Sandro Botticelli calunia a descrição da pintura. Breve descrição da pintura de Sandro Botticelli o nascimento de Vênus e trabalho sobre ela

Sandro Botticelli. "A 'calúnia' de Apeles". Por volta de 1494.
Madeira, têmpera, 62 x 91. Florença. Galeria Uffizi.

A ideia que possuía Botticelli quando começou este trabalho era muito incomum: recriar uma pintura perdida do famoso artista antigo Apeles, conhecido a partir de uma descrição compilada pelo satirista romano do século II Luciano. Assim, uma conversa sobre esta obra de Botticelli deve começar com uma história sobre Apeles.
O antigo artista grego Apeles viveu na segunda metade do século IV aC. e .. Sobre o local de seu nascimento, autores antigos possuem informações diferentes. No mais extenso léxico grego - o dicionário de "Julgamento" - diz-se que ele era de Colophon. Segundo Estrabão ("Geografia", XIV, i, 25) e alguns outros autores, Apeles nasceu em Éfeso. Plínio, o Velho ("História Natural", XXXV, xxxvi, 79) fala de "Apeles de Kos", mas isso deve ser entendido não como uma indicação do local de nascimento do artista, mas como o local onde suas famosas pinturas foram localizadas e onde ele acredita-se que morreu. Apeles foi o pintor da corte de Alexandre, o Grande, para quem criou várias obras.

Alexandre, o Grande, no ateliê de Apeles. Pintando-o. artista J. Kades. 1782

Sabe-se que Alexandre só confiava nele para escrever a si mesmo. O artista foi patrocinado pelo rei Ptolomeu I Soter, com quem teve uma briga em algum momento, que será discutida a seguir. A glória de Apeles é baseada em suas pinturas como "Afrodite Anadyomene", um retrato de Alexandre à imagem de Zeus, "Alegoria da Calúnia".
Várias histórias instrutivas e expressões latinas aladas estão associadas ao nome de Apeles. Plínio, o Velho conta (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 84 - 85): “Ele expôs obras concluídas na sacada para visualização dos transeuntes, e ele mesmo, escondido atrás da imagem, ouviu as deficiências notadas, considerando o povo um juiz mais atento do que ele. E dizem que quando algum sapateiro, que o repreendeu por ter feito menos laçadas na parte interna de uma sandália, e no dia seguinte, o mesmo sapateiro, orgulhoso da correção feita graças à sua observação de ontem, começou a zombar da canela, ele olhou indignado e gritou que o sapateiro não deveria julgar mais alto do que sandálias - e isso também se tornou um provérbio. Em latim soa assim: Ne sutor supra crepidam [Sapateiro, (juiz) não mais alto que uma bota]. Esta história tornou-se a base do epigrama Pushkin em N. I. Nadezhdin, depois que ele falou negativamente sobre Poltava de Pushkin.

SAPATEIRO
(Parábola)

Um sapateiro uma vez procurou uma foto
E ele apontou o erro nos sapatos;
Pegando o pincel imediatamente, o artista se corrigiu.
Aqui, akimbo, o sapateiro continuou:
“Acho que o rosto está um pouco torto...
Esse peito não é muito nu?"...
Aqui Apeles interrompeu impacientemente:
“Juiz, meu amigo, não mais que uma bota!”
(…)

Apeles, segundo o testemunho do mesmo Plínio, o Velho, “costumava, por mais ocupado que estivesse, não perder um único dia sem praticar sua arte, traçando pelo menos uma linha; esta foi a base para o ditado" ("Ciência Natural", XXXV, xxxvi, 84). Em latim soa assim: Nulla dies sine linea [Nem um dia sem linha], que melhor conhecemos como: Nem um dia sem linha.
Apeles não assinou suas pinturas, mas, depois de terminá-las, traçou uma linha (daí a expressão - traçar uma linha, ou seja, completar alguns negócios ). Esse recurso, aparentemente elementar, foi executado por ele com tanta habilidade que adquiriu um significado artístico independente. Outra história é conhecida sobre isso, é contada pelo mesmo Plínio (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 81 - 83): Apeles de alguma forma visitou seu amigo Protogenes, também artista, e, sem forçá-lo, deixou um sinal sobre ele mesmo, desenhando no quadro sua própria linha, por assim dizer, "marcada" muito fina. Quando seu amigo voltou e viu esta linha, ele imediatamente entendeu que Apeles tinha vindo até ele. Então ele desenhou uma linha ainda mais fina ao longo do topo desta linha. No dia seguinte, Apeles, visitando o amigo repetidas vezes e não o encontrando, "e envergonhado de sua derrota, dividiu as linhas com uma terceira pintura, não deixando mais espaço para sutilezas". Protogen se declarou derrotado. A literatura russa aqui novamente nos dá uma alusão a Apeles - uma história "Linha Apeles" Boris Pasternak (um de seus primeiros contos (1915 - 1917), em que a variante desse conto em particular serve de epígrafe).

Nenhuma das pinturas de Apeles sobreviveu. Talvez tenha sido precisamente esta circunstância que tornou possível fazer dele uma figura quase mítica, seu nome tornou-se um nome familiar, simbolizando a mais alta perfeição na arte da pintura. Muitos grandes mestres foram chamados de Apeles por seus contemporâneos, por exemplo, Dürer. Argumentou-se que Rafael se retratou como Apeles no afresco do Vaticano "A Escola de Atenas".
Conhecemos as pinturas de Apeles apenas por suas descrições de autores antigos. Plínio, o Velho, afirma, por exemplo, que Apeles escreveu sua Afrodite a partir do famoso modelo Campaspe (na tradução russa que citamos - Manaspa), a concubina de Alexandre, o Grande, que, como prova de sua admiração pela pintura de Apeles, cedeu Campaspe-se ao artista.

Imagem fr. artista Langlois. 1819 "Alexandre cede Campaspe Apella".

Ovídio em A Ciência do Amor (III, 401-402) exclama:

Se Apeles não tivesse exposto sua Vênus às pessoas -
Tudo estaria escondido nas profundezas espumosas do mar
(Traduzido por M. Gasparov)

Alguma idéia de "Afrodite Anadyomene" (ou seja, "Afrodite, nascida da espuma"; a propósito, o nome da deusa vem de aphros, que em grego significa "espuma"; outra opção de tradução: "saindo, emergindo, emergindo do mar") pode ser obtido, se admitirmos que um dos afrescos sobreviventes de Pompéia reproduz a pintura de Apeles sobre esse assunto.

A descrição da pintura de Apeles levou Botticelli a criar sua própria Vênus (“O Nascimento de Vênus”, 1477-1478. Florença. Galeria Uffizi). Vale ressaltar que a descrição de Apeles de "Afrodite Anadyomene" não diz nada sobre seu nascimento de uma concha do mar. A questão permanece em aberto, qual é a prioridade de tal interpretação - é um afresco pompeiano ou uma imagem ainda anterior? E Botticelli foi o autor dessa invenção no Renascimento, ou ele tinha informações sobre o protótipo antigo?

* * *

Chegamos ao nosso tema principal - a pintura de Botticelli, que, segundo o artista, foi concebida como uma reconstrução de outra obra-prima de Apeles - a pintura alegórica "Calúnia". Como o original de Apeles não sobreviveu, Botticelli usou a descrição da pintura de Apeles deixada pelo satirista grego Lucian (Lucian, De calumnia, 5.)
Mas primeiro, sobre o que aconteceu em Apeles com o rei Ptolomeu. A história a seguir está associada a Ptolomeu I Soter, um excelente comandante e guarda-costas de Alexandre, o Grande, que após a morte de Alexandre (323 aC) tornou-se o governante do Egito e, a partir de 305, declarou-se rei. Apeles foi tido em alta estima por Ptolomeu até ser caluniado por seu rival, o artista Antífilo, que odiava Apeles. Ele afirmou que o artista estava envolvido na conspiração de Theodotus em Tiro contra Ptolomeu. Como resultado, o rei acreditou no caluniador e acusou Apeles de traição. Posteriormente, um dos amigos de Apeles conseguiu convencer o rei da injustiça de sua sentença, após o que o rei, arrependido, devolveu seu favor ao artista e o recompensou generosamente. Esta história foi o impulso para Apeles criar a pintura "Calúnia".
Durante o Renascimento, quando o interesse por fontes antigas cresceu de forma incomum, as obras de Luciano foram traduzidas para o italiano. Em fragmentos e recontagens, acabaram nas obras de humanistas italianos.
A partir da década de 1460, um estilo chamado klassischer Idealstil (estilo clássico ideal [antigo]) começou a dominar na pintura italiana, quando, como afirma Erwin Panofsky, o maior historiador da arte, não apenas temas conhecidos foram repensados all'antica ( em estilo antigo), mas enredos desconhecidos ou esquecidos na Idade Média (por exemplo, os Jejuns de Ovídio) foram ilustrados de novo (de uma nova maneira). As pinturas clássicas foram "reconstruídas" com base em descrições de originais antigos. Os artistas se entregavam a variações livres, na maioria das vezes eram alegorias pesadas, com as quais os italianos empreendedores tentavam interessar os viajantes do norte como exemplos de "arte antiga".
Quanto à história de Luciano sobre a pintura de Apeles, ela é citada em seu Tratado de Pintura (c. 1453) de Leon Battista Alberti. Sua tradução diz o seguinte:

“Esta foto mostrava um homem com orelhas enormes, e ao lado dele em ambos os lados havia duas mulheres; um deles se chamava Ignorância, o outro Suspeita. A calúnia se aproximava pelo lado. Era uma mulher muito bonita na aparência, mas pelo rosto já era muito insidiosa; na mão direita segurava uma tocha acesa, e com a outra arrastava um jovem pelos cabelos, que ergueu as mãos para o céu. Havia também um homem pálido, feio, coberto de lama, com uma expressão indelicada no rosto, que poderia ser comparada a um homem que estava emaciado e exausto pelas longas dificuldades no campo de batalha. Ele liderou a Calúnia e foi chamado de Inveja. Havia outras duas mulheres, companheiras de Calúnia, que alisavam suas roupas e roupas, e das quais uma se chamava Astúcia e a outra Mentira. Atrás deles veio Remorso, uma mulher vestida com roupas funerárias, que ela mesma rasgou, e atrás dela seguiu uma garota, tímida e casta, chamada Verdade. Se gostamos dessa história em releitura, então pense em como ela foi encantadora e encantadora, escrita pela mão de Apeles!

