o quarteto de jazz do Azerbaijão "Gaya", os conjuntos vocais e instrumentais georgianos "Orera" e "Jazz-Khoral" também eram conhecidos.

Após o declínio do interesse pelo jazz nos anos 90, ele começou a ganhar popularidade novamente na cultura jovem. Festivais de música jazz são realizados anualmente em Moscou, como o Usadba Jazz e o Jazz no Jardim Hermitage. O clube de jazz mais popular em Moscou é o clube de jazz União dos Compositores, que convida artistas de jazz e blues mundialmente famosos.

Jazz no mundo moderno

O mundo moderno da música é tão diverso quanto o clima e a geografia que aprendemos através das viagens. E, no entanto, hoje estamos testemunhando uma mistura de um número crescente de culturas mundiais, constantemente nos aproximando do que, em essência, já está se tornando “world music” (world music). O jazz de hoje não pode deixar de ser influenciado por sons que penetram nele de quase todos os cantos do globo. O experimentalismo europeu com conotações clássicas continua a influenciar a música de jovens pioneiros como Ken Vandermark, um frígido saxofonista de vanguarda conhecido por seu trabalho com renomados contemporâneos como os saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Outros jovens músicos mais tradicionais que continuam a buscar suas próprias identidades incluem os pianistas Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, os saxofonistas Joshua Redman e David Sanchez e os bateristas Jeff Watts e Billy Stewart.

A velha tradição de sonorização está sendo rapidamente levada a cabo por artistas como o trompetista Wynton Marsalis, que trabalha com uma equipe de assistentes tanto em suas pequenas bandas quanto na Lincoln Center Jazz Band, que ele lidera. Sob seu patrocínio, os pianistas Marcus Roberts e Eric Reed, o saxofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, o trompetista Markus Printup e o vibrafonista Stefan Harris se tornaram grandes músicos. O baixista Dave Holland também é um grande descobridor de jovens talentos. Entre suas muitas descobertas estão artistas como o saxofonista/baixista M Steve Coleman, o saxofonista Steve Wilson, o vibrafonista Steve Nelson e o baterista Billy Kilson. Outros grandes mentores de jovens talentos incluem o pianista Chick Corea e o falecido baterista Elvin Jones e a cantora Betty Carter. O potencial para o desenvolvimento futuro do jazz é atualmente bastante grande, uma vez que as formas de desenvolvimento do talento e os meios de sua expressão são imprevisíveis, multiplicando-se pelos esforços combinados de vários gêneros de jazz incentivados hoje.

O jazz é a música da alma, e ainda há um debate infindável sobre a história do surgimento dessa direção musical. Muitos acreditam que o jazz se originou em Nova Orleans, alguém pensa que o jazz foi apresentado pela primeira vez na África, discutindo com ritmos complexos e todos os tipos de danças, pisando e batendo palmas. Mas sugiro que você conheça um pouco melhor o jazz ao vivo, vibrante e em constante mudança.

A origem do jazz deve-se a inúmeras razões. Seu início foi extraordinário, dinâmico e eventos milagrosos contribuíram para isso até certo ponto. Na virada dos séculos 19 e 20, ocorreu a formação da música jazz, que se tornou a ideia das culturas da Europa e da África, uma espécie de fusão das formas e tendências dos dois continentes.

É geralmente aceito que o nascimento do jazz de alguma forma começou com a importação de escravos da África para o território do Novo Mundo. As pessoas que foram trazidas para um lugar na maioria das vezes não se entendiam e, conforme necessário, ocorreu uma combinação de muitas culturas, incluindo isso devido à fusão de culturas musicais. Assim nasceu o jazz.

A América do Sul é considerada o epicentro da formação da cultura do jazz e, para ser mais preciso, é Nova Orleans. Posteriormente, as melodias rítmicas do jazz fluem suavemente para outra capital da música, localizada no norte - Chicago. Lá, as apresentações noturnas eram especialmente requisitadas, arranjos incríveis davam uma pungência especial aos artistas, mas a regra mais importante do jazz sempre foi a improvisação. O destacado representante da época era o inimitável Louis Armstrong.

Período 1900-1917 em Nova Orleans, uma direção de jazz está se desenvolvendo ativamente, e o conceito de um músico de “Nova Orleans”, também da era dos anos 20, também está em uso. O século 20 é comumente referido como a Era do Jazz. Agora que descobrimos onde e como surgiu o jazz, vale a pena entender as características distintivas dessa direção musical. Em primeiro lugar, o jazz é baseado em uma polirritmia específica, que se baseia em ritmos sincopados. A síncope é uma mudança de ênfase de uma batida forte para uma fraca, ou seja, uma violação proposital do acento rítmico.

A principal diferença entre o jazz e outras áreas é também o ritmo, ou melhor, a sua performance arbitrária. É esta liberdade que dá aos músicos a sensação de uma performance livre e sem restrições. Nos círculos profissionais, isso é chamado de swing (rocking inglês). Tudo é suportado por uma gama musical brilhante e colorida e, claro, você nunca deve esquecer o recurso principal - a improvisação. Tudo isso, aliado ao talento e desejo, resulta em uma composição sensual e rítmica chamada jazz.

O desenvolvimento posterior do jazz não é menos interessante do que sua origem. Posteriormente, novas direções surgiram: swing (décadas de 1930), bebop (décadas de 1940), cool jazz, hard pop, soul jazz e jazz funk (décadas de 1940-1960). Na era do swing, a improvisação coletiva ficou em segundo plano, apenas o solista podia se dar ao luxo de tal luxo, o resto do músico tinha que aderir à composição musical preparada. Na década de 1930 houve um crescimento frenético desses grupos, que mais tarde ficaram conhecidos como big bands. Os representantes mais proeminentes deste período são considerados Duke Ellington, Benny Goodman, Glenn Miller.

