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Edward Hopper

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Eduardo Hopper. "Atrás da máquina de costura" (1921).

Edward Hopper(eng. Edward Hopper; 22 de julho, Nyack, Nova York - 15 de maio, Nova York) - artista americano, um proeminente representante da pintura de gênero americana, um dos maiores urbanistas do século XX.

Biografia e criatividade

Nascido em Newascu, Nova York, filho de um dono de loja. Desde a infância ele gostava de desenhar. Em 1899 mudou-se para Nova York com a intenção de se tornar um artista. Em 1899-1900 estudou na escola de artistas publicitários. Depois disso, ingressou na escola de Robert Henry, que na época defendia a ideia de criar uma arte nacional moderna dos Estados Unidos. O princípio principal desta escola era: "Eduque-se, não me deixe te educar". Um princípio que visava o nascimento da individualidade, embora insistisse na ausência de coletivismo, significativas tradições artísticas nacionais.

Em 1906, Edward Hopper foi para Paris, onde continuou seus estudos. Além da França, visitou Inglaterra, Alemanha, Holanda e Bélgica. Era um caleidoscópio de países e diferentes centros culturais. Hopper voltou para Nova York em 1907.

Em 1908, Edward Hopper participou de uma exposição organizada pela organização G8 (Robert Henry e seus alunos), mas não teve sucesso. Ele trabalha ainda mais, melhora seu estilo. Em 1908-1910 voltou a estudar arte em Paris. De 1915 a 1920 - este é um período de busca criativa ativa para o artista. Desenhos deste período não sobreviveram porque Hopper destruiu todos eles.

A pintura não dava lucro, então Edward trabalha em uma agência de publicidade, fazendo ilustrações para jornais.

Hopper fez sua primeira gravura em 1915. No total, ele fez cerca de 60 gravuras, sendo as melhores feitas entre 1915 e 1923. Aqui apareceu o tema principal do trabalho de Edward Hopper - a solidão de uma pessoa na sociedade americana e no mundo.

As gravuras trouxeram alguma fama ao artista. Ele os representou em exposições, recebeu prêmios. Logo houve uma exposição individual organizada pelo Whitney Art Studio Club.

Em meados da década de 1920. Hopper desenvolve seu próprio estilo artístico, que permanece fiel até o fim de sua vida. Em suas cenas fotograficamente verificadas da vida urbana moderna (muitas vezes feitas em aquarela), figuras solitárias congeladas, sem nome e formas geométricas claras de objetos transmitem uma sensação de alienação sem esperança e uma ameaça escondida na vida cotidiana.

A principal inspiração de Hopper como artista é a cidade de Nova York, bem como cidades provinciais ("Meto", "Manhattan Bridge Constructions", "East Wind over Weehawkend", "Mining Town in Pennsylvania"). Juntamente com a cidade, Hopper criou uma imagem peculiar de uma pessoa nela. O retrato de uma pessoa específica desapareceu completamente do artista, ele o substituiu por uma visão generalizada e resumida de um solitário, um morador individual da cidade. Os heróis das pinturas de Edward Hopper são pessoas decepcionadas, solitárias, devastadas e congeladas retratadas em bares, cafés, hotéis ("Room - in a hotel", 1931, "Western Motel", 1957).

Já na década de 1920, o nome Hopper entrou na pintura americana. Ele tinha alunos, admiradores. Em 1924 casou-se com a artista Josephine Verstiel. Em 1930 eles compraram uma casa em Cape Cord, para onde se mudaram. Em geral, Hopper abriu um novo gênero - um retrato de uma casa - "Talbot House", 1926, "Adams House", 1928, "Captain Killy's House", 1931, "House by the Railroad", 1925.

Há imagens que imediatamente e por muito tempo capturam o espectador em seu cativeiro - são como ratoeiras para os olhos. A mecânica simples de tais imagens, inventada de acordo com a teoria dos reflexos condicionados do acadêmico Pavlov, é claramente visível em fotografias publicitárias ou de repórteres. Em todas as direções, ganchos de curiosidade, luxúria, dor ou compaixão se destacam - dependendo do objetivo da imagem - a venda de sabão em pó ou a arrecadação de fundos de caridade. Tendo se acostumado a um fluxo de tais imagens como uma droga forte, pode-se ignorar, perder, como insípidas e vazias, imagens de um tipo diferente - reais e vivas (ao contrário das primeiras, que apenas imitam a vida). Eles não são tão bonitos e certamente não evocam emoções incondicionais típicas, são inesperados e sua mensagem é duvidosa. Mas só eles podem ser chamados de arte, o "ar roubado" ilegal de Mandelstam.