A questão de saber se Apeles realmente pintou um quadro sobre esse assunto, estritamente falando, permanece em aberto. Um número muito grande de figuras alegóricas na história de Luciano são duvidosas: Verdade, Arrependimento, Astúcia, Calúnia, Falsidade, Inveja, Ignorância, Suspeita e, finalmente, o juiz na forma de um rei com orelhas de burro, que claramente alude a Midas. Portanto, esta figura pode ser considerada uma alegoria - Estupidez. Esse uso generalizado de figuras alegóricas personificando ideias abstratas (em oposição a imagens de deuses) era extremamente raro antes do início da era cristã. A presença de tais alegorias é muito mais característica de temas cristãos, como, por exemplo, na Natividade Mística de Botticelli, onde três anjos no telhado de uma cabana, vestidos de branco, vermelho e verde, personificam a Graça, a Verdade e a Justiça.

Descrições literárias como as de Luciano (e ele compilou todo um ciclo delas, e supunha-se que caracterizassem várias obras muito específicas), certamente não foram concebidas como exemplos de crítica de arte. Eram, antes de tudo, exercícios literários de retórica, obrigatórios no currículo do futuro escritor. Ciclos semelhantes das chamadas descrições foram criados por outros autores gregos, por exemplo, tanto Filóstrato - o Velho e o Jovem, que eram aproximadamente contemporâneos de Luciano. E nenhum de seus ensaios estava definitivamente correlacionado com qualquer obra de arte conhecida. No entanto, a descrição clássica ou ekphrasis (ekphrasis), que foi revivida pelos humanistas já no século XIV, tornou-se popular a partir do início do século XVI entre os artistas que procuravam temas antigos.
Alberti aconselhou os pintores que queriam pintar um quadro sobre um assunto secular (então era equivalente ao antigo) a recorrerem aos humanistas. E então eles foram oferecidos como modelo o enredo da pintura de Apeles "Calúnia". Deve-se notar que a apresentação da história de Alberti difere tanto do original grego quanto da tradução de Luciano feita por Guarino Guarini em 1408.

Em uma obra de pequeno porte, Botticelli, com a sutileza de um miniaturista, cria sua própria versão da lendária pintura do famoso artista antigo.

Antes de caracterizar cada uma das alegorias, prestemos atenção a um detalhe que escapou à atenção de todos que escreveram sobre esta pintura de Botticelli. A descrição de Lucian diz que Slander segura uma tocha acesa na mão direita e arrasta um jovem inocente com a mão esquerda. Em Botticelli, ao contrário, Slander tem uma tocha na mão esquerda e a figura de um jovem na direita. Se assumirmos que a imagem de Apeles tinha uma composição semelhante, ela deveria ter sido colocada em um espelho e toda a ação deveria ter sido direcionada na direção oposta. Do ponto de vista da lógica e da ação cênica - e o quadro de Botticelli nada mais é do que uma encenação teatral - a descrição de Lucian faz mais sentido, pois fala da Verdade como a última alegoria que apareceu, enquanto Botticelli, se sua imagem é lida como um texto - da esquerda para a direita - A verdade vem em primeiro lugar. James Hall, autor do clássico Dictionary of Plots and Symbols in Art, aponta isso de passagem: "As duas últimas figuras (Remorse e Truth) parecem ter chegado tarde demais para salvar Innocence".
Assim, querendo explicar cada figura da pintura de Botticelli, devemos mover nossos olhos da direita para a esquerda.
[Estupidez]. À direita, sobre um estrado, o rei está sentado em um trono (nós o identificamos assim pela coroa na cabeça). Ele tem orelhas de burro, o que a princípio faz você pensar no famoso personagem mitológico - Rei Midas. De acordo com o mito da competição musical de Apolo com Pan, Midas favoreceu Pan; por esta decisão estúpida dele, ele foi dotado de orelhas de burro. Na literatura, muitas vezes há uma afirmação de que Botticelli nesta foto retrata o rei e é Midas. Sim, de fato, sua aparência é assim. Mas, já que o quadro de Botticelli, recriando, repetimos, o quadro de Apeles, concebido como ilustração alegórica de um episódio da vida real de um artista antigo, o rei estúpido deve ser “lido”, primeiramente, entre outras figuras alegóricas na foto, isto é, como uma alegoria da estupidez, em segundo lugar, como o rei egípcio Ptolomeu, que acreditava - por estupidez - calúnia. A propósito, nas histórias antigas sobre o mitológico Midas, não existe tal história com Calúnia. Suspeita e Ignorância. Eles cercaram o rei-juiz de ambos os lados e sussurraram suas calúnias diretamente em seus ouvidos de burro. Eles são semelhantes entre si como irmãs e características de seus rostos, comportamento e roupas.

Inveja. Foi por inveja que Apeles foi caluniado por seu rival, também artista, Antífilo. A inveja está aqui em um manto esfarrapado escuro com capuz, como uma batina monástica. Sua aparência corresponde à descrição acima de Lucian. Botticelli faz com que pareça Remorse. A consequência natural da inveja é a calúnia e, portanto, também aqui a inveja leva a calúnia ao rei. Estendida para o rei, a mão reta de Inveja parece uma espada, pronta para atingir o rei na cabeça.
Calúnia. Ela aparece, como na descrição de Lucian, na forma de uma jovem. Botticelli enfrentou a difícil tarefa de escrever uma mulher muito bonita (além disso, estamos falando de um rosto bonito), mas ao mesmo tempo deveria expressar toda a sua insidiosidade.
Engano e mentira . Assim como no caso do rei, a Tolice é acompanhada por dois vícios - Suspeita e Ignorância, assim a Calúnia é acompanhada por seus dois companheiros - Astúcia e Falsidade. Eles decoram a calúnia para tornar seu libelo mais atraente. Eles tecem fitas brancas e flores no cabelo de Slander, usando habilmente símbolos de pureza para tornar Slander mais convincente.
[Inocência] . Novamente, devido ao caráter autobiográfico do quadro de Apeles, que Botticelli “reconstrói”, o próprio Apeles deve ser visto no jovem que é arrastado pelos cabelos ao rei da Calúnia (não como retrato, mas como personagem). O artista não é culpado perante o rei, então sua imagem neste contexto é lida como uma alegoria da Inocência. Ela (ele) não tem nada a esconder, sua (sua) figura, como a figura da Verdade, está nua (só de tanga.
Arrependimento. Esta é uma figura feminina vestida com uma batina monástica esfarrapada. De acordo com a descrição, ela rasgou suas roupas. Botticelli desviou-se dessa descrição: no quadro esta figura fica imóvel e só olha para a Verdade. Seu olhar curiosamente malicioso não se encaixa bem com a ideia de arrependimento; pelo contrário, essa figura está mais próxima da Inveja.

Verdade. Lucian compara o Pravda a uma garota tímida e casta. Botticelli, por outro lado, retrata a Verdade como uma figura feminina nua em pose, que na iconografia está associada à antiga deusa Vênus - Vênus Pudica (Vênus, a Casta). Uma figura feminina nua era a personificação da pureza (cf. a expressão - “verdade pura (nua)”). Aqui a Verdade aponta com o dedo para o céu como a única fonte de justiça suprema.

Uma das pinturas mais interessantes do grande florentino "Calúnia". Botticelli queria recriar a pintura perdida do antigo artista Apeles, conhecido pela descrição de Lucian.

O “Tratado de Pintura”, de Leon Batista Alberti, cita a história de Lucian: “Esse quadro mostrava um homem de orelhas enormes, e ao lado dele, dos dois lados, duas mulheres; um deles se chamava Ignorância, o outro Suspeita.

A calúnia se aproximava pelo lado. Era uma mulher muito bonita na aparência, mas pelo rosto já era muito insidiosa; na mão direita segurava uma tocha acesa, e com a outra arrastava um jovem pelos cabelos, que ergueu as mãos para o céu. Havia também um homem pálido, feio, coberto de lama, com uma expressão indelicada no rosto, que poderia ser comparada a um homem que estava emaciado e exausto pelas longas dificuldades no campo de batalha.

G. S. Dunaev Sandro Botticelli

Segundo George Vasari, Botticelli pintou esta pintura para seu amigo Antonio Senghi. Ele emprestou seu enredo do artista grego Apeles, que viveu no século V aC. A história do original é a seguinte - um pintor rival acusou Apeles de traição cometida contra seu patrono, o rei egípcio Ptolomeu IV Filopator.

Apeles decidiu resistir à calúnia por meios artísticos, pintando a pintura "Calúnia".

Samara-ambos de Apeles não foi preservado, mas sua descrição detalhada por Lucian (ts. 120 - c. 190) era bem conhecida. Esta descrição foi usada por Botticelli ao criar seu "remake".

