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Solista do Teatro Bolshoi Ekaterina Shcherbachenko ganhou o título de melhor cantora do mundo em 2009 no concurso de canto de ópera Singer of the World na capital galesa Cardiff
Ela interpretou brilhantemente composições em francês ("Faust"), italiano ("Turandot") e inglês (ária da ópera "The Rake's Adventures" de Igor Stravinsky). A russa foi recompensada com uma chuva de aplausos e um cheque de 15 mil libras. A última vez que a Rússia venceu esta competição foi há 20 anos - em 1989, Dmitry Hvorostovsky foi reconhecido em Cardiff como o melhor cantor do mundo.

No dia 19 de junho, das 16h00 às 17h00, um artista do Teatro Bolshoi, vencedor do prestigioso concurso Singer of the World, realizado pela BBC Corporation, respondeu às suas perguntas.

Pergunta: Maria, Ottawa 12:34 19/06/2009

Olá Kátia!! Você cantou maravilhosamente, parabéns pela sua vitória! Diga-me, por favor, qual das três composições foi mais fácil para você?

Respostas:

Quero dizer, provavelmente, o programa final. Mais fácil, provavelmente, foi dado a Liu. Esta já é uma ária cantada no palco do teatro. Claro, Ann foi o mais difícil psicologicamente, porque foi aprendido especificamente para a competição, não havia sido feito em quase nenhum lugar antes, pela primeira vez com uma orquestra. Foi emocionante.

local Anfitrião das conferências 17:19 19/06/2009

Por que você escolheu essas árias em particular?

Shcherbachenko Ekaterina 17:19 19/06/2009

local Anfitrião das conferências 17:21 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 17:21 19/06/2009

Pergunta: Konstantin, Moscou 12:36 19/06/2009

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:28 19/06/2009

Agora eu só reclamei para os repórteres que três dias de entrevistas incessantes, na minha opinião, minha voz estava aleijada. Nada, estou voando para o Japão amanhã, acho que depois de 9 horas de sono no avião tudo ficará bem. Os artistas de ópera e quaisquer artistas devem ter nervos fortes o suficiente para lidar não apenas com o estresse, mas acima de tudo consigo mesmos antes de subir ao palco. Ou seja, um sistema nervoso estável é uma condição necessária para a profissão. Tudo o que agora está sendo dito sobre mim - o melhor cantor do mundo - é uma formulação incorreta. A competição chama-se "Cantora do Mundo", ganhei esta competição, mas isso não significa que me tornei a melhor cantora do mundo. Isso é engraçado. Porque esta é uma competição para cantores iniciantes. E é muito honroso vencer esta competição, abre grandes perspectivas para uma futura carreira que está apenas começando. Em geral, procurar o melhor cantor do mundo é, na minha opinião, uma tarefa impossível, porque há muitos cantores e cantoras bonitas. Não apenas um, isso é certo. Já senti as perspectivas na minha carreira depois de vencer a competição. Eu não gosto de antecipar, então vou apenas dizer o que senti. Temos que trabalhar, aprender coisas novas, melhorar a nós mesmos. Em qualquer atividade, você não pode facilmente tirar um peixe de uma lagoa.

Pergunta: Daria, Moscou 12:39 19/06/2009

Olá Catarina. Perdoe-me a pergunta indiscreta, mas com uma agenda tão cheia, há espaço para uma vida pessoal?

Respostas:

Restos. Um pouco, mas permanece.

site anfitrião da conferência 17:29 19/06/2009

Seu marido canta na Ópera Helikon. Vocês também cantam juntos à noite?

Shcherbachenko Ekaterina 17:29 19/06/2009

Não. Isso é uma profissão. À noite, quero relaxar. Nós compartilhamos conselhos profissionais, é claro.

Pergunta: Alena, Moscou 12:40 19/06/2009

Por que você acha que os artistas de ópera russos são mais populares no Ocidente do que aqui? A mentalidade é diferente, gostos musicais?

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:31 19/06/2009

Não sei. Um bom cantor, parece-me, é procurado e interessante em todos os lugares. Só que o campo de atuação lá é mais extenso, tem mais óperas per capita, então tem mais trabalho lá. Pessoalmente, tentarei manter silêncio sobre a demanda por enquanto. Que tudo siga seu curso, que seja bom.

Pergunta: Anton, Peter 12:49 19/06/2009

Olá! Diga-me, que tipo de música você ouve na estrada, no carro, em geral no seu tempo livre. Não apenas ópera?

Respostas:

Não só ópera. Rádio Jazz ou Rádio Clássico ou Relax FM toca frequentemente no carro. Adoro música calma ao fundo.

local Anfitrião das conferências 17:33 19/06/2009

Você teve ídolos musicais quando criança?

Shcherbachenko Ekaterina 17:33 19/06/2009

Não, para doer assim por causa do qual o cantor pop - Deus teve misericórdia.

Pergunta: Slava, Moscou 12:51 19/06/2009

Olá Ekaterina. E como eles se tornam artistas de ópera em geral, eles podem ensinar isso em uma escola de música ou em outro lugar?

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:35 19/06/2009

Naturalmente, você precisa estudar. Parece-me que inicialmente deve haver um desejo interior e algumas habilidades, e então tudo precisa ser processado. Você precisa pensar na ópera mais perto da idade adulta. Que haja uma voz, bem, você tem que cantar, em coros infantis, em conjuntos, solo. A voz muda durante a adolescência de qualquer maneira. Parece-me que isso já deveria ser um desejo consciente de uma pessoa bastante adulta e autoconsciente. Como qualquer profissão.

Pergunta: Garik, Alexandrov 13:46 19/06/2009

Se não me engano, sua primeira especialidade é regente de coro. O que te fez cantar?

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:36 19/06/2009

Maestro de coro - esta especialidade foi escolhida apenas por estar próxima dos vocais. Já que simplesmente não havia departamento vocal na escola Ryazan. Tudo o que mais se aproximava do canto era o departamento de coro de regentes.

Pergunta: Evgenia, Moscou 13:47 19/06/2009

Que estereótipos sobre cantores de ópera o incomodam mais?

Respostas:

local Anfitrião das conferências 17:37 19/06/2009

Por exemplo, existe um estereótipo de que os cantores de ópera devem ser muito fortes...

Shcherbachenko Ekaterina 17:37 19/06/2009

site anfitrião da conferência 17:38 19/06/2009

Acontece que os amigos te pedem para cantar?

Shcherbachenko Ekaterina 17:38 19/06/2009

Sim. Isso é da mesma série como se você cantasse em casa depois do trabalho. Como alguém trabalha como torneiro em uma fábrica, eles o convidam para visitar e dizem: aqui, faça uma peça para nós, em vez de tratá-lo com chá. Depende do humor. Há um clima - você pode cantar. Depende do momento específico.

local Anfitrião das conferências 17:45 19/06/2009

Nossos leitores estão interessados ​​em saber se você se cruzou com Dmitry Hvorostovsky ou outras estrelas da ópera, eles influenciaram seu desenvolvimento como cantor?

Shcherbachenko Ekaterina 17:45 19/06/2009

Com Dmitry Hvorostovsky, foi extremamente agradável, no outro dia nos encontramos, e ele me parabenizou pela minha vitória. Foi ótimo, uma sensação fantástica, muito obrigado por isso. Muita atenção a esta competição aconteceu após o fato. Subindo ao palco, não senti um fardo particularmente pesado de responsabilidade. Havia empolgação, ir para a competição foi minha decisão pessoal. Percebi tudo isso, antes de vir para Moscou, como resultado natural de muito trabalho. E aqui, acontece... É muito bom. Mas se eu não tivesse vencido, ninguém teria me repreendido publicamente, como todos elogiam publicamente agora. Simplesmente passaria despercebido. Então eu não senti nenhuma responsabilidade terrível. Esta não é a Olimpíada. Eu descobri sobre a audição por acaso. Quando me ofereceram para participar (eu sabia dessa competição, todos no mundo da ópera sabem, esta é a competição de ópera mais importante do mundo), naturalmente concordei. A audição em Moscou foi bem mundana, eu apenas tentei fazer o meu melhor. Quando, depois de 2 meses, veio a resposta de que fui levado da Rússia, então ficou assustador. Todo o escopo do trabalho se apresentou. Foi emocionante. Então, como dizem, os olhos têm medo - as mãos fazem isso. Quando todo o processo começou, eu me envolvi.

local Anfitrião das conferências 17:46 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 17:46 19/06/2009

local Anfitrião das conferências 17:47 19/06/2009

Quem é o seu compositor clássico favorito?

Shcherbachenko Ekaterina 17:47 19/06/2009

Eu realmente gosto de cantar a música de Tchaikovsky, Tatyana é minha festa feliz.

Você tem tempo para algum entretenimento?

Agora não há tempo para entretenimento. Agora eu faria tudo o que precisa ser feito e cantaria bem em turnê. E quando estou mais ou menos livre, quando estou de viagem, aí você tenta ver um lugar, uma cidade nova, aí é muito interessante.

site anfitrião da conferência 17:48 19/06/2009

O mundo do teatro é cheio de intrigas. Você já experimentou isso?

Shcherbachenko Ekaterina 17:48 19/06/2009

Não, de alguma forma eu não encontrei. Você só vem, tenta fazer o seu trabalho da melhor forma possível e pronto. Não sei que tipo de intriga.

local Anfitrião das conferências 17:53 19/06/2009

Os leitores perguntam por que você acha que a ópera se tornou menos popular agora?

Shcherbachenko Ekaterina 17:53 19/06/2009

Provavelmente é um movimento recíproco. Talvez haja mais ênfase na mídia em algum tipo de arte de entretenimento. Meus avós me contaram que algumas obras musicais e literárias sérias eram ouvidas no rádio e na televisão, as pessoas só sabiam óperas de cor. Era tudo muito popular. Parece-me que este deve ser um movimento mútuo. Sempre tive sorte com maestros e diretores. Temos músicos maravilhosos, pessoas muito interessantes.

Shcherbachenko Ekaterina 17:57 19/06/2009

Ficou claro que a música, desde a infância uma escola de música, depois você pensa para onde ir, uma escola de música. É tolice dizer que desde a infância ela queria se tornar uma cantora de ópera. Não, não havia. O ponto de virada foi uma viagem para a competição em São Petersburgo, ainda sem saber como, enviada pelo Instituto Ryazan. E lá eu vi como tudo acontece. Você não pode desejar o que não conhece. Lá eu vi e aprendi isso, e depois percebi: é isso que eu quero fazer. Eu tinha meu próprio desejo de fazê-lo. Quando você tem seu próprio desejo, esse motor, muita coisa acontece.

local Anfitrião das conferências 17:57 19/06/2009

Por que você decidiu ir à ópera?

local Anfitrião das conferências 18:00 19/06/2009

Você teve que sacrificar algo para realizar esse desejo?

Shcherbachenko Ekaterina 18:00 19/06/2009

Claro, você sempre tem que sacrificar alguma coisa. Ainda não tive que sacrificar muito. Você apenas tenta seguir a linha geral, isso é tudo.

local Anfitrião das conferências 18:01 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 18:01 19/06/2009

local Anfitrião das conferências 18:03 19/06/2009

Os leitores estão se perguntando como os cantores de ópera conseguem manter a voz por mais tempo do que os cantores pop?

Shcherbachenko Ekaterina 18:03 19/06/2009

Acho que o ponto está em uma configuração especial da voz, que explora a voz da maneira mais suave. Cantores pop muitas vezes precisam mudar um pouco sua natureza por causa da cor de uma música em particular. E o cantor de ópera tem a tarefa de cantar com sua natureza. Talvez seja por isso.

local Anfitrião das conferências 18:06 19/06/2009

Como você se sente sobre o fato de que alguns cantores de ópera estão tentando entrar no palco?

Shcherbachenko Ekaterina 18:06 19/06/2009

Este é um assunto pessoal para todos. Uma pessoa tem uma vida, todo mundo a constrói como bem entender, se é que a constrói, e não segue o fluxo. Então é necessário. Por que não? Ainda não me ofereceram para falar em festas corporativas. Concordar ou não é novamente uma questão pessoal para todos. Isso lhe traz prazer, provavelmente. E ótimo.

local Anfitrião das conferências 18:08 19/06/2009

Ekaterina Shcherbachenko - cantora de ópera russa (soprano), solista do Teatro Bolshoi.

Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nascida Telegina) nasceu em 31 de janeiro de 1977 em Ryazan. Em 1996 ela se formou no Ryazan Musical College. G. e A. Pirogov, tendo recebido a especialidade "maestro de coro". Em 2005, ela se formou no Conservatório Estadual Tchaikovsky de Moscou. P.I. Tchaikovsky (professor - Professora Marina Alekseeva) e continuou seus estudos de pós-graduação lá.

No estúdio de ópera do conservatório ela cantou a parte de Tatiana na ópera "Eugene Onegin" de P. Tchaikovsky e a parte de Mimi na ópera "La Boheme" de G. Puccini.

Em 2005 foi estagiária solista da Companhia de Ópera do Teatro Musical Acadêmico de Moscou. K.S. Stanislávski e V.I. Nemirovich-Danchenko. Neste teatro, ela interpretou as partes de Lidochka na opereta "Moscou, Cheryomushki" de D. Shostakovich e a parte de Fiordiligi na ópera "Todas as mulheres fazem isso" de W. A. ​​​​Mozart.

Em 2005, no Bolshoi, ela cantou o papel de Natasha Rostova na estréia de Guerra e Paz de S. Prokofiev (segunda edição), após o que recebeu um convite para o Teatro Bolshoi como membro permanente da trupe de ópera.

Seu repertório no Teatro Bolshoi incluiu os seguintes papéis:
Natasha Rostova ("Guerra e Paz" de S. Prokofiev)
Tatiana ("Eugene Onegin" por P. Tchaikovsky)
Liu ("Turandot" de G. Puccini)
Mimi ("La Boheme" de G. Puccini)
Michaela ("Carmen" G. Bizet)
Iolanta ("Iolanta" de P. Tchaikovsky)

Em 2004, ela interpretou o papel de Lidochka na opereta Moscou, Cheryomushki na Ópera de Lyon (maestro Alexander Lazarev). Em 2007, na Dinamarca, participou na interpretação da cantata de Rachmaninov "The Bells" com a Orquestra Sinfónica da Rádio Nacional Dinamarquesa (maestro Alexander Vedernikov). Em 2008 ela cantou a parte de Tatiana na Ópera de Cagliari (Itália, maestro Mikhail Yurovsky, diretores Moshe Leiser, Patrice Corrier, encenado pelo Teatro Mariinsky).

Em 2003 recebeu um diploma do Concurso Internacional "New Voices" em Gütersloh (Alemanha).
Em 2005 ganhou o 3º Prémio no Concurso Internacional de Ópera de Shizuoka (Japão).
Em 2006 - III prémio do Concurso Vocal Internacional com o seu nome. Francisco Viñas em Barcelona (Espanha), onde também recebeu um prêmio especial como "Melhor intérprete de música russa", o prêmio "Amigos da Ópera Sabadell" e o prêmio da Associação Musical de Catania (Sicília).
Em 2009, ela ganhou o concurso BBC Singer of the World em Cardiff, e também recebeu o Prêmio Triumph Youth Grant.

