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Madeira, óleo. 131 x 107 cm. Alte Pinakothek, Munique

"A Sagrada Família de Kanijani" refere-se ao mesmo período da obra de Rafael como " Posição no caixão". O nome da pintura vem da família florentina Canigiani, que possuía esta obra de Rafael antes de passar para a coleção Medici, e depois para a Alemanha após o casamento de Anna Maria Lodovica Medici com o Eleitor do Palatinado.

Rafael. Madonna de Kanijani (Sagrada Família de Kanijani). Versão antiga e distorcida antes da restauração de von Sonnenburg

Madonna e a Justa Elizabeth (mãe de João Batista) estão sentadas na grama com seus filhos. José, o Noivo, está acima deles, mostrando a importância do pai adotivo de Jesus e refletindo o crescimento da veneração de José depois de 1500.

Rafael. Madonna Kanijani. Detalhe. 1507

Na Madonna Canigiani, Rafael sintetiza os elementos que adotou de Leonardo da Vinci e Michelangelo e os combina com uma paisagem distintamente setentrional e delicadas passagens de cores dominadas por tons iridescentes.

Rafael. Madonna Kanijani. Paisagem

A pirâmide, na qual as figuras se encaixam perfeitamente, é emprestada de Leonardo, mas os sentimentos mútuos entre os participantes da cena, expressos pelos olhares que trocam, e seu humor geral sereno, conferem à composição um caráter descritivo calmo. O tom geral da Madona Canigiani é, portanto, bem diferente da arte tensa e agitada de Leonardo. Raphael cria aqui uma trama repleta de participação humana e calma transparente.

Rafael. Madonna Kanijani. Versão após a restauração por Hubert von Sonnenburg

Em 1982, o restaurador alemão Hubert von Sonnenburg realizou uma restauração meticulosa da Madona Canigiani e removeu a camada de tinta azul distorcida aplicada no século XVIII no céu. O conceito original de Rafael agora pode ser visto novamente, com putti (anjos) à esquerda e à direita no topo.

A pintura "A Sagrada Família" foi apresentada ao povo Primorsky Marina Ageeva, diretor do Museu de Belas Artes de Nizhny Tagil. Mais precisamente, não a pintura em si, mas uma espécie de reportagem em vídeo sobre como a obra foi restaurada Rafael Santi.

“A imagem foi encontrada em Nizhny Tagil no sótão da mansão, que pertencia a Demidov ela disse. - Em 1924, este edifício foi transferido para o truste Tagilstroy e, durante a limpeza, os novos proprietários descobriram a pintura e não entenderam imediatamente o que estavam segurando em suas mãos. Ela estava em péssimo estado. A placa estava quebrada ao meio, a camada de tinta estava perdida e havia inúmeras lascas nela. Igor Grabar, o restaurador descreveu que até vestígios de botas forjadas foram encontrados nele. Talvez ela tenha caído e eles simplesmente a pisassem, nem mesmo suspeitando que não se tratava de uma simples prancha.

Outra versão da "Sagrada Família (Madonna com um José imberbe)", atribuída a Raphael Santi. Foto: commons.wikimedia.org

Muitos anos se passaram antes, após a restauração, ela voltou para a galeria. Eu não posso nem acreditar que esta pintura tem mais de 500 anos. Ela tem uma história de detetive. Críticos de arte e historiadores estabeleceram que no início ela estava na igreja de Santa Maria del Popolo, então ela também tem um segundo nome - Madonna del Popolo. Era popular, então nos anos 40 do século XVI foi roubado, mas logo a tela foi devolvida. No século XVII, foi tomada por um cardealSfondrati. E após sua morte, a imagem não foi encontrada. Ela desapareceu e depois apareceu na igreja da Santa Casa (traduzida como cabana sagrada) na pequena cidade de Loreto (Itália). Segundo a lenda, ela nasceu láMaria- mãe Jesus Cristo. Os mestres daquele século diziam que em vez de uma imagem havia uma cópia. Talvez tenha sido retirado ou escondido.

Esta foto foi reivindicada por ele mesmo Napoleão. Em 1797, ele exigiu uma indenização - cem pinturas e outras obras de arte. A Sagrada Família foi adquirida por ele como um negócio privado. O comboio foi para a França. Ele caminhou por três meses, e por um mês inteiro ficou no castelo dos duques Orleans.