Vamos comentar sobre seu enredo. No trono está o rei Midas, que recebeu suas orelhas de burro em vingança de Apolo por conceder a vitória na competição musical a Pan, e não a ele. De pé nas proximidades, Suspeita e Ignorância estão sussurrando algo para o rei.

calúnia de Apeles. Detalhe

Botticelli nasceu para Mariano di Giovanni Filipepi, um curtidor, e sua esposa, Smeralda, no bairro de Santa Maria Novella de Florença. O apelido "Botticelli" (barril) passou para ele de seu irmão mais velho Giovanni, que era um homem gordo. Botticelli não chegou à pintura de imediato: a princípio foi aluno do ourives Antonio por dois anos.

Em 1462 começou a estudar pintura com Fra Filippo Lippi. onde permaneceu por cinco anos. Em conexão com a partida de Lippi para Spoleto, ele se mudou para a oficina de Andrea Verrocchio.

As primeiras obras independentes de Botticelli - várias imagens das Madonas - na forma de execução demonstram proximidade com as obras de Lippi e Masaccio, as mais famosas são:

"Madonna e criança, dois anjos e o jovem João Batista"

(1465-1470), Madonna e criança com dois anjos (1468-1470), Madonna no Rose Garden (cerca de 1470), Madonna da Eucaristia (cerca de 1470).

Sandro Botticelli

1 biografia

1.1 Origens e formação
1.4 pintor de retratos talentoso
1.3 Corte de Lorenzo de' Medici
1.2 Primeiros trabalhos
1.6 "Primavera" ou "Primavera".
1.7 Morte
1.5 "Wignanka" Botticelli

2 artista esquecido

3 Retorno do artista na história da arte

4 obras selecionadas de Botticelli em museus ao redor do mundo

5 Ilustrações selecionadas de Botticelli para Dante's Divine Comedy Sources (ital.

Breve descrição da pintura de Sandro Botticelli o nascimento de Vênus e trabalho sobre ela

Um espaço aberto, mar e céu aparece diante do público, o artista retratou uma madrugada, quando a escuridão da noite já havia se dissipado e o mundo via a bela Vênus, que acabava de nascer da espuma do mar.

Sandro Botticelli; 1 de março de 1444 ou 1445 - 17 de maio de 1510) foi um pintor italiano da escola florentina. Nome real - Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi) Nascido na família de um artesão, seu pai processava couro. Botticelli - um apelido, um dos irmãos mais velhos de Sandro era muito suave, e seu apelido foi transferido para Sandro.

Esta deusa da Beleza está em uma concha do mar, e o deus dos ventos Zéfiro a conduz ao longo das ondas e a ajuda a nadar até a praia.

A aparição desta deusa na terra é triunfante - rosas voam para seus pés, e a deusa Ora presenteia a jovem deusa da beleza com um manto precioso para cobri-la. E o manto é decorado com delicadas flores bordadas. A imagem da heroína é apresentada pelo pintor com traços idealmente belos, nos quais a perfeição e a harmonia são marcantes. O rosto da deusa, como se coberto por uma sombra de tristeza, mansidão, longos fios de belos cabelos dourados, que são desenvolvidos pelo vento, caem sobre seus ombros.

A imagem tem uma composição clara e distinta.

Botticelli nasceu para Mariano di Giovanni Filipepi, um curtidor, e sua esposa, Smeralda, no bairro de Santa Maria Novella de Florença.

O apelido "Botticelli" (barril) passou para ele de seu irmão mais velho Giovanni, que era um homem gordo.

A partir de 1470 teve sua própria oficina perto da Igreja de Todos os Santos.

A pintura "Alegoria da Força" (Fortitude), escrita em 1470, marca a aquisição do estilo próprio de Botticelli. Em 1470-1472 escreveu um díptico sobre a história de Judite. "Retorno de Judite" e "Encontrando o Corpo de Holofernes".

Na festa em honra do santo em 20 de janeiro de 1474, a pintura "São Sebastião" foi colocada com grande solenidade em um dos pilares da igreja florentina de Santa Maria Maggiore.

o que explica seu formato alongado. Por volta de 1475, o pintor pintou a famosa pintura “A Adoração dos Magos” para o rico cidadão Gaspare del Lama, na qual, além de representantes da família Medici, ele também se retratou.

Pintura de Sandro Botticelli

O início do caminho criativo do artista renascentista italiano Sandro Botticelli.

Estudo na oficina de Fra Filippo Lippi, a influência de Andrea Verrocchio e os primeiros trabalhos. Temas das pinturas do artista: "Primavera", "O Nascimento de Vênus", "Madonna com uma Romã". , sutileza e expressividade de seu estilo. Sombras ocre vigorosas para transmitir a cor da pele como característica do estilo do artista. Começo sensual em três pinturas representando Vênus, a glorificação da pureza e pureza. Uma análise da trajetória de vida e atividade criativa de Sandro Botticelli, um famoso artista italiano.

A composição e as características da pintura "Vênus adormecida", que está associada ao tema cristão do batismo e ao enredo da "Coroação da Virgem". Neoplatonismo florentino. A obra de Sandro Botticelli.

Descrição da pintura calúnia de sandro botticelli

Sandro Botticelli (italiano Sandro Botticelli. 1 de março de 1445 - 17 de maio de 1510) - o apelido do artista florentino Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Ital.

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi), que trouxe a arte do Quattrocento ao limiar do Alto Renascimento.

Um homem profundamente religioso, Botticelli trabalhou em todas as principais igrejas de Florença e na Capela Sistina do Vaticano. no entanto, ele permaneceu na história da arte principalmente como autor de telas poéticas de grande formato sobre temas inspirados na antiguidade clássica - "Primavera" e "O Nascimento de Vênus".

Por muito tempo, Botticelli esteve à sombra dos gigantes do Renascimento que trabalharam depois dele, até ser redescoberto pelos pré-rafaelitas britânicos em meados do século XIX. que reverenciava a frágil linearidade e o frescor primaveril de suas telas maduras como o ponto mais alto do desenvolvimento da arte mundial.

Botticelli Sandro (1445-1510)

Nascido em Florença na família de um curtidor. Inicialmente, foi enviado para estudar com um certo Botticelli, um ourives, de quem Alessandro Filipepi recebeu seu sobrenome.

Mas o desejo de pintar obrigou-o em 1459-65 a estudar com o famoso artista florentino Fra Philippe Lippi. As primeiras obras de Botticelli ("A Adoração dos Magos", "Judite e Holofernes" e especialmente a Madonna - "Madonna Corsini", "Madonna with a Rose", "Madonna with Two Angels") foram escritas sob a influência do último. Mais tarde, Botticelli juntou-se à direção de A.

Verrocchio e A. Pollaiolo, como evidenciado por sua alegoria "Força" (c. 1469), feita em uma fileira de outras sete pinturas para decorar as costas das cadeiras dos juízes no Tribunal do Tribunal de Comércio, e a tela "S.

, Florença

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"Calúnia"(italiano: Calunnia) é uma pintura do famoso artista renascentista italiano Sandro Botticelli, pintada por ele em 1495.

"Slander" foi originalmente escrita para o amigo de Sandro, Antonio Segni. O enredo da imagem vem do tratado de Luciano, chamado "Sobre a calúnia". O tratado descreve uma pintura do antigo pintor grego Apeles. Seu enredo é simples e alegórico: o rei Midas sentado no trono é sussurrado em seus ouvidos de burro por duas figuras - imagens alegóricas de Ignorância e Suspeita. Calúnia - uma linda garota com um disfarce de inocência - e seu instigador Inveja arrastam o acusado até o rei. Perto da calúnia de seu companheiro - Astúcia e Decepção, apoiando-a e exaltando. Ao longe, o artista retrata as figuras do Arrependimento - uma velha vestida com roupas de luto, e a Verdade nua, olhando para cima.

Fragmentos da pintura

Sandro Botticelli 023.jpg

Rei-juiz Midas como uma alegoria da estupidez, cercada por suspeita e ignorância semelhantes

Sandro Botticelli 022.jpg

Calúnia, inocência puxando os cabelos, acompanhada por seus companheiros - Astúcia e Mentiras

Sandro Botticelli 024.jpg

A verdade, que personifica a pureza com sua nudez, e o arrependimento, que, com seu olhar inquiridor e malicioso, é antes a inveja

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Literatura

Jorge Vasari. Vite de "più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a" tempi nostri, 1568.
G. Cornini, Botticelli, em Arte e Dossiê, n. 49, setembro 1990, pp. 3-47.
F. Strano, Botticelli, em Gedea Le Muse, VI, Novara, Ist. Geográfico De Agostini, 2004.
Sandro Botticelli e la cultura della cerchia medicea, Storia dell'arte italiana, II, diretta da Carlo Bertelli, Giuliano Briganti e Antonio Giuliano, Milano, Electa, 1990, pp. 292-299.
Ilaria Tadei, Botticelli, Firenze, Ministero per i Beni e le Attività culturali, 2001.
Bruno Santos, Botticelli, dentro Eu protagonista dell'arte italiana, Scala Group, Firenze 2001. ISBN 8881170914

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Trecho caracterizando a Calúnia (pintura de Botticelli)