Em qualquer campo da arte, existem artistas que criaram não apenas seu próprio mundo único, mas também um sistema de visão da realidade circundante, um método de transferir os fenômenos da vida cotidiana para a realidade de uma obra de arte - para o pequena eternidade de uma foto, filme ou livro. Um desses artistas, que desenvolveu seu próprio sistema único de visão analítica e, por assim dizer, implantou seus olhos em seus seguidores, foi Edward Hopper. Basta dizer que muitos dos cineastas do mundo, incluindo Alfred Hitchcock e Wim Wenders, se consideravam em dívida com ele. No mundo da fotografia, sua influência pode ser vista nos exemplos de Stephen Shore, Joel Meyerowitz, Philip-Lorca diCorcia: a lista continua. Parece que ecos do "olhar desapegado" de Hopper podem ser vistos até mesmo em Andreas Gursky.

Diante de nós está toda uma camada da cultura visual moderna com sua própria maneira especial de ver o mundo. Uma vista de cima, uma vista de lado, uma vista de um passageiro (entediado) da janela de um trem elétrico - subestações meio vazias, gestos inacabados de quem espera, superfícies de paredes indiferentes, criptogramas de fios ferroviários. Dificilmente é legítimo comparar pinturas e fotografias, mas se fosse permitido, consideraríamos o conceito mitológico de "momento decisivo" (Decisive Moment), introduzido por Cartier-Bresson, a exemplo das pinturas de Hopper. O olhar fotográfico de Hopper destaca inconfundivelmente seu "momento decisivo". Com todo o acaso imaginário, os movimentos dos personagens nas pinturas, as cores dos prédios e das nuvens circundantes são precisamente coordenados entre si e sujeitos à identificação desse “momento decisivo”. É verdade que este é um momento completamente diferente do que nas fotografias do famoso fotógrafo zen Henri Cartier-Bresson. Aí é o momento culminante do movimento feito por uma pessoa ou um objeto; o momento em que a situação filmada atingiu sua máxima expressividade, o que permite criar uma imagem característica desse momento particular com um enredo claro e inequívoco, uma espécie de aperto ou quintessência de um momento “belo” que deve ser interrompido a qualquer custo . De acordo com os preceitos do Doutor Fausto.

Philippe-Lorca di Corchia "Eddie Anderson"

Na premissa de interromper um momento belo ou terrível, origina-se a fotografia narrativa jornalística moderna e, como resultado, a fotografia publicitária. Ambos utilizam a imagem apenas como intermediária entre a ideia (produto) e o consumidor. Neste sistema de conceitos, a imagem torna-se um texto claro que não permite omissões ou ambiguidades. No entanto, os personagens secundários das fotografias de revistas estão mais próximos de mim - eles ainda não sabem nada sobre o “momento decisivo”.

O "momento decisivo" nas pinturas de Hopper fica atrás do de Bresson por alguns momentos. O movimento ali apenas começou, e o gesto ainda não assumiu uma fase de certeza: vemos seu nascimento tímido. E, portanto - a pintura de Hopper é sempre um mistério, sempre uma incerteza melancólica, um milagre. Observamos um intervalo atemporal entre os momentos, mas a intensidade energética deste momento é tão grande quanto no vazio criativo entre a mão de Adão e o Criador na Capela Sistina. E se falamos de gestos, então os gestos decisivos de Deus são bastante bressonianos, e os gestos não revelados de Adão são hopperianos. O primeiro é um pouco “depois”, o segundo é um pouco “antes”.

O mistério das pinturas de Hopper também está no fato de que as ações reais dos personagens, seu "momento decisivo", são apenas uma alusão ao verdadeiro "momento decisivo", que já está localizado fora do quadro, fora do quadro, no ponto imaginário de convergência de muitas outras pinturas intermediárias de "momentos decisivos".

À primeira vista, as pinturas de Edward Hopper carecem de todos os atributos externos que podem atrair o espectador - a complexidade da solução composicional ou o incrível esquema de cores. Superfícies coloridas monótonas cobertas com traços lentos podem ser chamadas de chatas. Mas ao contrário das pinturas "normais", o trabalho de Hopper de uma forma desconhecida afeta o próprio nervo da visão e deixa o espectador em pensamento por um longo tempo. Qual é o mistério aqui?