Dez anos depois, uma revolução na história do jazz ocorre novamente. Pequenos grupos, compostos predominantemente por artistas negros, estão voltando à moda, onde absolutamente todos os participantes podiam se dar ao luxo de improvisar. As estrelas do ponto de virada foram Charlie Parker e Dizzy Gillespie. Os músicos procuraram devolver ao jazz sua antiga leveza e facilidade, afastando-se ao máximo da comercialização. Líderes de big bands vinham para pequenas orquestras que estavam simplesmente cansadas de apresentações barulhentas e grandes salões que só queriam curtir a música.

Música 1940-1960 passou por uma tremenda mudança. Jazz foi dividido em dois grupos. Ao lado da performance clássica, o cool jazz é famoso por sua contenção e melancolia. Os principais representantes são Chet Baker, Dave Brubeck, Miles Davis. Mas o segundo grupo desenvolveu as ideias do bebop, onde os principais eram ritmos brilhantes e agressivos, solos explosivos e, claro, improvisação. Nesse estilo, o topo do pedestal foi ocupado por John Coltrane, Sonny Rollins e Art Blakey.

O ponto final no desenvolvimento do jazz foi a década de 1950, foi então que o jazz se fundiu com outros estilos de música. Posteriormente, novas formas apareceram, o jazz se desenvolveu na URSS e na CEI. Representantes russos de destaque foram Valentin Parnakh, que criou a primeira orquestra no país, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan e Alexander Varlamov. Agora, no mundo moderno, o jazz também está se desenvolvendo intensamente, os músicos estão implementando novas formas, tentando, combinando e alcançando sucesso.

Agora você sabe um pouco mais sobre música, e especificamente sobre jazz. Jazz não é música para todos, mas mesmo que você não seja o maior fã dessa direção, definitivamente vale a pena ouvir para mergulhar na história. Feliz escuta.

Victoria Lyzhova

A mensagem "Jazz" irá ajudá-lo brevemente a se preparar para as aulas de música e aprofundar seus conhecimentos nesta área. Além disso, o relatório sobre o jazz contará muitas informações detalhadas sobre essa forma de arte musical.

Mensagem de Jazz

O que é o Jazz?

Jazzé uma forma de arte musical. O berço do jazz são os EUA, onde se originou no século XX no processo de síntese das culturas europeia e africana. Então essa arte se espalhou por todo o planeta.

O jazz é uma música viva e incrível que absorveu o gênio rítmico africano e os tesouros de muitos anos tocando rituais e cantos e tambores rituais. Sua história é dinâmica, inusitada e repleta de eventos maravilhosos que influenciaram o processo do mundo musical.

O jazz foi trazido para o Novo Mundo pelos escravos, os povos do continente africano. Frequentemente pertenciam a famílias diferentes e para uma melhor compreensão um do outro criaram uma nova direção musical com motivos blues. Acredita-se que o jazz tenha se originado em Nova Orleans. O primeiro disco foi gravado em 26 de fevereiro de 1917 no Victor Studios, em Nova York. Com a composição do grupo "Original Dixieland Jazz Band" começou sua marcha pelo mundo.

Recursos de jazz

As principais características desta direção musical são:

• A batida é um pulso regular.
• Polirritmia, que se baseia em ritmos sincopados.
• improvisação.
• Linha de timbres.
• Harmonia colorida.
• Swing é um conjunto de técnicas para a execução de textura rítmica.

Vários artistas podem improvisar ao mesmo tempo. Os membros do ensemble interagem entre si de forma artística e “comunicam-se” com o público.

Estilos de jazz

A diversidade estilística do jazz desde o seu início é incrível. Vamos citar apenas os tipos mais comuns de jazz:

• Vanguarda. Originado em 1960. Harmonia, ritmo, métrica, estruturas tradicionais, música de programa são inerentes a ela. Representantes - Sun Ra, Alice Coltrane, Archie Shepp.
• Jazz ácido. É um estilo de música funky. A ênfase não está nas palavras, mas na música. Representantes - James Taylor Quartet, De-Phazz, Jamiroquai, Galliano, Don Cherry.
• Grande Curva. Formado na década de 1920. Consiste em tais grupos orquestrais - saxofones - clarinetes, instrumentos de sopro, seção rítmica. Representantes - The Original Dixieland Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra, King Oliver's Creole Jazz Band, Benny Goodman e sua orquestra.
• Bop. Formado na década de 1940. Caracteriza-se por improvisações complexas e andamentos rápidos, que se baseiam não na mudança de melodia, mas na mudança de harmonia. Artistas de jazz bebop - o baterista Max Roach, o trompetista Dizzy Gillespie, Charlie Parker, os pianistas Thelonious Monk e Bud Powell.
• Boogie Woogie. Este é um solo instrumental que combina elementos de jazz e blues. Nasceu na década de 1920. Os representantes são Alex Moore, Piano Red e David Alexander, Jimmy Yancey, Cripple Clarence Lofton, Pine Top Smith.
• Bossa nova. Esta é uma síntese única de ritmos de samba brasileiros e improvisação cool jazz. Os representantes são Antonio Carlos Jobim, Stan Getz e Charlie Bird.
• jazz clássico. Desenvolvido no final do século XIX. Representantes - Chris Barber, Acker Bilk, Kenny Ball, The Beatles.
• Balanço. Formado na virada da década de 1920 para 30. Caracteriza-se por uma combinação de formas europeias e negras. Representantes - Ike Quebec, Oscar Peterson, Mills Brothers, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Stephane Grappelli.
• Convencional. Este é um tipo bastante novo de jazz, caracterizado por uma certa interpretação de obras musicais. Representantes - para Ben Webster, Lester Young, Roy Eldridge, Coleman Hawkins, Johnny Hodges, Buck Clayton.
• jazz nordestino. Originou-se no início do século XX em Nova Orleans. A música é quente e rápida. Representantes do jazz nordestino - Art Hodes, o baterista Barrett Deems e o clarinetista Benny Goodman.
• Estilo Kansas City. O estilo newfangled originou-se no final da década de 1920 em Kansas City. Caracteriza-se pela penetração de uma peça de coloração blues na música jazz ao vivo e um solo enérgico. Representantes - Count Basie, Benny Moten, Charlie Parker, Jimmy Rushing.
• Jazz da Costa Oeste. Originado na década de 1950 em Los Angeles. Os representantes são Shorty Rogers, os saxofonistas Bud Shenk e Art Pepper, o clarinetista Jimmy Giuffrey e o baterista Shelley Mann.
• Legal. Começou a se desenvolver na década de 1940. Este é um estilo de jazz menos violento e suave. Caracteriza-se por um som destacado, plano e homogêneo. Representantes - Chet Baker, George Shearing, Dave Brubeck, John Lewis, Leni Tristano, Lee Konitz, Tad Dameron, Zoot Sims, Gerry Mulligan.
• Jazz progressivo. Caracterizou-se por uma harmonia ousada, segundos e blocos frequentes, politonalidade, pulsação rítmica, coloração.