Salomeya Amvrosievna Krushelnitskaya é uma famosa cantora de ópera ucraniana (soprano), professora. Mesmo durante sua vida, Salomea Krushelnitskaya foi reconhecida como uma cantora de destaque no mundo. Ela tinha uma voz notável em termos de força e beleza com um amplo alcance (cerca de três oitavas com um registro médio livre), uma memória musical (ela poderia aprender partes de ópera em dois ou três dias) e um talento dramático brilhante. O repertório da cantora incluiu mais de 60 partes diferentes. Entre seus muitos prêmios e distinções, destaca-se o título de “Wagner prima donna do século XX”. O compositor italiano Giacomo Puccini presenteou o cantor com seu retrato com a inscrição "Linda e charmosa Borboleta". Salomeya Krushelnytska nasceu em 23 de setembro de 1872 na aldeia de Belyavintsy, hoje distrito de Buchatsky da região de Ternopil, na família de um padre. Vem de uma família ucraniana nobre e antiga. Desde 1873, a família mudou-se várias vezes, em 1878 mudou-se para a aldeia de Belaya perto de Ternopil, de onde nunca mais saiu. Ela começou a cantar desde jovem. Quando criança, Salomé conhecia muitas canções folclóricas, que aprendeu diretamente com os camponeses. Recebeu os fundamentos da formação musical no ginásio Ternopil, onde fez exames como aluna externa. Aqui ela se aproximou do círculo musical de estudantes do ensino médio, do qual Denis Sichinsky, mais tarde um compositor famoso, o primeiro músico profissional da Ucrânia Ocidental, também era membro. Em 1883, no concerto de Shevchenko em Ternopil, ocorreu a primeira apresentação pública de Salomé, ela cantou no coro da sociedade de conversação russa. Em Ternopil, Salomea Krushelnytska conheceu o teatro pela primeira vez. Aqui, de tempos em tempos, o teatro Lvov da sociedade de conversação russa se apresentava. Em 1891, Salome entrou no Conservatório de Lviv. No conservatório, seu professor era o então famoso professor de Lviv, Valery Vysotsky, que criou uma galáxia inteira de famosos cantores ucranianos e poloneses. Enquanto estudava no conservatório, sua primeira apresentação solo ocorreu em 13 de abril de 1892, a cantora realizou a parte principal do oratório "Messias" de G. F. Handel. A primeira estréia operística de Salome Krushelnytska ocorreu em 15 de abril de 1893, ela interpretou o papel de Leonora na performance de "Favorite" do compositor italiano G. Donizetti no palco do Lviv City Theatre. Em 1893 Krushelnytska formou-se no Conservatório de Lvov. No diploma de graduação de Salome, estava escrito: "Este diploma é recebido por Panna Salomea Krushelnitskaya como prova de uma educação artística recebida por diligência exemplar e sucesso extraordinário, especialmente em um concurso público em 24 de junho de 1893, pelo qual ela recebeu uma medalha de prata medalha. "Enquanto ainda estudava no conservatório, Salomea Krushelnytska recebeu uma oferta da Ópera de Lviv, mas decidiu continuar seus estudos. Sua decisão foi influenciada pela famosa cantora italiana Gemma Bellinchoni, que estava em turnê em Lviv na época. No outono de 1893, Salomea partiu para estudar na Itália, onde a professora Fausta Crespi se tornou sua professora. No processo de estudo, apresentações em concertos em que cantava árias de ópera foram uma boa escola para Salomea. Na segunda metade da década de 1890, sua performances triunfantes nos palcos dos teatros do mundo começaram: Itália, Espanha, França, Portugal, Rússia, Polônia, Áustria, Egito, Argentina, Chile nas óperas "Aida", "Il trovatore" de D. Verdi, "Faust" de C. Gounod, "The Terrible Yard" de S. Moniuszko, "The African Woman" de D. Meyerbeer, "Manon Lesko" e "Cio-Cio-San" de G. Puccini, "Carmen" de J. Bizet, "Electra" de R. Strauss, "Eugene Onegin" e "A Dama de Espadas" do teatro P.I. Milan "La Scala" Giacomo Puccini apresentou sua nova ópera " Madame borboleta." Nunca antes o compositor teve tanta certeza do sucesso... mas o público vaiou a ópera indignado. O célebre maestro sentiu-se esmagado. Amigos persuadiram Puccini a retrabalhar seu trabalho e convidar Salome Krushelnitskaya para o papel principal. No dia 29 de maio, no palco do Grande Teatro de Brescia, aconteceu a estreia da versão atualizada de Madama Butterfly, desta vez triunfante. O público chamou os atores e o compositor ao palco sete vezes. Após a apresentação, emocionado e agradecido, Puccini enviou a Krushelnitskaya seu retrato com a inscrição: "Para a mais bela e encantadora borboleta". Em 1910, S. Krushelnitskaya casou-se com o prefeito da cidade de Viareggio (Itália) e o advogado Cesare Riccioni, que era um conhecedor de música e um aristocrata erudito. Eles se casaram em um dos templos de Buenos Aires. Após o casamento, Cesare e Salome se estabeleceram em Viareggio, onde Salome comprou uma vila, que ela chamou de "Salome" e continuou a turnê. Em 1920, Krushelnitskaya deixou o palco da ópera no auge de sua fama, apresentando-se pela última vez no Teatro de Nápoles em suas óperas favoritas Lorelei e Lohengrin. Ela dedicou sua vida à atividade de concerto de câmara, tocando músicas em 8 idiomas. Ela já excursionou pela Europa e América. Todos esses anos até 1923 ela veio constantemente à sua terra natal e se apresentou em Lvov, Ternopil e outras cidades da Galiza. Ela tinha fortes laços de amizade com muitas figuras na Ucrânia Ocidental. Um lugar especial na atividade criativa da cantora foi ocupado por concertos dedicados à memória de T. Shevchenko e I.Ya Frank. Em 1929, o último concerto da turnê de S. Krushelnitskaya ocorreu em Roma. Em 1938, o marido de Krushelnitskaya, Cesare Riccioni, morreu. Em agosto de 1939, o cantor visitou a Galiza e, devido à eclosão da Segunda Guerra Mundial, não pôde retornar à Itália. Durante a ocupação alemã de Lviv, S. Krushelnytska era muito pobre, então ela deu aulas particulares de canto. No período pós-guerra, S. Krushelnytska começou a trabalhar no Conservatório Estadual de Lviv em homenagem a N.V. Lysenko. No entanto, sua carreira docente mal começou, quase terminou. Durante a "limpeza do pessoal de elementos nacionalistas" ela foi acusada de não ter um diploma de conservatório. Mais tarde, o diploma foi encontrado nos fundos do museu histórico da cidade. Vivendo e ensinando na União Soviética, Salomeya Amvrosievna, apesar de inúmeros apelos, por muito tempo não conseguiu obter a cidadania soviética, permanecendo súdito da Itália. Finalmente, tendo escrito uma declaração sobre a transferência de sua vila italiana e todas as propriedades para o estado soviético, Krushelnitskaya tornou-se cidadã da URSS. A moradia foi imediatamente vendida, compensando o proprietário por uma parca parte do seu valor. Em 1951, Salome Krushelnitskaya recebeu o título de Trabalhadora de Arte Homenageada da RSS da Ucrânia e, em outubro de 1952, um mês antes de sua morte, Krushelnitskaya recebeu o título de professora. Em 16 de novembro de 1952, o coração do grande cantor parou de bater. Ela foi enterrada em Lviv no cemitério Lychakiv ao lado do túmulo de seu amigo e mentor, Ivan Franko. Em 1993, uma rua recebeu o nome de S. Krushelnytska em Lviv, onde viveu os últimos anos de sua vida. O museu memorial de Salomea Krushelnytska foi inaugurado no apartamento da cantora. Hoje, a Lviv Opera House, a Lviv Musical Secondary School, o Ternopil Musical College (onde o jornal Salomeya é publicado), a escola de 8 anos na vila de Belaya, as ruas de Kyiv, Lvov, Ternopil, Buchach ( ver Rua Salomei Krushelnytska) levam o nome de S. Krushelnytska). No Salão dos Espelhos do Teatro de Ópera e Ballet de Lviv, há um monumento de bronze a Salome Krushelnytska. Muitas obras artísticas, musicais e cinematográficas são dedicadas à vida e obra de Salomea Krushelnytska. Em 1982, no A. Dovzhenko Film Studio, dirigido por O. Fialko, o filme histórico e biográfico "O Retorno da Borboleta" (baseado no romance homônimo de V. Vrublevskaya), dedicado à vida e obra de Salomea Krushelnitskaya, foi baleado. A imagem é baseada em fatos reais da vida da cantora e é construída conforme suas memórias. As partes de Salomé são interpretadas por Gisela Zipola. O papel de Salomé no filme foi interpretado por Elena Safonova. Além disso, foram criados documentários, em particular, "Salome Krushelnitskaya" (diretor I. Mudrak, Lvov, "Most", 1994) "Two Lives of Salome" (diretor A. Frolov, Kyiv, "Contact", 1997), ciclo "Nomes" (2004), documentário "Solo-mea" do ciclo "Jogo do Destino" (realizador V. Obraz, estúdio VIATEL, 2008). 18 de março de 2006 no palco do Lviv National Academic Opera and Ballet Theatre em homenagem a S. Krushelnitskaya apresentou a estreia do balé de Miroslav Skorik "O Retorno da Borboleta", baseado em fatos da vida de Salomea Krushelnitskaya. O balé usa a música de Giacomo Puccini. Em 1995, a estréia da peça "Salome Krushelnitskaya" (autor B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) aconteceu no Teatro Regional de Drama Ternopil (agora Teatro Acadêmico). Desde 1987, o Concurso Salomea Krushelnytska é realizado em Ternopil. Todos os anos Lviv hospeda a competição internacional com o nome de Krushelnytska; festivais de arte de ópera tornaram-se tradicionais.

Sumi Cho (Jo Sumi) - cantor de ópera coreano, soprano coloratura. O cantor de ópera mais famoso vem do Sudeste Asiático. Sumi Cho nasceu em 22 de novembro de 1962 em Seul, Coreia do Sul. Nome verdadeiro Sudzhon Cho (Jo Sugyeong). Sua mãe era uma cantora e pianista amadora, mas não conseguiu receber educação musical profissional devido à situação política na Coréia na década de 1950. Ela estava determinada a dar à filha uma boa educação musical. Sumi Cho começou as aulas de piano aos 4 anos de idade e o treinamento vocal a partir dos 6 anos, mesmo quando criança ela às vezes tinha que passar até oito horas em aulas de música. Em 1976, Sumi Cho entrou na Seoul School of the Arts (academia privada) "Sang Hwa", na qual se formou em 1980 com diplomas em vocal e piano. De 1981 a 1983, ela continuou sua educação musical na Universidade Nacional de Seul. Enquanto estudava na universidade, Sumi Cho fez sua primeira estréia profissional, se apresentou em vários concertos organizados pela televisão coreana, e cantou o papel de Suzanne em "As Bodas de Fígaro" na Ópera de Seul. Em 1983, Cho decidiu deixar a Universidade de Seul e se mudou para a Itália para estudar música na escola de música mais antiga, a Academia Nacional de Santa Cecilia em Roma, graduando-se com honras. Seus professores italianos incluíam Carlo Bergonzi e Gianella Borelli. Durante seus estudos na academia, Cho podia ser ouvido em concertos em várias cidades italianas, bem como no rádio e na televisão. Foi nessa época que Cho decidiu usar o nome "Sumi" como seu nome artístico para ser mais compreensível para o público europeu. Em 1985 ela se formou na academia com especialização em piano e vocais. Depois da academia, ela teve aulas de canto com Elisabeth Schwarzkopf e ganhou vários concursos de canto em Seul, Nápoles, Barcelona, ​​​​Pretória e o mais importante em 1986, um concurso internacional em Verona, no qual apenas vencedores de outros concursos internacionais significativos, para falar, o melhor dos melhores jovens cantores. Sumi Cho fez sua estréia na ópera europeia em 1986 como Gilda in Rigoletto no Teatro Giuseppe Verdi em Trieste. Esta performance chamou a atenção de Herbert von Karajan, que a convidou para fazer o papel da página Oscar em Un ballo in maschera com Plácido Domingo, que foi encenado no Festival de Salzburgo em 1987. Nos anos seguintes, Sumi Cho moveu-se constantemente para a ópera Olympus, expandindo constantemente a geografia de suas performances e mudando seu repertório de pequenos papéis para grandes. Em 1988, Sumi Cho fez sua estreia no La Scala e na Bavarian State Opera, em 1989 - na Vienna State Opera e na Metropolitan Opera, em 1990 - na Chicago Lyric Opera e Covent Garden. Sumi Cho se tornou uma das sopranos mais requisitadas do nosso tempo e permanece neste status até hoje. O público a adora por sua voz leve, calorosa e flexível, bem como por seu otimismo e humor leve no palco e na vida. Ela é leve e livre no palco, dando a cada performance um sutil padrão oriental. Sumi Cho já visitou todos os países do mundo onde adora ópera, inclusive várias vezes na Rússia, a última visita foi em 2008, quando viajaram vários países em dueto com Dmitry Hvorostovsky como parte de uma turnê. Ela tem uma agenda de trabalho ocupada, incluindo performances de ópera, programas de concertos, trabalho com gravadoras. A discografia de Sumi Cho atualmente tem mais de 50 gravações, incluindo dez álbuns solo e discos de estilo crossover. Seus dois álbuns são mais conhecidos - em 1992 ela foi premiada com o Grammy na nomeação "Melhor Gravação de Ópera" pela ópera de R. Wagner "Mulher Sem Sombra" com Hildegard Behrens, Jose van Dam, Giulia Varadi, Placido Domingo, maestro Georg Solti, e um álbum com a ópera Un ballo in maschera de G. Verdi, que recebeu um prêmio do Gramophone alemão.

Montserrat Caballe (nome completo: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) é uma cantora de ópera catalã espanhola, soprano. Ela é famosa por sua técnica de bel canto e sua interpretação da performance de papéis em óperas clássicas italianas de Rossini, Bellini e Donizetti Montserrat Caballe nasceu em Barcelona em 12 de abril de 1933. Estudou por 12 anos no Conservatório Superior de Música do Liceu de Barcelona e graduou-se com uma medalha de ouro em 1954. Em 1957 estreou no palco da ópera como Mimi no ópera La bohème. De 1960 a 1961 ela cantou na Ópera de Bremen, onde expandiu muito seu repertório. Em 1962 ela voltou a Barcelona e fez sua estréia em Arabella de Richard Strauss. Em 1964 ela se casou com Bernab Marty. em Nova York no Carnegie Hall, quando ela foi forçada a substituir a doente Marilyn Horne e desempenhar o papel em Lucrezia Borgia de Donizetti. Seu papel tinha menos de um mês. Sua performance se tornou uma sensação no mundo da ópera, o público aplaudiu por 25 minutos. No dia seguinte, o New York Times saiu com a manchete: "Callas + Tebaldi = Caballe". Nesse mesmo ano, Caballe fez sua estréia no palco em Glyndebourne em O Cavaleiro da Rosa, e logo depois no Metropolitan Opera como Marguerite em Fausto. Desde então, sua fama nunca desapareceu - os melhores palcos de ópera do mundo estavam abertos para ela - Nova York, Londres, Milão, Berlim, Moscou, Roma, Paris. Em setembro de 1974, ela passou por uma grande operação e sofria de câncer de estômago. Ela se recuperou e voltou aos palcos no início de 1975. Ela fez sua 99ª apresentação e última no Metropolitan Opera em 22 de janeiro de 1988, como Mimi em La bohème de Puccini, ao lado de Luciano Pavarotti (Rodolfo). Em 1988, junto com o vocalista do Queen Freddie Mercury, ela gravou o álbum "Barcelona", cuja música principal com o mesmo nome se tornou um super hit no início dos anos 90 e conquistou o primeiro lugar nas paradas pop europeias. Este single se tornou o hino dos Jogos Olímpicos de Verão de 1992. Após a morte de Freddie Mercury, sua voz é ouvida na gravação, e Montserrat Caballe se recusa a cantar essa música em dueto com outros cantores. Até recentemente, ela leva um estilo de vida ativo e não há sinais de fadiga, tanto criativa quanto socialmente. Caballe se dedicou ao trabalho de caridade, é Embaixadora da Boa Vontade da UNESCO e criou um fundo para ajudar crianças.

