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A escrita

O dramaturgo quase não colocou em sua obra problemas políticos e filosóficos, expressões faciais e gestos, brincando com os detalhes de seus figurinos e do ambiente cotidiano. Para potencializar os efeitos cômicos, o dramaturgo geralmente introduzia pessoas menores na trama - parentes, criados, clientes, transeuntes aleatórios - e circunstâncias secundárias da vida cotidiana. Tais são, por exemplo, a comitiva de Khlynov e o cavalheiro de bigode em Coração quente, ou Apolo Murzavetsky com seu Tamerlão na comédia Lobos e ovelhas, ou o ator Schastlivtsev sob Neschastlivtsev e Paratov em A floresta e o dote etc. dramaturgo, como antes, procurou revelar os personagens dos personagens não apenas no próprio desenrolar dos acontecimentos, mas não menos através das peculiaridades de seus diálogos cotidianos - diálogos "caracterológicos", esteticamente dominados por ele em "Sua Gente.. .".

Assim, no novo período de criatividade, Ostrovsky atua como um mestre estabelecido com um sistema completo de arte dramática. Sua fama, suas conexões sociais e teatrais continuam a crescer e se tornar mais complexas. A própria abundância de peças criadas no novo período foi o resultado de uma demanda cada vez maior por peças de Ostrovsky de revistas e teatros. Durante esses anos, o dramaturgo não apenas trabalhou incansavelmente, mas encontrou forças para ajudar escritores menos talentosos e novatos, e às vezes participar ativamente com eles em seu trabalho. Assim, em colaboração criativa com Ostrovsky, foram escritas várias peças de N. Solovyov (as melhores delas são "O Casamento de Belugin" e "Mulher Selvagem"), bem como P. Nevezhin.

Constantemente contribuindo para a encenação de suas peças nos palcos dos teatros de Moscou Maly e São Petersburgo Alexandria, Ostrovsky conhecia bem a situação dos assuntos teatrais, que estavam principalmente sob a jurisdição do aparato estatal burocrático, e estava amargamente consciente de sua gritante deficiências. Ele viu que não retratava a intelectualidade nobre e burguesa em sua busca ideológica, como fizeram Herzen, Turgenev e, em parte, Goncharov. Em suas peças, ele mostrava a vida social cotidiana dos representantes comuns da classe mercantil, da burocracia, da nobreza, uma vida onde os conflitos pessoais, em particular o amoroso, manifestavam confrontos de interesses familiares, monetários, patrimoniais.

Mas a consciência ideológica e artística de Ostrovsky desses aspectos da vida russa tinha um profundo significado nacional e histórico. Através das relações cotidianas daquelas pessoas que eram os senhores e senhores da vida, sua condição social geral foi revelada. Assim como, de acordo com a observação apropriada de Chernyshevsky, o comportamento covarde do jovem liberal, o herói da história de Turgenev "Asya", um encontro com uma garota era um "sintoma da doença" de todo nobre liberalismo, sua fraqueza política, então a tirania cotidiana e o comportamento predatório de mercadores, funcionários e nobres atuavam como um sintoma de uma doença mais terrível de sua completa incapacidade de, pelo menos até certo ponto, dar às suas atividades um significado progressivo nacional.

Isso era bastante natural e natural no período pré-reforma. Então a tirania, a arrogância, a predação dos Voltovs, Vyshnevskys, Ulanbekovs foi uma manifestação do "reino sombrio" da servidão, já fadada ao desmantelamento. E Dobrolyubov apontou corretamente que, embora a comédia de Ostrovsky "não possa fornecer uma chave para explicar muitos dos fenômenos amargos retratados nela", no entanto, "pode ​​facilmente levar a muitas considerações análogas relacionadas a essa vida, que não lhe diz respeito diretamente". E o crítico explicou isso pelo fato de que os "tipos" de pequenos tiranos, criados por Ostrovsky, "não raramente contêm não apenas características exclusivamente comerciais ou burocráticas, mas também de âmbito nacional (isto é, nacional)". Em outras palavras, as peças de Ostrovsky de 1840-1860. indiretamente expôs todos os "reinos sombrios" do sistema autocrático-feudal.

Nas décadas pós-reforma, a situação mudou. Então “tudo virou de cabeça para baixo” e o novo sistema burguês da vida russa gradualmente começou a se “encaixar”. sistema.

Quase vinte das novas peças de Ostrovsky sobre temas contemporâneos deram uma clara resposta negativa a essa pergunta fatal. O dramaturgo, como antes, retratou o mundo das relações sociais privadas, domésticas, familiares e de propriedade. Nem tudo estava claro para ele nas tendências gerais de seu desenvolvimento, e sua "lira" às vezes não produzia "sons corretos" a esse respeito. Mas, em geral, as peças de Ostrovsky continham uma certa orientação objetiva. Eles expuseram tanto os resquícios do antigo “reino sombrio” do despotismo quanto o recém-emergente “reino sombrio” da predação burguesa, do excesso de dinheiro, da destruição de todos os valores morais em uma atmosfera de compra e venda geral. Eles mostraram que os empresários e industriais russos não são capazes de atingir a realização dos interesses do desenvolvimento nacional, que alguns deles, como Khlynov e Akhov, são capazes apenas de se entregar a prazeres grosseiros, outros, como Knurov e Berkutov, podem apenas subordinam tudo ao seu redor aos seus interesses predatórios, “lobos”, e para terceiros, como Vasilkov ou Frol Pribytkov, os interesses do lucro são cobertos apenas pela decência externa e demandas culturais muito estreitas. As peças de Ostrovsky, além dos planos e intenções de seu autor, delineavam objetivamente uma certa perspectiva de desenvolvimento nacional - a perspectiva da destruição inevitável de todos os remanescentes do antigo "reino sombrio" do despotismo servo autocrático, não apenas sem a participação de a burguesia, não apenas sobre sua cabeça, mas junto com a destruição de seu próprio "reino sombrio" predatório

A realidade retratada nas peças cotidianas de Ostrovsky era uma forma de vida desprovida de conteúdo progressista nacional e, portanto, revelava facilmente a inconsistência cômica interna. Ostrovsky dedicou seu notável talento dramático à sua divulgação. Apoiando-se na tradição das comédias e contos realistas de Gogol, reconstruindo-a de acordo com as novas demandas estéticas da "escola natural" da década de 1840 e formuladas por Belinsky e Herzen, Ostrovsky traçou a inconsistência cômica da vida social e cotidiana de os estratos dominantes da sociedade russa, mergulhando nos "detalhes do mundo", olhando fio após fio da "teia de relacionamentos diários". Esta foi a principal conquista do novo estilo dramático criado por Ostrovsky.

Dificilmente é possível descrever brevemente o trabalho de Alexander Ostrovsky, pois essa pessoa deixou uma grande contribuição para o desenvolvimento da literatura.

Ele escreveu sobre muitas coisas, mas acima de tudo na história da literatura ele é lembrado como um bom dramaturgo.

Popularidade e características da criatividade

A popularidade de A. N. Ostrovsky foi trazido o trabalho "Nosso povo - vamos sossegar". Depois que foi publicado, seu trabalho foi apreciado por muitos escritores da época.

Isso deu confiança e inspiração ao próprio Alexander Nikolayevich.

Após uma estreia tão bem-sucedida, ele escreveu muitas obras que desempenharam um papel significativo em seu trabalho. Entre eles estão os seguintes:

• "Floresta"
• "Talentos e Admiradores"
• "Dote".

Todas as suas peças podem ser chamadas de dramas psicológicos, pois para entender sobre o que o escritor escreveu é preciso mergulhar profundamente em sua obra. Os personagens de suas peças eram personalidades versáteis que nem todos conseguiam entender. Em suas obras, Ostrovsky considerou como os valores do país estavam entrando em colapso.

Cada uma de suas peças tem um final realista, o autor não tentou terminar tudo com um final positivo, como muitos escritores, era mais importante para ele mostrar a vida real, não ficcional em suas obras. Em suas obras, Ostrovsky tentou refletir a vida do povo russo e, além disso, ele não a embelezou - mas escreveu o que viu ao seu redor.

As memórias da infância também serviram de enredo para suas obras. Uma característica distintiva de seu trabalho pode ser chamada de fato de que suas obras não foram totalmente censuradas, mas, apesar disso, permaneceram populares. Talvez a razão de sua popularidade tenha sido que o dramaturgo tentou apresentar a Rússia aos leitores como ela é. Nacionalidade e realismo são os principais critérios que Ostrovsky aderiu ao escrever suas obras.

Trabalho nos últimos anos

UM. Ostrovsky estava especialmente engajado na criatividade nos últimos anos de sua vida, foi então que ele escreveu os dramas e comédias mais significativos para seu trabalho. Todos eles foram escritos por uma razão, principalmente suas obras descrevem o trágico destino de mulheres que têm que lidar com seus problemas sozinhas. Ostrovsky era um dramaturgo de Deus, parece que ele conseguiu escrever com muita facilidade, os próprios pensamentos vieram à sua cabeça. Mas ele também escreveu essas obras onde ele teve que trabalhar duro.

Em trabalhos recentes, o dramaturgo desenvolveu novos métodos de apresentação do texto e expressividade – que se tornaram distintivos em sua obra. Chekhov apreciou muito seu estilo de escrita, que para Alexander Nikolaevich está além do elogio. Ele tentou em seu trabalho mostrar a luta interna dos personagens.

A escrita

Alexander Nikolaevich Ostrovsky... Este é um fenômeno incomum. Seu papel na história do desenvolvimento da dramaturgia russa, das artes cênicas e de toda a cultura nacional dificilmente pode ser superestimado. Para o desenvolvimento do drama russo ele fez tanto quanto Shakespeare na Inglaterra, Lone de Vega na Espanha, Molière na França, Goldoni na Itália e Schiller na Alemanha. Apesar do assédio infligido pela censura, pelo comitê teatral e literário e pela direção dos teatros imperiais, apesar das críticas dos círculos reacionários, a dramaturgia de Ostrovsky ganhava a cada ano mais simpatia tanto entre os espectadores democráticos quanto entre os artistas.

Desenvolvendo as melhores tradições da arte dramática russa, usando a experiência da dramaturgia estrangeira progressiva, aprendendo incansavelmente sobre a vida de seu país natal, comunicando-se constantemente com o povo, conectando-se intimamente com o público contemporâneo mais progressista, Ostrovsky tornou-se uma excelente representação da vida de seu tempo, que encarnava os sonhos de Gogol, Belinsky e outras figuras progressistas, literatura sobre a aparição e triunfo no cenário nacional de personagens russos.
A atividade criativa de Ostrovsky teve uma grande influência em todo o desenvolvimento do drama progressivo russo. Foi com ele que nossos melhores dramaturgos estudaram, ele ensinou. Foi para ele que aspirantes a escritores dramáticos foram atraídos em seu tempo.

A força da influência de Ostrovsky sobre os escritores de sua época pode ser evidenciada por uma carta à poetisa dramaturga A. D. Mysovskaya. “Você sabe quão grande foi sua influência sobre mim? Não foi o amor pela arte que me fez entender e apreciar você: pelo contrário, você me ensinou a amar e respeitar a arte. Só a você devo o fato de ter resistido à tentação de cair na arena da miserável mediocridade literária, não correr atrás de louros baratos lançados pelas mãos de meio-educados agridoces. Você e Nekrasov me fizeram apaixonar pelo pensamento e pelo trabalho, mas Nekrasov me deu apenas o primeiro impulso, você é a direção. Lendo seus trabalhos, percebi que rimar não é poesia, e um conjunto de frases não é literatura, e que somente processando a mente e a técnica, o artista será um verdadeiro artista.
Ostrovsky teve um impacto poderoso não apenas no desenvolvimento do drama doméstico, mas também no desenvolvimento do teatro russo. A colossal importância de Ostrovsky no desenvolvimento do teatro russo é bem enfatizada em um poema dedicado a Ostrovsky e lido em 1903 por M. N. Yermolova no palco do Teatro Maly:

No palco, a própria vida, do palco sopra a verdade,
E o sol brilhante nos acaricia e nos aquece...
A fala viva de pessoas comuns e vivas soa,
No palco, nem um “herói”, nem um anjo, nem um vilão,
Mas apenas um homem... Feliz ator
Com pressa para quebrar rapidamente os grilhões pesados
Condições e mentiras. Palavras e sentimentos são novos

Mas nos segredos da alma, a resposta soa para eles, -
E todas as bocas sussurram: bem-aventurado o poeta,
Rasgou as capas de ouropel surradas
E lançar uma luz brilhante no reino das trevas

A famosa atriz escreveu sobre o mesmo em 1924 em suas memórias: “Junto com Ostrovsky, a própria verdade e a própria vida apareceram no palco ... Começou o crescimento do drama original, cheio de respostas à modernidade ... pobres, humilhados e insultados”.