Jazz hoje

O jazz moderno absorveu as tradições e sons de todo o planeta. Houve um repensar da cultura africana que era sua fonte. Entre os representantes do jazz moderno estão: Ken Vandermark, Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann, Wynton Marsalis, Joshua Redman e David Sanchez, Jeff Watts e Billy Stewart.

Instituição educacional orçamentária municipal de educação complementar para crianças

"Escola de Artes Infantil nº 3 em homenagem a Vasily Vasilyevich Andreev"

Tver

Mensagem metódica sobre o tema:

"Jazz - suas origens e desenvolvimento"

"Jazz"! De onde veio esse nome resiliente e brilhante “jazz” e por que é interessante para nós ouvir e tocar música jazz, e a performance do jazz requer um certo estilo de execução, um bom senso de ritmo e ouvir e executar com entusiasmo esses dissonâncias que a música jazz abunda. Um dos intérpretes de jazz, Louis Armstrong, expressou a opinião de muitos amantes do jazz: "No coração desta música está algo que pode ser sentido, mas não pode ser explicado".

Mas vamos tentar olhar para o passado distante, de onde veio o jazz. E assim… O início do século XIX. A América já havia sido descoberta e a Europa sabia há muito tempo sobre essa terra fértil e inexplorada. Os países da Europa Ocidental, França, Inglaterra, Espanha e outros, tomaram as terras deste continente, criaram suas colônias e as guardaram com postos avançados. Muitos milhares de europeus se mudaram, como diziam então, do Velho Mundo para o Novo Mundo, dominaram essas terras, adquiriram uma casa. Foi preciso muita mão para trabalhar nas enormes plantações de cana-de-açúcar, para trabalhar nos estaleiros do rio Mississippi, nos canteiros de obras. E então da costa da África Ocidental até o delta do rio Mississippi nos porões sujos dos navios, centenas de negros africanos foram carregados.

Na América, eles foram usados ​​nos trabalhos mais difíceis. Muitas vezes eles eram trazidos de diferentes tribos, às vezes era difícil para eles até se comunicarem uns com os outros. E depois de um árduo dia de trabalho, em raras horas de descanso, despejaram em suas canções a dor de uma posição de escravo. Uma inclinação natural para a música, um sentido especial de ritmo os unia. Acompanhavam-se batendo nas caixas com paus, latas vazias ou simplesmente batendo palmas. No início era como aquela música nativa distante, o som do tom-tom, mas aos poucos a memória da música africana foi apagada, assim como tudo o que eles viveram antes foi apagado. Os escravos perderam não apenas sua existência normal, suas famílias, mas também seus deuses, nos quais costumavam acreditar. E os missionários que se deslocavam com os colonos e pregavam o cristianismo começaram a converter os escravos à fé cristã, ensinando-lhes cânticos religiosos. Mas os negros as cantavam à sua maneira, com um timbre especial e característico de sua voz. Era uma música especial, rítmica, característica de sua natureza e temperamento. Esses hinos religiosos, cânticos eram chamados espiritual-s.

Agora chegamos às origens do jazz. Claro, ninguém gravou esses cantos rítmicos negros com notas. E quem entre os negros os conhecia? Também não havia fonógrafos. As músicas passavam de uma forma improvisada modificada. Apenas o texto não mudou.

1865 A escravidão na América foi abolida. Mas os infortúnios dos negros não pararam por aí. Eles foram separados para residência nos bairros sujos mais desfavoráveis ​​ao longo dos trilhos da ferrovia, em lugares pantanosos. Entre o negro e o branco, como antes, permanecia a relação do inferior com o superior. É claro que a música dos negros também se desenvolveu separadamente, em algum lugar por acaso entrou em contato com a vida dos brancos. Durante este período, o blues da canção folclórica negra floresceu. Talvez a palavra "blues" venha da palavra americana "blue", que significa azul, azul, e essa cor é considerada a cor da melancolia, da melancolia. O blues é uma queixa, o grito da alma de um negro, mas essa música não é muito triste. O negro não gosta de gemer, de sofrer por suas desgraças. Aquele que canta sobre sua dor canta em suas canções. As letras do blues foram compostas pelos próprios artistas. Eles cantavam sobre trabalho duro, e sobre amor enganado, sobre necessidade. Negros se acompanhavam no violão. No início eram caseiros - adaptaram o pescoço e as cordas a velhas caixas de charutos. Se pudessem comprar, compravam guitarras de verdade de brancos. Sediadaespirituais e azuis surge o jazz.

