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Por Masterweb

11.06.2018 20:00

No sentido mais simples, a arte é a capacidade de uma pessoa traduzir algo bonito em realidade e receber prazer estético de tais objetos. Também pode ser uma das formas de conhecer, chamada de maestria, mas uma coisa é certa: sem arte, nosso mundo seria insípido, chato e nada emocionante.

parada terminológica

No sentido mais amplo, a arte é um tipo de habilidade, cujos produtos trazem prazer estético. De acordo com entradas na Encyclopædia Britannica, o principal critério para a arte é a capacidade de evocar uma resposta de outras pessoas. Por sua vez, a Grande Enciclopédia Soviética diz que a arte é uma das formas de consciência social, que é o principal componente da cultura humana.

Não importa o que digam, mas o debate em torno do termo "arte" vem acontecendo há muito tempo. Por exemplo, na era do romantismo, a arte era considerada uma característica da mente humana. Ou seja, eles entendiam esse termo da mesma forma que religião e ciência.

Ofício especial

No primeiro e mais comum senso, o conceito de arte foi decifrado como “artesanato” ou “composição” (também é criação). Simplificando, a arte poderia ser chamada de tudo o que foi criado por uma pessoa no processo de inventar e compreender uma determinada composição.

Até o século XIX, arte era o nome dado à capacidade de um artista ou cantor expressar seu talento, cativar o público e fazê-lo sentir.

O conceito de "arte" pode ser usado em diversas áreas da atividade humana:

• o processo de expressar talento vocal, coreográfico ou de atuação;
• obras, objetos físicos criados por mestres de seu ofício;
• o processo de consumo de obras de arte pelo público.

Resumindo, podemos dizer o seguinte: a arte é uma espécie de subsistema da esfera espiritual da vida, que é uma reprodução criativa da realidade em imagens artísticas. Esta é uma habilidade única que pode causar admiração do público.

Um pouco de história

A arte tem sido falada na cultura mundial desde os tempos antigos. A arte primitiva (ou seja, belas artes, também é um desenho rupestre) apareceu junto com o homem na era do Paleolítico Médio. Os primeiros objetos que podem ser identificados com a arte como tal surgiram no Paleolítico Superior. As obras de arte mais antigas, como colares de conchas, datam de 75.000 aC.

Na Idade da Pedra, rituais primitivos, música, danças e decorações eram chamados de arte. Em geral, a arte moderna se origina de antigos rituais, tradições, jogos, que eram condicionados por ideias e crenças mitológicas e mágicas.

Do homem primitivo

Na arte mundial, costuma-se destacar várias épocas de seu desenvolvimento. Cada um deles adotou algo de seus ancestrais, acrescentou algo próprio e deixou para seus descendentes. De século em século, a arte adquiriu uma forma cada vez mais complexa.

A arte da sociedade primitiva consistia em música, cantos, rituais, danças e imagens que eram aplicadas em peles de animais, terra e outros objetos naturais. No mundo da antiguidade, a arte assumiu uma forma mais complexa. Desenvolveu-se nas civilizações egípcia, mesopotâmica, persa, indiana, chinesa e outras. Cada um desses centros surgiu com seu próprio estilo de arte único, que sobreviveu por mais de um milênio e ainda hoje tem impacto na cultura. A propósito, os artistas gregos antigos eram considerados os melhores (ainda melhores que os mestres modernos) na representação do corpo humano. Só eles conseguiram de uma maneira incrível retratar minuciosamente os músculos, a postura, escolher as proporções certas e transmitir a beleza natural da natureza.

Meia idade

Durante a Idade Média, as religiões tiveram uma influência significativa no desenvolvimento da arte. Isto é especialmente verdade para a Europa. A arte gótica e bizantina foi baseada em verdades espirituais e histórias bíblicas. Naquela época, no Oriente e nos países do Islã, acreditava-se que o desenho de uma pessoa nada mais era do que a criação de um ídolo, o que era proibido. Portanto, a arquitetura, os ornamentos estavam presentes nas artes visuais, mas não havia pessoa. Desenvolveu caligrafia e joalheria. Na Índia e no Tibete, a dança religiosa era a arte principal, seguida pela escultura.

Uma grande variedade de artes floresceu na China, não foram influenciadas e pressionadas por nenhuma religião. Cada época teve seus próprios mestres, cada um deles teve seu próprio estilo, que eles aperfeiçoaram. Portanto, cada obra de arte leva o nome da época em que foi criada. Por exemplo, um vaso da era Ming ou uma pintura da era Tang. No Japão, a situação é a mesma da China. O desenvolvimento da cultura e da arte nesses países foi bastante original.

Renascimento

Durante o Renascimento, a arte volta novamente aos valores materiais e ao humanismo. As figuras humanas adquirem sua fisicalidade perdida, a perspectiva aparece no espaço e os artistas se esforçam para refletir a certeza física e racional.

Na era do Romantismo, as emoções aparecem na arte. Os mestres tentam mostrar a individualidade humana e a profundidade das experiências. Múltiplos estilos artísticos começam a aparecer, como academicismo, simbolismo, fauvismo, etc. É verdade que o seu século foi curto, e as antigas direções, impulsionadas pelo horror das guerras vividas, podem dizer-se que renasceram das cinzas.

A caminho da modernidade

No século 20, os mestres buscavam novas possibilidades visuais e padrões de beleza. Devido à crescente globalização, as culturas começaram a se interpenetrar e influenciar umas às outras. Por exemplo, os impressionistas foram inspirados por gravuras japonesas, o trabalho de Picasso foi significativamente influenciado pelas belas artes da Índia. Na segunda metade do século XX, o desenvolvimento de várias áreas da arte foi influenciado pelo modernismo, com sua busca idealista inexorável pela verdade e normas rígidas. O período da arte moderna veio quando se decidiu que os valores são relativos.

Funções e Propriedades

Em todos os tempos, os teóricos da história da arte e dos estudos culturais disseram que a arte, como qualquer outro fenômeno social, é caracterizada por diferentes funções e propriedades. Todas as funções da arte são condicionalmente divididas em motivadas e desmotivadas.

Funções desmotivadas são propriedades que são parte integrante da natureza humana. Simplificando, a arte é algo que os instintos empurram uma pessoa e que vai além do prático e útil. Essas funções incluem:

• Instinto básico para harmonia, ritmo e equilíbrio. Aqui a arte se manifesta não em uma forma material, mas em um desejo sensual e interior de harmonia e beleza.
• Sentimento de mistério. Acredita-se que a arte seja uma das formas de sentir a conexão com o universo. Essa sensação surge inesperadamente ao contemplar fotos, ouvir música, etc.
• Imaginação. Graças à arte, uma pessoa tem a oportunidade de usar a imaginação sem restrições.
• Dirigindo-se a muitos. A arte permite que o criador se dirija ao mundo inteiro.
• rituais e símbolos. Algumas culturas modernas têm rituais, danças e apresentações coloridas. São uma espécie de símbolos, e às vezes apenas formas de diversificar o evento. Por si mesmos, eles não perseguem nenhum objetivo, mas os antropólogos veem em cada movimento o sentido estabelecido no processo de desenvolvimento da cultura nacional.

Funções Motivadas

As funções motivadas da arte são os objetivos que o criador conscientemente estabelece para si mesmo ao começar a criar uma obra de arte.

Nesse caso, a arte pode ser:

• Um meio de comunicação. Na sua forma mais simples, a arte é uma forma de comunicação entre as pessoas, através da qual a informação pode ser transmitida.
• Entretenimento. A arte pode criar um clima apropriado, ajuda a relaxar e distrair dos problemas.
• Para mudar. No início do século XX, foram criadas muitas obras que provocaram mudanças políticas.
• Para psicoterapia. Os psicólogos costumam usar a arte para fins medicinais. A técnica baseada na análise do padrão possibilita um diagnóstico mais preciso.
• Por uma questão de protesto. A arte era frequentemente usada para protestar contra algo ou alguém.
• Propaganda. A arte também pode ser um meio de divulgação de propaganda, através do qual você pode influenciar tranquilamente a formação de novos gostos e humores entre o público.

Como pode ser visto pelas funções, a arte desempenha um papel importante na vida da sociedade, influenciando todas as esferas da vida humana.