A direção realista, abafada pela política teatral da autocracia, continuada e aprofundada por Ostrovsky, colocou o teatro no caminho da estreita ligação com a realidade. Só que deu vida ao teatro como um teatro folclórico nacional, russo.

“Você trouxe toda uma biblioteca de obras de arte como presente para a literatura, você criou seu próprio mundo especial para o palco. Você sozinho completou o edifício, em cuja fundação foram lançadas as pedras angulares de Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Esta maravilhosa carta foi recebida entre outras felicitações no ano do trigésimo quinto aniversário da atividade literária e teatral, Alexander Nikolaevich Ostrovsky de outro grande escritor russo - Goncharov.

Mas muito antes, sobre o primeiro trabalho do ainda jovem Ostrovsky, publicado em Moskvityanin, um sutil conhecedor de elegância e um observador sensível V. F. Odoevsky escreveu: este homem é um grande talento. Considero três tragédias na Rússia: “Undergrowth”, “Woe from Wit”, “Inspector”. Coloquei o número quatro em Falência.

De uma primeira avaliação tão promissora à carta de aniversário de Goncharov, uma vida cheia e ocupada; trabalho, e levou a uma relação tão lógica de avaliações, porque o talento exige, antes de tudo, grande trabalho em si mesmo, e o dramaturgo não pecou diante de Deus - ele não enterrou seu talento no chão. Tendo publicado o primeiro trabalho em 1847, Ostrovsky escreveu 47 peças e traduziu mais de vinte peças de línguas europeias. E ao todo, no teatro folclórico que ele criou, existem cerca de mil atores.
Pouco antes de sua morte, em 1886, Alexander Nikolayevich recebeu uma carta de L. N. Tolstoy, na qual o brilhante prosador admitia: rapidamente se torne na realidade o que você é sem dúvida - um escritor de todo o povo no sentido mais amplo.

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky é um "gigante da literatura teatral" (Lunacharsky), ele criou o teatro russo, todo um repertório no qual muitas gerações de atores foram criados, as tradições da arte do palco foram reforçadas e desenvolvidas. É difícil superestimar seu papel na história do desenvolvimento do drama russo e de toda a cultura nacional. Ele fez tanto pelo desenvolvimento da dramaturgia russa quanto Shakespeare fez na Inglaterra, Lope de Vega na Espanha, Molière na França, Goldoni na Itália e Schiller na Alemanha.

"A história deixou o nome de grandes e brilhantes apenas para aqueles escritores que souberam escrever para todo o povo, e apenas aquelas obras sobreviveram aos séculos que foram verdadeiramente populares em casa; tais obras acabaram se tornando compreensíveis e valiosas para outros povos, e finalmente, e para o mundo inteiro." Essas palavras do grande dramaturgo Alexander Nikolayevich Ostrovsky podem ser atribuídas ao seu próprio trabalho.

Apesar do assédio infligido pela censura, pelo comitê teatral e literário e pela direção dos teatros imperiais, apesar das críticas dos círculos reacionários, a dramaturgia de Ostrovsky ganhava a cada ano mais simpatia tanto entre os espectadores democráticos quanto entre os artistas.

Desenvolvendo as melhores tradições da arte dramática russa, usando a experiência da dramaturgia estrangeira progressiva, aprendendo incansavelmente sobre a vida de seu país natal, comunicando-se constantemente com o povo, conectando-se intimamente com o público contemporâneo mais progressista, Ostrovsky tornou-se uma excelente representação da vida de seu tempo, que encarnava os sonhos de Gogol, Belinsky e outras figuras progressistas, literatura sobre a aparição e triunfo no cenário nacional de personagens russos.

A atividade criativa de Ostrovsky teve uma grande influência em todo o desenvolvimento do drama progressivo russo. Foi com ele que nossos melhores dramaturgos estudaram, ele ensinou. Foi para ele que aspirantes a escritores dramáticos foram atraídos em seu tempo.

A força da influência de Ostrovsky sobre os escritores de sua época pode ser evidenciada por uma carta à poetisa dramaturga A. D. Mysovskaya. “Você sabe quão grande foi sua influência sobre mim? Não foi o amor pela arte que me fez entender e apreciar você: pelo contrário, você me ensinou a amar e respeitar a arte. Só a você devo o fato de ter resistido à tentação de cair na arena da miserável mediocridade literária, não correr atrás de louros baratos lançados pelas mãos de meio-educados agridoces. Você e Nekrasov me fizeram apaixonar pelo pensamento e pelo trabalho, mas Nekrasov me deu apenas o primeiro impulso, você é a direção. Lendo seus trabalhos, percebi que rimar não é poesia, e um conjunto de frases não é literatura, e que somente processando a mente e a técnica, o artista será um verdadeiro artista.

Ostrovsky teve um impacto poderoso não apenas no desenvolvimento do drama doméstico, mas também no desenvolvimento do teatro russo. A colossal importância de Ostrovsky no desenvolvimento do teatro russo é bem enfatizada em um poema dedicado a Ostrovsky e lido em 1903 por M. N. Yermolova no palco do Teatro Maly:

No palco, a própria vida, do palco sopra a verdade,

E o sol brilhante nos acaricia e nos aquece...

A fala viva de pessoas comuns e vivas soa,

No palco, nem um “herói”, nem um anjo, nem um vilão,

Mas apenas um homem... Feliz ator

Com pressa para quebrar rapidamente os grilhões pesados

Condições e mentiras. Palavras e sentimentos são novos

Mas nos segredos da alma, a resposta soa para eles, -

E todas as bocas sussurram: bem-aventurado o poeta,

Rasgou as capas de ouropel surradas

E lançar uma luz brilhante no reino das trevas

A famosa atriz escreveu sobre o mesmo em 1924 em suas memórias: “Junto com Ostrovsky, a própria verdade e a própria vida apareceram no palco ... Começou o crescimento do drama original, cheio de respostas à modernidade ... pobres, humilhados e insultados”.

A direção realista, abafada pela política teatral da autocracia, continuada e aprofundada por Ostrovsky, colocou o teatro no caminho da estreita ligação com a realidade. Só que deu vida ao teatro como um teatro folclórico nacional, russo.

“Você trouxe toda uma biblioteca de obras de arte como presente para a literatura, você criou seu próprio mundo especial para o palco. Você sozinho completou o edifício, em cuja fundação foram lançadas as pedras angulares de Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Esta maravilhosa carta foi recebida entre outras felicitações no ano do trigésimo quinto aniversário da atividade literária e teatral, Alexander Nikolaevich Ostrovsky de outro grande escritor russo - Goncharov.

Mas muito antes, sobre o primeiro trabalho do ainda jovem Ostrovsky, publicado em Moskvityanin, um sutil conhecedor de elegância e um observador sensível V. F. Odoevsky escreveu: este homem é um grande talento. Considero três tragédias na Rússia: “Undergrowth”, “Woe from Wit”, “Inspector”. Coloquei o número quatro em Falência.

De uma primeira avaliação tão promissora à carta de aniversário de Goncharov - uma vida cheia e ocupada; trabalho, e levou a uma relação tão lógica de avaliações, porque o talento exige, antes de tudo, grande trabalho em si mesmo, e o dramaturgo não pecou diante de Deus - ele não enterrou seu talento no chão. Tendo publicado o primeiro trabalho em 1847, Ostrovsky escreveu 47 peças e traduziu mais de vinte peças de línguas europeias. E no total, no teatro folclórico que ele criou, existem cerca de mil atores.

Pouco antes de sua morte, em 1886, Alexander Nikolayevich recebeu uma carta de L. N. Tolstoy, na qual o brilhante prosador admitia: rapidamente se torne na realidade o que você é, sem dúvida, um escritor de todo o povo no sentido mais amplo.

Mesmo antes de Ostrovsky, a dramaturgia russa progressiva teve peças magníficas. Recordemos o "Undergrowth" de Fonvizin, o "Woe from Wit" de Griboedov, o "Boris Godunov" de Pushkin, o "Inspector General" de Gogol e a "Masquerade" de Lermontov. Cada uma dessas peças poderia enriquecer e embelezar, como bem escreveu Belinsky, a literatura de qualquer país da Europa Ocidental.

Mas essas peças eram muito poucas. E não determinaram o estado do repertório teatral. Falando figurativamente, eles se elevavam acima do nível da dramaturgia de massa como montanhas solitárias e raras em uma planície desértica sem fim. A grande maioria das peças que enchiam a cena teatral da época eram traduções de vaudevilles vazios e frívolos e melodramas sentimentais tecidos de horrores e crimes. Tanto o vaudeville quanto o melodrama, terrivelmente distantes da vida, não eram nem mesmo sua sombra.

No desenvolvimento da dramaturgia russa e do teatro doméstico, o aparecimento de peças de A.N. Ostrovsky constituiu toda uma era. Voltaram bruscamente a dramaturgia e o teatro de volta à vida, à sua verdade, ao que realmente tocou e emocionou as pessoas da camada desprivilegiada da população, os trabalhadores. Criando "peças da vida", como Dobrolyubov as chamava, Ostrovsky atuou como um destemido cavaleiro da verdade, um lutador incansável contra o reino sombrio da autocracia, um impiedoso denunciante das classes dominantes - a nobreza, a burguesia e os funcionários que serviram fielmente eles.

Mas Ostrovsky não se limitou ao papel de um acusador satírico. Ele descreveu vividamente, com simpatia, as vítimas do despotismo sócio-político e doméstico, trabalhadores, buscadores da verdade, iluministas, protestantes calorosos contra a arbitrariedade e a violência.

O dramaturgo não só fez as pessoas do trabalho e do progresso, portadoras da verdade e da sabedoria do povo, os heróis positivos de suas peças, mas também escreveu em nome do povo e para o povo.

Ostrovsky retratou em suas peças a prosa da vida, pessoas comuns em circunstâncias cotidianas. Tomando os problemas universais do mal e do bem, da verdade e da injustiça, da beleza e da feiura como conteúdo de suas peças, Ostrovsky sobreviveu ao seu tempo e entrou em nossa era como seu contemporâneo.

O caminho criativo de A.N. Ostrovsky durou quatro décadas. Ele escreveu suas primeiras obras em 1846, e sua última em 1886.

Durante este tempo, ele escreveu 47 peças originais e várias peças em colaboração com Solovyov (“Casamento de Balzaminov”, “Selvagem”, “Brilha mas não aquece”, etc.); fez muitas traduções do italiano, espanhol, francês, inglês, indiano (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 peças). São 728 papéis, 180 atos em suas peças; toda a Rússia está representada. Variedade de gêneros: comédias, dramas, crônicas dramáticas, cenas familiares, tragédias, esquetes dramáticos são apresentados em sua dramaturgia. Ele atua em seu trabalho como romântico, chefe de família, trágico e comediante.

Claro, qualquer periodização é até certo ponto condicional, mas para melhor navegar na diversidade da obra de Ostrovsky, vamos dividir seu trabalho em várias etapas.

1846 - 1852 - a fase inicial da criatividade. As obras mais importantes escritas durante este período: “Anotações de um residente de Zamoskvoretsky”, as peças “Um retrato da felicidade da família”, “Pessoas próprias - vamos nos estabelecer”, “A pobre noiva”.

1853 - 1856 - o chamado período "eslavófilo": "Não entre no seu trenó". "A pobreza não é um vício", "Não viva como você quer."

1856 - 1859 - reaproximação com o círculo de Sovremennik, um retorno às posições realistas. As peças mais importantes desse período: "Um lugar lucrativo", "O aluno", "Uma ressaca na festa de outra pessoa", "A trilogia de Balzaminov" e, finalmente, criada durante o período da situação revolucionária, "Tempestade" .

1861 - 1867 - aprofundando no estudo da história nacional, o resultado são as crônicas dramáticas de Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, Dmitry the Pretender e Vasily Shuisky, Tushino, o drama Vasilisa Melentievna, a comédia Voyevoda ou Dream on the Volga.

1869 - 1884 - as peças criadas durante esse período de criatividade são dedicadas às relações sociais e domésticas que se desenvolveram na vida russa após a reforma de 1861. As peças mais importantes deste período: “Simplicidade suficiente para todo homem sábio”, “Coração Quente”, “Dinheiro Louco”, “Floresta”, “Lobos e Ovelhas”, “Última Vítima”, “Amor Tardio”, “Talentos e Admiradores”, “Culpado sem culpa”.

As peças de Ostrovsky não surgiram do nada. Sua aparição está diretamente ligada às peças de Griboedov e Gogol, que absorveram tudo de valioso que a comédia russa que os precedeu alcançou. Ostrovsky conhecia bem a velha comédia russa do século XVIII, estudou especialmente as obras de Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov. Por outro lado - a influência da prosa da "escola natural".

Ostrovsky chegou à literatura no final da década de 1940, quando a dramaturgia de Gogol foi reconhecida como o maior fenômeno literário e social. Turgenev escreveu: "Gogol mostrou como nossa literatura dramática irá com o tempo". Ostrovsky, desde os primeiros passos de sua atividade, percebeu-se como um sucessor das tradições de Gogol, a "escola natural", ele se considerava entre os autores de "uma nova tendência em nossa literatura".