Se os spirituals fossem cantados tanto nas igrejas rurais quanto nas urbanas, e o blues surgisse no campo, então o jazz é música orquestral e o jazz só poderia aparecer em uma cidade grande, onde instrumentos europeus reais pudessem ser comprados de brancos. E essa cidade era Nova Orleans - Nova Orleans. Os negros tinham suas próprias bandas de metais. Tais orquestras percorriam as ruas, anunciavam bailes e participavam de festas folclóricas. Às vezes era mais de uma orquestra, e aí começava a competição. Toda essa música soava em ritmos negros característicos, com um som incomum de blues dissonante, de uma maneira incomum para os europeus. Em uma orquestra de jazz, a regularidade do andamento é determinada pelo grupo rítmico: bateria, contrabaixo, que toca apenas pizzicato, violão e banjo. O baterista é o coração da orquestra, ele dá a pulsação ao vivo, como dizem os jazzistas:« joga com o bem balanço" , inspira outros músicos que improvisam em movimento, compõem, inesperadamente acentuam a batida fraca - balanço.

O século 20 chegou. A era do jazz de rua acabou. Muitos músicos de Nova Orleans começaram a deixar suas casas em busca de trabalho. Eles viajaram pelo Mississippi para as grandes cidades da América do Norte. Demorou muito para o jazz entrar em cena, mas por enquanto tinha um lugar nos bairros negros. No final do século 19, havia tantos músicos negros que as autoridades foram obrigadas a proibi-los de exercer sua profissão em qualquer lugar, exceto boates, cafés de beira de estrada, salões de dança baratos, que na época estavam abrindo em grande número. Músicos de jazz formaram bandas de jazz. Tal orquestra incluía: trompetista, trombonista, clarinetista, banjoista, contrabaixista, percussionista e pianista.

Mas antes que o jazz entrasse no palco, foi precedido pelo surgimento de um gênero comocakewalk e ragtime. Esta é uma música de caráter motor, com um ritmo característico, e está associada ao surgimento na América do Norte de boates de entretenimento - salões de dança - dançando . E parte integrante dessas instituições era o piano. Tanto cakewalk quanto ragtime são músicas exclusivamente para piano. O que é característico desta música? Acentos percussivos na batida fraca, acordes imitando o banjo. Ragtime é traduzido como “ritmo rasgado”, embora entre os americanos ragtime “to rag” signifique provocar, brincar. Naquela época na América, o piano se tornou o instrumento mais popular, era em todas as famílias, os instrumentos eram trazidos da Europa; cakewalk e música ragtime se espalharam por todo o país. O criador do ragtime clássico é um compositor, músico, pianista americano, negro de nascimento - Scott Joplin. O editor que publicou seus ragtimes os chamou de clássicos porque, é claro, eles se elevam em valor artístico acima da música daqueles anos. Foi assim que o espiritual, o blues e o ragtime se fundiram no que se chama jazz.

A cidade de Chicago - no norte da América - é um enorme centro industrial. O jazz genuíno se estabeleceu no bairro negro desta cidade. Aqui estavam as melhores orquestras de jazz. A produção de discos está se desenvolvendo em Chicago e, graças a isso, a música que soava apenas em boates e salões de dança na América chegou à Europa e chegou ao nosso tempo. Qual é o destino do jazz em nosso país? Em 1922, as primeiras bandas de jazz foram organizadas em Moscou. O jazz em nosso país experimentou altos e baixos, chegou a ser considerado música de mau gosto, mas o tempo passou, grandes orquestras foram criadas - uma big band. Os compositores criaram arranjos de canções maravilhosas de compositores soviéticos em estilo jazz. Havia uma orquestra de jazz conduzida por Leonid Utesov, V. Knushevitsky, Oleg Lundstrem, Yu. Saulsky. D. Shostakovich compõe uma suíte de jazz, I. Dunayevsky - rapsódia de jazz. Em 1938, uma orquestra estadual de jazz foi criada em Moscou, liderada por M. Blanter.

Certa vez, nossa grande poetisa A. Akhmatova escreveu: “Se você soubesse de que lixo às vezes crescem os poemas”. Assim, a arte do jazz, hoje considerada elitista, nasceu e cresceu nem mesmo do "lixo". Harbor, dissonante, New Orleans gerou música rítmica e quase obscena nos bairros negros. E o fato de que por várias décadas esse gênero específico chegou aos aristocratas é o mérito de literalmente algumas pessoas, embora fossem verdadeiros mestres: Louis Armstrong, Teddy McCray, Duke Elligton, performers vocais de jazz Bessie Smith, Ella Fitzgerald, American compositor George Gershwin.

Por que ainda amamos jazz?

Porque sente o frescor das harmonias, um excesso de vitalidade, que nele se expressam tão claramente.

Lista de literatura usada

1. Koller J. L. Formação do Jazz. M.: Raduga, 1984.
2. Panasier Yu. A história do verdadeiro jazz.2ª ed., - L.: Música, 1979.
3. Batashev A. N. jazz soviético. M., Música, 1972.

Durante décadas, tentaram banir, silenciar e ignorar o jazz, tentaram combatê-lo, mas o poder da música acabou por ser mais forte do que todos os dogmas. No século XXI, o jazz atingiu um dos pontos mais altos do seu desenvolvimento e não pretende abrandar.

Em todo o mundo, 1917 foi, em muitos aspectos, um momento marcante e decisivo. Duas revoluções estão ocorrendo no Império Russo, Woodrow Wilson é reeleito para um segundo mandato nos Estados Unidos, e o microbiologista Felix d'Herelle anuncia a descoberta de um bacteriófago. No entanto, este ano ocorreu um evento que também ficará para sempre nos anais da história. Em 30 de janeiro de 1917, o primeiro disco de jazz foi gravado no estúdio de Victor em Nova York. Eram duas peças - "Livery Stable Blues" e "Dixie Jazz Band one Step" - executadas pela Original Dixieland Jazz Band, um conjunto de músicos brancos. O mais velho dos músicos, o trompetista Nick LaRocca, tinha 28 anos, o mais novo, o baterista Tony Sbarbaro, tinha 20 anos. Os nativos de Nova Orleans, é claro, ouviram "música negra", adoraram e queriam apaixonadamente tocar jazz de sua própria performance. Muito rapidamente após a gravação do disco, a Original Dixieland Jazz Band conseguiu um contrato em restaurantes de prestígio e caros.