Assim como uma bala com um centro de gravidade deslocado atinge mais forte e dolorosamente, nas pinturas de Hopper o centro de gravidade semântico e composicional é completamente deslocado para algum tipo de espaço imaginário fora da própria imagem. E este é o principal mistério, e por isso as pinturas tornam-se de alguma forma os negativos semânticos das pinturas comuns, construídas de acordo com todas as regras da arte pictórica.

É deste espaço artístico que flui a luz misteriosa, para a qual os habitantes das pinturas parecem enfeitiçados. O que é isso - os últimos raios do sol poente, a luz de uma lâmpada de rua ou a luz de um ideal inatingível?

Apesar dos enredos deliberadamente realistas das pinturas e das técnicas artísticas ascéticas, o espectador não fica com uma sensação de realidade indescritível. E parece que Hopper deliberadamente desliza ao espectador um truque de visibilidade para que o espectador não possa discernir o mais importante e essencial por trás dos falsos movimentos. Não é isso que a realidade ao nosso redor faz?

Uma das pinturas mais famosas de Hopper é NightHawks. Diante de nós está um panorama da rua noturna. Uma loja vazia fechada, as vitrines escuras do prédio em frente, e do nosso lado da rua - uma vitrine de um café noturno, ou como são chamados em Nova York - mergulho, no qual há quatro pessoas - um casal, uma pessoa solitária tomando seu long drink e um barman (“Você gostaria com ou sem gelo?”). Ah, não, é claro que eu estava errado - um homem de chapéu que se parece com Humphrey Bogart e uma mulher de blusa vermelha não são marido e mulher. Em vez disso, eles são amantes secretos, ou ... O homem da esquerda é um espelho duplo do primeiro? As variantes se multiplicam, uma trama cresce do eufemismo, como acontece ao andar pela cidade, olhando pelas janelas abertas, escutando trechos de conversas. Movimentos inacabados, significados pouco claros, cores indefinidas. Um desempenho que não assistimos desde o início e é improvável que veja seu final. Na melhor das hipóteses, uma das ações. Maus atores e péssimo diretor.

É como se estivéssemos espiando por uma fresta a vida normal de outra pessoa, mas até agora nada está acontecendo - e é realmente tão frequente que algo aconteça na vida comum. Muitas vezes imagino que alguém de longe está observando minha vida - aqui estou sentado em uma poltrona, aqui me levantei, servi o chá - nada mais - eles provavelmente estão bocejando de tédio no andar de cima - não há sentido ou enredo. Mas para criar um enredo, basta um observador externo desapegado, cortando o supérfluo e introduzindo significados adicionais - é assim que nascem as fotografias e os filmes. Pelo contrário, a própria lógica interna das imagens dá origem ao enredo.

Eduardo Hopper. "Janela do Hotel"

Talvez o que vemos nas pinturas de Hopper seja apenas uma imitação da realidade. Talvez este seja o mundo dos manequins. Um mundo do qual a vida foi removida é como as criaturas nas garrafas do Museu Zoológico, ou veados empalhados, dos quais restam apenas as conchas externas. Às vezes as pinturas de Hopper me assustam com esse vazio monstruoso, vácuo absoluto que brilha em cada traço. O caminho para o vazio absoluto iniciado por Black Square terminou com Hotel Window. A única coisa que não nos permite chamar Hopper de niilista completo é justamente essa luz fantástica do lado de fora, esses gestos inacabados dos personagens, enfatizando a atmosfera de uma misteriosa expectativa do evento mais importante que não acontece. Parece-me que Dino Buzzati e seu "Deserto Tártaro" podem ser considerados um análogo literário da obra de Hopper. Ao longo do romance, absolutamente nada acontece, mas a atmosfera de ação retardada permeia todo o romance - e na expectativa de grandes eventos, você lê o romance até o fim, mas nada acontece. A pintura é muito mais concisa do que a literatura, e todo o romance pode ser ilustrado apenas pela pintura de Hopper "People in the Sun".

Eduardo Hopper. "Pessoas ao Sol"

As pinturas de Hopper tornam-se uma espécie de evidência do contrário - foi assim que os filósofos medievais tentaram determinar as qualidades de Deus. A própria presença das trevas prova a existência da luz. Talvez seja isso que Hopper esteja fazendo - mostrando um mundo cinza e chato, ele apenas insinua a existência de outras realidades que não podem ser refletidas pelos meios disponíveis para a pintura. Ou, nas palavras de Emil Cioran, "não podemos imaginar a eternidade de outra forma senão eliminar tudo o que acontece, tudo o que é mensurável para nós".