Os acompanhantes foram alimentados, regados e receberam todo tipo de atenção. Foi assim que um pequeno sinal apareceu na foto - o brasão do duque Orleans- com três lírios. Quando o comboio chegou à França e as caixas foram abertas, em vez do original, havia uma cópia miserável, na qual nem a tinta secou.

A mais famosa "Sagrada Família dos Falconieri", Rafael Santi, 1507. Fragmento. Foto: Domínio Público

Sabe-se que a "Sagrada Família" estava na coleçãoNikolai Demidov. Ele adquiriu a pintura incógnita. Há alguns anos, foi encontrada uma nota nos arquivos deNikolai Demidovem que ele disse queRafaelpediu 6.000 guinéus. Talvez ele ou seus filhos tenham trazido a pintura para a Rússia, para Nizhny Tagil. Testemunhas oculares disseram que alguns ícones italianos estavam na cripta da famíliaDemidov.

A obra única na cidade foi apelidada de "Tagil Madonna". Há um ano e meio, foi concluído um acordo com Yuzhno-Sakhalinsk sobre a demonstração da pintura na ilha de Sakhalin. Primorye também expressou o desejo de mostrar a tela aos habitantes da região.

domínio público

“Ela é levada uma vez por ano por um convite especial, mas como fomos tão longe para o leste, combinamos que ela visitaria Vladivostok, mas não por um mês, mas por dois inteiros”, continuou.Marina Vladimirovna. - Eu trabalhava no museu como curador principal. Para mim, todas as coisas eram nativas. Estávamos preocupados com eles, como com as crianças: que tipo de segurança existe aqui, se o clima lhes agrada, como eles vão viver aqui. De fato, no próprio museu, a Madonna está localizada em uma sala separada, onde há cadeiras para que você possa sentar e pensar sobre arte.

NO não houve atentados contra sua vida no próprio museu. Deus salva! Eu li o detetive do autor Markova. Dois pequenos esboços foram roubados de nossa exposição em 1993 Levitano, o resultado foi um detetive. Eu leio e de repente encontro as linhas, eles dizem, “o que há Levitano, eles têm lá Rafael pendurado." Com este detetive, cheguei à administração da cidade. Ela exigiu organizar a proteção do patrimônio do país. Obrigado Markov substituímos todo o equipamento técnico da galeria.”

"A Sagrada Família dos Falconieri", Raphael Santi, 1507. Fragmento. Foto: Domínio Público

A Galeria de Arte Primorsky já preparou uma sala na qual será exibida uma exposição de uma pintura. telaRafael Santiserá um presente no Ano da Cultura para os moradores de Primorye.

O Hermitage possui duas obras Rafael (Raffaello Santi, 1483-1520), um deles - "Madonna Conestabile" - provavelmente foi escrito em 1504, o outro - "A Sagrada Família" - por volta de 1506.

"Madonna Conestabile" (o nome é condicional e, assim como nas obras de Leonardo, vem do nome do ex-proprietário) - uma pintura de pequeno formato (17,5 x 18 cm), um pouco menor que uma folha de caderno de estudante , resolvido na forma de um tondo. É interessante que Raphael comece com coisas quase em miniatura ("Madonna Conestabile" não é exceção; o "Dream of the Knight" - Londres, National Gallery estão perto dela em tamanho; "Three Graces" - Chantilly, Condé Museum, etc. .), mas foi Rafael quem se tornaria um dos fundadores do estilo monumental da escola romana de pintura.

O tema tradicional é tratado de forma muito simples. Uma jovem mãe segura um bebê nos braços. As visões de Maria e Cristo estão focadas no livro. O artista aproximou o grupo do primeiro plano e deu à paisagem um panorama amplo. As impressões de Rafael sobre seus lugares nativos claramente afetam a paisagem - esta é a Úmbria com uma linha suave de colinas, uma extensão calma de lagos e picos nevados distantes. Árvores finas e esguias se estendem para cima, seus galhos não cobertos com folhas se destacam em um padrão intrincado contra o céu azul. A natureza do despertar da primavera é percebida como um acompanhamento à imagem da Madonna, jovem e pura, como o mundo ao seu redor.