Como eram os primeiros discos de jazz? Um disco de gramofone é um disco fino feito pressionando ou moldando plástico de várias composições, na superfície da qual um sulco especial com gravação de som é esculpido em espiral. O som do disco foi reproduzido por meio de dispositivos técnicos especiais - um gramofone, um gramofone, um eletrofone. Esse método de gravação de som era a única maneira de "perpetuar" o jazz, pois é quase impossível transmitir com precisão todos os detalhes da improvisação musical em notação musical. Por esta razão, especialistas em música ao discutir várias peças de jazz, em primeiro lugar, referem-se ao número do disco em que esta ou aquela peça foi gravada.

Cinco anos após a estreia da Dixieland Jazz Band original, músicos negros começaram a gravar no estúdio. Entre os primeiros a serem gravados estavam os conjuntos de Joe King Oliver e Jelly Roll Morton. No entanto, todas as gravações de jazzistas negros foram lançadas nos Estados Unidos como parte de uma "série racial" especial que foi distribuída naqueles anos apenas entre a população negra americana. Os discos, lançados na "série racial", existiram até os anos 40 do século XX. Além do jazz, eles também gravaram blues e spirituals - as canções espirituais de coral dos afro-americanos.

Os primeiros discos de jazz tinham 25 cm de diâmetro a 78 rpm e foram gravados acusticamente. No entanto, desde meados da década de 1920 No século XX, a gravação era feita eletromecanicamente, o que contribuiu para o aumento da qualidade do som. Seguiu-se o lançamento de discos com diâmetro de 30 cm, na década de 40. tais discos foram produzidos em massa por várias gravadoras que decidiram lançar composições antigas e novas realizadas por Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge e muitos outros.

Esses discos fonográficos tinham uma marcação de etiqueta especial - "V-disc" (abreviação de "Victory disc") e eram destinados a soldados americanos que participaram da Segunda Guerra Mundial. Esses lançamentos não eram destinados à venda, e os jazzmen, via de regra, transferiam todas as suas taxas para o Victory Fund na Segunda Guerra Mundial.

Já em 1948, a Columbia Records lançou o primeiro disco de longa duração (o chamado "longplay", LP) no mercado fonográfico com um arranjo mais denso de grooves sonoros. O disco tinha 25 cm de diâmetro e girava a 33 1/3 rpm. O LP já continha até 10 peças.

Após a Columbia, a produção de suas próprias peças longas em 1949 foi estabelecida por representantes da RCA Victor. Seus registros tinham 17,5 cm de diâmetro com uma velocidade de rotação de 45 rotações por minuto, e posteriormente registros semelhantes começaram a ser produzidos já com uma velocidade de rotação de 33 1/3 rotações por minuto. Em 1956, teve início o lançamento de LPs com 30 cm de diâmetro, 12 peças foram colocadas nos dois lados desses discos e o tempo de execução aumentou para 50 minutos. Dois anos depois, os discos estéreo com gravação em dois canais começaram a substituir os monofônicos. Os fabricantes também tentaram empurrar os discos de 16 rpm para o mercado da música, mas essas tentativas terminaram em fracasso.

Depois disso, por muitos anos, a inovação na produção de discos secou, ​​mas já no final dos anos 60. discos quadrafônicos com um sistema de gravação de quatro canais foram apresentados aos amantes da música.

A produção de LPs deu um grande salto para o jazz como música e serviu para o desenvolvimento dessa música - em particular, o surgimento de formas mais amplas de composição. Por muitos anos, a duração de uma peça não era superior a três minutos - essas eram as condições para a gravação de som em um gramofone padrão. Ao mesmo tempo, mesmo com o desenvolvimento do progresso no lançamento de discos, a duração das peças de jazz não aumentou imediatamente: nos anos 50. As LPs foram feitas principalmente com base nas matrizes de publicações de anos anteriores. Na mesma época, foram lançados discos com gravações de Scott Joplin e outros artistas famosos de ragtime, que foram gravados no final do século XIX e início do século XX. em cilindros perfurados de papelão para um piano mecânico, bem como em rolos de cera para um gramofone.

Com o tempo, os discos de longa duração começaram a ser usados ​​para gravar obras de forma maior e shows ao vivo. O lançamento de álbuns de dois ou três discos, ou antologias e discografias especiais de um ou outro artista, também se difundiu.

Mas e o jazz em si? Por muitos anos foi considerada "a música de uma raça inferior". Nos EUA, era considerada a música dos negros, indigna da alta sociedade americana, na Alemanha nazista, tocar e ouvir jazz significava ser "um maestro da cacofonia negro-judaica", e na URSS - "apologista da burguesia modo de vida" e "agente do imperialismo mundial".

Uma característica do jazz é que essa música tem conquistado o sucesso e o reconhecimento há décadas. Se músicos de todos os outros estilos puderam desde o início de sua carreira se esforçar para tocar nos maiores locais e estádios, e havia muitos exemplos para eles, então os jazzistas só podiam contar com tocar em restaurantes e clubes, sem sequer sonhar com grandes locais. .

O jazz como estilo originou-se há mais de um século nas plantações de algodão. Era ali que os trabalhadores negros cantavam suas canções, fundidas de cânticos protestantes, hinos corais espirituais africanos "espirituais", e canções seculares duras e pecaminosas, quase "criminosas" - blues, difundido em restaurantes sujos de beira de estrada, onde o pé de Americano não pisaria. A coroação desse "coquetel" foram as bandas de metais, que soavam como se crianças afro-americanas descalças pegassem instrumentos desativados e começassem a tocar todo tipo de coisa.

