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Seções: Literatura

Tema: O poder mágico da arte.

Epígrafes:

Aceito o triunfo das notas altas,
Altos sentimentos de amor e inspiração,
Santa fé da atemporalidade
E obra de arte leve.

P. Tikhonov.

Os sons do violino são todos seres vivos,
Dormindo em você será despertado...
Tudo está nesta música
Você só pega.

A. Romanov (gr. "domingo")

Lições objetivas:

Equipamento:

1. Ilustrações da Igreja da Intercessão no Nerl, Catedral de São Basílio, a estátua de Vênus de Milo ...
2. Reproduções de pinturas de artistas russos: “Retrato de A.P. Struyskaya" do artista F.S. Rokotova
   La Gioconda de Leonardo da Vinci
3. Multimídia

Durante as aulas

EU.Organizando o tempo.

II. Introdução à lição.

A literatura é um tipo de arte, então decidi expandir o tópico da aula de epígrafe para todo o curso de literatura do 10º ano e hoje quero oferecer a vocês uma conversa sobre o “poder mágico da arte”.
O que significa a palavra "arte"? Vamos fazer uma série sinônima e associativa.

(Sinônimos, séries associativas e significados da palavra propostos pelos alunos de acordo com o dicionário de S.I. Ozhegov são exibidos na tela
arte, criatividade, habilidade, criação, atividade artística; inspiração, música, teatro, escultura, literatura, beleza, deleite, admiração, imagens, harmonia; Arte: 1. Reflexão criativa, reprodução da realidade em imagens artísticas. 2. Habilidade, habilidade, conhecimento do assunto. 3. A mesma coisa que requer tal habilidade, habilidade.)

Com base no que você escreveu, diga-me, que impacto a arte deve ter em uma pessoa?

(A arte nos agrada com a harmonia da beleza, evoca sentimentos entusiasmados, sacode a alma, desperta a inspiração.)

Este ano, conheceremos as obras de I.S. Turgenev, I.A. Goncharov, N.A. Nekrasov, M.E. Saltykov-Shchedrin, F.M. Dostoiévski, L.N. Chekhov, cujo trabalho ainda não perdeu o interesse em todo o mundo. Há casos em que os estrangeiros aprendem russo para ler no original as criações de nossos mestres que os impressionaram. E uma aluna da Universidade de Berna, na Suíça, aprendeu a língua quando viu danças folclóricas russas no palco. Talvez por isso valha a pena falar do poder mágico da arte. Vamos tentar testar esta afirmação hoje.

III. Trabalhe o tema da aula.

Vamos ouvir a música "Musician" de A. Romanov, líder do grupo "Voskresenye", interpretada por Konstantin Nikolsky. ( Letras em cada parte)

Observe as palavras, expressões que o afetam.
(“... os sons do violino vão te acordar dormindo em você...”, “... se você ainda não está muito bêbado...” “... sobre os infelizes e felizes, sobre os bons e mal, sobre ódio feroz e amor santo ...” o que estava acontecendo em sua terra, tudo está nesta música - você apenas pega ... "" o violino se cansou "" o caso silencioso "" a melodia permaneceu ". )

Que imagens, associações, pensamentos essas linhas evocam?

(Música talentosa, a voz emotiva de um violino, comparável a uma humana, pode despertar sentimentos adormecidos, fazer você pensar não apenas em seu próprio destino, mas em tudo “o que está acontecendo em sua terra”, torná-lo um “co- trabalhador".
É assustador se o violino se cansa e silencia, para de "queimar o coração das pessoas". O "caso mudo" se assemelhará reprovadoramente a "um vaso em que há vazio". Mas a energia da voz do violino, de acordo com a lei da física, não pode desaparecer, é apenas inaudível devido ao ruído humano, a vaidade impede a pessoa de sentir seus toques maravilhosos nas cordas da alma.)

Por que essas imagens perturbadoras, gravadas na memória, lembradas?

(O homem, o mais insensível, sem emoção, foi criado harmonioso, o que significa que em sua alma deve viver a chama do Amor, reluzir, que, mesmo fumegante, você pode tentar inflar para devolver o rosto, imagem e semelhança do Criador para aqueles que perdem.)

Qual linha da música diz a coisa mais importante? Que questões importantes o autor coloca na vida de uma pessoa?

(“Por que você veio ao mundo…”
Todos são capazes de compreender obras de arte?
Qual é o propósito da arte e qual é o poder de sua influência sobre as pessoas?
Uma pessoa é responsável pelo que está acontecendo ao seu redor. “Basta pegar”, o autor chama. Pegue - então tente ouvir o principal, não se isole da vida. Perto há sempre aqueles que lembrarão "... dos infelizes e felizes, do bem e do mal, do ódio feroz e do amor santo...". O nome deles é Mestres.)

Qual é a força do talento do violinista e como ele se manifesta?
- Qual é a sua atitude em relação à música?
- O que você pode dizer sobre o autor da música?

2. Passemos ao ensaio literário de G.I. Ouspensky "Endireitado", escrito em 1885.

(O trabalho foi lido pelos alunos para a lição)

Quem é o herói da obra?

(O herói do ensaio é "o professor rural Tyapushkin, amassado por "trabalho escolar tedioso", "uma massa de insignificantes ... preocupações e tormentos diários", mas não desprovido de manifestações da alma humana, sedenta de perfeição". )

Qual é o estado de espírito de Tyapushkin? Como é o estilo de vida dele?

(“Tudo isso continuou...”, “me chocou...”, “conversa deliberada”, “sentindo algum tipo de infortúnio sem limites...”. “Estou sentado no frio...”, “eu vai comer...”, “Tendo voltado para o meu canto...”, “Deprimido...” “Na cidade provinciana... eu estava definhando na minha alma...” “Profundamente torcido...”, “Absolutamente nada afetuoso...” “Um casaco rasgado, cama feita em casa, travesseiros de palha…”, “O infortúnio perfura o cérebro…”, “Covil "(não é um quarto)", Ai da minha vida ... ")

O que lhe dá força, "incentiva", "reaviva"?

(Um sonho, "algo bom", lembra Tyapushkin, "como 12 anos atrás, em Paris, no Louvre, ele viu Vênus de Milo".)

Que impressão a estátua da deusa causou nele e por quê?

(“O que aconteceu comigo?”, “Qual é o segredo?” Quem veio aqui “sem a menor necessidade moral”,
"como uma luva amassada", ele sentiu de repente: "... me endireitou.")

Como ele viu Vênus de Milo? Sua ideia de beleza feminina corresponde à beleza de uma deusa feminina?