Os anos de 1846 a 1859, quando Ostrovsky trabalhou em sua primeira grande comédia "Our People - Let's Settle", foram os anos de sua formação como escritor realista.

O programa ideológico e artístico de Ostrovsky, o dramaturgo, está claramente exposto em seus artigos críticos e resenhas. O artigo "Erro", a história de Madame Tour" ("Moskvityanin", 1850), um artigo inacabado sobre o romance de Dickens "Dombey and Son" (1848), uma revisão da comédia de Menshikov "Fads", ("Moskvityanin" 1850 ), "Nota sobre a situação da Arte Dramática na Rússia no Tempo Presente" (1881), "A Table Word on Pushkin" (1880).

As visões socioliterárias de Ostrovsky são caracterizadas pelas seguintes disposições principais:

Primeiro, ele acredita que o drama deve ser um reflexo da vida das pessoas, da consciência das pessoas.

O povo de Ostrovsky é, antes de tudo, a massa democrática, as classes baixas, as pessoas comuns.

Ostrovsky exigia que o escritor estudasse a vida do povo, aqueles problemas que preocupam o povo.

“Para ser um escritor do povo”, escreve ele, “não basta o amor à pátria... é preciso conhecer bem o povo, conviver melhor com ele, relacionar-se. A melhor escola para o talento é o estudo da nacionalidade.

Em segundo lugar, Ostrovsky fala sobre a necessidade de identidade nacional para a dramaturgia.

A nacionalidade da literatura e da arte é entendida por Ostrovsky como uma consequência integral de sua nacionalidade e democracia. "Só essa arte é nacional, que é popular, pois o verdadeiro portador da nacionalidade é a massa popular e democrática."

Na "Palavra da Mesa sobre Pushkin" - um exemplo de tal poeta é Pushkin. Pushkin é um poeta do povo, Pushkin é um poeta nacional. Pushkin desempenhou um grande papel no desenvolvimento da literatura russa porque "deu coragem ao escritor russo para ser russo".

E, por fim, a terceira disposição trata do caráter socialmente acusatório da literatura. “Quanto mais popular a obra, mais o elemento acusatório nela, porque a “característica distintiva do povo russo” é “aversão a tudo que é nitidamente definido”, falta de vontade de retornar às “velhas formas já condenadas” de vida, o desejo de “buscar o melhor”.

O público espera que a arte denuncie os vícios e deficiências da sociedade, julgue a vida.

Condenando esses vícios em suas imagens artísticas, o escritor desperta no público o desgosto, faz com que sejam melhores, mais morais. Portanto, “a direção social denunciadora pode ser chamada de moral e pública”, enfatiza Ostrovsky. Falando da direção social acusatória ou moral-pública, ele quer dizer:

crítica acusatória do modo de vida dominante; proteção de princípios morais positivos, ou seja, proteger as aspirações das pessoas comuns e sua busca pela justiça social.

Assim, o termo "direção moral acusatória" em seu significado objetivo aproxima-se do conceito de realismo crítico.

As obras de Ostrovsky, escritas por ele no final dos anos 40 e início dos anos 50, “Um retrato da felicidade da família”, “Notas de um residente de Zamoskvoretsky”, “Nosso povo - vamos nos estabelecer”, “A pobre noiva - estão organicamente conectadas com o literatura da escola natural.

“O retrato da felicidade familiar” tem, em grande parte, a natureza de um ensaio dramatizado: não se divide em fenômenos, não há conclusão da trama. Ostrovsky se propôs a representar a vida dos mercadores. O herói interessa a Ostrovsky apenas como representante de sua propriedade, seu modo de vida, seu modo de pensar. Vai além da escola natural. Ostrovsky revela a estreita conexão entre a moralidade de seus personagens e sua existência social.

Ele coloca a vida familiar dos comerciantes em conexão direta com as relações monetárias e materiais desse ambiente.

Ostrovsky condena completamente seus heróis. Seus heróis expressam seus pontos de vista sobre família, casamento, educação, como se demonstrassem a selvageria desses pontos de vista.

Essa técnica era comum na literatura satírica dos anos 40 - o método de autoexposição.

O trabalho mais significativo de Ostrovsky 40-s. - veio a comédia "Nosso povo - vamos resolver" (1849), que foi percebida pelos contemporâneos como uma grande conquista da escola natural no drama.

"Ele começou extraordinário", escreve Turgenev sobre Ostrovsky.

A comédia imediatamente atraiu a atenção das autoridades. Quando a censura submeteu a peça ao czar para consideração, Nicolau I escreveu: “Impresso em vão! Para jogar mesmo ban, em qualquer caso.

O nome de Ostrovsky foi colocado na lista de pessoas não confiáveis, e o dramaturgo foi colocado sob vigilância policial secreta por cinco anos. O “Caso do escritor Ostrovsky” foi aberto.

Ostrovsky, como Gogol, critica os próprios fundamentos das relações que dominam a sociedade. Ele é crítico da vida social contemporânea e, nesse sentido, é um seguidor de Gógol. E, ao mesmo tempo, Ostrovsky imediatamente se definiu como um escritor - um inovador. Comparando as obras da fase inicial de sua obra (1846-1852) com as tradições de Gogol, vejamos que novidades Ostrovsky trouxe para a literatura.

A ação da "alta comédia" de Gogol ocorre como se estivesse em um mundo de realidade irracional - "O Inspetor do Governo".

Gogol testou uma pessoa em sua atitude em relação à sociedade, ao dever cívico - e mostrou - que é assim que essas pessoas são. Este é o centro dos vícios. Eles não se importam com a sociedade em tudo. Eles são guiados em seu comportamento por cálculos estritamente egoístas, interesses egoístas.

Gogol não se concentra na vida cotidiana - risos em meio às lágrimas. A burocracia para ele atua não como uma camada social, mas como uma força política que determina a vida da sociedade como um todo.

Ostrovsky tem algo completamente diferente - uma análise completa da vida social.

Como os heróis dos ensaios da escola natural, os heróis de Ostrovsky são representantes comuns, típicos de seu ambiente social, que é compartilhado por sua vida cotidiana comum, todos os seus preconceitos.

a) Na peça "Nosso povo - vamos resolver" Ostrovsky cria uma biografia típica de um comerciante, fala sobre como o capital é acumulado.

Bolshov vendia tortas de uma barraca quando criança e depois se tornou um dos primeiros homens ricos em Zamoskvorechye.

Podkhalyuzin fez seu capital roubando o proprietário e, finalmente, Tishka é um menino de recados, mas, no entanto, ele já sabe como agradar o novo proprietário.

Aqui são dados, por assim dizer, três estágios da carreira de um comerciante. Através de seu destino, Ostrovsky mostrou como o capital é constituído.

b) A peculiaridade da dramaturgia de Ostrovsky foi que ele mostrou essa questão - como o capital é constituído em um ambiente mercantil - por meio da consideração das relações intrafamiliares, cotidianas, ordinárias.

Foi Ostrovsky quem foi o primeiro no drama russo a considerar fio a fio a teia das relações cotidianas. Ele foi o primeiro a introduzir na esfera da arte todas essas ninharias da vida, segredos de família, assuntos econômicos mesquinhos. Um lugar enorme é ocupado por cenas cotidianas aparentemente sem sentido. Muita atenção é dada às poses, gestos dos personagens, suas maneiras de falar, seu próprio discurso.

As primeiras peças de Ostrovsky pareciam ao leitor inusitadas, não para o palco, mais como narrativa do que como obras dramáticas.

O círculo de obras de Ostrovsky, diretamente relacionado à escola natural dos anos 40, fecha-se com a peça A Noiva Pobre (1852).

Nele, Ostrovsky mostra a mesma dependência de uma pessoa nas relações econômicas e monetárias. Vários pretendentes procuram a mão de Marya Andreevna, mas aquele que a consegue não precisa fazer nenhum esforço para atingir o objetivo. A lei econômica conhecida de uma sociedade capitalista funciona para ele, onde tudo é decidido pelo dinheiro. A imagem de Marya Andreevna começa na obra de Ostrovsky, um novo tópico para ele, a posição de uma menina pobre em uma sociedade onde tudo é determinado pelo cálculo comercial. ("Floresta", "Aluno", "Dote").

Assim, pela primeira vez em Ostrovsky (ao contrário de Gogol), não apenas o vício aparece, mas também uma vítima do vício. Além dos senhores da sociedade moderna, há aqueles que se opõem a eles - aspirações cujas necessidades estão em conflito com as leis e costumes desse ambiente. Isso implicou novas cores. Ostrovsky descobriu novos aspectos de seu talento - satirismo dramático. “Próprias pessoas - vamos contar” - sátira.

A maneira artística de Ostrovsky nesta peça é ainda mais diferente da dramaturgia de Gogol. A trama perde sua vantagem aqui. É baseado em um caso comum. O tema que foi dublado em "Casamento" de Gogol e recebeu cobertura satírica - a transformação do casamento em compra e venda, aqui adquiriu uma sonoridade trágica.

Mas, ao mesmo tempo, é uma comédia em termos de caracterização, em termos de posições. Mas se os heróis de Gogol causam riso e condenação do público, então em Ostrovsky o espectador viu sua vida cotidiana, sentiu profunda simpatia por alguns - outros condenados.

A segunda etapa das atividades de Ostrovsky (1853 - 1855) é marcada pelo selo das influências eslavófilas.

Em primeiro lugar, essa transição de posições de Ostrovsky para eslavófilas deve ser explicada pela intensificação da atmosfera, a reação que se estabelece nos "sete anos sombrios" de 1848-1855.

De que maneira específica essa influência apareceu, quais idéias dos eslavófilos se aproximaram de Ostrovsky? Em primeiro lugar, a aproximação de Ostrovsky com os chamados “jovens editores” do The Moskvityanin, cujo comportamento deve ser explicado por seu interesse característico pela vida nacional russa, pela arte popular e pelo passado histórico do povo, que era muito próximo de Ostrovsky .

Mas Ostrovsky não conseguiu distinguir nesse interesse o principal princípio conservador, que se manifestou nas contradições sociais predominantes, em uma atitude hostil ao conceito de progresso histórico, em admiração por tudo o que é patriarcal.

De fato, os eslavófilos atuaram como ideólogos dos elementos socialmente atrasados ​​da pequena e média burguesia.

Um dos ideólogos mais proeminentes da "Edição Jovem" de "Moskvityanin" Apollon Grigoriev argumentou que existe um único "espírito nacional" que constitui a base orgânica da vida das pessoas. Capturar esse espírito nacional é a coisa mais importante para um escritor.

As contradições sociais, a luta de classes - são estratificações históricas que serão superadas e que não violam a unidade da nação.

O escritor deve mostrar os princípios morais eternos do caráter do povo. O portador desses princípios morais eternos, o espírito do povo, é a classe “média, industrial, mercantil”, porque foi essa classe que preservou o patriarcado das tradições da antiga Rússia, preservou a fé, os costumes e a linguagem da antiga Rússia. os pais. Esta classe não foi tocada pela falsidade da civilização.

O reconhecimento oficial de Ostrovsky dessa doutrina é sua carta em setembro de 1853 a Pogodin (o editor de Moskvityanin), na qual Ostrovsky escreve que agora se tornou um defensor da "nova direção", cuja essência é apelar aos princípios positivos da vida cotidiana e do caráter popular.

A visão anterior das coisas agora lhe parece "jovem e muito cruel". A denúncia dos vícios sociais não parece ser a tarefa principal.

“Corretores serão encontrados mesmo sem nós. Para ter o direito de corrigir as pessoas sem ofendê-las, é preciso mostrar a elas que se conhece o bem por trás delas” (setembro de 1853), escreve Ostrovsky.

Uma característica distintiva do povo russo de Ostrovsky nesta fase não é sua vontade de renunciar às normas ultrapassadas da vida, mas o patriarcado, a adesão às condições fundamentais e inalteradas da vida. Ostrovsky agora quer combinar o “alto com o cômico” em suas peças, entendendo pelo alto as características positivas da vida mercantil e pelo “cômico” - tudo o que está fora do círculo mercantil, mas exercendo sua influência sobre ele.

Essas novas visões de Ostrovsky encontraram sua expressão em três peças ditas "esslavófilas" de Ostrovsky: "Não se sente em seu trenó", "A pobreza não é um vício", "Não viva como você quer".

Todas as três peças eslavófilas de Ostrovsky têm um começo definidor - uma tentativa de idealizar os fundamentos patriarcais da vida e a moralidade familiar da classe mercantil.

E nessas peças, Ostrovsky se volta para a família e assuntos cotidianos. Mas por trás deles não há mais relações econômicas, sociais.