Os anos 20 do século XX tornaram-se a "Era do Jazz" - assim os chamou o escritor Francis Scott Fitzgerald. A maioria dos trabalhadores negros estava concentrada na capital criminosa dos Estados Unidos daqueles anos - Kansas City. A difusão do jazz nesta cidade foi facilitada por um grande número de restaurantes e lanchonetes onde os mafiosos gostavam de passar o tempo. A cidade criou um estilo particular, o estilo das big bands tocando blues rápido. Durante esses anos, um menino negro chamado Charlie Parker nasceu em Kansas City: foi ele quem, mais de duas décadas depois, se tornaria um reformador do jazz. Em Kansas City, ele passou pelos locais onde os concertos eram realizados e literalmente absorveu trechos da música que amava.

Apesar da grande popularidade do jazz em Nova Orleans e sua ampla distribuição em Kansas City, um grande número de jazzmen ainda preferia Chicago e Nova York. Duas cidades da Costa Leste dos Estados Unidos tornaram-se os mais importantes pontos de concentração e desenvolvimento do jazz. A estrela de ambas as cidades era o jovem trompetista e vocalista Louis Armstrong, sucessor do maior trompetista de Nova Orleans, King Oliver. Em 1924, outro nativo de Nova Orleans chegou a Chicago - o pianista e cantor Jelly Roll Morton. O jovem músico não era modesto e ousadamente declarou a todos que era o criador do jazz. E já aos 28 anos, ele se mudou para Nova York, onde naquela época a orquestra do jovem pianista de Washington Duke Ellington estava ganhando popularidade, que já estava afastando a orquestra de Fletcher Henderson dos raios de glória.

Uma onda de popularidade da "música negra" invade a Europa. E se o jazz era ouvido em Paris mesmo antes do início da Primeira Guerra Mundial, e não em "tavernas", mas em salões aristocráticos e salas de concerto, nos anos 20 Londres se rendeu. Os jazzistas negros adoravam viajar para a capital britânica - especialmente levando em conta o fato de que lá, diferentemente dos Estados Unidos, eles eram tratados com respeito e humanidade e nos bastidores, e não apenas nela.

Vale ressaltar que o poeta, tradutor, dançarino e coreógrafo Valentin Parnakh tornou-se o organizador do primeiro concerto de jazz em Moscou em 1922, e 6 anos depois a popularidade dessa música chegou a São Petersburgo.

O início dos anos 30 do século XX foi marcado por uma nova era - a era das big bands, grandes orquestras, e um novo estilo começou a ressoar nas pistas de dança - swing. A orquestra de Duke Ellinton conseguiu ultrapassar seus colegas da orquestra Fletcher Henderson em popularidade com a ajuda de movimentos musicais fora do padrão. A improvisação simultânea coletiva, que se tornou uma marca registrada da escola de jazz de Nova Orleans, está se tornando coisa do passado e, em vez disso, partituras complexas, frases rítmicas com repetições e chamadas de grupos de orquestra estão ganhando popularidade. Como parte da orquestra, é crescente o papel do arranjador, que escreve orquestrações que se tornaram a chave do sucesso de toda a equipe. Ao mesmo tempo, o solista-improvisador continua sendo o líder da orquestra, sem o qual mesmo uma equipe com orquestrações perfeitas passará despercebida. Ao mesmo tempo, a partir de agora, o solista observa rigorosamente o número de "quadrados" na música, enquanto os demais o apoiam de acordo com o arranjo escrito. A popularidade da orquestra de Duke Ellington foi trazida não apenas por soluções não padronizadas em arranjos, mas também pela composição de primeira classe da própria orquestra: trompetistas Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, clarinetista Barney Bigard, saxofonistas Johnny Hodges e Ben Webster, o contrabaixista Jimmy Blanton conhecia seus negócios como nenhum outro. Outras orquestras de jazz também demonstraram trabalho em equipe nessa questão: o saxofonista Lester Young e o trompetista Buck Clayton tocaram no Count Basie, e a espinha dorsal da orquestra era a seção rítmica "mais suingada do mundo" - o pianista Basie, o contrabaixista Walter Page, o baterista Joe Jones e guitarrista Freddie Green.

A orquestra do clarinetista Benny Goodman, composta inteiramente por músicos brancos, ganha popularidade avassaladora em meados dos anos 30, e na segunda metade dos anos 30 dá um golpe esmagador em todas as restrições raciais no jazz: no palco do Carnegie Hall em uma orquestra liderada por Goodman ao mesmo tempo que músicos negros e brancos se apresentavam! Agora, claro, tal evento não é novidade para um amante de música sofisticado, mas naqueles anos, a performance de brancos (o clarinetista Goodman e o baterista Gene Krupa) e negros (o pianista Teddy Wilson e o vibrafonista Lionel Hampton) literalmente rasgou todos os padrões em pedaços.

No final dos anos 30, a orquestra branca de Glenn Miller ganhou popularidade. Espectadores e ouvintes imediatamente chamaram a atenção para o característico "som cristalino" e elaboraram com maestria os arranjos, mas ao mesmo tempo afirmaram que havia um mínimo de espírito jazzístico na música da orquestra. Durante a Segunda Guerra Mundial, a "era do swing" terminou: a criatividade foi para as sombras, e o "entretenimento" brilhou no palco, e a própria música se transformou em uma massa consumidora que não exigia nenhuma frescura especial. Junto com a guerra, o desânimo chegou ao acampamento dos jazzistas: parecia-lhes que sua música favorita estava se movendo suavemente para o pôr do sol da existência.

No entanto, o início de uma nova revolução do jazz foi semeado em uma das cidades nativas desse estilo de música - Nova York. Jovens músicos, em sua maioria negros, incapazes de suportar o declínio de sua música em orquestras em clubes oficiais, após shows tarde da noite, reuniam-se em seus próprios clubes na Rua 52. Meca para todos eles era o clube Milton Playhouse. Foi nesses clubes de Nova York que os jovens jazzistas fizeram algo inimaginável e radicalmente novo: improvisaram o máximo possível em acordes simples de blues, construindo-os em uma sequência aparentemente completamente inapropriada, virando-os do avesso e reorganizando-os, tocando extremamente complexos e longos melodias que começavam bem no meio do compasso e terminavam ali. Milton Playhouse naqueles anos tinha muitos visitantes: todos queriam ver e ouvir a fera estranha, ornada e inimaginavelmente nascida no palco. Em um esforço para cortar pessoas profanas aleatórias que muitas vezes gostam de subir no palco e improvisar com músicos, os jazzmen começaram a tomar um ritmo acelerado de composições, às vezes acelerando-as a velocidades incríveis que apenas profissionais poderiam lidar.