Lyubov Yurievna Kazarnovskaya - cantora de ópera soviética e russa, soprano. Doutor em Ciências Musicais, Prof. Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya nasceu em 18 de maio de 1956 em Moscou, mãe, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - filóloga, professora de língua e literatura russa, pai, Kazarnovsky Yuri Ignatievich - general de reserva, irmã mais velha - Bokadorova Natalya Yuryevna - filóloga, professora de língua francesa e literatura. Lyuba sempre cantou, depois da escola ela se aventurou a se inscrever no Instituto Gnessin - na faculdade de atores de teatro musical, embora estivesse se preparando para se tornar estudante na faculdade de línguas estrangeiras. Os anos de estudante deram muito a Lyuba como atriz, mas o encontro com Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradova, uma professora maravilhosa, vocalista, acompanhante de Chaliapin, estudante do próprio Stanislavsky, foi decisiva. Além de aulas de canto inestimáveis, Nadezhda Matveevna, a viúva do crítico literário Pushkin Acadêmico VV Vinogradov, revelou a Lyuba todo o poder e beleza dos clássicos russos, ensinou-a a entender a unidade da música e das palavras escondidas nela. O encontro com Nadezhda Matveevna finalmente determinou o destino da jovem cantora. Em 1981, aos 21 anos, ainda estudante no Conservatório de Moscou, Lyubov Kazarnovskaya fez sua estréia como Tatyana (Eugene Onegin de Tchaikovsky) no palco do Teatro Musical Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. Laureado do Concurso All-Union em homenagem a Glinka (II prêmio). Desde então, Lyubov Kazarnovskaya tem estado no centro da vida musical da Rússia. Em 1982, ela se formou no Conservatório Estadual de Moscou, em 1985 - pós-graduação na classe da professora associada Shumilova Elena Ivanovna. 1981-1986 - solista do teatro musical acadêmico em homenagem a Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, no repertório de "Eugene Onegin" de Tchaikovsky, "Iolanta", "May Night" de Rimsky-Korsakov, "Pagliacci" de Leoncavallo, "La Boheme" de Puccini. 1984 - a convite de Svetlanov, ela interpretou o papel de Fevronia em uma nova produção de O Conto da Cidade Invisível de Kitezh, de Rimsky-Korsakov, e depois em 1985 - o papel de Tatiana (Eugene Onegin de Tchaikovsky) e Nedda (Pagliacci por Leoncavallo) no Teatro Acadêmico Estatal da Rússia. 1984 - Grande Prêmio do Concurso de Jovens Artistas da UNESCO (Bratislava). Laureado do Concurso Mirjam Hellin (Helsinki) - III prêmio e um diploma honorário pela interpretação de uma ária italiana - pessoalmente do presidente do concurso e da lendária cantora de ópera sueca Birgit Nilsson. 1986 - Laureado do Prêmio Lenin Komsomol. 1986 -1989 - Solista líder do Teatro Acadêmico do Estado. Kirov: Leonora (“Force of Destiny” de Verdi), Margarita (“Faust” de Gounod), Donna Anna e Donna Elvira (“Don Giovanni” de Mozart), Leonora (“Trovatore” de Verdi), Violetta (“Traviatte” de Verdi), Tatiana (“Eugene Onegin” de Tchaikovsky), Lisa (“A Dama de Espadas” de Tchaikovsky), Soprano (“Requiem” de Verdi). Estreita cooperação com maestros como Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. O primeiro triunfo estrangeiro - no Covent Garden Theatre (Londres), na parte de Tatiana na ópera de Tchaikovsky "Eugene Onegin" (1988) 1989. - "Maestro do Mundo" Herbert von Karajan convida um jovem cantor para "seu" festival - um festival de verão em Salzburgo. Em agosto de 1989 - uma estreia triunfal em Salzburgo (Réquiem de Verdi, maestro Ricardo Muti). Todo o mundo musical notou e apreciou a atuação da jovem soprano da Rússia. Esta performance sensacional marcou o início de uma carreira vertiginosa, que mais tarde a levou a casas de ópera como Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Seus parceiros são Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Cappuccili, Cossotto, von Stade, Baltza. Setembro de 1989 - participação no concerto de gala mundial no palco do Teatro Bolshoi da Rússia em apoio às vítimas do terremoto na Armênia, junto com Kraus, Bergonzi, Prei, Arkhipova. Outubro de 1989 - participação na turnê da Ópera de Milão "La Scala" em Moscou (Requiem de G. Verdi). 1991 - Salzburgo. 1992-1998 - Estreita cooperação com a Metropolitan Opera. 1994-1997 - estreita colaboração com o Teatro Mariinsky e Valery Gergiev. Em 1996, Lyubov Kazarnovskaya fez sua estréia bem sucedida no palco do Teatro La Scala na ópera de Prokofiev O Jogador, e em fevereiro de 1997 ela cantou triunfantemente o papel de Salomé no Teatro de Santa Cecília de Roma. Os principais mestres da arte operística do nosso tempo trabalham com ela - maestros como Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, diretores - Zefirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew ... “La Kazarnovskaya” , como é chamado pela imprensa italiana, tem mais de cinquenta festas em seu repertório. Ela é considerada a melhor Salomé de nossos dias, a melhor intérprete de óperas de Verdi e veristas, sem falar na parte de Tatyana de Eugene Onegin, seu cartão de visitas. O sucesso particular trouxe seu desempenho dos papéis principais nas óperas "Salome" de Richard Strauss, "Eugene Onegin" de Tchaikovsky, "Manon Lescaut" e "Tosca" de Puccini, "Force of Destiny" e "La Traviata" de Verdi. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya cria sua própria organização na Rússia - a Fundação Lyubov Kazarnovskaya, para apoiar a arte da ópera na Rússia: ela convida os principais mestres da arte vocal para a Rússia para concertos e master classes, como Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , José Cura e outros. , estabelece bolsas de estudo para ajudar jovens cantores russos. * 1998-2000 - estreita cooperação com o Teatro Bolshoi da Rússia. 2000 - o cantor patrocina o único Teatro de Ópera Infantil do mundo com o nome de Lyubov Kazarnovskaya (Dubna). Com este teatro Lyubov Kazarnovskaya está planejando projetos interessantes na Rússia e no exterior. 2000 - dirige o conselho de coordenação criativa do Centro Cultural "União das Cidades", realizando um grande trabalho cultural e educacional nas cidades e regiões da Rússia. 25/12/2000 - aconteceu mais uma estreia na sala de concertos "Rússia" - um brilhante espetáculo de ópera "Faces of Love", transmitido ao vivo para todo o mundo. A ação musical de três horas, apresentada pela primeira vez no mundo por um importante cantor de ópera, tornou-se um evento do último ano do século cessante e evocou respostas entusiásticas na Rússia e no exterior. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya está no centro da atividade social ativa, foi eleito Presidente da Comissão de Cooperação Cultural e Humanitária dos Municípios da Federação Russa, é Presidente do Conselho da Sociedade Educacional Musical Russa. Lyubov Kazarnovskaya recebeu um diploma de um prestigioso centro em Cambridge (Inglaterra) como um dos 2000 músicos mais destacados do século XX. A vida criativa de Lyubov Kazarnovskaya é uma série de vitórias, descobertas, conquistas impetuosas e imparáveis, em relação às quais o epíteto “primeiro” é apropriado em muitos aspectos: *Grande Prêmio no concurso vocal da UNESCO. *Kazarnovskaya é a primeira soprano russa convidada a Salzburg por Herbert von Karajan. *O único cantor russo que interpretou as partes de Mozart na terra natal do compositor em Salzburgo em seu 200º aniversário. *O primeiro e ainda o único cantor russo que interpreta a parte mais difícil de Salome (Salome de Richard Strauss) nos maiores palcos de ópera do mundo com grande sucesso. L. Kazarnovskaya é considerada a melhor Salomé do nosso tempo. *O primeiro cantor a gravar (em CD) todos os 103 romances de Tchaikovsky. *Com esses discos e seus inúmeros concertos em todos os centros musicais do mundo, Lyubov Kazarnovskaya abre a criatividade musical dos compositores russos ao público ocidental. *A primeira cantora de ópera de estatura internacional que fez um show inédito em termos de seu alcance - ópera, opereta, romance, chanson ... *A primeira e única cantora que interpretou dois papéis em uma noite (nas óperas "Manon Lescaut" de Puccini) na peça "Retrato de Manon no palco do Teatro Bolshoi da Rússia. Recentemente, Lyubov Kazarnovskaya, além de suas atividades internacionais, dedicou muito tempo e energia ao desenvolvimento da vida musical nas regiões russas. Sem dúvida, ela é o fenômeno mais marcante na vida vocal e musical da Rússia, e a imprensa dedicada a ela é sem precedentes em gênero e volume. Seu repertório inclui mais de 50 peças de ópera e um vasto repertório de música de câmara. Seus papéis favoritos são Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("Force of Destiny"), Amelia ("Masquerade Ball"). Escolhendo um programa para noites solo, Kazarnovskaya evita uma seleção díspar de coisas atraentes e vencedoras, preferindo ciclos originais que representam o trabalho de diferentes autores. A singularidade da cantora, o brilho da interpretação, o sutil senso de estilo, a abordagem individual à incorporação das imagens mais complexas nas obras de diferentes épocas tornam suas performances eventos genuínos na vida cultural. Numerosas gravações de áudio e vídeo enfatizam as enormes habilidades vocais, alto estilo e o maior talento musical deste cantor brilhante, que demonstra ativamente o nível real da cultura russa para o mundo inteiro. A empresa americana VAI (Video Artists International) lançou uma série de videocassetes com a participação da diva russa, incluindo "Grandes Cantores da Rússia 1901-1999" (duas fitas), "Gypsy Love" (gravação em vídeo do concerto de Lyubov Kazarnovskaya em o Grande Salão do Conservatório de Moscou). A discografia de Lyubov Kazarnovskaya inclui gravações de DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Atualmente, Lyubov Kazarnovskaya está preparando novos programas para concertos solo, novas peças de ópera (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), está planejando inúmeras turnês no exterior e na Rússia e atuando em filmes. Casado com Robert Roscik desde 1989, em 1993 nasceu seu filho Andrey. Essas poucas citações são apenas uma pequena parte das respostas entusiasmadas que acompanham as performances de Lyubov Kazarnovskaya: "Sua voz é profunda e sedutoramente insinuante ... As cenas tocantes e lindamente executadas da carta de Tatyana e seu último encontro com Onegin não deixam dúvidas sobre habilidade do cantor ("Metropolitan Opera", "New York Times") "Um soprano poderoso, profundo, soberbamente controlado, expressivo em todo o alcance ... O alcance e o brilho das características vocais são especialmente impressionantes" (Lincoln Center, solo concerto, "New York Times") "A voz de Kazarnovskaya é focada, delicadamente profunda no registro médio e brilhante no agudo ... Ela é a radiante Desdêmona" (França, "Le Monde de la Musique") "... Lyuba Kazarnovskaya encantou o público com seu soprano sensual e mágico em todos os registros" ("Muenchner Merkur") "A diva russa está tão radiante no papel de Salomé - o gelo começou a derreter nas ruas quando Lyuba Kazarnovskaya cantou a cena final de "Salome" ... "(" Cincinnati Enquirer ") Infor informação e foto do site oficial: http://www.kazarnovskaya.com Um novo site sobre belas flores. mundo de íris. Criação, cuidado, transplante de íris.

Yulia Novikova é uma cantora de ópera russa e soprano. Yulia Novikova nasceu em São Petersburgo em 1983. Ela começou a tocar música aos 4 anos de idade. Ela se formou com honras em uma escola de música (piano e flauta). Por nove anos ela foi membro e solista do Coro Infantil de Televisão e Rádio de São Petersburgo sob a direção de S.F. Gribkov. Em 2006 ela se formou com honras no Conservatório Estadual de São Petersburgo. NO. Rimsky-Korsakov na aula de canto (professor O.D. Kondina). Durante seus estudos no conservatório, ela interpretou no estúdio de ópera os papéis de Suzanne ("As Bodas de Fígaro"), Serpina ("Maid Lady"), Martha ("The Tsar's Bride") e Violetta ("La Traviata") . Yulia Novikova fez sua estréia profissional em 2006 no Teatro Mariinsky como Flora na ópera de B. Britten The Turn of the Screw (maestros V. A. Gergiev e P. A. Smelkov). Julia recebeu seu primeiro contrato permanente no teatro de Dortmund quando ainda era estudante no conservatório. Em 2006-2008 Yuliya interpretou as partes de Olympia (Os Contos de Hoffmann), Rosina (O Barbeiro de Sevilha), Rainha de Shemakha (O Galo Dourado) e Gilda (Rigoletto) no Teatro de Dortmund, bem como a parte da Rainha do Noite (A Flauta Mágica) na Ópera de Frankfurt. Na temporada 2008-2009 Julia voltou com o papel da Rainha da Noite para a Ópera de Frankfurt, e também interpretou esse papel em Bonn. Também nesta temporada, Oscar ("Un ballo in maschera"), Medoro ("Furious Orlando" de Vivaldi), Blondchen ("Abduction from the Seraglio") foram apresentados na Ópera de Bonn, Gilda - em Lübeck, Olympia - no Komisch Ópera (Berlim). Temporada 2009-2010 começou com uma atuação de sucesso como Gilda na produção de estreia de Rigoletto na Ópera Comische de Berlim. Seguiu-se a Rainha da Noite nas Óperas Estatais de Hamburgo e Viena, na Staatsoper de Berlim, Gilda e Adina ("Poção do Amor") na Ópera de Bonn, Zerbinetta ("Ariadne auf Naxos") na Ópera de Estrasburgo, Olympia na Komisch Opera, e Rosina em Stuttgart. Nos dias 4 e 5 de setembro de 2010, Julia fez o papel de Gilda em uma transmissão de TV ao vivo de "Rigoletto" de Mântua para 138 países (produtor A. Andermann, maestro Z. Meta, diretor M. Belocchio, Rigoletto P. Domingo, etc. .). Na temporada 2010-2011 Yuliya se apresentará com Amina (Sleepwalker) em Bonn, Norina (Don Pasquale) em Washington, Gilda na Komisch Opera Berlin, Olympia na Ópera de Frankfurt e Oscar, Rainha da Noite, Zerbinetta e Adina na Ópera Estatal de Viena. Yulia Novikova também aparece em shows. Julia se apresentou com a Orquestra Filarmônica de Duisburg (dirigida por J. Darlington), com a Deutsche Radio Philharmonie (dir. Ch. Poppen), bem como em Bordeaux, Nancy, Paris (Champs Elysees), Carnegie Hall (Nova York). Concertos a solo tiveram lugar no Festival Grachten em Amesterdão e no Festival Muziekdriedaagse em Haia, um concerto de gala na Ópera de Budapeste. Os planos mais próximos incluem um concerto com a Orquestra de Câmara de Berna e um concerto de Ano Novo em Viena. Yulia Novikova - vencedora e laureada de vários concursos internacionais de música: - Operalia (Budapeste, 2009) - primeiro prémio e prémio do público; - Estreia musical (Landau, 2008) - vencedor, vencedor do Emmerich Resin Prize; - New Voices (Gütersloh, 2007) - Prêmio Escolha do Público; - Concurso Internacional em Genebra (2007) - Audience Choice Award; - Competição internacional. Vilhelm Stenhammar (Norrköpping, 2006) - 3º prémio e prémio para a melhor interpretação da música contemporânea sueca. Informações do site oficial da cantora Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/

Galina Pavlovna Vishnevskaya (25 de outubro de 1926 - 11 de dezembro de 2012) - grande cantora de ópera russa e soviética (soprano lírico-dramática). Artista do Povo da URSS. Comendador da Ordem Francesa da Legião de Honra, doutor honorário de várias universidades. Galina Pavlovna Vishnevskaya nasceu em 25 de outubro de 1926 em Leningrado (atual São Petersburgo), mas passou a maior parte de sua infância em Kronstadt. Ela sofreu o bloqueio de Leningrado, aos dezesseis anos serviu em unidades de defesa aérea. Sua atividade criativa começou em 1944 como solista do Teatro de Opereta de Leningrado, e sua carreira no grande palco começou nos anos cinquenta. Em seu primeiro casamento, ela foi casada com um marinheiro da marinha Georgy Vishnevsky, de quem se divorciou dois meses depois, mas manteve seu sobrenome; no segundo casamento - com o diretor do teatro de opereta Mark Ilyich Rubin. Em 1955, quatro dias depois de se conhecerem, ela se casou pela terceira vez com o famoso violoncelista M.L. Rostropovich, em um conjunto com o qual (M.L. Rostropovich - primeiro como pianista e depois como maestro) se apresentou nas salas de concerto mais prestigiadas do mundo. De 1951 a 1952, tendo deixado o teatro de operetas, Vishnevskaya teve aulas de canto com V.N. Garina, combinando aulas de canto clássico com apresentações como cantora pop. Em 1952, ela participou do concurso para o grupo de estagiários do Teatro Bolshoi, foi aceita, apesar da falta de educação conservatória, e logo (segundo a expressão figurativa de B.A. Pokrovsky) tornou-se "um trunfo no baralho de o Teatro Bolshoi", o principal solista da principal casa de ópera do país. Durante seus 22 anos de carreira artística no Teatro Bolshoi (de 1952 a 1974), Galina Vishnevskaya criou muitas (mais de trinta!) imagens femininas inesquecíveis em obras-primas da ópera russa e da Europa Ocidental. Tendo brilhantemente feito sua estréia no papel de Tatiana na ópera Eugene Onegin, ela interpretou os papéis de Aida e Violetta (Aida e La Traviata de Verdi), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san de Puccini), Natasha Rostova (“Guerra e Paz” de Prokofiev), Katharina (“A Megera Domada” de Shebalin, primeira intérprete, 1957), Lisa (“A Dama de Espadas” de Tchaikovsky), Kupava (“A Donzela da Neve” de Rimsky- Korsakov), Martha (“A Noiva do Czar” de Rimsky-Korsakov) Korsakov) e muitos outros. Vishnevskaya participou das primeiras produções no palco russo da ópera O Jogador de Prokofiev (1974, parte de Polina), mono-ópera de Poulenc A Voz Humana (1965). Em 1966, ela estrelou o papel principal no filme-ópera "Katerina Izmailova", de D.D. Shostakovich (dirigido por Mikhail Shapiro). Ela foi a primeira intérprete de uma série de composições dedicadas a ela por D.D. Shostakovich, B. Britten e outros compositores contemporâneos notáveis. Sob a impressão de ouvir sua gravação, o poema de Anna Akhmatova "Woman's Voice" foi escrito. Durante a era soviética, Galina Vishnevskaya, juntamente com seu marido, o grande violoncelista e maestro Mstislav Rostropovich, deram um apoio inestimável ao destacado escritor russo e ativista de direitos humanos Alexander Solzhenitsyn, e isso se tornou um dos motivos da constante atenção e pressão de os serviços secretos da URSS. Em 1974, Galina Vishnevskaya e Mstislav Rostropovich deixaram a União Soviética e em 1978 foram privados de cidadania, títulos honorários e prêmios governamentais. Mas em 1990, o decreto do Presidium do Conselho Supremo foi cancelado, Galina Pavlovna retornou à Rússia, o título honorário de Artista do Povo da União Soviética e a Ordem de Lenin foram devolvidos a ela, ela se tornou professora honorária na Universidade de Moscou Conservatório. No exterior, Rostropovich e Vishnevskaya viveram nos Estados Unidos, depois na França e na Grã-Bretanha. Galina Vishnevskaya cantou em todos os principais palcos do mundo (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Ópera de Munique, etc.), apresentando-se com os mais destacados mestres da cultura musical e teatral mundial. Ela interpretou a parte de Marina em uma gravação única da ópera Boris Godunov (maestro Herbert von Karajan, solistas Gyaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov), em 1989 ela cantou a mesma parte no filme de mesmo nome (diretor A. Zhulavsky , maestro M. Rostropovich). Entre as gravações feitas durante o período de emigração forçada estão a versão completa da ópera de S. Prokofiev "Guerra e Paz", cinco discos com romances dos compositores russos M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin e P. Tchaikovsky. Toda a vida e obra de Galina Vishnevskaya visava a continuação e glorificação das maiores tradições operísticas russas. Após o início da perestroika, em 1990, Galina Vishnevskaya e Mstislav Rostropovich foram restaurados à cidadania. No início da década de 1990, G. Vishnevskaya retornou à Rússia e tornou-se professor honorário do Conservatório de Moscou. Ela descreveu sua vida no livro "Galina" (publicado em inglês em 1984, em russo - 1991). Galina Vishnevskaya é doutora honorária de várias universidades, há muitos anos trabalha com jovens criativos, dando master classes em todo o mundo e atuando como membro do júri de grandes competições internacionais. Em 2002, o Centro de Canto da Ópera Galina Vishnevskaya foi inaugurado em Moscou, cuja criação o grande cantor sonhava há muito tempo. No centro, ela transmitiu sua experiência acumulada e conhecimento único a jovens cantores talentosos para que pudessem representar adequadamente a escola de ópera russa no cenário internacional. O aspecto missionário do trabalho de Galina Vishnevskaya é enfatizado pelos maiores meios de comunicação federais e regionais, chefes de teatros e organizações de concertos e o público em geral. Galina Vishnevskaya recebeu os mais prestigiosos prêmios mundiais por sua inestimável contribuição à arte musical mundial, inúmeros prêmios dos governos de diferentes países: a medalha "Pela Defesa de Leningrado" (1943), a Ordem de Lenin (1971), o Diamante Medalha da Cidade de Paris (1977), Ordem do Mérito da Pátria" III grau (1996), II grau (2006). Galina Vishnevskaya - Grande-oficial da Ordem de Literatura e Arte (França, 1982), Cavaleiro da Ordem da Legião de Honra (França. 1983), Cidadão Honorário da cidade de Kronstadt (1996).