(… Não, não.)

Por que a impressão do herói não dependia da inconsistência externa com seu ideal?

(Uma obra de arte atrai outra coisa.)

Mas aconteceu que ele "de novo se deixou amassar". Isso significa que Tyapushkin "se rendeu", que a influência da obra de arte acabou sendo de curta duração? Como você responderia a essa pergunta e como o autor responde?

(A vida é difícil, forçando Tyapushkin a resolver problemas urgentes diários, ela apagou uma forte impressão emocional da memória do herói. Mas até a memória de uma obra de arte pode mudar uma pessoa. É assim que a atitude do professor muda, ele percebe sua importância , a necessidade de pessoas: “... uma grande obra de arte me fortalece no meu então desejo de entrar na massa escura do povo... eu posso e devo ir lá segundo minhas forças... eu vou lá e se esforçará para garantir que uma pessoa que está começando a viver - o povo não se deixe humilhar.")

Por que o ensaio é chamado de "Endireitado"?

(Este é exatamente o efeito que a estátua teve no herói. Para Tyapushkin, é assustador “... perder a felicidade de se sentir como um homem”, e ele tem certeza de que uma grande obra de arte tem uma força vivificante que tem um efeito purificador sobre a alma e energiza um ser humilhado, ajudando-o a melhorar espiritual e fisicamente.)

3. Vamos nos familiarizar com o pequeno trabalho de V. Veresaev "Competition".

(O professor lê a história sobre o concurso de dois artistas (o professor e seu aluno) até o epílogo, quando as pessoas tomam sua decisão, determinam o vencedor).

Qual das duas pinturas você prefere, a pintura do famoso artista Twice Crowned ou a pintura do Unicorn? Por quê?

(Trabalho em grupos. Finalização da leitura da história e troca de opiniões entre os grupos.)
.
- Por que você acha que escolheu a foto do Unicórnio? Por que o aluno venceu o professor em uma discussão sobre beleza?

(O professor sofreu, buscou o ideal de beleza feminina, encontrou-o e, usando sua habilidade insuperável, criou uma imagem incrível. Ela causou prazer diante de uma mulher sobrenatural, extraordinária. Ao lado dessa beleza, tudo ao redor desbotou, parecia imperfeito, baixo, insignificante. O unicórnio parecia não poder superar o professor na maestria da execução, mas seu "Amanhecer" completamente terreno foi inspirado pelo amor. O aluno superou o professor na força dos sentimentos investidos no trabalho. a pintura permitiu que ele visse e se lembrasse da beleza ao seu redor.)

(O autor mostrou que a beleza externa cativa, encanta, mas a beleza interna é maior. Os olhos de um homem apaixonado veem beleza e esplendor em tudo que o cerca. A amada é sempre a mais bela, a melhor. E não importa quantas os anos passam, ela sempre permanece ela, embora mude de aparência.

Lembro-me das palavras de W. Shakespeare:

Seus olhos não parecem estrelas
Você não pode chamar a boca de corais...
Eu não sei como as deusas andam
Mas o querido anda na terra.

A pintura do Unicórnio é iluminada pelo amor. É essa luz, semelhante à luz de uma estrela brilhante em um céu escuro, que realmente aquece o coração das pessoas (lembre-se da velha e do velho da história)

Aparentemente, entre as obras de arte, o próprio escritor prefere aquelas que trazem alegria, emancipação espiritual, amor e luz, “olhos abertos” para a beleza do mundo.)

O que pode ser dito sobre a interação do Criador, o artista e a personalidade, tendo se familiarizado com a história de V. Veresaev?

(O espectador é o objeto da influência do artista, é sobre ele que se dirige a energia da obra de arte, positiva ou negativa, elevando a alma ou escravizando-a.)

4. Agora trago à sua atenção um poema de Nikolai Zabolotsky “Love painting, poets ...” e um retrato de A.P. Pincel a jato do artista russo F.S. Rokotov.

(Os textos são reproduzidos para cada mesa, na tela há um retrato de A.P. Struiskaya)

- O que há de incomum na imagem feminina no retrato?
- Vamos ver se sua impressão coincide com a opinião do poeta N. Zabolotsky.

(Lendo um poema de um professor)

Por que a percepção é tão diferente, ou o que indica a semelhança de sua percepção e a do poeta?

(Trabalho em grupo sobre questões seguidas de discussão em classe)

a) De que características da linguagem da pintura fala N. Zabolotsky?
b) Até que ponto o poeta e seu herói lírico apreciavam a criação do artista?
c) Só é possível falar da influência da pintura na alma humana lendo N. Zabolotsky? O que dizer do poeta?
d) Que meios de linguagem expressiva, que métodos de criação de imagem o poeta utiliza para transmitir sua admiração?
e) É possível, com base nesses trabalhos, confirmar ou refutar a afirmação feita no título da aula?

(N.A. Zabolotsky acredita que apenas a pintura é a única a ter a oportunidade de capturar belos momentos na tela, capturar mudanças espirituais, encontrar feedback no coração do espectador, portanto, a habilidade do pintor é mágica, com a ajuda de que é possível influenciar uma pessoa. Mas também vimos habilidade de um poeta que é capaz de transmitir seus sentimentos: surpresa, admiração, encanto - a partir da contemplação de uma pintura. A influência de qualquer obra-prima na alma humana é inegável.)

5. Em conclusão, vou contar a história do Caçador.

Era uma vez, quando as pessoas ainda se vestiam com peles de animais e viviam em cavernas, o Caçador retornou ao seu lar natal. Ele teve muito azar naquele dia. Nem um único pássaro o deixou chegar tão perto dele que ele pudesse pegá-lo com uma flecha de seu arco, nem um único veado permitiu que ele se atingisse com uma lança. O caçador sabia que a presa estava esperando na caverna. Imaginou o abuso que as mulheres famintas fariam sobre ele, lembrou-se do olhar desdenhoso do Líder e ficou amargo.

Ele entrou na caverna com as mãos vazias, parou perto do fogo moribundo e falou. O caçador começou a falar sobre como em uma floresta densa ele encontrou uma fera branca como a neve sem precedentes com um único chifre e o perseguiu, como ele feriu essa fera. Diante de seus olhos, a fera se transformou em um belo homem e começou a repreender o Caçador por atacar o próprio Deus da Floresta. O caçador contou como implorou por misericórdia e pediu para ser morto, mas não para ficar zangado com a tribo que o enviou para caçar. Deus perdoou o Caçador, mas o proibiu de matar qualquer um dos animais naquele dia.