Nesta foto, Raphael ainda segue os primeiros artistas renascentistas, escrevendo os detalhes - um barco navegando no lago, pessoas caminhando ao longo da costa, alguns edifícios ao longe.

A imagem é emoldurada por uma elegante moldura dourada. Seu ornamento grotesco suculento complementa perfeitamente a pintura cuidadosa em miniatura. Inicialmente, a moldura era integral com a tábua de madeira do quadro e, obviamente, foi feita de acordo com o desenho do próprio Rafael.

Segundo a lenda, o artista pintou em Perugia "Madonna com um livro" para Alfaio di Diamante, que legou a obra a seus herdeiros. No século XVIII, a família Alfano recebeu o título de Condes de della Staffa. No mesmo século, a "Madonna com um livro" passou para as mãos de parentes de della Staffa, que ficaram conhecidos como os Condes de Conestabile della Staffa. Comprado desta família em 1871, "Madonna with a Book" chegou a São Petersburgo. Mas durante a viagem da Itália para a Rússia, as rachaduras na base de madeira aumentaram. Eles montaram uma comissão especial para decidir como salvar o "novo" Rafael e decidiram substituir a árvore base por tela. Para isso, a imagem foi serrada fora do quadro, as rachaduras foram coladas para que ficassem praticamente invisíveis. Na parte frontal, um tecido foi colado na pintura e preso a uma placa de mármore. No verso, eles começaram a remover a árvore, e quando sua camada por camada foi removida, então o desenho original de Raphael foi encontrado na parte de trás: o bebê estava segurando uma romã na mão. Em seguida, a camada de tinta foi reforçada em uma nova tela e o adesivo foi lavado pela frente. Assim, a pintura foi transferida para a tela.

Por que, no processo de trabalho, Rafael recusou o feto, substituindo-o por um livro, é desconhecido. Mas o significado da obra não mudou. O tema desempenha um papel ainda mais formal em Rafael do que, por exemplo, na Madonna Benois de Leonardo da Vinci. Apesar da proximidade composicional da "Madonna Conestabile" às ​​imagens da Úmbria, Raphael tem aquele "levemente" engenhoso que lhe permite obter imagens e composições cristalinas. Em busca de uma correspondência entre o círculo e a composição nele contida, repete delicadamente o contorno do tondo na inclinação da cabeça de Maria, na linha do manto que lhe cobre o ombro esquerdo. Mas, ao contrário das obras posteriores do mestre, o plano do primeiro plano permanece decisivo.

Em 1504, Rafael mudou-se de sua terra natal para Florença, onde passou quatro anos. Este período tornou-se muito importante em sua vida, pois em Florença o jovem artista conheceu a arte mais avançada de seu tempo e, em primeiro lugar, a arte de Leonardo, que teve uma notável influência sobre ele.

Durante sua estada nas margens do Arno, Raphael pintou "A Sagrada Família" ou, como esta imagem também é chamada, "Madonna com um José imberbe".

A suposição de que Rafael fez um quadro para Guidobaldo de Montefeltro é baseada nas palavras de Giorgio Vasari: "... " (falando da segunda maneira, Vasari está se referindo ao período florentino).

A pintura mudou muitos proprietários ao longo de sua vida até acabar na famosa coleção Crozat. Como parte desta coleção, foi adquirido para o Hermitage em 1772. Em 1827 ela foi transferida para a tela.

Os textos para gravuras das melhores coisas da coleção Crozat sobre a "Sagrada Família" traziam as seguintes informações: "O Sr. Barrois comprou muito barato este quadro, que pertencia à casa de Angoulême. Estava guardado nele sem muita atenção. Alguns pintor inábil, querendo renová-lo e não sabendo como combinar sua obra com a obra de seu criador, ele reescreveu tudo de novo, para que o pincel de Rafael não fosse mais visível nele. limpou-a de trabalhos estranhos, devolveu à luz sua carta original, que, em vez de danificar, ficou muito mais fresca; as tintas de um pintor inábil sobrepostas a ela serviram de pneu e a preservaram dos efeitos nocivos do ar.

Esta história foi o motivo da criação do poema "Revival" de A. S. Pushkin:

O artista bárbaro com um pincel sonolento Enegrece o quadro de um gênio E desenha seu desenho sem lei Sobre ele sem sentido. Mas as tintas alienígenas com os anos Caem com escamas decrépitas; A criação de um gênio diante de nós Sai com a mesma beleza.