Família, relações domésticas são interpretadas em termos puramente morais - tudo depende das qualidades morais das pessoas, não há interesses materiais e monetários por trás disso. Ostrovsky tenta encontrar uma maneira de resolver as contradições em termos morais, no renascimento moral dos personagens. (A iluminação moral de Gordey Tortsov, a nobreza da alma de Borodkin e Rusakov). A tirania se justifica não tanto pela existência de capital, relações econômicas, mas pelas propriedades pessoais de uma pessoa.

Ostrovsky descreve aqueles aspectos da vida mercantil, nos quais, ao que parece, o nacional, o chamado "espírito nacional" está concentrado. Portanto, ele se concentra nos lados poéticos e brilhantes da vida mercantil, introduz motivos rituais, folclóricos, mostrando o início "folclórico" da vida dos heróis em detrimento de sua certeza social.

Ostrovsky enfatizou nas peças desse período a proximidade de seus heróis-mercadores com o povo, seus laços sociais e domésticos com o campesinato. Dizem de si que são pessoas “simples”, “mal-educadas”, que seus pais eram camponeses.

Do lado artístico, essas peças são claramente mais fracas que as anteriores. Sua composição é deliberadamente simplificada, os personagens se tornaram menos claros e o desfecho menos justificado.

As peças desse período são caracterizadas pelo didatismo, contrastam abertamente os princípios claros e sombrios, os personagens são nitidamente divididos em “bem” e “mal”, o vício é punido no desenlace. As peças do "período eslavófilo" são caracterizadas pela moralidade aberta, sentimentalismo e edificação.

Ao mesmo tempo, deve-se dizer que, durante esse período, Ostrovsky, em geral, permaneceu em uma posição realista. De acordo com Dobrolyubov, "o poder do sentimento artístico direto também não poderia deixar o autor aqui e, portanto, posições privadas e personagens individuais são distinguidos pela verdade genuína".

O significado das peças de Ostrovsky escritas durante este período reside, em primeiro lugar, no fato de que elas continuam a ridicularizar e condenar a tirania em qualquer forma que ela se manifeste /Lubim Tortsov/. (Se Bolshov - rude e diretamente - é um tipo de tirano, então Rusakov é amolecido e manso).

Dobrolyubov: “Em Bolshov vimos uma natureza vigorosa, influenciada pela vida mercantil, em Rusakov parece-nos: mas é assim que até naturezas honestas e gentis saem com ele”.

Bolshov: “O que eu e meu pai devemos fazer se não der ordens?”

Rusakov: "Não darei por quem ela ama, mas por quem eu amo."

A glorificação da vida patriarcal nessas peças é contraditória combinada com a formulação de questões sociais agudas, e o desejo de criar imagens que encarnassem os ideais nacionais (Rusakov, Borodkin), com simpatia pelos jovens que trazem novas aspirações, oposição a tudo patriarcal, velho. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

Nessas peças, o desejo de Ostrovsky de encontrar um começo brilhante e positivo nas pessoas comuns foi expresso.

É assim que surge o tema do humanismo popular, a amplitude da natureza de uma pessoa simples, que se expressa na capacidade de olhar com ousadia e independência para o meio ambiente e na capacidade de às vezes sacrificar os próprios interesses pelo bem dos outros.

Este tema foi então tocado em peças centrais de Ostrovsky como "Tempestade", "Floresta", "Dote".

A ideia de criar uma performance folclórica - uma performance didática - não era alheia a Ostrovsky quando criou "A pobreza não é um vício" e "Não viva como você quer".

Ostrovsky procurou transmitir os princípios éticos do povo, a base estética de sua vida, para evocar uma resposta do espectador democrático à poesia de sua vida natal, a antiguidade nacional.

Ostrovsky foi guiado nisso pelo nobre desejo de "dar ao espectador democrático uma inoculação cultural inicial". Outra coisa é a idealização da humildade, da humildade, do conservadorismo.

A avaliação das peças eslavófilas nos artigos de Chernyshevsky "A pobreza não é um vício" e "Dark Kingdom" de Dobrolyubov é curiosa.

Chernyshevsky publicou seu artigo em 1854, quando Ostrovsky estava perto dos eslavófilos, e havia o perigo de Ostrovsky se afastar de posições realistas. Chernyshevsky chama as peças de Ostrovsky de "A pobreza não é um vício" e "Não se sente em seu próprio trenó" de "falsas", mas continua: "Ostrovsky ainda não arruinou seu maravilhoso talento, ele precisa retornar a uma direção realista". “Na verdade, o poder do talento, uma direção errônea destrói até o talento mais forte”, conclui Chernyshevsky.

O artigo de Dobrolyubov foi escrito em 1859, quando Ostrovsky se libertou das influências eslavófilas. Era inútil relembrar equívocos anteriores, e Dobrolyubov, limitando-se a uma insinuação monótona sobre essa partitura, concentra-se em revelar o início realista dessas mesmas jogadas.

As avaliações de Chernyshevsky e Dobrolyubov se complementam e são um exemplo dos princípios da crítica democrática revolucionária.

No início de 1856, uma nova etapa começou na obra de Ostrovsky.

O dramaturgo se aproxima dos editores do Sovremennik. Essa reaproximação coincide com o período de ascensão das forças sociais progressistas, com o amadurecimento de uma situação revolucionária.

Ele, como se seguisse o conselho de Nekrasov, retorna ao caminho do estudo da realidade social, o caminho da criação de peças analíticas nas quais são dadas imagens da vida moderna.

(Em uma resenha da peça “Não viva do jeito que você quer”, Nekrasov o aconselhou, abandonando todas as ideias preconcebidas, a seguir o caminho que seu próprio talento levaria: “dê livre desenvolvimento ao seu talento” - o caminho da retratando a vida real).

Chernyshevsky enfatiza o "maravilhoso talento, forte talento de Ostrovsky. Dobrolyubov - "o poder do talento artístico" do dramaturgo.

Durante este período, Ostrovsky criou peças tão significativas como "O Aluno", "Lugar Lucrativo", a trilogia sobre Balzaminov e, finalmente, durante o período da situação revolucionária - "Tempestade".

Este período da obra de Ostrovsky é caracterizado, em primeiro lugar, pela expansão do escopo dos fenômenos da vida, pela expansão dos tópicos.

Em primeiro lugar, no campo de sua pesquisa, que inclui o senhorio, ambiente de servo, Ostrovsky mostrou que o proprietário de terras Ulanbekova (“O Aluno”) zomba de suas vítimas tão cruelmente quanto os mercadores analfabetos e ignorantes.

Ostrovsky mostra que a mesma luta entre os ricos e os pobres, os mais velhos e os mais novos, está acontecendo tanto no ambiente da nobreza latifundiária quanto no mercantil.

Além disso, no mesmo período, Ostrovsky levanta o tema do filistinismo. Ostrovsky foi o primeiro escritor russo a perceber e descobrir artisticamente o filistinismo como um grupo social.

O dramaturgo descobriu no filistinismo um interesse predominante e ofuscante a todos os outros interesses no material, o que Gorky mais tarde definiu como "um feio senso de propriedade desenvolvido".

Na trilogia sobre Balzaminov (“Sono festivo - antes do jantar”, “Seus próprios cães mordem, não incomodam os de outra pessoa”, “O que você procura, você encontrará”) / 1857-1861 /, Ostrovsky denuncia o mesquinho modo de existência burguês, com sua mentalidade, limitações, vulgaridade, ganância, sonhos ridículos.

Na trilogia sobre Balzaminov, revela-se não apenas a ignorância ou a estreiteza de espírito, mas uma espécie de miséria intelectual, a inferioridade de um comerciante. A imagem é construída na oposição dessa inferioridade mental, insignificância moral - e complacência, confiança no próprio direito.

Nesta trilogia há elementos de vaudeville, bufonaria, características de comédia externa. Mas nela prevalece a comédia interna, pois a figura de Balzaminov é internamente cômica.

Ostrovsky mostrou que o reino dos filisteus é o mesmo reino escuro da vulgaridade impenetrável, selvageria, que é direcionada para um objetivo - o lucro.

A peça seguinte - "Lugar lucrativo" - testemunha o retorno de Ostrovsky ao caminho da dramaturgia "moral e acusatória". No mesmo período, Ostrovsky foi o descobridor de outro reino sombrio - o reino dos funcionários, a burocracia real.

Durante os anos da abolição da servidão, a denúncia das ordens burocráticas teve um significado político especial. A burocracia era a expressão mais completa do sistema autocrático-feudal. Incorporava a essência exploradora-predatória da autocracia. Não era mais apenas uma arbitrariedade doméstica, mas uma violação de interesses comuns em nome da lei. É em conexão com esta peça que Dobrolyubov expande o conceito de "tirania", entendendo-o como autocracia em geral.

“Profitable Place” lembra a comédia de N. Gogol “Inspector General” em termos de questões. Mas se em O Inspetor Geral os funcionários que cometem ilegalidades se sentem culpados e temem retribuição, os funcionários de Ostrovsky estão imbuídos da consciência de sua justiça e impunidade. Suborno, abuso, parecem a eles e a outros a norma.

Ostrovsky enfatizou que a distorção de todas as normas morais na sociedade é a lei, e a própria lei é algo ilusório. Tanto os funcionários como as pessoas que deles dependem sabem que as leis estão sempre do lado de quem detém o poder.

Assim, os funcionários - pela primeira vez na literatura - Ostrovsky são mostrados como uma espécie de negociantes da lei. (O funcionário pode virar a lei como quiser).

Um novo herói também apareceu na peça de Ostrovsky - um jovem oficial Zhadov, que acabara de se formar na universidade. O conflito entre os representantes da antiga formação e Zhadov adquire a força de uma contradição irreconciliável:

a / Ostrovsky conseguiu mostrar o fracasso das ilusões sobre um funcionário honesto como uma força capaz de deter os abusos do governo.

b/ luta contra o "Yusovismo" ou compromisso, traição de ideais - Zhadov não tem outra escolha.

Ostrovsky denunciou esse sistema, essas condições de vida que dão origem aos subornados. O significado progressivo da comédia reside no fato de que nela a negação irreconciliável do velho mundo e o "yusovismo" se fundem com a busca de uma nova moral.

Zhadov é um homem fraco, não aguenta a luta, também vai pedir uma "posição lucrativa".

Chernyshevsky acreditava que a peça teria sido ainda mais forte se tivesse terminado no quarto ato, ou seja, com o grito de desespero de Zhadov: “Vamos ao tio pedir um emprego lucrativo!” Na quinta, Zhadov é confrontado com o abismo que quase o arruinou moralmente. E, embora o fim de Vyshimirsky não seja típico, há um elemento de acaso na salvação de Zhadov, suas palavras, sua crença de que “em algum lugar há outras pessoas mais persistentes e dignas” que não se comprometerão, não se reconciliarão, não ceder, falar sobre a perspectiva de maior desenvolvimento de novas relações sociais. Ostrovsky previu a próxima ascensão social.

O rápido desenvolvimento do realismo psicológico, que observamos na segunda metade do século XIX, também se manifestou na dramaturgia. O segredo da escrita dramática de Ostrovsky não está nas características unidimensionais dos tipos humanos, mas no desejo de criar personagens humanos de sangue puro, cujas contradições e lutas internas servem como um poderoso impulso para o movimento dramático. G.A. Tovstonogov falou bem sobre essa característica da maneira criativa de Ostrovsky, referindo-se, em particular, a Glumov da comédia Bastante Simplicidade para Todo Sábio, um personagem longe do ideal: “Por que Glumov é encantador, embora cometa uma série de atos vis? ele é antipático conosco, então não há desempenho.O que o torna encantador é o ódio a este mundo, e nós justificamos interiormente sua forma de retribuição com ele.

O interesse pela personalidade humana em todos os seus estados obrigou os escritores a buscar meios de expressá-los. No drama, o principal meio foi a individualização estilística da linguagem dos personagens, e foi Ostrovsky quem desempenhou o papel principal no desenvolvimento desse método. Além disso, no psicologismo, Ostrovsky tentou ir mais longe, no caminho de dar a seus personagens o máximo de liberdade possível no âmbito da intenção do autor - o resultado de tal experimento foi a imagem de Katerina em The Thunderstorm.

Em "Tempestade", Ostrovsky subiu à imagem de uma trágica colisão de sentimentos humanos vivos com a vida mortal de construção de casas.

Apesar da variedade de tipos de conflitos dramáticos apresentados nas primeiras obras de Ostrovsky, sua poética e sua atmosfera geral eram determinadas, antes de tudo, pelo fato de que a tirania se dava nelas como um fenômeno natural e inevitável da vida. Mesmo as chamadas peças "esslavófilas", com sua busca por princípios brilhantes e bons, não destruíram e não violaram a atmosfera opressiva da tirania. A peça "The Thunderstorm" também é caracterizada por essa coloração geral. E, ao mesmo tempo, há uma força nela que se opõe resolutamente à rotina terrível e mortal - esse é o elemento folclórico, expresso tanto em personagens folclóricos (Katerina, em primeiro lugar, Kuligin e até Kudryash), quanto na natureza russa, que se torna um elemento essencial da ação dramática.