Quando o Caçador terminou sua história e olhou com medo para o povo de sua tribo, não viu reprovação nem raiva em seus olhos. As pessoas olhavam para ele com admiração, e o Líder se levantou de sua cadeira, cortou um grande pedaço de favo de mel e o entregou ao caçador.

O que você acha que Hunter recebeu o prêmio?

(O caçador mereceu sua recompensa por uma história vívida. Ele não mentiu para as pessoas. Ele lhes contou uma das primeiras histórias. E ele foi alimentado precisamente para a história. Grande magia aconteceu na caverna: as pessoas ouviram as palavras, e imagens de incidentes surpreendentes apareceram diante de seus olhos, causando medo no Caçador. A história do Caçador não era um pedido de perdão e nem uma reclamação, mas poesia.)

4. Resumindo.

Qual é o poder mágico da arte?

Ivan Bunin, em um ensaio para o poeta I.S. Nikitin, respondeu: “Não sei quem é chamado de boa pessoa. É verdade que quem tem alma é bom, há um sentimento quente, inconscientemente arrancado das profundezas do coração. Não sei o que se chama arte, beleza na arte, suas regras. É verdade que está no fato de que uma pessoa, não importa que palavras, de qualquer forma, fala comigo, mas me faz ver pessoas vivas à minha frente, sentir o sopro da natureza viva, fazendo tremer as melhores cordas do meu coração .

E como você responderia?

V. Lição de casa.

Trabalho criativo à escolha dos alunos:

A) Trabalho escrito:

1. Onde vejo o poder mágico da arte?
2. Uma história (ensaio) sobre os sentimentos que você experimentou uma vez (ao assistir a uma performance, um filme), impressões (de uma foto que você viu, uma escultura, uma estrutura arquitetônica, uma peça de música que você ouviu).

B) Crie sua própria obra de arte (história, poesia, pinturas, artesanato, bordados, esculturas em madeira…)

Lista de literatura usada

1. V.G. Marantsman. Livro didático de literatura para a 9ª série do ensino médio (p. 6)
   Moscou "Iluminismo" 1992.
2. Literatura. 5ª série Livro didático para escolas e aulas com estudo aprofundado de literatura, ginásios e liceus. Compilado por M. B. Ladygin e T. G. Trenina. Editora de Moscou "Drofa" 1995.

Qual é o poder mágico da arte? Que papel desempenha na vida de uma pessoa? É verdade que a arte reflete a alma de um povo? O escritor V. Konetsky, autor do texto proposto para análise, procura responder a essas e outras questões. Por exemplo, refletindo sobre a originalidade da pintura russa, ele chama a atenção para o trabalho de artistas como Savrasov, Levitan, Serov, Korovin, Kustodiev. “Esses nomes escondem não apenas a eterna alegria de viver na arte. É a alegria russa que está escondida, com toda a sua ternura, modéstia e profundidade. E quão simples é a música russa, tão simples é a pintura”, observa o autor. Salienta que a obra destes artistas reflecte a atitude da nossa gente, a sua capacidade de desfrutar da beleza da sua natureza nativa, a capacidade de apreciar a sua simplicidade e despretensão, de encontrar harmonia onde os outros não a sentem.

A arte para uma pessoa também é uma espécie de tábua de salvação, pois não é apenas um meio de autoexpressão, mas também a força que nos conecta com a história e a cultura de nosso país natal, não nos permite esquecer suas extensões, lembra todos uma e outra vez como a Rússia é bonita. V. Konetsky considera muito importante esta propriedade da arte genuína, porque ajuda as pessoas a perceberem o seu envolvimento na sua história, na sua gente, na sua pátria: - despertar e iluminar em um companheiro de tribo um sentimento de pátria."

As obras de pintura, literatura, música também têm um papel muito importante que não pode ser ignorado. Resumindo, o escritor expressa confiança: “A arte é arte quando evoca em uma pessoa um sentimento de felicidade, ainda que fugaz”.

Concordo com o ponto de vista do autor: a verdadeira arte sempre encontrará uma maneira de tocar as cordas de nossa alma, de chegar até o coração mais endurecido. É capaz de levantar uma pessoa que perdeu a esperança de seus joelhos e até mesmo salvar sua vida.

Assim, a arte ressuscitou o desejo de viver no herói do romance épico Guerra e paz de Leo Tolstoi. Nikolai Rostov, tendo perdido muito para Dolokhov nas cartas, simplesmente não viu uma saída para essa situação. A dívida do cartão deve ser paga, mas o jovem oficial não tinha tanto dinheiro. Nesta situação, ele tinha, talvez, a única opção para o desenvolvimento de eventos - suicídio. Dos pensamentos sombrios do herói do romance, a voz da irmã distraiu. Natasha estava aprendendo uma nova ária. Nesse momento, Nikolai, encantado com a música, encantado com a beleza da voz de Natasha, esqueceu os problemas que um minuto atrás lhe pareciam insolúveis. Ele ouviu o canto e só se preocupou se a garota atingiria a nota mais alta. Sua voz suave, o encanto de uma melodia mágica trouxe Nikolai de volta à vida: o herói percebeu que, além da adversidade e da tristeza, há beleza e felicidade no mundo, e vale a pena viver por elas. Isso é o que a verdadeira arte faz!

Também salvou Jonesy, a heroína da história de O'Henry "The Last Leaf". A menina que adoeceu com pneumonia perdeu completamente a esperança de recuperação. Observando a hera cair do lado de fora da janela, ela decide que morrerá quando a última folha cair de seu galho. Um velho artista vizinho Berman, tendo aprendido sobre suas intenções com um amigo da heroína, decide enganar o destino. À noite, durante a chuva fria de outono e o vento forte, ele cria seu quadro principal, uma verdadeira obra-prima: pinta uma pequena folha de hera na parede de tijolos da casa em frente. De manhã Jonesy vê a última folha corajosa lutando bravamente contra a tempestade a noite toda. A garota também decide se recompor e acreditar na vida. Ela se recupera graças ao poder do amor que o velho artista colocou em seu trabalho, o que significa graças à arte. É isso que lhe dá a oportunidade de viver, acreditar em si mesma e ser feliz.

Assim, a arte desempenha um papel essencial em nossas vidas. Dá-lhe a oportunidade de expressar seus sentimentos e pensamentos, une uma variedade de pessoas, ajuda a viver.

Uma obra de arte pode capturar a atenção do espectador, leitor, ouvinte de duas maneiras. Um é determinado pela pergunta "o quê", o outro - pela pergunta "como".