Os resultados mais interessantes foram obtidos durante o estudo da "Sagrada Família" no laboratório físico de raios X de l'Hermitage. A imagem, tirada em luz infravermelha, mostrava o desenho original, feito pelo método, que na Rússia era chamado de pólvora. O artista perfurou os contornos do desenho preparatório na folha com uma agulha, depois foi aplicado à base preparada do futuro trabalho - tela ou madeira - e esfregado com carvão ou tinta. A substância, entrando nos buracos, deixou os contornos do padrão no chão.

Invisível a olho nu, o desenho da "Sagrada Família" é sutil e expressivo. Além disso, as correções do autor são claramente visíveis - por exemplo, os contornos dos dedos de St. Joseph, a princípio mais alongado, seu rosto está mais individualizado, está quase careca, o formato da orelha foi alterado, etc.

O excelente desenho encontrado em raios infravermelhos serve como prova indiscutível de que a “Sagrada Família” foi pintada por Rafael, o que às vezes foi posto em dúvida, devido a restaurações antigas pouco bem sucedidas.

Comparada com a Madonna Conestabile, a Madonna com o imberbe José é monumentalmente resolvida. A composição parece simples a elementar, mas a simplicidade é enganosa, por trás dela está a estrita consideração e precisão de cada parte da obra.

O penteado de Madonna - seu cabelo é trançado - um lenço esverdeado e outros detalhes cotidianos não reduzem a impressão da majestade e solenidade da cena.

A Madonna é uma imagem tipicamente Rafael. Posteriormente, o artista escreverá em carta ao famoso humanista Conde Castiglione: "... para eu escrever uma beleza, preciso ver muitas belezas... idéia." Essas palavras definem muito claramente uma das características da arte dos mestres da Alta Renascença - não apenas uma cópia cega da natureza, mas uma generalização e tipificação do que viram.

"A Sagrada Família" é uma imagem sentida e sublimemente triste. As figuras são retratadas no fundo da estepe, mas à direita, na abertura do arco semicircular, é visível uma paisagem calma, criando uma impressão incrível da profundidade do espaço. Se em outras, semelhantes em estilo e época de criação, pinturas de Raphael, o bebê se dá em movimento vivo e brincalhão ("Madonna of Orleans" - Chantilly, Museu Condé; "Bridgewater Madonna" e "Madonna with a Palm Tree", ambos - Edimburgo, Galeria Nacional da Escócia), então, no trabalho do Hermitage, ele gentilmente se agarrou ao peito de sua mãe, pressionando-o pensativamente contra ela, levantando os olhos para St. Joseph, respondendo-lhe com um olhar calmo e gentil. A mão de Mary estava prestes a tocar a criança, ou apenas o tocou. No entanto, é pouco provável que o artista tenha pensado na grande expressividade emocional do gesto. O contorno suave da mão continua nas linhas arredondadas do corpo do bebê, nos braços cruzados de José. Rafael evita cantos afiados, uma interseção nítida de linhas: "como resultado de contornos suaves, o eco de manchas de cores, o arranjo de figuras no fundo de uma estepe, levemente animado por pilastras, uma impressão de harmonia, grandeza, simplicidade inerente Nas obras de Rafael nasce nelas, parece concentrar a melhor qualidade humana, cria um novo conceito de beleza, um ideal típico do Renascimento, o mestre limpa suas imagens de tudo cotidiano, prosaico, elevando-as a um pedestal de perfeição.

Raphael é um artista complexo. Por muitos séculos, sua autoridade foi indiscutível, sua pintura foi considerada quase a maior conquista da arte européia. No século 20, que sobreviveu a duas guerras mundiais, Raphael parece ser muito frio e calmo. Mas o desejo de harmonia, que ninguém expressou com tanta habilidade como Rafael, de humanidade e perfeição, desperta um interesse incansável pela obra do artista ainda hoje.

Em l'Hermitage não há originais do período romano da obra de Rafael - o estágio mais alto da atividade do mestre, que começou em 1508, quando se mudou de Florença para Roma, e continuou até sua morte.