A peça "Tempestade", que levantou as questões complexas da vida moderna e apareceu na imprensa e no palco apenas às vésperas da chamada "libertação" dos camponeses, testemunhou que Ostrovsky estava livre de quaisquer ilusões sobre os caminhos da sociedade desenvolvimento na Rússia.

Mesmo antes da publicação de "Thunderstorm" apareceu no palco russo. A estreia aconteceu em 16 de novembro de 1859 no Maly Theatre. Atores magníficos estiveram envolvidos na peça: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Wild), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) e outros. A produção foi dirigida pelo próprio N. Ostrovsky. A estreia foi um enorme sucesso, e as performances subsequentes foram triunfantes. Um ano após a brilhante estreia de The Thunderstorm, a peça recebeu o mais alto prêmio acadêmico - o Grande Prêmio Uvarov.

Em The Thunderstorm, o sistema social da Rússia é fortemente denunciado, e a morte da personagem principal é mostrada pela dramaturga como consequência direta de sua situação desesperadora no "reino das trevas". O conflito em The Thunderstorm é construído sobre a colisão irreconciliável da amante da liberdade Katerina com o terrível mundo dos javalis e javalis, com leis bestiais baseadas na "crueldade, mentira, zombaria, humilhação da pessoa humana. Katerina foi contra a tirania e o obscurantismo , armada apenas com o poder de seus sentimentos, a consciência do direito à vida, felicidade e amor. para uma nova vida, mesmo que ela tivesse que morrer nesse impulso."

Desde a infância, Katerina foi criada em um ambiente peculiar que se desenvolveu em seu sonho romântico, religiosidade e sede de liberdade. Esses traços de caráter determinaram ainda mais a tragédia de sua posição. Criada em um espírito religioso, ela entende toda a "pecatividade" de seus sentimentos por Boris, mas não consegue resistir à atração natural e se rende completamente a esse impulso.

Katerina se opõe não apenas aos "conceitos de moralidade de Kabanov". Ela protesta abertamente contra os dogmas religiosos imutáveis ​​que afirmavam a inviolabilidade categórica do casamento na igreja e condenavam o suicídio como contrário ao ensinamento cristão. Tendo em mente essa plenitude do protesto de Katerina, Dobrolyubov escreveu: “Aqui está a verdadeira força de caráter, na qual você pode confiar! Esta é a altura a que nossa vida popular atinge em seu desenvolvimento, mas a que muito poucos em nossa literatura foram capazes de subir, e ninguém foi capaz de segurá-la tão bem quanto Ostrovsky.

Katerina não quer aturar a situação mortal ao redor. "Eu não quero viver aqui, então não vou, mesmo se você me cortar!", diz ela a Varvara. E ela comete suicídio. O personagem de Katerina é complexo e multifacetado. Essa complexidade é evidenciada de forma mais eloquente, talvez, por o fato de que muitos artistas de destaque, começando com dominantes aparentemente completamente opostos do personagem do personagem principal, não conseguiram esgotá-lo até o fim. Todas essas várias interpretações não revelaram completamente o principal no personagem de Katerina: seu amor, ao qual ela se entrega com toda a imediatez de uma natureza jovem. Sua experiência de vida é insignificante, sobretudo em sua natureza desenvolve-se um senso de beleza, uma percepção poética da natureza. Porém, seu caráter se dá em movimento, em desenvolvimento. a contemplação da natureza, como sabemos da peça, não é suficiente para ela. Precisamos de outras áreas de aplicação das forças espirituais. A oração, o serviço, os mitos também são meios de satisfazer a poesia sentimento de tique do personagem principal.

Dobrolyubov escreveu: “Não são os rituais que a ocupam na igreja: ela não ouve nada do que cantam e lêem lá; ela tem outra música na alma, outras visões, para ela o culto termina imperceptivelmente, como se fosse em um segundo. Ela está ocupada com árvores estranhamente desenhadas em imagens, e ela imagina todo um país de jardins, onde todas essas árvores estão, e tudo está florido, perfumado, tudo está cheio de cantos celestiais. Caso contrário, em um dia ensolarado, ela verá como “uma coluna tão brilhante desce da cúpula, e a fumaça está andando nesta coluna, como nuvens”, e agora ela já vê, “como se anjos estivessem voando e cantando neste pilar." Às vezes ela se apresenta - por que ela não deveria voar? E quando ela está em uma montanha, ela é atraída para voar assim: assim, ela fugia, levantava as mãos e voava...”.

Uma nova, ainda inexplorada esfera de manifestação de seus poderes espirituais foi seu amor por Boris, que acabou se tornando a causa de sua tragédia. “A paixão de uma mulher nervosa e apaixonada e a luta com dívidas, queda, arrependimento e pesada expiação pela culpa - tudo isso é preenchido com o mais vivo interesse dramático e é conduzido com extraordinária arte e conhecimento do coração”, observou I. A. Goncharov com razão .

Quantas vezes a paixão, o imediatismo da natureza de Katerina, é condenado, e sua profunda luta espiritual é percebida como uma manifestação de fraqueza. Enquanto isso, nas memórias do artista E. B. Piunova-Shmidthof, encontramos a curiosa história de Ostrovsky sobre sua heroína: “Katerina”, Alexander Nikolayevich me disse, “é uma mulher com uma natureza apaixonada e um caráter forte. Ela provou isso com seu amor por Boris e suicídio. Katerina, embora sobrecarregada pelo ambiente, na primeira oportunidade se entrega à sua paixão, dizendo antes disso: “Aconteça o que acontecer, mas vou ver Boris!” Diante da imagem do inferno, Katerina não se enfurece e histeria, mas apenas com seu rosto e toda a figura deve retratar o medo mortal. Na cena de despedida de Boris, Katerina fala baixinho, como uma paciente, e apenas as últimas palavras: “Meu amigo! Minha alegria! Adeus!" - Ele fala o mais alto possível. A posição de Katherine tornou-se desesperadora. Você não pode morar na casa do seu marido... Não tem para onde ir. Aos pais? Sim, a essa altura já a teriam amarrado e levado ao marido. Katerina chegou à conclusão de que era impossível viver como vivia antes e, tendo força de vontade, afogou-se ... ".

“Sem medo de ser acusado de exagero”, escreveu I. A. Goncharov, “posso dizer honestamente que não havia trabalho como drama em nossa literatura. Ela, sem dúvida, ocupa e provavelmente ocupará por muito tempo o primeiro lugar nas altas belezas clássicas. De qualquer lado que seja tomado, seja do lado do plano de criação, seja do movimento dramático, ou, finalmente, dos personagens, está por toda parte imprimido o poder da criatividade, a sutileza da observação e a elegância da decoração. Em The Thunderstorm, de acordo com Goncharov, "um quadro amplo da vida e dos costumes nacionais diminuiu".

Ostrovsky concebeu The Thunderstorm como uma comédia e depois o chamou de drama. N. A. Dobrolyubov falou com muito cuidado sobre a natureza do gênero The Thunderstorm. Ele escreveu que "as relações mútuas de tirania e falta de voz são levadas às consequências mais trágicas".

Em meados do século 19, a definição de Dobrolyubov do “jogo da vida” acabou sendo mais ampla do que a subdivisão tradicional da arte dramática, que ainda estava sob o peso das normas classicistas. No drama russo, houve um processo de convergência da poesia dramática com a realidade cotidiana, o que naturalmente afetou sua natureza de gênero. Ostrovsky, por exemplo, escreveu: “A história da literatura russa tem dois ramos que finalmente se fundiram: um ramo é o enxerto e é filho de uma semente estrangeira, mas bem enraizada; vai de Lomonosov a Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky e assim por diante. para Pushkin, onde ele começa a convergir com outro; o outro - de Kantemir, através das comédias do mesmo Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboedov a Gogol; nele ambos estão completamente fundidos; acabou o dualismo. De um lado: odes laudatórias, tragédias francesas, imitações dos antigos, a sensibilidade do final do século XVIII, o romantismo alemão, a literatura juvenil frenética; e, por outro lado: sátiras, comédias, comédias e "almas mortas", a Rússia, como se ao mesmo tempo, na pessoa de seus melhores escritores, vivesse período após período a vida das literaturas estrangeiras e elevasse sua própria à universalidade humana. significado.

A comédia, assim, se mostrou mais próxima dos fenômenos cotidianos da vida russa, respondeu com sensibilidade a tudo que preocupava o público russo, reproduziu a vida em suas manifestações dramáticas e trágicas. É por isso que Dobrolyubov se apegou tão teimosamente à definição de "o jogo da vida", vendo nela não tanto um significado convencional de gênero quanto o próprio princípio de reproduzir a vida moderna no drama. Na verdade, Ostrovsky falou sobre o mesmo princípio: “Muitas regras condicionais desapareceram e algumas outras desaparecerão. Agora as obras dramáticas não passam de uma vida dramatizada. "Esse princípio determinou o desenvolvimento dos gêneros dramáticos ao longo das décadas subsequentes do século 19. Em termos de gênero, The Thunderstorm é uma tragédia social.

A.I. Revyakin observa com razão que a principal característica da tragédia - "a imagem das contradições irreconciliáveis ​​da vida que causam a morte do protagonista, que é uma pessoa notável" - é evidente em The Thunderstorm. A representação da tragédia popular, é claro, levou a novas e originais formas construtivas de sua encarnação. Ostrovsky repetidamente se manifestou contra a maneira inerte e tradicional de construir obras dramáticas. Thunderstorm também foi inovador nesse sentido. Ele falou sobre isso, não sem ironia, em uma carta a Turgenev datada de 14 de junho de 1874, em resposta a uma proposta de imprimir The Thunderstorm em tradução francesa: “Não interfere na impressão de The Thunderstorm em uma boa tradução francesa, pode impressionar com sua originalidade; mas se deve ser colocado no palco - pode-se pensar nisso. Aprecio muito a habilidade dos franceses para fazer jogadas e tenho medo de ofender seu gosto delicado com minha terrível inépcia. Do ponto de vista francês, a construção do Thunderstorm é feia, mas deve-se admitir que geralmente não é muito coerente. Quando escrevi The Thunderstorm, me empolguei ao terminar os papéis principais e, com uma frivolidade imperdoável, "reagi à forma e, ao mesmo tempo, estava com pressa de acompanhar o desempenho beneficente do falecido Vasiliev".

O raciocínio de A.I. Zhuravleva sobre a originalidade do gênero de “Tempestade” é curioso: “O problema da interpretação do gênero é o mais importante na análise desta peça. Se nos voltarmos para as tradições científico-críticas e teatrais da interpretação desta peça, podemos distinguir duas tendências predominantes. Uma delas é ditada pelo entendimento de A Trovoada como um drama social e doméstico, no qual a vida cotidiana é de particular importância. A atenção dos diretores e, portanto, dos espectadores é, por assim dizer, distribuída igualmente entre todos os participantes da ação, cada pessoa recebe igual importância.

Outra interpretação é determinada pelo entendimento de “Tempestade” como uma tragédia. Zhuravleva acredita que tal interpretação é mais profunda e tem "maior suporte no texto", apesar do fato de que a interpretação de "Tempestade" como drama é baseada na definição de gênero do próprio Ostrovsky. A pesquisadora observa com razão que "esta definição é um tributo à tradição". De fato, toda a história anterior da dramaturgia russa não forneceu exemplos de uma tragédia em que os heróis seriam indivíduos particulares, e não figuras históricas, mesmo lendárias. "Tempestade" a este respeito permaneceu um fenômeno único. O ponto-chave para a compreensão do gênero de uma obra dramática, neste caso, não é o “status social” dos personagens, mas, sobretudo, a natureza do conflito. Se entendermos a morte de Katerina como resultado de uma colisão com sua sogra, para vê-la como vítima da opressão familiar, então a escala dos heróis realmente parece pequena para uma tragédia. Mas se você ver que o destino de Katerina foi determinado pelo choque de duas eras históricas, a natureza trágica do conflito parece bastante natural.

Um sinal típico da estrutura trágica é a sensação de catarse experimentada pelo público durante o desenlace. Com a morte, a heroína se liberta tanto da opressão quanto das contradições internas que a atormentam.

Assim, o drama social da vida da classe mercantil se transforma em tragédia. Ostrovsky foi capaz de mostrar o ponto de virada que marca uma época que está ocorrendo na consciência das pessoas comuns através de um conflito amoroso-cotidiano. O despertar do senso de personalidade e uma nova atitude em relação ao mundo, baseada não na vontade individual, resultou em antagonismo irreconciliável não apenas com o estado real e mundano do modo de vida patriarcal moderno de Ostrovsky, mas também com a ideia ideal de moralidade inerente a uma alta heroína.

Essa transformação do drama em tragédia deveu-se também ao triunfo do elemento lírico em The Thunderstorm.