Você me trouxe de volta, Deus? o guerreiro perguntou com entusiasmo.
- Quem é você, humano? E por que você está me chamando de Senhor? o velho ficou surpreso.
Quem mais poderia fazer algo assim? o homem sussurrou. - E você vive quase como se estivesse no céu... Então você é Deus.
– Não sou Deus, sou descendente dele... Bom é verdade... Venha, se você veio, ao nosso mosteiro. Com um coração puro e um pensamento puro, você veio para lançar a vida... Então eles te devolveram. Alegrar.
- Quem me trouxe de volta, Starche?
“Eles, os radiantes, são os “pés do Senhor”, apontando para as flores maravilhosas, o Ancião balançou a cabeça.
Desde então, a lenda das Flores do Senhor continuou. Dizem que sempre crescem perto das mansões de Deus para mostrar o caminho a quem vem...
Pensando, eu não percebi que estava olhando ao redor... e literalmente acordei imediatamente! .. Minhas incríveis flores milagrosas cresceram apenas em torno de uma fenda estreita e escura que se abriu na rocha, como uma entrada "natural" quase invisível! !! De repente, um toque agravado, me levou exatamente lá ...
Ninguém estava à vista, ninguém saiu. Sentindo-me desconfortável, vindo sem ser convidado, mesmo assim decidi tentar e fui para o intervalo. Novamente, nada aconteceu... Não houve proteção especial ou qualquer outra surpresa. Tudo permanecia majestoso e calmo, como desde o início dos tempos... E quem estava lá para se defender? Apenas dos mesmos talentosos que os próprios proprietários eram? .. De repente estremeci - mas poderia aparecer outro "Karaffa", que seria dotado até certo ponto, e tão fácil de "encontrá-los" ?! ..
Eu cautelosamente entrei na caverna. Mas nada de incomum aconteceu aqui também, exceto que o ar se tornou de alguma forma muito suave e “alegre” - cheirava a primavera e ervas, como se eu estivesse em uma clareira de floresta exuberante, e não dentro de uma rocha de pedra nua ... Tendo caminhado um poucos metros, de repente percebi que estava ficando mais claro, embora, ao que parece, deveria ter sido o contrário. A luz fluía de algum lugar acima, espalhando-se aqui em uma iluminação de "pôr-do-sol" muito suave. Uma melodia estranha e calmante soou calma e discretamente na minha cabeça - eu nunca tinha ouvido nada parecido antes... Uma combinação incomum de sons tornou o mundo ao meu redor leve e alegre. E seguro...

Todas as dúvidas de Sandro são resolvidas por uma explosão em seu "Slander". Alguns pesquisadores da obra de Botticelli atribuem essa imagem ao feliz momento da "Primavera" e "Vênus", outros muito mais tarde - o ponto de virada para o artista e Florença nos anos noventa, quando seus mitos favoritos foram finalmente dissipados. Como O Nascimento de Vênus, a Calúnia está intimamente associada ao nome do lendário Apeles, que naqueles dias era conhecido como o deus padroeiro dos pintores toscanos. Apenas tragicamente mudou durante esse período, a visão de mundo de Botticelli.

A pintura foi apresentada pelo próprio artista a um de seus amigos, o erudito Antonio Segni. Tendo destinado o seu presente a um cientista humanista, como se resumisse algum resultado importante para si e para os outros, o autor procurou colocar na composição todo o seu conhecimento técnico, artístico e humanitário. Fabio Segni a embelezou com uma poética máxima latina:

“Para que os senhores da terra não se escandalizem com calúnias,

Esta pequena placa sempre serve como uma memória.

Exatamente o mesmo trouxe Apeles ao governante do Egito -

O presente era digno do rei, o presente era digno do rei.

O quadro é, portanto, a última grande obra de Sandro sobre assuntos seculares, cuja fonte é precisamente conhecida: a descrição de Luciano da história de Apeles no tratado Da calúnia. Luciano conta como um certo Antífilo, um rival invejoso, caluniou Apeles diante do governante Ptolomeu, acusando-o de conspirar contra o rei. Apeles mal conseguiu provar sua inocência e, em seguida, como um aviso aos seus juízes, pintou um quadro no qual, em vários personagens vivos, descreveu toda a história dos caluniados imerecidamente. Essa obra, nascida na antiguidade por um drama de vida, já é citada por seu intérprete renascentista Leon-Battista Alberti como uma bela ficção, "que nos é cara em si mesma".

Botticelli reproduz em sua versão todos aqueles que foram listados tanto por Lucian quanto por Alberti, mas reserva para si a liberdade na decisão final comum e na criação de personagens diferentes de tudo. Neles, ele devolve à história a sensação de momentaneidade vital perdida por trás da "doce ficção" de Alberti. Como resultado, deixando para trás as descrições de ambas as fontes primárias, o criador do novo "Slander" já está criando sua própria lenda trágica, de vez em quando rasgando o roteiro prescrito por eles como bem entender. Purificada com uma clareza áspera, a estrutura rítmica de "Slander" faz com que uma pessoa se sinta completamente como um brinquedo da espontaneidade da natureza, do destino e, acima de tudo - das próprias paixões.

Vital para a revolução ética, para a república teocrática de Savonarola, a questão da moralidade Botticelli encarna em imagens polêmicas não-cristãs - "pagãs". Quase no espírito do sermão do ditador espiritual em 11 de outubro de 1495: “A vida do homem na terra, irmãos, é uma luta constante... Ele deve vencer tudo o que impede a liberdade de seu espírito. Ele luta com o mundo, com a carne, com tentações demoníacas - ele não tem um momento de paz.

O cenário arquitetônico é todo um museu vivo com uma vida peculiar, que nem Lucian nem Alberti imaginaram. Nos relevos dourados ao pé do trono decorado, onde a modernidade se confunde bizarramente com a antiguidade, a mistura babilônica de temas clericais e seculares "pagãos", que são reconhecíveis como réplicas ligeiramente transformadas de pinturas que surgiram nos últimos anos do ateliê do artista: a lenda de Nastagio degli Onesti baseada no enredo da história de amor de Boccaccio, Centauromaquia e tramas das "Metamorfoses" de Ovídio - Apolo e Dafne, Baco e Ariadne - e a família dos Centauros segundo a descrição de Lucian. Esculturas de heróis desconhecidos de Apeles ou Ptolomeu erguem-se nos nichos: Judite com a cabeça de Holofernes, Davi, os santos apóstolos e profetas.

Na quietude das esculturas espreitando de seus nichos contra o fundo de uma parede calmamente insensível, delineia-se uma espécie de participação excitada em uma performance trágica, que se desdobra muito cênica ao longo do quadro. Como testemunhas vivas, as estátuas parecem estar discutindo o que está acontecendo e a cada minuto, ao que parece, elas estão prontas, quebrando seus pedestais, para participar ativamente do conflito.

O juiz tirânico, reinando em seu trono, é adornado com as orelhas de burro do profano Midas, o juiz injusto na arte. Esse personagem negativo é bastante bonito, o que mais uma vez afeta a ambiguidade humana aberta de Sandro. Mas a voz questionadora do déspota se perde nas exclamações insistentes de duas criaturas venenosas, personificando Ignorância e Suspeita. Há algo quase serpentino nos transbordamentos iridescentes de roupas, na curva nervosamente longa e caprichosamente móvel da parte de trás de um dos insidiosos fones de ouvido do governante, no rosto estreito, como uma lâmina, amarelo-sangue do outro.

O dedo apontado desnorteado do senhor encontra-se no ar com a mão firme do eremita possuído, Inveja, sem saber na condenação acusatória das dúvidas. Este mentor do Slander acusa implacavelmente os inocentes. A interação compacta de todas as quatro figuras se transforma em um arabesco muito mais complexo, rico em nitidez, trêmulo do centro.

A própria calúnia é a criatura mais jovem aqui e, em contraste com a Inveja, em um traje branco e azul, quase régio, parece uma verdadeira princesa de conto de fadas. Mas essa criança meio ar, de aparência tão inocente, com uma tocha na mão esquerda, agarrou tenazmente o acusado injustamente pelos cabelos e, com arrogância descuidada, o arrasta impiedosamente para a represália, cercado por assistentes não menos encantadores, que por sua vez significam Astúcia e Engano. Ambos exaltam de todas as maneiras a injustiça de sua amante: o engano adorna seus magníficos cabelos com um fio de pérola, o engano a cobre de flores.

Embora o artista, ele mesmo eternamente oscilante como o fogo, e fluido como a água, não possa deixar de simpatizar com a Justiça oprimida, não obstante, no quadro, a imagem de uma mulher lobisomem, inédita nele, com a dupla natureza de encantador e de serpente , com a essência indescritível de um camaleão, atinge um poder especial. , de vez em quando mudando de cor.

O encanto infernal das bonitas sedutoras de "Slander" lembra a popularidade especial no final do século XV de tudo "satânico", a popularidade que deu origem às visões demoníacas de Bosch, Schongauer e Brueghel nos países alemães, e em Itália - uma atração especial e inextirpável de aberrações como Leonardo da Vinci para a imagem de dragões cuspidores de fogo, máquinas semelhantes a aranhas, guerreiros bestiais e aberrações cruéis. E Botticelli não foi em vão atribuído a numerosos desenhos representando várias danças da morte e sabás das bruxas. No entanto, para Sandro, “demonologia”, o início infernal de uma maneira estranha marcou nele uma dolorosa virada do paganismo para o cristianismo, para o qual as deusas da antiguidade queridas ao seu coração são apenas demônios demoníacos de Vanitas.