Anna Yurievna Netrebko é uma cantora de ópera e soprano russa. Anna nasceu em 18 de setembro de 1971 em Krasnodar. Pai - Netrebko Yuri Nikolaevich (1934), formado pelo Instituto de Mineração de Leningrado, engenheiro-geólogo. Vive em Krasnodar. Mãe - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), engenheira de comunicações. A irmã mais velha de Anna, Natalia (1968), mora com a família na Dinamarca. Anna Netrebko aspirava a subir ao palco desde a infância. Enquanto estudava na escola, ela foi solista do conjunto "Kuban Pioneer" no Palácio dos Pioneiros de Krasnodar. Em 1988, depois de se formar na escola, Anna decidiu ir para Leningrado - para entrar em uma escola de música, no departamento de opereta, para depois se transferir para uma universidade de teatro. No entanto, suas habilidades musicais não passaram despercebidas pelo comitê de admissão da escola - Anna foi aceita no departamento vocal, onde estudou com Tatyana Borisovna Lebed. Dois anos depois, sem se formar na faculdade, ela passou com sucesso na competição e entrou no Conservatório Estadual de São Petersburgo em homenagem a N.A. Rimsky-Korsakov, onde estudou canto com a professora Tamara Dmitrievna Novichenko. Naquela época, Anna estava seriamente interessada em ópera, e o Teatro Mariinsky, localizado não muito longe do conservatório, tornou-se sua segunda casa. Para frequentar regularmente o teatro e poder assistir a todas as apresentações em seu palco, Anna conseguiu um emprego como faxineira no teatro e por dois anos, junto com seus estudos no conservatório, lavou o chão do saguão do teatro. Em 1993, o All-Russian Competition of Vocalists em homenagem a V.I. M.I. Glinka. O júri da competição foi chefiado pelo Artista do Povo da URSS Irina Arkhipova. Como aluna do 4º ano do conservatório, Anna Netrebko não só participou no concurso, como também se tornou a vencedora, recebendo o 1º prémio. Depois de vencer a competição, Anna fez um teste no Teatro Mariinsky. O diretor artístico do teatro, Valery Gergiev, que estava presente na audição, imediatamente lhe deu o papel de Barbarina na próxima produção da ópera de Mozart As Bodas de Fígaro. Inesperadamente, em um dos ensaios, o diretor Yuri Alexandrov sugeriu que Anna tentasse cantar a parte de Suzanne, que Anna fez ali mesmo sem um único erro, e depois foi aprovada para o papel principal. Assim, em 1994, Anna Netrebko fez sua estreia no palco do Teatro Mariinsky. Após sua estreia, Anna Netrebko tornou-se uma das principais solistas do Teatro Mariinsky. Durante seu trabalho, ela cantou em muitas apresentações. Entre os papéis no palco do Teatro Mariinsky estavam: Lyudmila ("Ruslan e Lyudmila"), Xenia ("Boris Godunov"), Martha ("A Noiva do Czar"), Louise ("Noivado em um Mosteiro"), Natasha Rostova ("Guerra e Paz") , Rosina ("O Barbeiro de Sevilha"), Amina ("Sleepwalker"), Lucia ("Lucia di Dammermoor"), Gilda ("Rigoletto"), Violetta Valeri ("La Traviata"), Musetta, Mimi ("La Boheme"), Antonia ("Contos de Hoffmann"), Donna Anna, Zerlina ("Don Juan") e outros. Em 1994, Anna Netrebko começou a fazer turnês no exterior como parte da Companhia de Teatro Mariinsky. A cantora se apresentou na Finlândia (festival Mikkeli), Alemanha (festival Schleswig-Holstein), Israel, Letônia. A primeira das fatídicas apresentações estrangeiras de Anna Netrebko aconteceu em 1995 nos EUA, no palco da Ópera de São Francisco. Segundo a própria Anna, Plácido Domingo teve um grande papel na estreia americana. Nove apresentações de "Ruslan and Lyudmila", nas quais Anna cantou a parte principal de Lyudmila, trouxeram-lhe o primeiro sucesso retumbante de sua carreira no exterior. Desde então, Anna Netrebko tem se apresentado nos palcos de ópera mais prestigiados do mundo. Um lugar especial na carreira de Anna teve o ano de 2002, quando ela se transformou de uma cantora famosa em uma ópera mundial prima. No início de 2002, Anna Netrebko, junto com o Teatro Mariinsky, se apresentou no palco da Metropolitan Opera na peça Guerra e Paz. Sua performance da parte de Natasha Rostova causou sensação. "Audrey Hepburn com voz" - é assim que Anna Netrebko foi chamada na imprensa americana, observando seu talento vocal e dramático, juntamente com um charme raro. No verão do mesmo ano, Anna se apresentou como Donna Anna na ópera Don Giovanni de W. A. ​​Mozart no Festival de Salzburgo. O famoso maestro Nikolaus Arnoncourt a convidou para esse papel. O desempenho de Anna em Salzburgo fez sucesso. Assim, Salzburgo deu ao mundo uma nova superestrela. Depois de Salzburgo, a popularidade de Anna Netrebko está crescendo rapidamente de performance para performance. Agora, para participar das produções de Anna, eles estão tentando conseguir as principais casas de ópera do mundo. Desde então, a vida da diva da ópera Anna Netrebko vem correndo nas rodas dos trens, voando nas asas dos aviões. Piscando cidades e países, cenas de teatros e salas de concerto. Depois de Salzburgo - Londres, Washington, São Petersburgo, Nova York, Viena... Em julho de 2003, no palco da Ópera da Baviera em "La Traviata", Anna canta pela primeira vez junto com o tenor mexicano Rolando Villazon. Essa performance deu origem ao dueto de ópera mais famoso e cobiçado da atualidade, ou, como é chamado, "casal dos sonhos" - um dueto de sonhos. Apresentações e concertos com a participação de Anna e Rolando estão programados para muitos anos. Países e cidades estão piscando novamente. Nova York, Viena, Munique, Salzburgo, Londres, Los Angeles, Berlim, São Francisco... La Traviata de Verdi. Esse sucesso a elevou não apenas ao topo - ele a elevou ao Olimpo do mundo da ópera! Anna Netrebko se apresenta com os principais maestros do mundo, incluindo Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Arnoncourt, Zubin Mehta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villaum, Bertrand de Builly, Marco Armiliato. Em 2003, a famosa empresa Deutsche Gramophone assinou um contrato exclusivo com Anna Netrebko. Em setembro de 2003, o primeiro álbum de Anna Netrebko, "Opera Arias", foi lançado. A cantora gravou com a Orquestra Filarmônica de Viena (maestro Jeanandrea Noseda). O álbum inclui árias populares de várias óperas - "Mermaids", "Faust", "La Bohemes", "Don Giovanni", "Sleepwalkers". O filme "As mulheres - a voz" foi um sucesso incrível, no qual Anna estrelou cinco vídeos de ópera criados pelo diretor de Hollywood Vincent Patterson, que trabalhou anteriormente com Michael Jackson e Madonna. Em agosto de 2004, foi lançado o segundo álbum solo da cantora, "Sempre Libera", gravado com a Orquestra Mahler e Claudio Abbado. O terceiro álbum solo, gravado com a Orquestra do Teatro Mariinsky e Valery Gergiev, "Russian Album", foi lançado em 2006. Todos os três álbuns foram disco de platina na Alemanha e na Áustria, e o "Álbum Russo" foi indicado ao Grammy. Em 2008, a Deutsche Gramophon lançou o quarto disco solo de Anna, Souvenirs, que foi gravado com a Orquestra Sinfônica de Praga e Emmanuel Villaum. Um grande sucesso estava esperando por outro CD - "Duets", que Anna gravou junto com seu parceiro regular Rolando Villazon. No início de 2009, foi lançado um CD com a gravação da performance vienense de 2008 Capuleti and Montecchi, na qual Anna cantou junto com outra estrela, a mezzo-soprano letã Elina Garancha. Duas excelentes cantoras de ópera e belas mulheres - Anna Netrebko e Elina Garancha foram recentemente chamadas de mulheres de casal dos sonhos - um "dueto dos sonhos" feminino. A Deutsche Gramophone, assim como algumas outras empresas, divulgou vídeos de várias apresentações de ópera com a participação de Anna Netrebko. Entre eles estão Ruslan e Lyudmila (1995), Betrothal in a Monastery (1998), Love Potion (Viena, 2005), La Traviata (Salzburg, 2005), Puritans (MET, 2007), "Manon" (Viena, 2007), "Manon" (Berlim, 2007). No início de 2008, o diretor Robert Dornholm fez um filme - a ópera "La Boheme", estrelada por Anna Netrebko e Rolando Villazon. O filme estreou na Áustria e na Alemanha no outono de 2008. Muitos países ao redor do mundo adquiriram o direito de exibir o filme. Em março de 2009, a empresa "Axiom Films" começa a gravar o filme em DVD. Anna Netrebko também estrelou uma participação especial no filme de Hollywood "Princess Diary 2" (Walt Disney Studios, dirigido por Garry Marshall). Os concertos de Anna Netrebko ganharam popularidade extraordinária. Entre os mais famosos estão o concerto no Carnegie Hall com Dmitry Hvorostovsky em 2007, no Royal Albert Hall em Londres (concerto Prom BBC, 2007), bem como os lendários concertos conjuntos de Anna Netrebko, Placido Domingo e Rolando Villazon (Berlin- 2006, Viena-2008). As transmissões de TV, bem como as gravações de concertos em Berlim e Viena em DVD, foram um grande sucesso. Depois de vencer a competição Glinka em 1993, Anna Netrebko foi repetidamente premiada com uma variedade de prêmios, títulos, prêmios. Entre suas realizações: - Laureada do II Concurso Internacional para Jovens Cantores de Ópera. N.A. Rimsky-Korsakov (São Petersburgo, 1996) - laureado do prêmio "Baltika" (1997) - laureado do prêmio de música russa "Casta Diva" (1998) - laureado do maior prêmio de teatro de São Petersburgo "Golden Soffit " (1999, 2005, 2009). Entre outras conquistas de Anna Netrebko estão o prestigioso German Bambi Award, o Austrian Amadeus Awards, os títulos de Singer of the Year e Woman Musician of the Year recebidos no Reino Unido (Classical BRIT Awards), nove prêmios Echo Klassik concedidos na Alemanha, como bem como duas indicações ao Grammy (pelos CDs "Violetta" e "Russian Album"). Em 2005, no Kremlin, o presidente russo Vladimir Putin entregou a Anna Netrebko o Prêmio Estadual da Federação Russa, que ela recebeu "por sua notável contribuição à cultura musical russa". Em 2006, o governador do território de Krasnodar, A. Tkachev, concedeu a Anna Netrebko a medalha "Herói do Trabalho do Kuban" por sua alta contribuição ao mundo da ópera. Em 2007, a revista Time incluiu Anna Netrebko na lista das "100 pessoas mais influentes do mundo". Esta é a primeira vez na história que um cantor de ópera foi incluído na lista "Time", que inclui "homens e mulheres cujo poder, talento e exemplo moral mudam o mundo". Anna Netrebko recebeu o título mais significativo de sua carreira em 2008, quando a revista americana de maior autoridade "Musical America" ​​nomeou Anna Netrebko "Música do Ano". Este prêmio é acompanhado não apenas pelo Oscar, mas também pelo Prêmio Nobel. Todos os anos, desde 1960, a revista nomeia a principal personalidade da música mundial. Ao longo da história, apenas cinco cantores de ópera receberam tal honra - Leontine Price, Beverly Sills, Marilyn Horne, Placido Domingo, Carita Mattila. Anna Netrebko tornou-se a sexta entre as cantoras de ópera mais destacadas. Muitas revistas "brilhantes" dedicaram grandes artigos a Netrebko - incluindo Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Inquire, Playboy. Ela foi convidada e heroína de programas de TV populares como Good Morning America na NBC (The Night Show with Jay Leno" na NBC), 60 minutos na CBS e no alemão Wetten, dass ..? Documentários sobre Anna foram exibidos em canais de TV na Áustria, Alemanha, Rússia. Na Alemanha, duas de suas biografias foram publicadas. De acordo com a imprensa mundial, Anna Netrebko ficou noiva de seu colega no palco da ópera, o barítono uruguaio Erwin Schrott, no final de 2007. No início de fevereiro 2008, a mídia mundial e russa noticiou uma sensação: Anna Netrebko está esperando um bebê !A última apresentação de Anna antes do intervalo devido ao parto ocorreu em 27 de junho de 2008 em Viena, no Palácio de Schönnbrunn.Anna se apresentou em concerto com seus ilustres parceiros Placido Domingo e Rolando Villazon.Dois meses e uma semana depois, em 5 de setembro de 2008 em Viena Anna teve um filho, a quem os pais felizes chamavam por um nome latino-americano - Thiago Arua. Já em 14 de janeiro de 2009, Anna Netrebko retomou suas atividades no palco Th, falando na performance do Teatro Mariinsky "Lucia di Lammermoor". No final de janeiro - início de fevereiro, Anna cantou a parte de Lucia no palco do Metropolitan Opera. A última, quarta apresentação, que aconteceu no dia 7 de fevereiro, foi transmitida ao vivo no programa "The MET Live in HD" para as telas dos cinemas da América e Europa. A transmissão foi assistida por espectadores em 850 cinemas em 31 países. Anna Netrebko recebeu esta honra pela terceira vez. Anteriormente, as apresentações da Metropolitan Opera - "Romeu e Julieta" e "Os Puritanos" eram transmitidas ao vivo para cinemas em vários países do mundo. Em 2006, Anna Netrebko recebeu a cidadania austríaca, mantendo a cidadania russa. Constantemente se movendo ao redor do mundo, de um país para outro, Anna, no entanto, está sempre feliz em voltar para sua própria casa. Onde exatamente? Anna tem apartamentos em São Petersburgo, Viena e Nova York. De acordo com a própria Anna, ela "não é obcecada por ópera e palco". É claro que com o nascimento de um filho, Anna aloca todos os seus raros dias e horas livres para seu filho, que constantemente acompanha Anna em todas as suas viagens e passeios. Mas antes de se tornar mãe, Anna gostava de pintar em seu tempo livre, fazer compras e ir ao cinema e ouvir música popular. Escritor favorito - Akunin, atores de cinema favoritos - Brad Pitt e Vivien Leigh. Dos cantores populares, Anna destacou Justin Timberlake, Robbie Williams e o grupo Greenday e, mais recentemente, Amy Winehouse e Duffy. Anna Netrebko participa de programas e eventos de caridade na Rússia e no exterior. Entre os mais sérios está o projeto SOS-KinderDorf, que atua em 104 países ao redor do mundo. Além disso, a cantora participa do projeto Anna (um programa para ajudar orfanatos em Kaliningrado e na região de Kaliningrado), ajuda a fundação de caridade internacional Roerich Heritage, bem como o Instituto Ortopédico Infantil Pushkin. G.I. Turner. Fonte: http://annanetrebko-megastar.ru/

Joyce DiDonato é uma mezzo-soprano e mezzo-soprano americana. Considerado um dos principais mezzo-sopranos do nosso tempo e o melhor intérprete das obras de Gioacchino Rossini. Joyce DiDonato (nascida Joyce Flaherty) nasceu em 13 de fevereiro de 1969 na cidade de Prair Village, Kansas, EUA em uma família com raízes irlandesas, foi a sexta de sete filhos. Seu pai era o líder do coral da igreja local, Joyce cantava nele e sonhava em se tornar uma estrela da Broadway. Em 1988, ingressou na Wichita State University, onde estudou canto. Depois da Joyce University, DiDonato decidiu continuar sua educação musical e em 1992 entrou na Academia de Artes Vocais da Filadélfia. Depois da academia, participou durante vários anos em programas de formação "Jovem Artista" em várias companhias de ópera: em 1995 - na "Ópera de Santa Fé", onde recebeu prática musical e estreou-se na ópera no grande palco, mas até agora em papéis menores nas óperas "Casamento de Fígaro" de W. A. ​​​​Mozart, "Salomé" de R. Strauss, "Condessa Maritza" de I. Kalman; de 1996 a 1998 - no Houston Grand Opera e foi reconhecido como o melhor "artista iniciante"; no verão de 1997 - no San Francisco Opera no programa de treinamento "Merola Opera". Durante seus estudos e prática inicial, Joyce DiDonato participou de várias competições vocais conhecidas. Em 1996, ela ficou em segundo lugar na competição Eleanor McCollum em Houston e ganhou a audição distrital da competição Metropolitan Opera. Em 1997, ela ganhou o Prêmio William Sullivan. Em 1998, conquistou o segundo lugar no concurso Plácido Domingo Operalia em Hamburgo e o primeiro lugar no concurso George London. Nos anos seguintes, ela recebeu muitos outros prêmios e prêmios. Joyce DiDonato começou sua carreira profissional em 1998 com várias companhias de ópera regionais nos Estados Unidos, mais notavelmente a Houston Grand Opera. E ela se tornou conhecida de um grande público graças à aparição na estreia mundial na televisão da ópera de Marc Adamo "A Pequena Mulher". Na temporada 2000-2001. DiDonato fez sua estréia na Europa, começando imediatamente no La Scala como Angelina em Cinderela de Rossini. Na temporada seguinte, ela expandiu sua exposição para o público europeu, aparecendo na Ópera da Holanda como Sesta "Júlio César" de Handel, na Ópera de Paris como Rosina em O Barbeiro de Sevilha de Rossini e na Ópera Estatal da Baviera como Cherubino em Casamento de Mazart Figaro. e nos programas de concertos "Glória" de Vivaldi com Riccardo Muti e a Orquestra La Scala e "Sonho de uma noite de verão" de F. Mendelssohn em Paris. Na mesma temporada, ela fez sua estréia nos Estados Unidos na Ópera do Estado de Washington como Dorabella em All Women Do It de Mozart. Nesta época, Joyce DiDonato já se tornou uma verdadeira estrela da ópera com fama mundial, amada pelo público e elogiada pela imprensa. Sua carreira posterior apenas expandiu sua geografia itinerante e abriu as portas de novas casas de ópera e festivais - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Bastille Opera (2002), Royal Theatre em Madrid, New National Theatre em Tóquio, Estado de Viena Ópera e outros Joyce DiDonato reuniu uma rica coleção de vários prêmios e prêmios musicais. Como dizem os críticos, esta é talvez uma das carreiras mais bem-sucedidas e suaves do mundo da ópera moderna. E mesmo o acidente ocorrido no palco do Covent Garden em 7 de julho de 2009 durante a apresentação de "O Barbeiro de Sevilha", quando Joyce DiDonato escorregou no palco e quebrou a perna, não interrompeu essa apresentação, que ela terminou de muletas , nem apresentações programadas subsequentes, que ela navegou de uma cadeira de rodas, para o deleite do público. Este evento "lendário" é capturado em DVD. Joyce DiDonato começou sua temporada 2010-2011 com o Festival de Salzburgo e sua estréia como Adalgis na Norma de Belinni com Edita Gruberova como Norma, depois com um programa de concertos no Festival de Edimburgo. No outono, ela apareceu em Berlim como Rosina em O Barbeiro de Sevilha e em Madri como Otaviano em O Rosenkavalier. O ano terminou com outro prêmio, o primeiro da Academia Alemã de Gravação "Echo Classic (ECHO Klassik)", que nomeou Joyce DiDonato "Melhor Cantora Feminina de 2010". Os próximos dois prêmios de uma só vez da revista de música clássica inglesa "Gramophone", que a nomeou "Melhor Artista do Ano" e escolheu seu CD com as árias de Rossini como o melhor "Recito do Ano". Continuando a temporada nos EUA, ela se apresentou em Houston e depois com um show solo no Carnegie Hall. O Metropolitan Opera a recebeu em dois papéis - o pajem Isolier em "Count Ori" de Rossini e o compositor em "Ariadne auf Naxos" de R. Strauss. Ela completou a temporada na Europa com turnês em Baden-Baden, Paris, Londres e Valência. O site da cantora apresenta uma rica programação de suas futuras apresentações, nesta lista só para o primeiro semestre de 2012 há cerca de quarenta apresentações na Europa e América. Joyce DiDonato agora é casada com o maestro italiano Leonardo Vordoni, com quem mora em Kansas City, Missouri, EUA. Joyce continua a usar o sobrenome de seu primeiro marido, com quem se casou logo após a faculdade.