Tipos e formas

Inicialmente, a arte era considerada indivisa, ou seja, o complexo geral da atividade criativa. Para o homem primitivo, não havia exemplos separados de arte como teatro, música ou literatura. Tudo foi fundido em um. Só depois de um tempo começaram a aparecer diferentes tipos de arte. Este é o nome das formas historicamente estabelecidas de reflexão artística do mundo, que são usadas para criar diferentes meios.

Dependendo dos meios utilizados, distinguem-se as seguintes formas de arte:

• Literatura. Usa meios verbais e escritos para criar amostras de arte. Três gêneros principais são distinguidos aqui - drama, épico e letras.
• Música. É dividido em vocal e instrumental, para criar amostras de arte, são utilizados meios sonoros.
• Dança. Para criar novos padrões, são usados ​​movimentos plásticos. Alocar balé, ritual, salão de baile, arte moderna e folclórica da dança.
• Quadro. Com a ajuda da cor, a realidade é exibida em um plano.
• Arquitetura. A arte se manifesta na transformação do ambiente espacial com estruturas e edifícios.
• Escultura. É uma obra de arte que tem volume e forma tridimensional.
• Arte decorativa e aplicada. Essa forma está diretamente relacionada às necessidades aplicadas, são objetos artísticos que podem ser usados ​​no dia a dia. Por exemplo, pratos pintados, móveis, etc.
• Teatro. Com a ajuda da atuação, uma ação de palco de um tema e personagem específicos é representada no palco.
• O circo. Uma espécie de ação espetacular e divertida com números engraçados, inusitados e arriscados.
• Filme. Podemos dizer que esta é a evolução da ação teatral, quando ainda são utilizados meios audiovisuais modernos.
• Foto. Consiste em fixar imagens visuais por meios técnicos.

Às formas listadas, pode-se também adicionar gêneros de arte como arte de variedades, gráficos, rádio, etc.

O papel da arte na vida humana

É estranho, mas por algum motivo acredita-se que a arte se destina apenas às camadas superiores da população, a chamada elite. Para outras pessoas, esse conceito é supostamente alienígena.

A arte é geralmente identificada com riqueza, influência e poder. Afinal, são essas pessoas que podem comprar coisas bonitas, indecentemente caras e absurdamente inúteis. Tomemos, por exemplo, o Hermitage ou o Palácio de Versalhes, que preservou ricas coleções dos monarcas do passado. Hoje, governos, algumas organizações privadas e os muito ricos podem pagar por essas coleções.

Às vezes tem-se a impressão de que o principal papel da arte na vida de uma pessoa é mostrar aos outros o status social. Em muitas culturas, coisas caras e elegantes mostram a posição de uma pessoa na sociedade. Por outro lado, há dois séculos houve tentativas de tornar a alta arte mais acessível ao público em geral. Por exemplo, em 1793 o Louvre foi aberto para todos (até então era propriedade dos reis franceses). Com o tempo, essa ideia foi retomada na Rússia (Galeria Tretyakov), nos Estados Unidos (Metropolitan Museum) e em outros países europeus. Ainda assim, as pessoas que têm sua própria coleção de arte sempre serão consideradas mais influentes.

sintético ou real

No mundo de hoje há uma grande variedade de obras de arte. Eles adquirem vários tipos, formas, meios de criação. A única coisa que permaneceu inalterada é a arte popular, em sua forma primitiva.

Hoje, até uma ideia simples é considerada arte. É graças a ideias, opinião pública e feedback crítico que obras como o Black Square, o jogo de chá coberto de pele natural ou a fotografia do rio Reno, vendida por US $ 4 milhões, desfrutam de sucesso duradouro. É difícil chamar esses e outros objetos de arte real.

Então, o que é a verdadeira arte? Em geral, são trabalhos que fazem você pensar, fazer perguntas, buscar respostas. A arte real atrai, quero conseguir esse item a qualquer custo. Mesmo na literatura, os clássicos russos escreveram sobre essa força atrativa. Assim, no conto "Retrato", de Gogol, o protagonista gasta suas últimas economias na aquisição de um retrato.

A verdadeira arte sempre torna a pessoa mais gentil, mais forte e mais sábia. Possuindo conhecimento e experiência inestimáveis ​​que foram coletados ao longo de muitas gerações e agora estão disponíveis de forma aceitável, uma pessoa tem a oportunidade de se desenvolver e melhorar.

A verdadeira arte é sempre feita com o coração. Não importa o que será - um livro, um quadro, uma música, uma peça. O espectador vai sentir. Certifique-se de sentir o que o criador queria transmitir. Sinta suas emoções, entenda seus pensamentos, vá com ele em busca de respostas. A verdadeira arte é uma conversa inaudível entre um autor e uma pessoa, após a qual o ouvinte/leitor/espectador nunca mais será o mesmo. A verdadeira arte é isso. Um verdadeiro grupo concentrado de sentimentos. Como escreveu Pushkin, deve queimar o coração das pessoas, e não importa o quê - com um verbo, um pincel ou um instrumento musical. Essa arte deve servir às pessoas e inspirá-las a mudar, entretê-las quando estão tristes e inspirar esperança, especialmente quando parece que não há saída. É o único jeito, não pode ser de outro jeito.

Hoje existem muitos objetos estranhos, às vezes até ridículos, que são chamados de obras de arte. Mas se eles não são capazes de “ganhar o rápido”, então eles não podem se relacionar com a arte a priori.

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1. Dinâmica provável do problema, ou possibilidade.

No entanto, não se deve deixar-se levar por um só devir e apenas uma ação, que distingue o objeto da arte do objeto da ciência. Deve ser lembrado o tempo todo que no campo da arte não estamos lidando apenas com a ação como uma estrutura orgânica do devir, mas que o próprio devir surgiu aqui em Aristóteles como resultado da oposição ao raciocínio categórico (assim como a necessidade lógica) precisamente à possibilidade provável do problema. Somente tomando essa possibilidade no domínio da razão pura no aspecto do devir e possibilidade integral organicamente inerente a ela, temos pela primeira vez uma ideia mais ou menos completa do objeto de arte.

Aristóteles escreve: "... A tarefa do poeta não é falar sobre o que aconteceu (ta genomana), mas sobre o que poderia acontecer, sobre o possível por probabilidade ou necessidade" (Poet. 9, 1451 a 36 - b 1). Isso significa que Aristóteles rompeu de uma vez por todas com o objeto da arte, como com a realidade real. Fatos simples, tomados por si mesmos, não interessam ao poeta. Ele está interessado no que é retratado no que é percebido não em si mesmo, mas como fonte de outros objetos e representações possíveis, ou, como diríamos, o sujeito de uma imagem artística é sempre simbólico, ou melhor, expressivamente simbólico, sempre aponta para outra coisa e chama para outra.

Os pensamentos de Aristóteles a esse respeito são bastante categóricos:

"O historiador (158) e o poeta diferem não porque um fala em verso, mas no outro em prosa. Afinal, as obras de Heródoto poderiam ser transpostas em verso, e ainda assim seria a mesma história em metros como sem A diferença é que um fala sobre o que aconteceu (ta genomana), o outro sobre o que poderia ter acontecido" (b 1-6).

2. A natureza generalizada desta possibilidade.

Finalmente, segundo Aristóteles, o objeto artístico, que ele declarou ser apenas uma possibilidade, não pode ser reduzido de alguma forma - tanto em termos de generalidade quanto em termos de convencimento da imagem. Poder-se-ia pensar que se o artista fosse ordenado a retratar não o que é, mas o que pode ser, o artista teria as mãos desatadas em relação à representação de qualquer coisa. Não, isso não pode ser de forma alguma, porque não esqueceremos que toda a esfera de possibilidade é tomada da mesma razão teórica, que sempre opera apenas em categorias gerais.

“A poesia contém um elemento mais filosófico e sério que a história: é mais geral, e a história é particular. se esforça dando nomes aos personagens, e ao particular, por exemplo, o que Alcibíades fez, ou o que aconteceu com ele" (b 6-12).