Foi assim que nasceu o estilo revolucionário do jazz, o be-bop. O saxofonista alto criado em Kansas City Charlie Parker, o trompetista John Berks Gillespie, apelidado de "Dizzy" ("Dizzy"), o guitarrista Charlie Christian (um dos fundadores da linguagem harmônica), os bateristas Kenny Clarke e Max Roach - esses nomes são para sempre inscrito em letras de ouro na história do jazz e, especificamente, do be-bop. A base rítmica da bateria no be-bop foi transferida para as placas, apareceram atributos externos especiais dos músicos, e a maioria desses shows ocorreu em pequenos clubes fechados - assim pode ser descrito o fazer musical da banda. E acima de todo esse caos aparentemente, o saxofone de Parker subiu: não havia igual a ele em nível, técnica e habilidade. Não é de surpreender que o temperamento do músico simplesmente tenha queimado seu mestre: Parker morreu em 1955, "queimado" por tocar saxofone constante e em alta velocidade, álcool e drogas.

Foi a criação do be-bop que não só impulsionou o desenvolvimento do jazz, mas também se tornou o ponto de partida da ramificação do jazz como tal. O be-bop foi na direção do underground - pequenas casas de show, ouvintes seletos e devotados, e também interessados ​​nas raízes da música em geral, enquanto o segundo ramo representava o jazz no reino do sistema de consumo - assim foi o pop jazz nasceu, que existe até hoje. Assim, ao longo dos anos, elementos do pop jazz foram usados ​​por estrelas da música como Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones e outros.

Quanto ao ramo menos popular do jazz, o hard bop seguiu o be-bop. Neste estilo, a aposta foi feita no blues, início extático. O desenvolvimento do hard bop foi influenciado pela execução do saxofonista Sonny Rollins, do pianista Horace Silver, do trompetista Clifford Brown e do baterista Art Blakey. A propósito, a banda de Blakey chamada The Jazz Messengers tornou-se uma forja do pessoal do jazz em todo o mundo até a morte do músico em 1990. Ao mesmo tempo, outros estilos próprios foram se desenvolvendo nos Estados Unidos: o cool jazz, comum na Costa Leste, conquistou o coração dos ouvintes, e o Oeste conseguiu opor o estilo da Costa Oeste aos seus vizinhos. Membro da Parker Orchestra, o trompetista negro Miles Davis, junto com o arranjador Gil Evans, criou o cool jazz ("cool jazz") usando novas harmonias no be-bop. A ênfase foi deslocada dos altos andamentos da música para a complexidade dos arranjos. Ao mesmo tempo, o saxofonista barítono branco Gerry Mulligan e seu conjunto apostavam em outros sotaques do cool jazz - por exemplo, na improvisação coletiva simultânea que vinha da escola de Nova Orleans. A Costa Oeste, com os saxofonistas brancos Stan Getz e Zoot Sims tocando na costa oeste ("costa oeste"), apresentou uma imagem diferente do be-bop, criando um som mais leve que o de Charlie Parker. E o pianista John Lewis tornou-se o fundador do Modern Jazz Quartet, que basicamente não tocava em clubes, tentando dar ao jazz um concerto, de forma ampla e séria. Aproximadamente o mesmo, aliás, foi alcançado pelo quarteto do pianista Dave Brubeck.

Assim, o jazz começou a tomar forma própria: as composições e as partes solo dos jazzmen tornaram-se mais longas. Ao mesmo tempo, uma tendência apareceu no hard bop e no cool jazz: uma peça durou de sete a dez minutos e um solo - cinco, seis, oito "quadrados". Paralelamente, o próprio estilo foi enriquecido por várias culturas, especialmente a latino-americana.

No final da década de 1950, uma nova reforma recaiu sobre o jazz, desta vez no campo da linguagem harmônica. O inovador nesta parte foi novamente Miles Davis, que lançou sua famosa gravação "Kind of Blue" em 1959. As tonalidades e progressões de acordes tradicionais mudaram, os músicos não podiam deixar dois acordes por vários minutos, mas ao mesmo tempo demonstravam o desenvolvimento do pensamento musical de tal forma que o ouvinte nem percebia a monotonia. O saxofonista tenor de Davis, John Coltrane, também se tornou um símbolo de reforma. A técnica de tocar e o pensamento musical de Coltrane, demonstrados em gravações no início dos anos 60, são insuperáveis ​​até hoje. O saxofonista alto Ornette Coleman, que criou o estilo de free jazz ("free jazz"), também se tornou um símbolo da virada dos anos 50 e 60 no jazz. Harmonia e ritmo nesse estilo praticamente não são respeitados, e os músicos seguem qualquer melodia, mesmo a mais absurda. Em termos harmônicos, o free jazz tornou-se o ápice - então havia ruído absoluto e cacofonia, ou silêncio completo. Tal limite absoluto fez de Ornette Coleman um gênio da música em geral e do jazz em particular. Talvez apenas o músico de vanguarda John Zorn tenha se aproximado dele em seu trabalho.