Angela Gheorghiu (Romena Angela Gheorghiu) é uma cantora de ópera romena, soprano. Um dos mais famosos cantores de ópera do nosso tempo. Angela Georgiou (Burlacu) nasceu em 7 de setembro de 1965 na pequena cidade de Ajud, Romênia. Desde a infância era óbvio que ela se tornaria uma cantora, seu destino era a música. Ela estudou em uma escola de música em Bucareste e se formou na Universidade Nacional de Música de Bucareste. Sua estréia operística profissional ocorreu em 1990 como Mimi em La bohème in Cluj, de Puccini, e no mesmo ano ela ganhou o concurso vocal internacional Hans Gabor Belvedere em Viena. O sobrenome Georgiou permaneceu com ela de seu primeiro marido. Angela Georgiou fez sua estreia internacional em 1992 no Royal Opera House, Covent Garden, em La Boheme. No mesmo ano, ela fez sua estréia no Metropolitan Opera de Nova York e na Ópera Estatal de Viena. Em 1994, no Royal Opera House, Covent Garden, cantou pela primeira vez a parte de Violetta em La Traviata, neste momento ocorreu o "nascimento de uma estrela", Angela Georgiou começou a fazer sucesso constante em casas de ópera e salas de concerto em todo o mundo: em Nova York, Londres, Paris, Salzburgo, Berlim, Tóquio, Roma, Seul, Veneza, Atenas, Monte Carlo, Chicago, Filadélfia, São Paulo, Los Angeles, Lisboa, Valência, Palermo, Amsterdã, Kuala Lumpur, Zurique, Viena, Salzburgo, Madrid, Barcelona, ​​​​Praga, Montreal, Moscou, Taipei, San Juan, Ljubljana. Em 1994, conheceu o tenor Roberto Alagna, com quem se casou em 1996. A cerimônia de casamento aconteceu no Metropolitan Opera, em Nova York. O casal Alanya-Georgiou tem sido a união familiar criativa mais brilhante no palco da ópera, agora eles estão divorciados. Seu primeiro contrato de gravação exclusiva foi assinado em 1995 com a Decca, após o qual ela lançou vários álbuns por ano, agora ela tem cerca de 50 álbuns, tanto ópera encenada quanto concertos solo. Todos os seus CDs foram aclamados pela crítica e ganharam muitos prêmios internacionais, incluindo o prêmio da revista Gramophone, o German Echo Prize, o francês Diapason d'Or e Choc du Monde de la Musique, e muitos outros. Duas vezes em 2001 e 2010, o britânico "Classical BRIT Awards" a nomeou "Melhor Cantora do Ano". A gama de papéis de Angela Georgiou é muito ampla, ela adora óperas de Verdi e Puccini. O repertório italiano, talvez devido à relativa semelhança das línguas romena e italiana, ela faz com excelência, alguns críticos notam que a ópera francesa, alemã, russa e inglesa é executada mais fracamente. Os papéis mais importantes de Angela Gheorghiu: Bellini "Sleepwalker" - Amina Bizet "Carmen" - Micaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Love Potion" " - Adina Gounod "Fausto" - Marguerite Gounod "Romeu e Julieta" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "A Andorinha" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Louise Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu continua a atuar ativamente e está localizada no topo da ópera Olympus. Os compromissos futuros incluem vários concertos na Europa, América e Ásia, Tosca e Faust no Royal Opera House, Covent Garden.

Cecilia Bartoli é uma cantora de ópera italiana, coloratura mezzo-soprano. Um dos principais e bem sucedidos cantores de ópera do nosso tempo. Cecilia Bartoli nasceu em 4 de junho de 1966 em Roma. Os pais de Bartoli são Silvana Bazzoni e Pietro Angelo Bartoli, cantores profissionais, funcionários da Ópera de Roma. A primeira e principal professora de Cecilia nos vocais foi sua mãe. Aos nove anos, Cecilia apareceu pela primeira vez no "grande palco" - ela apareceu em uma das cenas de massa na Ópera de Roma na forma de um pastor na produção de "Tosca". Quando criança, a futura cantora gostava de dançar e se dedicava ao flamenco, mas seus pais não viam sua carreira na dança e estavam descontentes com o hobby de sua filha, eles insistiram que ela continuasse sua educação musical. O flamenco deu a Bartoli a facilidade e a paixão com que se apresenta no palco, e seu amor por essa dança ainda é relevante hoje. Aos 17 anos, Bartoli ingressou no Conservatório Santa Cecília. Em 1985, atuou no programa de televisão Novos Talentos: cantou "Barcarolle" de "Tales of Hoffmann" de Offenbach, a ária de Rosina de "O Barbeiro de Sevilha" e até um dueto com o barítono Leo Nucci. E embora ela tenha ficado em segundo lugar, sua performance fez sucesso entre os amantes da ópera. Logo Bartoli se apresentou em um concerto organizado pela Ópera de Paris em memória de Maria Callas. Após este concerto, três "pesos pesados" do mundo da música clássica chamaram a atenção para ela - Herbert von Karajan, Daniel Barenboim e Nikolaus Arnoncourt. Sua estréia operística profissional ocorreu em 1987 na Arena di Verona. No ano seguinte, ela cantou o papel de Rosina em O Barbeiro de Sevilha de Rossini na Ópera de Colônia e o papel de Cherubino ao lado de Nikolaus Harnoncourt em As Bodas de Fígaro de Mozart em Zurique, Suíça. Herbert von Karajan a convidou para participar do Festival de Salzburgo e realizar com ele a Missa em Si menor de J.S. Bach, mas a morte do maestro impediu que seus planos fossem cumpridos. Em 1990, Bartoli estreou na Bastille Opera com o papel de Cherubino, na Hamburg State Opera como Idamante no Idomeneo de Mozart, e também nos EUA no festival Mostly Mozart em Nova York e assinou um contrato exclusivo com a DECCA. Em 1991 estreou-se no La Scala como a página Isolier em La comte Ory de Rossini, e desde então, aos 25 anos, estabeleceu-se como uma das maiores intérpretes mundiais de Mozart e Rossini. Desde então, sua carreira se desenvolveu rapidamente - listando os melhores teatros do mundo, estreias, concertos solo, maestros, gravações, festivais e prêmios Chechili Bartoli poderiam se transformar em um livro. Desde 2005, Cecilia Bartoli se concentra na música barroca e no início do classicismo de compositores como Gluck, Vivaldi, Haydn e Salieri e, mais recentemente, na música da era romântica e no bel canto italiano. Atualmente vive com a família em Monte Carlo e trabalha na Ópera de Zurique. Cecilia Bartoli é uma hóspede frequente na Rússia, desde 2001 ela já visitou nosso país muitas vezes, a última das turnês ocorreu em setembro de 2011. Alguns críticos notam que Cecilia Bartoli é considerada uma das melhores mezzo-sopranos do nosso tempo apenas porque com esse tipo de voz (ao contrário do soprano) ela tem pouquíssimos concorrentes, mas suas performances reúnem salas cheias de fãs, e os discos são vendidos aos milhões de cópias. . Por serviços no campo da música, Cecilia Bartoli recebeu muitos prêmios estaduais e públicos, incluindo as Ordens Francesas de Mérito e Artes e Letras e a cavalaria italiana, e também é membro honorário da Royal Academy of Music em Londres, etc. Ela é a proprietária de cinco prêmios Grammy, o último dos quais ganhou em 2011 na indicação "Melhor Performance Vocal Clássica" com o álbum "Sacrifice" (Sacrificium).

Ekaterina Shcherbachenko - cantora de ópera russa (soprano), solista do Teatro Bolshoi. Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nascida Telegina) nasceu em 31 de janeiro de 1977 em Ryazan. Em 1996 ela se formou no Ryazan Musical College. G. e A. Pirogov, tendo recebido a especialidade "maestro de coro". Em 2005, ela se formou no Conservatório Estadual Tchaikovsky de Moscou. P.I. Tchaikovsky (professor - Professora Marina Alekseeva) e continuou seus estudos de pós-graduação lá. No estúdio de ópera do conservatório ela cantou a parte de Tatiana na ópera "Eugene Onegin" de P. Tchaikovsky e a parte de Mimi na ópera "La Boheme" de G. Puccini. Em 2005 foi estagiária solista da Companhia de Ópera do Teatro Musical Acadêmico de Moscou. K.S. Stanislávski e V.I. Nemirovich-Danchenko. Neste teatro, ela interpretou as partes de Lidochka na opereta "Moscou, Cheryomushki" de D. Shostakovich e a parte de Fiordiligi na ópera "Todas as mulheres fazem isso" de W. A. ​​​​Mozart. Em 2005, no Bolshoi, ela cantou o papel de Natasha Rostova na estréia de Guerra e Paz de S. Prokofiev (segunda edição), após o que recebeu um convite para o Teatro Bolshoi como membro permanente da trupe de ópera. Seu repertório no Teatro Bolshoi incluiu os seguintes papéis: Natasha Rostova ("Guerra e Paz" de S. Prokofiev) Tatyana ("Eugene Onegin" de P. Tchaikovsky) Liu ("Turandot" de G. Puccini) Mimi ("La Boheme" " de G. Puccini) Mikaela ("Carmen" de G. Bizet) Iolanta ("Iolanthe" de P. Tchaikovsky) Em 2004 ela interpretou o papel de Lidochka na opereta "Moscou, Cheryomushki" na Ópera de Lyon (maestro Alexander Lazarev ). Em 2007, na Dinamarca, participou na interpretação da cantata de Rachmaninov "The Bells" com a Orquestra Sinfónica da Rádio Nacional Dinamarquesa (maestro Alexander Vedernikov). Em 2008 ela cantou a parte de Tatiana na Ópera de Cagliari (Itália, maestro Mikhail Yurovsky, diretores Moshe Leiser, Patrice Corrier, encenado pelo Teatro Mariinsky). Em 2003 recebeu um diploma do Concurso Internacional "New Voices" em Gütersloh (Alemanha). Em 2005 ganhou o 3º Prémio no Concurso Internacional de Ópera de Shizuoka (Japão). Em 2006 - III prémio do Concurso Vocal Internacional com o seu nome. Francisco Viñas em Barcelona (Espanha), onde também recebeu um prêmio especial como "Melhor intérprete de música russa", o prêmio "Amigos da Ópera Sabadell" e o prêmio da Associação Musical de Catania (Sicília). Em 2009, ela ganhou o concurso BBC Singer of the World em Cardiff, e também recebeu o Prêmio Triumph Youth Grant.

Teatro Massimo (italiano: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) é uma casa de ópera em Palermo, Itália. O teatro tem o nome do rei Victor Emmanuel II. Traduzido do italiano, Massimo significa o maior, o maior - o complexo arquitetônico do teatro é o maior entre os prédios das casas de ópera da Itália e um dos maiores da Europa. Em Palermo, a segunda maior cidade do sul da Itália, há muito se fala da necessidade de uma casa de ópera na cidade. Em 1864, o prefeito de Palermo, Antonio Rudini, anunciou um concurso internacional para a construção de uma grande casa de ópera, que deveria embelezar a aparência da cidade e elevar a imagem da cidade à luz da recente unidade nacional da Itália. Em 1968, um conhecido arquiteto na Sicília, Giovanni Battista Filippo Basile, foi selecionado como resultado de um concurso. Para o novo teatro, foi determinado um local em que a igreja e o mosteiro de San Giuliano estavam localizados, eles, apesar dos protestos das freiras franciscanas, foram demolidos. Segundo a lenda, a "Última Madre Superiora" ainda vagueia pelos corredores do teatro, e quem não acredita nela sempre tropeça em um degrau ("o degrau da freira") na entrada do teatro. A construção começou com uma solene cerimônia de lançamento da primeira pedra em 12 de janeiro de 1875, mas progrediu lentamente, com uma constante falta de financiamento e escândalos, em 1882 foi congelada por oito anos e retomada apenas em 1890. Em 1891, o arquiteto Giovanni Basile morreu antes da abertura de seu projeto, a obra foi continuada por seu filho Ernesto Basile. Em 16 de maio de 1897, 22 anos após o início da construção, o teatro abriu suas portas para os amantes da ópera, a primeira ópera encenada em seu palco foi Falstaff de Giuseppe Verdi, dirigida por Leopoldo Mugnone. Giovani Basile foi inspirado na antiga arquitetura siciliana e, portanto, o teatro foi construído em estilo neoclássico simples com elementos dos antigos templos gregos. A escadaria monumental que leva ao teatro, é adornada com leões de bronze carregando estátuas de mulheres nas costas - as alegóricas "Ópera" e "Tragédia". O edifício é coroado com uma grande cúpula semicircular. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni trabalharam na decoração interior do teatro, projetado no estilo do final do Renascimento. Um espaçoso vestíbulo leva ao auditório, o próprio salão tem a forma de uma ferradura, costumava ser de 7 níveis e projetado para mais de 3.000 espectadores, agora com cinco níveis de camarotes e uma galeria que pode acomodar 1.381 lugares. As primeiras temporadas foram muito bem sucedidas. Graças ao maior empresário e senador Ignazio Florio, que patrocinou o teatro e procurou fazer de Palermo a capital da ópera, a cidade atraiu muitos convidados, incluindo cabeças coroadas, que visitavam constantemente o teatro. Os principais maestros e cantores se apresentaram no teatro, começando com Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi e muitos outros. Em 1974, o Teatro Massimo foi fechado para uma restauração completa, mas devido a escândalos de corrupção e instabilidade política, a restauração foi adiada por 23 anos. Em 12 de maio de 1997, quatro dias antes do centenário, o teatro foi reaberto com a execução da Segunda Sinfonia de G. Mahler, mas a restauração ainda não estava totalmente concluída e a primeira ópera foi realizada em 1998 - "Aida" de Verdi, e a temporada regular de ópera começou em 1999.

O Royal Opera House "Covent Garden" é um teatro em Londres, Reino Unido, servindo como local para apresentações de ópera e balé, palco da London Royal Opera e do London Royal Ballet. Ele está localizado na área de Covent Garden, após o qual recebeu seu nome. Inicialmente, havia várias trupes independentes no Covent Garden, juntamente com apresentações dramáticas, musicais e de balé, apresentações de circo foram organizadas. Em meados do século XVIII, o principal lugar no palco do teatro era ocupado por apresentações musicais e, desde 1847, apenas óperas e balés eram encenados. O edifício moderno do teatro é o terceiro consecutivo, localizado neste local. Foi construído em 1858 e passou por uma reforma radical na década de 1990. O Royal Opera Hall acomoda 2.268 espectadores e consiste em quatro níveis. A largura do proscênio é de 12,2 m, a altura é de 14,8 m. por iniciativa do diretor e empresário John Rich e abriu em 7 de dezembro de 1732 com uma performance baseada na peça de William Congreve "Assim como o mundo" (Eng. The Way of the World). Antes da apresentação, os atores entraram no teatro em uma procissão solene, carregando Rich nos braços. Por quase um século, o Covent Garden Theatre foi um dos dois teatros de teatro de Londres, já que em 1660 o rei Carlos II permitia a realização de apresentações dramáticas em apenas dois teatros (o outro era o igualmente famoso Drury Lane Theatre). Em 1734, o primeiro balé, Pigmalião, foi encenado em Covent Garden, com Marie Salle no papel principal, dançando, contrariamente à tradição, sem espartilho. No final de 1734, a ópera começou a ser encenada em Covent Garden - principalmente as obras de George Frideric Handel, o ex-diretor musical do teatro: sua primeira, embora fortemente revisada, ópera The Faithful Shepherd (italiano: Il pastor fido) foi encenada primeiro, depois, em janeiro de 1735, uma nova ópera, Ariodant, e outras se seguiram. Em 1743, o oratório "Messias" de Handel foi realizado aqui, e mais tarde a apresentação de oratórios sobre temas religiosos durante a Grande Quaresma tornou-se uma tradição no teatro. Óperas do compositor Thomas Arn foram encenadas aqui pela primeira vez, assim como óperas de seu filho. Em 1808, o primeiro teatro em Covent Garden foi destruído pelo fogo. O novo edifício do teatro foi erguido nos primeiros nove meses de 1809 de acordo com o projeto de Robert Smork e inaugurado em 18 de setembro com uma produção de Macbeth. A direção do teatro aumentou os preços dos ingressos para recuperar o custo do novo prédio, mas por dois meses o público interrompeu as apresentações com gritos, palmas e assobios constantes, o que fez com que a direção do teatro fosse obrigada a devolver os preços ao nível anterior. Na primeira metade do século XIX, óperas, balés, performances dramáticas com a participação dos destacados trágicos Edmund Keane e Sarah Siddons, pantomima e até palhaçada (o famoso palhaço Joseph Grimaldi aqui representado) se alternavam no palco de Covent Garden. A situação mudou depois que, em 1846, como resultado de um conflito no Her Majesty's Theatre - o London Opera House - parte significativa de sua trupe, liderada pelo maestro Michael Costa, mudou-se para Covent Garden; o salão foi reconstruído e, em 6 de abril de 1847, o teatro reabriu sob o nome de Royal Italian Opera com uma produção da ópera Semiramide de Rossini. No entanto, menos de nove anos depois, em 5 de março de 1856, o teatro foi incendiado pela segunda vez. O terceiro teatro em Covent Garden foi construído em 1857-1858. projetado por Edward Middleton Barry e inaugurado em 15 de maio de 1858 com uma produção de Les Huguenots de Meyerbeer. Durante a Primeira Guerra Mundial, o teatro foi requisitado e usado como armazém. Durante a Segunda Guerra Mundial, o prédio do teatro tinha um salão de dança. Em 1946, a ópera voltou às paredes de Covent Garden: em 20 de fevereiro, o teatro abriu com A Bela Adormecida de Tchaikovsky em uma produção extravagante de Oliver Messel. Ao mesmo tempo, começou a criação de uma companhia de ópera, para a qual o Covent Garden Theatre se tornaria um palco, em 14 de janeiro de 1947, a Covent Garden Opera Company (a futura Royal Opera em Londres) apresentou aqui a ópera Carmen de Bizet.

