no século 16, já percorreu um longo caminho e em nosso tempo tornou-se popular em todo o mundo. Inúmeras escolas de balé e grupos de teatro, cujo número aumenta a cada ano, são clássicos e modernos.

Mas se existem dezenas de balés famosos e, de fato, diferem de outros conjuntos de dança apenas no nível de habilidade, os teatros nacionais de balé com uma longa história podem ser contados nos dedos.

Ballet Russo: Teatros Bolshoi e Mariinsky

Você e eu temos algo para nos orgulhar, porque o balé russo é um dos melhores do mundo. O Lago dos Cisnes, O Quebra-Nozes, os famosos balés de plástico que surgiram em nosso país no início do século 20 fizeram da Rússia a segunda casa dessa arte e proporcionaram aos nossos teatros um fluxo interminável de espectadores agradecidos de todo o mundo.

Hoje, as trupes dos Teatros Bolshoi e Mariinsky disputam o título de melhores, cujas habilidades estão sendo aprimoradas dia a dia. Os dançarinos de ambas as trupes são selecionados entre os alunos da Academia de São Petersburgo com o nome de A. Ya. Vaganova e, desde os primeiros dias de treinamento, todos os seus alunos sonham em um dia realizar uma parte solo no palco principal do país .

Balé Francês: Grande Ópera

O berço do balé mundial, cuja atitude em relação às performances permaneceu inalterada por três séculos, e onde apenas a dança clássica acadêmica existe, e todo o resto é considerado um crime contra a arte, é o sonho supremo de todos os dançarinos do mundo.

A cada ano, sua adesão é reabastecida com apenas três dançarinos que passaram por tantas seleções, competições e testes que nem mesmo os astronautas sonharam. Os ingressos para a Ópera de Paris não são baratos, e só os conhecedores de arte mais ricos podem comprá-los, mas a sala está cheia a cada apresentação, porque além dos próprios franceses, vêm aqui todos os europeus que sonham em admirar o balé clássico.

Estados Unidos: American Ballet Theatre

Adquiriu grande popularidade após o lançamento de "The Black Swan", o American Ballet Theatre foi fundado pelo solista do Russian Bolshoi Theatre.

Com escola própria, o balé não contrata bailarinos de fora e tem um estilo russo-americano distinto. As produções convivem com histórias clássicas, como o famoso Quebra-Nozes, e novos estilos de dança. Muitos conhecedores de balé afirmam que a ABT se esqueceu dos cânones, mas a popularidade deste teatro está crescendo ano a ano.

Reino Unido: Birmingham Royal Ballet

Com curadoria da própria Rainha, o London Ballet é pequeno em número de bailarinos, mas distingue-se pelo rigor da seleção de participantes e repertório. Aqui você não encontrará tendências modernas e desvios de gênero. Talvez seja por isso que, incapazes de resistir às duras tradições, muitas jovens estrelas deste balé o abandonam e começam a criar suas próprias trupes.

Não é fácil chegar à apresentação do balé real, apenas as pessoas mais nobres e ricas do mundo são homenageadas com isso, mas uma vez a cada três meses são organizadas noites de caridade com entrada aberta.

Ballet Austríaco: Ópera de Viena

A história da Ópera de Viena tem um século e meio, e durante todo esse tempo os dançarinos russos foram os primeiros solistas da trupe. Conhecida por seus bailes anuais, que só aconteciam na Segunda Guerra Mundial, a Ópera de Viena é a atração mais visitada da Áustria. As pessoas vêm aqui para admirar os talentosos dançarinos e, olhando para seus compatriotas no palco, falam orgulhosamente sua língua nativa.

É muito fácil conseguir ingressos aqui: graças ao enorme salão e à ausência de revendedores, você pode fazê-lo no dia do balé, as únicas exceções serão os dias de estreias e a abertura da temporada.

Então, se você quiser ver balé clássico executado pelos dançarinos mais talentosos, vá a um desses teatros e aprecie a arte antiga.

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Balés russos famosos. Top 5

O balé clássico é uma forma de arte incrível que nasceu na Itália durante o Renascimento maduro, "mudou-se" para a França, onde o mérito de seu desenvolvimento, incluindo a fundação da Academia de Dança e a codificação de muitos movimentos, pertenceu ao rei Luís XIV . A França exportou a arte da dança teatral para todos os países europeus, incluindo a Rússia. Em meados do século XIX, a capital do balé europeu não era mais Paris, que deu ao mundo as obras-primas do romantismo La Sylphide e Giselle, mas Petersburgo. Foi na capital do Norte que trabalhou durante quase 60 anos o grande coreógrafo Marius Petipa, criador do sistema de dança clássica e autor de obras-primas que ainda não saem dos palcos. Após a Revolução de Outubro, eles queriam jogar o balé do navio da modernidade, mas conseguiram defendê-lo. Os tempos soviéticos foram marcados pela criação de um número considerável de obras-primas. Apresentamos cinco principais balés nacionais - em ordem cronológica.

"Don Quixote"

Cena do balé Dom Quixote. Uma das primeiras produções de Marius Petipa

Estreia do balé de L.F. Minkus "Don Quixote" no Teatro Bolshoi. 1869 Do álbum do arquiteto Albert Kavos

Cenas do balé Dom Quixote. Kitri - Lyubov Roslavleva (centro). Encenação de A.A. Gorsky. Moscou, Teatro Bolshoi. 1900

Música de L. Minkus, libreto de M. Petipa. Primeira produção: Moscou, Teatro Bolshoi, 1869, coreografia de M. Petipa. Produções posteriores: São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1871, coreografia de M. Petipa; Moscou, Teatro Bolshoi, 1900, São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1902, Moscou, Teatro Bolshoi, 1906, todos - coreografia de A. Gorsky.

O balé "Don Quixote" é um espetáculo teatral cheio de vida e júbilo, uma eterna celebração da dança, que nunca cansa os adultos e para a qual os pais levam com prazer os filhos. Embora seja chamado o nome do herói do famoso romance Cervantes, é baseado em um de seus episódios, "As Bodas de Kitia e Basílio", e conta as aventuras de jovens heróis, cujo amor acaba vencendo, apesar da oposição. do pai teimoso da heroína, que queria casá-la com o rico Gamache.

Então Dom Quixote não tem quase nada a ver com isso. Ao longo da performance, um artista alto e magro, acompanhado por um colega baixinho e barrigudo que retrata Sancho Pança, circula pelo palco, às vezes dificultando a visão das belas danças compostas por Petipa e Gorsky. Ballet, em essência, é um concerto em trajes, uma celebração da dança clássica e característica, onde todos os artistas de qualquer trupe de balé têm algo para fazer.

A primeira produção do balé ocorreu em Moscou, onde Petipa viajava de tempos em tempos para elevar o nível da trupe local, que não podia ser comparada à brilhante trupe do Teatro Mariinsky. Mas em Moscou era mais fácil respirar, então o coreógrafo, em essência, encenou uma reminiscência de balé dos maravilhosos anos de juventude passados ​​em um país ensolarado.

O balé foi um sucesso e, dois anos depois, Petipa o transferiu para São Petersburgo, o que exigiu uma reformulação. Lá, as danças características eram muito menos interessantes do que os clássicos puros. Petipa ampliou "Don Quixote" para cinco atos, compôs um "ato branco", o chamado "Sonho de Dom Quixote", um verdadeiro paraíso para as amantes das bailarinas de tutus, donas de belas pernas. O número de cupidos no "Sonho" chegou a cinquenta e dois...

Dom Quixote veio até nós em uma reformulação do coreógrafo de Moscou Alexander Gorsky, que gostava das ideias de Konstantin Stanislavsky e queria tornar o antigo balé mais lógico e dramaticamente convincente. Gorsky destruiu as composições simétricas de Petipa, cancelou os tutus na cena "Dream" e insistiu no uso de maquiagem morena para as dançarinas espanholas. Petipa o chamou de "porco", mas já na primeira alteração de Gorsky, o balé foi apresentado no palco do Teatro Bolshoi 225 vezes.