E, no entanto, as pinturas de Hopper estão unidas por um enredo não apenas no âmbito da biografia do artista. Em sua sequência, eles representam uma série de imagens que um anjo voyeur veria voando sobre o mundo, olhando pelas janelas dos arranha-céus dos escritórios, entrando em casas invisíveis, espionando nossa vida banal. Assim é a América, vista pelos olhos de um anjo, com suas intermináveis ​​estradas, intermináveis ​​desertos, oceanos, ruas pelas quais você pode estudar a perspectiva clássica. E os atores, um pouco como manequins do supermercado mais próximo, um pouco como pessoas em sua pequena solidão no meio de um mundo grande e brilhante, soprado por todos os ventos.

Edward Hopper (eng. Edward Hopper; 22 de julho de 1882, Nyack, Nova York - 15 de maio de 1967, Nova York) - um artista americano popular, um representante proeminente da pintura de gênero americana, um dos maiores urbanistas do século XX.

Biografia de Edward Hopper

Já na infância, Edward Hopper descobriu a capacidade de desenhar, na qual seus pais o apoiavam de todas as maneiras possíveis.

Depois da escola, ele estudou ilustração por correspondência por um ano e depois entrou na prestigiada New York Art School. Fontes americanas fornecem uma lista completa de seus colegas famosos.

Em 1906, Hopper terminou seus estudos e começou a trabalhar como ilustrador em uma agência de publicidade, mas no outono foi para a Europa.

Devo dizer que viajar para a Europa era quase uma parte obrigatória da educação profissional dos artistas americanos. Naquela época, a estrela de Paris brilhava forte, e jovens e ambiciosos eram atraídos para lá de todo o mundo para se juntarem às últimas conquistas e tendências da pintura mundial.

Hopper era o mais original de todos. Viajou pela Europa, esteve em Paris, Londres, Amsterdã, voltou a Nova York, viajou novamente para Paris e Espanha, passou um tempo em museus europeus e conheceu artistas europeus... revelar qualquer conhecimento das tendências modernas. Nada, até a paleta mal iluminou!

Aprecia Rembrandt e Hals, mais tarde - El Greco, dos mestres próximos - Edouard Manet e Edgar Degas, que já haviam se tornado clássicos naquela época. Quanto a Picasso, Hopper afirmou seriamente que não ouvira seu nome enquanto estava em Paris.

E depois de 1910 ele nunca cruzou o Atlântico, mesmo quando suas pinturas foram exibidas no pavilhão americano da prestigiada Bienal de Veneza.

trabalho de Hopper

Os críticos de arte dão nomes diferentes a Edward Hopper. “Artista dos espaços vazios”, “poeta da época”, “realista socialista sombrio”.

Mas seja qual for o nome escolhido, isso não muda a essência: Hopper é um dos mais brilhantes representantes da pintura americana, cujo trabalho não pode deixar ninguém indiferente.

O método criativo do artista americano tomou forma durante a Grande Depressão nos Estados Unidos. Vários pesquisadores da obra de Hopper tendem a encontrar em seus trabalhos ecos com os escritores Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Salinger, com os artistas DeKirko e Delvaux, mais tarde começam a ver um reflexo de seu trabalho nas obras cinematográficas de David Lynch.

Não se sabe ao certo se alguma dessas comparações tem base real, mas uma coisa é clara: Edward Hopper conseguiu muito sutilmente retratar o espírito da época, transmitindo-o nas poses dos heróis, nos espaços vazios de suas telas , em um esquema de cores exclusivo.

Este artista americano é classificado como representante do realismo mágico.

De fato, seus personagens, o ambiente em que ele os coloca, é absolutamente simples em termos cotidianos. No entanto, suas telas sempre refletem algum tipo de eufemismo, sempre refletem um conflito oculto, dão origem a uma variedade de interpretações. Chegando, às vezes, ao absurdo.

Casa de Adão Chop Suey A perna longa

Por exemplo, sua pintura "Conferência Noturna" foi devolvida pelo colecionador ao vendedor, porque ele viu nela uma conspiração comunista oculta.

A pintura mais famosa de Hopper é Night Owls. Ao mesmo tempo, sua reprodução pendurada no quarto de quase todos os adolescentes americanos. O enredo da foto é extremamente simples: na vitrine de um café noturno, três visitantes estão sentados no balcão do bar, são servidos por um barman. Parece que nada notável, mas quem olha para a foto de um artista americano, sente quase fisicamente a sensação transcendente e dolorosa da solidão de uma pessoa em uma grande cidade.