“O que” é um objeto que é retratado em uma obra, um fenômeno, evento, tema, material, ou seja, o que é chamado de conteúdo da obra. Quando se trata de coisas que interessam a uma pessoa, isso naturalmente desperta nele um desejo de aprofundar o significado do que foi dito. No entanto, uma obra rica em conteúdo não precisa necessariamente ser uma obra de arte. As obras filosóficas, científicas, sociopolíticas não podem ser menos interessantes que as artísticas. Mas não é tarefa deles criar imagens artísticas (embora às vezes possam se referir a elas). Se uma obra de arte atrai o interesse de uma pessoa apenas por seu conteúdo, nesse caso seus méritos artísticos (obras) desaparecem em segundo plano. Então, mesmo uma representação não artística do que é vital para uma pessoa pode ferir profundamente seus sentimentos. Com um gosto pouco exigente, uma pessoa pode ficar bastante satisfeita com isso. Um interesse agudo pelos eventos descritos permite que os amantes de histórias de detetive ou romances eróticos vivenciem emocionalmente esses eventos em sua imaginação, independentemente da torpeza de sua descrição, do estereótipo ou da miséria dos meios artísticos utilizados na obra.

É verdade que, neste caso, as imagens artísticas também se revelam primitivas, padrão, estimulando fracamente o pensamento independente do espectador ou leitor e dando origem a apenas complexos de emoções mais ou menos estereotipados nele.

Outra forma relacionada à questão “como” é a forma de uma obra de arte, ou seja, as formas e meios de organizar e apresentar o conteúdo. É aí que reside o “poder mágico da arte”, que processa, transforma e apresenta o conteúdo da obra de tal forma que se materializa em imagens artísticas. O material ou tema de uma obra não pode ser em si artístico ou não artístico. A imagem artística é constituída pelo material que constitui o conteúdo da obra de arte, mas só se forma graças à forma com que esse material é revestido.

Considere as características da imagem artística.

A característica mais importante da imagem artística é que ela expressa a atitude emocional e de valor em relação ao objeto. O conhecimento sobre o objeto serve nele apenas como pano de fundo sobre o qual emergem as experiências associadas a esse objeto.

I. Ehrenburg no livro "Pessoas, Anos, Vida" conta sobre sua conversa com o pintor francês Matisse. Matisse pediu a Lydia, sua assistente, que trouxesse uma escultura de um elefante. Eu vi, - escreve Ehrenburg, - uma escultura negra, muito expressiva - o escultor esculpiu em madeira um elefante raivoso. "Gostou?", perguntou Matisse, e eu respondi: "Muito". - "E nada te incomoda?" - "Não." - "Eu também. Mas então um europeu, um missionário, veio e começou a ensinar ao negro: “Por que as presas do elefante estão levantadas? Um elefante pode levantar a tromba, e as presas são dentes, não se movem.” “O negro obedeceu...” Matisse chamou novamente: “Lydia, por favor, traga outro elefante”. Rindo maliciosamente, ele me mostrou uma estatueta semelhante às vendidas em lojas de departamentos na Europa: “As presas estão no lugar, mas a arte acabou”. ele realmente é. Mas se ele tivesse feito uma cópia escultural anatomicamente precisa do animal, é improvável que a pessoa que o examina fosse capaz de sobreviver, experimentar, “sentir” a impressão da visão de um elefante furioso. a parte mais formidável de seu corpo, parecem prestes a cair sobre a vítima. alma.

Pode-se ver pelo exemplo considerado que uma imagem artística não é apenas uma imagem como resultado do reflexo de objetos externos que surge na psique. Seu propósito não é refletir a realidade como ela é, mas evocar na alma humana experiências associadas à sua percepção. Nem sempre é fácil para o espectador expressar em palavras o que está vivenciando. Ao olhar para uma estatueta africana, pode ser uma impressão do poder, raiva e fúria de um elefante, uma sensação de perigo, etc. Pessoas diferentes podem perceber e experimentar a mesma coisa de maneiras diferentes. Muito depende aqui das características subjetivas do indivíduo, de seu caráter, pontos de vista, valores. Mas, em qualquer caso, uma obra de arte pode evocar sentimentos em uma pessoa apenas quando inclui sua imaginação na obra. Um artista não pode fazer uma pessoa experimentar alguns sentimentos simplesmente nomeando-os. Se ele simplesmente nos informa que tais e tais sentimentos e humores devem surgir em nós, ou mesmo os descreve em detalhes, é improvável que os tenhamos. Ele excita experiências modelando as causas que as originaram por meio da linguagem artística, ou seja, vestindo essas causas em algum tipo de forma artística. A imagem artística é o modelo da causa que dá origem às emoções. Se o modelo da causa "funciona", ou seja, a imagem artística é percebida, recriada na imaginação humana, aparecem as consequências dessa causa - emoções causadas "artificialmente". E então acontece um milagre da arte - seu poder mágico encanta uma pessoa e a leva para outra vida, para um mundo criado para ela por um poeta, escultor, cantor. “Michelangelo e Shakespeare, Goya e Balzac, Rodin e Dostoiévski criaram modelos de causas sensuais que são quase mais surpreendentes do que aquelas que a vida nos apresenta. Por isso são chamados de grandes mestres.

A imagem artística é a “chave de ouro” que aciona o mecanismo da experiência. Recriando com a força de sua imaginação o que é apresentado em uma obra de arte, o espectador, leitor, ouvinte torna-se, em maior ou menor medida, um “coautor” da imagem artística nela contida.

Na arte "objetiva" (bela) - pintura, escultura, performance dramática, filme, romance ou história, etc. - a imagem artística é construída a partir de uma imagem, uma descrição de alguns fenômenos que existem (ou são apresentados como existentes ) no mundo real. As emoções evocadas desta forma artística são duplas. Por um lado, eles se relacionam com o conteúdo da imagem artística e expressam a avaliação de uma pessoa dessas realidades (objetos, objetos, fenômenos da realidade) que são refletidas na imagem. Por outro lado, referem-se à forma como o conteúdo da imagem é incorporado e expressam uma avaliação dos méritos artísticos da obra. As emoções do primeiro tipo são sentimentos evocados "artificialmente" que reproduzem as experiências de eventos e fenômenos reais. As emoções do segundo tipo são chamadas de estéticas. Eles estão associados à satisfação das necessidades estéticas de uma pessoa - a necessidade de valores como beleza, harmonia, proporcionalidade. A atitude estética é “uma avaliação emocional de como o conteúdo dado é organizado, construído, expresso, incorporado pela forma, e não pelo conteúdo em si”.