3. A natureza figurativa do art.

Aqui é importante notar que o possível, de que trata a arte, é sempre caracterizado por alguns nomes. Agora diríamos o contrário. Afinal, até agora, em princípio, só se discutiu a razão pura, ou teórica, que opera com a ajuda de categorias gerais. Mas uma obra de arte não é simplesmente um sistema de categorias lógicas. É sempre uma imagem de certas pessoas com seus nomes e certas ações que acontecem com essas pessoas. Aristóteles já falou da ação, mas ainda não falou dos heróis de uma obra de arte. E só agora diz que uma obra de arte opera sempre com um ou outro nome, isto é, com um ou outro herói com um ou outro nome. Se na comédia o enredo em si é principalmente importante, e os nomes podem ser qualquer coisa, e se há nomes na iambigrafia, mas as ações não são representadas (b 12-15), então a situação é completamente diferente na tragédia, onde um determinado enredo mito, isto é, um certo conjunto de ações, e "nomes" são dados, ou seja, heróis que carregam certos nomes que lhes pertencem, e como a mitologia pertence ao passado, a questão de sua realidade atual não é mais criado. Já que algo era, então poderia ser; e, portanto, a tragédia satisfaz plenamente o princípio artístico da possibilidade, para não falar de sua persuasão, que decorre disso, e, conseqüentemente, seu realismo peculiar, que não apenas não contradiz o princípio da possibilidade, mas apenas o realiza mais claramente.

Aqui está o que lemos de Aristóteles sobre este assunto:

"Na tragédia, os nomes são retirados do passado. A razão para isso é que um possível [isto é, neste caso, um incidente] é crível. Não acreditamos na possibilidade do que ainda não aconteceu; e o que aconteceu aconteceu é óbvio, talvez, pois não teria acontecido se não tivesse sido possível. No entanto, em algumas tragédias ocorrem apenas um ou dois nomes conhecidos, enquanto outros são fictícios, como, por exemplo, em "Flor. In" de Agathon este trabalho, tanto eventos como nomes, e ainda assim dá prazer" (b 15-23).

Aqui, não só a amplitude do horizonte artístico de Aristóteles é importante, mas também é importante aqui que entre esses argumentos sobre a integridade, generalidade e realismo peculiar da imagem mitológica, ele não esquece de dizer também sobre o prazer proporcionado pela tragédia (eyphraifiein, ou melhor, seria traduzido como "alegria").

Concluindo, Aristóteles volta a enfatizar a não factualidade de uma obra de arte, a saber, seu feito, manufaturado, construído criativamente, sua figuratividade virtuosa, que, segundo Aristóteles, se realiza sempre por meio de sua efetiva criação:

“Não se deve necessariamente ter como tarefa aderir aos mitos preservados pela tradição, no campo em que gira a tragédia. E é ridículo conseguir isso, pois até o conhecido é conhecido de poucos, mas prazer a todos. Disso fica claro que o poeta deve ser mais criador de enredos do que metros, pois é criador na medida em que reproduz, e reproduz ações. um criador, pois nada impede que alguns eventos reais tenham o caráter de probabilidade e possibilidade. Por isso ele é seu criador" (b 23-33).

4. A expressão como nitidez estética de um objeto artístico.

Agora, finalmente, chegamos à compreensão aristotélica da arte como uma esfera de expressão. Afinal, aqui fica claro por si só que esse tipo de teoria de um objeto artístico, calculada não apenas sobre o conteúdo, mas sobre o virtuosismo da formação de qualquer conteúdo, que, aliás, dá prazer específico, é apenas uma estética temperada da expressão, quando não é o que é objetivamente importante que importa, existe, e não o que é inventado na ordem da arbitrariedade subjetiva, mas o virtuosismo da própria expressão e o prazer específico a ela associado.

a) Na última das citações anteriores, estávamos convencidos de que Aristóteles, embora gostasse muito de tramas mitológicas conhecidas e compreensíveis, acredita, no entanto, que a arte de uma obra não depende em nada dessas tramas conhecidas e compreensíveis. Os enredos podem ser completamente desconhecidos do público e completamente incompreensíveis em sua novidade, e ainda assim o público pode obter prazer estético desses enredos. E porque? Porque para Aristóteles em uma obra de arte o importante não é "o quê", mas "como", ou melhor, a fusão completa de ambos em um imaginário formal-estrutural expressivo e, portanto, convincente. Abaixo veremos como Aristóteles determina a própria origem da arte pela inclinação natural de uma pessoa para a "imitação", ou seja, para recriar criativamente tudo ao seu redor, e obter prazer desse tipo de imitação.

b) Agora vamos dar um raciocínio muito interessante de Aristóteles em "Política":

“As crianças devem ser ensinadas assuntos gerais úteis, não só pelo interesse dos benefícios que daí derivam - como é, por exemplo, alfabetizar, mas também porque, graças a esta formação, é possível comunicar-lhes uma série de outras É o caso do desenho: e não se estuda para não cair em erro nas próprias ações, ou para não ser enganado na compra ou venda de utensílios domésticos, mas o desenho estuda-se porque desenvolve o olhar na determinação da beleza física, pessoas de altas qualidades espirituais e nascidas livres" (VIII 3, 1388 a 37 - 1388 b 4).

Em outras palavras, um objeto artístico, segundo Aristóteles, é igualmente vitalmente neutro e vitalmente útil. A arte é uma esfera completamente específica, onde não se diz nem "sim" nem "não", mas é sempre uma esfera de possíveis afirmações e negações. Esta é a esfera dos devires-ações expressivos. A música se distingue especialmente por isso (Polit. VIII 4-5), como veremos a seguir ao considerar a essência da música e da educação musical.

c) Que o belo é geralmente superior ao físico, é evidente a partir do raciocínio de Aristóteles (Ethic. Nic. III 12) que é agradável para um lutador de punho receber uma coroa e honras, mas é doloroso receber golpes durante a luta, e ações corajosas são realizadas em prol de um belo objetivo e para evitar a vergonha, embora as feridas e a morte não sejam de forma alguma algo bonito ou agradável. Aristóteles quer dizer aqui que o belo é eficaz, mas não no sentido puramente físico.

"Nas obras de arte, a perfeição (a ey) está em si mesmas, e basta que essas obras surjam de acordo com as regras que estão na própria arte" (II 3, 1105 a 27-28).

“Portanto, a arte não pode ser criticada por retratar objetos errados, impossíveis ou improváveis. Claro, seria melhor se tudo retratado na arte fosse objetivamente correto, objetivamente possível e objetivamente provável, mas se, por exemplo, um cavalo com as duas pernas direitas erguidas, então quem critica o pintor por isso não critica a arte da pintura, mas apenas sua inconsistência com a realidade. O tema de uma imagem artística pode até ser objetivamente completamente impossível. No entanto, para a poesia , o impossível é preferível, mas provável que possível, mas incrível" (Poet. 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Aristóteles assume a estrutura virtuosa de uma obra de arte mesmo quando aprecia na tragédia a própria conexão dos eventos, ou seja, o que ele chama de "mito", e não os eventos em si. Assim, por exemplo, a tragédia, segundo Aristóteles, é possível mesmo sem a representação de personagens, mas não é possível sem uma conexão de eventos acabada e claramente expressa. Isso se aplica a todas as outras artes também.

"Sem ação, a tragédia é impossível, mas sem caráter é possível" (6, 1450 a 24-25). "O mesmo se nota entre os artistas, por exemplo, se compararmos Zeuxis com Polygnotus: Polygnotus é um bom pintor característico, e a escrita de Zeuxis não tem nada de característico" (a 27-29). “Se alguém combina harmoniosamente ditos característicos e belas palavras e pensamentos, não cumprirá a tarefa da tragédia, mas a tragédia a alcançará muito mais, embora usando tudo isso em menor grau, mas tendo um enredo e uma composição adequada de eventos” (29-33).

Conseqüentemente, o significado artístico da tragédia reside apenas na composição dos incidentes, ou seja, em sua própria estrutura, e não nos incidentes como tais. O mesmo acontece na pintura.

"Se alguém borra as melhores tintas em uma bagunça, ele não pode nem mesmo proporcionar o prazer de um desenhista com giz" (a 33-36).