O realismo mágico de Hopper não foi aceito por seus contemporâneos na época. Com uma tendência geral para métodos mais "interessantes" - cubismo, surrealismo, abstracionismo - suas pinturas pareciam chatas e inexpressivas.

“Eles nunca podem entender”, disse Hopper, “que a originalidade do artista não é um método da moda. Esta é a quintessência de sua personalidade.”

Hoje, seu trabalho é considerado não apenas um marco na arte americana, mas uma imagem coletiva, o espírito de seu tempo.

Um de seus biógrafos escreveu certa vez: “Os descendentes aprenderão mais sobre aquela época nas pinturas de Edward Hopper do que em qualquer livro”. E, talvez, em certo sentido, ele esteja certo.

Em 1923, Hopper conheceu sua futura esposa Josephine. Sua família acabou sendo forte, mas a vida familiar não era fácil.

Jo proibiu o marido de pintar nus e, se necessário, posou para si mesma. Edward estava com ciúmes dela até pelo gato. Tudo foi agravado por sua taciturnidade e caráter sombrio. “Às vezes, falar com Eddie era como jogar uma pedra em um poço. Com uma exceção: o som da queda na água não se ouvia”, admitiu.

No entanto, foi Jo quem lembrou Hopper das possibilidades da aquarela, e ele voltou a essa técnica.

Ele logo exibiu seis obras no Museu do Brooklyn, e uma delas foi comprada pelo museu por US$ 100. Os críticos reagiram gentilmente à exposição e notaram a vitalidade e expressividade das aquarelas de Hopper, mesmo com os temas mais modestos. Essa combinação de contenção externa e profundidade expressiva se tornaria a marca registrada de Hopper pelo resto dos anos.

Em 1927, Hopper vendeu a pintura "Dois no Auditório" por US$ 1.500, e o casal conseguiu seu primeiro carro com esse dinheiro.

O artista teve a oportunidade de fazer esboços, e a América rural provincial por muito tempo se tornou um dos principais motivos de sua pintura.

Em 1930, outro evento importante ocorreu na vida do artista. O filantropo Stephen Clark doou sua pintura "Railway House" para o Museu de Arte Moderna de Nova York, e ela está pendurada com destaque lá desde então.

Assim, pouco antes de seu cinquentenário, Hopper entrou na época do reconhecimento. Em 1931 vendeu 30 obras, incluindo 13 aquarelas. Em 1932 ele participou da primeira exposição regular do Whitney Museum e não perdeu a próxima até sua morte.

Em 1933, em homenagem ao aniversário do artista, o Museu de Arte Moderna apresentou uma retrospectiva de sua obra.

Hopper, Edward (1882 - 1967)

Hopper, Eduardo

Edward Hopper nasceu em 22 de julho de 1882. Ele era o segundo filho de Garret Henry Hopper e Elizabeth Griffith Smith. Após o casamento, o jovem casal se estabelece em Nyack, um porto pequeno, mas próspero, perto de Nova York, não muito longe da mãe viúva de Elizabeth. Lá, o casal batista Hoppers criará seus filhos: Marion, nascida em 1880, e Edward. Ou devido à inclinação natural do caráter, ou devido à educação estrita, Edward crescerá silencioso e retraído. Sempre que possível, ele preferirá se aposentar.

Infância do artista

Os pais, e principalmente a mãe, procuravam dar aos filhos uma boa educação. Tentando desenvolver as habilidades criativas de seus filhos, Elizabeth os mergulha no mundo dos livros, do teatro e das artes. Com sua ajuda, foram organizadas apresentações teatrais e conversas culturais. Irmão e irmã passavam muito tempo lendo na biblioteca do pai. Edward se familiariza com as obras de clássicos americanos, leituras traduzidas por escritores russos e franceses.

O jovem Hopper muito cedo começou a se interessar por pintura e desenho. Educou-se copiando as ilustrações de Phil May e do desenhista francês Gustave Doré (1832-1883). Edward será o autor dos primeiros trabalhos independentes aos dez anos de idade.

Das janelas de sua casa natal, localizada em uma colina, o menino admira os navios e veleiros que flutuam na Baía de Hudson. A paisagem marítima continuará sendo uma fonte de inspiração para ele pelo resto de sua vida - o artista nunca esquecerá a vista da costa leste dos EUA, muitas vezes retornando a ela em seus trabalhos. Aos quinze anos, ele construirá um veleiro com suas próprias mãos com peças fornecidas por seu pai.