Em Roma, o mestre criou obras programáticas como murais nos salões cerimoniais do Palácio do Vaticano, a Madona Sistina e outros.

Em parte, uma ideia das atividades de Rafael na Cidade Eterna pode ser dada por uma cópia da galeria do Vaticano, as chamadas Loggias de Rafael*, pintadas segundo o plano do grande Urbino por seus alunos em 1518 -1519.

* (As galerias - uma galeria aberta de um lado com aberturas em arco - foram reproduzidas nos anos 80 do século XVIII pelo arquiteto Quarenghi, que construiu o Teatro Hermitage. Um grupo de artistas liderados por X. Unterberger copiou afrescos em tela em Roma na galeria do Palácio do Vaticano, depois foram montados nas paredes de São Petersburgo. Os relevos disponíveis no Vaticano são representados por meio de pintura.)

A cópia em nada substitui o original, mas é de grande importância como a única reprodução do interior renascentista dentro das paredes de l'Hermitage.

A solução da galeria, construída pelo arquiteto Bramante em Roma, determina a alternância rítmica de arcos dividindo a galeria em treze partes; cada um deles termina com uma abóbada de cúpula cruzada, na qual, por sua vez, existem quatro composições de enredo. Eles estão incluídos em um quadro ornamental. As pinturas no teto são chamadas de "Bíblias de Rafael". O artista parou em cinquenta e duas cenas bíblicas mais importantes, começando no momento em que Deus separou a luz das trevas, terminando com a Última Ceia.

A principal impressão recebida pelo espectador das galerias é a clareza harmônica de toda a estrutura; o desenho da galeria pode ser rastreado na proporção de rolamentos e peças transportadas. A pintura é estritamente coordenada com o projeto arquitetônico.

Na decoração, Rafael criou uma variação livre sobre o tema das pinturas antigas, os chamados grotescos. Um ornamento semelhante tornou-se difundido depois que as ruínas da Casa Dourada, uma construção da época do imperador Nero, incendiada em 64, foram encontradas em Roma no final do século XV. As ruínas descobertas da "Casa Dourada" começaram a ser chamadas por causa da semelhança com as cavernas - grutas e, consequentemente, o ornamento que as adornava - grotescas.

Vasari deu a seguinte definição para grotescos: “Os grotescos são uma espécie de pintura, livre e divertida, com a qual os antigos decoravam as paredes, onde em alguns lugares nada mais cabia, exceto objetos flutuando no ar, e por isso retratavam tudo espécie de monstros ridículos gerados pelos caprichos da natureza e da fantasia e pelos caprichos de artistas que não observam nenhuma regra nessas coisas: eles penduravam uma carga no fio mais fino que não suporta, prendiam pernas a um cavalo em forma de folhas , e pernas de estiramento para um homem, e infinitamente todo tipo de outras idéias engraçadas, e aquele que inventou algo mais maravilhoso, esse foi considerado digno. Mais tarde, eles estavam em ordem, e eles começaram a ser muito bem exibidos em frisos e painéis, com estuques alternados com pitorescos."

O ornamento grotesco foi muito difundido na Itália, especialmente após o trabalho de Rafael no Vaticano.

Com graça extraordinária, com verdadeira liberdade renascentista, com a mais rica imaginação, Rafael combina deuses antigos, sátiros, ninfas com motivos retirados da vida selvagem, introduz paisagens inteiras, cria guirlandas de vegetais, frutas, flores, instrumentos musicais. Os murais estendem-se ao longo do plano das pilastras, ecoando obedientemente o tecto facilmente arredondado, ora abrindo-se como uma balaustrada para o céu azul (pitoresco), ora assemelhando-se a um elegante mosaico.

Aqui entre as folhas - fantásticas e reais - os esquilos saltam, os lagartos deslizam, os ratos fazem o seu caminho, os besouros rastejam, e cada vez o artista evita a simetria, dando aos animais um movimento diferente, colocando um número diferente de folhas nos ramos, substituindo uma forma com outra. Nenhum dos motivos é repetido exatamente, você pode olhar incansavelmente para um detalhe após o outro, enquanto descobre algo novo.