Justiça tímida é a única criatura na imagem que compartilha plenamente o sofrimento dos condenados injustamente, simpatiza com ele. No entanto, ela é apenas a mais indefesa de todas. A beleza dessa mulher emaciada ofendida, tocada pelo murchar, é apenas uma tênue centelha do antigo esplendor juvenil e terreno das Vênus de Botticell. Em "Slander", os dois heróis, interligados por sua nudez e opressão gerais, não são apenas deprimentemente passivos, em contraste com a atividade dinâmica penetrante dos servos do mal, mas, além disso, também são dilacerados na composição de um para o outro. Entre eles há uma lacuna espacial tragicamente falando, que a figura sombria da velha de Consciência não esconde nem um pouco, mas acentua a um angustiado penetrante pela nitidez de uma silhueta angulosa, uma mancha escura de roupas pesadas e inestéticas, escancaradas quase uma lacuna na imagem.

Rara até para Botticelli, a diversidade até as menores sutilezas da gama desenvolvida de humores das figuras e os intervalos tensos entre elas, não deixando, de fato, uma única peça do quadro sem carga emocional, torna visível toda a polifonia de as vozes animadas que soam na imagem.

"Slander" marca não só a última, furiosamente inusitada afirmação dos antigos afetos, amor e raiva de Sandro Botticelli, mas também o início de sua pesada renúncia a temas e imagens antes amados, como se um passo inesperado da estética de "Primavera " com seu "jardim de amor" para negar as alegrias mundanas à ética de Savonarola.

Portanto, em seu discurso de despedida à antiguidade, Botticelli vai mais longe do que em qualquer outro lugar da objetividade, harmonia sóbria e equilíbrio dos antigos. O pathos dramático de "Slander" fecha o período associado à mitologia pagã para a arte de Sandro e delineia o caminho para uma direção completamente diferente, mais francamente confessional e nua e trágica de sua obra.

Atualizado em 30/09/2014 pelo administrador

Se você ouvir as declarações de George Vasari, então o culpado da pintura, escrita por Sandro Botticelli, foi seu amigo Antonio Senji, que aconselhou a recriar as imagens perdidas.

O enredo da obra foi a obra perdida do artista grego Apeles. Este trabalho não pode ser pendurado apenas na parede. Ela precisa ser admirada como uma jóia.

No original, Apeles, que era pintor da corte, é acusado de traição. Alegadamente, ele traiu o rei egípcio Ptolomeu IV. Depois de se lembrar das terríveis masmorras da prisão, para de alguma forma se recuperar da injustiça, o artista grego pintou um quadro de Calúnia. E Botticelli criou um remake dessa pintura.

A imagem mostra um trono com o rei Midas sentado com orelhas de burro, que Apolo o dotou por causa do anúncio injusto do vencedor. Na verdade, ele ganhou a competição, o rei concedeu a vitória a outro. Aqui ele está ofendido.

Em ambos os lados do rei estão as imagens da Suspeita e da Ignorância. Eles sussurram algo nos ouvidos do rei, e ele os ouve com atenção, com os olhos fechados. E ao mesmo tempo pede ajuda a um homem feio de túnica preta chamado Malícia, que estendeu a mão esquerda ao rei.

A raiva arrasta Calúnia para o rei. O Rei Midas ouve qualquer Calúnia, pois controla os pensamentos do Rei Malice. O cabelo de Slander foi capturado por dois personagens e eles estão tentando trançar suas tranças. Esses dois personagens são Inveja e Mentiras. Externamente bonitos, mas insidiosos, eles querem usar símbolos de beleza: fitas brancas e rosas para se identificarem com a pureza.

Nesse ínterim, Slander apoderou-se do enganado, nu para ser compreendido, e implorando por misericórdia, a Vítima na forma de um jovem. Mas tudo em vão. À esquerda, o artista retratou uma figura nua chamada Verdade, cujo reconhecimento é dado apenas a Arrependimento, uma velha - uma enlutada.

Na verdade, esta imagem permaneceu um mistério por muitas gerações. Ninguém sabe o verdadeiro motivo para escrever esta imagem pelo mestre.

descrição-kartin.com

1494-1495 anos. Galeria Uffizi, Florença.

Arte italiana do século XV. Renascimento.
Pintura do artista Sandro Botticelli "Slander". O tamanho da obra do mestre é 62 x 91 cm, madeira, têmpera. Durante o período em que os florentinos estavam sob a influência hipnótica dos sermões de Savonarola, Botticelli se dedicava apenas à pintura religiosa? Os fatos falam de outra forma. Botticelli manteve fortes laços com seu patrono Lorenzo di Pierfrancesco, decorou suas vilas, escreveu "algumas coisas" para ele. (Era amplamente conhecido sobre sua proximidade com o patrono; por exemplo, em 1496 Michelangelo deu a Pierfrancesco uma carta por meio de Sandro). O artista manteve relações com vários outros adeptos da cultura médica. Em meados da década de 1490, as imagens antigas não foram completamente rejeitadas por ele, embora a mentalidade e a linguagem artística do mestre tenham mudado. Tendências religiosas e seculares continuaram a coexistir na pintura do artista Sandro Botticelli.

A pintura foi feita para Antonio Segni, um erudito e amigo de Botticelli. Seu enredo remonta ao tratado de Luciano "Sobre a calúnia", onde, em particular, é descrita uma pintura do antigo artista grego Apeles; a trama também é apresentada nos "Três Livros de Pintura", de Alberti, que aconselha os artistas a encontrarem temas de poetas e oradores, especialmente antigos. Um dos primeiros mestres renascentistas incorporou essa "história" de Botticelli. Seu enredo é assim. O rei Midas, sentado no trono, é sussurrado em seus ouvidos de burro por duas figuras insidiosas - Ignorância e Suspeita. E Slander - uma linda garota com um disfarce de inocência - e seu instigador Inveja são arrastados até o rei pelos cabelos do acusado. Ao lado de Calúnia estão seus companheiros constantes - Astúcia e Engano, que a apoiam e a exaltam: uma derrama flores, a outra tece um fio de pérola em seus cabelos. Ao longe, mais duas figuras aparecem - Arrependimento, uma velha, "vestida com roupas funerárias", e Verdade nua, olhando para cima e gesticulando com a mão. Em combinação com o empilhamento de figuras no lado direito da composição, esses personagens parecem especialmente solitários.

Botticelli permeia a imagem com um pulso nervoso, como se estivesse "falando". A linha, que perdeu sua antiga leveza, desenvolve-se impetuosa e energicamente, marcando intervalos significativos na construção. As imagens de personagens mitológicos na pintura do artista carregam as marcas de sua natureza viciosa ou virtuosa. A alegoria dos inocentes caluniados tem um significado eterno, mas também está associada à Florença do final do século XV, época de suspeitas, denúncias e crueldades em nome da “verdade”. No entanto, Botticelli interpreta a verdadeira história antiga. A cena acontece no contexto de uma arquitetura fantástica brilhando com mármore. Está decorado com estátuas e baixos-relevos, que na sua "vivacidade" estão prontos para sair da parede. Na representação de personagens, ele usa motivos de sua pintura inicial “pagã”, mas as formas agora se tornaram secas e quase sem vida. Sente-se a aproximação de uma crise - uma rejeição da beleza do mundano, à qual o artista logo chegará.

Todos os personagens da imagem são expressivos. O artista transmitiu em cada um deles a essência de diferentes qualidades morais. O rei Midas, que vemos no trono, é um mau juiz: segundo um mito antigo, ele preferia a peça deste último na competição musical entre Apolo e Pã, pela qual, como um ignorante, Apolo o recompensou com orelhas de burro . Assim, em "Slander", ouvindo a calúnia de Ignorance and Suspicion, duas mulheres com rostos malignos e palhaçadas artificiais semelhantes a cobras, ele estende um gesto fraco e incerto para o acusado. As figuras da Verdade e do Arrependimento são voltadas para a mente do espectador. Na sua interpretação, o artista utiliza a linguagem da eloquência, a retórica. Eles são chamados a transmitir a ideia do valor da Verdade, que muitas vezes é negligenciada no mundo. O artista povoou a sala do trono do rei Midas com muitas figuras e cenas (esculturas em nichos e baixos-relevos) da cultura pagã e cristã. Esta é uma espécie de museu de histórias sobre temas morais - do mito de Prometeu aos profetas e santos do Antigo Testamento. Botticelli se entrega com entusiasmo à interpretação desses motivos, que constituíam o repertório da arte renascentista. Figuras e cenas escultóricas ganham vida, como se fossem capazes de levar uma existência separada em um espaço imaginário.

G.S. dunaev
"Sandro Botticelli"

Calúnia de Sandro Botticelli

62x91cm
Galeria Uffizi, Florença

Esta descrição foi usada por Botticelli ao criar seu "remake". Vamos comentar sobre seu enredo. No trono está o rei Midas, que recebeu suas orelhas de burro em vingança de Apolo por conceder a vitória na competição musical a Pan, e não a ele. De pé nas proximidades, Suspeita e Ignorância estão sussurrando algo para o rei. Ele busca o apoio de Malice (um homem em trapos), levando Calúnia pela mão, com a qual Inveja e Mentira são trançadas. A calúnia arrasta sua vítima pelos cabelos - caluniada, nua, implorando por misericórdia. À esquerda está uma figura nua da Verdade.

Ela aponta a mão para o céu, mas só o Arrependimento pode reconhecer a Verdade. A alegoria de Botticelli pode ser considerada apenas parcialmente bem-sucedida, pois as figuras que personificam os vícios (com exceção da Malícia) não parecem menos bonitas que a Verdade. Os baixos-relevos em miniatura são dedicados a cenas mitológicas e bíblicas, como se nada tivessem a ver com o enredo principal do quadro. Na interpretação de seu significado, os historiadores da arte se dividem - alguns acreditam que sua criação foi provocada por calúnias, das quais o próprio artista sofreu; outros vêem aqui uma alegoria oculta para o julgamento de Savonarola.