Depois de estudar em uma escola particular, Edward entrou na Nyack High School, graduando-se em 1899. Hopper tem dezessete anos e um desejo ardente - tornar-se um artista. Os pais, que sempre apoiaram os esforços criativos do filho, estão até satisfeitos com sua decisão. Eles recomendam começar pelas artes gráficas, ou melhor ainda, pelo desenho. Seguindo seus conselhos, Hopper primeiro se matriculou na Correspondence School of Illustration em Nova York para treinar como ilustrador. Então, em 1900, ingressou na New York School of Art, popularmente chamada de Chase School, onde estudaria até 1906. Seu professor ali será o professor Robert Henry (1865-1929), um pintor cuja obra foi dominada por retratos. Edward era um estudante diligente. Graças ao seu talento, ele recebeu muitas bolsas de estudo e prêmios. Em 1904, o livro The Sketch publicou um artigo sobre as atividades da Chase School. O texto foi ilustrado com o trabalho de Hopper representando um modelo. No entanto, o artista terá que esperar muitos anos antes de provar o sucesso e a fama.

O charme irresistível de Paris

Em 1906, depois de deixar a escola, Hopper conseguiu um emprego na agência de publicidade C.C. Philips and Company. Essa posição lucrativa não satisfaz suas ambições criativas, mas permite que ele se alimente. Em outubro do mesmo ano, o artista, a conselho de seu professor, decide visitar Paris. Grande admirador de Degas, Manet, Rembrandt e Goya, Robert Henri envia Hopper à Europa para enriquecer seu estoque de impressões e conhecer em detalhes a arte européia.

Hopper ficaria em Paris até agosto de 1907. Imediatamente se presta ao charme da capital francesa. O artista escreveria mais tarde: "Paris é uma cidade bonita e elegante, e até decente e calma demais em comparação com a terrivelmente barulhenta Nova York". Edward Hopper tem vinte anos e continua sua educação no continente europeu, visitando museus, galerias e salões de arte. Antes de retornar a Nova York em 21 de agosto de 1907, faz várias viagens pela Europa. Primeiro, o artista chega a Londres, que ele lembra como uma cidade “triste e triste”; lá ele conhece as obras de Turner na National Gallery. Então Hopper vai para Amsterdã e Harlem, onde descobre com entusiasmo Vermeer, Hals e Rembrandt. No final, visita Berlim e Bruxelas.

Após retornar à sua cidade natal, Hopper volta a trabalhar como ilustrador e, um ano depois, vai para Paris. Desta vez, ele tem prazer sem fim trabalhando ao ar livre. Seguindo os passos dos impressionistas, ele pinta as margens do Sena em Charenton e Saint-Cloud. O mau tempo arraigado na França força Hopper a encerrar sua jornada. Voltou a Nova York, onde em agosto de 1909 expôs suas pinturas pela primeira vez como parte da Exposição de Artistas Independentes, organizada com a ajuda de John Sloan (1871-1951) e Robert Henry. Inspirado por suas realizações criativas, Hopper visitaria a Europa pela última vez em 1910. O artista passará algumas semanas de maio em Paris, depois seguirá para Madri. Lá ele ficará mais impressionado com a tourada do que com os artistas espanhóis, a quem não mencionará uma palavra depois. Antes de retornar a Nova York, Hopper fica em Toledo, que ele descreve como "uma cidade velha maravilhosa". O artista nunca mais voltará à Europa, mas ficará impressionado com essas viagens por muito tempo, admitindo mais tarde: “Depois desse retorno, tudo me pareceu muito comum e terrível”.

Início difícil

O retorno à realidade americana é difícil. Hopper está desesperadamente sem fundos. Suprimindo sua antipatia pela obra de um ilustrador, obrigado a ganhar a vida, o artista volta a ela. Atua em publicidade e em periódicos como Sandy Megezine, Metropolitan Megezine e System: Megezine of Business. No entanto, Hopper dedica cada minuto livre à pintura. “Eu nunca quis trabalhar mais do que três dias por semana”, ele diria mais tarde. “Eu economizei tempo para minha criatividade, ilustrar me deprimiu.”

Hopper persiste na pintura, que ainda é sua verdadeira paixão. Mas o sucesso nunca vem. Em 1912, o artista apresenta as suas pinturas parisienses numa exposição colectiva no McDowell Club em Nova Iorque (a partir de agora irá expor aqui regularmente, até 1918). Hopper passa suas férias em Gloucester, uma pequena cidade na costa de Massachusetts. Na companhia do amigo Leon Kroll, ele volta às memórias de infância, desenhando o mar e os navios que sempre o encantam.