5. A fundamentação filosófica da autossuficiência estrutural do art.

Infelizmente, no momento presente não podemos, por falta de espaço, dar integralmente a fundamentação filosófica da natureza estrutural da arte, que Aristóteles realmente tem. O primeiro tratado, que segue as Categorias do Organon, é intitulado Da Interpretação. O fato é que além de ser tomado em si, para uma pessoa há sempre uma ou outra interpretação dela, uma ou outra interpretação dela. Essa interpretação existe, é claro, em relação a todo o cosmos tomado como um todo. Mas tal interpretação do cosmos, como bem sabemos, é a Mente cósmica para Aristóteles. No referido tratado, Aristóteles defende os direitos da interpretação humana do ser em face do próprio ser. A interpretação tem uma natureza específica: nem tudo o que é verdadeiro no próprio ser é verdadeiro no pensamento; e a própria contradição que Aristóteles proíbe por ser ela mesma é bem possível no pensamento. Assim, "ser" e "não ser" é uma contradição inaceitável. No entanto, no pensamento, além da modalidade real e categórica, existem também outras modalidades, em relação às quais não faz sentido falar em verdade ou falsidade. Este é todo o reino da existência possível. Não se pode dizer que seja verdadeiro, pois ainda não existe, nem que seja falso, pois ainda não foi categoricamente afirmado no estágio de possibilidade. E o que mais chama a atenção nesse tratado é que Aristóteles nos remete especificamente à poética e à retórica para considerar esse tipo de ser, em relação ao qual nada é afirmado ou negado.

Aristóteles escreve:

"Nem todo discurso contém [julgamento], mas apenas o que contém a verdade ou falsidade de algo, então, por exemplo, "desejo" (eyche) é discurso, mas não verdadeiro ou falso. Os demais tipos de discurso estão aqui liberados, pois o estudo deles é mais condizente com a retórica ou a poética; somente o julgamento (logos apophanticos) pertence à presente consideração” (De interpret. 4, 17 a 2-7).

Assim, a impossibilidade de aplicar juízos positivos ou negativos à arte é comprovada por Aristóteles em um dos mais importantes tratados de sua filosofia teórica. O ser artístico é e não é. É apenas uma possibilidade, apenas uma problemática, apenas predeterminada e carregada, mas de modo algum um sistema de julgamentos sobre o ser, positivo ou negativo. É apenas a própria expressão, e nada mais.

Todos os julgamentos acima de Aristóteles e sobre Aristóteles podem, aos olhos de outros, reduzir todo o ensino de Aristóteles sobre arte a um formalismo vazio e sem sentido. Isso significaria não entender a estética de Aristóteles. O fato é que toda essa "possibilidade", "neutralidade" artística e em geral modalidade específica representam (e já falamos sobre isso muitas vezes) não forma, ao contrário do conteúdo, assim como, é verdade, não conteúdo sem forma, mas isto é, em que forma e conteúdo são identificados, em que eles não diferem um do outro, e em que seu ser e seu não-ser se fundem até o ponto de completa indistinguibilidade. Como então se pode dizer que Aristóteles está interessado na arte apenas em suas formas e apenas em suas estruturas?

Todo o capítulo 17 de "Poética" é dedicado precisamente às questões do desenho concreto da arte.

“A tragédia”, diz Aristóteles, “deve ser escrita de tal forma que seja a mais clara, mais convincente e que suas cenas constituintes sejam as mais compreensíveis. que está realmente com raiva. Como resultado, a poesia é o destino de uma pessoa ricamente dotada ou de uma pessoa propensa ao frenesi. .

Onde está o formalismo em Aristóteles quando ele retrata a própria essência de uma obra de arte?

Já foi dito o suficiente acima sobre categorias "formais" da estética aristotélica como "início", "meio" e "fim". Já tentamos provar lá que aqui Aristóteles não tinha formalismo, mas apenas uma forma plástica, escultórica de perceber o mundo. Vejamos agora o que Aristóteles tem a dizer sobre o conceito de período e sobre o prazer estético que obtemos justamente por sua ordem estrutural:

"Chamo período uma frase que em si tem começo, meio e fim, e cujas dimensões são fáceis de ver. Esse estilo é agradável e compreensível; é agradável porque é o oposto de um discurso inacabado, e sempre parece ao ouvinte que ele apreende algo e que algo acabou para ele, mas não prever nada e não chegar a nada é desagradável. Tal fala é compreensível porque é fácil de lembrar, e isso vem do fato de que a fala tem um número, e o número é mais facilmente lembrado. É por isso que todos se lembram melhor dos versos do que da prosa, pois os versos têm um número pelo qual são medidos” (Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Perguntemos aqui novamente, onde está o formalismo estético de Aristóteles na avaliação das obras de arte?

Aristóteles, como moralista, se opõe a todos os extremos e em toda parte prega o meio, a moderação. Mas em relação aos objetos de arte, ele não conhece meio-termo nem moderação.

"A moderação deve ser observada nos prazeres inferiores, corporais, mas não nos prazeres da cor das pinturas, de ouvir obras musicais e de cheiros sutis e elegantes." “Não chamamos moderados nem intemperantes aqueles que apreciam a vista, por exemplo, flores, ou formas, ou imagens, embora possa ser que para tais pessoas haja um gozo normal, ao mesmo tempo excessivo e insuficiente. O mesmo deve ser dito sobre os prazeres da ao ouvido: ninguém chamará intemperantes que apreciam demasiadas melodias e representações teatrais, e ninguém chamará moderados aqueles que o apreciam com moderação. . Nic. III) 13, 1118 a 1-9).

Tal atitude em relação à arte não pode ser chamada de formalista, quando se prega a possibilidade de "sem conhecer qualquer medida de imersão nas cores e formas, na pintura, na música e até no incenso. outro tratado e, além disso, ainda mais detalhado (Ethic. Eud. III 2, 1230 b 31).

7. O perigo de modernizar a doutrina da arte de Aristóteles.

Revendo todos os materiais anteriores sobre arte de Aristóteles e tentando analisá-los do ponto de vista da especificidade artística, realmente nos deparamos com uma série de surpresas que geralmente estão ausentes na apresentação da estética de Aristóteles. Mesmo a própria diferença entre ser dinâmico e ser puro pode ser desconcertante para muitos. Afinal, verifica-se nada mais e nada menos do que o fato de que o ser artístico não é positivo nem negativo, que não diz "sim" nem "não", que é existencialmente neutro e que, em última análise, tem suas raízes no área subjetiva do artista criativo. É muito fácil se extraviar e colocar a estética de Aristóteles no mesmo plano com aquelas formas modernas de pensamento niilista idealista que encontraram uma expressão vívida para si mesmas na epistemologia de Mach e Avenarius. Aparentemente, o autor que tanto fez para iluminar a estética aristotélica e considerá-la no plano das teorias modernas europeias e americanas, V. Tatarkevich (159), tende a essa posição equivocada. Ele notou muito em Aristóteles que vai muito além da compreensão e exposição tradicional de Aristóteles; ele cita muitos desses textos de Aristóteles, que também desempenham um papel importante em nosso país (mas só nós temos muitas vezes mais desses textos). A tese principal de V. Tatarkevich se resume precisamente ao fato de Aristóteles supostamente ensinar sobre a esfera neutra do ser da arte, que, segundo este autor, difere nitidamente de toda filosofia antiga (excluindo Cícero) e como ele está certamente próximo de nosso presente. Também demos um ensino mais desenvolvido sobre a natureza dinâmico-energética da mente na filosofia de Aristóteles e também citamos textos sobre a primazia da subjetividade sobre o ser objetivo na teoria da arte de Aristóteles. No entanto, todo esse lado da estética de Aristóteles não deve de modo algum nos obscurecer e tudo o mais que encontramos nela.