Arrependimento é retratado como uma velha curvada, assemelhando-se a um enlutado.

Falsidade e Inveja trançam as tranças da Calúnia.

Um homem feio com a mão estendida comanda os pensamentos do rei. Esta figura simboliza o Mal.

O rei Midas, dotado de orelhas de burro por Apolo, está pronto para ouvir qualquer calúnia.

www.boticeli.ru

Sandro Botticelli. 'Calúnia' de Apeles

Sandro Botticelli. "A 'calúnia' de Apeles". Por volta de 1494.
Madeira, têmpera, 62 x 91. Florença. Galeria Uffizi.

O antigo artista grego Apeles viveu na segunda metade do século IV aC. e .. Sobre o local de seu nascimento, autores antigos possuem informações diferentes. O maior léxico grego, o Judgment Dictionary, diz que ele era de Colophon. Segundo Estrabão ("Geografia", XIV, i, 25) e alguns outros autores, Apeles nasceu em Éfeso. Plínio, o Velho ("História Natural", XXXV, xxxvi, 79) fala de "Apeles de Kos", mas isso deve ser entendido não como uma indicação do local de nascimento do artista, mas como o local onde suas famosas pinturas foram localizadas e onde ele acredita-se que morreu. Apeles foi o pintor da corte de Alexandre, o Grande, para quem criou várias obras.

Várias histórias instrutivas e expressões latinas aladas estão associadas ao nome de Apeles. Plínio, o Velho conta (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 84 - 85): “Ele expôs obras concluídas na sacada para visualização dos transeuntes, e ele mesmo, escondido atrás da imagem, ouviu as deficiências notadas, considerando o povo um juiz mais atento do que ele. E dizem que quando algum sapateiro, que o repreendeu por ter feito menos laçadas na parte interna de uma sandália, e no dia seguinte, o mesmo sapateiro, orgulhoso da correção feita graças à sua observação de ontem, começou a zombar da canela, ele olhou indignado e gritou que o sapateiro não deveria julgar mais alto do que sandálias - e isso também se tornou um provérbio. Em latim soa assim: Ne sutor supra crepidam [ Sapateiro, (juiz) não mais alto que uma bota]. Esta história tornou-se a base do epigrama Pushkin em N. I. Nadezhdin, depois que ele falou negativamente sobre Poltava de Pushkin.

Um sapateiro uma vez procurou uma foto
E ele apontou o erro nos sapatos;
Pegando o pincel imediatamente, o artista se corrigiu.
Aqui, akimbo, o sapateiro continuou:
“Acho que o rosto está um pouco torto.
Este peito não está muito nu?
Aqui Apeles interrompeu impacientemente:
“Juiz, meu amigo, não mais que uma bota!”

Apeles não assinou suas pinturas, mas, depois de terminá-las, traçou uma linha (daí a expressão - traçar uma linha, ou seja, completar alguns negócios). Esse recurso, aparentemente elementar, foi executado por ele com tanta habilidade que adquiriu um significado artístico independente. Por esse motivo, outra história é conhecida, contada pelo mesmo Plínio (“História Natural”, XXXV, xxxvi, 81 - 83): Apeles de alguma forma visitou seu amigo Protogenes, também artista, e, não o forçando, deixou uma assinar sobre si mesmo, desenhando no quadro sua própria linha, por assim dizer, "marcada" muito fina. Quando seu amigo voltou e viu esta linha, ele imediatamente entendeu que Apeles tinha vindo até ele. Então ele desenhou uma linha ainda mais fina ao longo do topo desta linha. No dia seguinte, Apeles, visitando o amigo repetidas vezes e não o encontrando, "e envergonhado de sua derrota, dividiu as linhas com uma terceira pintura, não deixando mais espaço para sutilezas". Protogen se declarou derrotado. A literatura russa aqui novamente nos dá uma alusão a Apeles - uma história "Linha Apeles" Boris Pasternak(um de seus primeiros contos (1915 - 1917), em que a variante desse conto em particular serve de epígrafe).

Conhecemos as pinturas de Apeles apenas por suas descrições de autores antigos. Plínio, o Velho, afirma, por exemplo, que Apeles escreveu sua Afrodite a partir do famoso modelo Campaspe (na tradução russa que citamos - Manaspa), a concubina de Alexandre, o Grande, que, como prova de sua admiração pela pintura de Apeles, deu caminho para a própria artista Campaspe.

Ovídio em A Ciência do Amor (III, 401-402) exclama:

Se Apeles não tivesse exposto sua Vênus às pessoas -
Tudo estaria escondido nas profundezas espumosas do mar

(Traduzido por M. Gasparov)

* * *
Chegamos ao nosso tema principal - a pintura de Botticelli, que, segundo o artista, foi concebida como uma reconstrução de outra obra-prima de Apeles - a pintura alegórica "Calúnia". Como o original de Apeles não sobreviveu, Botticelli usou a descrição da pintura de Apeles deixada pelo satirista grego Lucian (Lucian, De calumnia, 5.)

Mas primeiro, sobre o que aconteceu em Apeles com o rei Ptolomeu. A história a seguir está associada a Ptolomeu I Soter, um excelente comandante e guarda-costas de Alexandre, o Grande, que após a morte de Alexandre (323 aC) tornou-se o governante do Egito e, a partir de 305, declarou-se rei. Apeles foi tido em alta estima por Ptolomeu até ser caluniado por seu rival, o artista Antífilo, que odiava Apeles. Ele afirmou que o artista estava envolvido na conspiração de Theodotus em Tiro contra Ptolomeu. Como resultado, o rei acreditou no caluniador e acusou Apeles de traição. Posteriormente, um dos amigos de Apeles conseguiu convencer o rei da injustiça de sua sentença, após o que o rei, arrependido, devolveu seu favor ao artista e o recompensou generosamente. Esta história foi o impulso para Apeles criar a pintura "Calúnia".

Durante o Renascimento, quando o interesse por fontes antigas cresceu de forma incomum, as obras de Luciano foram traduzidas para o italiano. Em fragmentos e recontagens, acabaram nas obras de humanistas italianos.

A partir da década de 1460, um estilo chamado klassischer Idealstil (estilo clássico ideal [antigo]) começou a dominar na pintura italiana, quando, como afirma Erwin Panofsky, o maior historiador da arte, não apenas temas conhecidos foram repensados all'antica ( em estilo antigo), mas enredos desconhecidos ou esquecidos na Idade Média (por exemplo, os Jejuns de Ovídio) foram ilustrados de novo (de uma nova maneira). As pinturas clássicas foram "reconstruídas" com base em descrições de originais antigos. Os artistas se entregavam a variações livres, na maioria das vezes eram alegorias pesadas, com as quais os italianos empreendedores tentavam interessar os viajantes do norte como exemplos de "arte antiga".

Quanto à história de Luciano sobre a pintura de Apeles, ela é citada em seu Tratado de Pintura (c. 1453) de Leon Battista Alberti. Sua tradução diz o seguinte:

“Esta foto mostrava um homem com orelhas enormes, e ao lado dele em ambos os lados havia duas mulheres; um deles se chamava Ignorância, o outro Suspeita. A calúnia se aproximava pelo lado. Era uma mulher muito bonita na aparência, mas pelo rosto já era muito insidiosa; na mão direita segurava uma tocha acesa, e com a outra arrastava um jovem pelos cabelos, que ergueu as mãos para o céu. Havia também um homem pálido, feio, coberto de lama, com uma expressão indelicada no rosto, que poderia ser comparada a um homem que estava emaciado e exausto pelas longas dificuldades no campo de batalha. Ele liderou a Calúnia e foi chamado de Inveja. Havia outras duas mulheres, companheiras de Calúnia, que alisavam suas roupas e roupas, e das quais uma se chamava Astúcia e a outra Mentira. Atrás deles veio Arrependimento, uma mulher vestida com roupas funerárias que ela mesma rasgou, e atrás dela seguiu uma garota, tímida e casta, chamada Verdade. Se gostamos dessa história em releitura, então pense em como ela foi encantadora e encantadora, escrita pela mão de Apeles!

Alberti aconselhou os pintores que queriam pintar um quadro sobre um assunto secular (então era equivalente ao antigo) a recorrerem aos humanistas. E então eles foram oferecidos como modelo o enredo da pintura de Apeles "Calúnia". Deve-se notar que a apresentação da história de Alberti difere tanto do original grego quanto da tradução de Luciano feita por Guarino Guarini em 1408.

Em uma obra de pequeno porte, Botticelli, com a sutileza de um miniaturista, cria sua própria versão da lendária pintura do famoso artista antigo.

Assim, querendo explicar cada figura da pintura de Botticelli, devemos mover nossos olhos da direita para a esquerda.

[Estupidez]. À direita, sobre um estrado, o rei está sentado em um trono (nós o identificamos assim pela coroa na cabeça). Ele tem orelhas de burro, o que a princípio faz você pensar no famoso personagem mitológico - Rei Midas. De acordo com o mito da competição musical de Apolo com Pan, Midas favoreceu Pan; por esta decisão estúpida dele, ele foi dotado de orelhas de burro. Na literatura, muitas vezes há uma afirmação de que Botticelli nesta foto retrata o rei e é Midas. Sim, de fato, sua aparência é assim. Mas, já que o quadro de Botticelli, recriando, repetimos, o quadro de Apeles, concebido como ilustração alegórica de um episódio da vida real de um artista antigo, o rei estúpido deve ser “lido”, primeiramente, entre outras figuras alegóricas na foto, ou seja, como uma alegoria da estupidez, em segundo lugar, como o rei egípcio Ptolomeu, que acreditava - tolamente - calúnia. A propósito, nas histórias antigas sobre o mitológico Midas, não existe tal história com Calúnia. Suspeita e Ignorância. Eles cercaram o rei-juiz de ambos os lados e sussurraram suas calúnias diretamente em seus ouvidos de burro. Eles são semelhantes entre si como irmãs e características de seus rostos, comportamento e roupas.