A imagem artística em sua essência não é tanto um reflexo dos fenômenos da realidade, mas uma expressão de sua percepção humana, as experiências associadas a eles, a atitude emocional e valorativa em relação a eles.

Mas por que as pessoas precisam de emoções artificialmente evocadas nascidas no processo de percepção de imagens artísticas? Eles não têm experiências suficientes relacionadas à sua vida real? Até certo ponto isso é verdade. A vida monótona e monótona pode causar "fome emocional". E então a pessoa sente a necessidade de algumas fontes adicionais de emoções. Essa necessidade os leva a buscar "emoção" no jogo, na busca deliberada do risco, na criação voluntária de situações perigosas.

A arte oferece às pessoas a possibilidade de "vidas extras" nos mundos imaginários das imagens artísticas.

“A arte “transferia” uma pessoa para o passado e para o futuro, “realocava-a” para outros países, permitia que uma pessoa “reencarnasse” em outra, tornando-se por um tempo Espártaco e César, Romeu e Macbeth, Cristo e Demônio, até o Branco Fang e o Patinho Feio; transformou um adulto em uma criança e um velho, permitiu que todos sentissem e soubessem o que ele nunca poderia compreender e experimentar em sua vida real.

As emoções que as obras de arte evocam em uma pessoa não apenas tornam sua percepção das imagens artísticas mais profundas e excitantes. Como mostra V. M. Allahverdov, as emoções são sinais que vão da área do inconsciente para a esfera da consciência. Eles sinalizam se a informação recebida reforça o “modelo do mundo” que se desenvolveu nas profundezas do subconsciente ou, ao contrário, revela sua incompletude, imprecisão e inconsistência. Ao “mover-se” para o mundo das imagens artísticas e experimentar “vidas extras” nele, uma pessoa obtém amplas oportunidades para verificar e refinar o “modelo do mundo” que se desenvolveu em sua cabeça com base em sua estreita experiência pessoal. Sinais emocionais rompem o "cinturão protetor" da consciência e induzem a pessoa a perceber e mudar suas atitudes anteriormente não realizadas.

É por isso que as emoções evocadas pela arte desempenham um papel importante na vida das pessoas. As experiências emocionais de "vidas extras" levam à ampliação do olhar cultural do indivíduo, ao enriquecimento de sua experiência espiritual e ao aprimoramento de seu "modelo de mundo".

Não é incomum ouvir como as pessoas, olhando para uma foto, admiram sua semelhança com a realidade (“Uma maçã é como uma real!”; “Ele fica no retrato como se estivesse vivo!”). A opinião de que a arte - pelo menos a arte "objetiva" - consiste na capacidade de alcançar uma semelhança entre a imagem e o retratado é difundida. Mesmo na antiguidade, essa opinião formou a base da "teoria da imitação" (em grego - mimesis), segundo a qual a arte é uma imitação da realidade. Deste ponto de vista, o ideal estético deve ser a máxima semelhança da imagem artística com o objeto. Em uma antiga lenda grega, o público ficou encantado com um artista que pintou um arbusto com bagas de forma tão semelhante que os pássaros se reuniram para se banquetear com eles. E dois mil e quinhentos anos depois, Rodin era suspeito de ter alcançado uma credibilidade incrível ao engessar um homem nu, fazendo uma cópia dele e passando-a como uma escultura.

Mas uma imagem artística, como se depreende do que foi dito acima, não pode ser simplesmente uma cópia da realidade. Claro, um escritor ou artista que pretende retratar qualquer fenômeno da realidade deve fazê-lo de tal forma que leitores e espectadores possam pelo menos reconhecê-los. Mas a semelhança com o retratado não é de forma alguma a principal vantagem da imagem artística.

Goethe disse uma vez que, se um artista desenha um poodle de maneira muito semelhante, pode se alegrar com a aparência de outro cachorro, mas não com uma obra de arte. E Gorky sobre um de seus retratos, que se distinguiu pela precisão fotográfica, assim se expressou: “Este não é o meu retrato. Este é um retrato da minha pele." Fotografias, moldes de mãos e rosto, figuras de cera destinam-se a copiar os originais com a maior precisão possível.

No entanto, a precisão não os torna obras de arte. Além disso, o caráter emocional e valorativo da imagem artística, como já foi mostrado, implica um recuo da objetividade impassível na representação da realidade.

As imagens artísticas são modelos mentais de fenômenos, e a semelhança de um modelo com o objeto que reproduz é sempre relativa: qualquer modelo deve ser diferente de seu original, caso contrário seria apenas um segundo original, e não um modelo. "A exploração artística da realidade não pretende ser a própria realidade - isso distingue a arte dos truques ilusionistas projetados para enganar a visão e a audição."

Ao perceber uma obra de arte, meio que “colocamos entre parênteses o fato de que a imagem artística que ela carrega não coincide com a original. Aceitamos a imagem como se fosse a personificação de um objeto real, “arranjamos” para ignorar seu “personagem falso”. Esta é a convenção artística.

A convenção artística é uma suposição conscientemente aceita, sob a qual a causa de experiências “falsa”, criada pela arte, torna-se capaz de causar experiências que parecem “exatamente reais”, embora estejamos cientes ao mesmo tempo de que são de origem artificial. “Vou derramar lágrimas sobre a ficção” - foi assim que Pushkin expressou o efeito da convenção artística.

Quando uma obra de arte dá origem a algumas emoções em uma pessoa, ela não apenas as experimenta, mas também entende sua origem artificial. A compreensão de sua origem artificial contribui para que encontrem relaxamento em seus pensamentos. Isso permitiu que L. S. Vygotsky a dizer: "As emoções da arte são emoções inteligentes". A conexão com a compreensão e a reflexão distingue as emoções artísticas das emoções causadas pelas circunstâncias da vida real.

V. Nabokov em suas palestras sobre literatura diz: “Na verdade, toda literatura é ficção. Qualquer arte é um engano... O mundo de qualquer grande escritor é um mundo de fantasia com sua própria lógica, suas próprias convenções...” . O artista nos engana, e nós somos enganados voluntariamente. Segundo o filósofo e escritor francês J.-P. Sartre, o poeta mente para dizer a verdade, ou seja, para suscitar uma experiência sincera e verdadeira. O notável diretor A. Tairov disse brincando que o teatro é uma mentira construída em um sistema: “O ingresso que o espectador compra é um acordo simbólico sobre o engano: o teatro se compromete a enganar o espectador; o espectador, um verdadeiro bom espectador, compromete-se a sucumbir ao engano e a ser enganado... Mas o engano da arte - torna-se a verdade devido à autenticidade dos sentimentos humanos.