Se Aristóteles realmente pregasse esse tipo de teoria, então V. Tatarkevich estaria absolutamente certo de que Aristóteles não é um teórico da arte antigo, mas contemporâneo. Mas um estudo minucioso de Aristóteles mostra que esse elemento "machista" deve ser capaz de ser combinado com precisão e incondicionalmente com o ontologismo antigo geral de Aristóteles, e sua especificidade de uma obra de arte deve ser combinada com os ensinamentos gerais antigos sobre arte, natureza e ser. A mente ensinada por Aristóteles não só não contradiz esse conceito de energia dinâmica, mas, como mostramos muitas vezes, aqui Aristóteles tinha unidade incondicional e nenhum de seu ontologismo sofreu com isso. Para caracterizar de fato o estado de coisas, não entraremos agora em discussões teóricas, para as quais já tivemos muitas páginas, mas apenas tocaremos em duas questões mais restritas, nas quais é mais fácil observar a tendência geral da antiguidade de Aristóteles para uma passiva. compreensão do sujeito humano, apesar de que, segundo Aristóteles, é no sujeito humano que se enraíza o que deve ser chamado de arte.

a) Se nos perguntássemos como um filósofo de primeira classe da antiguidade e, além disso, um enciclopedista excepcional, sente todo o interior da arte, ficaríamos espantados com a letargia e a passividade das atitudes correspondentes. Em Aristóteles, também aqui, como em outros lugares da antiguidade, aparece o termo enthoysiasmos, "entusiasmo", que, no entanto, não é entusiasmo em nosso sentido, mas uma espécie de excitação apaixonada, inspiração afetiva. Aristóteles assim o define: “O entusiasmo é um afeto de ordem ética em nossa psique” (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12), e ethos, “ethos” aqui deve ser entendido não no sentido de ética, mas da mesma forma que os franceses e ingleses nos tempos modernos e modernos entendem o termo "moral", ou seja, em um sentido psicológico amplo. Esse entusiasmo, sobre o qual o filósofo fala muito em relação à música, é de fato considerado por ele com muita moderação e sobriedade. Entusiasmo, êxtase, é claro, são úteis. De um poeta menor, Marakus de Siracusa, Aristóteles diz (Probl. XXX 1, 954 a 38-39) que ele "seria um poeta melhor se estivesse em êxtase". Mas Aristóteles rejeita todas as formas extremas de entusiasmo, considerando-o uma doença. Tais êxtases como o de Hércules, que matou seus filhos, ou o de Ajax, que matou as ovelhas em vez dos Atrides, têm para Aristóteles todos os sinais de doença. No mesmo tratado (a 36-38) é dada uma explicação puramente fisiológica dos estados de êxtase. Por exemplo, as sibilas e os Bakids agem com base em predisposições mórbidas da natureza. Bílis negra, desnutrição e coisas semelhantes são as causas desse "entusiasmo". Aristóteles refere-se a tais "melancólicos" muitos filósofos, incluindo Empédocles, Sócrates e Platão (953 a 27-32). Em vez desses estados não naturais, Aristóteles dá conselhos muito bons aos escritores, como encontramos, por exemplo, no capítulo 17 da Poética:

“Ao compilar os mitos e processar sua linguagem, é necessário representar os acontecimentos o mais próximo possível diante de seus olhos. Nessa condição, o poeta, vendo-os com bastante clareza e como se estivesse presente durante seu desenvolvimento, pode encontrar o certo e o melhor. notar as contradições” (1455 a 22-26).

Este é um conselho muito calmo e sensato, e coloca questões sobre inspiração em bases muito realistas e psicológicas.

b) A questão da fantasia é igualmente realista. Encontramos traços de passividade nesse sentido também em Platão. Isso é ainda mais característico de Aristóteles, que está tentando fazer aqui uma análise psicológica sóbria. Sob a influência do êxtase, as pessoas muitas vezes tomam as imagens de sua própria representação pela realidade: "Dizem que as imagens da representação (phantasmata) eram reais e que se lembram delas" (De memor. 1, 450 b 10-11). Em geral, a fantasia é muito mais fraca do que as sensações sensoriais reais. Em Rhet. I 11, 1370 a 28-29 Aristóteles afirma explicitamente: "A representação (phantasia) é uma espécie de sensação de desmaio". No entanto, essa passividade não deve ofuscar outro aspecto muito importante.

c) O fato é que Aristóteles, ao se opor a Platão sobre a questão das ideias, como já sabemos muito bem, de fato não nega a existência das ideias, mas apenas as coloca imanentemente nas coisas, na realidade. Esse imanentismo, por outro lado, não pode ser entendido grosseiramente. Isso só leva ao fato de que a ideia, tomada em conjunto com a coisa, adquire um padrão semântico mais complexo, torna-se uma forma expressiva, sem deixar de ser puro significado. Aqui está a chave para o "whatness" aristotélico, ou "forma", "eidos". Observamos o mesmo simbolismo em Aristóteles e em sua psicologia. A alma é concebida por ele como forma pura do corpo, mas não existe "sem corpo" (De an. II 2, 414 a 5-22), sendo, portanto, a expressividade semântica do corpo (415 b 7-27). A percepção sensorial tem puro eidos, mas não sem matéria (417 b 28 - 418 a 6). Finalmente, o mesmo ensinamento se aplica ao pensamento. Segundo Aristóteles, o pensamento está nas mesmas condições da percepção sensorial, ou seja, é um estado passivo sob a influência do pensável (III 4, 429 a 13-15). Mas o próprio concebível é precisamente tal que não causa afeto e, portanto, a própria mente, propriamente falando, está além do sofrimento. Ele contém eidos, e há a potência de tudo que se possa imaginar. Como quem pensa tudo, não contém nenhuma mistura. É apenas a potência do pensamento completo. E ele não participa de forma alguma do corpo, porque senão estaria quente ou frio e teria algum tipo de órgão. É o lugar dos eidos e, além disso, antes de tudo, dos potenciais. O pensamento desenvolvido já cria uma enteléquia do pensamento; aqui - eidos entelequial (429 a 15 - b 10). Mas a mente não é apenas pura e ativa. Ele também está sofrendo porque nem sempre está pensando. Como a mente está em si mesma, pensa a si mesma, sendo independente de qualquer coisa sensível, ela é um pensamento sobre o pensamento e, consequentemente, encontra sua expressão na autoconsciência (neste caso, pensamento e pensamento são idênticos, 430 a 3- 5). Na medida em que pensa de outra forma, sendo, por assim dizer, afetado por esse outro, ele encontra sua expressão no pensamento figurativo, ou melhor, no percebido intuitivamente por meio de um representante mental especial do pensamento.

Aqui Aristóteles repete a mesma antinomia involuntária que podemos afirmar em outros problemas: a alma não é um corpo, mas não sem corpo; a sensação não é movimento, mas não sem movimento. Em relação à mente, Aristóteles diz diretamente: "A alma nunca pensa sem uma imagem" (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17), e as imagens introduzem nos pensamentos essa mesma "mudança", ou, segundo nossa interpretação, "expressão" o que o respectivo meio de luz contribui para a cor em geral.

"O princípio pensante pensa o eidos em imagens" (413 b 2).

“Uma vez que, reconhecidamente, não há uma única coisa que existiria separadamente de (suas) quantidades sensorialmente percebidas, o concebível é dado no eidos sensível, enquanto tanto os chamados objetos abstratos quanto aqueles que estão associados a estados e, portanto, o aquele que nada percebe sensualmente não pode reconhecer nem compreender nada, e quando contempla mentalmente, é necessário que contemple simultaneamente uma certa imagem da imaginação (phantasma), pois essa imagem existe como imagens da percepção (hosper aithemata), exceto como a imaginação difere da afirmação e da negação, assim a verdade ou a falsidade é esta ou aquela combinação de pensamentos. Mas como os pensamentos primários diferem das imagens sensíveis? eles - não sem imagens" (III 8, 432 a 3-14).

A mente é "pura" (III 5, 430 a 18, etc.), "eidos de eidos" (III 8, 432 a 1), não é algo que se move (III 9, 432 b 26-27) e nem é uma alma em tudo (II 2, 414 a 4-14), e por outro lado, energeticamente é impossível sem sensualidade. Aqui está uma repetição completa dos problemas que colocamos de maneira geral na Metafísica: eidos não são fatos, mas têm significado real apenas nas coisas em que recebem sua expressão final. E assim como ali a energia é uma expressividade semântica dada simbolicamente nas coisas, também aqui o pensamento é dado simbolicamente em imagens sensuais, todas com a mesma expressividade semântica.

d) É fácil ver que sutil passividade reside em toda essa estética descritiva simbólica de Aristóteles. Fantasia para ele é uma conexão muito equilibrada e calma de pensamento puro e imagens sensuais, que transforma o pensamento puro em figuratividade e expressividade pictórica, e faz imagens sensuais de cegos e surdos em transparentemente simbólicas e artísticas. Essa conexão é, naturalmente, elementar: toda estética a postula logo na primeira página de seu estudo da psicologia da arte. Sócrates exigia o mesmo, como sabemos, dos artistas; Platão usou deliberadamente a "sensibilidade" para construir seu "provável mito" no Timeu; Plotino também se lembrará de sua Mente pura por sinais corporais, e assim por diante. etc. Mas toda a estética antiga entende essa conexão fundamental de uma maneira internamente passiva, contemplativa, "clássica"; Aristóteles, em contraste com as construções dialéticas do platonismo no campo da autoconsciência (a forma madura está em Plot. V 3) e em contraste com o naturalismo estóico-epicureano (“fluxos”, “átomos da alma”, etc. ), dá uma descrição expressiva e semântica da fantasia, dá uma fenomenologia expressiva dessa consciência passiva-plástica antiga geral do artista.