Nas pinturas das Loggias, o mundo é compreendido filosoficamente à sua maneira, sua beleza e diversidade são transmitidas de forma concisa e concentrada. As dimensões da galeria estão perfeitamente correlacionadas com a figura humana. Elegante, espaçosa, cheia de ar e luz, a galeria é uma verdadeira criação da arquitetura e pintura renascentistas. Uma pessoa, segundo o artista, deve estar ciente de si mesma como o centro do mundo, brilhante e claro, e sua mente deve compreender facilmente as leis do universo.

As atividades de Rafael e seus alunos em Roma também podem ser julgadas a partir de nove afrescos do Hermitage.

A maioria deles vem da Villa Palatina, que, segundo a lenda, pertenceu ao próprio Rafael. Em seguida, a vila ficou nas mãos de vários proprietários, até se tornar propriedade das Irmãs Salesianas, que a transformaram em mosteiro. No entanto, a natureza secular dos murais - eles são dedicados à história da deusa do amor, Vênus - era completamente inadequada para o novo propósito do edifício, e as freiras, segundo o então diretor do Hermitage Gedeonov, "indignadas pela liberdade das parcelas, em 1856, mais apresentou do que vendeu os afrescos ao Marquês de Campana, que se apressou em transferir a pintura para a tela.

A transferência para a tela e as restaurações posteriores, não muito bem sucedidas, levaram ao fato de que já quando entraram em l'Hermitage em 1861, os afrescos estavam em muito mau estado.

Como resultado da restauração realizada no museu nos últimos anos, a pintura foi reforçada, mas não é mais possível restaurar seu frescor original.

Os cinco afrescos repetem em escala ampliada os belos murais criados por Rafael e seus alunos em 1516 no estofado (banheiro) do Cardeal Bibiena no Vaticano.

Para uma época que buscava conciliar o paganismo com o cristianismo, é significativo que o clero ordene ao artista que pinte quadros representando os deuses do Olimpo.

Na Villa Palatina, as repetições das composições dos estofados ganharam um novo significado, não só pelo seu grande tamanho, mas também porque na villa decoravam o pórtico, e não o espaço fechado, e por isso eram associados ao espaço aberto. espaço circundante.

A antiguidade é percebida pelo artista como a idade de ouro da humanidade. O mundo que aparece nas pinturas é majestosamente belo e harmonioso, e seus habitantes, amorosos e sofredores, não perdem sua perfeição física e espiritual.

Os enredos de várias cenas foram inspirados nas então muito famosas "Metamorfoses" do poeta romano do século I Ovídio. Um dos episódios reproduz o momento em que Cupido, beijando sua mãe Vênus, acidentalmente a feriu no peito com uma ponta de flecha, o que despertou seu amor por Adonis.

A mãe uma vez foi beijada por um menino cingido com um corpo, E com uma flecha saliente ele acidentalmente arranhou seu peito. Ferida, a deusa retirou o filho com a mão...

A deusa nua está sentada debaixo de uma árvore, tocando seu peito ferido, Cupido está ao lado dela. A beleza do corpo humano para Rafael, como para os antigos, está de acordo com a beleza do interior. Cada vez tem seu próprio ideal. Se a esse respeito compararmos as representações do Quattrocento e do Cinquecento, podemos usar a comparação de um botão com uma flor desabrochando. Rafael, que expressava plenamente as normas estéticas da época na arte, preferia formas corporais que atingiram seu pleno florescimento e nada tinham a ver com a nudez angular, às vezes frágil, das figuras na pintura do século XV.

Em "Vênus colocando uma sandália", o tema principal do afresco é o gesto suave da deusa, gracioso e forte ao mesmo tempo. O movimento não perde sua suavidade mesmo quando se pretende ser rápido, por exemplo, na cena "Vênus com Cupido em golfinhos", onde a deusa e seu filho correm pelo mar em golfinhos. Então a calma volta: em outro afresco, "Vênus e Adonis", a deusa, cansada de caçar, descansa com seu amante, "inclinando-se contra ele, descansando a cabeça no peito".

Não é por acaso que um dos escritos do século XIX dizia sobre os afrescos palatinos: "Lindos, como a pintura pompeiana".

De fato, nos murais concebidos por Rafael e realizados por seus alunos, captura-se a embriaguez com a vida e a admiração pela beleza do homem, tão característica da antiguidade.

Apesar da má preservação, os afrescos ampliam nossa compreensão da arte monumental e decorativa do Alto Renascimento.