O simbolismo do título da peça é importante. Em primeiro lugar, a palavra "tempestade" tem um significado direto em seu texto. A imagem-título é incluída pelo dramaturgo no desenvolvimento da ação, participa diretamente dela como fenômeno natural. O motivo de uma tempestade se desenvolve na peça do primeiro ao quarto ato. Ao mesmo tempo, a imagem de uma tempestade também foi recriada por Ostrovsky como uma paisagem: nuvens escuras cheias de umidade (“como se uma nuvem estivesse se enrolando em uma bola”), sentimos o ar abafado, ouvimos trovões, congelar diante da luz do relâmpago.

O título da peça também tem um significado figurativo. A tempestade está furiosa na alma de Katerina, se reflete na luta de princípios criativos e destrutivos, na colisão de pressentimentos brilhantes e sombrios, sentimentos bons e pecaminosos. As cenas com Grokha parecem impulsionar a ação dramática da peça.

A tempestade na peça também adquire um significado simbólico, expressando a ideia de toda a obra como um todo. A aparição no reino sombrio de pessoas como Katerina e Kuligin é uma tempestade sobre Kalinov. A tempestade na peça transmite a natureza catastrófica da vida, o estado do mundo dividido em dois. A multiplicidade e versatilidade do título da peça torna-se uma espécie de chave para uma compreensão mais profunda de sua essência.

“Na peça de Ostrovsky, que leva o nome de “Tempestade”, escreveu A. D. Galakhov, “a ação e a atmosfera são trágicas, embora muitos lugares provoquem risadas”. The Thunderstorm combina não apenas o trágico e o cômico, mas, o que é especialmente importante, o épico e o lírico. Tudo isso determina a originalidade da composição da peça. V.E. Meyerhold escreveu excelentemente sobre isso: “A peculiaridade da construção da Trovoada é que Ostrovsky dá o ponto mais alto de tensão no quarto ato (e não na segunda foto do segundo ato), e o fortalecimento é notado no roteiro não é gradual (do segundo ato ao terceiro ao quarto), mas com um empurrão, ou melhor, com dois empurrões; a primeira subida é indicada no segundo ato, na cena da despedida de Katerina a Tikhon (a subida é forte, mas ainda não muito), e a segunda subida (muito forte - este é o empurrão mais sensível) no quarto ato, no momento do arrependimento de Katerina.

Entre esses dois atos (como se estivessem no topo de duas colinas desiguais, mas acentuadamente ascendentes) - o terceiro ato (com ambas as imagens) fica, por assim dizer, em um vale.

É fácil perceber que o esquema interno da construção de A Tempestade, sutilmente revelado pelo diretor, é determinado pelos estágios de desenvolvimento da personagem de Katerina, os estágios de seu desenvolvimento, seus sentimentos por Boris.

A. Anastasiev observa que a peça de Ostrovsky tem seu próprio destino especial. Por muitas décadas, "Tempestade" não deixou o palco dos teatros russos, N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasilyev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova ficaram famosos por suas performances dos papéis principais, P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen, V.N. Pashennaya. E, ao mesmo tempo, "os historiadores do teatro não testemunharam performances integrais, harmoniosas e marcantes". O mistério não resolvido dessa grande tragédia está, segundo o pesquisador, "nas suas muitas ideias, na mais forte liga de inegável, incondicional, verdade histórica concreta e simbolismo poético, na combinação orgânica de ação real e um início lírico profundamente oculto. "

Normalmente, quando se fala do lirismo de "Tempestade", eles querem dizer, antes de tudo, o sistema lírico da visão de mundo do personagem principal da peça, eles também falam sobre o Volga, que se opõe em sua forma mais geral ao o modo de vida "celeiro" e que causa as efusões líricas de Kuligin. Mas o dramaturgo não poderia - em virtude das leis do gênero - incluir o Volga, as belas paisagens do Volga, em geral, a natureza no sistema de ação dramática. Ele mostrou apenas a maneira pela qual a natureza se torna um elemento integrante da ação do palco. A natureza aqui não é apenas objeto de admiração e admiração, mas também o principal critério para avaliar tudo o que existe, permitindo ver o alogismo, a antinaturalidade da vida moderna. “Ostrovsky escreveu Thunderstorm? "Tempestade" Volga escreveu! - exclamou o famoso crítico e crítico de teatro S. A. Yuryev.

“Todo verdadeiro trabalhador cotidiano é ao mesmo tempo um verdadeiro romântico”, dirá mais tarde a conhecida figura do teatro A. I. Yuzhin-Sumbatov, referindo-se a Ostrovsky. Romântico no sentido amplo da palavra, surpreso com a correção e severidade das leis da natureza e a violação dessas leis na vida pública. Ostrovsky falou sobre isso em uma de suas primeiras anotações em seu diário depois de chegar aos lugares de Kostroma: “E do outro lado do Volga, diretamente em frente à cidade, existem duas aldeias; um é especialmente pitoresco, do qual o bosque mais encaracolado se estende até o Volga, o sol ao pôr do sol de alguma forma milagrosamente subiu nele, desde a raiz, e fez muitos milagres.

A partir deste esboço de paisagem, Ostrovsky raciocinou:

“Estou exausto olhando para isso. Natureza - você é um amante fiel, apenas terrivelmente luxurioso; não importa o quanto você o ame, você ainda está insatisfeito; paixão insatisfeita ferve em seus olhos, e por mais que você jure que não pode satisfazer seus desejos, você não fica com raiva, não se afasta, mas olha tudo com seus olhos apaixonados, e esses olhos cheios de expectativa são a execução e tormento para uma pessoa.

O lirismo de The Thunderstorm, tão específico na forma (Ap. Grigoriev sutilmente comentou sobre isso: “... como se não um poeta, mas um povo inteiro criado aqui ...”), surgiu precisamente na base da proximidade o mundo do herói e do autor.

Nas décadas de 1950 e 1960, a orientação para um começo natural saudável tornou-se o princípio social e ético não apenas de Ostrovsky, mas de toda a literatura russa: de Tolstoi e Nekrasov a Chekhov e Kuprin. Sem esta peculiar manifestação da voz do "autor" nas obras dramáticas, não podemos compreender plenamente o psicologismo de "A pobre noiva", e a natureza da letra em "Tempestade" e "Dote", e a poética do novo drama de o final do século 19.

No final da década de 1960, o trabalho de Ostrovsky estava se expandindo tematicamente. Ele mostra como o novo se mistura com o velho: nas imagens usuais de seus mercadores, vemos brilho e laicidade, educação e modos "agradáveis". Eles não são mais déspotas estúpidos, mas compradores predatórios, segurando em seus punhos não apenas uma família ou uma cidade, mas províncias inteiras. Em conflito com eles estão as pessoas mais diversas, seu círculo é infinitamente amplo. E o pathos acusatório das peças é mais forte. O melhor deles: "Coração Quente", "Dinheiro Louco", "Floresta", "Lobos e Ovelhas", "Última Vítima", "Dote", "Talentos e Admiradores".

As mudanças na obra de Ostrovsky do último período são muito claramente visíveis, se compararmos, por exemplo, "Hot Heart" com "Thunderstorm". O comerciante Kuroslepov é um eminente comerciante da cidade, mas não tão formidável quanto Wild, ele é bastante excêntrico, não entende a vida e está ocupado com seus sonhos. Sua segunda esposa, Matryona, está claramente tendo um caso com o balconista Narkis. Ambos roubam o proprietário, e Narkis quer se tornar um comerciante. Não, o “reino sombrio” não é monolítico agora. O modo de vida de Domostroiévski não salvará mais a vontade própria do prefeito Gradoboev. A folia desenfreada do rico comerciante Khlynov é um símbolo da queima da vida, da decadência, do absurdo: Khlynov ordena que as ruas sejam derramadas com champanhe.

Parasha é uma garota com um "coração quente". Mas se Katerina em The Thunderstorm acaba sendo vítima de um marido não correspondido e um amante de vontade fraca, então Parasha está ciente de sua poderosa força espiritual. Ela também quer voar. Ela ama e amaldiçoa a fraqueza de caráter, a indecisão de seu amante: "Que tipo de cara é esse, que tipo de bebê chorão imposto a mim ... Aparentemente, eu mesma deveria pensar na minha própria cabeça".

Com grande tensão, o desenvolvimento do amor de Yulia Pavlovna Tugina por seu indigno jovem folião Dulchin é mostrado em A Última Vítima. Nos dramas posteriores de Ostrovsky, há uma combinação de situações repletas de ação com uma descrição psicológica detalhada dos personagens principais. Grande ênfase é colocada nas vicissitudes do tormento que vivenciam, em que a luta do herói ou heroína consigo mesmo, com seus próprios sentimentos, erros e suposições passa a ocupar um grande lugar.

A este respeito, "Dowry" é característico. Aqui, talvez, pela primeira vez, o autor focaliza o próprio sentimento da heroína, que escapou dos cuidados da mãe e do antigo modo de vida. Nesta peça, não há uma luta entre a luz e as trevas, mas a luta do próprio amor por seus direitos e liberdade. A própria Larisa Paratova preferia Karandysheva. As pessoas ao seu redor abusaram cinicamente dos sentimentos de Larisa. A mãe que queria “vender” a filha, uma “sem dote” por um homem de dinheiro, convencida de que ele seria o dono de tal tesouro, ficou indignada. Paratov abusou dela, enganando suas melhores esperanças e considerando o amor de Larisa um dos prazeres fugazes. Knurov e Vozhevatov também abusaram, jogando Larisa no lance entre eles.

Que tipo de cínicos, prontos para falsificar, chantagear, subornar para fins egoístas, proprietários de terras transformados na Rússia pós-reforma, aprendemos com a peça "Ovelhas e lobos". Os “lobos” são o proprietário de terras Murzavetskaya, o proprietário de terras Berkutov, e as “ovelhas” são a jovem viúva rica Kupavina, o cavalheiro idoso e fraco Lynyaev. Murzavetskaya quer casar seu sobrinho dissoluto com Kupavina, "assustando-a" com as contas antigas de seu falecido marido. Na verdade, as contas foram forjadas por um advogado de confiança, Chugunov, que atende igualmente Kupavina. Berkutov veio de São Petersburgo, um proprietário de terras - e um empresário, mais vil que os canalhas locais. Ele imediatamente percebeu qual era o problema. Kupavina com suas enormes capitais assumiu, sem falar de sentimentos. Habilmente "papagaiando" Murzavetskaya expondo a falsificação, ele imediatamente concluiu uma aliança com ela: é importante para ele ganhar a votação nas eleições para os líderes da nobreza. Ele é um verdadeiro "lobo" e é, todo o resto ao lado dele são "ovelhas". Ao mesmo tempo, não há divisão nítida em canalhas e inocentes na peça. Entre os "lobos" e "ovelhas" como se houvesse algum tipo de conspiração vil. Todos jogam guerra uns com os outros e, ao mesmo tempo, facilmente se acomodam e encontram um benefício comum.

Uma das melhores peças de todo o repertório de Ostrovsky, aparentemente, é a peça Culpado Sem Culpa. Combina os motivos de muitas obras anteriores. A atriz Kruchinina, personagem principal, uma mulher de alta cultura espiritual, viveu uma grande tragédia na vida. Ela é bondosa e de coração generoso e a sábia Kruchinina está no auge da bondade e do sofrimento. Se quiser, ela e o “raio de luz” no “reino sombrio”, ela e a “última vítima”, ela e o “coração quente”, ela e o “dote”, ao seu redor são “admiradores”, que isto é, “lobos” predadores, gananciosos e cínicos. Kruchinina, ainda não assumindo que Neznamov é seu filho, o instrui na vida, revela seu coração inflexível: “Sou mais experiente que você e vivi mais no mundo; Eu sei que nas pessoas há muita nobreza, muito amor, abnegação, principalmente nas mulheres.

Esta peça é um panegírico à mulher russa, a apoteose de sua nobreza e auto-sacrifício. Esta é a apoteose do ator russo, cuja verdadeira alma Ostrovsky conhecia bem.

Ostrovsky escreveu para o teatro. Esta é a peculiaridade de seu dom. As imagens e imagens da vida que ele criou são destinadas ao palco. É por isso que a fala dos personagens de Ostrovsky é tão importante, é por isso que suas obras soam tão brilhantes. Não é à toa que Innokenty Annensky o chamou de "auditor realista". Sem encenação no palco, suas obras eram como se não estivessem concluídas, razão pela qual Ostrovsky encarou tanto a proibição de suas peças pela censura teatral. (A comédia "Our People - Let's Settle" foi autorizada a ser encenada no teatro apenas dez anos depois que Pogodin conseguiu publicá-la em uma revista.)

Com um sentimento de satisfação indisfarçável, A. N. Ostrovsky escreveu em 3 de novembro de 1878 a seu amigo, artista do Teatro Alexandrinsky A. F. Burdin: "O Dote" foi unanimemente reconhecido como o melhor de todos os meus trabalhos.