Em 1913, os esforços do artista começam finalmente a dar frutos. Convidado pela Comissão Nacional Eleitoral para participar do New York Armory Show em fevereiro, Hopper está vendendo sua primeira pintura. A euforia do sucesso desaparece rapidamente, pois esta venda não será seguida por outras. Em dezembro, o artista se instala no 3 Washington Square North, em Nova York, onde viverá por mais de meio século, até sua morte.

Os anos seguintes foram muito difíceis para o artista. Ele não consegue viver com a renda da venda de pinturas. Portanto, Hopper continuou a praticar ilustração, muitas vezes por um salário escasso. Em 1915, Hopper exibiu duas de suas telas, incluindo Blue Evening, no McDowell Club, e os críticos finalmente o notaram. No entanto, sua exposição pessoal, que será realizada no Whitney Studio Club, ele aguardará até fevereiro de 1920. Naquela época, Hopper tinha trinta e sete anos.

Incentivado pelo sucesso no campo da pintura, o artista experimenta outras técnicas. Uma de suas gravuras receberá muitos prêmios diferentes em 1923. Hopper também tenta pintar em aquarela.

O artista passa os verões em Gloucester, onde não para de pintar paisagens e arquitetura. Ele trabalha em uma grande ascensão, ele é movido pelo amor. Josephine Versteel Nivison, que a artista conheceu pela primeira vez na Academia de Belas Artes de Nova York, passa férias na mesma região e conquista o coração da artista.

Finalmente reconhecimento!

Duvidando do grande talento de Hopper, Josephine o inspira a participar de uma exposição no Brooklyn Museum. As aquarelas que o artista exibe lá lhe trazem um sucesso considerável, e Hopper se diverte com o crescente reconhecimento. Seu romance com Joe se desenvolve, eles descobrem cada vez mais pontos em comum. Ambos amam teatro, poesia, viagens e Europa. Hopper é distinguido durante este período simplesmente por uma curiosidade insaciável. Ele adora literatura americana e estrangeira e pode até recitar os poemas de Goethe de cor na língua original. Às vezes ele compõe suas cartas para sua amada Jo em francês. Hopper é um grande conhecedor de cinema, especialmente do cinema preto e branco americano, cuja influência pode ser vista claramente em sua obra. Fascinada por este homem quieto e calmo, com uma aparência agradável e olhos inteligentes, enérgico e cheio de vida, Jo se casa com Edward Hopper em 9 de julho de 1924. O casamento aconteceu na Igreja Evangélica em Greenwich Village.

1924 é um ano de sucesso para o artista. Após o casamento, o feliz Hopper expõe aquarelas na Galeria Frank Ren. Todas as obras foram vendidas logo na exposição. Hopper, que esperou por reconhecimento, pode finalmente largar seu trabalho cansado de ilustrador e fazer sua arte favorita.

Hopper está rapidamente se tornando um artista "na moda". Agora ele pode "pagar as contas". Eleito como membro da Academia Nacional de Design, recusa-se a aceitar este título, pois no passado a Academia não aceitava o seu trabalho. O artista não esquece aqueles que o ofenderam, assim como lembra com gratidão aqueles que o ajudaram e confiaram nele. Hopper será "fiel" a Frank Ren Gelery e ao Museu Whitney por toda a sua vida, a quem ele lega suas obras.

Anos de reconhecimento e glória

Depois de 1925, a vida de Hopper se estabilizou. O artista mora em Nova York e passa todos os verões na costa da Nova Inglaterra. No início de novembro de 1933, o Museu de Arte Moderna de Nova York sediou a primeira exposição retrospectiva de suas obras. No ano seguinte, os Hoppers constroem uma oficina em Truro Sauce, onde passarão as férias. O artista, brincando, chama a casa de "galinheiro".

No entanto, a ligação dos cônjuges a esta casa não os impede de viajar. Quando Hopper não tem inspiração criativa, o casal sai para o mundo. Assim, nos anos de 1943-1955, eles visitam o México cinco vezes e também passam muito tempo viajando pelos Estados Unidos. Em 1941, eles atravessam metade da América, visitando Colorado, Utah, o deserto de Nevada, Califórnia e Wyoming.