"Lago de cisnes"

Cenário para a primeira apresentação. Grande teatro. Moscou. 1877

Cena do balé "O Lago dos Cisnes" de P.I. Tchaikovsky (coreógrafos Marius Petipa e Lev Ivanov). 1895

Música de P. Tchaikovsky, libreto de V. Begichev e V. Geltser. Primeira produção: Moscou, Teatro Bolshoi, 1877, coreografia de V. Reisinger. Produção subsequente: São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1895, coreografia de M. Petipa, L. Ivanov.

O balé favorito de todos, cuja versão clássica foi encenada em 1895, nasceu dezoito anos antes no Teatro Bolshoi de Moscou. A partitura de Tchaikovsky, cuja fama mundial ainda estava por vir, era uma espécie de coleção de "canções sem palavras" e parecia complicada demais para a época. O balé ocorreu cerca de 40 vezes e caiu no esquecimento.

Após a morte de Tchaikovsky, Swan Lake foi encenado no Teatro Mariinsky, e todas as produções subsequentes do balé foram baseadas nesta versão, que se tornou um clássico. A ação recebeu grande clareza e lógica: o balé contou sobre o destino da bela princesa Odette, que foi transformada em cisne pela vontade do gênio do mal Rothbart, sobre como Rothbart enganou o príncipe Siegfried, que se apaixonou por ela, recorrendo aos encantos de sua filha Odile, e sobre a morte dos heróis. A partitura de Tchaikovsky foi reduzida em cerca de um terço pelo maestro Ricardo Drigo e reorquestrada. Petipa criou a coreografia para o primeiro e terceiro atos, Lev Ivanov para o segundo e quarto. Esta separação correspondeu idealmente à vocação de ambos os brilhantes coreógrafos, sendo que o segundo teve de viver e morrer à sombra do primeiro. Petipa é o pai do balé clássico, o criador de composições impecavelmente harmoniosas e o cantor de uma mulher-fada, uma mulher-brinquedo. Ivanov é um coreógrafo inovador com uma sensibilidade incomum para a música. O papel de Odette-Odile foi interpretado por Pierina Legnani, “Rainha das bailarinas milanesas”, ela também é a primeira Raymonda e a inventora de 32 fouettes, o tipo mais difícil de rotação em sapatilhas de ponta.

Você pode não saber nada sobre balé, mas o Lago dos Cisnes é conhecido por todos. Nos últimos anos de existência da União Soviética, quando os líderes idosos se substituíam com frequência, a melodia sincera do dueto “branco” dos personagens principais do balé e as rajadas de braços de asas da tela da TV anunciavam um triste evento. Os japoneses amam tanto o Lago dos Cisnes que estão prontos para assisti-lo de manhã e à noite, realizado por qualquer trupe. Nem uma única trupe de turismo, que há muitas na Rússia, e especialmente em Moscou, pode prescindir de Lebedinoy.

"Quebra-nozes"

Cena do balé O Quebra-Nozes. Primeira encenação. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Ópera Mariinskii. 1892

Cena do balé O Quebra-Nozes. Primeira encenação. Ópera Mariinskii. 1892

Música de P. Tchaikovsky, libreto de M. Petipa. Primeira produção: São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1892, coreografia de L. Ivanov.

De livros e sites, ainda circulam informações errôneas de que O Quebra-Nozes foi encenado pelo pai do balé clássico Marius Petipa. De fato, Petipa escreveu apenas o roteiro, e a primeira produção do balé foi realizada por seu subordinado, Lev Ivanov. Uma tarefa impossível coube a Ivanov: o roteiro, criado no estilo do então elegante balé extravagante com a participação indispensável de um artista convidado italiano, estava em evidente contradição com a música de Tchaikovsky, que, embora escrita em estrita conformidade com as instruções de Petipa, foi distinguido por grande sentimento, riqueza dramática e desenvolvimento sinfônico complexo. Além disso, a heroína do balé era uma adolescente, e a estrela da bailarina estava preparada apenas para o pas de deux final (um dueto com um parceiro, composto por um adagio - uma parte lenta, variações - danças solo e uma coda (final virtuoso)). A primeira produção de O Quebra-Nozes, onde a primeira, predominantemente um ato de pantomima, diferia bastante da segunda, um ato de diversão, não teve muito sucesso, os críticos notaram apenas a Valsa dos Flocos de Neve (64 dançarinos participaram) e o Pas de deux da Dragee Fairy and the Whooping Cough Prince, que foi inspirado no Adagio with a Rose de Ivanov da Bela Adormecida, onde Aurora dança com quatro cavalheiros.

Mas no século 20, que conseguiu penetrar nas profundezas da música de Tchaikovsky, O Quebra-Nozes estava destinado a um futuro verdadeiramente fantástico. Existem inúmeras apresentações de balé na União Soviética, países europeus e EUA. Na Rússia, as produções de Vasily Vainonen no Teatro Acadêmico de Ópera e Ballet do Estado de Leningrado (agora o Teatro Mariinsky em São Petersburgo) e Yuri Grigorovich no Teatro Bolshoi de Moscou são especialmente populares.

"Romeu e Julieta"

Balé Romeu e Julieta. Julieta - Galina Ulanova, Romeu - Konstantin Sergeev. 1939

Sra. Patrick Campbeple como Julieta em Romeu e Julieta de Shakespeare. 1895

Final de Romeu e Julieta. 1940

Música de S. Prokofiev, libreto de S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Primeira produção: Brno, Teatro de Ópera e Ballet, 1938, coreografia de V. Psota. Produção subsequente: Leningrado, Ópera Académica Estatal e Teatro de Balé. S. Kirov, 1940, coreografia de L. Lavrovsky.

Se a frase de Shakespeare em uma tradução russa bem conhecida diz "Não há história mais triste no mundo do que a história de Romeu e Julieta", então eles disseram sobre o balé do grande Sergei Prokofiev escrito neste enredo: "Não há história mais triste no mundo do que a música de Prokofiev no balé". Verdadeiramente surpreendente em beleza, riqueza de cores e expressividade, a partitura de "Romeu e Julieta" na época de sua aparição parecia muito complicada e inadequada para o balé. Os bailarinos simplesmente se recusavam a dançar para ela.

Prokofiev escreveu a partitura em 1934, e originalmente não se destinava ao teatro, mas à famosa Escola Coreográfica Acadêmica de Leningrado para comemorar seu 200º aniversário. O projeto não foi implementado devido ao assassinato de Sergei Kirov em Leningrado em 1934, e as mudanças eclodiram no principal teatro musical da segunda capital. Nem o plano de encenar Romeu e Julieta no Bolshoi de Moscou se concretizou. Em 1938, a estreia foi apresentada por um teatro em Brno, e apenas dois anos depois, o balé de Prokofiev foi finalmente encenado na terra natal do autor, no então Teatro Kirov.

O coreógrafo Leonid Lavrovsky, no âmbito do gênero “drambalet” (uma forma de drama coreográfico característico do balé dos anos 1930-50), muito bem recebido pelas autoridades soviéticas, criou um espetáculo impressionante e emocionante com cenas de multidão cuidadosamente esculpidas e finamente características psicológicas definidas dos personagens. À sua disposição estava Galina Ulanova, a mais refinada bailarina-atriz, que permaneceu insuperável no papel de Julieta.

A partitura de Prokofiev foi rapidamente apreciada pelos coreógrafos ocidentais. As primeiras versões do balé apareceram já na década de 1940. Seus criadores foram Birgit Kuhlberg (Estocolmo, 1944) e Margarita Froman (Zagreb, 1949). Produções famosas de "Romeu e Julieta" pertencem a Frederick Ashton (Copenhaga, 1955), John Cranko (Milão, 1958), Kenneth MacMillan (Londres, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburgo, 1973).I. Moiseev, 1958, coreografia de Y. Grigorovich, 1968.