Ostrovsky viveu "Dowry", às vezes apenas nela, sua quadragésima coisa, dirigiu "sua atenção e força", querendo "acabar" com ela da maneira mais completa. Em setembro de 1878, ele escreveu a um de seus conhecidos: "Estou trabalhando em minha peça com todas as minhas forças; parece que não vai acabar mal".

Já um dia após a estreia, em 12 de novembro, Ostrovsky pôde descobrir, e sem dúvida aprendeu com Russkiye Vedomosti, como conseguiu "cansar todo o público, mesmo os espectadores mais ingênuos". Pois ela - o público - claramente "superou" aqueles espetáculos que ele lhe oferece.

Na década de 1970, a relação de Ostrovsky com a crítica, os teatros e o público tornou-se cada vez mais complicada. O período em que gozou de reconhecimento universal, conquistado por ele no final dos anos 50 e início dos anos 60, foi substituído por outro, que crescia cada vez mais em diferentes círculos de resfriamento em relação ao dramaturgo.

A censura teatral era mais severa do que a censura literária. Isso não é coincidência. Em essência, a arte teatral é democrática, é mais direta que a literatura, é dirigida ao grande público. Ostrovsky em sua "Nota sobre a situação da arte dramática na Rússia no momento" (1881) escreveu que "a poesia dramática está mais próxima do povo do que outros ramos da literatura. Todas as outras obras são escritas para pessoas educadas, e dramas e comédias - para todo o povo; os dramaturgos devem sempre lembrar-se disso, devem ser claros e fortes. Esta proximidade com o povo não humilha em nada a poesia dramática, mas, pelo contrário, duplica a sua força e impede-a de se tornar vulgar e mesquinho." Ostrovsky fala em sua "Nota" sobre como o público teatral na Rússia se expandiu após 1861. Ostrovsky escreve sobre um novo espectador, não experiente em arte: “A boa literatura ainda é chata para ele e incompreensível, a música também, só o teatro lhe dá prazer completo, lá ele experimenta tudo o que acontece no palco como uma criança, simpatiza com o bom e reconhece o mal, claramente apresentado." Para um "público fresco", escreveu Ostrovsky, "é necessário um drama forte, uma grande comédia, um riso desafiador, franco, alto, sentimentos quentes e sinceros". É o teatro, segundo Ostrovsky, que tem suas raízes no espetáculo folclórico, tem a capacidade de influenciar direta e fortemente a alma das pessoas. Duas décadas e meia depois, Alexander Blok, falando de poesia, escreverá que a sua essência reside nas verdades principais, "caminhantes", na capacidade de as transmitir ao coração do leitor.

Sigam em frente, chatos de luto!

Atores, dominem o ofício,

Para da verdade ambulante

Todos se sentiam doentes e leves!

("Balagan"; 1906)

A grande importância que Ostrovsky atribuiu ao teatro, seus pensamentos sobre a arte teatral, sobre a posição do teatro na Rússia, sobre o destino dos atores - tudo isso se refletiu em suas peças.

Na vida do próprio Ostrovsky, o teatro desempenhou um papel enorme. Participou da produção de suas peças, trabalhou com atores, foi amigo de muitos deles, correspondeu. Ele se esforçou muito para defender os direitos dos atores, buscando criar uma escola de teatro na Rússia, seu próprio repertório.

Ostrovsky conhecia bem a vida interior, escondida dos olhos do público, nos bastidores do teatro. Começando com "A Floresta" (1871), Ostrovsky desenvolve o tema do teatro, cria imagens de atores, retrata seu destino - esta peça é seguida por "Comediante do século XVII" (1873), "Talentos e admiradores" (1881 ), "Culpado Sem Culpa" (1883).

O teatro na imagem de Ostrovsky vive de acordo com as leis desse mundo, que é familiar ao leitor e ao espectador de suas outras peças. A forma como os destinos dos artistas são formados é determinada pelos costumes, relações, circunstâncias da vida "comum". A capacidade de Ostrovsky de recriar uma imagem viva e precisa do tempo também se manifesta plenamente em peças sobre atores. Esta é a Moscou da era do czar Alexei Mikhailovich ("Comediante do século XVII"), uma cidade provinciana moderna para Ostrovsky ("Talentos e Admiradores", "Culpado Sem Culpa"), uma propriedade nobre ("Floresta").

Na vida do teatro russo, que Ostrovsky conhecia tão bem, o ator era uma pessoa forçada, que estava em dependência múltipla. “Depois havia um tempo para favoritos, e toda a diligência gerencial do inspetor de repertório consistia em instruções ao diretor-chefe para tomar todo o cuidado possível ao compilar o repertório para que os favoritos que recebessem grandes pagamentos por apresentação tocassem todos os dias e, se possível, , em dois teatros”, escreveu Ostrovsky em “Uma Nota sobre Projeto de Regras sobre Teatros Imperiais para Obras Dramáticas” (1883).

No retrato de Ostrovsky, os atores podem se tornar quase mendigos, como Neschastlivtsev e Schastlivtsev em A Floresta, humilhados, perdendo sua forma humana devido à embriaguez, como Robinson em O Dote, como Shmaga em Culpado Sem Culpa, como Erast Gromilov em Talentos e admiradores", "Nós, os artistas, nosso lugar é no bufê", - Shmaga diz com desafio e ironia maliciosa.

Teatro, a vida das atrizes provincianas no final dos anos 70, na época em que Ostrovsky escrevia peças sobre atores, mostra M.E. Saltykov-Shchedrin no romance "Senhores Golovlyov". As sobrinhas de Yudushka Lyubinka e Anninka se tornam atrizes, escapando da vida de Golovlev, mas acabam em um presépio. Eles não tinham talento, nenhum treinamento, não haviam estudado atuação, mas tudo isso não era necessário no palco provincial. A vida dos atores aparece nas memórias de Anninka como um inferno, como um pesadelo: "Aqui está uma cena com cenário fuliginoso, capturado e escorregadio de umidade; aqui ela mesma está girando no palco, apenas girando, imaginando que está tocando ... Noites de embriaguez e belicosidade; transeuntes donos de terras tirando apressadamente um verde de suas carteiras magras; garra mercantil animando os “atores” quase com um chicote nas mãos. E a vida nos bastidores é feia, e o que se passa no palco é feio: “... , e a bela Elena, com uma fenda na frente, atrás e de todos os lados... Nada além de descaramento e nudez... assim tem sido a vida!" Esta vida leva Lubinka ao suicídio.

As coincidências entre Shchedrin e Ostrovsky na representação do teatro provincial são naturais - ambos escrevem sobre o que sabiam bem, escrevem a verdade. Mas Shchedrin é um satirista impiedoso, ele exagera tanto, a imagem se torna grotesca, enquanto Ostrovsky dá uma imagem objetiva da vida, seu "reino sombrio" não é desesperador - não foi à toa que N. Dobrolyubov escreveu sobre um "raio de leve".

Essa característica de Ostrovsky foi notada pelos críticos mesmo quando suas primeiras peças apareceram. "... A capacidade de retratar a realidade como ela é - "fidelidade matemática à realidade", a ausência de qualquer exagero... Todas essas não são as marcas da poesia de Gogol; todas essas são as marcas da nova comédia", B . Almazov escreveu no artigo "Sonho por ocasião de uma comédia. Já em nosso tempo, o crítico literário A. Skaftymov em sua obra "Belinsky e a dramaturgia de A.N. Ostrovsky" observou que "a diferença mais marcante entre as peças de Gogol e Ostrovsky é que Gogol não tem uma vítima do vício, e Ostrovsky sempre tem uma vítima sofredora do vício... Representando o vício, Ostrovsky protege algo dele, protege alguém... Assim, todo o conteúdo da peça muda para apresentar com nitidez a legitimidade interior, a verdade e a poesia da genuína humanidade, oprimidos e expulsos em uma atmosfera de auto-interesse dominante e engano. A abordagem de Ostrovsky para retratar a realidade, que é diferente da de Gogol, é explicada, é claro, pela originalidade de seu talento, pelas propriedades "naturais" do artista, mas também (isso não deve ser esquecido) pela mudança do tempo: atenção redobrada ao indivíduo, aos seus direitos, reconhecimento do seu valor.

DENTRO E. Nemirovich-Danchenko em seu livro "O nascimento do teatro" escreve sobre o que torna as peças de Ostrovsky especialmente cênicas: "a atmosfera de bondade", "simpatia clara e firme do lado do ofendido, ao qual a sala do teatro é sempre extremamente sensível ."

Nas peças sobre teatro e atores, Ostrovsky certamente tem a imagem de um verdadeiro artista e uma pessoa maravilhosa. Na vida real, Ostrovsky conhecia muitas pessoas excelentes no mundo do teatro, muito apreciadas e respeitadas. Um papel importante em sua vida foi desempenhado por L. Nikulina-Kositskaya, que interpretou brilhantemente Katerina em The Thunderstorm. Ostrovsky era amigo do artista A. Martynov, ele apreciava muito N. Rybakov, G. Fedotova, M. Yermolova tocou em suas peças; P. Strepetova.

Na peça Culpado Sem Culpa, a atriz Elena Kruchinina diz: "Sei que as pessoas têm muita nobreza, muito amor, altruísmo". E a própria Otradina-Kruchinina pertence a pessoas tão maravilhosas e nobres, ela é uma artista maravilhosa, inteligente, significativa, sincera.

"Oh, não chore; eles não valem suas lágrimas. Você é uma pomba branca em um bando de gralhas negras, então eles bicam você. Sua brancura, sua pureza é ofensiva para eles", diz Narokov a Sasha Negina em Talentos e Admiradores.

A imagem mais vívida de um nobre ator criado por Ostrovsky é o trágico Neschastlivtsev em A Floresta. Ostrovsky retrata uma pessoa "viva", com um destino difícil, com uma história de vida triste. Neschastlivtsev, que bebe muito, não pode ser chamado de "pomba branca". Mas ele muda ao longo da peça, a situação do enredo lhe dá a oportunidade de revelar plenamente as melhores características de sua natureza. Se, a princípio, o comportamento de Neschastlivtsev mostra, pela postura inerente ao trágico provinciano, uma predileção pela recitação pomposa (nesses momentos ele é ridículo); se, jogando o mestre, ele se encontra em situações ridículas, então, tendo entendido o que está acontecendo na propriedade Gurmyzhskaya, que lixo é sua amante, ele participa ardentemente do destino de Aksyusha, mostra excelentes qualidades humanas. Acontece que o papel de um herói nobre é orgânico para ele, esse é realmente o papel dele - e não apenas no palco, mas também na vida.

Na sua opinião, arte e vida estão inextricavelmente ligadas, o ator não é um hipócrita, nem um pretendente, sua arte é baseada em sentimentos genuínos, experiências genuínas, não deve ter nada a ver com fingimento e mentiras na vida. Este é o significado da observação que Gurmyzhskaya e toda a sua companhia de Neschastlivtsev lançam: "... Nós somos artistas, artistas nobres e comediantes são vocês."

Gurmyzhskaya acaba sendo o principal comediante na performance de vida que se desenrola em The Forest. Ela escolhe para si um papel atraente e bonito de uma mulher de regras morais rígidas, uma filantropa generosa que se dedicou às boas ações ("Senhores, vivo para mim? Tudo o que tenho, todo o meu dinheiro pertence aos pobres. Eu sou apenas uma escriturária com meu dinheiro, e seu mestre é todo pobre, todo infeliz", ela inspira aqueles ao seu redor). Mas tudo isso é hipocrisia, uma máscara que esconde seu verdadeiro rosto. Gurmyzhskaya está enganando, fingindo ser bondosa, ela nem pensou em fazer algo pelos outros, ajudando alguém: “Por que me emocionei! Gurmyzhskaya não apenas desempenha um papel completamente estranho para ela, mas também força os outros a jogar junto com ela, impõe a eles papéis que devem apresentá-la sob a luz mais favorável: Neschastlivtsev é designado para desempenhar o papel de um sobrinho agradecido e amoroso . Aksyusha - o papel da noiva, Bulanov - noivo de Aksyusha. Mas Aksyusha se recusa a fazer uma comédia para ela: "Eu não vou me casar com ele, então por que essa comédia?" Gurmyzhskaya, não mais escondendo o fato de que ela é a diretora da peça que está sendo representada, rudemente coloca Aksyusha em seu lugar: "Comédia! comédia."

O comediante Schastlivtsev, que se mostrou mais perspicaz do que o trágico Neschastlivtsev, que a princípio aceitou o desempenho de Gurmyzhskaya com fé, descobriu a situação real diante dele, diz a Neschastlivtsev: “O estudante do ensino médio, aparentemente, é mais inteligente; ele interpreta um papel melhor aqui do que o seu... Ele é um amante, e você é... um simplório.

Antes que o espectador apareça o real, sem uma máscara farisaica protetora, Gurmyzhskaya - uma senhora gananciosa, egoísta, enganosa e depravada. O desempenho que ela jogou perseguiu objetivos baixos, vis e sujos.