La Scala (italiano: Teatro alla Scala ou La Scala) é uma casa de ópera mundialmente famosa em Milão (Itália). Todas as principais estrelas da ópera dos últimos dois séculos e meio consideraram uma honra se apresentar no La Scala. O Teatro La Scala abriga a trupe de ópera de mesmo nome, coro, balé e orquestra sinfônica. Ele também é afiliado à Academia de Teatro La Scala, que oferece treinamento profissional em música, dança e direção de palco. Há um museu no saguão do teatro, que exibe pinturas, esculturas, figurinos e outros documentos relacionados à história da ópera e do teatro. O edifício do teatro foi construído por decreto da Imperatriz da Áustria Maria Teresa de acordo com o projeto do arquiteto Giuseppe Piermarini em 1776-1778. no local da igreja de Santa Maria della Scala, de onde veio o nome do próprio teatro. A igreja, por sua vez, recebeu seu nome em 1381 da padroeira - representante da família dos governantes de Verona com o nome de Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). O teatro foi inaugurado em 3 de agosto de 1778 com uma apresentação da ópera Recognized Europe, de Antonio Salieri. No final do século 18 e início do século 19, óperas dos compositores italianos P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Maira apareceram no repertório do teatro. As óperas de G. Rossini A Pedra de Toque (1812), O Aureliano em Palmira (1813), O Turco na Itália (1814), A Pega Ladra (1817) e outras (em uma delas Caroline Unger estreou na Itália), bem como as óperas Margarida de Anjou (1820), de J. Meyerbeer, O Exílio de Granada (1822) e várias obras de Saverio Mercadante. A partir da década de 1830, obras de G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini apareceram no repertório teatral, "Pirata" (1827) e "Norma" (1831) e "Lucrezia Borgia" de Bellini foram encenados aqui pela primeira vez. (1833) Donizetti, "Oberto" (1839), "Nabucco" (1842), "Otello" (1887) e "Falstaff" (1893) de Verdi, "Madama Butterfly" (1904) e "Turandot " de Puccini. Durante a Segunda Guerra Mundial, o teatro foi destruído. Após a restauração de sua aparência original pelo engenheiro L. Secchi, o teatro foi reaberto em 1946. O edifício do teatro foi restaurado muitas vezes. A última restauração durou três anos e custou mais de 61 milhões de euros. A primeira peça musical apresentada no palco renovado em 7 de dezembro de 2004 foi a ópera Recognized Europe, de Antonio Salieri. O número de assentos é de 2030, que é muito menor do que antes da última restauração, o número de assentos foi reduzido para fins de segurança contra incêndio e maior conforto. Tradicionalmente, a nova temporada no La Scala começa no inverno - 7 de dezembro (o que é incomum em comparação com outros teatros do mundo) no dia de Santo Ambrósio, o santo padroeiro de Milão, e termina em novembro. E cada apresentação deve terminar antes da meia-noite, se a ópera for muito longa, então começa cedo.

A Sydney Opera House é um dos edifícios mais famosos e facilmente reconhecíveis do mundo, que é um símbolo da maior cidade da Austrália, Sydney, e uma das principais atrações da Austrália - As conchas em forma de vela que formam o telhado fazem deste edifício diferente de qualquer outro no mundo. A Opera House é reconhecida como um dos edifícios de destaque da arquitetura moderna e desde 1973, juntamente com a Harbour Bridge, tem sido a marca registrada de Sydney. A Sydney Opera House foi inaugurada em 20 de outubro de 1973 pela rainha Elizabeth II da Inglaterra. A Sydney Opera House está localizada no porto de Sydney, em Bennelong Point. Este lugar recebeu o nome de um aborígene australiano, amigo do primeiro governador da colônia. É difícil imaginar Sydney sem a Ópera, mas até 1958 havia um depósito de bonde comum em seu lugar (antes do prédio da ópera havia um forte e depois um depósito de bonde). O arquiteto da Opera House é o dinamarquês Jorn Utzon. Apesar do sucesso do conceito de conchas esféricas, que solucionou todos os problemas de construção, sendo adequado para produção em massa, fabricação precisa e facilidade de instalação, a construção foi atrasada, principalmente devido à decoração de interiores. Foi planejado que a construção da Ópera levaria 4 anos e custaria 7 milhões de dólares australianos. Em vez disso, a ópera levou 14 anos para ser construída e custou US$ 102 milhões! A Sydney Opera House é um edifício expressionista com um design radical e inovador. O edifício ocupa uma área de 2,2 hectares. Sua altura é de 185 metros e a largura máxima é de 120 metros. O edifício pesa 161.000 toneladas e repousa sobre 580 estacas afundadas na água a uma profundidade de quase 25 metros do nível do mar. Seu fornecimento de energia é equivalente ao consumo de eletricidade de uma cidade com uma população de 25.000 pessoas. A eletricidade é distribuída por 645 quilômetros de cabos. O telhado da ópera é composto por 2.194 seções pré-fabricadas, sua altura é de 67 metros e o peso é superior a 27 toneladas, toda a estrutura é suportada por cabos de aço de 350 quilômetros de comprimento. A cobertura do teatro é formada por uma série de "conchas" de uma esfera de concreto inexistente de 492 pés de diâmetro, comumente referidas como "conchas" ou "velas", embora isso seja incorreto em termos de definição arquitetônica de tal uma estrutura. Essas cascas são construídas a partir de painéis triangulares pré-fabricados de concreto apoiados por 32 nervuras pré-fabricadas do mesmo material. Todas as nervuras fazem parte de um grande círculo, o que permitiu que os contornos das coberturas tivessem a mesma forma e todo o edifício tivesse uma aparência completa e harmoniosa. Todo o telhado é coberto com 1.056.006 azulejos em branco e creme fosco. Embora de longe a estrutura pareça ser feita inteiramente de azulejos brancos, sob diferentes condições de iluminação os azulejos criam diferentes esquemas de cores. Graças à forma mecânica de colocação das telhas, toda a superfície do telhado ficou perfeitamente lisa, o que era impossível com o revestimento manual. Todos os ladrilhos foram produzidos pela fábrica sueca Höganäs AB com tecnologia de autolimpeza, mas apesar disso, são realizados trabalhos regulares para limpar e substituir alguns dos ladrilhos. Os dois maiores arcos de conchas formam o teto da Sala de Concertos e do Teatro de Ópera. Em outras salas, os tetos formam aglomerados de abóbadas menores. A estrutura escalonada da cobertura era muito bonita, mas criava problemas de altura no interior do edifício, pois a altura resultante não proporcionava uma acústica adequada nos corredores. Para resolver esse problema, tetos separados foram feitos para refletir o som. Na menor concha, longe da entrada principal e da escadaria principal, fica o Restaurante Bennelong. O interior do edifício é acabado com granito rosa trazido da região de Tarana (Nova Gales do Sul), madeira e compensado. Por este projeto, Utzon recebeu o Prêmio Pritzker, o maior prêmio da arquitetura, em 2003. O prêmio foi acompanhado pelas palavras: "Não há dúvida de que a Sydney Opera House é sua obra-prima. É um dos grandes edifícios emblemáticos do século XX, uma imagem de extraordinária beleza que se tornou conhecida em todo o mundo - um símbolo não só da cidade, mas de todo o país e continente." A Sydney Opera House é o lar de quatro companhias de arte importantes na Austrália - a Australian Opera, o Australian Ballet, a Sydney Theatre Company e a Sydney Symphony Orchestra, e há muitas outras companhias e teatros baseados na Sydney Opera House. Este teatro é um dos centros mais movimentados de artes cênicas, recebendo cerca de 1.500 apresentações por ano, com um público total de mais de 1,2 milhão de pessoas. É também uma das atrações mais populares da Austrália, com mais de sete milhões de turistas visitando a cada ano. O edifício da Opera House tem três salas de espetáculos principais: - A Sala de Concertos, com 2.679 lugares, sede da Orquestra Sinfônica de Sydney, contém o maior órgão mecânico em funcionamento do mundo, com mais de 10.000 tubos. - A Opera House, com 1507 lugares, é a casa da Sydney Opera House e do Australian Ballet. - Teatro Drama, 544 lugares, utilizado pela Sydney Theatre Company e outros grupos de dança e teatro. Além desses três salões, a Sydney Opera House contém vários salões e estúdios menores.

Teatro de Ópera e Ballet do Estado de Bashkir O Teatro de Ópera e Ballet do Estado de Bashkir (Ufa, Bashkiria, Rússia) foi inaugurado em 1938. Em 14 de dezembro de 1938, estreou a ópera de Giovanni Paisiello The Beautiful Miller's Woman (na língua Bashkir). O Bashkir Opera Studio foi fundado em 1932 por iniciativa do cantor, compositor e figura pública G. Almukhametov para treinar pessoal artístico e compositor nacional da república. Durante os primeiros dois anos, o Bashkir Opera Theatre deu 13 estreias, mais de meio milhão de espectadores visitaram o teatro. O cartaz apresentava obras de clássicos russos e estrangeiros, óperas de compositores soviéticos: O Casamento Secreto de Cimarosa, Fausto de Gounod, Rigoletto de Verdi, Eugene Onegin de Tchaikovsky, Arshin Mal Alan de U. Gadzhibekov, o fundador da escola nacional do Azerbaijão de compositores, óperas "Er Targyn" do compositor cazaque E. Brusilovsky e "Kachkyn" do compositor tártaro N. Zhiganov e outros. Em 8 de fevereiro de 1940, ocorreu no palco do teatro a estreia da primeira ópera bashkir, “Khak-mar”, de M. Valeev, e alguns meses depois, em dezembro, a ópera “Mergen”, de A. Eikhenvald foi encenado. Nos primeiros anos, os graduados do departamento Bashkir da Escola Coreográfica de Leningrado, o departamento de balé da Escola de Teatro Bashkir e um grupo de dançarinos do conjunto de dança folclórica trabalharam na trupe de balé do teatro nos primeiros anos. Entre os primeiros graduados da famosa Escola Vaganov estavam Z. Nasretdinova, Kh. Safiullin, T. Khudaiberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva. A primeira produção de balé do teatro - "Coppelia" de L. Delibes ocorreu em 1940. Durante a Grande Guerra Patriótica, a Ópera Estatal de Kyiv e o Ballet Theatre. T. Shevchenko, que teve uma grande influência no processo de formação da ópera Bashkir. A trupe que chegou a Ufa incluiu o famoso maestro de ópera V. Yorish, os diretores N. Smolich e seu filho D. Smolich, cantores famosos M. Litvinenko-Wolgemut, I. Patorzhinsky, Z. Gaidai, K. Laptev, A. Ivanov, jovem L. Rudenko, I. Maslennikova. Em março de 1944, ocorreu a estréia do primeiro balé Bashkir "Crane Song" de L. Stepanov e Z. Ismagilov. Após a guerra, G. Khabibullin tornou-se o diretor artístico e diretor do teatro; As apresentações foram conduzidas por H. Fayzullin, L. Insarov, H. Khammatov. Os artistas G. Imasheva e M. Arslanov trabalharam aqui. Uma galáxia inteira de artistas talentosos cresceu no teatro. Junto com a geração mais velha de cantores - G. Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova também realizaram com sucesso artistas mais jovens: Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov, S. Galimova, N. Allayarova e outros. O caminho do balé Bashkir está inextricavelmente ligado aos nomes de Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleymanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullina, F. Sattarov. O nome do notável dançarino do século 20 Rudolf Nureyev está inextricavelmente ligado à história da Ópera Estatal Bashkir e do Teatro de Balé. Por quatro anos ele estudou no estúdio de balé no teatro (professores Zaytuna Bakhtiyarova e Khalyaf Safiullin). Em 1953, Nureyev foi aceito na trupe de balé do teatro. Foi neste palco que deu os primeiros passos para uma carreira de ballet mundial. Na parte de Djigit no balé Crane Song, Rudolf Nureyev atraiu a atenção de especialistas durante a famosa Década da Arte Bashkir em Moscou em 1955 e foi convidado a estudar na Escola Coreográfica de Leningrado. Desde 1991, os festivais de arte da ópera "Chaliapin Evenings in Ufa" são realizados anualmente em Ufa, com a participação de estrelas da ópera de teatros russos e estrangeiros. A ideia do festival estava ligada à estreia operística de Fyodor Chaliapin em Ufa em 18 de dezembro de 1890 (a parte de Stolnik em Seixos de Moniuszko). Como parte do festival, artistas populares da URSS Irina Arkhipova, Vladislav Piavko e Maria Biesu, artistas da Letônia, Geórgia, Alemanha, solistas dos teatros Bolshoi e Mariinsky, bem como teatros musicais de Saratov, Samara, Perm e outras cidades apresentado no palco do Bashkir State Opera and Ballet Theatre Rússia. Em dezembro de 2001, foi realizado o festival do décimo aniversário. Abriu com a estreia de La Traviata de Verdi em italiano. Desde março de 1993, festivais de balé com o nome de Rudolf Nureyev são realizados. O primeiro festival foi organizado por sugestão do Presidente Honorário do Comitê de Dança do Instituto Internacional de Teatro da UNESCO, membro da Academia de Dança de Paris, Herói do Trabalho Socialista, Artista Popular da URSS e da República da Bielorrússia, Yuri Grigorovich e foi realizada com a participação de sua trupe "Grigorovich-ballet". Em 1993, o museu do teatro foi inaugurado para o 55º aniversário do Bashkir State Opera and Ballet Theatre. Está localizado em duas salas do primeiro andar do teatro, à esquerda da escadaria central. Aqui você encontra adereços e pertences pessoais de artistas famosos, prêmios do grupo, esboços de cenários e figurinos teatrais, fotografias e cartazes para apresentações dos anos 30-70. O orgulho do museu é o Hermitage Hall, localizado no segundo andar. Desde 2008, há uma exposição de pertences pessoais de Rudolf Nureyev. 156 artefatos da vida e obra do brilhante dançarino do século 20 são um presente para o teatro da Fundação Internacional R. Nureyev (Grã-Bretanha). Em 2004, a ópera Kahym-Turya, de Zagir Ismagilov, ganhou o Golden Mask National Theatre Award na indicação de Melhor Maestro. Em 2006, a peça "A Flauta Mágica" de W.-A. Mozart dirigida por W. Schwartz foi indicada em três categorias. "Máscara de Ouro" - "Para o apoio da arte teatral nacional" - foi apresentada ao Presidente da República do Bascortostão M.G. Rakhimov. Em 2007, a ópera Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, foi indicada ao prêmio em cinco categorias. Em 2008, o Artista do Povo da URSS Zaytuna Nasretdinova recebeu o Prêmio Máscara de Ouro na nomeação de Honra e Dignidade. Por sua notável contribuição para realizações culturais, o Conselho do Centro Biográfico Internacional (Cambridge, Reino Unido) concedeu a Zaytuna Nasretdinova o título honorário de "Profissional Internacional". Em 2007, o conselho editorial e conselho criativo da revista Ballet atribuiu-lhe o prémio Soul of Dance na categoria Master of Dance. Em 2008 Shamil Teregulov, Artista Homenageado da Rússia, Artista do Povo de Bashkortostan, recebeu o prêmio Soul of Dance na nomeação Knight of Dance. Em 2006, o teatro recebeu o Prêmio F.Volkov do Governo da Rússia na nomeação "A Melhor Equipe Criativa". Foi apresentado no VII Festival Internacional Volkov em Yaroslavl, que abriu com o balé "Arkaim" de L. Ismagilova. Em 2008, a orquestra sinfônica se apresentou com sucesso em turnê na Coréia do Sul e recebeu um alto prêmio - uma cópia da coroa I do imperador coreano. Em 2009, foi inaugurado o Pequeno Salão do teatro. Novas apresentações já estão em andamento no novo local: “Love Potion” de G. Donizetti, “Bacchanalia” de C. Saint-Saens, “Walpurgis Night” de C. Gounod, “Aniversário de Leopold the Cat” de B. Savelyev. Princípios criativos, formados ao longo de sete décadas, vivem e se desenvolvem. Respeito pelas tradições estabelecidas pelas gerações anteriores, experiência, melhoria contínua das competências, reforço do profissionalismo. A chave para o sucesso do teatro são equipes criativas altamente profissionais. Os artistas do BGTOiB são laureados, diplomatas de concursos republicanos, russos e internacionais, detentores de prêmios estaduais e republicanos. Os mestres de palco receberam títulos honoríficos, incluindo 1 Artista do Povo da Federação Russa, 7 - Artistas Homenageados da Federação Russa, 4 - Artistas Homenageados da Federação Russa, 15 - Artistas Populares da República da Bielorrússia, 50 - Artistas Homenageados da República da Bielorrússia, 4 - Artistas Homenageados da República da Bielorrússia. Como antes, a equipe está focada em encenar as melhores amostras de clássicos estrangeiros e nacionais, na concretização cênica em que os diretores e intérpretes conseguem alcançar a verdadeira maestria.

O Grande Teatro de Bordeaux (Grand Theatre de Bordeaux, França) foi inaugurado em 17 de abril de 1780 com a estreia de Afalia de Racine. O edifício do teatro foi construído na Praça da Comédia. Foi neste teatro que o jovem Marius Petipa encenou alguns de seus primeiros balés. O teatro foi projetado pelo arquiteto Victor Louis (1731-1800), que ganhou o famoso Grande Prêmio de Roma. Louis também projetou as galerias que cercam os jardins do Palais Royal e o teatro Comédie-Française em Paris. A construção do edifício do Grande Teatro de Bordeaux com uma sala para 1000 lugares ocorreu de 1773 a 1780. O Grande Teatro de Bordéus foi concebido como um templo das artes e da luz, com uma fachada neoclássica dotada de um pórtico de 12 colossais colunas coríntias sustentando um entablamento sobre o qual se erguem 12 estátuas representando as nove musas e três deusas (Juno, Vênus e Minerva). A altura do edifício é de 88 metros. Em 1871, o teatro foi por um curto período a sede do Parlamento francês. O interior do teatro foi restaurado em 1991, o auditório foi amplamente redesenhado, as cores originais de seu interior são azul, branco e dourado. As fachadas do edifício foram restauradas e equipadas com iluminação. Hoje, o teatro abriga a Ópera Nacional de Bordeaux, bem como o Ballet Nacional de Bordeaux. Também recebe frequentemente concertos sinfônicos realizados pela Orquestra Nacional de Bordeaux e Aquitaine. O Grand Theatre de Bordeaux é considerado um dos mais belos teatros franceses.