Sem "Spartacus" o conceito de "ballet soviético" é impensável. Este é um verdadeiro sucesso, um símbolo da época. O período soviético desenvolveu outros temas e imagens, profundamente diferentes do balé clássico tradicional herdado de Marius Petipa e dos Teatros Imperiais de Moscou e São Petersburgo. Contos de fadas com finais felizes foram arquivados e substituídos por histórias heróicas.

Já em 1941, um dos principais compositores soviéticos, Aram Khachaturian, falou de sua intenção de escrever música para uma performance monumental e heróica a ser encenada no Teatro Bolshoi. O tema era um episódio da história romana antiga, uma revolta de escravos liderada por Espártaco. Khachaturian criou uma partitura colorida usando motivos armênios, georgianos, russos e cheia de belas melodias e ritmos ardentes. A produção seria encenada por Igor Moiseev.

Demorou muitos anos para que seu trabalho chegasse ao público, e não apareceu no Teatro Bolshoi, mas no Teatro. Kirov. O coreógrafo Leonid Yakobson criou uma performance impressionante e inovadora, abandonando os atributos tradicionais do balé clássico, incluindo a dança na ponta, usando plástico livre e sapatilhas em sandálias.

Mas o balé "Spartacus" se tornou um sucesso e um símbolo da época nas mãos do coreógrafo Yuri Grigorovich em 1968. Grigorovich impressionou o espectador com uma dramaturgia completamente construída, retrato sutil dos personagens dos personagens principais, encenação hábil de cenas de multidão, pureza e beleza de adágios líricos. Ele chamou seu trabalho de "uma performance para quatro solistas com um corpo de balé" (corps de ballet - artistas envolvidos em episódios de dança em massa). Vladimir Vasiliev desempenhou o papel de Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova e Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet era predominantemente masculino, o que torna o ballet "Spartacus" único.

Além das conhecidas leituras de Spartacus de Yakobson e Grigorovich, há cerca de mais 20 produções do balé. Entre eles está a versão de Jiri Blazek para o Ballet de Praga, Laszlo Seregi para o Ballet de Budapeste (1968), Jüri Vamos para a Arena di Verona (1999), Renato Zanella para o Ballet da Ópera Estatal de Viena (2002), Natalia Kasatkina e Vladimir Vassilev para o Teatro Acadêmico do Estado dirigem balé clássico em Moscou (2002).

Ballet é chamado de parte integrante da arte do nosso país. O balé russo é considerado o mais autoritário do mundo, o padrão. Esta resenha contém as histórias de sucesso de cinco grandes bailarinas russas, que ainda admiram.

Anna Pavlova

Excelente bailarina Anna Pavlova nasceu em uma família longe da arte. O desejo de dançar apareceu nela aos 8 anos de idade, depois que a menina viu a apresentação de balé da Bela Adormecida. Aos 10 anos, Anna Pavlova foi aceita na Escola Imperial de Teatro e, após a formatura, na trupe do Teatro Mariinsky.

Curiosamente, a aspirante a bailarina não foi colocada no corpo de balé, mas imediatamente começou a dar-lhe papéis responsáveis ​​nas produções. Anna Pavlova dançou sob a orientação de vários coreógrafos, mas a dupla mais bem sucedida e frutífera, que teve uma influência fundamental em seu estilo de atuação, acabou com Mikhail Fokin.

Anna Pavlova apoiou as ideias ousadas da coreógrafa e concordou prontamente com os experimentos. A miniatura "The Dying Swan", que mais tarde se tornou a marca registrada do balé russo, foi quase improvisada. Nesta produção, Fokine deu mais liberdade à bailarina, permitiu que ela sentisse o clima de O Cisne sozinha, para improvisar. Em uma das primeiras críticas, o crítico admirou o que viu: “Se é possível uma bailarina no palco imitar os movimentos do mais nobre dos pássaros, isso foi alcançado:”.

Galina Ulanova

O destino de Galina Ulanova foi predeterminado desde o início. A mãe da menina trabalhava como professora de balé, então Galina, mesmo que ela realmente quisesse, não poderia ignorar a barra de balé. Anos de treinamento exaustivo levaram ao fato de Galina Ulanova se tornar a artista mais titulada da União Soviética.

Depois de se formar na faculdade coreográfica em 1928, Ulanova foi aceito na trupe de balé do Teatro de Ópera e Balé de Leningrado. Desde as primeiras apresentações, a jovem bailarina atraiu a atenção de espectadores e críticos. Um ano depois, Ulanova foi encarregado de realizar a parte principal de Odette-Odile no Lago dos Cisnes. Giselle é considerada um dos papéis triunfantes da bailarina. Executando a cena da loucura da heroína, Galina Ulanova fez isso com tanta alma e abnegação que nem mesmo os homens no salão conseguiram conter as lágrimas.

Galina Ulanova alcançado . Ela foi imitada, os professores das principais escolas de balé do mundo exigiram que os alunos fizessem passos “como Ulanova”. A famosa bailarina é a única no mundo a quem foram erguidos monumentos em vida.

Galina Ulanova dançou no palco até os 50 anos. Ela sempre foi rigorosa e exigente consigo mesma. Mesmo na velhice, a bailarina iniciava todas as manhãs com aulas e pesava 49 kg.

Olga Lepeshinskaya

Para temperamento apaixonado, técnica brilhante e precisão de movimentos Olga Lepeshinskaya apelidado de "Libélula Jumper". A bailarina nasceu em uma família de engenheiros. Desde a infância, a menina literalmente adorava dançar, então seus pais não tiveram escolha a não ser mandá-la para a escola de balé no Teatro Bolshoi.

Olga Lepeshinskaya lidou facilmente com os clássicos do balé ("O Lago dos Cisnes", "A Bela Adormecida") e com produções modernas ("A Papoula Vermelha", "A Chama de Paris".) Durante a Grande Guerra Patriótica, Lepeshinskaya se apresentou sem medo na frente, elevando seu espírito de soldado de combate.

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Olga Lepeshinskaya -
bailarina com temperamento apaixonado. | Foto: http://www.etoretro.ru.

Apesar do fato de a bailarina ser a favorita de Stalin e ter muitos prêmios, ela era muito exigente consigo mesma. Já em idade avançada, Olga Lepeshinskaya disse que sua coreografia não poderia ser chamada de excelente, mas "técnica natural e temperamento ardente" a tornaram inimitável.

Maya Plisetskaya

Maya Plisetskaya- Outra bailarina notável, cujo nome está inscrito em letras douradas na história do balé russo. Quando a futura artista tinha 12 anos, ela foi adotada por sua tia Shulamith Messerer. O pai de Plisetskaya foi baleado, e sua mãe e seu irmão mais novo foram enviados ao Cazaquistão para um acampamento para as esposas de traidores da pátria.

Tia Plisetskaya era uma bailarina do Bolshoi, então Maya também começou a frequentar aulas de coreografia. A menina alcançou grande sucesso neste campo e depois de se formar na faculdade, foi aceita na trupe do Teatro Bolshoi.

Arte inata, plasticidade expressiva, os saltos fenomenais de Plisetskaya fizeram dela uma primeira bailarina. Maya Plisetskaya desempenhou papéis principais em todas as produções clássicas. Ela foi especialmente bem-sucedida em imagens trágicas. Além disso, a bailarina não tinha medo de experimentos na coreografia moderna.

Depois que a bailarina foi demitida do Teatro Bolshoi em 1990, ela não se desesperou e continuou fazendo apresentações solo. Transbordando energia, e permitiu que Plisetskaya fizesse sua estreia na produção de "Ave Maya" no dia de seu aniversário de 70 anos.

Ludmila Semenyaka

linda bailarina Ludmila Semenyaka se apresentou no palco do Teatro Mariinsky quando ela tinha apenas 12 anos. Um talento talentoso não poderia passar despercebido, então, depois de algum tempo, Lyudmila Semenyaka foi convidada para o Teatro Bolshoi. Galina Ulanova, que se tornou sua mentora, teve uma influência significativa no trabalho da bailarina.