O conceito de arte

Palavra " arte" tanto em russo quanto em muitos outros idiomas, é usado em dois sentidos:

• dentro estreito sentido é uma forma específica de desenvolvimento prático-espiritual do mundo;
• dentro largo- o mais alto nível de habilidade, habilidades, independentemente da maneira como se manifestam (a arte de um fogão, médico, padeiro, etc.).

- um subsistema especial da esfera espiritual da sociedade, que é uma reprodução criativa da realidade em imagens artísticas.

Inicialmente, a arte era chamada de alto grau de habilidade em qualquer negócio. Esse significado da palavra ainda está presente na língua quando falamos da arte de um médico ou professor, arte marcial ou oratória. Mais tarde, o conceito de "arte" começou a ser cada vez mais utilizado para descrever uma atividade especial destinada a refletir e transformar o mundo de acordo com padrões estéticos, ou seja de acordo com as leis da beleza. Ao mesmo tempo, o significado original da palavra foi preservado, pois é necessária a mais alta habilidade para criar algo bonito.

Sujeito As artes são o mundo e o homem na totalidade de suas relações entre si.

Forma de Existência arte - uma obra de arte (poema, pintura, peça, filme, etc.).

A arte também usa meios para reprodução da realidade: para literatura é palavra, para música é som, para belas artes é cor, para escultura é volume.

Alvo a arte é dupla: para o criador é a auto-expressão artística, para o espectador é o gozo da beleza. Em geral, a beleza está tão intimamente ligada à arte quanto a verdade à ciência e a bondade à moral.

A arte é um importante componente da cultura espiritual da humanidade, uma forma de conhecimento e reflexão da realidade que envolve uma pessoa. Em termos do potencial de compreensão e transformação da realidade, a arte não é inferior à ciência. No entanto, as formas de entender o mundo pela ciência e pela arte são diferentes: se a ciência usa conceitos rígidos e inequívocos para isso, então a arte -.

A arte como um ramo independente e de produção espiritual surgiu da produção do material, foi originalmente tecida nele como um momento estético, mas puramente utilitário. um artista por natureza, e ele se esforça para trazer beleza a todos os lugares de uma maneira ou de outra. A atividade estética de uma pessoa se manifesta constantemente na vida cotidiana, na vida social e não apenas na arte. indo exploração estética do mundo uma pessoa pública.

Funções da arte

A arte realiza um número funções públicas.

Funções da arte pode ser resumido da seguinte forma:

• função estética permite reproduzir a realidade de acordo com as leis da beleza, forma um gosto estético;
• função social manifestada no fato de que a arte tem um impacto ideológico na sociedade, transformando assim a realidade social;
• funções compensatórias permite restaurar a paz de espírito, resolver problemas psicológicos, "fugir" por um tempo da vida cotidiana cinza, compensar a falta de beleza e harmonia na vida cotidiana;
• função hedônica reflete a capacidade da arte de trazer prazer a uma pessoa;
• função cognitiva permite conhecer a realidade e analisá-la com a ajuda de imagens artísticas;
• função preditiva reflete a capacidade da arte de fazer previsões e prever o futuro;
• função educacional manifestada na capacidade das obras de arte de moldar a personalidade de uma pessoa.

função cognitiva

Em primeiro lugar, este cognitivo função. As obras de arte são fontes valiosas de informação sobre processos sociais complexos.

Claro, nem todos no mundo ao redor estão interessados ​​em arte, e se estão, então em um grau diferente, e a própria aproximação da arte ao objeto de seu conhecimento, o ângulo de sua visão é muito específico em comparação com outras formas da consciência social. O principal objeto de conhecimento em arte sempre foi e permanece. É por isso que a arte em geral e, em particular, a ficção é chamada de ciência humana.

função educacional

Educacional função - a capacidade de ter um impacto importante no desenvolvimento ideológico e moral de uma pessoa, seu auto-aperfeiçoamento ou queda.

E, no entanto, as funções cognitivas e educacionais não são específicas da arte: outras formas de consciência social também desempenham essas funções.

função estética

A função específica da arte, que a torna arte no verdadeiro sentido da palavra, é sua estético função.

Percebendo e compreendendo uma obra de arte, não apenas assimilamos seu conteúdo (semelhante ao conteúdo de física, biologia, matemática), mas passamos esse conteúdo através do coração, das emoções, damos às imagens sensualmente concretas criadas pelo artista uma avaliação estética tão bela ou feio, sublime ou baixo. , trágico ou cômico. A arte forma em nós a capacidade de fazer tais avaliações estéticas, de distinguir o verdadeiramente belo e o sublime de todos os tipos de imitações.

função hedônica

Cognitivo, educacional e estético se fundem na arte. Graças ao momento estético, desfrutamos do conteúdo de uma obra de arte, e é no processo de fruição que somos iluminados e educados. Nesse sentido, eles falam sobre hedonista(traduzido do grego - prazer) funções arte.

Por muitos séculos, na literatura sócio-filosófica e estética, a disputa sobre a relação entre beleza na arte e realidade continuou. Isso revela duas posições principais. De acordo com um deles (na Rússia foi apoiado por N. G. Chernyshevsky), o belo na vida é sempre e em todos os aspectos superior ao belo na arte. Nesse caso, a arte aparece como cópia dos personagens e objetos típicos da própria realidade e um substituto da realidade. Obviamente, um conceito alternativo é preferível (G. V. F. Hegel, A. I. Herzen e outros): o belo na arte é superior ao belo na vida, pois o artista vê com mais precisão e profundidade, sente-se mais forte e brilhante, e por isso pode inspirar com a sua a arte dos outros. Caso contrário (sendo um substituto ou mesmo uma duplicata), a sociedade não precisaria da arte.

trabalhos de arte, sendo a encarnação substantiva do gênio humano, tornam-se os mais importantes valores espirituais e que são transmitidos de geração em geração, propriedade da sociedade estética. O domínio da cultura, a educação estética é impossível sem a familiarização com a arte. As obras de arte dos séculos passados ​​capturam o mundo espiritual de milhares de gerações, sem dominar que uma pessoa não pode se tornar uma pessoa no verdadeiro sentido da palavra. Cada pessoa é uma espécie de ponte entre o passado e o futuro. Ele deve dominar o que a geração passada lhe deixou, compreender criativamente sua experiência espiritual, entender seus pensamentos, sentimentos, alegrias e sofrimentos, altos e baixos, e passar tudo para a posteridade. Só assim a história se move, e nesse movimento um enorme exército pertence à arte, expressando a complexidade e a riqueza do mundo espiritual do homem.

Tipos de arte

A principal forma de arte era uma sincrético complexo (indivisível) de atividade criativa. Para o homem primitivo, não havia música, literatura ou teatro separados. Tudo se fundiu em uma única ação ritual. Mais tarde, tipos distintos de arte começaram a se destacar dessa ação sincrética.

Tipos de arte- são formas historicamente estabelecidas de reflexão artística do mundo, utilizando meios especiais para construir uma imagem - som, cor, movimento corporal, palavra, etc. Cada tipo de arte tem suas próprias variedades especiais - gêneros e gêneros, que juntos fornecem uma variedade de atitudes artísticas em relação à realidade. Consideremos brevemente os principais tipos de arte e algumas de suas variedades.

Literatura usa meios verbais e escritos para construir imagens. Existem três tipos principais de literatura - drama, épico e lirismo e vários gêneros - tragédia, comédia, romance, história, poema, elegia, conto, ensaio, folhetim, etc.

Música usa áudio. A música é dividida em vocal (destinada ao canto) e instrumental. Gêneros de música - ópera, sinfonia, abertura, suíte, romance, sonata, etc.

Dança utiliza meios de movimentos plásticos para construir imagens. Aloque ritual, folclore, salão de baile,

danças modernas, balé. Direções e estilos de dança - valsa, tango, foxtrot, samba, polonaise, etc.