Os anos 60 também não se tornaram a era da popularidade incondicional do jazz. A música rock veio à tona, cujos representantes voluntariamente experimentaram técnicas de gravação, volume, eletrônica, distorção de som, vanguarda acadêmica, técnicas de execução. Segundo a lenda, a ideia de uma gravação conjunta do virtuoso guitarrista Jimi Hendrix e do lendário jazzman John Coltrane surgiu naquela época. No entanto, já em 1967, Coltrane morreu e, alguns anos depois, Hendrix morreu, e essa ideia permaneceu na lenda. Miles Davis também teve sucesso nesse gênero: no final dos anos 60, ele conseguiu cruzar com bastante sucesso o rock e o jazz, criando um estilo jazz-rock, cujos principais representantes em sua juventude tocaram principalmente na banda de Davis: os tecladistas Herbie Hancock e Chick Corea, o guitarrista John McLaughlin, o baterista Tony Williams. Ao mesmo tempo, o jazz-rock, também conhecido como fusion, foi capaz de dar origem a seus próprios representantes individuais proeminentes: o baixista Jaco Pastorius, o guitarrista Pat Metheny, o guitarrista Ralph Towner. No entanto, a popularidade do fusion, que surgiu no final dos anos 60 e ganhou popularidade nos anos 70, declinou rapidamente, e hoje esse estilo é um produto completamente comercial, transformando-se em smooth jazz ("smoothed jazz") - música de fundo em que ritmos e linhas melódicas deram lugar a improvisações. O smooth jazz é representado por George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman e outros.

Nos anos 70, um nicho separado foi ocupado pelo jazz mundial ("música do mundo") - uma fusão especial obtida como resultado da fusão da chamada "worlmusic" (música étnica, principalmente dos países do Terceiro Mundo) e jazz. É característico que neste estilo a ênfase fosse colocada igualmente na velha escola de jazz e na estrutura étnica. Por exemplo, os motivos da música folclórica da América Latina (apenas o solo foi improvisado, o acompanhamento e a composição permaneceram os mesmos que na música etno), motivos do Oriente Médio (Dizzy Gillespie, quartetos e quintetos de Keith Jarrett), motivos da música indiana (John McLaughlin) ganhou fama. , Bulgária (Don Ellis) e Trinidad (Andy Narrell).

Se os anos 60 se tornaram a era da mistura de jazz com rock e música étnica, nos anos 70 e 80 os músicos decidiram novamente começar a experimentar. O funk moderno tem suas raízes neste período, com acompanhantes tocando black pop soul e funk, enquanto extensas improvisações solo são mais criativas e jazzísticas. Representantes proeminentes deste estilo foram Grover Washington Jr., membros dos The Crusaders Felder Wilton e Joe Semple. Posteriormente, todas as inovações resultaram em uma gama mais ampla de jazz funk, cujos representantes mais brilhantes foram Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics.

Além disso, o acid jazz ("jazz ácido") gradualmente começou a aparecer no palco, caracterizado pela leveza e pela "dança". Uma característica das performances dos músicos é o acompanhamento de amostras retiradas de pegas de vinil. O onipresente Miles Davis tornou-se novamente o pioneiro do acid jazz, e Derek Bailey começou a representar a ala mais radical do plano de vanguarda. Nos Estados Unidos, o termo "jazz ácido" praticamente não tem popularidade: lá essa música é chamada de groove jazz e club jazz. O auge da popularidade do acid jazz veio na primeira metade dos anos 90, e no "zero" a popularidade do estilo começou a declinar: o novo jazz veio para substituir o acid jazz.

Quanto à URSS, a orquestra de Moscou do pianista e compositor Alexander Tsfasman é considerada o primeiro conjunto de jazz profissional a se apresentar no rádio e gravar um disco. Antes dele, as jovens bandas de jazz se concentravam principalmente na performance da música de dança daqueles anos - foxtrot, Charleston. Graças ao conjunto de Leningrado liderado pelo ator e cantor Leonid Utyosov e o trompetista Ya. B. Skomorovsky, o jazz entrou nos principais locais da URSS já nos anos 30. A comédia "Merry Fellows" com a participação de Utyosov, filmada em 1934 e contando sobre um jovem músico de jazz, teve uma trilha sonora correspondente de Isaac Dunayevsky. Utyosov e Skomorovsky criaram um estilo especial chamado tea-jazz ("jazz teatral"). Eddie Rosner, que se mudou da Europa para a União Soviética e se tornou um popularizador do swing, junto com bandas de Moscou dos anos 30 e 40, deu sua contribuição para o desenvolvimento do jazz na URSS. sob a liderança de Alexander Tsfasman e Alexander Varlamov.

O próprio governo da URSS era bastante ambíguo em relação ao jazz. Não houve proibição oficial da execução de músicas de jazz e da distribuição de discos de jazz, no entanto, houve críticas a esse estilo de música à luz da rejeição da ideologia ocidental em geral. Já nos anos 40, o jazz teve que ir para a clandestinidade devido à perseguição que havia começado, mas já no início dos anos 60, com o advento do “degelo” de Khrushchev, os jazzmen voltaram a aparecer. No entanto, as críticas ao jazz não pararam mesmo assim. Assim, as orquestras de Eddie Rozner e Oleg Lundstrem retomaram suas atividades. Surgiram também novas composições, entre as quais se destacaram as orquestras de Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Moscou), bem como a Orquestra de Variedades de Riga (REO). Também sobem ao palco arranjadores talentosos e improvisadores solo: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. O jazz de câmara e clube está se desenvolvendo, cujos adeptos são Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril e Leonid Chizhik. A Meca do jazz soviético e depois russo foi o clube Blue Bird, que existiu de 1964 a 2009 e trouxe músicos como os irmãos Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e outros.

No "zero" o jazz encontrou um novo fôlego, e a rápida disseminação da Internet serviu como um impulso colossal não apenas para gravações de sucesso comercial, mas também para artistas underground. Hoje, qualquer um pode ir aos shows do experimentador maluco John Zorn e da cantora de jazz pop Cathy Malua, um morador da Rússia pode se orgulhar de Igor Butman, e um cubano pode se orgulhar de Arturo Sandoval. Dezenas de estações aparecem no rádio, transmitindo jazz em todas as suas formas. Sem dúvida, o século 21 colocou tudo em seu devido lugar e deu ao jazz o lugar onde deveria estar - em um pedestal, junto com outros estilos clássicos.