Semenyaka lidava com qualquer parte de forma tão natural e natural que do lado de fora parecia que ela não estava fazendo nenhum esforço, mas simplesmente curtindo a dança. Em 1976, Lyudmila Ivanovna recebeu o Prêmio Anna Pavlova da Academia de Dança de Paris.

No final da década de 1990, Lyudmila Semenyaka anunciou sua aposentadoria como bailarina, mas continuou suas atividades como professora. Desde 2002, Lyudmila Ivanovna é professora-repetidora no Teatro Bolshoi.

Mas ele dominou a arte do balé na Rússia e atuou nos EUA durante a maior parte de sua vida.

Grã Bretanha. Antes da turnê da trupe Diaghilev e Anna Pavlova em Londres nas décadas de 1910 e 1920, o balé foi introduzido na Inglaterra principalmente pelas apresentações de certas bailarinas conhecidas nos palcos dos music halls, como a dinamarquesa Adeline Genet (1878-1878- 1970). O balé inglês deve seu nascimento a duas mulheres que trabalharam para Diaghilev: Marie Rambert (1888-1982), natural da Polônia, e Ninette de Valois (n. 1898), nascida na Irlanda, mas formada em Londres. Rambert, aluno do músico e criador do sistema de ginástica rítmica Emile Jacques-Dalcroze, foi convidado por Diaghilev para ajudar Nijinsky quando ele teve que trabalhar na partitura da Sagração da Primavera de Stravinsky, que era muito difícil em termos de ritmo . Por vários anos ela dançou no corpo de balé da trupe de Ballet Russa, depois voltou para a Inglaterra e em 1920 abriu sua própria escola. Seus alunos se apresentaram, primeiro chamados de Marie Rambert Dancers, depois como parte do Ballet Club, no minúsculo Mercury Theatre, localizado em Nottinhill Gate, Londres. Foi na Rambert que muitos artistas ingleses famosos começaram suas carreiras, incluindo os coreógrafos Frederick Ashton e Anthony Tudor. Ambos se voltaram para a dança quando adultos, mas logo começaram a encenar pequenos balés no Rambert's. Na década de 1930, toda uma geração de jovens bailarinos ingleses cresceu em suas produções. De Valois, que também dançou na trupe de Diaghilev, deixou-o e abriu uma escola em Londres, que logo se tornou parte do Sadler's Wells Theatre, e em 1931 o Vic Wells Ballet foi formado por seus alunos; em 1948 foi nomeado "Sadler's Wells Balle". Ashton uniu forças com Ninette de Valois para criar balés que trouxeram à luz os talentos de jovens artistas formados por de Valois, Margot Fonteyn (1919-1991), Beryl Gray (n. 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer (n. 1926). Com a sua participação, ao longo dos próximos quarenta anos, foi desenvolvido um estilo especificamente inglês de performance e performance de balé, caracterizado pelo virtuosismo, drama e puro lirismo clássico. As produções de Ashton incluem aquelas cheias de humor (Facade, 1931, música de William Walton; Vain Precaution, 1960, música de Ferdinand Herold, arranjado por John Lanchbury) e trágicas (Ondine, 1958, música de H.W. Henze; ​​A Month in the Country, 1976, com música de F. Chopin), sem enredo (Variações Sinfônicas, 1946, com música de S. Frank; Monotony 1 e Monotony 2, 1965, 1966, com música de E. Satie) e narrativa (Cinderella, 1948, música de Prokofiev; Dream, 1964, na música F. Mendelssohn no processamento de Lanchbury). Ashton voluntariamente criou balés baseados em obras literárias: por exemplo, seu sonho é baseado na peça de Shakespeare A Midsummer Night's Dream, e A Moon in the Country é baseado na peça de mesmo nome de Turgenev. A musa de Ashton foi Margot Fonteyn, cujo talento como bailarina se desenvolveu simultaneamente com seus experimentos coreográficos. Ele criou seu último balé para ela em 1963: este é Marguerite e Armand (baseado na Dama com Camélias do filho de Alexandre Dumas e na música de F. Liszt). Neste momento, Fonteyn, que já tinha mais de quarenta anos, experimentou, por assim dizer, uma juventude de segundo estágio, encontrando um novo parceiro na pessoa do dançarino Rudolf Nureyev, que emigrou da União Soviética. Ashton foi inspirado pelo talento de uma grande variedade de intérpretes: a natureza dramática de Lynn Seymour (n. 1939) ou Christopher Gable (1940-1998), técnica brilhante e ao mesmo tempo emocional, manifestada no dueto de Anthony Dowell ( n. 1943) e Antoniet Sibley (n. 1939). Infelizmente, após a morte de Ashton (1988), suas produções não são preservadas com o mesmo cuidado com que os balés Balanchine ou Tudor são preservados na América. Na década de 1930, Ninette de Valois convidou Nikolai Sergeev (1876-1951), diretor do Teatro Mariinsky emigrado da Rússia, para encenar balés clássicos do século XIX, a fim de enriquecer o repertório e proporcionar aos artistas a oportunidade de dominar formas de dança inusitadas. Em 1956, o Wells Ballet de Sadler tornou-se o Royal Ballet e se apresentou no Royal Opera House, Covent Garden. Nas décadas de 1960 e 1970, os balés dramáticos de Kenneth Macmillan apareceram em seu repertório, juntamente com as tradicionais obras clássicas e produções de Frederick Ashton. As suas actuações destacam-se pela dramaticidade sublinhada, repletas de passos acrobáticos e suportes que servem de expressão de emoções intensas. As performances de maior sucesso de Macmillan foram Romeu e Julieta em vários atos (música de Prokofiev, 1965) e Manon (1974, com música de J. Massenet, arranjado por Leighton Lucas), que são encenados em muitos países. Ashton, que dirigia o Royal Ballet desde 1963, se aposentou em 1970. Até 1977, a companhia trabalhou com Macmillan, depois com Norman Morris (b. dançarina e coreógrafa Martha Graham (1894-1991). Em 1986, Dowell, um dançarino que trabalhou com Ashton, assumiu a chefia do grupo, enquanto Macmillan permaneceu um dos coreógrafos da companhia até sua morte em 1992. Ele foi substituído como coreógrafo por David Bintley (n. 1957), cujos balés, às vezes dramáticos, às vezes sem enredo, são muito diversos em estilo e gênero. Dowell introduziu no repertório as produções de Balanchine e Robbins, assim como as obras de W. Forsyth e alguns dançarinos da trupe. Ele convidou dançarinos da Rússia, França e EUA como convidados, mas ao mesmo tempo deu atenção aos seus próprios artistas: sob ele os talentos de Darcy Bussel (n. 1969) Viviana Durante (n. 1967) floresceram. Em resposta às críticas que apontavam para a falta de atenção ao legado de Ashton, Dowell organizou o Royal Ballet Festival para a temporada 1994-1995. Ao longo das décadas de 1940 e 1940, a trupe Balle Rambert continuou a encenar novos balés, mantendo os balés clássicos originais em seu repertório, projetado para um elenco pequeno. Em 1966, a trupe foi reorganizada, abandonando completamente as apresentações tradicionais e mantendo apenas obras no estilo de dança moderna. Em 1987, Richard Alston (n. 1948), que foi influenciado principalmente pelo estilo do coreógrafo americano Merce Cunningham (n. 1919), tornou-se seu líder. Em 1994 este posto foi ocupado por Christopher Bruce (n. 1945), ex-dançarino principal e coreógrafo da trupe. Outras companhias inglesas incluem o English National Ballet, que tem seu antecessor direto na companhia fundada em 1949 pelos ex-dançarinos de Diaghilev Alicia Markova e Anton Dolin (1904-1983), que por muitos anos foi conhecido como London Ballet Festival. Em 1984, o dinamarquês Peter Schaufus (nascido em 1949), que liderou a trupe, reviveu o balé Romeu e Julieta de Ashton, que a essa altura já havia sido quase esquecido. Em 1990, Ivan Nagy tornou-se o líder da trupe. O Royal Ballet sempre manteve uma segunda trupe itinerante. Ela se estabeleceu em Birmingham na década de 1990 e agora é conhecida como Birmingham Royal Ballet.