Calúnia. Ela aparece, como na descrição de Lucian, na forma de uma jovem. Botticelli enfrentou a difícil tarefa de escrever uma mulher muito bonita (além disso, estamos falando de um rosto bonito), mas ao mesmo tempo deveria expressar toda a sua insidiosidade.

Engano e mentira. Assim como no caso do rei, a Loucura é acompanhada por dois vícios - Suspeita e Ignorância, assim a calúnia é acompanhada por seus dois companheiros - Astúcia e Falsidade. Eles decoram a calúnia para tornar seu libelo mais atraente. Eles tecem fitas brancas e flores no cabelo de Slander, usando habilmente símbolos de pureza para tornar Slander mais convincente.

[Inocência]. Novamente, devido ao caráter autobiográfico do quadro de Apeles, que Botticelli “reconstrói”, o próprio Apeles deve ser visto no jovem que é arrastado pelos cabelos ao rei da Calúnia (não como retrato, mas como personagem). O artista não é culpado perante o rei, então sua imagem neste contexto é lida como uma alegoria da Inocência. Ela (ele) não tem nada a esconder, sua (sua) figura, como a figura da Verdade, está nua (só de tanga).

Arrependimento. Esta é uma figura feminina vestida com uma batina monástica esfarrapada. De acordo com a descrição, ela rasgou suas roupas. Botticelli desviou-se dessa descrição: no quadro esta figura fica imóvel e só olha para a Verdade. Seu olhar curiosamente malicioso não se encaixa bem com a ideia de arrependimento; pelo contrário, essa figura está mais próxima da Inveja.

Verdade. Lucian compara o Pravda a uma garota tímida e casta. Botticelli, por outro lado, retrata a Verdade como uma figura feminina nua em pose, que na iconografia está associada à antiga deusa Vênus - Vênus Pudica (Vênus, a Casta). Uma figura feminina nua era a personificação da pureza (cf. a expressão “verdade pura (nua)”). Aqui a Verdade aponta com o dedo para o céu como a única fonte de justiça suprema.

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Sandro Botticelli Botticelli, Alessandro (1445-1510)

Sobre o pintor, sua vida e obra

O pintor renascentista Alessandro Botticelli nasceu em 1445. Seu pai em Florença se dedicava a vestir peles de animais. Havia quatro filhos na família, e Alessandro era o mais fraco de todos. O verdadeiro nome do menino era Filipepi, e o apelido "Botticelli" passou para ele de seu irmão mais velho, que era muito provocado por sua grossura e lentidão. Em italiano, significa "barril". O menino gostava de desenhar, seu pai percebeu isso, primeiro deu o filho para estudar com o joalheiro Antonio (em 1460), e dois anos depois, o jovem Filipepi aprendeu a sabedoria do desenho com o pintor Lippi. E a partir de 1469, Alessandro, já em casa, começou a pintar.

No mesmo ano, seu pai faleceu e, no ano seguinte, Sandro abriu sua oficina de arte em casa. Logo começaram a chegar encomendas dos ricos florentinos. E basicamente era necessário pintar as igrejas da igreja. Havia também encomendas particulares. A arte foi apreciada por Lorenzo Medici, o governante florentino. A pintura poética de Botticelli, a sutileza do estilo e a expressividade das telas eram apreciadas por todos que encomendavam pinturas. Adquirindo a individualidade do estilo na maneira de criar as pinturas, Sandro transmitia de forma primorosa a transparência das cores, as linhas trêmulas e uma certa musicalidade em suas criações artísticas. Isto é especialmente evidente na pintura "Primavera". Desde 1480, a oficina de Sandro Botticelli tornou-se amplamente conhecida em toda a Itália. A família Medici frequentemente a visitava. E assim o artista foi convidado a Roma em 1481 para pintar a Capela Sistina. Botticelli criou três afrescos nele e retornou à sua Florença natal. E Lorenzo Medici imediatamente encomendou pinturas de parede para sua villa.

Desde 1489, notas místicas apareceram na obra do artista. Isso pode ser visto na pintura "Anunciação". Nele está um anjo com asas em um manto translúcido, voando para a Mãe de Deus, como se não o visse. Acima do anjo estão raios de luz, enquanto Maria se curvava diante dele com os olhos fechados, como se estivesse cega.

Em 1492, Lorenzo Medici, que patrocinou o pintor, morre, o estilo de escrever as pinturas de Botticelli muda. O pessimismo começa a aparecer em suas pinturas, as cores já estão mais saturadas e não há plasticidade. Em "Abandoned" a desesperança de uma vida futura é mostrada - uma mulher descalça chora amargamente no portão fechado de um muro de pedra, cobrindo o rosto com as palmas das mãos. Na Lamentação de Cristo, o corpo morto do Salvador é segurado nos braços de uma mulher, ele acaba de ser descido da cruz. A dor inconsolável emana desta tela artística. O humor de Sandro Botticelli era o mesmo. Embora tenha ficado rico trabalhando criativamente, isso não o agradou. Desde 1500, ele começou a pintar quadros com muito menos frequência e, depois de alguns anos, abandonou completamente essa ocupação. Em 1504, Michelangelo esculpiu uma estátua de seu David. Botticelli, juntamente com Leonardo da Vinci, foi convidado para a comissão para escolher a localização do gigante do mármore.

Sandro morreu em 1510, aos 65 anos. Deixou muitos alunos, e as pinturas do pintor tornaram-se muito valiosas ao longo do tempo, e só aumentam de preço de ano para ano.

De um auto-retrato do artista em 1475, um jovem de cabelos ruivos está olhando para nós. Botticelli por mais 30 anos. Um nariz adunco e um olhar, uma cabeça meio virada, uma simples capa de pano no ombro - desta forma ele aparece diante de nós, aquele pintor renascentista. A arte é eterna, a vida não.

COMENTÁRIOS: 23 Escrever

BOTTICELLI
Luar para as tintas de Botticelli
Ele deu sua força, ainda - o amanhecer:
Se verde-escarlate, é mais fácil atingir a meta
Ele vai levar, não é mais difícil.

Perspectiva - como é arbitrário! -
Botticelli vai provar para nós.
Contornos, ramificando-se muito desigualmente
As formas se multiplicam, escutando os céus.

Há um cristal de propriedades místicas -
As facetas de cada reconciliação explicarão
Algo da gramática do dispositivo
Paz. A luz se alegra e voa.

Se a vida não tem asas - então a sepultura,
Se o pensamento é alado, então sucesso.
Há apenas uma força séria no mundo:
Dante entendia isso melhor do que ninguém.

A chuva faz parte da massa universal,

Igualmente seu dia, sua noite,

Suas alegrias e tensões

A chuva torce as cordas

Dos ramos e da folhagem.

Musica seu desenho

Você não vai ver isso imediatamente.

A chuva vai acabar. brilha

Emite luz azul,

Tendo soado, viola celestial.

E em casa, escondendo o mel das vidas

Incluído na missa da paz.

Não interprete diretamente

Você sonhou sonhos.

Vale a vida cotidiana e a dor.

E então parece ótimo

Cada papel terreno.

O homem na cerca

Lembro-me da velha cabana.

Provavelmente precisa abrir o código

Todos os segmentos da vida.

E sem esta abertura

Existe uma massa universal de luz.

Sinta tanta pressa

O auge dos traços espirituais.

Maravilhoso. Muito obrigado ao site.

Simplesmente não tenho palavras para expressar minha admiração por ver esta exposição de Botticelli!

Muito obrigado! Todos os dias espero ansiosamente por tais milagres, e aqui está você. Saia do trabalho de qualquer maneira

Os anjos de Botticelli são desconhecidos antes ou depois dele. Para retratar essa expressão do “rosto” que está aqui, é preciso experimentar, experimentar o mesmo estado. Uma condição extremamente rara para a Terra.

Infelizmente, o fragmento é espelhado.

Acho que é uma imagem espelhada. O arcanjo deve abençoar Maria com a mão direita.

Das propostas do Mal (barbudo.) Jesus (barrigudo, vermelho) os olhos ficaram loucos e agulhas cresceram em suas costas, como um porco-espinho. Hum.

E dizem que não há milagres!
Obrigado a quem nos deu um site maravilhoso.

Que cabelo luxuoso. Que penteado sofisticado.

Muito tocante e lindo. Parece-me que uma parte central do quadro já é magnífica

Você é mortal enquanto você contar
a si mesmo apenas como carne, um ser terreno.
Mas, reconhecendo o Espírito, você adquire
Vida eterna, tornando-se um OUTRO ser.

o afresco está localizado na igreja de Ognissanti / todos os santos / cujos paroquianos eram a família do mestre e ele próprio está enterrado aqui.

O original está em Varsóvia, no Museu Nacional, e parece diferente.

Mais recentemente, já disse tudo sobre as ações da administração do site.
Tudo é tão típico do nosso país. Mas os corcundas não podem ser bonitos.