Muitas das peças de Ostrovsky apresentam um falso "teatro" da vida. Podkhalyuzin na primeira peça de Ostrovsky "Nosso povo - vamos resolver" desempenha o papel do proprietário mais dedicado e fiel de uma pessoa e, assim, atinge seu objetivo - tendo enganado Bolshov, ele próprio se torna o proprietário. Glumov na comédia "Enough Stupidity for Every Wise Man" constrói sua carreira em um jogo complexo, colocando uma ou outra máscara. Apenas o acaso o impediu de atingir seu objetivo na intriga que havia iniciado. Em "Dowry" não só Robinson, entretendo Vozhevatov e Paratov, aparece como um senhor. O engraçado e lamentável Karandyshev tenta parecer importante. Tendo se tornado o noivo de Larisa, ele "... levantou a cabeça tão alto que tropeçaria em alguém. E ele colocou óculos por algum motivo, mas nunca os usou. Ele se curva - mal balança a cabeça", diz Vozhevatov. Tudo o que Karandyshev faz é artificial, tudo é para exibição: o cavalo miserável que ele ganhou, o tapete com armas baratas na parede e o jantar que ele prepara. O homem de Paratov - prudente e sem alma - desempenha o papel de uma natureza quente e desenfreada.

Teatro na vida, máscaras imponentes nascem do desejo de disfarçar, esconder algo imoral, vergonhoso, passar de preto por branco. Por trás de tal desempenho geralmente está o cálculo, a hipocrisia, o interesse próprio.

Neznamov na peça "Culpada sem culpa", sendo vítima da intriga que Korinkina começou, e acreditando que Kruchinina apenas fingia ser uma mulher gentil e nobre, diz amargamente: "Atriz! atriz! então jogue no palco. Eles pagam dinheiro por um bom pretexto E para jogar na vida por corações simples e crédulos que não precisam de jogo, que pedem a verdade... devem ser executados por isso... não precisamos de engano! , a pura verdade!" O herói da peça aqui expressa uma ideia muito importante para Ostrovsky sobre o teatro, sobre seu papel na vida, sobre a natureza e o propósito da atuação. Ostrovsky contrasta comédia e hipocrisia na vida com arte cheia de verdade e sinceridade no palco. Um verdadeiro teatro, uma peça inspirada por um artista é sempre moral, traz o bem, ilumina uma pessoa.

As peças de Ostrovsky sobre atores e teatro, que refletiam com precisão as circunstâncias da realidade russa nas décadas de 1970 e 1980, contêm pensamentos sobre arte que ainda estão vivos hoje. São pensamentos sobre o destino difícil, às vezes trágico, de um verdadeiro artista, que, ao se realizar, se gasta, se queima, sobre a felicidade que encontra na criatividade, na doação completa, sobre a alta missão da arte, que afirma o bem e humanidade. O próprio Ostrovsky se expressou, revelou sua alma nas peças que criou, talvez especialmente com franqueza em peças sobre teatro e atores. Muito neles está em consonância com o que o poeta do nosso século escreve em versos maravilhosos:

Quando o sentimento dita a linha

Ele envia um escravo para o palco,

E é aqui que a arte termina.

E o solo e o destino respiram.

(B. Pasternak " Ah eu saberia

o que acontece... ").

Gerações inteiras de notáveis ​​artistas russos cresceram nas produções das peças de Ostrovsky. Além dos Sadovskys, também existem Martynov, Vasiliev, Strepetov, Yermolov, Massalitinov, Gogolev. As paredes do Teatro Maly viram o grande dramaturgo ao vivo, e suas tradições ainda estão crescendo no palco.

A habilidade dramática de Ostrovsky é propriedade do teatro moderno, objeto de estudo minucioso. Não é de todo desatualizado, apesar de algumas técnicas antiquadas. Mas essa antiquada é exatamente a mesma do teatro de Shakespeare, Molière, Gogol. São diamantes antigos e genuínos. As peças de Ostrovsky contêm possibilidades ilimitadas para performance de palco e crescimento de atuação.

A principal força do dramaturgo é a verdade conquistadora, a profundidade da tipificação. Dobrolyubov também observou que Ostrovsky retrata não apenas tipos de comerciantes, proprietários de terras, mas também tipos universais. Diante de nós estão todos os sinais da arte mais elevada, que é imortal.

A originalidade da dramaturgia de Ostrovsky, sua inovação manifesta-se especialmente claramente na tipificação. Se ideias, temas e enredos revelam a originalidade e inovação do conteúdo da dramaturgia de Ostrovsky, então os princípios de tipificação de personagens já se relacionam com sua representação artística, sua forma.

A. H. Ostrovsky, que continuou e desenvolveu as tradições realistas do drama da Europa Ocidental e da Rússia, foi atraído, via de regra, não por personalidades excepcionais, mas por personagens sociais comuns, comuns, de maior ou menor tipicidade.

Quase qualquer personagem de Ostrovsky é original. Ao mesmo tempo, o indivíduo em suas peças não contradiz o social.

Individualizando seus personagens, o dramaturgo descobre o dom da penetração mais profunda em seu mundo psicológico. Muitos episódios das peças de Ostrovsky são obras-primas da representação realista da psicologia humana.

“Ostrovsky”, escreveu Dobrolyubov com razão, “sabe como olhar as profundezas da alma de uma pessoa, sabe como distinguir a natureza de todas as deformidades e crescimentos externamente aceitos; é por isso que a opressão externa, o peso de toda a situação que esmaga uma pessoa, é sentida em suas obras muito mais fortemente do que em muitas histórias, terrivelmente ultrajantes em conteúdo, mas o lado externo e oficial da questão obscurece completamente o interno, lado humano. Dobrolyubov reconheceu uma das principais e melhores propriedades do talento de Ostrovsky na capacidade de "perceber a natureza, penetrar nas profundezas da alma de uma pessoa, captar seus sentimentos, independentemente da imagem de suas relações oficiais externas".

Ao trabalhar nos personagens, Ostrovsky aprimorava constantemente os métodos de sua habilidade psicológica, ampliando a gama de cores utilizadas, complicando as cores das imagens. Em seu primeiro trabalho, temos diante de nós personagens brilhantes, mas mais ou menos lineares dos personagens. Outros trabalhos são exemplos de uma divulgação mais aprofundada e complicada de imagens humanas.

Na dramaturgia russa, a escola de Ostrovsky é naturalmente designada. Inclui I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Soloviev, P. M. Nevezhin e A. Kupchinsky. Aprendendo com Ostrovsky, I. F. Gorbunov criou cenas maravilhosas do mercador pequeno-burguês e da vida artesanal. Seguindo Ostrovsky, A. A. Potekhin revelou em suas peças o empobrecimento da nobreza (“O Mais Novo Oráculo”), a essência predatória da rica burguesia (“Culpado”), o suborno, o carreirismo da burocracia (“O ouropel”), a beleza espiritual do campesinato (“Casaco de Pele de Ovelha - a alma humana”), o surgimento de novas pessoas de um armazém democrático (“Cut off chunk”). O primeiro drama de Potekhin, The Judgment of Man Not God, que apareceu em 1854, é uma reminiscência das peças de Ostrovsky escritas sob a influência do eslavofilismo. No final da década de 1950 e no início da década de 1960, as peças de I. E. Chernyshev, artista do Teatro Alexandrinsky e colaborador permanente da revista Iskra, eram muito populares em Moscou, São Petersburgo e nas províncias. Essas peças, escritas em espírito liberal-democrático, imitando claramente o estilo artístico de Ostrovsky, impressionaram pela exclusividade dos personagens principais, pela formulação afiada de questões morais e domésticas. Por exemplo, na comédia The Bridegroom from the Debt Office (1858) foi contado sobre um homem pobre que tentou se casar com um rico proprietário de terras, na comédia Happiness Is Not in Money (1859), um predador-comerciante sem alma é retratado, no drama Father of the Family (1860) tirano-proprietário, e na comédia "Spoiled Life" (1862) retrata um funcionário extremamente honesto e gentil, sua esposa ingênua e um véu desonrosamente traiçoeiro que violou sua felicidade.

Sob a influência de Ostrovsky, mais tarde, no final do século XIX e início do século XX, dramaturgos como A.I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naidenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich e muitos outros.

A autoridade indiscutível de Ostrovsky como o primeiro dramaturgo do país foi reconhecida por todas as figuras literárias progressistas. Apreciando muito a dramaturgia de Ostrovsky como “nacional”, ouvindo seus conselhos, L. N. Tolstoy lhe enviou a peça “O Primeiro Destilador” em 1886. Chamando Ostrovsky de "pai da dramaturgia russa", o autor de "Guerra e Paz" pediu a ele em uma carta de apresentação que lesse a peça e expressasse o "veredicto de seu pai" sobre ela.

As peças de Ostrovsky, as mais progressivas da dramaturgia da segunda metade do século XIX, constituem um passo em frente no desenvolvimento da arte dramática mundial, um capítulo independente e importante.

A enorme influência de Ostrovsky na dramaturgia dos povos russo, eslavo e outros é indiscutível. Mas seu trabalho não está ligado apenas ao passado. Ele vive ativamente no presente. Por sua contribuição ao repertório teatral, que é uma expressão da vida atual, o grande dramaturgo é nosso contemporâneo. A atenção ao seu trabalho não diminui, mas aumenta.

Ostrovsky por muito tempo atrairá os corações e mentes dos espectadores nacionais e estrangeiros com o pathos humanista e otimista de suas idéias, a profunda e ampla generalização de seus heróis, bons e maus, suas propriedades humanas universais, a singularidade de sua habilidade dramática original.

Qual é o mérito de A.N. Ostrovsky? Por que, de acordo com I.A. Goncharov, somente depois de Ostrovsky poderíamos dizer que temos nosso próprio teatro nacional russo? (Voltar para a epígrafe da lição)

Sim, houve "Undergrowth", "Woe from Wit", "Inspector General", houve peças de Turgenev, A.K. Tolstoy, Sukhovo-Kobylin, mas não foram suficientes! A maior parte do repertório teatral consistia em vaudeville vazio e melodramas traduzidos. Com o advento de Alexander Nikolayevich Ostrovsky, que dedicou todo o seu talento exclusivamente à dramaturgia, o repertório dos teatros mudou qualitativamente. Ele sozinho escreveu tantas peças quanto todos os clássicos russos juntos não escreveram: cerca de cinquenta! A cada temporada, há mais de trinta anos, os cinemas recebiam uma nova peça, ou até duas! Agora havia algo para jogar!

Houve uma nova escola de atuação, uma nova estética teatral, apareceu o "Teatro Ostrovsky", que se tornou propriedade de toda a cultura russa!

O que causou a atenção de Ostrovsky para o teatro? O próprio dramaturgo respondeu a essa pergunta da seguinte forma: “A poesia dramática está mais próxima do povo do que todos os outros ramos da literatura. Todas as outras obras são escritas para pessoas educadas, e dramas e comédias são escritas para todo o povo...”. Escrever para o povo, despertar sua consciência, moldar seu gosto é uma tarefa responsável. E Ostrovsky levou isso a sério. Se não houver teatro exemplar, o público simples pode confundir operetas e melodramas que irritam a curiosidade e a sensibilidade com arte real.

Assim, notamos os principais méritos de A.N. Ostrovsky para o teatro russo.

1) Ostrovsky criou o repertório teatral. Escreveu 47 peças originais e 7 peças em colaboração com jovens autores. Vinte peças foram traduzidas por Ostrovsky do italiano, inglês e francês.

2) Não menos importante é a diversidade de gêneros de sua dramaturgia: são “cenas e imagens” da vida de Moscou, crônicas dramáticas, dramas, comédias, o conto de fadas da primavera “A Donzela da Neve”.

3) Em suas peças, o dramaturgo retratou várias classes, personagens, profissões, criou 547 atores, do rei ao criado da taverna, com seus inerentes personagens, hábitos e falas únicas.

4) As peças de Ostrovsky cobrem um grande período histórico: do século XVII ao século X.

5) A ação das peças também ocorre nas propriedades dos proprietários, nas pousadas e nas margens do Volga. Nas avenidas e nas ruas das cidades do condado.

6) Os heróis de Ostrovsky - e isso é o principal - são personagens vivos com suas próprias características, maneiras, com seu próprio destino, com uma linguagem viva inerente apenas a esse herói.

Um século e meio se passou desde que a primeira apresentação foi encenada (janeiro de 1853; Don't Get in Your Sleigh), e o nome do dramaturgo não sai dos cartazes dos teatros, as apresentações são encenadas em vários palcos do mundo.

O interesse especialmente agudo por Ostrovsky surge em tempos difíceis, quando uma pessoa procura respostas para as perguntas mais importantes da vida: o que está acontecendo conosco? porque? o que nós somos? Talvez seja nesse momento que uma pessoa não tenha emoções, paixões, um senso de plenitude da vida. E ainda precisamos do que Ostrovsky escreveu: "E um suspiro profundo para todo o teatro, e lágrimas quentes não fingidas, discursos quentes que fluíssem direto para a alma".