Rússia Soviética e outros países. Na Rússia, o balé não perdeu sua importância nos anos após a Primeira Guerra Mundial e sob o domínio soviético, mesmo quando a situação política e econômica parecia ameaçar a própria existência do Teatro Bolshoi e Mariinsky (que, após a Revolução de Outubro, foi chamado de Teatro Estatal de Ópera e Ballet, GOTOB, e desde 1934 - o nome de S.M. Kirov) teatros. A década de 1920 é um período de intensa experimentação tanto na forma quanto no conteúdo de uma performance de balé. Há também produções do Proletkult sobre temas políticos e sociais, e em Moscou as obras de Kasyan Goleizovsky (1892-1970), e em Petrogrado (em 1924 renomeada Leningrado) várias produções de Fyodor Lopukhov (1886-1973), incluindo sua Greatness of the Universe (1922) à música da Quarta Sinfonia de Beethoven. A Papoula Vermelha ao som de R.M. Glier, um balé encenado em 1927 por Vasily Tikhomirov (1876-1956) e Lev Lashchilin (1888-1955) em Moscou, serviu de protótipo para muitos balés soviéticos subsequentes: este é um multi-ato performance, cujo tema são paixões nobres e feitos heróicos, e música especialmente escrita é de natureza sinfônica. Balés como em 1932 As Chamas de Paris por Vasily Vainonen (1901-1964), e em 1934 A Fonte de Bakhchisarai por Rostislav Zakharov (1907-1984) - ambos com música de Boris Asafiev, como em 1939 Laurencia (música de Alexander Crane ) de Vakhtang Chabukiani (1910-1992 ) e em 1940 Romeu e Julieta de Leonid Lavrovsky (1905-1967) (música de Prokofiev), podem servir de exemplo daqueles princípios estéticos que foram seguidos não apenas pelas principais trupes - o Teatro . S.M. Kirov em Leningrado e o Teatro Bolshoi em Moscou - mas também todos os cerca de 50 teatros que funcionaram no país. Embora os achados individuais da década de 1920 tenham sido preservados, as performances orientadas para a ideologia política soviética prevaleceram, e a forma de performance se distinguiu pela cantileverness na execução dos movimentos e flexibilidade (características nos braços e costas), desenvolvendo simultaneamente saltos em altura, elevadores acrobáticos (por exemplo, levantamento alto em um braço do cavalheiro) e giro rápido, que deu aos balés soviéticos uma expressão dramática especial. Um dos professores que contribuiu para o desenvolvimento desse estilo foi Agrippina Vaganova (1879-1951). Ex-dançarina do Teatro Mariinsky, ela começou a lecionar no final de sua carreira de atriz. Tendo se tornado professora na Escola Coreográfica de Leningrado, Vaganova desenvolveu um programa e um livro didático de dança clássica e preparou seus alunos para que pudessem executar tanto os grandes balés românticos do passado quanto os novos soviéticos, com sua técnica virtuosa. Em toda a União Soviética, bem como na Europa Oriental, o sistema Vaganova foi colocado como base para o treinamento. Os espectadores da Europa Ocidental e dos Estados Unidos praticamente não estavam familiarizados com o balé soviético até meados da década de 1950, quando as companhias de balé do Teatro. Kirov e o Teatro Bolshoi pela primeira vez saíram em turnê pelo Ocidente. O interesse por ele despertou a incrível habilidade das bailarinas do Bolshoi Galina Ulanova (1910-1998), que transmitiu os sentimentos de Giselle e Julieta com lirismo penetrante, e Maya Plisetskaya (n. 1925), que impressionou com sua técnica brilhante no papel de Odette-Odile no Lago dos Cisnes. Enquanto o Teatro Bolshoi incorporava as características mais espetaculares do estilo soviético, a pureza clássica dos dançarinos do Teatro Kirov encontrou expressão em artistas como Natalya Dudinskaya (n. 1912) e Konstantin Sergeev (1910-1992), que contribuíram para o renascimento da tradição Petipa. As seguintes gerações de artistas alcançaram grande sucesso: Ekaterina Maksimova (n. 1939), Vladimir Vasiliev (n. 1940), Natalya Bessmertnova (n. 1941) e Vyacheslav Gordeev (n. 1948) no Teatro Bolshoi, Irina Kolpakova (n. 1933), Alla Sizova (n. 1939) e Yuri Solovyov (1940-1977) no Teatro Kirov. Em 1961, Nureyev, um dos principais dançarinos do Teatro Kirov, ficou no Ocidente durante a turnê da trupe pela França. Dois outros artistas proeminentes do mesmo teatro - Natalia Makarova e Mikhail Baryshnikov - fizeram o mesmo (Makarova - em Londres em 1970, Baryshnikov - no Canadá em 1974). Na década de 1980, a pressão administrativa e política sobre a arte na União Soviética diminuiu, Oleg Vinogradov (n. 1937), que dirigiu a trupe de balé do Teatro. Kirov desde 1977, começou a introduzir no repertório os balés de Balanchine, Tudor, Maurice Béjart (n. 1927) e Robbins. Menos propenso à inovação foi Yuri Grigorovich (n. 1927), que a partir de 1964 chefiou o Balé Bolshoi. Suas primeiras produções - The Stone Flower (música de Prokofiev, 1957) e Spartak (música de A.I. Khachaturian, 1968) - são performances tipicamente soviéticas. Grigorovich confia em efeitos espetaculares, administra com confiança uma grande massa de dançarinos energicamente em movimento, usa amplamente a dança folclórica, prefere enredos heróicos. Por muitos anos, o palco do Teatro Bolshoi apresentou quase exclusivamente os balés de Grigorovich ou suas adaptações de peças antigas, como O Lago dos Cisnes. No final da década de 1980, Irek Mukhamedov (n. 1960) e Nina Ananiashvili (n. 1963) do Teatro Bolshoi, assim como Altynai Asylmuratova (n. 1961) e Farukh Ruzimatov (n. 1963) do Teatro. Kirov recebeu permissão para se apresentar com as principais trupes de balé do Ocidente, depois se tornou parte desses grupos. Mesmo Vinogradov e Grigorovich começaram a procurar oportunidades para mostrar seus talentos fora da Rússia, onde o financiamento estatal para teatros foi significativamente reduzido após o colapso da URSS em 1991. Em 1995, Grigorovich foi substituído como diretor do Bolshoi Ballet por Vladimir Vasiliev. Outras trupes em São Petersburgo são o balé do Maly Theatre of Opera and Ballet. M. P. Mussorgsky (até 1991 era chamado de Teatro Maly de Ópera e Ballet), o "Boris Eifman Ballet Theatre" de São Petersburgo, dirigido pelo coreógrafo Boris Eifman (nascido em 1946), a trupe de Miniaturas Coreográficas criada por Leonid Yakobson ( 1904-1975), que trabalhou no Teatro. Kirov em 1942-1969, cujo trabalho ficou famoso no Ocidente. A trupe do Teatro Musical im. K.S. Stanislavsky e Vl.I. Nemirovich-Danchenko, Teatro de Ballet Clássico. A trupe "Experiment", criada em Perm por Evgeny Panfilov (n. 1956), merece atenção. O colapso da União Soviética e a crise econômica que se seguiu trouxeram enormes dificuldades às companhias de balé, que até então eram generosamente subsidiadas pelo Estado. Muitos bailarinos e professores deixaram o país para se estabelecer nos EUA, Inglaterra, Alemanha e outros países ocidentais. Durante a Guerra Fria, muitos países da Europa Oriental que faziam parte do bloco soviético seguiram os princípios soviéticos tanto no treinamento de dançarinos quanto na encenação. Quando as fronteiras se abriram, muitos artistas desses países, especialmente da Hungria e da Polônia, juntaram-se às realizações da coreografia das trupes ocidentais que vieram até eles e começaram a viajar para fora de seus países.
França. Balé francês no início do século 20 estava em crise. Artistas russos que foram convidados para a Ópera de Paris, em particular da trupe de Diaghilev, eram muito mais fortes do que os artistas franceses. Após a morte de Diaghilev, o principal dançarino de sua trupe, Sergei Lifar (1905-1986), que havia chegado à França da Ucrânia, dirigiu o Ballet da Ópera de Paris e permaneceu neste cargo em 1929-1945, depois em 1947-1958. Sob sua liderança, cresceram excelentes dançarinas, especialmente a maravilhosa bailarina lírica Yvette Chauvire (n. 1917), que ficou famosa por sua atuação no papel de Giselle. As experiências mais interessantes no campo da coreografia foram realizadas fora da Ópera de Paris, em particular por Roland Petit e Maurice Béjart. Petit (n. 1924) deixou a Ópera em 1944 e criou o "Ballet des Champs Elysees", onde encenou, entre outras apresentações, o balé Juventude e Morte (1946, com música de J.S. Bach) para o jovem e dinâmico bailarino Jean Babilé (n. 1923). Então, para a trupe "Ballet de Paris", ele criou uma de suas produções mais famosas e duradouras - Carmen (1949, ao som de J. Bizet) com Rene (Zizi) Jeanmer (n. 1924). O senso de teatralidade de Petit lhe permitiu trabalhar em vários gêneros e participar de eventos comerciais. De 1972 a 1998 liderou o Ballet National de Marseille, onde encenou muitas performances teatrais elegantes e comoventes. Após Lifar, a trupe da Ópera de Paris foi liderada um a um por mestres famosos como Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (1920-1981), Violetta Verdi e Rosella Hightower (n. 1920). O repertório foi enriquecido pelas obras de Petit e Béjart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glen Tetley, além de representantes da dança moderna americana Paul Taylor (n. 1930) e Merce Cunningham. Em 1983, Rudolf Nureyev foi nomeado para o cargo de chefe. Ele prestou especial atenção ao desenvolvimento de bailarinas como Sylvie Guillaume (n. 1965) e Isabelle Guerin (n. 1961), e deu à companhia a oportunidade de experimentar trabalhos coreográficos de várias direções, mantendo os clássicos. Após a saída de Nureyev (1989), Patrick Dupont (n. 1959), o ex-dançarino principal, que tinha o título de "estrela", retornou à trupe, agora como líder. Nas décadas de 1970 e 1980, as trupes provinciais francesas começaram a receber apoio do Estado e ganharam fama internacional. A trupe "Ballet dos Departamentos do Reno" merece atenção especial, que, sob a direção de Jean Paul Gravier, mostrou várias reconstruções de performances do século XVIII. feito com base em cuidadosa pesquisa histórica realizada pelo coreógrafo sueco Ivo Kramer (n. 1921), em particular os balés Dauberval's Vain Precaution e Medea e Jazon Noverre (música de Jean Joseph Rodolphe). O Ballet de Lyon Opera apresenta performances dramáticas estilizadas de dança coreografadas por Magy Marin (n. 1947).