O Centro Nacional de Artes Cênicas (chinês, Grande Teatro Nacional), chamado de Ovo, é uma moderna casa de ópera em Pequim, China. Considerada uma das maravilhas modernas do mundo, tem formato elipsóide, feita de vidro e titânio e totalmente cercada por um lago artificial. Construído em 2007. O Centro Nacional de Artes Cênicas está localizado em Pequim, próximo (ligeiramente a oeste) da Praça Tiananmen (a praça principal de Pequim e a maior do mundo) e do Grande Salão do Povo (parlamento chinês) e não muito longe do Palácio Proibido. Cidade (complexo palaciano histórico). Projetado pelo arquiteto francês Paul André e concebido para parecer um ovo flutuando na água ou uma gota d'água, esse projeto futurista causou muita polêmica na época sobre sua construção no centro histórico de Pequim. De fato, o rosto icônico e facilmente reconhecível do Centro Nacional de Artes Cênicas apresenta um forte contraste com seus arredores, tornando-o muito atraente. A construção do Centro começou em dezembro de 2001, e em dezembro de 2007 foi inaugurado. Este mais novo teatro milagroso abriu com a ópera histórica russa "Príncipe Igor" de A.P. Borodin, interpretada pela orquestra, coro e solistas do Teatro Mariinsky sob a direção de Valery Gergiev. O conjunto arquitetônico inclui o edifício principal, corredores subterrâneos e subaquáticos, estacionamento subterrâneo, lago artificial e espaços verdes. A cúpula principal tem 212 metros de comprimento, 144 metros de largura e 46 metros de altura, estendendo-se de leste a oeste. cria um efeito visual impressionante. parte do Centro tem uma profundidade de 32,5 metros (como um prédio de 10 andares) e é o mais profundo de Pequim. A área total do complexo é de 118.900 m², a área de construção é de 219.400 m2. O centro é completamente cercado por um lago artificial e todas as entradas para ele são apenas subterrâneas, o uso de tecnologias modernas torna o lago livre de gelo e limpo (sem algas) o ano todo. o lago, onde as pessoas podem relaxar longe do barulho da cidade. No interior do edifício existem três salas principais - ópera, concertos e teatro, ligadas por corredores aéreos, também no Centro Nacional há uma galeria, uma sala de exposições, salas de conferências, uma biblioteca, um café e outras instalações. A Sala da Ópera com 2.416 lugares é a mais bonita, projetada para espetáculos de ópera, balé e dança, possui uma cor predominantemente dourada. Suas paredes permitem que você as use como decoração para mergulhar em uma atmosfera criativa. A sala de concertos é projetada para 2017 lugares para concertos clássicos da orquestra sinfônica e música nacional chinesa, tem um elegante tom prateado. O maior órgão da Ásia com 6.500 tubos está instalado na sala de montagem. A sala de teatro de 1.040 lugares, sem fosso de orquestra, foi construída no estilo tradicional chinês e destina-se principalmente a apresentações de teatro e música folclóricas. Todos os salões foram cuidadosamente projetados para integrar perfeitamente arquitetura e acústica.

O Teatro de Ópera e Ballet de Novosibirsk (Teatro de Ópera e Ballet Acadêmico do Estado de Novosibirsk, NGATOiB) é o maior teatro da Sibéria, tem o status de Instituição Cultural do Estado Federal. Número de lugares (grande salão) - 1762 lugares. O edifício do Teatro de Novosibirsk é considerado o maior edifício teatral da Rússia e, após a reconstrução em 2005 - o mais moderno. O grande salão do teatro foi projetado para 1.774 espectadores. O projeto deste edifício (de acordo com o projeto original do artista do Teatro Bolshoi da URSS M.I. Kurilko, o arquiteto-artista T.Ya. Bardt, o arquiteto A.Z. Grinberg) começou em 1928, a construção - em 1931. Inicialmente, o teatro foi concebido em estilo construtivista, mas com uma mudança nas diretrizes estilísticas em 1933-35, o projeto foi radicalmente revisto e os construtores do teatro foram reprimidos em 1937. O projeto final do teatro foi desenvolvido sob a direção de V.S. Birkenberg e o engenheiro de design L.M. Gokhman. O projeto do edifício foi premiado com a Medalha de Ouro da Exposição Mundial de Paris (1937). Durante os anos de guerra, o prédio inacabado do teatro foi usado como local de produção e armazenamento de objetos de valor evacuados do museu. A inauguração do teatro ocorreu em 12 de maio de 1945 com a ópera Ivan Susanin, de M. Glinka. Em 30 de dezembro de 1963, o teatro recebeu o status acadêmico (o primeiro teatro acadêmico da província russa). Mais de 350 apresentações de ópera e balé foram encenadas no teatro ao longo de mais de 50 anos de existência. O teatro é um vencedor múltiplo do festival Máscara de Ouro, participou em festivais em Macau (1996, 1999), Santander (Espanha, 1995), Bangkok (Tailândia, 2000, 2004), Sintra (Portugal, 1992, 1993, 1994, 1995) , 1996, 1997, 1999) e outras cidades do mundo.

Teatro San Carlo (Real Teatro di San Carlo) é uma casa de ópera em Nápoles, Itália. Uma das mais antigas casas de ópera em funcionamento do mundo. Uma das maiores casas de ópera do mundo. É um Patrimônio Mundial da UNESCO. O Teatro San Carlo foi construído por ordem do rei napolitano Carlos VII (na Espanha Carlos III) do ramo espanhol da dinastia Bourbon, que queria fornecer a Nápoles um novo e maior teatro, em vez do ultrapassado teatro San Bartolomeo construído em 1621. San Carlo foi construído pelos arquitetos Giovanni Antonio Medrano e Angelo Carasale e foi inaugurado em 4 de novembro de 1737 (41 anos mais velho que La Scala em Milão e 51 anos mais velho que La Fenice em Veneza). O interior do novo teatro era nas cores azul e dourado (as cores oficiais dos Bourbons) e admirado por sua arquitetura, o auditório tinha cinco andares e um grande camarote real. A primeira ópera encenada em San Carlo foi Achilles auf Skyros de Domenico Sarro, baseada em uma peça do famoso poeta e dramaturgo Pietro Metastasio. Em 12 de fevereiro de 1816, o teatro San Carlo foi destruído por um incêndio, porém, foi rapidamente, em nove meses, reconstruído conforme projeto do arquiteto Antonio Nicolini, e menos de um ano depois, em 12 de janeiro de 1817, o abertura do novo San Carlo ocorreu com a estréia da ópera Johann Simon Mayr "Sonho de Partenope". A inauguração contou com a presença do famoso escritor francês Stendhal, que expressou sua impressão do teatro: "Não há nada na Europa comparável a este teatro, nada pode dar a menor idéia do que é ..., deslumbra os olhos, deleita a alma..." Em sua história, o Teatro San Carlo perdeu apenas uma temporada completa de 1874/75, todo o resto dos muitos reparos e reconstruções que foram feitos planejados ou não planejados, como em 1816 devido a um incêndio, ou em 1943 durante a Segunda Guerra Mundial, quando o teatro sofreu um bombardeio, ou em 1969, quando parte da fachada desabou devido a um raio, eles foram realizados rapidamente e o teatro não perdeu temporadas. Etapas importantes na reconstrução do teatro foram em 1844, quando o interior foi alterado e vermelho e dourado passaram a ser as cores principais, em 1890, quando o fosso da orquestra foi colocado em funcionamento, e os seguintes, quando o teatro foi eletrificado e um novo ala foi anexada ao edifício. Na história recente, o teatro está em constante atualização, os últimos trabalhos foram realizados em 2007 e 2008, durante as últimas restaurações, todos os assentos foram totalmente substituídos, um sistema de ar condicionado foi instalado e todos os relevos decorativos foram dourados. O número de lugares visuais - 3285. Nos séculos XVII e XVIII, a escola napolitana de composição operística teve grande sucesso em toda a Europa, tanto no campo da ópera bufa como da ópera séria. Os representantes desta escola foram os compositores Francesco Feo (1691-1761), Nicola Porpora (1686-1768), Tommaso Traetta (1727-1779), Niccolò Piccinni (1728-1800), Leonardo da Vinci (outros) (1690-1730) ), Pasquale Anfossi (1727-1797), Francesco Durante (1684-1755), Niccolo Iomelli (1714-1774), Domenico Cimarosa (1749-1801), Giovanni Paisiello (1741-1816), Nicolo Zingarelli (1752-1837), Giuseppe Gazzaniga (1743-1818) e muitos outros. Nápoles foi uma das capitais da música europeia e alguns compositores estrangeiros vieram especialmente para dar a estreia de suas obras em San Carlo, entre eles Johann Adolf Hasse (que mais tarde ficou em Nápoles), Joseph Haydn, Johann Christian Bach, Christoph Willibald Gluck. De 1815 a 1822, Gioacchino Rossini foi o diretor musical e artístico das casas de ópera reais, incluindo a San Carlo. Aqui ele realizou as estreias de dez de suas óperas: "Elizabeth, Queen of England" (1815), "The Newspaper", "Otelo" (1816), "Armida", (1817) "Moisés no Egito", "Ricciardo e Zoraida" (1818), "Hermione", "Bianca e Faliero", "Eduard e Christina", "Senhora do Lago" (1819), "Mohammed II" (1820) e "Zelmira" (1822). Em Nápoles, Rossini conheceu sua futura esposa, Isabella Colbran, cantora do Teatro San Carlo. Toda uma galáxia de cantores famosos trabalhou (ou se apresentou regularmente) no teatro, entre eles Manuel Garcia, ele próprio um famoso cantor e professor, ele é pai de duas lendárias sopranos de seu tempo - Maria Malibran e Pauline Viardot. Outros cantores famosos foram Clorinda Corradi, Maria Malibran, Giuditta Pasta, Giovanni Battista Rubini e dois grandes franceses - Adolphe Nourri e Gilbert Dupre. Depois de Rossini, Gaetano Donizetti, outra estrela da ópera italiana, tornou-se o diretor artístico das casas de ópera reais. Donizetti permaneceu nesta posição de 1822 a 1838 e escreveu dezesseis óperas, incluindo Mary Stuart (1834), Roberto Devereux (1837), Polyeuct (1838) e a famosa Lucia di Lammermoor (1835). Vincenzo Belini realizou a estréia de "Bianca e Fernando" em San Carlo, Giuseppe Verdi apresentou aqui "Alzira" (1845) e "Louise Miller" (1849), a estréia de sua terceira ópera "Gustav III" foi proibida pelos censores (e nunca saiu na forma original, mais tarde uma versão revisada foi apresentada em Roma sob o nome de "Baile de Máscaras"). No século XX, compositores e maestros como Giacomo Puccini, Pietro Mascagni, Ruggiero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea trabalharam e encenaram suas óperas no teatro.

Teatro de Ópera de Moscou Novaya. E.V. O Teatro Kolobov foi criado em 1991 por iniciativa do diretor artístico do teatro Yevgeny Kolobov (1946-2003) e do prefeito de Moscou Yuri Luzhkov, e logo ganhou fama como uma das melhores companhias de ópera da Rússia. Em 1991, o maestro chefe do Stanislavsky e Nemirovich Danchenko MAMT, Yevgeny Kolobov, devido a diferenças criativas, deixou o teatro, participando da trupe e de toda a orquestra com ele. Kolobov encontra apoio do prefeito de Moscou, Yuri Luzhkov, e cria o Teatro de Ópera Novaya, do qual se torna maestro-chefe e diretor artístico. A esposa de Kolobov, Natalya Popovich, é nomeada para o cargo de chefe do coro. No início, o teatro não tinha instalações próprias, havia concertos de óperas, divertissement fantasiado (Rossini). Em 1997, um edifício apareceu no Jardim Hermitage perto da Ópera Novaya. O novo edifício do teatro é uma sala para 660 lugares, equipada com modernos equipamentos de iluminação e mecânica de palco, que permitem a realização de espetáculos com complexos efeitos de palco. O teatro tem seu próprio estúdio de áudio e vídeo. Baseando-se em partituras de ópera desconhecidas na Rússia, Kolobov apresenta ao público de Moscou as óperas Dois Foscari (Verdi), Maria Stuart (Donizetti), Valli (Catalani), suas próprias versões de Eugene Onegin de Tchaikovsky, La Traviata de Verdi. Em 2000, na estreia da ópera Rigoletto, a parte principal foi interpretada por Dmitry Hvorostovsky. Em 2003, devido à morte do fundador, o teatro entrou em crise. A peça "Pearl Seekers" de Bizet é percebida criticamente, e "The Tsar's Bride" é completamente negativa. Em 2005, a direção artística do teatro convida os diretores alemães Yossi Willer e Sergio Morabito (diretor musical e maestro da produção Felix Korobov) para encenar a ópera Norma de Bellini. A ópera despertou admiração entre os moscovitas. E pela difícil parte de soprano, Tatyana Pechnikova recebeu o prêmio Golden Mask. Em março de 2006, o Artista do Povo da URSS Eri Klas tornou-se o maestro principal do teatro, que introduziu performances com tons cômicos no repertório (Flauta Mágica de Mozart, Poção do Amor de Donizetti, O Barbeiro de Sevilha de Rossini, Gianni Schicchi de Puccini, Die Fledermouse » Strauss). Em 2008, a ópera Lohengrin de Wagner foi encenada no teatro pelo diretor Kasper Holten, e o brilhante maestro Jan Latham-Koenig (Grã-Bretanha), que se tornou um maestro convidado permanente do teatro, está no pódio do maestro. Na primavera de 2009, a estreia da opereta The Bat causou insatisfação no público devido à tradução livre dos diálogos, mas as críticas sobre a música foram positivas. Recentemente, o teatro começou a oferecer concertos de óperas frequentemente executadas, mas agora não reclamadas na Rússia: Il trovatore, Prince Igor, The Maid of Orleans, etc. ao fundador do teatro Yevgeny Kolobov, que nasceu em 19 de janeiro na Epifania. Desde 2006, o teatro recebeu o nome de seu fundador. O nome completo do teatro: Moscow Novaya Opera Theatre. E.V. Kolobov. O repertório do teatro inclui obras-primas de clássicos da ópera; obras de ópera até então desconhecidas na Rússia (“Hamlet” de A.Thoma, “Mary Stuart” de Gaetano Donizetti, “Valli” de A.Catalani); performances baseadas em edições musicais originais de E.V. Kolobov (“Oh Mozart!” Mozart, “Ruslan and Lyudmila” de M. I. Glinka, “La Traviata” de G. Verdi, “Eugene Onegin” de P. I. Tchaikovsky). O teatro possui as primeiras produções na Rússia das óperas Mary Stuart de G. Donizetti, The Valley de A. Catalani, The Two Foscari de G. Verdi, Boris Godunov de Mussorgsky (na versão do primeiro autor), Hamlet de A. Thomas . Um novo gênero teatral também foi criado - uma espécie de retrato criativo de compositores e músicos famosos ("Maria Callas", "Viva Verdi!", "Viva Puccini!", "Vincenzo Bellini", "Richard Wagner", "Rossini" , "Bravissimo!"). No total, o repertório do Novaya Opera Theatre inclui mais de 70 obras de gêneros de ópera e concertos. Todos os anos, em janeiro, o teatro realiza o festival internacional Epiphany Week na Novaya Opera, do qual participam destacados mestres da cultura musical. Os solistas da Ópera de Novaya — Artistas Populares da Rússia Yulia Abakumovskaya, Emma Sargsyan, Artistas Homenageados da Rússia Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova — receberam títulos honorários por anos de trabalho no teatro. Os jovens solistas de ópera, que têm um envolvimento permanente no teatro, são laureados de concursos vocais internacionais e detentores de prestigiados prémios teatrais, como Golden Mask, Casta Diva, Triumph. Muitos solistas de teatro podem legitimamente ser considerados entre as melhores vozes da Rússia - Tatiana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatiana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Vasily Ladyuk, Oleg Didenko, Vladimir Kudashev e outros; muitos deles também estão envolvidos no Teatro Bolshoi da Rússia, nos teatros da Metropolitan Opera, Arena di Verona, etc. O papel especial atribuído à orquestra está associado à variedade de interesses criativos dos maestros que trabalham no teatro - o chefe maestro do teatro, Artista Popular da URSS Eri Klas, Artista Popular Rússia Anatoly Gus, Artistas Homenageados da Rússia Evgeny Samoilov e Sergey Lysenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. Além de participar de apresentações de ópera, a orquestra se apresenta nas melhores salas de concertos da Rússia com programas sinfônicos: no Grande Salão do Conservatório de Moscou, a Sala de Concertos. P. I. Tchaikovsky, no salão da Filarmônica de São Petersburgo. O repertório de concertos da orquestra é diversificado: sinfonias de P.I. Tchaikovsky, D.D. Shostakovich, S.V. F. Chopin, E. Lalo, programas de concertos com a participação de solistas de teatro, coro e músicos convidados. Com digressões independentes, a orquestra visitou Espanha (as cidades de Saragoça, Barcelona, ​​​​Corunha, San Sebastian, 1992), Portugal (Porto, 1992), Alemanha (Karlsruhe, 2006). Juntamente com o Ballet Imperial Russo, a orquestra visitou a Turquia (Istambul, 2000), Finlândia (Festival Anual de Ballet em Mikkele, 2000-2006), Tailândia (Bangkok, 2005). Em 2001, a orquestra participou de apresentações de Don Giovanni da Los Angeles Opera Company de W. A. ​​Mozart e Salome de R. Strauss no Savonlinna Opera Festival na Finlândia. O coro de teatro é um participante constante em todas as apresentações, uma equipe de profissionais com a mesma opinião. De acordo com a estética do teatro, o coro está envolvido em todos os níveis da produção. Grande importância na educação profissional do coro é dada à execução de programas de concertos a partir de obras de clássicos de corais russos e estrangeiros, obras espirituais, grandes formas de cantata-oratório, como "João de Damasco" de S. I. Taneyev, "Requiem" de G. Verdi, "Primavera" e "Três Canções Russas" de S. V. Rachmaninov, "Requiem" de V. A. Mozart, "Danças Polovtsianas" de A. P. Borodin, "Alexander Nevsky" de S. S. Prokofiev, "Moscou" de P. I. Tchaikovsky, "Carmina Burana" de K. Orff. Novaya Opera é caracterizada por uma abordagem moderna de cenografia e direção. O teatro coopera com mestres conhecidos no campo da arte teatral para criar performances de diferentes direções e estilos: são diretores - Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasiliev [quem?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk, Yuri Grymov, Andreys Žagars, Yuri Alexandrov, Achim Freier, Yossi Wheeler e Sergio Morabito, Ralph Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinsky, Gennady Shaposhnikov; artistas - Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heydebrecht, Viktor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Frayer, A. Fibrok, A. Freibergs, S. Aarfing, E. Tilby. Excelentes mestres da cultura musical trabalham com a equipe da Novaya Opera: os maestros Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkevicius, Daniel Lipton; os instrumentistas Eliso Virsaladze e Nikolai Petrov, Tatyana Sergeeva (piano), Natalia Gutman (violoncelo), o jazzman finlandês Antti Sarpila (clarinete, saxofone); cantores de ópera José Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (cerca de 10 apresentações conjuntas), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Ferruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya e Anastasia Volochkova; Compositor grego Mikis Theodorakis, bem como solistas da New York African-American Opera Company Ebony Opera. Novo mapa da digressão da Ópera: Grécia (encerramento do festival anual de música no Odeon de Herodes Atticus em Atenas com concertos de aniversário de Mikis Theodorakis em 2005), Chipre (há vários anos que o teatro participa em festivais de ópera juntamente com Mario Frangoulis e Deborah Myers, e também participou do concerto triunfal dedicado à chegada ao Chipre do notável compositor grego Mikis Theodorakis em 2005), Itália (festival Musicale Umbra em Perugia), França (teatro Champs-Élysées, Paris), Alemanha (sala Reithalle, Munique ), Israel (Rishon -le-Zion), Finlândia (Savonlinna Opera Festival, Kuopio Concert Hall, anual Mikkeli Ballet Festival), EUA (14 apresentações de Eugene Onegin no Martin Beck Theatre na Broadway, Nova York), Estônia (Birgitta Festival em Tallinn), Espanha, Portugal, Iugoslávia, Turquia, Tailândia, Bielorrússia, Ucrânia, além de cidades russas. As habilidades de alto desempenho da trupe, a originalidade das soluções cênicas trouxeram ao teatro uma fama bem merecida. A equipa de teatro é detentora do Golden Mask National Theatre Award, do Casta Diva Russian Opera Award, do Triumph Independent Award, do Sony BMG Greece Award (Grécia) e do diploma Star of the Week do jornal alemão Abendzeitung. Em 1999, o teatro foi admitido na Sociedade Europeia de Ópera Opera Europa. Em 2003, por decreto do Presidente da Federação Russa, o fundador do teatro, Evgeny Kolobov (postumamente), o diretor do teatro, Sergei Lysenko, e a maestrina-chefe, Natalia Popovich, receberam o Prêmio Estadual do Teatro Russo. Federação para a criação do Teatro de Ópera de Novaya. Em 2006, o teatro recebeu o nome de seu fundador, Yevgeny Kolobov.