Quadro exibe a realidade em um plano por meio de cores. Gêneros de pintura - retrato, natureza morta, paisagem, bem como cotidiano, animalístico (imagem de animais), gêneros históricos.

Arquitetura forma um ambiente espacial na forma de estruturas e edifícios para a vida humana. É dividido em residencial, público, paisagismo, industrial, etc. Existem também estilos arquitetônicos - gótico, barroco, rococó, art nouveau, classicismo, etc.

Escultura cria obras de arte que têm volume e forma tridimensional. A escultura é redonda (busto, estátua) e em relevo (imagem convexa). O tamanho é dividido em cavalete, decorativo e monumental.

Artes e Ofícios relacionadas com as necessidades de aplicação. Isso inclui objetos de arte que podem ser usados ​​na vida cotidiana - pratos, tecidos, ferramentas, móveis, roupas, joias, etc.

Teatro organiza uma ação de palco especial através do jogo de atores. O teatro pode ser dramático, ópera, fantoche, etc.

O circo apresenta uma ação espetacular e divertida com números inusitados, arriscados e engraçados em uma arena especial. Estes são acrobacias, equilíbrio, ginástica, equitação, malabarismo, truques de mágica, pantomima, palhaçada, treinamento de animais e assim por diante.

Filmeé o desenvolvimento da ação teatral com base em meios audiovisuais técnicos modernos. Os tipos de cinematografia incluem ficção, documentários, animação. Por gênero, distinguem-se comédias, dramas, melodramas, filmes de aventura, detetives, thrillers, etc.

foto corrige imagens visuais documentais com a ajuda de meios técnicos - ópticos e químicos ou digitais. Os gêneros da fotografia correspondem aos gêneros da pintura.

Palco inclui pequenas formas de artes cênicas - dramaturgia, música, coreografia, ilusões, performances circenses, performances originais, etc.

Gráficos, arte de rádio, etc. podem ser adicionados aos tipos de arte listados.

A fim de mostrar as características comuns dos diferentes tipos de arte e suas diferenças, vários fundamentos para sua classificação são propostos. Então, existem tipos de arte:

• pelo número de meios utilizados - simples (pintura, escultura, poesia, música) e complexos, ou sintéticos (ballet, teatro, cinema);
• na relação entre obras de arte e realidade - pictórica, retratando a realidade, copiando-a (pintura realista, escultura, fotografia), e expressiva, onde a fantasia e a imaginação do artista criam uma nova realidade (ornamento, música);
• em relação ao espaço e ao tempo - espacial (belas artes, escultura, arquitetura), temporal (literatura, música) e espaço-tempo (teatro, cinema);
• pelo momento da ocorrência - tradicional (poesia, dança, música) e novo (fotografia, cinema, televisão, vídeo), geralmente utilizando meios técnicos bastante complexos para construir uma imagem;
• de acordo com o grau de aplicabilidade na vida cotidiana - aplicada (artes e ofícios) e fina (música, dança).

Cada espécie, gênero ou gênero reflete um lado ou faceta particular da vida humana, mas juntos, esses componentes da arte dão uma imagem artística abrangente do mundo.

A necessidade de criação artística ou fruição de obras de arte aumenta com o crescimento do nível cultural de uma pessoa. A arte torna-se tanto mais necessária quanto mais a pessoa se separa do estado animal.

A arte existe há muito mais tempo do que a civilização humana, talvez enquanto houver uma pessoa razoável. Mas é improvável que nossos ancestrais, retratando algo nas paredes das cavernas, pensassem que algum dia haveria formas muito estranhas de expressão da arte.

10. Anamorfoses

A anamorfose é uma maneira de transmitir uma imagem que geralmente é percebida apenas a uma certa distância ou em um determinado ângulo. Em alguns casos, você pode ler a inscrição apenas em uma imagem espelhada. As primeiras tentativas de usar anamorfose foram feitas por Leonardo da Vinci no século 15. Várias tentativas remontam ao Renascimento, incluindo "Os Embaixadores" de Hans Holbein Jr. e os maravilhosos afrescos de Andrea Pozzo na abóbada da igreja de Santo Inácio em Roma.

Ao longo dos séculos, as técnicas evoluíram do 3D no papel para a arte de rua que imita buracos ou rachaduras no solo. A técnica de maior sucesso foi o uso de anamorfoses na impressão. Um exemplo marcante é a tentativa bem-sucedida dos alunos Joseph Egan e Hunter Thompson de decorar as paredes de um corredor de faculdade com textos distorcidos que só podem ser lidos em pé do lado direito. O designer de Chicago Thomas Quinn inspirou os alunos com seu trabalho, e eles tentaram incorporá-los.

9. Fotorrealismo

No início da década de 1960, os fotorrealistas procuravam criar imagens que se parecessem com fotografias reais. A câmera é capaz de capturar até os menores detalhes, e o artista fotorrealista é capaz de criar uma "imagem da imagem da vida". Essa direção, que também inclui a escultura, é conhecida como "super-realismo" ou "hiper-realismo". Concentrava-se na energia da vida cotidiana, transmitindo-a com a maior precisão possível.

Fotorrealistas como Richard Eastes, Audrey Flack, Robert Bechtle, Chuck Close e o escultor Dwayne Hanson criaram trabalhos muito realistas que o espectador começou a pensar que objetos reais poderiam ser falsos. Os críticos não estão interessados ​​nessa tendência, pois a consideram o campo da tecnologia, não da arte.

8. Arte em um carro sujo

É improvável que a inscrição, por exemplo, "Lave-me" na carroceria de um carro sujo possa ser considerada uma grande arte. Mas o artista gráfico americano Scott Wade, de 52 anos, tornou-se famoso por seus incríveis desenhos em vidros empoeirados de carros. Ele criou suas histórias de desenhos animados simplesmente com o dedo ou varinha. Hoje, o artista usa tinta e pincel para criar assuntos mais complexos.

As obras de Wade participam de exposições, empresas de publicidade utilizam seus serviços. Como o autor trabalha com superfícies de vidro, nas quais é necessário ter várias camadas de sujeira, ele usa óleo e secador de cabelo em seu trabalho para garantir durabilidade. Em breve ninguém estará lavando carros.

7. Uso de dejetos humanos na arte

Muitos artistas usam fluidos produzidos pelo corpo humano para criar seus trabalhos. Por exemplo, o artista australiano Herman Nitzch usa a urina e o sangue de animais. Os enredos de suas obras, inspirados nos acontecimentos vivenciados na infância associados à Segunda Guerra Mundial, causam muita polêmica e litígio.

Um artista do Brasil, Vinicius Quesada, é conhecido por sua série "sangrenta" chamada "Blood Piss Blues". O artista usa apenas seu próprio sangue, recusando sangue de doador e animal. Seu trabalho é supersaturado com amarelos, vermelhos e verdes para criar uma atmosfera dura e surreal. Em uma das obras mais famosas “Mr. Monkey” apresenta um macaco usando óculos feitos de um console de videogame da Nintendo fumando um charuto.

6. Imagens pintadas por diferentes partes do corpo

Os artistas usam materiais muito inusitados para pintar quadros, mas não param por aí e passam para a técnica de pintar quadros com diferentes partes do corpo. O artista australiano Tim "Pricasso" Patch, de 65 anos, que pintou quadros com sua masculinidade, mas o mais interessante é que a popularidade do artista vem crescendo ultimamente.

A artista não menos ultrajante Kira Ain Warszegi usou seu peito como pincel ao pintar retratos. Esta abordagem tem sido criticada. No entanto, ela pode desenhar em alto nível da maneira tradicional. Ani K pintou quadros com a língua e Stephen Mermer, professor da escola, pintou quadros com as nádegas, pelo que foi despedido da escola.

5. Imagem 3D reversa

Enquanto os especialistas em anamorfose estão tentando alcançar a percepção de imagens bidimensionais como tridimensionais, uma tendência inversa apareceu quando uma imagem 3D é apresentada como bidimensional. Nesta área, a artista Alexa Mead tornou-se especialmente famosa. Para fazer com que os objetos da imagem pareçam sem vida, o artista usa tintas acrílicas. Ela vem trabalhando nesta técnica desde 2008. As primeiras obras foram apresentadas ao público já em 2009. Basicamente, as pinturas de Mead retratam um homem sentado em uma cadeira contra uma parede sem pintura. Levou várias horas para criar uma imagem.