Edward e Joe vivem de forma exemplar e em perfeita harmonia um com o outro, mas algum tipo de rivalidade lança uma sombra sobre sua união. Jo, que também era artista, sofre silenciosamente à sombra da fama do marido. Desde o início dos anos trinta, Edward se tornou um artista mundialmente famoso; o número de suas exposições está crescendo, e inúmeros prêmios e prêmios não o ignoram. Hopper foi eleito para o Instituto Nacional de Artes e Letras em 1945. Esta instituição em 1955 atribui-lhe uma medalha de ouro pelos serviços prestados na área da pintura. A segunda retrospectiva das pinturas de Hopper é realizada no Whitney Museum of American Art em 1950 (este museu receberá o artista mais duas vezes: em 1964 e 1970). Em 1952, Hopper e três outros artistas foram escolhidos para representar os Estados Unidos na Bienal de Veneza. Em 1953, Hopper, junto com outros artistas - representantes da pintura figurativa, participa da edição da revista "Realidade". Aproveitando esta oportunidade, ele protesta contra o domínio de artistas abstratos dentro dos muros do Museu Whitney.

Em 1964, Hopper começa a ficar doente. O artista tem oitenta e dois anos. Apesar das dificuldades com que a pintura lhe é dada, em 1965 cria duas obras, que se tornaram as últimas. Estes quadros foram pintados em memória da irmã que faleceu este ano. Edward Hopper morre em 15 de maio de 1967 aos oitenta e cinco anos em seu estúdio em Washington Square. Pouco antes disso, recebeu reconhecimento internacional como representante da pintura americana na Bienal de São Paulo. A transferência de todo o patrimônio criativo de Edward Hopper para o Whitney Museum, onde a maioria de suas obras pode ser vista hoje, será feita pela esposa do artista, Jo, que deixará este mundo um ano depois dele.

Os historiadores de arte de Edward Hopper (Edward Hopper) dão nomes diferentes. “Artista dos espaços vazios”, “poeta da época”, “realista socialista sombrio”. Mas seja qual for o nome escolhido, isso não muda a essência: Hopper é um dos mais brilhantes representantes da pintura americana, cujo trabalho não pode deixar ninguém indiferente.

Posto de gasolina, 1940

O método criativo americano tomou forma durante a Grande Depressão nos Estados Unidos. Vários pesquisadores da obra de Hopper tendem a encontrar em seus trabalhos ecos com os escritores Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Salinger, com os artistas DeKirko e Delvo, mais tarde começam a ver um reflexo de seu trabalho nas obras cinematográficas de David Lynch...

Não se sabe ao certo se alguma dessas comparações tem base real, mas uma coisa é clara: Edward Hopper conseguiu muito sutilmente retratar o espírito da época, transmitindo-o nas poses dos heróis, nos espaços vazios de suas telas , em um esquema de cores exclusivo.

Isto é referido como representantes do realismo mágico. De fato, seus personagens, o ambiente em que ele os coloca, é absolutamente simples em termos cotidianos. No entanto, suas telas sempre refletem algum tipo de eufemismo, sempre refletem um conflito oculto, dão origem a uma variedade de interpretações. Chegando, às vezes, ao absurdo. Por exemplo, sua pintura "Conferência Noturna" foi devolvida pelo colecionador ao vendedor, porque ele viu nela uma conspiração comunista oculta.

Reunião da noite, 1949

A pintura mais famosa de Hopper é Night Owls. Ao mesmo tempo, sua reprodução pendurada no quarto de quase todos os adolescentes americanos. O enredo da foto é extremamente simples: na vitrine de um café noturno, três visitantes estão sentados no balcão do bar, são servidos por um barman. Parece que nada notável, mas quem olha para a foto de um artista americano, sente quase fisicamente a sensação transcendente e dolorosa da solidão de uma pessoa em uma grande cidade.

Meia-noite, 1942

O realismo mágico de Hopper não foi aceito por seus contemporâneos na época. Com uma tendência geral para métodos mais “interessantes” – cubismo, surrealismo, abstracionismo – suas pinturas pareciam chatas e inexpressivas.
“Eles nunca entendem Hopper disse, que a originalidade do artista não é um método de moda. Esta é a quintessência de sua personalidade.”

Hoje, seu trabalho é considerado não apenas um marco na arte americana, mas uma imagem coletiva, o espírito de seu tempo. Um de seus biógrafos escreveu certa vez: “Os descendentes aprenderão mais sobre aquela época nas pinturas de Edward Hopper do que em qualquer livro didático.” E, talvez, em certo sentido, ele esteja certo.