Existem vários tipos de convenções artísticas, incluindo:

"denotando" - separa a obra de arte do meio ambiente. Essa tarefa é atendida pelas condições que determinam a área de percepção artística - o palco do teatro, o pedestal da escultura, a moldura da imagem;

"compensar" - introduz no contexto da imagem artística a ideia de seus elementos que não são retratados na obra de arte. Como a imagem não corresponde ao original, sua percepção sempre exige conjecturar no imaginário do que o artista não pôde mostrar ou deixou deliberadamente não dito.

Tal é, por exemplo, a convenção espaço-tempo na pintura. A percepção da imagem pressupõe que o espectador representa mentalmente a terceira dimensão, que expressa condicionalmente a perspectiva no plano, desenha na mente a árvore cortada pela borda da tela, introduz a passagem do tempo na imagem estática e, consequentemente, mudanças temporárias que são transmitidas na imagem com a ajuda de alguns fundos condicionais;

"acentuar" - enfatiza, realça, exagera os elementos emocionalmente significativos da imagem artística.

Os pintores muitas vezes conseguem isso exagerando o tamanho do objeto. Modigliani pinta mulheres com olhos anormalmente grandes que se estendem além do rosto. Na pintura de Surikov "Menshikov em Berezov" a figura inacreditavelmente enorme de Menshikov cria a impressão da escala e poder desta figura, que era a "mão direita" de Pedro;

“complementar” - aumentar o conjunto de meios simbólicos da linguagem artística. Esse tipo de convencionalidade é especialmente importante na arte "não objetiva", onde uma imagem artística é criada sem recorrer à imagem de quaisquer objetos. Meios de signos não pictóricos às vezes não são suficientes para construir uma imagem artística, e a convencionalidade "complementar" expande seu alcance.

Assim, no balé clássico, movimentos e posturas, naturalmente associados a experiências emocionais, são complementados por meios simbólicos condicionais de expressão de certos sentimentos e estados. Na música desse tipo, meios adicionais são, por exemplo, ritmos e melodias que dão um sabor nacional ou lembram eventos históricos.

Um símbolo é um tipo especial de signo. A utilização de qualquer signo como símbolo permite-nos, através da imagem de uma coisa específica, única (a aparência externa do símbolo), transmitir pensamentos de natureza geral e abstrata (o significado profundo do símbolo).

Recorrer a símbolos abre amplas possibilidades para a arte. Com a ajuda deles, uma obra de arte pode ser preenchida com um conteúdo ideológico que vai muito além do escopo daquelas situações e eventos específicos que são diretamente retratados nela. Portanto, a arte como um sistema de modelagem secundário usa amplamente uma variedade de simbolismos. Nas linguagens da arte, os meios de signos são usados ​​não apenas em seu significado direto, mas também para “codificar” significados simbólicos “secundários” profundos.

Do ponto de vista semiótico, uma imagem artística é um texto que carrega informações esteticamente projetadas e emocionalmente ricas. Através do uso da linguagem simbólica, essas informações são apresentadas em dois níveis. Na primeira, expressa-se diretamente no "tecido" sensualmente percebido da imagem artística - na forma de pessoas, ações, objetos específicos exibidos por essa imagem. Na segunda, deve ser obtida penetrando no significado simbólico da imagem artística, interpretando mentalmente seu conteúdo ideológico. Portanto, a imagem artística carrega não apenas emoções, mas também pensamentos. O impacto emocional de uma imagem artística é determinado pela impressão de que tanto a informação que recebemos no primeiro nível, através da percepção da descrição de fenômenos específicos que nos é dada diretamente, quanto aquela que captamos no segundo nível através do interpretação do simbolismo da imagem, têm sobre nós. Claro, entender o simbolismo requer esforço intelectual adicional. Mas, por outro lado, isso aumenta muito as impressões emocionais feitas em nós pelas imagens artísticas.

O conteúdo simbólico das imagens artísticas pode ter um caráter muito diferente. Mas está sempre presente até certo ponto. Portanto, a imagem artística não se limita ao que é retratado nela. Ele sempre nos “fala” não apenas sobre isso, mas também sobre algo mais que vai além do objeto concreto, visível e audível que representa.

No conto de fadas russo, Baba Yaga não é apenas uma velha feia, mas uma imagem simbólica da morte. A cúpula bizantina da igreja não é apenas uma forma arquitetônica do telhado, mas um símbolo da abóbada do céu. O sobretudo de Gogol, Akaki Akakievich, não é apenas uma roupa, mas uma imagem simbólica da futilidade dos sonhos de uma vida melhor de um homem pobre.

O simbolismo de uma imagem artística pode basear-se, em primeiro lugar, nas leis da psique humana.

Assim, a percepção da cor pelas pessoas tem uma modalidade emocional associada às condições sob as quais essa outra cor costuma ser observada na prática. A cor vermelha - a cor do sangue, fogo, frutas maduras - excita uma sensação de perigo, atividade, atração erótica, desejo pelas bênçãos da vida. Verde - a cor da grama, folhagem - simboliza o crescimento da vitalidade, proteção, confiabilidade, paz de espírito. O preto é percebido como a ausência de cores vivas da vida, lembra a escuridão, o mistério, o sofrimento, a morte. O carmesim escuro - uma mistura de preto e vermelho - evoca um clima pesado e sombrio.

Pesquisadores de percepção de cores, com algumas diferenças na interpretação de cores individuais, geralmente chegam a conclusões semelhantes sobre seu impacto psicológico. De acordo com Freeling e Auer, as cores são caracterizadas da seguinte forma.

Em segundo lugar, a imagem artística pode ser construída sobre o simbolismo que se desenvolveu historicamente na cultura.

No curso da história, descobriu-se que a cor verde se tornou a cor da bandeira do Islã, e os artistas europeus, retratando uma névoa esverdeada atrás dos sarracenos que se opunham aos cruzados, apontam simbolicamente para o mundo muçulmano à distância. Na pintura chinesa, o verde simboliza a primavera e, na tradição cristã, às vezes atua como um símbolo de estupidez e pecaminosidade (Swedenberg diz que os tolos no inferno têm olhos verdes; um dos vitrais da Catedral de Chartres retrata um e Satanás de olhos verdes).

Outro exemplo. Escrevemos da esquerda para a direita e o movimento nessa direção parece normal. Quando Surikov retrata a nobre Morozova em um trenó andando da direita para a esquerda, seu movimento nessa direção simboliza um protesto contra as atitudes sociais aceitas. No entanto, no mapa à esquerda está o Oeste, à direita está o Leste. Portanto, em filmes sobre a Guerra Patriótica, o inimigo geralmente ataca à esquerda e as tropas soviéticas à direita.