Outra conhecida especialista neste campo pode ser considerada Cynthia Greig, uma artista e fotógrafa que vive em Detroit. Em suas pinturas, ela retrata objetos comuns do cotidiano, os cobre com tinta branca e carvão para criar a ilusão de planicidade.

Sombra, um fenômeno natural, e é difícil dizer quando as pessoas decidiram usá-lo para criar objetos de arte, mas os especialistas modernos conseguiram muito nessa área. Eles organizavam os objetos de tal forma que a sombra criava imagens de pessoas, lugares e palavras. Profissionais notáveis ​​incluem Kumi Yamashita e Fred Eerdekens. As sombras são frequentemente associadas a algo sinistro, e muitos artistas, incluindo Tim Noble e Sue Webster, as usam para criar a ilusão de medo em seus trabalhos. Entre suas obras, destaca-se a instalação "Dirty White Trash", na qual usaram uma pilha de lixo para criar imagens de um fumante e um bebedor nas sombras. Em outra instalação, a sombra forma a imagem de um corvo, que “almoça” com cabeças colocadas em colas. Rashad Alakbarov usa vidro brilhante e colorido e cria imagens de sombra absolutamente não sombrias em paredes vazias.

A técnica de grafite reverso é exatamente o oposto da técnica de pintura sobre sujeira em carros - neste caso, a sujeira deve ser removida durante a criação de uma imagem. Com a ajuda de máquinas de lavar, os artistas lavam os depósitos de escapamento dos carros das paredes, criando belas imagens ou padrões. O ancestral desta direção é Paul Curtis "Moose". Uma ideia semelhante veio à sua mente quando ele trabalhava em um restaurante como lavador de pratos e viu as paredes fuliginosas com a fumaça do cigarro.

Ben Logue é um artista britânico que adota uma abordagem menos tecnológica para reverter o grafite do que Curtis. As imagens temporárias de Long, criadas com apenas um dedo no para-brisa de um carro, são bastante duráveis ​​e podem durar até 6 meses se não forem lavadas pela chuva ou um mal-intencionado intervir. Surpreendentemente, a atitude em relação ao novo tipo de grafite é diferente. Várias vezes a polícia deteve Paul Curtis por “escrever com pau na areia”, como diz o próprio artista.

2. Ilusões de arte corporal

Desenhos no corpo hoje não surpreenderão ninguém, e no passado também, pois as tribos maias, os egípcios etc. foram os primeiros nesta arte. Hoje está passando por uma nova fase de desenvolvimento. A ilusão da arte corporal está em uma imagem 3D que parece bastante realista - de pessoas pintadas como animais a buracos realistas nos braços.
Hikaru Cho é um conhecido pintor de corpo japonês especializado em cenas animadas. Os artistas Johannes Stötter e Trin Merry são especializados na arte da camuflagem.

Em 1935, o método migrou para o campo da arte graças ao artista Man Ray, que filmou seu movimento cercado de luzes com uma câmera. No início, ninguém deu muita importância aos redemoinhos de luz nas fotografias, mas em 2009 descobriu-se que esta era uma imagem espelhada da assinatura do artista. Os seguidores do Maine, os artistas Gyon Mil Henri Matisse, Barbara Morgan, Jack Delano e até mesmo Pablo Picasso tentaram fazer gráficos leves. Os artistas contemporâneos Michael Bosanco, Trevor Williams e Jana Leonardo também abraçaram o que está intimamente ligado à ciência.

Arte (lat. experimentum - experiência, teste) - compreensão figurativa da realidade; o processo ou resultado de expressar o mundo interno ou externo (em relação ao criador) em uma imagem artística; criatividade direcionada de tal forma que reflita os interesses não apenas do próprio autor, mas também de outras pessoas. A arte (juntamente com a ciência) é uma das formas de cognição, tanto nas ciências naturais quanto no quadro religioso da percepção do mundo. O conceito de arte é extremamente amplo - pode se manifestar como uma habilidade extremamente desenvolvida em uma determinada área. Por muito tempo, a arte foi considerada um tipo de atividade cultural que satisfaz o amor de uma pessoa pela beleza. Junto com a evolução das normas e avaliações estéticas sociais, qualquer atividade destinada a criar formas esteticamente expressivas ganhou o direito de ser chamada de arte. Na escala de toda a sociedade, a arte é um modo especial de conhecer e refletir a realidade, uma das formas de atividade artística da consciência social e parte da cultura espiritual do homem e de toda a humanidade, um resultado diverso da atividade criativa de todas as gerações. Na ciência, a arte é chamada de atividade artística criativa real e seu resultado - uma obra de arte. No sentido mais geral, a arte é chamada de artesanato (eslovaco. Umenie), cujo produto dá prazer estético. A Enciclopédia Britânica o define como: "O uso de habilidade ou imaginação para criar objetos estéticos, ambientes ou atividades que podem ser compartilhados com outras pessoas". Assim, o critério da arte é a capacidade de evocar uma resposta de outras pessoas. A TSB define a arte como uma das formas de consciência social, o componente mais importante da cultura humana. A definição e avaliação da arte como fenômeno é objeto de debate contínuo. Durante a era romântica, a compreensão tradicional da arte como artesanato de qualquer tipo deu lugar a uma visão dela como "uma característica da mente humana, juntamente com a religião e a ciência". No século XX. Na compreensão da estética, três abordagens principais foram delineadas: realista, segundo a qual as qualidades estéticas de um objeto são imanentes a ele e não dependem do observador, objetivista, que também considera as propriedades estéticas de um objeto como imanentes, mas até certo ponto dependente do observador, e relativista, segundo a qual as propriedades estéticas de um objeto dependem apenas do que o observador vê nele, e pessoas diferentes podem perceber diferentes qualidades estéticas do mesmo objeto. Sob este último ponto de vista, um objeto pode ser caracterizado de acordo com as intenções de seu criador (ou falta de intenções), para qualquer função a que se destina. Por exemplo, um cálice que pode ser usado como recipiente na vida cotidiana pode ser considerado uma obra de arte se foi criado apenas para ornamentação, e uma imagem pode ser um artesanato se for produzida em uma linha de montagem.

Em seu primeiro e mais amplo sentido, o termo "arte" (arte) permanece próximo de seu equivalente latino (ars), que também pode ser traduzido como "habilidade" ou "ofício", bem como da raiz indo-européia "compor " ou "maquiagem". Nesse sentido, tudo o que foi criado no processo de compilação deliberada de uma determinada composição pode ser chamado de arte. Existem alguns exemplos que ilustram o significado amplo deste termo: "artificial", "arte da guerra", "artilharia", "artefato". Muitas outras palavras comumente usadas têm uma etimologia semelhante. Artista Ma Lin, um exemplo de pintura da era Song, cerca de 1250 24,8 H 25,2 cm arte conhecimento antiguidade

Até o século XIX, as artes plásticas referiam-se à capacidade de um artista ou artista expressar seu talento, despertar sentimentos estéticos no público e engajar-se na contemplação de coisas "belas".

O termo arte pode ser usado em diferentes sentidos: o processo de uso do talento, o trabalho de um mestre talentoso, o consumo de obras de arte por um público e o estudo da arte (história da arte). "Belas Artes" é um conjunto de disciplinas (artes) que produzem obras de arte (objetos) criadas por mestres talentosos (arte como atividade) e evocam uma resposta, humor, transmitem simbolismo e outras informações ao público (arte como consumo). Uma obra de arte é a interpretação intencional e talentosa de um número ilimitado de conceitos e ideias para comunicá-los aos outros. Eles podem ser criados especificamente para uma finalidade específica ou podem ser representados por imagens e objetos. A arte estimula pensamentos, sentimentos, representações e ideias através das sensações. Expressa ideias, assume muitas formas diferentes e serve a muitos propósitos diferentes. A arte é uma habilidade que pode ser admirada. A arte que evoca emoções positivas e satisfação mental com sua harmonia também pode evocar uma resposta criativa do observador, inspiração, incentivo e desejo de criar de maneira positiva. Foi assim que o artista Valery Rybakov, membro do Sindicato Profissional dos Artistas, falou sobre a arte: “A arte pode destruir e curar a alma humana, corromper e educar. E só a arte brilhante pode salvar a humanidade: cura feridas espirituais, dá esperança para o futuro, traz amor e felicidade ao mundo".