O Teatro Mikhailovsky é um teatro de ópera e balé em São Petersburgo, localizado em um edifício histórico na Praça das Artes. O Teatro Imperial Mikhailovsky foi inaugurado em 1833 por decreto do Imperador Nicolau I. O teatro deve seu nome ao Grão-Duque Mikhail, filho mais novo de Paulo I: o Palácio Mikhailovsky, localizado na Praça das Artes, serviu como residência do Grão-Duque, e o teatro tornou-se um palco de câmara que recebia convidados de alto escalão da família imperial e associados. O edifício do teatro foi erguido de acordo com o projeto da A.P. Bryullov com a participação de A.M. Gornostaev. O arquiteto conseguiu encaixar organicamente a fachada no conjunto da praça criada por C. Rossi. Bryullov criou uma caixa mágica: o fato de um teatro estar escondido atrás de uma fachada modesta só pode ser adivinhado do telhado, onde uma caixa alta é visível atrás da cúpula acima do auditório. Todo o esplendor do teatro imperial está contido em seu interior: prata e veludo, espelhos e cristal, pintura e estuque. Em 1859, fruto da reconstrução segundo o projecto de A. Kavos, o palco foi ampliado e o auditório aumentado em um andar, os interiores do teatro foram complementados com plafonds pitorescos, ricos estuques e figuras de cariátides, que adornam o portal acima do proscênio até hoje. Antes da revolução, o Teatro Mikhailovsky não tinha uma trupe permanente, nem um repertório específico. A trupe do Teatro Alexandrinsky se apresentou nas instalações do teatro, artistas franceses e às vezes alemães constantemente excursionavam. Apresentações de ópera também foram realizadas dentro de suas paredes. Após a reconstrução de 1859, uma trupe de teatro francesa se estabeleceu no prédio do teatro por muitas décadas até 1918. As operetas francesas, como a de Offenbach, eram frequentes, mas as apresentações de ópera lírica eram raras e organizadas principalmente pela Ópera Imperial Russa (Teatro Mariinsky). A exceção foi alguns anos em meados da década de 1890, quando as instalações de Mariinsky foram fechadas para reparos e as óperas no palco Mikhailovsky foram realizadas semanalmente. Entre aqueles que se apresentaram no palco do Teatro Mikhailovsky em diferentes anos, destaca-se a orquestra dirigida por Johann Strauss, Lucien Guitry, Matilda Kshesinskaya, Fyodor Chaliapin e a trupe de Sarah Bernhardt. COMO. Pushkin, V. A. Zhukovsky, L. N. Tolstoi, P. I. Chaikovsky. Desde 1918, o teatro tem uma trupe permanente. No século 20, figuras culturais conhecidas não apenas na Rússia, mas em todo o mundo trabalharam no teatro. Entre eles estão os maestros E. Grikurov e Y. Temirkanov; diretores V. Meyerhold, B. Zon, N. Smolich, I. Shlepyanov; coreógrafos F. Lopukhov, J. Balanchine, Yu. Grigorovich, I. Chernyshev, N. Boyarchikov. Ao longo de sua história, o teatro mudou de nome várias vezes. Maly Opera and Ballet Theatre - Leningrado e depois Petersburgo. Desde 1989, o teatro recebeu o nome de M.P. Mussorgsky, e desde 2001 o teatro recebeu de volta seu nome histórico - o Teatro Mikhailovsky. Em 2007 S. L. Gaudasinsky (Artista do Povo da Rússia, laureado dos Prêmios Estatais da Rússia, professor do Conservatório) foi substituído pelo conhecido empresário russo V.A. Kehman é o presidente do conselho de administração da empresa de importação de frutas JFC. Kekhman também afirmou que trabalharia com S.L. Gaudasinsky, que continuará sendo o diretor artístico do teatro. Depois disso, ele, no entanto, introduziu os cargos de diretores individuais para as trupes de ópera e balé. A trupe de balé foi liderada pelo famoso dançarino russo Farukh Ruzimatov. A diretora artística da trupe de ópera era Elena Obraztsova, que deixou seu cargo em setembro de 2008 para depois passar a trabalhar como consultora do diretor geral do Teatro Mikhailovsky em questões artísticas: a cantora explicou sua decisão pela agenda lotada de sua própria projetos criativos e atividades de turismo. O principal maestro convidado do teatro foi Daniele Rustioni. A companhia de balé do teatro, cuja primeira digressão a Londres ocorreu em 2008, foi nomeada para o British Critics' Award na secção Best International Company. Em 2009, o maestro Peter Feranets foi nomeado maestro-chefe - diretor musical do teatro, e Mikhail Messerer tornou-se o coreógrafo-chefe do teatro. Em outubro de 2009, Farukh Ruzimatov anunciou a retomada de sua carreira de ator e deixou o cargo de diretor artístico da trupe de balé do teatro. Em julho de 2010, foi anunciado que a partir de 1º de janeiro de 2011, o coreógrafo espanhol Nacho Duato chefiaria a trupe de balé do teatro.

O Teatro Mariinsky é um teatro de ópera e balé em São Petersburgo, Rússia. Inaugurado em 1860, um excelente teatro musical russo. Estreias de obras-primas de Tchaikovsky, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov e muitos outros compositores aconteceram em seu palco. O Teatro Mariinsky abriga companhias de ópera e balé e a Orquestra Sinfônica do Teatro Mariinsky. Diretor artístico e maestro-chefe Valery Gergiev. Ao longo de mais de dois séculos de sua história, o Teatro Mariinsky apresentou ao mundo muitos grandes artistas: o excelente baixo, o fundador da escola de ópera russa, Osip Petrov, serviu aqui, grandes cantores como Fyodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea e Nikolai Figner aprimoraram suas habilidades e alcançaram as alturas da glória. , Sofia Preobrazhenskaya. Bailarinos brilharam no palco: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vatslav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, George Balanchine começaram sua jornada na arte. O teatro testemunhou o florescimento do talento de brilhantes decoradores como Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fedor Fedorovsky. E muitos, muitos outros. Há muito tempo é costume que o Teatro Mariinsky mantenha uma linhagem, contando o século a partir de 1783, quando em 12 de julho foi emitido um decreto sobre a aprovação do comitê de teatro "para gerenciar espetáculos e música", e em 5 de outubro o Teatro Bolshoi Kamenny na Praça do Carrossel foi aberta solenemente. O teatro deu um novo nome à praça - sobreviveu até hoje como Teatralnaya. Construído de acordo com o projeto de Antonio Rinaldi, o Teatro Bolshoi surpreendeu a imaginação com seu tamanho, arquitetura majestosa e um palco equipado com a mais recente tecnologia teatral da época. Na sua abertura, foi apresentada a ópera Il Mondo della luna ("Mundo Lunar") de Giovanni Paisiello. A trupe russa se apresentou aqui alternadamente com as italianas e francesas, apresentações dramáticas foram encenadas, concertos vocais e instrumentais também foram organizados. Petersburg estava sendo construída, sua aparência estava mudando constantemente. Em 1802-1803, Thomas de Thomon, um brilhante arquiteto e desenhista, realizou uma grande reorganização do layout interior e decoração do teatro, mudando visivelmente sua aparência e proporções. Com um visual novo, cerimonial e festivo, o Teatro Bolshoi tornou-se uma das atrações arquitetônicas da capital Neva, junto com o Almirantado, a Bolsa de Valores e a Catedral de Kazan. No entanto, na noite de 1º de janeiro de 1811, ocorreu um grande incêndio no Teatro Bolshoi. Durante dois dias, a rica decoração interior do teatro foi destruída no incêndio e sua fachada foi seriamente danificada. Thomas de Thomon, que elaborou um projeto para restaurar sua amada ideia, não viveu para ver sua implementação. Em 3 de fevereiro de 1818, o Teatro Bolshoi reaberto reabriu com o prólogo "Apollo e Pallas no Norte" e o balé de Charles Didelot "Zephyr and Flora" ao som do compositor Katarino Cavos. Estamos nos aproximando da "idade de ouro" do Teatro Bolshoi. O repertório da era "pós-fogo" inclui A Flauta Mágica, O Rapto do Serralho, A Misericórdia de Tito de Mozart. O público russo é cativado por Cinderela, Semiramide, A pega ladra e O barbeiro de Sevilha, de Rossini. Em maio de 1824, ocorreu a estreia de "Free Gunner" de Weber - uma obra que significou muito para o nascimento da ópera romântica russa. Vaudevilles de Alyabyev e Verstovsky são tocados; uma das óperas mais queridas e de repertório é Ivan Susanin de Kavos, que foi até o aparecimento da ópera de Glinka no mesmo enredo. A figura lendária de Charles Didelot está associada ao nascimento da fama mundial do balé russo. Foi durante esses anos que Pushkin foi um frequentador do Bolshoi de São Petersburgo, capturando o teatro em poemas imortais. Em 1836, para melhorar a acústica, o arquitecto Alberto Cavos, filho de um compositor e maestro, substituiu o tecto abobadado da sala do teatro por um plano, tendo-se colocado por cima uma oficina de arte e uma sala de decoração. Alberto Cavos remove as colunas do auditório que obstruíam a visão e distorciam a acústica, dá ao salão a forma usual de uma ferradura, aumenta seu comprimento e altura, elevando o número de espectadores para dois mil. Em 27 de novembro de 1836, as apresentações do teatro reconstruído foram retomadas com a primeira apresentação da ópera de Glinka, A Life for the Tsar. Por acaso, e talvez não sem boas intenções, a estreia de Ruslan e Lyudmila, a segunda ópera de Glinka, ocorreu exatamente seis anos depois, em 27 de novembro de 1842. Essas duas datas seriam suficientes para que o Teatro Bolshoi de São Petersburgo ficasse para sempre na história da cultura russa. Mas, claro, também havia obras-primas da música europeia: óperas de Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thomas ... do Teatro Alexandrinsky e do chamado Teatro Circo, localizado em frente ao Bolshoi (onde continuaram as apresentações da trupe de balé, assim como a ópera italiana). Quando o Teatro Circo foi incendiado em 1859, um novo teatro foi construído em seu lugar pelo mesmo arquiteto Alberto Cavos. Foi ele quem recebeu o nome Mariinsky em homenagem à imperatriz reinante Maria Alexandrovna, esposa de Alexandre II. A primeira temporada teatral no novo edifício foi inaugurada em 2 de outubro de 1860 com a ópera A Life for the Tsar de Glinka conduzida por Konstantin Lyadov, o maestro chefe da Ópera Russa, pai do futuro famoso compositor Anatoly Lyadov. O Teatro Mariinsky fortaleceu e desenvolveu as grandes tradições do primeiro palco musical russo. Com o advento de Eduard Napravnik em 1863, que substituiu Konstantin Lyadov como chefe da banda, uma era mais gloriosa na história do teatro começou. O meio século dado por Napravnik ao Teatro Mariinsky foi marcado pelas estreias das óperas mais significativas da história da música russa. Para citar apenas alguns deles - Boris Godunov de Mussorgsky, A Donzela de Pskov, Noite de Maio, A Donzela da Neve de Rimsky-Korsakov, O Príncipe Igor de Borodin, A Donzela de Orleans, A Feiticeira, A Dama de Espadas, Iolanthe » Tchaikovsky, «Demônio » Rubinstein, «Oresteya» Taneyev. No início do século XX, o repertório do Teatro de Ópera Wagner (entre eles a tetralogia "Anel dos Nibelungos"), "Electra" de Richard Strauss, "A Lenda da Cidade Invisível de Kitezh" de Rimsky-Korsakov, "Khovanshchina" de Mussorgsky. Marius Petipa, que liderou a trupe de balé do teatro em 1869, continuou as tradições de seus predecessores Jules Perrot e Arthur Saint-Leon. Petipa preservou zelosamente performances clássicas como Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, submetendo-as apenas a uma edição cuidadosa. A La Bayadère encenada por ele primeiro trouxe o fôlego de uma grande composição coreográfica para o palco do balé, em que "a dança se tornou como música". O feliz encontro entre Petipa e Tchaikovsky, que afirmava que “ballet é a mesma sinfonia”, deu origem a A Bela Adormecida, um genuíno poema musical e coreográfico. Na comunidade de Petipa e Lev Ivanov, surgiu a coreografia de O Quebra-Nozes. Já após a morte de Tchaikovsky, Swan Lake encontrou uma segunda vida no palco do Teatro Mariinsky - e novamente na coreografia conjunta de Petipa e Ivanov. Petipa fortaleceu sua reputação como coreógrafo e sinfonista ao encenar o balé Raymonda de Glazunov. Suas ideias inovadoras foram retomadas pelo jovem Mikhail Fokin, que encenou no Teatro Mariinsky Tcherepnin's Pavilion of Armida, Saint-Saens's The Swan, Chopiniana ao som de Chopin, bem como balés criados em Paris - Scheherazade ao som de Rimsky -Korsakov, The Firebird e Petrushka por Stravinsky. O Teatro Mariinsky foi reconstruído várias vezes. Em 1885, quando a maioria das apresentações foi transferida para o palco do Mariinsky antes do fechamento do Teatro Bolshoi, o arquiteto-chefe dos teatros imperiais, Viktor Schreter, acrescentou um prédio de três andares à ala esquerda do prédio para teatro oficinas, salas de ensaio, uma usina e uma sala de caldeiras. Em 1894, sob a liderança de Schroeter, as vigas de madeira foram substituídas por aço e concreto armado, as alas laterais foram construídas e os vestíbulos de espectadores foram ampliados. A fachada principal também foi reconstruída e adquiriu formas monumentais. Em 1886, as apresentações de balé, que até então continuavam a ser encenadas no Teatro Bolshoi Kamenny, foram transferidas para o Teatro Mariinsky. E no local do Bolshoy Kamenny, foi erguido o prédio do Conservatório de São Petersburgo. Por um decreto do governo em 9 de novembro de 1917, o Teatro Mariinsky foi declarado Teatro do Estado e transferido para a jurisdição do Comissariado de Educação do Povo. Em 1920, começou a ser chamado de Teatro Acadêmico de Ópera e Ballet do Estado (GATOB), e desde 1935 recebeu o nome de S. M. Kirov. Junto com os clássicos do século passado, as óperas modernas apareceram no palco do teatro nos anos 20 e início dos anos 30 - O amor por três laranjas de Sergei Prokofiev, Wozzeck de Alban Berg, Salome e Der Rosenkavalier de Richard Strauss; nascem os balés que afirmam uma nova direção coreográfica popular há décadas, o chamado balé dramático - A Papoula Vermelha de Reinhold Gliere, As Chamas de Paris e A Fonte de Bakhchisarai de Boris Asafiev, Laurencia de Alexander Crane, Romeu e Julieta de Sergei Prokofiev, etc. A última estreia de ópera pré-guerra no Teatro Kirov foi Lohengrin, de Wagner, cuja segunda apresentação terminou no final da noite de 21 de junho de 1941, mas as apresentações marcadas para 24 e 27 de junho foram substituídas por Ivan Susanin. Durante a Grande Guerra Patriótica, o teatro foi evacuado para Perm, onde ocorreram as estreias de várias apresentações, incluindo a estreia do balé Gayane, de Aram Khachaturian. Ao retornar a Leningrado, o teatro abriu a temporada em 1º de setembro de 1944 com a ópera Ivan Susanin, de Glinka. Nos anos 50-70. o teatro encenou balés famosos como Shurale por Farid Yarullin, Spartacus por Aram Khachaturian e The Twelve por Boris Tishchenko coreografado por Leonid Yakobson, Stone Flower por Sergei Prokofiev e Legend of Love por Arif Melikov coreografado por Yuri Grigorovich, "Leningrado Symphony" por Dmitry Shostakovich na coreografia de Igor Belsky, juntamente com a encenação de novos balés, os clássicos do balé foram cuidadosamente preservados no repertório do teatro. Óperas de Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin, Khrennikov apareceram no repertório da ópera junto com Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi, Bizet. Em 1968-1970. Uma reconstrução geral do teatro foi realizada de acordo com o projeto de Salome Gelfer, como resultado do qual a ala esquerda do edifício foi “esticada” e adquiriu sua forma atual. Uma etapa importante na história do teatro nos anos 80 foi a produção das óperas de Tchaikovsky "Eugene Onegin" e "A Dama de Espadas", protagonizadas por Yuri Temirkanov, que dirigiu o teatro em 1976. Nessas produções, que ainda estão preservadas no repertório do teatro, uma nova geração de artistas se declarou. Em 1988, Valery Gergiev tornou-se o maestro chefe do teatro. 16 de janeiro de 1992, o teatro foi devolvido ao seu nome histórico - o Mariinsky. E em 2006, a trupe e a orquestra do teatro receberam à sua disposição a Sala de Concertos na Rua Dekabristov, 37, construída por iniciativa do diretor-diretor artístico do Teatro Mariinsky Valery Gergiev.