Dinamarca. Ballet na Dinamarca entrou no século 20 em um estado de estagnação. Aqui, graças a Hans Beck, o legado de August Bournonville foi preservado, mas a falta de iniciativa levou ao fato de que o desenvolvimento do Royal Ballet em Copenhague parou. Algum ressurgimento de suas atividades ocorreu no período de 1932-1951, quando a trupe era chefiada por Harald Lander (Lanner), aluno de Beck. Lander manteve as obras de Bournonville, se possível em sua versão original, mas também encenou seus próprios balés: o mais famoso deles é Etudes (1948, com música de K. Czerny, arranjado por Knudoge Risager), onde os principais componentes da sala de aula de balé foram levados ao palco e teatralizados. Em 1951, Lander nomeou Vera Volkova (1904-1975), na época a mais autorizada especialista no Ocidente no sistema Vaganova, como consultora artística da trupe. Através de seus esforços, os dançarinos dinamarqueses dominaram uma nova técnica, que abriu novas oportunidades para eles ao realizarem obras de diferentes estilos. A trupe saiu do isolamento, percorreu a Europa, a Rússia e o continente americano. A graça e a animação alegre inerentes ao estilo de Bournonville causaram a impressão mais favorável, assim como a bravura da dança, que distinguiu a atuação dos dançarinos dinamarqueses, especialmente Eric Brun. A formação de bailarinos foi reconhecida como uma das principais conquistas da escola dinamarquesa. Nas décadas de 1960 e 1970, houve um aumento extraordinário no interesse pela história do balé, e as apresentações de Bournonville começaram a ser estudadas como o exemplo mais autêntico de obras de balé romântico sobreviventes, levando o Royal Danish Ballet a realizar Festivais de Ballet de Bournonville em 1979 e 1992. Depois de Lander, a equipe trabalhou sob a orientação de muitos artistas, incluindo Flemming Flindt (n. 1936), Henning Kronshtam (n. 1934) e Frank Andersen (n. 1954). Em 1994, a trupe foi dirigida por Peter Schaufus, e em 1996-1999 pela inglesa Maina Gielgud (n. 1945). O repertório do Royal Danish Ballet expandiu-se gradualmente para incluir obras de coreógrafos estrangeiros, enquanto os balés de Bournonville começaram a ser incluídos no repertório de companhias de dança em todo o mundo. Em 1982, o Ballet Nacional do Canadá encenou todo o balé Naples (música de Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli e Hans Christian Lumby), e em 1985 Balle West na cidade americana de Salt Lake City (Utah) . ), dirigido por Bruce Marks e Tony Lander, mostrou uma reconstrução do balé Abdalla (música de Holger Simon Paulli), que não era apresentado antes há 125 anos.
Alemanha. Durante a primeira metade do século XX na Alemanha, o fenômeno mais significativo foi o desenvolvimento da dança livre, que recebeu o nome de "expressiva" aqui - Ausdruckstanz. Após a Segunda Guerra Mundial, os governos da RFA e da RDA prestaram muita atenção ao apoio às trupes de balé. Em todas as principais cidades da Alemanha Ocidental, grupos de balé independentes foram criados em casas de ópera, que encenavam suas apresentações enquanto participavam de óperas. John Cranko da Inglaterra (1927-1973), que se apresentou e encenou uma série de apresentações na trupe inglesa Sadler's Wells Theatre Balle, dirigiu o Stuttgart Ballet em 1961 e formou um extenso repertório de suas próprias performances em vários atos, em muitos aspectos lembrando de balés soviéticos em grande estilo, ricos em danças dramatizadas. Este é Romeu e Julieta (música de Prokofiev, 1962). Onegin (1965, com música de Tchaikovsky, com arranjo de K. Kh. Stolze) e The Taming of the Shrew (1969, com música de A. Scarlatti, com arranjo de K.-H. Stolze), balés cujo sucesso dependeu de uma grande extensão na participação da maravilhosa bailarina Marcia Heide (n. 1939), brasileira de nascimento, e seu parceiro, o americano Richard Craghan (n. 1944). A trupe logo ganhou fama mundial; após a morte prematura de Cranko, foi dirigido por Glen Tetley, que encenou o ballet Solo no órgão em memória de Cranko (Voluntários, 1973, com música de F. Poulenc). Entre as principais realizações de Cranko estava a oficina criativa que criou, onde jovens coreógrafos puderam experimentar. Os americanos William Forsythe e John Neumeier (n. 1942), bem como o tcheco Jiri Kilian (n. 1947), começaram a trabalhar aqui. Todos eles se tornaram coreógrafos de destaque nos teatros de balé da Europa nas décadas seguintes. Neumeier assumiu o balé em Hamburgo em 1973 e lá criou um rico repertório, tanto a partir de suas próprias edições de performances clássicas quanto de produções originais sobre temas religiosos e filosóficos, onde utilizou a música de Mahler, Stravinsky e Bach. Seu balé Paixão por St. Matthew (1981) durou quatro horas. Forsyth ingressou no Stuttgart Ballet pouco antes da morte de Cranko e dançou aqui, enquanto encenava apresentações, até 1984, quando foi convidado a dirigir o Frankfurt Ballet. Influenciado por ideias comuns na literatura moderna, Forsyth as aplicou ao balé. Em sua coreografia, há a mesma fragmentação que distingue a literatura da era pós-moderna, passagens verbais são frequentemente incluídas na dança e técnicas relacionadas a outras formas de arte são utilizadas. A técnica da dança é baseada em energia extrema, uma violação do equilíbrio natural, e seu objetivo é transmitir relacionamentos românticos no momento de maior tensão. Tais são os balés Love Songs (1979, música folclórica) e In the middle, algo elevado (música de Leslie Stuck e Tom Wilems), que foi encenado por Forsyth a convite de Nureyev na Ópera de Paris em 1988. Forsythe usou de bom grado em suas produções da áspera música eletrônica do holandês Tom Willems, o que contribuiu para a criação de uma atmosfera de alienação e vaga ansiedade.
Holanda. Antes da Segunda Guerra Mundial, a influência da dança livre alemã era a mais forte na Holanda. Após a guerra, o interesse do público pelo balé aumentou e a trupe "Dutch National Ballet" foi criada em Amsterdã. Em 1959, vários bailarinos e coreógrafos, deixando esta trupe, fundaram o "Holandês Dance Theatre", que se instalou em Haia e se dedicou exclusivamente à coreografia moderna. As duas trupes frequentemente trocavam artistas e performances. Hans van Manen (n. 1932) e Rudy van Dantzig (n. 1933), diretor artístico do Dutch National Ballet, juntamente com Glen Tetley formaram o repertório do Dutch Dance Theatre. O trabalho de Tetley é baseado em várias influências: são Chania Holm (1898-1992) e Martha Graham, Jerome Robbins e American Balle Theatre; Não é à toa que ele utiliza em suas produções tanto a técnica dos dedos do balé, quanto os excessos do corpo e as mãos enfaticamente expressivas características da dança moderna, mas não utiliza saltos e derrapagens desenvolvidos na dança clássica. Os balés de van Dantzig e van Manen são semelhantes aos de Tetley, pois são uma mistura de técnicas diferentes. A impressionante obra de Van Danzig Monument to a Dead Youth (1965, música de Jan Berman) foi apresentada por muitas companhias de balé em todo o mundo. Em 1978, Jiri Kilian, que muitas vezes é comparado a Tudor, tornou-se o chefe do Dutch Dance Theatre, porque ambos abordam temas que preocupam as pessoas e preferem usar a música de compositores da Europa Central. Kilian acrescentou novas qualidades ao estilo misto de seus antecessores: uso extensivo de movimentos realizados deitados no chão, efeitos esculturais dramáticos, levantamentos altos e giros. Seus balés The Return to a Foreign Land (1974 e 1975 - duas edições) e Sinfonietta (1978), criados para a música de L. Janacek e apresentados em muitos países, demonstram as possibilidades que se abrem quando o padrão de dança é construído em estreita figuras de dança espaçadas. Interessado pela cultura dos aborígenes australianos, o coreógrafo criou em 1983 os balés The Constantly Visited Place (Stamping Ground, música de Carlos Chavez) e Sleep Time (Dreamtime, música de Takemitsu). No início dos anos 1990, Kilian se juntou à trupe principal com outra trupe - "Netherlands Theatre 3". O Scapino Ballet, com sede em Roterdã sob a direção de Niels Kriste (n. 1946), é outra companhia holandesa que tem chamado a atenção com suas produções modernas.