Primeiro período florentino de Rafael (1504-1508)

Pintura de Rafael "A Sagrada Família, ou a Madonna com o imberbe Joseph"(1506), guardado em l'Hermitage, pertence ao início do período florentino da obra do artista. José, Maria e o Menino formam um grupo incrivelmente simples e natural.

Tonalidade religiosa de humor, ainda não alienígena "Madonna Conestabile"(1504), dá lugar a um sentimento puramente humano.

Representando Maria, o Menino Jesus e São José, Rafael limpa suas imagens de tudo todos os dias, descarta características aleatórias e detalhes cotidianos, elevando-os a um pedestal de perfeição. Linhas de contornos fluidas e suaves, manchas de cores, arranjo cuidadoso de figuras dão origem a uma sensação de harmonia, grandeza e simplicidade na imagem, inerente às obras de Rafael. O artista desvia-se da iconografia tradicional de José, retratando-o sem barba – daí o segundo nome da pintura.

Diante de nós está uma cena idílica da vida familiar. Um momento de silêncio silencioso, experiências interiores inexprimíveis e poéticas. Esses sentimentos são tão idealmente puros, expressam tão poeticamente o santo calor da maternidade, que se a Madona de Rafael não pode mais ser rezada, então nessas imagens brilhantes você respira o clima de pureza divina e um mundo brilhante.

Em A Madona com José sem Barba, as figuras ocupam quase toda a superfície do quadro e, por assim dizer, se desdobram no plano do relevo. A cabeça do bebê está no centro da composição. O esquema do triângulo nas imagens da Madonna e do bebê se destaca claramente. A plasticidade das formas, os contrastes das linhas, suas inclinações são vividamente sentidas ao lado das verticais das pilastras e do bastão de José.

Sua figura completa perfeitamente o conjunto, harmonizando-o com a forma retangular do quadro e destacando suas imagens principais. As linhas arredondadas das cabeças, ombros e halos encontram seu eco harmônico final na curva rítmica do arco sobre a paisagem clara. Assim, a combinação de todas as formas e linhas e a leveza da paisagem respondem à expressão interior do mundo, paz clara. Quão sutilmente pensado e pesado no trabalho criativo é cada aspecto dessa aparência iluminada!

Já nas primeiras obras de Rafael, características individuais únicas são óbvias. O jovem artista luta pela concretude na vida. Isso se aplica em grande medida à imagem do velho José, que era tradicionalmente representado com uma grande barba, enfatizando sua idade. Raphael retratou o velho como imberbe. Esse detalhe acabou sendo tão característico que a pintura de Rafael foi chamada de "Madonna com um José imberbe". Menos vividamente, mas definitivamente, Maria e o Menino Jesus são individualizados.

O artista dá a figura da Criança em um giro complexo, o que sem dúvida mostra a influência de Leonardo. Mas, ao mesmo tempo, Raphael busca a maior simplicidade e harmonia da imagem. O artista combina três figuras em um grupo descontraído, mas inextricavelmente ligado. A composição da pintura é construída sobre os motivos repetitivos e ecoantes de um círculo e um arco semicircular.

Esta técnica confere à composição uma musicalidade, integridade e estabilidade surpreendentes. A calma imperturbável, embora ventilada por uma leve tristeza, domina a imagem. Um selo quase imperceptível se dissolve em harmonias de cores leves e delicadas. Rafael atinge aqui uma sutileza colorística que nem sempre teve sucesso em seus trabalhos posteriores.

Alexander Sergeevich Pushkin escreveu a elegia "Renascimento" inspirada na "Madonna com o imberbe José" exibida no Hermitage após a restauração, que devolveu a carta original de Rafael.

Renascimento

COMO. Pushkin

Artista-bárbaro com uma escova sonolenta
Escurece a imagem de um gênio
E seu desenho é sem lei
É sem sentido desenhar sobre ele.

Mas as cores são estranhas, com os anos,
Cair com escamas decrépitas;
A criação do gênio antes de nós
Sai com a mesma beleza.

É assim que os delírios desaparecem.
Da minha alma torturada
E visões surgem nela
Os dias originais e puros.

Rafael Madonnas

Madonna dnl Popolo (Madonna com um véu)