Sobre esta foto, em vez de mim, Jesus Cristo falou melhor de tudo. Mas esta Copa não passou por ele. Em certo sentido, uma situação típica.

Penso apenas nas férias iminentes longe de Moscou. A agressividade da administração do site me surpreende.

O site bloqueou a capacidade de edição. Isso é algo novo, não me lembro de tal desgraça.
Adoração do Menino Jesus é Adoração de Cristo Cristo. Os bloqueadores entendem isso? Mas, de um modo geral, o site viola suas próprias regras de trabalho nele.

Esta é uma peça diferente, tal como o tondo de Varsóvia. André

Sandro Botticelli (1445-1510) é um dos artistas florentinos mais proeminentes que trabalhou durante o Renascimento. O apelido Botticelli, que traduzido para o russo significa barril, originalmente pertencia ao irmão mais velho do artista Giovanni, que tinha um físico grande. O verdadeiro nome do pintor é Alessandro Filipepi.

Infância, juventude e treinamento de habilidades

Botticelli nasceu na família de um curtidor. A primeira menção a ele foi descoberta 13 anos após o nascimento do menino, em 1458. O jovem Botticelli era uma criança extremamente doente, mas fez todos os esforços para aprender a ler. Por volta do mesmo período, Sandro começou a ganhar um dinheiro extra na oficina de seu outro irmão Antonio.

O ofício de Botticelli não estava destinado a ser contratado, e ele percebeu isso depois de algum tempo de trabalho como aprendiz. No início dos anos 60 do século XV, Sandro começou a estudar com um dos maiores artistas da época, Fra Filippo Lippi. O estilo do mestre afetou o jovem Botticelli, que mais tarde se manifestou nos primeiros trabalhos do artista.

Já em 1467, o jovem artista florentino abriu uma oficina, e entre suas primeiras obras estão "Madona com bebês e dois anjos", "Madona da Eucaristia" e algumas outras pinturas.

O início de um caminho criativo independente

Sandro completou seu primeiro projeto já em 1470, e sua obra foi destinada ao tribunal. Os negócios de Botticelli correram o melhor possível e logo ele se tornou um mestre procurado, cuja fama gradualmente começou a chegar ao palácio real.

Botticelli criou sua primeira obra-prima em 1475. Eles se tornaram a pintura, chamada "A Adoração dos Magos". O cliente era um banqueiro bastante rico e influente com conexões com os então governantes da cidade, com quem apresentou um cara talentoso. Desde então, o criador esteve próximo da família Médici e executou ordens especificamente para eles. As principais obras deste período podem ser chamadas de pintura "Primavera" e "O Nascimento de Vênus".

Convite para Roma e o pico da fama

Rumores sobre um artista jovem, mas muito talentoso, rapidamente se espalharam até Roma, onde o Papa Sisto IV o chamou no início dos anos 80. Botticelli foi contratado, em colaboração com outras personalidades famosas de seu tempo, para realizar o projeto da estrutura recém-erguida, conhecida até hoje - a Capela Sistina. Sandro participou da criação de vários afrescos famosos, incluindo A Juventude de Moisés e A Tentação de Cristo.

No ano seguinte, Botticelli retornou à sua Florença natal, cuja causa provável foi a morte de seu pai. Embora ao mesmo tempo ele estivesse literalmente sobrecarregado com pedidos em sua cidade natal.

Em meados dos anos 80 do século XV, Botticelli estava no auge de sua fama: eram tantas encomendas que o artista simplesmente não teve tempo de pintar todos os quadros sozinho. A maior parte do trabalho foi feita pelos alunos do notável criador, e o próprio Botticelli estava envolvido apenas na criação dos elementos mais complexos das composições. Entre as obras mais famosas do artista, criadas por ele nos anos 80, estão "Anunciação", "Vênus e Marte" e "Madonna Magnificat".

Criatividade tardia

Sérias provações na vida aconteceram ao criador nos anos 90, quando ele perdeu seu amado irmão, de quem recebeu um apelido tão engraçado. Um pouco mais tarde, o artista começou a duvidar se todas as suas atividades eram justificadas.

Tudo coincidiu com eventos extremamente importantes que levaram à derrubada da dinastia Medici. Savonarola chegou ao poder, criticando ferozmente o desperdício e a venalidade dos antigos governantes. Ele também estava insatisfeito com o papado. O poder deste governante foi fornecido pelo apoio popular, Botticelli também passou para o seu lado, mas Savonarola não governou por muito tempo: apenas alguns anos depois ele foi deposto do trono e queimado vivo na fogueira.

Tristes acontecimentos feriram profundamente o pintor. Muitos na época diziam que Botticelli era um dos "convertidos", o que podia ser julgado pelas últimas obras do criador. Foi esta década que se tornou decisiva na vida do artista.

Últimos anos de vida e morte

Nos últimos 10 a 12 anos de sua vida, a glória do grande pintor começou a desaparecer gradualmente, e Botticelli só conseguia se lembrar de sua antiga popularidade. Contemporâneos que o encontraram nos últimos anos de sua vida escreveram sobre ele que ele era completamente pobre, andava de muletas e ninguém se importava com ele nem um pouco. As últimas obras de Botticelli, incluindo a "Natividade Mística" de 1500, não eram populares, e ninguém o procurou para encomendar novas pinturas. Indicativo foi o caso em que a então rainha, ao escolher artistas para cumprir seu pedido, rejeitou de todas as formas possíveis as propostas de Botticelli.

O pintor outrora famoso morreu em 1510, sozinho e pobre. Ele foi enterrado em um cemitério perto de uma das igrejas florentinas. Juntamente com o próprio criador, a fama dele morreu completamente, que foi revivida apenas nas décadas finais do século XIX.

Existem várias pinturas que as pessoas associam ao Renascimento. Essas pinturas são mundialmente famosas e se tornaram verdadeiros símbolos da época. Para escrever a maioria das pinturas, os artistas convidaram pessoas cujos nomes não chegaram até nós como assistentes. Eles apenas se pareciam com os personagens que o artista queria, isso é tudo. E, portanto, não importa o quanto estejamos interessados em seu destino, agora quase nada se sabe sobre eles.

Sandro Botticelli e sua "Vênus" de Simonetta Vespucci

Um exemplo disso é a famosa pintura de Michelangelo, que adorna o teto da Capela Sistina, "A Criação de Adão", ou a criação do mesmo autor - a estátua de Davi. Agora não se sabe mais quem serviu de modelo para a criação dessas obras.

O mesmo acontece com a famosa pintura de Leonardo da Vinci "Mona Lisa". Agora há muitos rumores de que Lisa Gerardini era o tipo de escrever, mas nesta versão há mais dúvidas do que certezas. E o próprio mistério da imagem está mais provavelmente ligado à própria personalidade de Leonard da Vinci do que ao seu modelo.

No entanto, diante de toda essa incerteza, a história da criação da famosa pintura de Sandro Botticelli "O Nascimento de Vênus" e do modelo que serviu de protótipo de Vênus é bastante clara. Ela era Simonetta Vespucci, uma beleza reconhecida daquela época. Infelizmente, o quadro não foi pintado da natureza, porque a essa altura a musa de Botticelli já estava morta.

Botticelli nasceu em Florença e durante toda a sua vida foi apadrinhado pela família mais influente da cidade da época - os Medici. Simonetta também morava na mesma cidade, seu nome de solteira era Cattaneo, ela era filha de um nobre genovês. Simonetta, aos dezesseis anos, casou-se com Marco Vespucci, que se apaixonou por ela sem memória e foi bem recebida por seus pais.

Todos os homens da cidade enlouqueceram com a beleza e a natureza gentil de Simonetta, até os irmãos Giuliano e Lorenzo Medici caíram sob seu encanto. Como modelo para o artista Sandro Botticelli, Simonetta foi oferecida pela própria família Vespucci. Para Botticelli, este foi um encontro fatal, ele se apaixonou por sua modelo à primeira vista, ela se tornou sua musa. Ao mesmo tempo, no torneio de justas realizado em 1475, Giuliano de Medici se apresentou com uma bandeira, que também mostrava um retrato de Simonetta pela mão de Botticelli com uma inscrição em francês que significa "Incomparável". Após sua vitória neste torneio, Simonetta foi declarada a "Rainha da Beleza", e a fama dela como a mulher mais bonita de Florença se espalhou por toda a Europa.

E como mencionado acima, infelizmente Simonetta morreu logo depois, em 1476 com apenas 23 anos, presumivelmente de tuberculose. Botticelli nunca poderia esquecê-la e viveu sozinho toda a sua vida, ele morreu em 1510.

Sem dúvida, o artista respeitou o casamento de Simonetta e não demonstrou seu amor de forma alguma, exceto por escrever muitas pinturas com a imagem dela. Assim, na famosa tela "Vênus e Marte", ele retratou heróis cuja semelhança com Simonetta e o próprio autor no papel de Marte não é questionada por ninguém.

E em 1485, Botticelli pintou a famosa pintura “O Nascimento de Vênus”, que dedicou à memória de sua amada, nove anos após sua morte. O amor de Botticelli foi tão grande que ele pediu para ser enterrado na tumba onde Simonetta Vespúcio foi enterrada, "aos pés" de seu enterro.

Sabe-se que Botticelli escreveu mais de 150 obras, mas a maioria delas foi destruída por representantes da Igreja Católica, que acusavam a obra de paganismo e laicidade. O Nascimento de Vênus foi milagrosamente salvo, segundo rumores de ter sido protegido por Lorenzo de' Medici em memória de seu irmão e amor por Simonetta.

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