Arte de balé ao redor do mundo. Como meados do século 20 o papel do balé aumentou, trupes começaram a ser criadas em quase todos os países das Américas, Europa, Ásia, incluindo algumas regiões da Ásia Central e África, bem como na Austrália e Nova Zelândia. O balé encontrou um lugar para si mesmo em países com sua rica tradição de dança, como Espanha, China, Japão e Ásia Menor. Maurice Béjart, que cresceu na França do pós-guerra, fundou o Ballet of the 20th Century em Bruxelas em 1960. Essa trupe, além de uma escola muito incomum organizada sob ela chamada "Mudra", tinha o objetivo de promover a arte do balé, demonstrando dramas de dança baseados na psicologia e nas ideias filosóficas modernas. Muitas apresentações foram realizadas em estádios para que o maior número possível de espectadores pudesse vê-las. Béjart refutou a afirmação frequentemente citada de Balanchine de que "ballet é uma mulher" e se concentrou em dançarinos: por exemplo, no balé The Firebird (para a música da suíte de Stravinsky, 1970), ele substituiu o intérprete da parte principal por um jovem homem que retrata um partidário. No entanto, a principal bailarina de Balanchine, Susan Farrell, que deixou temporariamente a trupe de Nova York depois de se casar, dançou em sua trupe por cinco anos. Em 1987, Gerard Mortier, diretor do Théâtre de la Monnaie em Bruxelas, onde funcionava o Ballet do Século XX, sugeriu que Bejart cortasse custos e reduzisse a composição da trupe. Bejart, que não concordava com esses requisitos, começou a procurar outro local onde pudesse continuar seu trabalho. Numerosas ofertas foram feitas a ele de diferentes países da Europa, e ele escolheu Lausanne na Suíça. Agora sua trupe é chamada de "Béjart's Ballet". Nas últimas décadas do século XX a bailarina italiana Carla Fracci, Alessandra Ferri (n. 1963) e Viviana Durante, a principal bailarina do English Royal Ballet, se apresentaram com grande sucesso fora da Itália, mas não havia teatro em sua terra natal onde pudessem encontrar uma aplicação digna para seus talentos. Na Espanha, onde as tradições da dança nacional ainda são mais fortes do que quaisquer inovações, no entanto, surgiu um coreógrafo local comprometido com o balé clássico - Nacho Duato (n. 1957), que dirige o Ballet Lirico Nacional. Duato, ex-dançarino do Dutch Dance Theatre, coreografa danças que combinam o balanço de Kilian com uma paixão feroz. Na década de 1920, o empresário sueco Rolf de Mare (1898-1964) fundou a companhia de Ballet Sueco em Paris, coreografada por Jean Berlin (1893-1930). Este grupo fez experiências ousadas e durante alguns anos de sua existência, de 1920 a 1925, competiu com o Ballet Russo de Diaghilev. O Royal Swedish Ballet, localizado no edifício da Royal Opera em Estocolmo desde 1773, foi dirigido em 1950-1953 por Anthony Tudor. Em 1950, Birgit Kulberg (n. 1908) estreou aqui Freken Julia (música de Thure Rangström), que ainda é executada por muitas trupes ao redor do mundo. Em 1963, Tudor, novamente convidado para o Royal Ballet, encenou o Eco das Trombetas (com música de Bohuslav Martinu). Birgit Kulberg, que estudou com Kurt Jooss e Martha Graham, fundou sua própria trupe em 1967 e experimentou combinar coreografia clássica e dança moderna em uma apresentação. Seu filho Mats Ek (n. 1945), que dirige o baile Kulberg desde 1990, realizou produções completamente novas dos balés Giselle e Lago dos Cisnes, que em nada se assemelham às produções tradicionais dos balés Giselle e Lago dos Cisnes. No século 20 surgiram três trupes canadenses importantes: o Royal Winnipeg Ballet, fundado sob o nome de Winnipeg Ballet Club em 1938 e em 1949 tornou-se uma trupe profissional; "National Ballet of Canada", criado em Toronto em 1951; e o Great Canadian Ballet, que começou a operar em Montreal em 1957. O National Ballet of Canada foi fundado por Celia Franca (n. 1921), que se apresentou com as companhias inglesas Balle Rambert e Sadler's Wells Ballet. Baseando-se na experiência do Wells Balle de Sadler, ela começou encenando balés clássicos do século XIX. Franca dirigiu a trupe até 1974, quando foi substituída por Alexander Grant (n. 1925). Reid Anderson (n. 1949) foi o líder da trupe de 1994-1996, e em 1996 James Kudelka (n. 1955) foi nomeado para este cargo. O balé desenvolveu-se rapidamente em Cuba. Alicia Alonso, uma das mais famosas bailarinas do American Ballet Theatre nos Estados Unidos, retornou à sua terra natal após a revolução de Fidel Castro em 1959 e criou a companhia National Ballet of Cuba. A vida de palco da própria Alonso foi muito longa, ela parou de se apresentar apenas com mais de sessenta anos. Muitos grandes dançarinos e coreógrafos trabalharam em Buenos Aires em diferentes épocas, em particular Nijinska e Balanchine. Os argentinos Julio Bocca e Paloma Herrera (n. 1975), que se tornaram os principais bailarinos do "American balle tietr", começaram a estudar dança em Buenos Aires. Muitos dançarinos russos após a revolução de 1917 deixaram o país pela fronteira asiática. Alguns deles se estabeleceram temporária ou permanentemente na China. Após a Segunda Guerra Mundial, professores e coreógrafos da URSS trabalharam na China. Durante a Revolução Cultural Chinesa de 1960, a influência soviética enfraqueceu e começaram a ser criadas obras nacionais, como o Batalhão de Mulheres Vermelhas ou a Garota de Cabelos Cinzentos (ambos em 1964). Essas performances são exemplos de uma direção que nega o lirismo no balé como decadência, sua característica marcante é a disciplina férrea e a clareza nas danças de massa executadas pelo corpo de balé nos dedos. À medida que a influência estrangeira aumentou nas décadas de 1970 e 1980, novas companhias de balé surgiram em muitas cidades chinesas. Eles também são criados nas principais cidades de muitos outros países asiáticos.
Conclusão. Até o final do século 20 os problemas enfrentados pela arte do balé tornaram-se cada vez mais claros. Na década de 1980, quando Balanchine, Ashton e Tudor morreram (na década de 1980), e Robbins se aposentou do trabalho ativo, surgiu um vácuo criativo. A maioria dos jovens coreógrafos que trabalhavam no final do século XX não estavam muito interessados ​​em desenvolver os recursos da dança clássica. Eles preferiram uma mistura de diferentes sistemas de dança, com a dança clássica parecendo esgotada e a dança moderna sem originalidade na revelação das capacidades corporais. Em um esforço para transmitir o que constitui a essência da vida moderna, os coreógrafos usam a técnica dos dedos como se quisessem acentuar os pensamentos, mas ignoram os movimentos tradicionais das mãos (port de bras). A arte do apoio foi reduzida a uma espécie de interação entre parceiros, quando uma mulher é arrastada pelo chão, jogada, circulada, mas quase nunca apoiada ou dançada com ela. A maioria das trupes constrói seu repertório para incluir os clássicos do século XIX. (Sylphide, Giselle, Swan Lake, Sleeping Beauty), os balés mais famosos dos mestres do século XX. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor e Ashton), produções populares de Macmillan, Cranko, Tetley e Kilian e o trabalho de uma nova geração de coreógrafos como Forsyth, Duato, James Koudelka. Ao mesmo tempo, os bailarinos recebem melhor treinamento, pois há professores mais experientes. O campo relativamente novo da medicina da dança deu aos dançarinos acesso a técnicas para prevenir lesões. Há um problema de introduzir dançarinos à música. A música popular amplamente difundida não conhece a diversidade de estilos, em muitos países o ensino da alfabetização musical é de baixo nível, ao encenar danças, fonogramas são constantemente utilizados - tudo isso dificulta o desenvolvimento da musicalidade entre os bailarinos. As competições de balé tornaram-se um fenômeno novo nas últimas décadas, a primeira delas foi realizada em Varna (Bulgária) em 1964. Elas atraem não apenas com prêmios, mas também com a oportunidade de se mostrar aos juízes que representam as organizações mais prestigiadas. Aos poucos foram surgindo mais competições, pelo menos dez em diferentes países; alguns oferecem bolsas de estudo em conjunto. Em conexão com a necessidade de coreógrafos, também surgiram competições para coreógrafos.