Em terceiro lugar, ao criar uma imagem artística, o autor pode dar-lhe um significado simbólico baseado em suas próprias associações, que às vezes inesperadamente iluminam coisas familiares de uma nova perspectiva.

A descrição do contato de fios elétricos aqui se transforma em uma reflexão filosófica sobre a síntese (não apenas “entrelaçamento”!) morte. Imagens artísticas nascidas da arte muitas vezes se tornam símbolos culturais geralmente aceitos, uma espécie de padrão para avaliar os fenômenos da realidade. O título do livro Dead Souls, de Gogol, é simbólico. Manilov e Sobakevich, Plyushkin e Korobochka são todos "almas mortas". A Tatyana de Pushkin, Chatsky de Griboyedov, Famusov, Molchalin, Oblomov e Oblomovism de Goncharovsky, Jududushka Golovlev de Saltykov-Shchedrin, Ivan Denisovich de Soljenitsin e muitos outros heróis literários tornaram-se símbolos. Sem conhecer os símbolos que entraram na cultura da arte do passado, muitas vezes é difícil entender o conteúdo das obras de arte modernas. A arte é permeada por associações históricas e culturais e, para quem não as percebe, o simbolismo das imagens artísticas é muitas vezes inacessível.

O simbolismo de uma imagem artística pode ser criado e capturado tanto no nível da consciência quanto no subconsciente, “intuitivamente”. No entanto, em qualquer caso, deve ser entendido. E isso significa que a percepção de uma imagem artística não se limita a uma experiência emocional, mas também requer compreensão, reflexão. Além disso, quando o intelecto é incluído na obra durante a percepção de uma imagem artística, isso reforça e amplia o efeito da carga emocional inerente a ela. As emoções artísticas que uma pessoa que entende de arte experimenta são emoções que estão organicamente associadas ao pensamento. Aqui, ainda em outro aspecto, justifica-se a tese de Vygotsky: "as emoções da arte são emoções inteligentes".

Deve-se acrescentar ainda que nas obras literárias o conteúdo ideológico se expressa não apenas no simbolismo das imagens artísticas, mas também diretamente na boca dos personagens, nos comentários do autor, às vezes crescendo até capítulos inteiros com reflexões científicas e filosóficas (Tolstoy em Guerra e Paz, T. Mann em "Magic Mountain"). Isso indica ainda que a percepção artística não pode ser reduzida apenas ao impacto na esfera das emoções. A arte exige de criadores e consumidores de sua criatividade não apenas experiências emocionais, mas também esforços intelectuais.

Qualquer signo, uma vez que seu significado pode ser definido arbitrariamente por uma pessoa, é capaz de ser portador de diferentes significados. Isso também se aplica a sinais verbais - palavras. Como mostra V. M. Allahverdov, “é impossível listar todos os significados possíveis de uma palavra, porque o significado desta palavra, como qualquer outro signo, pode ser qualquer coisa. A escolha do significado depende da consciência que percebe essa palavra. Mas “a arbitrariedade da relação signo-valor não significa imprevisibilidade. O significado, uma vez dado a um dado signo, deve continuar a ser dado a este signo, se o contexto de sua aparição for preservado. Assim, o contexto em que é usado nos ajuda a entender o que significa um signo.

Quando pretendemos comunicar conhecimento sobre um assunto para outro, tentamos tornar o conteúdo de nossa mensagem inequívoco. Na ciência, para isso, são introduzidas regras rígidas que determinam o significado dos conceitos utilizados e as condições para sua aplicação. O contexto não permite ir além dessas regras. Entende-se que a conclusão é baseada apenas na lógica, e não nas emoções. Qualquer lado, definições não definidas, matizes de significado são excluídos da consideração. Um livro didático de geometria ou química deve apresentar fatos, hipóteses e conclusões de tal forma que todos os alunos que o estudam de forma inequívoca e de acordo com a intenção do autor percebam seu conteúdo. Caso contrário, temos um livro ruim. A situação é diferente no art. Aqui, como já mencionado, a principal tarefa não é comunicar informações sobre alguns objetos, mas influenciar o sentimento, excitar emoções, então o artista procura meios de signos que sejam eficazes nesse sentido. Ele joga com esses meios, conectando aqueles matizes elusivos e associativos de seu significado, que permanecem fora das definições lógicas estritas e que não podem ser usados ​​no contexto da prova científica. Para que uma imagem artística impressione, desperte interesse, desperte uma experiência, ela é construída com a ajuda de descrições não padronizadas, comparações inesperadas, metáforas vívidas e alegorias.

Mas as pessoas são diferentes. Eles têm experiências de vida diferentes, habilidades, gostos, desejos, humores diferentes. O escritor, escolhendo meios expressivos para criar uma imagem artística, parte de suas ideias sobre a força e a natureza de seu impacto no leitor. Ele os usa e os avalia à luz de seus pontos de vista em um determinado contexto cultural. Esse contexto está ligado à época em que o escritor convive com os problemas sociais que preocupam as pessoas dessa época, com a orientação de interesses e o nível de educação do público ao qual o autor se dirige. E o leitor percebe esses meios em seu contexto cultural. Diferentes leitores, a partir de seu contexto e simplesmente de suas características individuais, podem ver a imagem criada pelo escritor à sua maneira.

Hoje em dia, as pessoas admiram as esculturas rupestres de animais feitas pelas mãos de artistas da idade da pedra sem nome, mas, olhando para elas, veem e vivenciam algo completamente diferente do que nossos ancestrais distantes viram e vivenciaram. Um incrédulo pode admirar a Trindade de Rublev, mas ele percebe esse ícone de maneira diferente de um crente, e isso não significa que sua percepção do ícone esteja errada.

Se a imagem artística evoca no leitor exatamente aquelas experiências que o autor quis expressar, ele (o leitor) experimentará empatia.

Isso não significa que as experiências e interpretações das imagens artísticas sejam completamente arbitrárias e possam ser qualquer coisa. Afinal, eles surgem com base na imagem, fluem dela, e seu caráter é determinado por essa imagem. No entanto, esta condicionalidade não é inequívoca. A relação entre uma imagem artística e suas interpretações é a mesma que entre uma causa e seus efeitos: uma e mesma causa pode dar origem a muitas consequências, mas não a todas, mas apenas dela decorrentes.