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• - um tipo de arte teatral, onde o principal meio de expressão é a chamada dança "clássica"; trabalho de palco pertencente a esta forma de arte...

  Enciclopédia Collier

Clássicos não são apenas sinfonias, óperas, concertos e música de câmara. Algumas das obras clássicas mais conhecidas apareceram na forma de um balé. O balé originou-se na Itália durante o Renascimento e gradualmente se desenvolveu em uma forma técnica de dança que exigia muito treinamento dos dançarinos. A primeira companhia de balé criada foi o Paris Opera Ballet, que foi formado depois que o rei Luís XIV nomeou Jean-Baptiste Lully como diretor da Royal Academy of Music. As composições de Lully para balé são consideradas por muitos musicólogos como um ponto de virada no desenvolvimento do gênero. Desde então, a popularidade do balé diminuiu gradualmente de um país para outro, proporcionando a compositores de diferentes nacionalidades a oportunidade de compor algumas de suas obras mais famosas. Aqui estão sete dos balés mais populares e amados do mundo.

Tchaikovsky escreveu este balé clássico atemporal em 1891, que é o balé mais executado da era moderna. Nos Estados Unidos, pela primeira vez, O Quebra-Nozes apareceu no palco apenas em 1944 (foi apresentado pelo San Francisco Ballet). Desde então, tornou-se uma tradição encenar O Quebra-Nozes durante o Ano Novo e o Natal. Este grande balé não só tem a música mais reconhecível, mas sua história traz alegria para crianças e adultos.

O Lago dos Cisnes é o balé clássico mais complexo tecnicamente e emocionalmente. Sua música estava muito à frente de seu tempo, e muitos de seus primeiros artistas argumentaram que Swan Lake era muito difícil de dançar. Na verdade, muito pouco se sabe sobre a primeira produção original, e o que todos estão acostumados hoje é a produção reelaborada pelos famosos coreógrafos Petipa e Ivanov. O Lago dos Cisnes sempre será considerado o padrão dos balés clássicos e será realizado por séculos.

Um sonho em uma noite de verão

A comédia de Shakespeare A Midsummer Night's Dream foi adaptada em muitos estilos de arte. O primeiro balé completo (para toda a noite) baseado neste trabalho foi encenado em 1962 por George Balanchine com a música de Mendelssohn. Hoje, Sonho de uma Noite de Verão é um balé muito popular que é amado por muitos.

O balé "Coppelia" foi escrito pelo compositor francês Leo Delibes e coreografado por Arthur Saint-Leon. Coppelia é uma história alegre que descreve o conflito de um homem entre idealismo e realismo, arte e vida, com música vibrante e dança animada. Sua estreia mundial na Ópera de Paris foi um enorme sucesso em 1871, e o balé continua sendo um sucesso até hoje, estando no repertório de muitos teatros.

Peter Pan

Peter Pan é um magnífico balé adequado para toda a família. As danças, cenários e figurinos são tão coloridos quanto a própria história. Peter Pan é relativamente novo no mundo do balé e, como não há uma única versão clássica dele, o balé pode ser interpretado de maneira diferente por cada coreógrafo, coreógrafo e diretor musical. Embora cada produção possa diferir uma da outra, a história permanece quase a mesma, razão pela qual este balé foi classificado como um clássico.

bela Adormecida

A Bela Adormecida foi o primeiro balé famoso de Tchaikovsky. Nele, a música não é menos importante do que a dança. A história da Bela Adormecida é a combinação perfeita de celebrações de balé-real em um magnífico castelo, a batalha entre o bem e o mal e a vitória triunfante do amor eterno. A coreografia foi criada pelo mundialmente famoso Marius Pepita, que também dirigiu O Quebra-Nozes e O Lago dos Cisnes. Este balé clássico será realizado até o fim dos tempos.

Cinderela

Existem muitas versões de Cinderela, mas a mais comum é a de Sergei Prokofiev. Prokofiev começou seu trabalho em Cinderela em 1940, mas devido à Segunda Guerra Mundial só terminou a partitura em 1945. Em 1948, o coreógrafo Frederick Ashton encenou a produção em sua totalidade usando a música de Prokofiev, que foi um enorme sucesso.