São conhecidas várias interpretações das imagens de Don Juan, Hamlet, Chatsky, Oblomov e muitos outros heróis literários. No romance "Anna Karenina", de L. Tolstoy, as imagens dos personagens principais são descritas com um brilho incrível. Tolstoi, como ninguém, sabe apresentar seus personagens ao leitor de tal maneira que eles se tornem, por assim dizer, seus conhecidos íntimos. Parece que a aparência de Anna Arkadyevna e seu marido Alexei Alexandrovich, seu mundo espiritual, nos é revelado nas profundezas. No entanto, os leitores podem ter atitudes diferentes em relação a eles (e no romance, as pessoas os tratam de maneira diferente). Alguns aprovam o comportamento de Karenina, outros o consideram imoral. Algumas pessoas não gostam absolutamente de Karenin, enquanto outras o veem como uma pessoa extremamente digna. O próprio Tolstoi, a julgar pela epígrafe do romance (“A vingança é minha e eu retribuirei”), como se condenasse sua heroína e insinuasse que ela está sofrendo uma retribuição justa por seu pecado. Mas ao mesmo tempo, em essência, por todo o subtexto do romance, ele evoca compaixão por ela. O que é maior: o direito ao amor ou o dever conjugal? Não há uma resposta única no romance. Pode-se simpatizar com Anna e culpar seu marido, ou vice-versa. A escolha é do leitor. E o campo de escolha não se reduz a apenas duas opções extremas - talvez um número incontável de opções intermediárias.

Assim, qualquer imagem artística de pleno direito é polissemântica no sentido de que admite a existência de muitas interpretações diferentes. Eles estão, por assim dizer, potencialmente embutidos nele e revelam seu conteúdo quando percebidos de diferentes pontos de vista e em diferentes contextos culturais. Não a empatia, mas a cocriação - é isso que é necessário para compreender o significado de uma obra de arte e, mais ainda, a compreensão associada à percepção e experiência pessoal, subjetiva, individual e das imagens artísticas contidas na obra.

(410 palavras) O que é arte? Isso é o que mexe na alma. Pode tocar até os corações mais insensíveis e petrificados. A criatividade traz a beleza para a vida das pessoas e torna possível entrar em contato com ela através da música, pintura, arquitetura, literatura... este mundo. Às vezes só através dela podemos expressar toda a alegria ou dor, desespero ou felicidade. Para fundamentar minhas afirmações, darei exemplos de livros.

Na história de A. P. "Violino de Rothschild" de Chekhov » o protagonista perdeu sua esposa e mal sobreviveu a si mesmo. Este evento o tirou da rotina da vida cotidiana. Em algum momento, ele percebeu o quão sem sentido toda a sua existência, cheia de vida cotidiana, acumulação e rotina. Sob o poder dessas emoções, ele toca violino, derramando toda a sua alma e todas as suas tristezas através dos sons da música. Então um judeu chamado Rothschild ouviu sua melodia, e ela não o deixou de lado. Ele foi ao chamado da criatividade. Nunca antes em toda a sua vida Yakov Matveyevich sentiu pena de alguém, e mesmo de uma pessoa que antes apenas despertava nele desprezo. E ele, uma vez ganancioso e egoísta, deu seu instrumento a Rothschild, junto com toda a sua música - uma incrível obra de arte. Este violino e a música de Jacob deram a Rothschild fama, reconhecimento e uma chance para uma nova vida. Assim, o poder da criatividade ajudou as pessoas a descobrir aspectos positivos em si mesmas, a encontrar compreensão mútua, e algumas delas até ajudaram a mudar seu destino.

Na obra de I. S. "Cantores" de Turgenev também podemos encontrar um exemplo interessante. O autor dedicou a história ao povo russo e sua atitude em relação à arte, porque ele próprio sabia o que são a arte popular e a alma russa. Nesta peça, ele nos mostra o quão poderoso o poder da música pode ser e quão profundamente uma música pode tocar o coração das pessoas. Durante a apresentação de Yakov, cuja voz rachada estava cheia de profunda sensualidade, as pessoas choraram ao ouvir sua música. O autor, tentando transmitir todas as suas emoções e sentimentos a partir do que ouviu e viu, disse que por muito tempo não conseguiu fechar os olhos naquela noite, porque a bela canção de Yakov estava constantemente transbordando em seus ouvidos. Isso significa que o poder da arte pode influenciar os sentimentos das pessoas e controlá-los, purificando e elevando a alma.

A arte é para todos. Para os rudes e insensíveis, para os gentis e sensíveis, para os pobres e os ricos. Quem quer que seja uma pessoa, não importa que personalidade ela seja, o grande poder da criatividade sempre a induzirá a feitos maravilhosos, semeará um senso de beleza em sua alma, encarnará verdadeiros milagres. A energia purificadora e edificante da arte nos dá a oportunidade de viver corretamente - de acordo com as leis da bondade e da beleza.

A arte tem muitas formas de expressão: na pedra, nas cores, nos sons, nas palavras e assim por diante. Cada uma de suas variedades, influenciando vários órgãos dos sentidos, pode causar uma forte impressão em uma pessoa e criar imagens que serão carbonizadas para sempre.

Há muitos anos se discute qual das variedades de arte tem maior poder expressivo. Quem aponta para a arte da palavra, alguém - para a pintura, outros chamam a música sutil e, em seguida, a arte mais influente na alma humana.

Parece-me que se trata de uma questão de gosto individual, que, como dizem, não é contestada. Apenas o fato de que a arte tem um certo poder misterioso e poder sobre uma pessoa é indiscutível. Além disso, esse poder se estende tanto ao autor, criador, quanto ao “consumidor” dos produtos da atividade criativa.

Um artista às vezes não pode olhar o mundo através dos olhos de uma pessoa comum, por exemplo, o herói do conto "Apple Blossom" de M. Kotsiubinsky. Ele está dividido entre seus dois papéis: um pai que sofreu por causa da doença de sua filha e um artista que não pode deixar de olhar para os eventos da extinção de seu filho como material para uma história futura.

O tempo e o ouvinte não são capazes de deter a ação das forças da arte. No "Conto Antigo" de Lesya Ukrainsky, pode-se ver como o poder da música, as palavras do cantor ajudam o cavaleiro a cativar o coração de sua amada. Posteriormente, vemos como a palavra, a palavra alta da canção, derruba o cavaleiro que se tornou um tirano. E há muitos exemplos assim.

Obviamente, nossos clássicos, sentindo os movimentos sutis da alma humana, queriam nos mostrar como um artista pode influenciar uma pessoa e até uma nação inteira. Glória a tais exemplos, podemos entender melhor não apenas o poder da arte, mas também apreciar o criativo em uma pessoa.